IN inizio XVIII V. è apparso in Francia un nuovo stile- rococò.
Tradotto dal rococò francese (rocaille) - "conchiglia". Nome di questo stile artistico lo rivela caratteristica- amore per forme complesse, linee bizzarre, che ricordano l'elegante silhouette di una conchiglia.
Lo stile rococò non durò a lungo (fino agli anni '40 circa), ma la sua influenza continuò Cultura europea si è rivelato molto forte.
Nella seconda metà del XVIII secolo. una nuova ondata di interesse per cultura antica. Ciò è stato in parte dovuto agli scavi di Pompei, che hanno scoperto monumenti unici arte. D'altra parte, questo interesse è stato promosso dalle idee dell'Illuminismo francese: l'ideale dell'arte e vita pubblica hanno visto nella storia e nella cultura Grecia antica E antica Roma. Così si formò un nuovo stile: il neoclassicismo. Non è stato così in tutti i paesi. Ad esempio, in Italia lo stile barocco esisteva contemporaneamente allo stile rococò, mentre in Francia il barocco non ricevette molto sviluppo. In Russia, il rococò e il neoclassicismo si completavano a vicenda.
Nel XVIII secolo. i clienti non hanno ancora giocato ruolo di primo piano nel destino dell'artista: il giudice principale delle opere d'arte era opinione pubblica. Apparve la critica d'arte: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau e altri.
Evento importante vita artistica La Francia nel XVIII secolo divennero mostre pubbliche - Saloni. Dal 1667 furono organizzati ogni anno dall'Accademia reale di pittura e scultura di Parigi con il sostegno della corte reale. Il successo al Salon era un riconoscimento per un pittore o uno scultore. Non erano solo i francesi ad aspirare a partecipare ai Salons, così Parigi si trasformò gradualmente in un centro d'arte paneuropeo.
Jean-Antoine Watteau (1684-1721)
Rosalba Carriera. Ritratto di Antoine Watteau (1721)
Antonio Watteau - pittore francese il primo terzo del XVIII secolo, fondatore dello stile rococò.
Ha scoperto nella pittura la sfera delle emozioni più sottili, in consonanza con i testi del paesaggio.
A. Watteau è nato a cittadina di provincia in una famiglia di roofer. Già dentro nei primi anni il suo capacità artistica, e suo padre lo assunse come apprendista presso un pittore locale di talento insignificante. Ben presto il mentore cessò di essere utile al futuro artista. Antoine Watteau, contro la volontà del padre, lascia segretamente la sua città natale Valenciennes e si reca a piedi a Parigi, dove lavora in un laboratorio di pittura sul ponte di Notre Dame, il cui proprietario ha organizzato la produzione in serie di copie economiche di quadri nel “gusto comune” per gli acquirenti all'ingrosso. Watteau ha copiato meccanicamente lo stesso dipinti popolari, e nel tempo libero dipingeva dal vero. Era eccezionalmente industrioso.
Antoine Watteau "Il Capriccioso" (1718 circa). Eremo di Stato(Pietroburgo)
Ben presto Watteau trovò i primi mecenati: Pierre Mariette e suo figlio Jean, incisori e collezionisti, proprietari di una grande azienda che commerciava stampe e dipinti. Alle Mariette, Watteau ha avuto l'opportunità di conoscere le opere di Rembrandt, Tiziano, Rubens. Attraverso la mediazione delle Mariette, Watteau diventa allievo dell'artista Claude Gillot, maestro scenografia teatrale e creatore di piccoli dipinti. “Da questo maestro Watteau ha preso solo il gusto per il grottesco e per il comico, oltre che il gusto per soggetti moderni al quale si dedicò successivamente. Eppure bisogna ammettere che Gillo Watteau ha finalmente capito se stesso e che da allora i segni del talento che dovevano essere sviluppati si sono fatti più evidenti ”(Biografo dell'artista Edm-Francois Gercin).
Antoine Watteau "Attori" Commedia francese» (c. 1712). Museo statale dell'Ermitage (Pietroburgo)
A 33 anni Watteau diventa il pittore più popolare di Parigi, cosa che contribuì alla sua fama europea.
Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Parigi)
Ecco come Watteau M.Yu parla di questa immagine. Tedesco, ospite Ricercatore Museo Russo: “Nella storia dell'arte, Gilles non ha praticamente analogie. Poche persone scrivevano attori. Inoltre, nessuno ha osato mostrare l'attore in completa inazione. Per lo stesso Watteau, questo è stato un passo coraggioso: dipingere una figura proprio al centro della tela, riempiendone la maggior parte con un'ampia felpa con cappuccio che nasconde completamente il corpo del comico, e in profondità raffigurare i volti di altri attori. , in netto contrasto con il volto quasi immobile dell'eroe ... Privo di gesti ed espressioni facciali, inscritto simmetricamente e piatto nella tela, esiste con calma nel tempo, come se per lui si fosse fermato per sempre. Tutto ciò che è fugace e transitorio gli è estraneo. Il trambusto dietro di lui è nei movimenti degli attori. Le risate e il divertimento del pubblico sono davanti a lui. E rimane invariabilmente immobile, con un buffo e commovente rimprovero negli occhi rotondi, affettuosi e intelligenti.
Già piuttosto malato, Watteau prese l'insegna del negozio di antiquariato "The Great Monarch" sul ponte di Notre Dame. Questo negozio apparteneva al suo amico Gersen.
Antonio Watteau. Insegna del negozio di Gersin (1720-1721). Palazzo di Charlottenburg (Berlino)
Watteau dipinse un quadro-segno su due tele separate e poi inserite in un'unica cornice. L'azione dell'immagine viene trasferita dal paesaggio all'interno. La tela raffigura un ampio negozio che, secondo il progetto dell'artista, conduce direttamente al marciapiede parigino.
In primo piano, a sinistra, i servitori ripongono in una scatola il ritratto di Luigi XIV, recentemente scomparso. Nell'angolo superiore è appeso il ritratto del suocero, re Filippo IV di Spagna, a destra gli intenditori osservano attentamente il quadro in una cornice ovale; paesaggi e nature morte convivono qui con scene mitologiche.
La caratteristica principale di questo lavoro è la sua carattere programmatico. Secondo Louis Aragon, Watteau, sotto le spoglie di un segno, presentava la storia della pittura così come la conosceva. Questa immagine è diventata come un testamento artistico dell'autore. Antoine Watteau morì all'età di 36 anni di tubercolosi.
Monumento ad Antoine Watteau nel suo città natale Valenciennes (1884)
Lo sviluppo dello stile rococò è anche associato al lavoro di François Boucher.
François Boucher (1703-1770)
F. Boucher - Pittore, incisore, decoratore francese. Le sue opere sono caratterizzate da forme squisite, colori liricamente delicati, grazia, civetteria, a volte raggiungendo la dolcezza.
Gustav Lundberg. Ritratto di François Boucher
Boucher fu un maestro incisore, illustrò libri di Ovidio, Boccaccio, Moliere. Realizzò scenografie per opere e spettacoli, dipinti per le manifatture reali di arazzi; ha eseguito dipinti ornamentali di porcellana di Sevres, ventagli dipinti, miniature eseguite, ecc.
Nella pittura, si dedicò a soggetti allegorici e mitologici, dipinse scene di genere, pastorali (poetizzazione della vita rurale pacifica e semplice), paesaggi e ritratti.
F. Bush. Ritratto di Madame de Pompadour
Bush ha ricevuto il titolo di pittore di corte. Decorò le residenze del re e di Madame de Pompadour, residenze private a Parigi. IN l'anno scorso vita fu il direttore della Reale Accademia di Pittura e Scultura e "il primo pittore del re".
F. Bush. Ritratto di Marie Buseau, moglie dell'artista (1733)
Un altro dipinto di F. Boucher illustra un episodio del racconto di La Fontaine "L'Eremita". Un giovane che decide di sedurre una bella ma timida ragazza del villaggio si stabilisce nelle vicinanze sotto le spoglie di un eremita. Riesce a convincere la madre della ragazza della sua santità, e lei stessa porta la figlia da lui per ascoltare i suoi buoni insegnamenti. Boucher mostra un'interpretazione originale dell'opera di Lafontaine, ma il paesaggio occupa il posto principale nella sua composizione.
F. Boucher “Paesaggio con eremita. Fratello Luce" (1742). Museo delle Belle Arti. A. S. Pushkin (Mosca)
Visioni democratiche dell’arte francese
Erano incarnati nell'opera del "pittore del terzo stato" Jean Baptiste Simeon Chardin, ritratti di Maurice Quentin de Latour.
Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)
Chardin. auto ritratto
Chardin evitò consapevolmente le trame tipiche dell'arte del suo tempo. Dipinse principalmente nature morte e scene di tutti i giorni, ma in esse espresse le proprie osservazioni. Era interessato alla vita delle persone del "terzo stato" (tutti i gruppi della popolazione ad eccezione dei privilegiati: il clero e la nobiltà).
Le attività di Chardin come artista hanno continuato le tradizioni degli olandesi e Maestri fiamminghi e rappresentò il periodo di massimo splendore del realismo nel XVIII secolo. Anche la sua natura morta era un aspetto per rappresentare la realtà. Gli oggetti più comuni divennero per lui fonti compositive per rappresentare l'essere armonioso: brocche, vecchie pentole, verdure, ecc.
Chardin "Scat" (1728). Louvre (Parigi)
L'artista è stato in grado di trasmettere perfettamente la diversità dei colori, ha sentito l'interconnessione interna degli oggetti. Con piccoli tratti trasmetteva sfumature di colore e possedeva la capacità di includere l'influenza della luce solare nell'immagine.
Rivolgendosi a pittura di genere, alle consuete scene domestiche, Chardin ha ricreato sulla tela un modo calmo e misurato Vita di ogni giorno vicino ad ogni persona. Sono stati questi dipinti a rafforzare per lui uno dei luoghi di rilievo nella storia. pittura francese. Nel 1728 divenne membro dell'Accademia delle arti di Parigi, nel 1743 - suo consigliere; in seguito divenne membro dell'Accademia delle scienze, della letteratura e della letteratura di Rouen belle arti.
Spiritualizzò gli oggetti e le attività più mondane: Lavandaia (1737), Giara di olive (1760), Attributi delle arti (1766).
Chardin "Natura morta con attributi delle arti" (1766 Museo statale dell'Ermitage (Pietroburgo). Il dipinto fu commissionato da Caterina II per l'edificio dell'Accademia delle arti in costruzione a San Pietroburgo
D. Diderot ha paragonato la sua abilità alla stregoneria: “Oh, Chardin, questa non è la vernice bianca, rossa e nera che strofini sulla tavolozza, ma l'essenza stessa degli oggetti; prendi aria e luce con la punta del pennello e le stendi sulla tela!”
Chardin" Bolla"(1733-1734). galleria Nazionale Arte, Washington (USA)
Una sorta di fusione tra pittura "galante" e genere domestico contraddistingue l'opera di Jean Honoré Fragonard.
Jean Honoré Fragonard (1732-1806)
Pittore e incisore francese. Ha lavorato in stile rococò. Autore di oltre 550 dipinti (senza contare disegni e incisioni).
J.O. Fragonard. Autoritratto (1760-1770 circa)
Fu allievo di F. Boucher e J.B.S. Chardin. Inizialmente dipendente pittura di storia, e poi cominciò a scrivere nello spirito di Watteau e Boucher. Ha spesso delle scene vita intima, contenuto erotico, pannelli decorativi, ritratti, miniature, acquerelli, pastelli. Ha anche fatto acquaforte.
Ma nell'era del classicismo perse popolarità.
J.O. Fragonard "Latch" (1777). Louvre (Parigi)
L'immagine mostra scena d'amore: gentiluomo, senza staccare gli occhi dalla signora, mano destra raggiunge la porta, sulla quale chiude la serratura superiore. La mano sinistra della signora, per così dire, ripete questo movimento. Sul tavolo c'è una mela, simbolo biblico della tentazione e della caduta nel peccato.
IN dipinti storici Fragonard non è originale. I suoi paesaggi sono piuttosto abbelliti. D'altra parte, i dipinti di genere dell'artista si distinguono per la composizione abile, l'eleganza del disegno, la colorazione delicata e il gusto delicato: "Lezione di musica", "Pastorale", "Bagnanti", "Ninfa dormiente", "Cupido che si toglie la camicia da una bellezza", "Giovane chitarrista", "Bacio furtivo".
J.O. Fragonard "Bacio furtivo" Eremo (Pietroburgo)
A metà del XVIII secolo. l'Illuminismo francese proponeva gli ideali classici dei mezzi di istruzione. Nella pittura è apparsa una direzione sentimentale e moralistica, in cui spiccava l'artista Jean-Baptiste Greuze.
Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)
J.-B. Sogni. auto ritratto
Greuze eccelleva particolarmente nel genere la vita familiare con i suoi problemi e drammi - qui ha pochi rivali nella pittura francese.
J.-B. Greuze "La maledizione di un padre" (1777). Louvre (Parigi)
L'immagine mostra la scena dramma familiare quando un figlio annuncia al padre che parte per l'esercito, e suo padre lo maledice.
Anche come ritrattista era al suo meglio, perché. inteso pittura di ritratto a differenza dei suoi contemporanei, che raffiguravano gli uomini come Apollo e le donne come Flores e Veneri. I suoi ritratti sono pieni di somiglianze, pieni di vita e di sentimenti.
J.-B. Greuze "Ritratto di ragazza". Museo Nazionale delle Arti dell'Azerbaigian
Ci sono 11 opere di Greuze all'Ermitage di San Pietroburgo.
Nella Francia del XVIII secolo crescente interesse per la natura e la pittura di paesaggio. Un tipo di paesaggio caratteristico del neoclassicismo (“fantasia architettonica”) è stato creato da Hubert Robert.
Uberto Robert (1733-1808)
Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Ritratto di Hubert Robert (1788) Louvre (Parigi)
Pittore paesaggista francese; ha guadagnato fama europea per le sue tele dimensionali con immagini romantiche di antiche rovine circondate da una natura idealizzata. Il suo soprannome era "Roberto delle Rovine".
Hubert Robert "Antiche rovine" (1754-1765). Budapest
Jacques-Louis David (1748-1825)
J.-L. Davide. Autoritratto (1794)
Pittore e insegnante francese, uno dei maggiori rappresentanti del neoclassicismo francese nella pittura. Un cronista sensibile dei suoi tempi turbolenti.
Nato nella famiglia di un grossista di ferro. È cresciuto principalmente in una famiglia di parenti. Quando si notò l'abilità del bambino nel disegnare, si pensò che sarebbe diventato un architetto, come entrambi i suoi zii.
David prese lezioni di disegno all'Accademia di St. Luca. Nel 1764 i parenti lo presentarono a François Boucher, ma a causa di una malattia non poté studiare con il giovane. Nel 1766 David entrò all'Accademia reale di pittura e scultura e iniziò a studiare nella bottega di Vienne. Nel 1775-1780. David ha studiato a Accademia francese a Roma, ha studiato arte antica e l'opera dei maestri del Rinascimento.
Nel 1783 fu eletto membro dell'Accademia di pittura.
Partecipò attivamente al movimento rivoluzionario, fu eletto membro della Convenzione nazionale, si unì ai Montagnard, guidati da Marat e Robespierre, votò per la morte del re Luigi XVI. Dipinge numerosi dipinti dedicati ai rivoluzionari: “Il giuramento nella sala da ballo” (1791, non finito), “La morte di Marat” (1793). Anche in questo periodo organizzò feste popolari di massa e creò il Museo Nazionale al Louvre.
J.-L. David "La morte di Marat" (1793). Musei reali di belle arti (Bruxelles)
Questa tela è uno dei dipinti più famosi dedicati alla Grande Rivoluzione Francese.
Jean Paul Marat è un giornalista del quotidiano radicale Amico del popolo, leader dei giacobini. malato Malattia della pelle, Marat non usciva di casa e, per alleviare la sua sofferenza, faceva il bagno. Il 13 luglio 1793 fu pugnalato a morte nel suo appartamento dalla nobildonna Charlotte Corday.
L'iscrizione sul piedistallo in legno è la dedica dell'autore: "MARATU, David". Nelle mani di Marat c'è un foglio con il testo: “13 luglio 1793, Marie Anna Charlotte Corday - al cittadino Marat. Sono infelice e quindi ho diritto alla tua protezione. In effetti, Marat non ha avuto il tempo di ricevere questa nota, perché. Korday lo ha già ucciso.
Nel 1794 fu imprigionato per idee rivoluzionarie.
Nel 1797 fu testimone del solenne ingresso a Parigi di Napoleone Bonaparte e da allora divenne il suo ardente sostenitore, e dopo essere salito al potere - il "primo artista" di corte. David crea dipinti dedicati al passaggio di Napoleone attraverso le Alpi, alla sua incoronazione, oltre a una serie di composizioni e ritratti di persone vicine a Napoleone. Dopo la sconfitta di Napoleone nella battaglia di Waterloo nel 1815, fuggì in Svizzera, poi si trasferì a Bruxelles, dove visse fino alla fine della sua vita.
J.-L. David "Bonaparte al Passo del San Bernardo" (1801)
Questa immagine di David apre l'era del romanticismo Pittura europea. Si tratta di un ritratto equestre altamente romanticizzato del generale Napoleone Bonaparte, che nel maggio 1800 guidò l'esercito italiano attraverso il Passo del San Bernardo nelle Alpi.
Lo sfondo naturale conferisce anche un significato romantico all'immagine: ripide scogliere montuose, neve, vento forte e maltempo. In basso, se guardi da vicino, puoi vedere i nomi scolpiti dei tre grandi condottieri che passarono per questa strada: Annibale, Carlo Magno e Bonaparte.
J.-L. David "Incoronazione di Napoleone" (1805-1808)
La tela è stata creata sotto l'impressione del dipinto di Rubens "L'Incoronazione di Maria Medici".
sepolto Jacques-Louis David a Bruxelles, e il suo cuore fu trasportato a Parigi e sepolto nel cimitero di Père Lachaise.
Nel XVIII secolo. I pittori storici Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, i ritrattisti Claude Lefebvre, Nicolas Largilier e Hyacinthe Rigaud hanno lavorato in Francia.
A metà del XVIII secolo. la famiglia Vanlo era famosa, soprattutto i fratelli Jean-Baptiste e Charles, e altri artisti.
Arte e design
6420
24.09.15 01:41
“Così piccola, era chiaramente sopravvalutata!” ridacchiano alcuni turisti, venuti appositamente al Louvre per vedere il santuario locale, la Gioconda... Il Louvre Il Louvre, ma non dimenticate che molte persone sono nate nella stessa Francia pittori famosi. Facciamo una breve escursione nel passato di questo paese e ricordiamo i migliori artisti francesi.
I migliori artisti francesi
Grande classicista
nato a fine XVI secolo, Nicolas Poussin adottò con entusiasmo le tecniche dei maestri Alto Rinascimento, tra cui l'autore de "La Gioconda" da Vinci e Raffaello. I suoi dipinti presentano spesso personaggi biblici, soggetti mitologici(anche un ciclo di paesaggi dedicato alle stagioni, e quello è ispirato alla Bibbia). Il normanno Poussin è stato alle origini del classicismo; il suo contributo all'arte francese non può essere sopravvalutato. Nel nostro Eremo si trova il suo dipinto “Riposo durante la fuga in Egitto”.
Cantante dell'epoca galante
Antoine Watteau, nato quasi due decenni dopo la morte di Poussin, regnò saldamente sull '"Olimpo" degli artisti francesi. Ai suoi tempi non c'era un solo pittore in Europa che potesse competere con lui in abilità. Visse solo 36 anni, ma riuscì a lasciare molti capolavori. Scene quotidiane, paesaggi, ritratti di Watteau sono affascinanti ed eleganti, è definito il precursore dello stile rococò. Per l'ammissione all'Accademia delle arti, il giovane scrisse due versioni del dipinto “Pellegrinaggio all'isola di Citera” (una è conservata a Berlino, l'altra a il Louvre di Parigi). L'Hermitage ha acquisito diverse opere dell'artista francese, tra cui il dipinto Attori della commedia francese.
Pittore paesaggista dotato
Claude Joseph Vernet, pittore marino e paesaggista di prim'ordine per molto tempo lavorato in Italia. La costa di Napoli e il possente Tevere hanno lasciato un segno nel suo lavoro. La collezione del Louvre comprende “Veduta del ponte e del castello del Santo Angelo” e “Vista di Napoli con il Vesuvio”, e l'Ermitage espone “Rocce vicino al mare”, “Mattina a Castellammare” e alcuni altri capolavori del maestro.
Colleghi romantici
Eugene Delacroix, un rappresentante del movimento romantico nell'arte, nacque a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo e ricevette una buona educazione. Amava copiare i capolavori degli antichi maestri: su di essi ha affinato la sua arte. Eugenio era amico di Alexandre Dumas e ammirava il lavoro di Géricault. Alcuni dei dipinti più famosi di Delacroix (spesso sceglieva soggetti storici) sono "La libertà sulle barricate" e "La morte di Sardanapalo".
Un altro romantico, Theodore Gericault, aveva solo pochi anni più di Delacroix, ma era una grande autorità per il suo collega. Ahimè, il destino gli ha concesso un tempo molto breve: all'età di 32 anni, il pittore è caduto da cavallo e si è schiantato. Theodore preferiva la larga scala scene di battaglia, copiò Rubens, essendo un appassionato ammiratore del fiammingo. Anche se non hai sentito il nome di questo artista francese, probabilmente ti sei imbattuto in riproduzioni del capolavoro di Gericault "La zattera della Medusa" (quest'opera è l'orgoglio del Louvre).
Eterno vagabondo
Eugene Henri Paul Gauguin ci è più noto. Il postimpressionista colse l'inizio del XX secolo, ma se ne andò abbastanza presto: morì all'età di 54 anni nel 1903 nella Polinesia francese. Dicono che un genio sia stato ucciso da malattie (la peggiore è la lebbra incurabile). Nella sua giovinezza viaggiò molto: Paolo prestò servizio come semplice marinaio su una nave da guerra, fu fuochista sulle navi della flotta mercantile. Quelle impressioni, ovviamente, si riflettevano nelle opere del pittore. Ha quasi dedicato la sua vita all'intermediazione, ma col tempo si è fermato e si è dedicato alla creatività. Anche i non iniziati lo sanno immagini vivide, creato da Gauguin, ad esempio, "Donna con in braccio un feto".
sagome volanti
Qualcuno di voi ha sentito l'espressione "Degas Ballerinas". Questo artista francese ha davvero tratto ispirazione scuole di balletto e alle prove. I suoi leggeri tratti pastello sono riusciti a catturare graziose inclinazioni leggere della testa, piroette, inchini, salti - lo vediamo nelle tele dell'impressionista "Lezione di ballo" o "Ballerini blu". Molto conosciute sono le sue scene quotidiane: "Absinthe", "Ironers".
Padre dell'impressionismo
Un altro classico della pittura europea - Edouard Manet (uno dei "padri" dell'impressionismo) - come Degas, amava rappresentare la vita dei cittadini: le loro passeggiate in giardino o i picnic nella natura. I suoi ritratti si distinguono per semplicità e semplicità, e alla fine della sua vita si interessò improvvisamente alle nature morte. Capolavori di grandezza mondiale sono considerati "Olympia", " Ferrovia”, “Colazione sull’erba”.
Sentimentale e perlaceo
Il genere preferito di Pierre-Auguste Renoir era il ritratto. La cupidigia secolare, le giovani fanciulle innocenti, le coppie innamorate prendono vita sotto i tratti sicuri del pennello del maestro. Iniziando come impressionista, Pierre gradualmente si disilluse e si unì ai classicisti. La sua arte è sentimentale e madreperla. Guarda "Ragazze al pianoforte" oppure " profumo primaverile”, le tele sembrano brillare dall'interno.
Che sia un contadino o un pensatore...
Paul Cezanne, con le sue silhouette scolpite nella pietra nei ritratti e nei paesaggi leggermente "spalmati" - brillante rappresentante post impressionismo. Sia nella creatività che nella vita, era avaro di emozioni, laconico e poco emotivo: qualcosa in lui proveniva da un contadino, qualcosa da uno scienziato-pensatore. È interessante notare che è il suo capolavoro "Giocatori di carte" - uno dei più quadri costosi nel mondo (nel 2012 è stato acquistato per la riscossione dell’emiro del Qatar per 250 milioni di dollari).
Roccia malvagia dell'aristocratico
L'ultimo nella nostra lista dei migliori artisti francesi è il povero Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Perchè povero ragazzo? Sì, apparteneva a un'antica famiglia di contea, ma all'età di 13 e 14 anni il giovane riuscì a rompersi prima la coscia di una gamba, poi l'altra, per questo smisero di crescere. Henri è rimasto un semi-nano con disabilità. Impossibile da fare carriera militare scioccò tutta la famiglia e incoraggiò Henri a dipingere. Studiò con i maestri (amava molto il lavoro di Degas e Cezanne), e quando arrivò a Parigi divenne un frequentatore di cabaret e pub, bevve, contrasse la sifilide e morì a 37 anni. Il suo opere grafiche e i dipinti furono riconosciuti dopo la morte. I ritratti degli artisti e delle prostitute del Moulin Rouge, ai cui servizi Toulouse Lautrec fu costretto a ricorrere, sono ora considerati capolavori.
Nella seconda metà del diciannovesimo secolo in Francia nacque una nuova tendenza: l'impressionismo. Si basa sul desiderio degli artisti di trasmettere impressioni fugaci di eventi e fenomeni con una varietà di mezzi.
Impressionismo nella pittura
Imbevuti delle peculiarità di questa direzione, i giovani artisti francesi iniziano a lavorare in questo stile. Da quel momento dipingono i loro quadri non in studio, come era prima, ma sotto cielo aperto. Nel tentativo di esprimere le proprie impressioni nel modo più accessibile possibile, creano un completamente nuovo metodo pittura. La sua idea principale è trasmettere le sensazioni esterne di ombra e luce sulla superficie degli oggetti utilizzando tratti separati e colori eccezionalmente puri. In tal modo, varie forme, che prima venivano alla ribalta, ora si dissolvono nell'aria piena di vita.
Nell'era dell'impressionismo, gli artisti francesi lavorano principalmente nella ritrattistica e generi paesaggistici, trasmettendo le loro impressioni sugli eventi circostanti (schizzi di passeggiate, scene in un bar, per strada). Nei loro dipinti raffiguravano la vita naturale, dove una persona è in contatto diretto con una sorprendente varietà di colori vivaci. ambiente. L'aria, nella quale sembrano essere immersi oggetti e persone, è diventata il loro tema principale.
Esaminando le opere degli impressionisti, miracolosamente puoi sentire il vento, la terra riscaldata dal sole e persino il gelo: gli artisti francesi hanno trasmesso in modo così appropriato la ricchezza del colore naturale. Questa corrente fu l'ultima maggiore del XIX secolo.
Pittori impressionisti francesi. Claude Monet
Possiede ruolo importante nello sviluppo dell'impressionismo nella pittura. è il creatore famoso dipinto"Impressione. Alba". Oltre a questo capolavoro, l'artista ne ha creati almeno alcuni opere famose: “Donne nel giardino” (dove ha raffigurato la sua amata Camille), “Vista dalla chiesa di Saint-Germain”, “L'argine del Louvre”. Immagini di questo il più grande pittore presentato in molti musei del mondo (a Parigi, New York, Chicago, Boston, Mosca e San Pietroburgo).
Edouard Manet
Il suo primo lavoro significativo viene preso in considerazione il dipinto "Bevitore di assenzio". Molto apprezzato anche il capolavoro "Bathing", esposto nel Salon of the Outcasts, dove sono esposte opere che non sono state accettate dalla commissione ufficiale. è autore di numerosi dipinti, tra cui "Ritratto di genitori", "Colazione sull'erba", "Olympia", "Balcone".
Augusto Renoir
Molti artisti francesi che hanno scritto nello stile dell'impressionismo hanno cercato di trasmettere una percezione allegra della realtà. Questa tendenza è particolarmente pronunciata nell'opera di Renoir. Per i suoi dipinti ha scelto volti giovani e freschi, pose naturali rilassate. Le più famose furono le sue opere "Ball in the Garden", "Umbrellas".
Impressionismo in chiave moderna
Oggi, le idee principali di questa tendenza un tempo popolare rimangono rilevanti. Gli artisti francesi moderni nelle loro opere continuano a svilupparsi dato stile. Anzi, finché una persona vive nel bisogno di godersi tutto ciò che lo circonda, l'impressionismo, con i suoi colori luminosi e immagini impressionanti, continueranno ad esistere.
“Un nuovo mondo è nato quando gli impressionisti lo hanno dipinto”
Henri Kahnweiler
19esimo secolo. Francia. Nella pittura è successo l’impensabile. Un gruppo di giovani artisti ha deciso di scuotere una tradizione lunga 500 anni. Invece di un disegno chiaro, hanno usato un’ampia pennellata “sciatta”.
E hanno abbandonato completamente le solite immagini. Raffigurare tutti. E signore di facile virtù e gentiluomini di dubbia reputazione.
Il pubblico non era pronto per la pittura impressionista. Sono stati ridicolizzati e rimproverati. E, soprattutto, non hanno comprato nulla da loro.
Ma la resistenza è stata spezzata. E una parte degli impressionisti visse abbastanza da vedere il loro trionfo. È vero, avevano già più di 40 anni. Come Claude Monet o Auguste Renoir. Alcuni aspettavano il riconoscimento solo alla fine della loro vita, come Camille Pissarro. Qualcuno non è stato all'altezza, come Alfred Sisley.
Che rivoluzionario ha fatto ciascuno di loro? Perché il pubblico non li ha accettati per così tanto tempo? Eccone 7 tra i più famosi impressionisti francesi. Chi conosce il mondo intero.
1. Édouard Manet (1832 - 1883)
Edoardo Mane. Autoritratto con tavolozza. 1878 Collezione privataManet era più vecchio della maggior parte degli impressionisti. Era la loro principale ispirazione per il cambiamento.
Lo stesso Manet non pretendeva di essere il leader dei rivoluzionari. È stato socialite. Sognavo premi ufficiali.
Ma ha aspettato molto tempo per il riconoscimento. Il pubblico voleva vedere le dee greche. O, nel peggiore dei casi, nature morte. Per fare bella figura in sala da pranzo. Manet voleva dipingere la vita contemporanea. Ad esempio, le cortigiane.
Il risultato è stato "Colazione sull'erba". Due dandy riposano in compagnia di dame di facili costumi. Uno di loro, come se nulla fosse, si siede accanto a uomini vestiti.
Edoardo Mane. Colazione sull'erba. 1863, Parigi Confronta la sua "Colazione sull'erba" con "Romani in declino" di Thomas Couture. Il dipinto di Couture ha fatto scalpore. L'artista divenne subito famoso.
"Colazione sull'erba" è stata accusata di volgarità. Alle donne incinte non era raccomandato in tutta serietà di guardarla.
Tommaso Alta Moda. Romani in declino. 1847 Museo d'Orsay, Parigi. artchive.ru Nella foto di Couture, vediamo tutti gli attributi dell'accademismo ( pittura tradizionale secoli XVI-XIX). Colonne e statue. Popolo apollineo. Colori tenui tradizionali. Il manierismo delle posture e dei gesti. Una trama di una vita lontana di un popolo completamente diverso.
“Colazione sull’erba” di Manet è un formato diverso. Prima di lui nessuno ritraeva così facilmente le cortigiane. Vicino ai cittadini rispettabili. Sebbene molti uomini di quel tempo trascorressero il loro tempo libero in questo modo. Vita reale persone reali.
Una volta ho scritto a una signora rispettabile. Brutto. Non poteva lusingarla con un pennello. La signora rimase delusa. Lo lasciò in lacrime.
Edoardo Mane. Angelina. 1860 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org Quindi ha continuato a sperimentare. Ad esempio, con il colore. Non ha cercato di rappresentare il cosiddetto colore naturale. Se vedeva l'acqua grigio-marrone come un blu brillante, la raffigurava come un blu brillante.
Questo, ovviamente, ha infastidito il pubblico. Dopotutto, anche il Mar Mediterraneo non può vantare un blu come quello dell'acqua di Manet, scherzavano.
Edoardo Mane. Argenteuil. 1874 Museo delle Belle Arti, Tournai, Belgio. wikipedia.org Ma resta il fatto. Manet ha cambiato radicalmente lo scopo della pittura. L'immagine è diventata l'incarnazione dell'individualità dell'artista. Chi scrive come vuole. Dimentica schemi e tradizioni.
Tutte le innovazioni non lo hanno perdonato per molto tempo. Il riconoscimento è atteso solo alla fine della vita. Quando non ne aveva più bisogno. Stava dolorosamente svanendo malattia incurabile.
2. Claude Monet (1840 - 1926)
Claude Monet. Autoritratto con berretto. 1886 Collezione privata Claude Monet può essere definito un Cristoforo impressionista. Poiché è stato fedele a questa direzione per tutta la sua lunga vita.
Non dipinse oggetti e persone, ma una costruzione monocromatica di luci e macchie. Tratti separati. Tremore dell'aria.
Claude Monet. Piscina per bambini. 1869 Museo Metropolitano d'Arte, New York. Metmuseum.org Monet non dipingeva solo la natura. Era anche bravo nei paesaggi urbani. Uno dei più famosi - .
C'è molta fotografia in questo dipinto. Ad esempio, il movimento viene trasmesso utilizzando un'immagine sfocata.
Presta attenzione, gli alberi e le figure distanti sembrano essere confusi.
Claude Monet. Boulevard des Capucines a Parigi. 1873 (Galleria d'arte europea e americana dei secoli XIX-XX), Mosca Davanti a noi c'è un momento fermo della vivace vita di Parigi. Nessuna messa in scena. Nessuno è in posa. Le persone sono raffigurate come una raccolta di tratti. Tale mancanza di trama e l'effetto "fermo immagine" - caratteristica principale impressionismo.
Verso la metà degli anni ’80, gli artisti erano rimasti delusi dall’impressionismo. L'estetica è, ovviamente, buona. Ma la mancanza di trama di molti oppressi.
Solo Monet continuava a persistere. Ipertrofia dell'impressionismo. Ciò che si è sviluppato in una serie di dipinti.
Ha raffigurato lo stesso paesaggio decine di volte. In diversi momenti della giornata. In diversi periodi dell'anno. Per mostrare quanto la temperatura e la luce possano cambiare la stessa visione rendendola irriconoscibile.
Così apparvero innumerevoli pagliai.
Dipinti di Claude Monet al Museum of Fine Arts di Boston. A sinistra: Mucchi di fieno al tramonto a Giverny, 1891 A destra: Mucchi di fieno (effetto neve), 1891
Tieni presente che le ombre in questi dipinti sono colorate. E non grigio o nero, come era consuetudine prima degli impressionisti. Questa è un'altra loro caratteristica.
Monet è riuscito a godersi il successo e benessere materiale. Dopo i 40 anni si era già dimenticato della povertà. Ha ottenuto una casa e un bellissimo giardino. E ha creato per il proprio piacere lunghi anni.
Di se stessa dipinto iconico maestri letti nell'articolo
3. Auguste Renoir (1841 - 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Auto ritratto. 1875 Sterling e Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest L'impressionismo è il dipinto più positivo. E il più positivo tra gli impressionisti fu Renoir.
Non troverai drammaticità nei suoi dipinti. Anche vernice nera non ha usato. Solo la gioia di esistere. Anche il Renoir più banale sembra bellissimo.
A differenza di Monet, Renoir dipingeva le persone più spesso. I paesaggi per lui erano meno significativi. Nei suoi dipinti, i suoi amici e conoscenti si rilassano e si godono la vita.
Pierre-Auguste Renoir. Colazione dei vogatori. 1880-1881 Collezione Phillips, Washington, Stati Uniti. wikimedia.commons.org Non troverai in Renoir e premurosità. Era molto felice di unirsi agli impressionisti. Quali sondaggi hanno rifiutato le trame.
Come lui stesso ha affermato, finalmente ha la possibilità di scrivere fiori e di chiamarli semplicemente “Fiori”. E non inventare storie su di loro.
Pierre-Auguste Renoir. Donna con un ombrellone in giardino. 1875 Museo Thyssen-Bormenis, Madrid. arteuam.com Renoir si sentiva meglio in compagnia delle donne. Chiese alle sue ancelle di cantare e scherzare. Più la canzone era stupida e ingenua, meglio era per lui. Le chiacchiere di un uomo lo stancavano. Non c'è da stupirsi che Renoir sia noto per i suoi nudi.
La modella nel dipinto “Nudo in luce del sole” sembra apparire su uno sfondo astratto colorato. Perché per Renoir non c'è nulla di secondario. L'occhio della modella o l'area dello sfondo sono equivalenti.
Pierre-Auguste Renoir. Nudo alla luce del sole. 1876 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.commons.org Renoir ha vissuto una lunga vita. E non posare mai pennello e tavolozza. Anche quando le sue mani erano completamente ammanettate dai reumatismi, legò la spazzola al braccio con una corda. E ha dipinto.
Come Monet, aspettava il riconoscimento dopo 40 anni. E ho visto i miei quadri al Louvre, accanto alle opere maestri famosi.
Leggi l'articolo su uno dei ritratti più affascinanti di Renoir
4. Edgar Degas (1834 - 1917)
Edgar Degas. Auto ritratto. 1863 Museo Calouste Gulbenkian, Lisbona, Portogallo. cultured.com Degas non era un impressionista classico. Non gli piaceva lavorare all'aria aperta ( all'aperto). Con lui non troverai una tavolozza volutamente illuminata.
Al contrario, amava una linea chiara. Ha un sacco di nero. E ha lavorato esclusivamente in studio.
Ma è sempre messo alla pari con gli altri grandi impressionisti. Perché era un impressionista del gesto.
Angoli inaspettati. Asimmetria nella disposizione degli oggetti. Personaggi presi alla sprovvista. Tutti questi sono gli attributi principali dei suoi dipinti.
Ha fermato il momento della vita, non permettendogli di riprendere i sensi. Guarda almeno la sua “Orchestra dell'Opera”.
Edgar Degas. Orchestra dell'Opera. 1870 Museo d'Orsay, Parigi. commons.wikimedia.org In primo piano c'è lo schienale di una sedia. Il musicista ci dà le spalle. E così via sfondo le ballerine sul palco non rientravano nella “cornice”. Le loro teste vengono "tagliate" senza pietà dal bordo dell'immagine.
Pertanto, i ballerini da lui tanto amati non sono sempre raffigurati bellissime pose. A volte semplicemente si allungano.
Ma tale improvvisazione è immaginaria. Naturalmente, Degas ha pensato attentamente alla composizione. Questo è solo un effetto fermo immagine, non un vero fermo immagine.
Edgar Degas. Due ballerini. 1879 Museo Shelburne, Wermouth, Stati Uniti Edgar Degas amava dipingere le donne. Ma la malattia o le caratteristiche del corpo non gli permettevano di avere un contatto fisico con loro. Non si è mai sposato. Nessuno lo ha mai visto con una donna.
Assenza storie vere nel suo vita privata aggiungeva un erotismo sottile e intenso alle sue immagini.
Edgar Degas. Stella del balletto. 1876-1878 Museo d'Orsay, Parigi. wikimedia.comons.org Si prega di notare che nella foto "Ballet Star" è disegnata solo la ballerina stessa. I suoi colleghi nel backstage sono appena distinguibili. Solo poche gambe.
Ciò non significa che Degas non abbia finito il quadro. Questa è l'accoglienza. Mantieni a fuoco solo le cose più importanti. Fai sparire il resto, illeggibile.
Leggi altri dipinti del maestro nell'articolo.
5. Berthe Morisot (1841 - 1895)
Edoardo Mane. Ritratto di Berthe Morisot. 1873 Museo Marmottan Monet, Parigi. Bertha Morisot è raramente messa in prima fila tra i grandi impressionisti. Sono sicuro che non sia meritato. Solo in lei troverai tutte le principali caratteristiche e tecniche dell'impressionismo. E se ti piace l'impressionismo, adorerai il suo lavoro con tutto il cuore.
Morisot lavorò velocemente e con impeto. Trasferire la tua impressione sulla tela. Le figure sembrano sul punto di dissolversi nello spazio.
Berthe Morisot. Estate. 1880 Museo Fabre, Montpellier, Francia. Come Degas, spesso non completava alcuni dettagli. E anche parti del corpo della modella. Non è possibile distinguere le mani della ragazza nel dipinto “Estate”.
Il percorso di Morisot verso l'espressione di sé è stato difficile. Non solo era impegnata nella pittura “sciatta”. Era ancora una donna. A quei tempi, una donna avrebbe dovuto sognare di sposarsi. Successivamente, tutti gli hobby furono dimenticati.
Pertanto, Berta ha rifiutato a lungo il matrimonio. Finché non trovò un uomo che trattava rispettosamente la sua occupazione. Eugene Manet era il fratello del pittore Edouard Manet. Desiderava doverosamente il cavalletto e i colori di sua moglie.
Berthe Morisot. Eugenio Manet con sua figlia a Bougival. 1881 Museo Marmottan Monet, Parigi. Ma eravamo ancora nel XIX secolo. No, Morisot non portava i pantaloni. Ma non poteva permettersi la completa libertà di movimento.
Non poteva andare al parco a lavorare da sola. Non accompagnato da qualcuno vicino. Non potevo sedermi da solo in un bar. Pertanto, i suoi dipinti provengono da persone cerchia familiare. Marito, figlia, parenti.
Berthe Morisot. Una donna con un bambino in un giardino a Bougival. 1881 Museo Nazionale del Galles, Cardiff. Morisot non ha aspettato il riconoscimento. Morì all'età di 54 anni di polmonite. Non ha venduto quasi nessuno dei suoi lavori durante la sua vita. Nel certificato di morte nella colonna "occupazione" c'era un trattino. Era impensabile che una donna potesse essere definita artista. Anche se lo era davvero.
Leggi i dipinti del maestro nell'articolo
6. Camille Pissarro (1830 - 1903)
Camille Pissarro. Auto ritratto. 1873 Museo d'Orsay, Parigi. wikipedia.org Camille Pissarro. Non conflittuale, ragionevole. Molti lo consideravano un insegnante. Anche i colleghi più capricciosi non parlavano male di Pissarro.
Era un fedele seguace dell'impressionismo. Nel disperato bisogno, con cinque figli e una moglie, continuava a lavorare sodo con lo stesso stile. E non sono mai passato a pittura da salone. Per diventare più popolare. Non si sa dove abbia preso la forza di credere pienamente in se stesso.
Per non morire affatto di fame, Pissarro dipingeva dei ventagli. che furono prontamente venduti. E il vero riconoscimento gli è arrivato dopo 60 anni! Quando finalmente riuscì a dimenticare la necessità.
Camille Pissarro. Diligenza a Louveciennes. 1869 Museo d'Orsay, Parigi L'aria nei dipinti di Pissarro è densa e densa. Fusione insolita di colore e volume.
L'artista non aveva paura di dipingere i fenomeni più mutevoli della natura. Che apparirà per un attimo e scomparirà. Prima neve, sole gelido, lunghe ombre.
Camille Pissarro. Gelo. 1873 Museo d'Orsay, Parigi Le sue opere più famose sono vedute di Parigi. Con ampi viali, folla vanitosa ed eterogenea. Di notte, di giorno, con tempo diverso. Qualcosa in comune con una serie di dipinti di Claude Monet.
Gli artisti francesi sono i più grandi nomi della cultura mondiale. Inoltre, sono stati i maestri francesi a battere tutti i record per il prezzo delle opere d'arte migliori aste. È un peccato solo che i loro autori abbiano ricevuto solo fama postuma, ma tali sono le vicissitudini del destino di tanti creatori di bellezza.
Artisti francesi: il fenomeno dell'impressionismo francese
Così, gli artisti francesi del 20 ° secolo sono diventati i più venduti, e quindi i più famosi e riconosciuti al mondo. Anche chi è completamente inesperto belle arti le persone conoscono i loro nomi. Prima di tutto, questi sono artisti impressionisti. La Francia fu inospitale nei loro confronti durante la loro vita, ma dopo la morte divennero un vero orgoglio nazionale.
I più grandi artisti di Francia che hanno ricevuto riconoscimento mondiale, fama e notorietà in cerchi larghi, - Questo Pierre Renoir, Edouard Manet, Edgar Degas, Paolo Cézanne, Claude Monet E Paolo Gauguin. Tutti loro sono rappresentanti della tendenza più famosa e più venduta nella pittura del XX secolo: l'impressionismo. Inutile dire che questa tendenza ha avuto origine in Francia e rivela pienamente il suo posto e il suo significato nella storia dell'arte mondiale. Combinazione straordinaria tecnologia originale e la grande espressività emotiva ha affascinato e continua ad affascinare gli intenditori del bello di tutto il mondo nell'impressionismo.
Artisti di Francia: la formazione della pittura francese
Ma gli artisti francesi non sono solo impressionisti. Come altrove in Europa, il periodo di massimo splendore della pittura qui cadde nel Rinascimento. Naturalmente, la Francia non può vantare giganti come Leonardo da Vinci o Raffaello, ma ha comunque dato il suo contributo alla causa comune. Ma Influenze italiane erano troppo forti per formare la scuola nazionale originaria.
Il primo grande artista francese che si liberò completamente dalle influenze esterne fu Jacques Louis David, giustamente considerato il fondatore della tradizione pittorica nazionale. maggior parte famoso dipinto L'artista divenne il famoso ritratto equestre dell'imperatore Napoleone chiamato "Napoleone al Passo del San Bernardo" (1801).
Gli artisti francesi del XIX secolo, che lavoravano in una direzione realistica, ovviamente, erano meno conosciuti degli impressionisti, ma tuttavia diedero un contributo tangibile allo sviluppo della pittura mondiale. Ma il 20° secolo è stato un trionfo arte francese, e Parigi divenne il centro delle muse. zona famosa la capitale francese Montmartre, che diede rifugio a decine di poveri artisti che poi entrarono nel fondo d'oro del patrimonio dell'umanità, compresi i nomi Renoir, van gogh, Toulouse-Lautrec, E Picasso E Modigliani, divenne il centro delle belle arti e attira ancora folle di turisti. Anche famosi artisti francesi contemporanei vivono tradizionalmente a Montmartre.