Storia ed etnologia. Dati. Eventi. Finzione. Rogier van der Weyden (alias Roger de la Pastour, alias Zhora Lugovoy) Le più grandi opere dell'arte mondiale

04.09.2019

Rogier van der Weyden (1399/1400, Tournai - 18 giugno 1464, Bruxelles) - pittore olandese, insieme a Jan van Eyck, è considerato uno dei fondatori e maestri più influenti della prima pittura olandese. Il lavoro di Van der Weyden è focalizzato sulla comprensione dell'individualità della persona umana in tutta la sua profondità. Preservando lo spiritualismo della tradizione precedente, van der Weyden ha riempito i vecchi schemi pittorici con il concetto rinascimentale di una personalità umana attiva, integrandoli con profondo psicologismo e intensità emotiva. Alla fine della sua vita, secondo TSB, "abbandona l'universalismo della visione artistica del mondo di van Eyck e concentra tutta la sua attenzione sul mondo interiore dell'uomo".

Il futuro classico del Rinascimento settentrionale nacque nel 1399 o 1400 a Tournai (Ducato di Borgogna) nella famiglia di un coltellinaio (fr. maitre-coutelier) di nome Henri. Non ci sono praticamente informazioni affidabili sull'infanzia e sulla giovinezza del futuro maestro.

Anche il periodo dello sviluppo creativo di Rogier (a cui, a quanto pare, appartiene l’“Annunciazione” del Louvre) è scarsamente coperto dalle fonti. C'è un'ipotesi che sia stato Rogier in gioventù a creare le opere attribuite al cosiddetto. al maestro Flemal (un candidato più probabile per la loro paternità è il suo mentore Robert Campin). Lo studente aveva così padroneggiato il desiderio di Campen di saturare le scene bibliche con dettagli realistici della vita domestica che era quasi impossibile distinguere tra le loro opere dei primi anni Trenta del Quattrocento (entrambi gli artisti non firmavano le loro opere).

I primi tre anni di creatività pienamente indipendente di Rogier (dal 1432 al 1435) non sono documentati in alcun modo. Forse l'artista li trascorse a Bruges con van Eyck (con il quale probabilmente aveva già incrociato le sue strade a Tournai). In ogni caso, una delle composizioni più famose di Rogier, “Luke the Evangelist Painting the Madonna”, è intrisa dell’evidente influenza di un contemporaneo più antico.

È noto che nel 1435 l'artista e la sua famiglia si trasferirono a Bruxelles, che allora era una delle più grandi città europee e una delle residenze più importanti del potente duca di Borgogna. La Borgogna a quel tempo rappresentava una "terza forza" condizionale nell'Europa occidentale rispetto alla Francia, che stava conducendo l'estenuante Guerra dei Cent'anni, e al Sacro Romano Impero. Formalmente vassalli del re francese, all'inizio del XIV secolo i duchi di Borgogna concentrarono sotto il loro dominio vasti territori che attualmente appartengono ai Paesi Bassi, al Belgio, al Lussemburgo e alla Francia nord-orientale, e rivendicarono addirittura la creazione di un regno separato e distintivo. stato. Fu durante questo periodo unico nella storia delle terre basse, ora politicamente e territorialmente divise tra i paesi del Benelux, che si verificò la vita e il periodo di massimo splendore del lavoro di van der Weyden.

In connessione con il trasferimento nella città più importante del ducato, Bruxelles, dove la principale lingua di comunicazione era l'olandese, il maestro Roger de la Pasture trasferì il suo nome dal francese all'olandese e divenne Rogier van der Weyden. Nel marzo 1436 Rogier ricevette il titolo onorifico di “artista della città di Bruxelles” (flam. stadsschilder). L'artista vivrà a Bruxelles fino alla fine dei suoi giorni nel 1464.

All'inizio del periodo di Bruxelles risale la Deposizione dalla Croce, che ebbe un grandioso impatto emotivo sullo spettatore.

Tutti gli evangelisti menzionano la deposizione di Gesù dalla croce (in relazione alla sua posizione nel sepolcro), ma nessuno dei libri della Sacra Scrittura testimonia che la Madre di Dio, le mirofore e Giovanni il Teologo, che sono solitamente raffigurato in opere su questo argomento, ha partecipato alla rimozione.Il centro ideologico della composizione è il Cristo morto e la Vergine Maria, che è svenuta. Van der Weyden viola i canoni, conferendo al corpo della Vergine una posizione insolita, ma estremamente ricca emotivamente, come se facesse rima con la posizione del corpo del Figlio. Questa mossa audace e insolita simboleggia l'idea della devozione della Madre di Dio al Dio-uomo. La posizione delle mani di Cristo e di sua madre (i nuovi Adamo ed Eva) dirige lo sguardo dello spettatore verso il teschio di Adamo, illustrando così l'idea e l'essenza del sacrificio espiatorio compiuto dal Signore in nome dell'umanità caduta.

Altro capolavoro del Maestro giunto fino a noi è l'Altare della Vergine Maria, il cosiddetto Altare di Miraflores, esposto alla Galleria d'Arte di Berlino. Si ritiene che quest'opera sia stata eseguita nel 1445 per ordine del re castigliano Juan II, il quale, a sua volta, donò l'opera al monastero di Miraflores, vicino a Burgos. L'altare a tre foglie ci racconta i tre episodi più significativi della vita della Madre di Dio associata a suo Figlio: la tenerezza della Madre di Dio, il pianto di Cristo e l'apparizione del Figlio dell'Uomo risorto alla Vergine Maria .

La differenza tra Rogier e il grezzo realismo di Kampen e la raffinatezza del protorinascimento di Vaneykov è più evidente nel polittico “Il Giudizio Universale”. È stato scritto nel 1443-1454. commissionato dal cancelliere Nicolas Rolin per l'altare della cappella dell'ospedale, da quest'ultimo fondato nella città borgognona di Beaune.

È interessante notare che quest'opera si trova ancora nello stesso edificio per il quale Rogier una volta la eseguì, nella città di Beaune, nelle vicinanze di Digione. Sul pannello centrale c'è Cristo in gloria, direttamente sotto la sua immagine c'è l'Arcangelo Michele, che pesa le anime dei morti sulla sua bilancia. Alla destra di Cristo, la Madre di Dio, l'intercessore del genere umano, si inginocchiò, chiedendo umilmente al Figlio di perdonare alle persone i loro peccati. Sia Cristo che i santi che lo circondano sono seduti su nuvole di fuoco, sotto le quali si trova la terra bruciata. I cieli plumbei sono illuminati da lampi di fuoco infernale. I peccatori impenitenti li seguono tristemente all'inferno. I sopravvissuti si stanno dirigendo nella direzione opposta. Un angelo li incontra alle porte della Gerusalemme celeste. In termini di portata del suo design e abilità di esecuzione, “Il Giudizio Universale” è la pala d’altare di Gand di Rogier.

Nell'anno anniversario del 1450, Rogier van der Weyden viaggiò in Italia e visitò Roma, Ferrara e Firenze. Fu accolto calorosamente dagli umanisti italiani (è noto che Nicola da Cusa ebbe una lodevole recensione di lui), ma lui stesso era interessato principalmente ad artisti conservatori come Beato Angelico e Gentile da Fabriano.

Nella storia dell'arte è consuetudine associare a questo viaggio la prima conoscenza degli italiani con la tecnica della pittura ad olio, che Rogier padroneggia alla perfezione. Su commissione delle dinastie italiane dei Medici e degli Este, il fiammingo completò la "Madonna" degli Uffizi e il famoso ritratto di Francesco d'Este (1460, Metropolitan Museum of Art, New York). Le impressioni italiane furono rifratte nelle composizioni d'altare ( "Pala d'altare di Giovanni Battista", trittici " Sette Sacramenti" e "Adorazione dei Magi"), eseguiti da lui al suo ritorno nelle Fiandre.

I ritratti di Rogier hanno alcune caratteristiche comuni, in gran parte dovute al fatto che quasi tutti raffigurano rappresentanti della più alta nobiltà della Borgogna, il cui aspetto e comportamento sono stati influenzati dall'ambiente generale, dall'educazione e dalle tradizioni. L’artista disegna nel dettaglio le mani delle modelle (soprattutto le dita), nobilita e allunga i lineamenti dei loro volti.

Tra i più famosi ritratti esistenti della nobiltà borgognona attribuiti al Maestro ci sono le immagini di Filippo il Buono (dopo il 1450, Museo di Belle Arti (Digione)), dei suoi figli Carlo il Temerario (Pinacoteca di Berlino) e Antonio di Borgogna, il Bastard (Musei reali di belle arti (Bruxelles)), Philip I de Croix (1460, Museo reale di belle arti (Anversa)), Laurent Froymond (Musei reali di belle arti (Bruxelles)).

, “rifiuta l’universalismo della visione artistica del mondo di van Eyck e concentra tutta l’attenzione sul mondo interiore dell’uomo”.

Rogier van der Weyden
Olanda Roger van der Weyden

Nome di nascita	Ruggero de le Pasture
Data di nascita	né prima né dopo
Luogo di nascita
Data di morte	18 giugno
Un luogo di morte
Un paese
Genere	ritratto
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L'autoritratto più probabile di Rogier van der Weyden. Particolare di un arazzo con la storia di Traiano e Herkinbald, realizzato dal dipinto di Rogier “La Giustizia di Traiano” prima del 1461 (il dipinto andò perduto nel XVII secolo). Museo storico, Berna

nei primi anni

Anni di Bruxelles

Discesa dalla Croce

All'inizio del periodo di Bruxelles risale la Deposizione dalla Croce, che ebbe un grandioso impatto emotivo sullo spettatore.

Quest'opera fu commissionata dalla corporazione dei balestrieri di Lovanio e originariamente si trovava nella cappella cittadina, ma in seguito entrò in possesso della sorella di Carlo V e infine finì al Museo del Prado.

Tutti gli evangelisti menzionano la deposizione di Gesù dalla croce (in connessione con la sua posizione nel sepolcro), ma nessuno dei libri della Sacra Scrittura indica che la Madre di Dio, le donne portatrici di mirra e Giovanni il Teologo, fossero solitamente raffigurati nei lavori su questo argomento, ha partecipato alla rimozione.

Il centro ideologico della composizione è il Cristo morto e la Vergine Maria, svenuta. Van der Weyden viola i canoni, conferendo al corpo della Vergine una posizione insolita, ma estremamente ricca emotivamente, come se facesse rima con la posizione del corpo del Figlio. Questa mossa audace e insolita simboleggia l'idea della devozione della Madre di Dio al Dio-uomo. La posizione delle mani di Cristo e di sua madre dirige lo sguardo dello spettatore verso il teschio di Adamo, illustrando così l'idea e l'essenza del sacrificio espiatorio compiuto dal Signore in nome dell'umanità caduta.

Inoltre, Rogier ha rifiutato di rappresentare lo sfondo solitamente pittoresco nelle opere su questo argomento, concentrando l’attenzione dello spettatore esclusivamente sulle tragiche esperienze di numerosi personaggi che riempiono l’intero spazio del tabellone. Guardando l'altare non si può fare a meno di notare la speciale spiritualità dei personaggi, l'accuratezza e la forza della trasmissione emotiva trasmessa dal maestro attraverso la sua opera.

Altare di Miraflores

Un altro capolavoro del maestro giunto fino a noi è l'altare della Vergine Maria, il cosiddetto altare di Miraflores, esposto alla Galleria d'arte di Berlino. Si ritiene che l'opera sia stata completata nel 1445 per ordine del re castigliano Juan II, che a sua volta donò l'opera al monastero di Miraflores, vicino a Burgos. L'altare a tre foglie ci racconta i tre episodi più significativi della vita della Madre di Dio associata a suo Figlio: la tenerezza della Madre di Dio, il pianto di Cristo e l'apparizione del Figlio dell'Uomo risorto alla Vergine Maria.

Ultimo Giudizio

La differenza di Rogier dal grezzo realismo di Kampen e dalla raffinatezza del proto-rinascimento di Van Eyck si manifesta più chiaramente nel polittico “Il giudizio universale”. Fu dipinto nel 1445-1450 su ordine del cancelliere Nicolas Rolin per l'altare della cappella dell'ospedale Hôtel-Dieu, fondato da quest'ultimo nella città borgognona di Beaune, vicino a Digione. È interessante notare che fino ad oggi il polittico si trova nello stesso edificio per il quale Rogier lo dipinse una volta.

Sul pannello centrale c'è Cristo che esegue il Giudizio Universale, direttamente sotto la sua immagine c'è l'Arcangelo Michele, che pesa le anime dei morti sulla sua bilancia. Alla destra di Cristo, la Madre di Dio, l'intercessore del genere umano, si inginocchiò, chiedendo umilmente al Figlio di perdonare alle persone i loro peccati. Sia Cristo che i santi che lo circondano sono seduti su nuvole di fuoco, sotto le quali si trova la terra bruciata. I cieli plumbei sono illuminati da lampi di fuoco infernale. I peccatori impenitenti li seguono tristemente all'inferno. I sopravvissuti si stanno dirigendo nella direzione opposta. Un angelo li incontra alle porte della Gerusalemme celeste. In termini di portata del suo design e abilità di esecuzione, “Il Giudizio Universale” è la pala d’altare di Gand di Rogier.

Viaggio in Italia

È consuetudine nella storia dell'arte associare a questo viaggio la prima conoscenza degli italiani con la tecnica della pittura ad olio, che Rogier padroneggia alla perfezione. Su commissione delle dinastie italiane Medici e D'Este, il fiammingo completò la Madonna, ora conservata agli Uffizi, e il famoso ritratto di Francesco d'Este (1460, Metropolitan Museum of Art, New York). Le impressioni italiane si riflettevano nelle composizioni dell'altare (“Altare di Giovanni Battista”, trittici “Sette Sacramenti” e “Adorazione dei Magi”), che completò al suo ritorno nelle Fiandre.

Ritratti

Tra i più famosi ritratti esistenti della nobiltà borgognona, attribuiti al maestro, ci sono le immagini di Filippo il Buono (dopo il 1450, Museo delle Belle Arti (Digione)), dei suoi figli, Carlo il Temerario (Pinacoteca di Berlino) e Antonio di Borgogna , il bastardo (Museo reale delle belle arti (Bruxelles)), Filippo I de Croix (1460, Museo reale delle belle arti (Anversa)), Laurent Froymond (Musei reali delle belle arti (Bruxelles)).

Riconoscimento ed eredità

L'eccezionale umanista, scienziato e filosofo Nikolai Kuzansky ha parlato di Rogier come del più grande artista del suo tempo. Negli ultimi anni della sua vita, Rogier lavorò nel suo laboratorio di Bruxelles, circondato da numerosi studenti, tra i quali, a quanto pare, c'era un rappresentante così significativo della generazione successiva come Hans Memling. Rogier ha avuto un'indubbia influenza su maestri riconosciuti come Dirk Bouts e Hugo van der Goes. Diffondono la sua influenza in Francia, Germania e Spagna. Nella seconda metà del XV secolo, nel nord Europa, lo stile espressivo e intensamente emotivo di Rogier prevalse sull'eredità di Campin e van Eyck. Anche Albrecht Dürer aveva rispetto per il maestro; con la corrispondente descrizione, quest'ultimo menziona Rogier insieme a van der Goes nel suo diario di viaggio nei Paesi Bassi. Anche nel XVI secolo molti pittori rimasero sotto l'influenza di Rogier, da Bernart Orley a Quentin Massys. Tuttavia, nel corso del tempo, il lavoro di Rogier van der Weyden cadde gradualmente nell'oblio.

Uno speciale interesse per la prima pittura olandese in Europa si risvegliò solo all'inizio del XIX secolo. A questo punto, molte delle opere del maestro furono attribuite ad altri artisti, principalmente Jan van Eyck o Dürer. Si dice quindi che nel 1815 Johann Wolfgang Goethe vide l’“Altare della Chiesa di San Colombano” (conservato

V - Roger van der Weyden

La particolarità è, a differenza di Boates, una certa indifferenza verso il paesaggio. Entrambi sono tipici "plastici" (si presume addirittura che Roger fosse impegnato nella scultura), e ciò che è più importante per loro è la plasticità, attraverso la quale cercano di dare alle loro scene un aspetto particolarmente convincente. Il “Maestro di Flemal” nei suoi dipinti più significativi (“Altare Flemal” di Francoforte), ha lasciato uno sfondo dorato e modellato di primitivi. Ruggero è inferiore anche nella sua splendida “Discesa dalla Croce” (Escurial). Quando Roger dipinge paesaggi sullo sfondo, sono sempre pieni di calma imperturbabile; Sono appunto assegnati a svolgere solo il ruolo di sfondi, ma “non prendono parte” all'azione. Per lo più vediamo morbide colline sabbiose, come quelle che si trovano nelle vicinanze di Bruxelles, con castelli sopra, con file e gruppi di alberi bassi. Tuttavia la peculiarità di Roger può essere considerata il suo “plein airism”. Evita ombre spesse e confronti contrastanti. Anche gli interni delle chiese (o quei padiglioni gotici in cui ama ambientare episodi drammatici) sono pieni di un'illuminazione fredda e uniforme. È estraneo alla varietà degli effetti della sera, della notte, del sole splendente - proprio ciò che dà alle creazioni di Boates tanta vitalità.

Roger van der Weyden (van Bugge?). "Adorazione dei Magi" (1459?). Vecchia Pinacoteca di Monaco.

Caratteristica di Roger è la sua variazione sul tema della “Madonna di Rollin” - il dipinto “San Luca dipinge un ritratto della Madre di Dio”, di cui abbiamo un'eccellente copia (o una ripetizione?) all'Hermitage. Nella “Madonna di Rollen” tutto respira l'aria calda della sera. La tonalità del cielo, della distanza e della città è leggermente rosata e il crepuscolo avvolge già la loggia in primo piano. La luce forte (ma allo stesso tempo morbida) sulle figure stesse è una convenzione che van Eyck non poteva superare: dopo tutto, le principali figure sacre dovevano essere visibili con assoluta chiarezza, e la deviazione da questa regola sarebbe considerata una sorta di di eresia iconografica. Non così nella versione di Roger. Qui tutto è scolpito nella luce fredda, anche di mezzogiorno. Le distanze hanno l'asprezza di una giornata ventosa, e il vento increspa davvero il fiume; la loggia in primo piano non ha un tono caldo e accogliente, come quello di van Eyck. Tutto è delineato con assoluta chiarezza, tutto è “sfaccettato” in rigorosa uniformità di sostenuta plasticità.

Maestro dell'Altare Flemal. Natività. Museo di Digione.

Tuttavia, verso la fine della sua vita (forse sotto l'influenza di un viaggio in Italia?) l'atteggiamento del preside della scuola di Bruxelles nei confronti del paesaggio cambia. A quest'epoca tarda appartiene anche il già citato dipinto “San Luca” e si distingue già per il fatto che al paesaggio viene assegnato un posto molto significativo.

Ma Ruggero appare sotto una luce completamente nuova nella sua “Adorazione dei Magi” di Monaco, in cui appare un inaspettato “caldo chiaroscuro”, il paesaggio assume un carattere chiaramente “rustico”, e nel profondo una fiaba di un complesso fantastico si svolge la città, del tutto degna delle invenzioni di Eyck. Alcuni vogliono vedere in quest'opera la partecipazione di Memlinck, che a quanto pare fu allievo di Roger in questi anni; altri attribuiscono questo dipinto interamente alle opere di Memlinck, nonostante la significativa differenza nelle figure e nei tipi con i caratteri abituali dell'ultimo maestro.

Il maestro della Pala Flemal è simile a Ruggero nel suo atteggiamento verso la luce e nel suo colorito. Anche la sua tavolozza è prevalentemente fredda, leggera, la sua tecnica è dura e chiara. Preferisce immagini di spazi interni a vedute all'aria aperta o collocate le sue figure su un arcaico fondo dorato.Con visibile piacere e con uniforme (a volte troppo uniforme) diligenza, trascrive i dettagli della situazione: tasselli, piatti, parti architettoniche, e nello stesso tempo trascura di avvolgere tutto ciò che è scritto in chiaroscuro generale .Tuttavia, sull'ala destra dell'“Altare di Merode” (Bruxelles) apre la finestra della stanza di San Giuseppe sulla piazza della città, simili a quelle vedute di città che vediamo sulle porte del retablo di Gand, ma ora vicino alla finestra nel quadro centrale dello stesso trittico, chiude con una persiana a traliccio le porte del Museo di Madrid, ma ad esse non viene assegnato un ruolo attivo nell'atmosfera generale del quadro. porta destra di S. Varvara è vestita con un caldo abito invernale e dietro di lei c'è un camino illuminato da una fiamma gialla, e intanto dalla finestra si vede un paesaggio verde ed estivo, e in un boccale in piedi su una sedia bassa c'è anche un'estate fiore: un'iride. Nel dettaglio di sinistra delle porte Madrid, l'attenzione è attirata da uno specchio rotondo curvo, simile a quello che adorna la parete della camera dei Arnolfini. Questa volta, il riflesso distorto della stanza nello specchio sembra essere interamente copiato dalla vita, e questo indica che “Flemal” in alcuni casi ha fatto ricorso a tecniche pittoriche puramente realistiche.

Solo in un dipinto di questo enigmatico maestro - "L'Adorazione dei pastori" del Museo di Digione - il paesaggio ha il ruolo principale, e qui "Flémale" prefigura Huss, Bosch e persino Pieter Bruegel. L'impressione del disegno dal vero è data da una pietosa stalla bassa, sulla soglia della quale sta la Madre di Dio vestita di bianco (con ombre azzurre), immersa in preghiera davanti al Cristo appena nato disteso a terra. Il fienile è ricoperto di paglia, parte del rivestimento in mattoni è crollato e sono visibili anche le tegole semirotte che fungevano da base. Dietro questa capanna si trova una vista lontana dal carattere più senza pretese, una di quelle vedute che si estendono, grigie, permeate da una pioggia fine e irrequieta, lungo la strada che attraversa il Belgio centrale. Sullo sfondo si snoda una strada bagnata, fiancheggiata da alberi spogli lungo i bordi. Conduce a borghi bassi e mura cittadine, dietro le quali sporgono chiese, case e un castello baronale sulla rupe. Ancora più lontano si può vedere un lago delimitato da basse colline. Questo paesaggio (circa 1440) si distingue; Soprattutto, ricorda i paesaggi malinconici del XIX secolo. Nel senso della prospettiva aerea rappresenta lo stesso miglioramento delle formule dei fratelli van Eyck che nel senso dell'illuminazione rappresenta il dipinto di Bouts "San Cristoforo". Il “primitivo” si riflette (ad eccezione delle figure) solo nell'effetto impreciso del sole “dorato” che sorge da dietro le montagne a sinistra, nelle parcelle con iscrizioni, che si contorcono ornamentalmente tra la composizione, e, infine, nel pose convenzionali dei personaggi.

Rogier van der Weyden noto anche come eccezionale ritrattista. Molti dei suoi ritratti sono dittici composti da un'immagine della Madonna (“Madonna col Bambino” dal dittico “Philippe de Croix”) e una mezza figura del cliente (“Ritratto di Philippe de Croix”). L’artista dipinse anche ritratti singoli (“Ritratto di Francesco d’Este”, “Ritratto di Filippo il Buono”, “Ritratto di Carlo il Temerario”), anche femminili (“Ritratto di giovane donna”).

"Ritratto di giovane donna" è stato scritto negli anni '40, circa dieci anni dopo che Rogier sposò una ragazza di Bruxelles e si stabilì in questa città. Questa dedizione alla sua amata non è tipica di Van der Wein, che ha scritto su temi religiosi, ma ha comunque riempito il tesoro della pittura mondiale.

Ritratto di una giovane donna. 1460 circa, Galleria Nazionale d'Arte, Washington

Ritratto di donna, 1430, Galleria d'arte di Berlino

Ritratto di dama, secondo terzo del XV secolo, National Gallery, Londra

Isabella del Portogallo (moglie di Filippo III duca di Borgogna), J. Museo Paul Getty, Malibu

Tra i ritratti maschili, ne mostrerò alcuni che sono più caratteristici dello stile di Rogier.

Ritratto di Philippe de Croy, c. 1460

Ritratto di Francesco D'Este, 1450, Metropolitan Museum of Art, New York

I ritratti realizzati da Van der Weyden si distinguono per l'attenzione dell'artista al complesso mondo dei sentimenti e degli stati d'animo umani. Uno sguardo di traverso, un sorriso nascosto e le sopracciglia alzate indicano visibilmente le abitudini e il carattere di una persona. La stessa caratteristica della persona ritratta sono i suoi meriti terreni: il maestro introduce spesso nei suoi ritratti segni di potere e valore: un anello, una catena dell'ordine, un bastone onorario, ecc.

Ritratto di Carlo il Temerario. Intorno al 1460, Pinacoteca, Berlino-Dahlem

Carlo il Temerario (1433-77) - Conte di Charolais, duca di Borgogna (dal 1467). Figlio di Filippo il Buono. Carlo il Temerario cercò di unire i suoi possedimenti frammentati, per espandere il territorio dello stato borgognone e trasformarlo in una potenza potente. Ripetutamente con spietata crudeltà represse le rivolte delle città olandesi che facevano parte dello stato borgognone. Carlo il Temerario fu l'avversario più pericoloso e potente di Luigi XI, che perseguì energicamente la centralizzazione e l'unificazione territoriale della Francia; la lotta tra i due sovrani si placò solo per brevi periodi. Durante la vita di suo padre, Carlo il Temerario guidò effettivamente una coalizione contro Luigi XI (la Lega del Benessere Pubblico), costringendo il re francese a cedergli le città sulla Somme. Per assicurarsi l'appoggio del re inglese Edoardo IV, Carlo il Temerario sposò sua sorella Margherita. Tentò di impossessarsi dell'Alsazia e della Lorena. Tuttavia, grazie alla destrezza di Luigi XI, che ricorse alle trattative diplomatiche e alla corruzione, Carlo il Temerario perse i suoi alleati (compreso il re inglese), rimanendo isolato. Nelle guerre borgognone del 1474-77 (combattete contro Carlo il Temerario da Svizzera e Lorena, segretamente sostenute e sovvenzionate dalla Francia), Carlo il Temerario fu tradito dai mercenari corrotti da Luigi XI e morì nella battaglia di Nancy.

Ritratto di Filippo il Buono. Dopo il 1450, Kunsthistorisches Museum, Vienna

Filippo III il Buono (1396-1467) - Duca di Borgogna dal 1419. Nella Guerra dei Cent'anni 1337-1453. Dapprima fu alleato degli inglesi (nel 1430 partecipò all'assedio di Compiègne, quando fu catturata Giovanna d'Arco), poi nel 1435 passò dalla parte dei francesi: per la concessione della Piccardia, riconobbe Carlo VII come legittimo sovrano di Francia. Con l'aiuto dei matrimoni, del denaro e dell'abile diplomazia, Filippo III ampliò notevolmente i suoi possedimenti, annettendo la contea di Namur nel 1421, le contee dell'Hainaut, della Zelanda e dell'Olanda nel 1428-33, ducati di Brabante e Limburgo nel 1430, ducati di Brabante e Limburgo nel 1431-43 - Ducato di Lussemburgo, ecc.

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Trucco per la retrospettiva storica del dipinto di Rogier van der Weyden “Ritratto di giovane donna”

"Ritratto di giovane donna con copricapo" (1435 circa), attribuito a Rogier van der Weyden. Tradizionalmente è considerato un ritratto di Elisabeth Gofferts, moglie dell’artista, figlia di un calzolaio di Bruxelles.

Rogier van der Weyden.
“Ritratto di giovane donna con copricapo”

Ai tempi di van der Weyden, gli artisti raramente presentavano la modella in modo che “stabilisse un contatto visivo” con lo spettatore, sebbene sia proprio questa tecnica a conferire al ritratto un carattere intimo. Il dipinto, come una fotografia, raffigura una donna che unisce tutta la bellezza e la dignità del mondo circostante. Gli abiti relativamente semplici della modella indicano molto probabilmente che si tratta di una donna della classe media. Questa dedizione alla sua amata non è tipica di Van der Wein, che ha scritto su temi religiosi, ma ha comunque riempito il tesoro della pittura mondiale.

Incisione tratta dal libro “Famous Dutch Artists” di I. Bullaert, pubblicato nel 1682 ad Amsterdam. Ritratto di Roger van der Weyden. Autore artista De Bolonois.

Il Grande Fiammingo - così Giovanni (Juan) II chiamò Rogier van der Weyden (1399/1400-1464), uno straordinario maestro della pittura olandese. Rogier van der Weyden (alias Rogier de la Pature; Rogier de la Pasture) è una figura famosa e misteriosa. Nonostante sia stato uno degli artisti più importanti della pittura fiamminga del XV secolo, sappiamo molto poco della sua vita. Non ci è pervenuto un solo dipinto da lui firmato, e quelle delle sue opere citate nei documenti sono descritte in modo così approssimativo da non poter essere identificate. Il suo lavoro per lungo tempo e in tempi diversi fu attribuito a Jan van Eyck, poi a Robert Campin o ad Albrecht Dürer. Solo grazie alla nota curiosità degli artisti preraffaelliti, nel XIX secolo si verificò un risveglio dell'interesse per l'arte del Rinascimento settentrionale, e allo stesso tempo per l'opera di van der Weyden. Nel processo di studio scrupoloso dell'eredità di questo maestro, si è scoperto che tra tutti i primitivisti olandesi, è stato van der Weyden ad avere la maggiore influenza sull'ulteriore sviluppo dell'arte del Nord Europa. Il suo lavoro è una sintesi del gotico internazionale e delle audaci innovazioni di van Eyck, quindi era vicino sia a quei pittori che rimasero fedeli alla tradizione sia a coloro che cercarono di andare avanti. Van der Weyden era il pittore ufficiale di Bruxelles e lavorò per la corte del duca di Borgogna, e i suoi ritratti e le sue pale d'altare secolari erano altrettanto popolari.
Rogier van der Weyden è anche conosciuto come un eccezionale ritrattista. Molti dei suoi ritratti sono dittici composti da un'immagine della Madonna (“Madonna col Bambino” dal dittico “Philippe de Croix”) e una mezza figura del cliente (“Ritratto di Philippe de Croix”). L’artista dipinse anche ritratti singoli (“Ritratto di Francesco d’Este”, “Ritratto di Filippo il Buono”, “Ritratto di Carlo il Temerario”), anche femminili (“Ritratto di giovane donna”).

Costume e moda. Cappelli

Il copricapo preferito delle donne nobili durante il periodo tardo gotico (XIV secolo) era l'ennen, un cappello a forma di cono con uno strascico, un attributo indispensabile delle fate. Ennen (altre varianti: ennin, gennin e hennin) – in francese “au hennin”, che si traduce “cornuto”. L'ennen era fatto di carta rigida o lino inamidato e su di esso veniva tesa seta o altro tessuto costoso.

Era considerato di moda un berretto “cornuto”, la cui forma era creata da un'acconciatura con rotoli laterali, un berretto a forma di “doppio pan di zucchero” o a forma di “vela”. La sua altezza dipendeva dal grado di nobiltà. Si trattava di cappelli a punta singola e doppia, ai quali talvolta veniva aggiunto un velo. Ennin, coprendosi i capelli, lasciò aperta la sua grande fronte, la cui dimensione era creata dai capelli rasati artificialmente dalla parte superiore. I berretti raggiunsero dimensioni tali da indurre un testimone oculare a scrivere: "Accanto alle signore vestite di ennin, ci sentivamo come patetici cespugli in un bosco di querce".
La varietà di tappi era fantastica e la scala sorprendente. Erano fatti di lino e seta trasparente, di dimensioni enormi e forma modesta, di tessuto duro e morbido su una cornice drappeggiata in modo elaborato e intricato. Le mogli e le ancelle degli artigiani si coprivano il capo con veli, che drappeggiavano abilmente, disponendoli nella maniera più pittoresca. Attor de Gibet (cornette, attor de gibet, cornetta)-un antico copricapo da donna a forma di berretto con due corna. Questo stile di copricapo è stato indossato per molti anni dalle classi medie ed è famoso perché la famosa scrittrice medievale Christine de Pizan raffigurava donne che indossavano tali copricapi. Il copricapo stesso era conosciuto a quel tempo come "Attor de Gibe" ed era di origine franco-borgognone. Questo fa eco allo stile del copricapo chiamato "L'albero della croce" (noto anche come "patibolo") indossato dalla principessa Beatrice, contessa di Arundel.
Le griglie che proiettano le "corna" ai lati su Cross Tree Headdress sono in realtà verticali su Attor de Gibe e sono chiamate "Templette". Queste tempie assomigliano a corna e vi sono attaccate coperte pesantemente inamidate con spilli. (Secondo una versione - "lunghi spilli d'argento"). A volte gioielli, oro o argento decoravano le Templette sul copricapo oltre al solito lino o garza bianchi come la neve. Questo stile era naturalmente elegante nella sua semplicità.