Essere a Parigi e non guardare il Louvre è semplicemente un crimine. Qualsiasi turista te lo dirà. Ma se non ti sei preparato in anticipo, corri il rischio di perderti tra la folla di persone con macchine fotografiche, tablet e smartphone e di perdere la cosa più importante per cui il mondo intero cerca di visitare il più grande museo parigino.
Il Louvre è enorme e bellissimo. Non sarà possibile godersi tutte le sue mostre nemmeno in un giorno: ce ne sono più di 300.000 Per non rimanere uno shock estetico per l'eccesso di cose belle, bisogna fare una scelta. Il Lato Positivo ha deciso di renderti le cose più facili.
Allora perché andare al Louvre? Innanzitutto, ovviamente, per la Gioconda.
"La Gioconda" di Leonardo da Vinci
"La Gioconda" di Leonardo da Vinci è la mostra principale del Louvre. Tutte le insegne del museo portano a questo dipinto. Un numero enorme di persone viene ogni giorno al Louvre per vedere con i propri occhi il sorriso ammaliante della Gioconda. Da nessuna parte tranne il Louvre, non puoi vederlo. A causa delle cattive condizioni del dipinto, la direzione del museo ha annunciato che non lo avrebbe più dato alle mostre.
La Gioconda forse non sarebbe stata così popolare e famosa in tutto il mondo se non fosse stata rubata da un operaio del Louvre nel 1911. La foto fu ritrovata solo 2 anni dopo, quando il ladro tentò di venderla in Italia. Per tutto questo tempo, mentre le indagini erano in corso, la Gioconda non lasciò le copertine di giornali e riviste di tutto il mondo, diventando oggetto di copia e adorazione.
Oggi la Gioconda è nascosta dietro vetri antiproiettile, con barricate che trattengono la folla di turisti. L'interesse per una delle opere d'arte più famose e misteriose del mondo non svanisce.
Venere di Milo
La seconda stella del Louvre è una statua in marmo bianco della dea dell'amore Afrodite. Il famoso antico ideale di bellezza, creato nel 120 a.C. e. La crescita della dea è di 164 cm, le proporzioni sono 86×69×93.
Secondo una versione, le mani della dea andarono perse al momento del conflitto tra i francesi, che volevano portarla nel loro paese, e i turchi, i proprietari dell'isola dove fu scoperta. Gli esperti assicurano che le mani della statua furono staccate molto prima che fosse scoperta. Tuttavia, gli abitanti delle isole dell'Egeo credono in un'altra bellissima leggenda.
Un famoso scultore stava cercando un modello per creare una statua della dea Venere. Ha sentito una voce su una donna di straordinaria bellezza dell'isola di Milos. L'artista si precipitò lì, trovò la bellezza e se ne innamorò perdutamente. Dopo aver ricevuto il consenso, si mise al lavoro. Il giorno in cui il capolavoro era quasi pronto, non potendo più contenere la passione, lo scultore e la modella si gettarono l'uno nelle braccia dell'altra. La ragazza premette così forte lo scultore sul petto che soffocò e morì. E la scultura è rimasta senza entrambe le mani.
La zattera della Medusa Theodore Géricault
Oggi, il dipinto di Théodore Géricault è uno dei gioielli del museo. Sebbene dopo la morte dell'artista nel 1824, i rappresentanti del Louvre non fossero pronti a pagare una cifra decente per questo, e un caro amico dell'artista acquistò il dipinto all'asta.
Durante la vita dell'autore, la tela suscitò indignazione e indignazione: come osava l'artista utilizzare un formato così grande non per la trama eroica o religiosa accettata in quel momento, ma per rappresentare un evento reale.
La trama dell'immagine è basata su un incidente accaduto il 2 luglio 1816 al largo delle coste del Senegal. La fregata "Medusa" naufragò e 140 persone cercarono di fuggire su una zattera. Solo 15 di loro sopravvissero e 12 giorni dopo furono recuperati dal brigantino Argus. I dettagli del viaggio dei sopravvissuti - omicidi, cannibalismo - scioccarono la società e si trasformarono in uno scandalo.
Gericault ha unito in un'unica immagine la speranza e la disperazione, i vivi e i morti. Prima di raffigurare quest'ultimo, l'artista ha realizzato numerosi schizzi dei moribondi negli ospedali e dei cadaveri dei giustiziati. La Zattera della Medusa fu l'ultima delle opere completate di Géricault.
Nike di Samotracia
Un altro orgoglio del museo è una scultura in marmo della dea della vittoria. I ricercatori ritengono che uno scultore sconosciuto abbia creato la Nike nel II secolo a.C. come segno delle vittorie navali greche.
Alla scultura mancano la testa e le braccia e l'ala destra è una ricostruzione, copia in gesso dell'ala sinistra. Tentarono ripetutamente di restaurare le mani della statua, ma senza successo: tutti rovinarono il capolavoro. La statua stava perdendo la sensazione del volo e della rapidità, di una spinta inarrestabile in avanti.
Inizialmente, Nika si trovava su una scogliera a picco sul mare e il suo piedistallo raffigurava la prua di una nave da guerra. Oggi la statua si trova al secondo piano del Louvre sulle scale che portano al Daru della Galleria Denon ed è visibile da lontano.
L'incoronazione di Napoleone Jacques Louis David
Gli intenditori d'arte vanno al Louvre per vedere i dipinti monumentali dell'artista francese Jacques Louis David "Il giuramento degli Orazi", "La morte di Marat" e una grandiosa tela raffigurante l'incoronazione di Napoleone.
Il titolo completo del dipinto è "Consacrazione dell'imperatore Napoleone I e incoronazione dell'imperatrice Giuseppina nella cattedrale di Notre Dame il 2 dicembre 1804". David ha scelto il momento in cui Napoleone incorona Giuseppina e Papa Pio VII gli dà la sua benedizione.
Il dipinto fu commissionato dallo stesso Napoleone I, che voleva che tutto sembrasse migliore di quanto non fosse in realtà. Pertanto, ha chiesto a David di rappresentare sua madre, che non era all'incoronazione, proprio al centro dell'immagine, per rendersi un po 'più alto, e Josephine un po' più giovane.
"Amore e Psiche" di Antonio Canova
Esistono due versioni della scultura. Il Louvre ne conserva la prima versione, donata al museo nel 1800 dal marito della sorella di Napoleone, Gioacchino Murat. La seconda versione, più tarda, si trova all'Ermitage di San Pietroburgo. Fu presentato al museo dal principe Yusupov, che acquistò il capolavoro a Roma nel 1796.
La scultura raffigura il dio Cupido nel momento di risvegliare Psiche dal suo bacio. Nel catalogo del Louvre, il gruppo scultoreo si chiama "Psiche risvegliata dal bacio di Cupido". La creazione del capolavoro dello scultore italiano Antonio Canova è stata ispirata dagli antichi miti greci sul dio dell'amore Amore e Psiche, che i Greci consideravano la personificazione dell'anima umana.
Questo capolavoro dell'incarnazione della sensualità nel marmo merita sicuramente di essere apprezzato dal vivo.
"La Grande Odalisca" di Jean Ingres
Ingres dipinse la Grande Odalisca per la sorella di Napoleone, Caroline Murat. Ma la foto non è mai stata accettata dal cliente.
Oggi è uno dei reperti più preziosi del Louvre, nonostante gli evidenti errori anatomici. L'odalisca ha tre vertebre in più, il braccio destro è incredibilmente lungo e la gamba sinistra è ruotata con un'angolazione impossibile. Quando il dipinto apparve nel salone nel 1819, uno dei critici scrisse che nell'Odalisca "non ci sono ossa, né muscoli, né sangue, né vita, né sollievo".
Ingres ha sempre, senza esitazione o rimorso, esagerato i lineamenti dei suoi modelli per enfatizzare l'espressività e il valore artistico dell'immagine. E oggi non dà fastidio a nessuno. "La Grande Odalisca" è considerata l'opera più famosa e significativa del maestro.
"Schiavi" di Michelangelo
Tra i reperti più preziosi del Louvre ci sono due sculture di Michelangelo: il famoso "Schiavo ribelle" e "Schiavo morente". Furono realizzati tra il 1513 e il 1519 per la lapide di papa Giulio II, ma non furono mai inclusi nella versione definitiva della tomba.
Come previsto dallo scultore, le statue avrebbero dovuto essere sei in totale. Ma Michelangelo non finì di lavorare su quattro di essi. Oggi sono alla Galleria dell'Accademia di Firenze.
Le due statue del Louvre completate rappresentano un contrasto tra un giovane forte che cerca di rompere i suoi legami e un altro giovane che pende impotente da essi. Persone sconfitte, legate, morenti in Michelangelo, però, come sempre straordinariamente belle e forti.
Statua seduta di Ramses II
Il Louvre possiede una delle collezioni di antichità egizie più ricche al mondo. Un capolavoro dell'antica cultura egiziana, che deve essere visto con i propri occhi, è la statua del famoso faraone Ramses II.
Una volta nella sala delle antichità egizie, non perderti la statua di uno scriba seduto dall'espressione sorprendentemente vivace.
La Merlettaia di Jan Vermeer
I dipinti di Vermeer sono interessanti in quanto i ricercatori trovano prove che i grandi artisti, a partire dal Rinascimento, usarono l'ottica per scrivere i loro dipinti realistici. In particolare, durante la creazione della Merlettaia, Vermeer avrebbe utilizzato una camera oscura. Nella foto potete vedere molti degli effetti ottici utilizzati in fotografia, ad esempio: un primo piano sfocato.
Al Louvre si può vedere anche il dipinto di Vermeer "L'Astronomo". Raffigura l'amico dell'artista e manager postumo Anthony van Leeuwenhoek, scienziato e microbiologo, un artigiano unico che ha creato i propri microscopi e lenti. A quanto pare, ha fornito a Vermeer l'ottica, con la quale l'artista ha dipinto i suoi capolavori.
Affascinante è la più ricca collezione di dipinti del Louvre. E non solo la “Gioconda” del grande Leonardo. Ne parleremo più avanti. Ed ecco, ad esempio, il dipinto di Domenico Ghirlandaio “Il vecchio con il nipote”, molto apprezzato dalla critica d'arte. Guarda attentamente entrambi i personaggi e vedrai la stessa faccia. Presta attenzione al paesaggio fuori dalla finestra. Sembra che non ci sia nulla di straordinario, ma guardando più da vicino vedrai il percorso scodinzolante della vita, partendo dal vuoto. Inoltre, la giovinezza di un giovane albero, la casa, come simbolo di maturità e famiglia, e l'ascesa sempre più in alto... fino al cielo.
01. Domenico Ghirlandaio - "Il vecchio con il nipote"
È interessante notare che tra gli storici dell'arte il dipinto di Leonardo da Vinci "Giovanni Battista" (San Giovanni Battista) è posto molto più in alto della "Gioconda". E rivediamo sulla tela un sorriso misterioso evidenziato dalla luce. E qui Giovanni Battista non sembra un profeta asceta.
02. Leonardo da Vinci - "Giovanni Battista" (San Giovanni Battista) 
03. Leonardo da Vinci - "Mona Lisa" ("La Gioconda"), dove senza di essa. Intorno al ritratto si accalca sempre un gruppo di persone e i borseggiatori non dormono. Quindi prenditi cura dei tuoi portafogli al Louvre. 
04. Persone alla "Gioconda" 
05. Leonardo da Vinci - "Sant'Anna con la Madonna e il Bambino Gesù". Dipinto incompiuto 
06. Leonardo da Vinci "Ritratto di giovane donna" ("Bella Ferroniera"). Si ritiene che questo sia un ritratto di Lucrezia Crivelli, amante del duca di Milano Lodovico Sforza, mecenate di Leonardo da Vinci 
07. Lorenzo Lotto - Portare la Croce. Nella foto sono scritte in modo interessante le lacrime, come se fossero vive, e tre raggi di luce provenienti dalla testa. 
08. Alessandro Botticelli - "Venere e le tre Grazie presentano un dono ad una fanciulla" 
09. Dipinto sul soffitto 
10. L'opera di Guido di Petri Beato Angelico 
11. L'opera di Genny di Pepe 
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14. Alessandro Botticelli - "Madonna col Bambino e San Giovanni Battista" 
15. Francesco Botticini - "Madonna col Bambino in gloria con S. Maria Maddalena, S. Bernardo e Angeli" 
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17. Opera di Andrea Mantegna 
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19. Giovanni Bellini (?) - "Sant'Antonio" 
20. Bartolomeo di Giovanni - "Corteo di Teti" 
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22. Francesco Marmitta - "Madonna col Bambino tra i Santi Benedetto e Quintino e due angeli" 
23. Lorenzo Costa - "Allegoria della corte di Isabella d'Este" 
24. Antonio Giovanni Boltraffio - "Madonna col Bambino tra i Santi Giovanni Battista e Sebastiano e due donatori" 
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26. Paolo Veronese - "Nozze di Cana" 
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29. Lorenzo Lotto - "Cristo e il peccatore" 
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32. Jacques-Louis David - "Incoronazione dell'imperatore Napoleone I e dell'imperatrice Giuseppina" 
33. Pierre Paul Prudon - "Ritratto dell'imperatrice Giuseppina" 
34. Pierre Paul Prudhon - "Grande Odalisca" 
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36. Antoine Jean Gros - "Napoleone sul campo di battaglia di Preuss-Eylau" 
37. Antoine Jean Gros - "Napoleone vicino agli appestati a Giaffa" 
38. Theodore Gericault - "La zattera della Medusa" 
39. Eugene Delacroix - "Donne algerine"
Venere di Milo (Foto: Mark / flickr.com) Venere di Milo (Foto: Rodney / flickr.com) Venere di Milo (Foto: Dennis Jarvis / flickr.com) Mona Lisa (Foto: Dennis Jarvis / flickr.com) Mona Lisa al Louvre (Foto: Marcus Meissner / flickr.com) Monna Lisa al Louvre (Foto: Bryan Allison / flickr.com) Nike di Samotracia (Foto: faungg's photos / flickr.com) Nike di Samotracia (Foto: SpirosK photography / flickr.com) Zattera della Medusa (Foto: ru.wikipedia.org) Giuramento degli Orazi (Foto: KCC246F / flickr.com) Grande odalisca (Foto: Dennis Jarvis / flickr.com) Schiavi (Foto: Dennis Jarvis / flickr.com) Schiavi (Foto: Dennis Jarvis / flickr.com) Amore e Psiche (Foto: Dennis Jarvis / flickr.com) Amore e Psiche (Foto: Connie Ma / flickr.com) Amore e Psiche (Foto: Joseph Kranak / flickr.com) Statua di Ramesse II (Foto: Ivo Jansch/flickr.com)
La prima visita al Louvre spesso prende il percorso più accessibile. I turisti tendono a visitare le "tre famose dame del Louvre": Venere di Milo, Nike di Samotracia e Monna Lisa.
Il percorso escursionistico più breve consente di vedere i capolavori più suggestivi del museo:
- Venere di Milo;
- Monna Lisa;
- Nike di Samotracia;
- Zattera della Medusa;
- Giuramento degli Orazi;
- Grande odalisca;
- Schiavi;
- Amore e Psiche;
- Statua di Ramesse II.
Venere di Milo
La conoscenza dell'arte antica è molto difficile per uno spettatore inesperto. Gli originali conservano le tracce delle distruzioni lasciate dal tempo, dalle guerre, dai vandali. La Venere di Milo è un magnifico esempio di originale ben conservato. La statua fu rimossa da terra nel 1820 e presto portata al Louvre. Il nome le è stato dato dal nome dell'isola su cui è avvenuta la scoperta.
Il busto nudo ha permesso agli scienziati di riconoscere Venere, la divinità romana dell'amore. La forma allungata della statua, la posizione del corpo di Venere, la nudità sensuale testimoniano la creazione in epoca ellenistica. Il volto neutro della Venere di Milo, senza emozioni, è un segno che lo scultore stava cercando di creare l'immagine di una dea che sta al di sopra delle passioni umane. L'artista ha dato proporzioni ideali al viso e al corpo di Venere.
Esistono diverse versioni che spiegano l'assenza di mani su Venere. Storici dell'arte e archeologi sostengono che la statua fosse già stata rimossa in forma danneggiata. Ciò smentisce la leggenda romantica sull'amore dello scultore per la ragazza modella. Presa dalla passione per l'artista, la ragazza lo strinse così forte tra le braccia che lo strangolò. La dea è rimasta incompiuta, senza mani.
La Venere di Milo è al Louvre da 195 anni. Puoi trovare il capolavoro al primo piano nella stanza 74.
Monna Lisa (La Gioconda)
Acquistata dal re Francesco I all'inizio del XVI secolo, la tela divenne famosa solo nel XX secolo. Ritratto di Lisa Gherardini, moglie di Francesco del Giocondo, diventata la "star" del Louvre dopo essere stata rapita da un impiegato del museo. Per due anni, mentre la polizia indagava, la foto venne pubblicata su giornali e riviste di tutto il mondo. Questa situazione rese celebre la Gioconda che, al suo ritorno al Louvre nel 1913, divenne oggetto di adorazione del grande pubblico.
"Mona Lisa" è un dipinto con una tecnica pittorica abbagliante. Leonardo da Vinci utilizzava strati di colore altamente diluiti, quasi trasparenti. Il gioco del chiaroscuro e dei contorni sfocati crea l'impressione di irrealtà. Monna Lisa, una normale signora medievale, appare quasi magica.
L'identità del modello è diventata oggetto di speculazioni stravaganti. La Gioconda era chiamata un messaggio cifrato per l'umanità. Alcuni ricercatori hanno sostenuto che la tela sia un autoritratto dello stesso Leonardo. Altri hanno affermato che l'artista ha catturato i lineamenti di sua madre nell'immagine di Monna Lisa. Le informazioni ufficiali dicono che Mona (cioè "Signora") portava il nome di Lisa Giocondo, ed era la moglie di un commerciante fiorentino.
Il sorriso di Monna Lisa è un simbolo della bellezza e del fascino femminile. Puoi vedere la Gioconda al primo piano del Louvre, nella Grande Galleria.
Nike di Samotracia
L'antico originale della statua fu, secondo gli storici, distrutto da un terremoto. L'esemplare presentato al Louvre è stato ritrovato tra innumerevoli statue sull'isola egea di Samotracia. I ricercatori ritengono che la statua raffiguri l'antica dea ellenica della vittoria, Nike, con il suo gesto caratteristico che annuncia la vittoria delle navi greche in una battaglia navale nel 190 a.C.
Nel corso dei secoli Nike perse la testa e le braccia. L'ala destra è stata oggi riprodotta realizzando un calco in gesso dell'ala sinistra superstite. Oggi è realizzata anche la piattaforma su cui è fissata la statua. Nonostante la distruzione, la statua impressiona per l'accuratezza delle proporzioni, l'autenticità della postura del corpo e le pieghe degli abiti che riflettono realisticamente il movimento del vento. Il culturologo francese Malraux ha definito la Nike di Samotracia un simbolo senza tempo dell'arte occidentale, un "capolavoro del destino".
I critici d'arte hanno posizionato la statua all'angolo delle scale, dove la posa sorprendente di Nike sembra migliore.
"La zattera della Medusa"
Questa tela di Theodore Géricault è definita il manifesto del romanticismo. Presentato per la prima volta al pubblico nel 1819, il dipinto suscitò uno scandalo pubblico. Gli eventi rappresentati nella foto erano una trama religiosa o mitologica non tradizionale per quel tempo, ma rappresentavano una dura critica alle autorità.
La morte della nave "La Medusa", avvenuta per l'incompetenza del capitano, non ha comportato per lui alcuna punizione. Il capitano tornò al suo posto, poiché aveva il patrocinio, e 149 passeggeri, che non avevano abbastanza barche, andarono alla deriva per 12 giorni su una zattera improvvisata. A seguito del massacro, del cannibalismo e della follia, sulla zattera sopravvissero 15 sfortunati.
La tela di Géricault raffigura una zattera instabile e un'onda enorme che può capovolgerla. L'artista ha trasmesso i vari stati psicologici dei passeggeri della zattera: la disperazione di un uomo che abbraccia il figlio morto, la rabbia e lo sconforto, l'instancabile speranza di coloro che salutano i soccorritori sconosciuti. La protagonista dell'immagine è l'umanità nel suo insieme, che cerca di scappare, nonostante il terribile destino.
Il Louvre ricevette il dipinto nel 1824. La Zattera della Medusa è esposta nella sala 77, che ospita le mostre romantiche, al secondo piano del museo.
"Giuramento degli Orazi"
Molte mostre del Louvre evocano ricordi di libri di testo scolastici. Questo è anche il dipinto di Jacques-Louis David "Il giuramento degli Orazi". Raffigura un episodio eroico dell'antica storia romana. I fratelli della famiglia Orazi giurarono di vincere o morire in un duello con i nemici di una famiglia ostile.
L'artista ha mostrato il momento della solenne finale del giuramento, quando il padre mette le spade nelle mani solennemente alzate dei suoi figli. L'immagine illustra più dell'eroismo e degli alti sentimenti dell'era antica. Jacques-Louis David ha preso un esempio storico per propagare l'ideologia del suo tempo.
Il dipinto divenne un capolavoro del genere neoclassico. Combina linee rette, colori caldi, pose espressive di uomini con l'immobilità delle colonne scure sullo sfondo. Gli spettatori moderni affermano che la tela di David dà l'impressione di una fotografia dalla scena di eventi inquietanti, è così realistica. Il Louvre espone reperti della scuola neoclassica, tra cui il Giuramento degli Orazi al piano terra.
"Grande Odalisca"
L'autore della tela "La Grande Odalisca", Jean Ingres, ha trasferito in Oriente l'antico tema del "nudo" femminile. I viaggi mentali dell'artista verso paesi caldi e lontani sono diventati la ragione per creare un'immagine sensuale di una donna harem. Ingres ha completato il nudo con decorazioni esotiche.
Rimanendo un artista classico, Ingres si allontana dalla tradizione a favore della sensualità del disegno. Distorce intenzionalmente i dettagli anatomici. L'odalisca nel suo dipinto ha una colonna vertebrale innaturalmente lunga. La sua gamba sinistra e il seno destro sono stranamente attaccati al suo corpo. Ma il pesante drappeggio blu, il turbante e il narghilè sono rappresentati in modo abbastanza realistico. La creatività Ingres ha un enorme impatto sugli artisti contemporanei, in particolare su Picasso. "La Grande Odalisca" è riconosciuta come la sua tela più grande. Il Louvre presenta il dipinto al primo piano, nella sala 75.
"Schiavi"
Fuori dall'Italia le opere di Michelangelo Buonarotti vengono raramente esposte. Il Louvre possiede due statue contemporaneamente, appartenenti a un unico insieme di sculture conservate a Firenze. Le mostre del Louvre, "Lo schiavo risorto" e "Lo schiavo morente" sono le opere incompiute del brillante artista. Gli esperti traggono questa conclusione sulla base delle tracce esterne degli strumenti che non possono trovarsi sulle opere finite.
Secondo la concezione dell'artista, gli "schiavi" sono simboli delle passioni umane. "The Dying Slave" è l'incarnazione della debolezza spirituale, della disperazione. Il suo antagonista è lo "schiavo ribelle", che esprime il desiderio dell'anima di libertà, ribellione.
Le sculture di Michelangelo stupiscono invariabilmente il pubblico con la rappresentazione realistica del corpo umano, della spiritualità e del significato profondo.
Gli "Schiavi" di Michelangelo si trovano al piano terra nella Galleria della scultura italiana.
"Amore e Psiche"
La scultura, realizzata nel XVIII secolo dallo scultore veneziano Canova, finì al Louvre solo cento anni dopo. Fu acquistato dal maresciallo napoleonico e parente Murat.
La statua in marmo raffigura l'antico dio romano dell'amore, Cupido, che risvegliò la sua amata Psiche dal sonno della morte con un bacio. L'artista ha trasmesso nel marmo i movimenti naturali dei corpi, ha mostrato proporzioni ideali ed espressioni facciali autentiche. La scultura è considerata un simbolo d'amore.
Per questa scultura ce n'era una coppia (Canova ne fece due su ordinazione). Copie di entrambe le sculture sono conservate nell'Ermitage di Stato. La mostra di proprietà del Louvre è più famosa.
Statua di Ramesse II
Grazie alla campagna d'Egitto di Napoleone, in Francia all'inizio del XIX secolo, si diffuse la moda dell'Antico Egitto. Come risultato di questa moda, furono raccolte molte copie dell'antica arte egizia. Un dipartimento di antichità egizie fu istituito nel Palazzo del Louvre.
Uno degli esempi più interessanti di arte di 2.000 anni è la statua di un faraone seduto, Ramesse II. Realizzata in pietra scura, la scultura riproduce in modo sorprendentemente accurato i tratti del viso del faraone conquistatore e riflette l'atmosfera della dinastia orientale: solennità e severità. Il Dipartimento delle Antichità Egizie si trova al primo piano del museo.
Capolavori del Louvre - I reperti più famosi del museo.
museo di Louvre- questo è un museo universale, con le sue dimensioni, significato culturale e valore delle mostre, compete ad armi pari con giganti delle collezioni mondiali di valori culturali come il Museo del Cairo, l'Ermitage di San Pietroburgo, il British Museum .
Venire e non visitare il Louvre è paragonabile a un crimine, ma a causa dell'enorme numero di mostre esposte senza previa preparazione, ci si può semplicemente perdere tra la grande varietà di bellissime opere d'arte e annegare in una folla di persone con fotocamere, tablet e smartphone e perdere la cosa più importante a cui aspira il mondo intero nel più grande museo parigino.
Le mostre del museo coprono un vasto periodo di tempo: dall'arte dall'Europa occidentale all'Estremo Oriente, dall'antichità al 1848. È molto difficile per una persona impreparata o poco preparata comprendere tutta questa diversità. Abbiamo preparato per questi turisti un breve tour del Louvre, che copre tutti i capolavori più famosi del mondo del Louvre di Parigi, con le loro posizioni nelle infinite esposizioni del gigantesco museo.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Codice di Hammurabi (1792-1750 a.C.)
Si tratta di un codice di leggi, che comprende 282 disposizioni di diritto pubblico e privato, scolpite in cuneiforme su una stele di basalto nero di due metri.
La stele fu ritrovata nel 1902 e trasferita su numerose tavolette d'argilla. Nella parte superiore della stele c'è l'immagine del re che riceve 282 leggi incise dal dio giudice Shamash, che tiene nelle sue mani i simboli della giustizia.
Questo monumento riflette la vita sociale degli abitanti di Babilonia nel secondo millennio a.C. dopo la conquista della Mesopotamia con una fiorente agricoltura e commercio, senso civico molto sviluppato.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Impiegato seduto (2500 a.C.)
Numerosi reperti del dipartimento di arte egizia antica, creati dal primo ricercatore dei misteri dei geroglifici e dell'egittologia, Jean-Francois Champollion, raccontano al visitatore le usanze funerarie della ricca classe egiziana, coloro che ordinarono magnifici sarcofagi, così come sulla vita delle fasce più povere della popolazione.
Al centro della seconda sala delle antichità egizie si trova un capolavoro di scultura antica: lo "Scriba seduto". Questa statua, realizzata in pietra calcarea dipinta, colpisce per il suo realismo: l'impiegato, che si appresta a scrivere su papiro, ha un'espressione concentrata sul viso, e uno sguardo attento è creato utilizzando il materiale utilizzato per gli occhi: il cristallo di rocca (iris ) e una striscia di rame che incornicia le palpebre.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Questo capolavoro dell'arte ellenistica fu ritrovato nel 1820 sull'isola di Milos, acquistato dall'ambasciatore francese a Costantinopoli, il marchese de Riviere, e presentato in dono a Luigi XVIII nel 1821. La statua, alta più di due metri, è in marmo pario e risale al II secolo a.C. AVANTI CRISTO e. Con ogni probabilità, questa è una delle copie dell'originale Prassitele. Dalle vesti scese fino ai fianchi esce il bellissimo torso nudo di Venere; l'intera scultura irradia la bellezza divina: è una dea nel pieno senso della parola, una sintesi dell'ideale greco di bellezza e sensualità.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Capolavoro della scultura ellenistica (II - III secolo a.C.) "Nike (Vittoria) di Samotracia" fu ritrovato nel 1863 con braccia e testa spezzate. La statua venne posta sulla prua di una nave di pietra nel santuario e, con ogni probabilità, celebrava solennemente la vittoria in una battaglia navale.
Il movimento quasi barocco del panneggio e la potenza del corpo della statua, alto 2,75 m, teso dal vento e dalle forti onde, conferiscono alla scultura un'energia e una plasticità uniche.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Nome Michelangelo Buonarroti(1475-1564), scultore, architetto, pittore e poeta, segnò l'intero periodo di brillante prosperità delle scuole italiane.
Nel 1505, a Roma, lo scultore iniziò a realizzare una lapide per papa Giulio II (1513-1514). Durante la rivoluzione, due statue donate a Enrico II furono donate al Museo del Louvre, e oggi questa è l'unica collezione fuori dall'Italia che ospita opere di Michelangelo.
In queste statue prevale l'elemento allegorico, perché l'artista, su richiesta del papa, dovette raffigurare tutte le arti gravate da vincoli, poiché con la morte del papa furono private del libero sviluppo.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Lavoro Leonardo Da Vinci(1452-1519), risultato unico della sintesi della creatività artistica con la ricerca scientifica e sperimentale, è una delle manifestazioni più alte della cultura rinascimentale.
Le opere del periodo milanese (1482-1499), tra cui la Madonna delle Rocce (1483), sono caratterizzate da grande armonia di stile e straordinaria nobiltà interpretativa, che conferiscono potenza ed espressività a tutte le immagini. Tra tutte le figure che si inseriscono nello schema piramidale, domina la figura immateriale della Madonna, che sembra dissolversi nel resto delle componenti del quadro, e l'azione si esprime attraverso i volti e le mani che si trovano intorno a lei.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Pittore veneziano veronese(1528-1588) si distingueva per quella creatività diretta, con l'aiuto della quale era possibile cogliere la natura liberamente e allo stesso tempo maestosamente.
I suoi dipinti sono vacanze luminose, trasparenti, luminose, piene di animazione; è tutto un mare di luce che riempie ogni cosa e arde solenne su costumi e utensili. Nelle "Nozze di Cana" (1563), come nella maggior parte delle opere dell'artista, nella trama prevalgono i suoi motivi preferiti: sfarzo, solennità e sfarzo della decorazione, che contraddice la santità del tema scelto.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Questo lavoro è uno dei tre pannelli su cui Paolo Uccello (1397-1475) raffigura la battaglia di S. Romano, avvenuta nel 1432 tra fiorentini e senesi.
In questa tavola, realizzata tra il 1451 e il 1457, l'artista porta avanti la sua originale ricerca nel campo della prospettiva lineare. La nuova direzione richiedeva uno studio approfondito del disegno e della legge delle linee di fuga e, di conseguenza, l'artista ha trovato un modo e delle regole su come disporre le figure sul piano su cui si trovano e su come, allontanandosi, dovrebbero essere proporzionalmente abbreviati e ridotti.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Harmensz van Rijn Rembrandt, il più grande artista olandese, un gigante naturalista, ha vissuto una vita piena di tragedie personali legate alla perdita di una giovane moglie, poi di una seconda moglie con figli, che senza dubbio hanno influenzato il suo lavoro, colpendo con infinita potenza e poesia.
L'artista apprezza soprattutto l'espressione di una forza interiore e congelata che non è esplosa, ma ha portato una persona a una contemplazione silenziosa. Al secondo periodo dell’opera di Rembrandt risale il nudo “Bathsheba” (1644), che, chinando il capo, tiene in mano una dichiarazione d’amore per il re Davide. Questo periodo è caratterizzato dalla semplicità di interpretazione di tutte le trame, una speciale luce calda che avvolge tutte le figure.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
A proposito di questo capolavoro Leonardo Da Vinci , forse, è già stato detto così tanto che la “Gioconda” è diventata un simbolo dell'arte della ritrattistica del Rinascimento.
Hanno parlato della straordinaria sottigliezza del disegno e della meravigliosa modellazione delle forme, del sorriso misterioso e del magico scintillio degli occhi. Secondo alcuni critici il ritratto raffigura una giovane Monna Lisa fiorentina, che nel 1495 sposò l'aristocratico fiorentino Francesco del Giocondo.
L'opera appartiene al secondo periodo fiorentino dell'attività di Leonardo, tra il 1503 e il 1505. L'autore non si separò da questo ritratto e lo portò con sé in Francia, dove fu venduto a Francesco I.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Jean-Baptiste Camille Corot è uno dei più importanti rappresentanti della pittura francese del XIX secolo, un paesaggista che studiò ottimamente la natura e dipinse con colori originali e trasparenti.
Il nuovo concetto artistico dell'artista si esprime nei suoi ritratti, dove cerca di riflettere l'essenza della vita reale attraverso un colore speciale. La figura di Bertha Kidschmidt, "Donna con perle" è completamente immersa nella luce. L'intera figura di una donna esprime una calma infinita, e l'insolito dell'immagine è creato proprio dal contrasto tra il profilo chiaro del primo piano e il solido sfondo scuro.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Creazione Antonio Watteau (1684-1721), la scuola da lui creata si accordava perfettamente con la sua grazia e grazia con la società francese del XVIII secolo. Ispirandosi al fantastico mondo del teatro e delle maschere, l'artista ha creato una serie di dipinti, tra cui il famoso “Gilles” (1719), dove l'atmosfera dei sogni viene creata con l'aiuto di colori caldi e disegni morbidi.
L'opera colpisce per la luminosità dei colori e dell'umanità, che traspare attraverso la maschera patetica del comico.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Eroi dei dipinti Jacques Louis David (1748-1825), che rifletteva nei suoi dipinti il movimento politico francese in miniatura, non poteva che essere un cittadino. David fu uno dei migliori pittori della rivoluzione e poi, con l'instaurazione dell'impero, dedicò il suo talento alla rappresentazione degli eventi dell'epoca napoleonica.
Una delle migliori opere di questo periodo è una tela gigante raffigurante l'incoronazione dell'imperatore nella cattedrale di Notre Dame (1805-1807). Lo straordinario equilibrio compositivo, dove ciascuno dei 150 personaggi raffigurati esprime in modo speciale la solennità dell'evento, conferma il talento di David come ritrattista.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
La libertà alla guida del popolo
Eugene Delacroix (1798-1863) - uno dei migliori rappresentanti della scuola di pittura romantica francese, che metteva in primo piano la poesia e il colore. I suoi dipinti, pieni di realismo e drammaticità, si distinguono per la particolare plasticità e luce. Anche sua moglie è cambiata
L'artista fiammingo Quentin Masseys (1466-1530) fu autore di un'intera galleria di ritratti, dipinti di soggetto religioso e affascinanti scene di genere, che lo collocano tra i rappresentanti più significativi della scuola fiamminga del XVI secolo. Tra le sue opere migliori si segnala il dipinto “Il cambiavalute e sua moglie” (1514), dove una potente struttura spaziale e compositiva dona vivacità e originalità alle figure umane.
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 16:16
Capolavori del Louvre - I reperti più famosi del museo
Il segno distintivo del Louvre è la famosa Gioconda o, come viene anche chiamata, la Gioconda. È a questa immagine che conducono tutti i segnali, che i flussi di turisti seguono obbedientemente. La Gioconda è ricoperta da uno spesso vetro blindato e accanto a lei ci sono invariabilmente due guardie e una folla di fan. Una volta la Gioconda arrivò a Mosca, ma poi la direzione del museo decise di non portare questa misteriosa bellezza da nessun'altra parte. Quindi puoi ammirare la Gioconda solo al Louvre. La Gioconda si trova nell'ala Denon nella stanza 7.
Venere di Milo (Afrodite) è conosciuta niente meno che la bellezza precedente. L'autore di Venere è lo scultore Agesandro di Antiochia. Questa ragazza ha un destino difficile. Nel 1820, a causa sua, scoppiò un'accesa disputa tra turchi e francesi, durante la quale la statua della dea fu gettata a terra e la bellissima scultura venne rotta. I francesi raccolsero in fretta i pezzi e... persero le mani di Venere! Quindi la dea dell'amore e della bellezza divenne vittima della battaglia per la bellezza. A proposito, le mani di Venere non sono mai state trovate, quindi questa storia potrebbe non essere ancora finita. La bellezza senza braccia può essere ammirata nella 16a sala dei tesori greci, etruschi e romani nell'ala Sully.
Un altro simbolo del Louvre è Nike di Samotracia, la dea della vittoria. A differenza della Venere di Milo, questa bellezza è riuscita a perdere non solo le mani, ma anche la testa. Gli archeologi hanno scoperto molti frammenti della statua: ad esempio, nel 1950, a Samotracia fu trovato un pennello della dea, che ora si trova in una teca di vetro proprio dietro il piedistallo della stessa Nike. Purtroppo, gli scienziati non sono riusciti a trovare la testa della dea. La Nike di Samotracia si trova nell'ala Denon sulle scale di fronte alla Galleria dei dipinti italiani.
Un'altra statua che è un gioiello della collezione del Louvre è il Prigioniero, o schiavo morente (opera di Michelangelo). Il maestro del Rinascimento è noto principalmente per la sua statua del David, ma questa scultura non merita meno attenzione. Ala Denon, piano terra, sala 4.
La statua seduta di Ramses II è un altro capolavoro di cui il Louvre può essere orgoglioso. Questa antica scultura egiziana si trova al primo piano dell'ala Sully, nella dodicesima sala delle antichità egizie.
Il Louvre possiede anche una bella collezione di monumenti mesopotamici, il cui cuore è il codice di leggi di Hamurappi, scritto su una stele di basalto. Le leggi di Hamurappi possono essere ammirate nella terza sala al primo piano dell'ala Richelieu.
Nella 75a sala della pittura francese al primo piano dell'ala Denon si possono vedere i dipinti del famoso artista francese Jacques Louis David, tra cui, forse, il suo dipinto più famoso: "Dedizione dell'imperatore Napoleone I".
Sasha Mitrahovich 15.12.2015 18:50
220 anni fa, il 10 agosto 1793, il Louvre apriva al pubblico. L'edificio stesso ha subito numerose trasformazioni nel corso di quasi dieci secoli, da oscura fortezza del XII secolo a palazzo del Re Sole e museo più frequentato e famoso al mondo. Il Louvre di oggi conta diverse centinaia di migliaia di reperti, quattro piani con esposizioni per una superficie totale di 60.600 metri quadrati (l'Ermitage - 62.324 metri quadrati). Per fare un confronto: si tratta di quasi due Piazze Rosse e mezza (23.100 mq) e più di otto campi da calcio dello stadio Luzhniki (area del campo - 7140 mq).
"C'è qualcosa da vedere al Louvre", lo sanno tutti. E, forse, quasi tutti nomineranno i principali reperti del museo: "Mona Lisa" di Leonardo da Vinci, Nike di Samotracia e Venere di Milo, una stele con le leggi di Hamurappi e chi più ne ha più ne metta ... L'anno scorso , secondo i dati ufficiali, il museo è stato visitato da più di nove milioni e mezzo di persone , ci sono leggende sulla folla che assedia la Gioconda, così come sui borseggiatori al Louvre, e i siti di viaggio consigliano di prepararsi per la sua visita quasi come un'escursione: porta con te cibo, scegli abiti e scarpe comode.
Gettando via l'approccio formale, il progetto Weekend ha scelto dieci mostre del Louvre, non meno famose e belle di quelle sopra elencate, che possono facilmente essere trascurate dal turista non più attento o informato.
Demone mitologico ("Marchiato").
Battria.
Fine II - inizio III millennio a.C
Ala Richelieu, piano terra (-1). Arte dell'Antico Oriente (Iran e Battria). Padiglione numero 9.
I manufatti antichi tradizionalmente attirano meno attenzione rispetto alle creazioni di grandi artisti e scultori. Guardare tanti piccoli reperti, e spesso anche frammenti di qualcosa, è considerata la sorte dei "fan", e notare nelle finestre dell'ala Richelieu, con una superficie di 22mila metri quadrati, un piccolo, un piccolo alta meno di 12 centimetri, statuina in fuga è semplicemente impossibile Questo "uomo di ferro" originario della Battria e vecchio di più di 5 mila anni (datato alla fine del II - inizio del III millennio a.C.) La Battria è uno stato fondato dai I Greci dopo la conquista di Alessandro Magno nella regione dell'Afghanistan settentrionale alla fine del III - inizio del IV millennio a.C. Fino ad oggi sono state trovate solo quattro statuette completamente conservate di questo tipo, una delle quali è stata acquistata dal Louvre nel 1961. Si presume che sono stati trovati in Iran, vicino alla città di Shiraz. : il suo volto è sfigurato da una lunga cicatrice. Secondo i ricercatori, la cicatrice simboleggiava una sorta di azione rituale e distruttiva. Coperto da un corto perizoma, il busto è ricoperto da un serpente ridimensiona ed enfatizza il carattere simile a un serpente del personaggio. Ciò suggerisce che questo è il modo in cui veniva raffigurato il demone-drago antropomorfo, adorato in Asia. Chi siano questi "etichettati", si può solo immaginare, a quanto pare personificavano gli spiriti, forse buoni, forse malvagi.
Materasso Ermafrodito
Ermafrodito dormiente.
Copia romana di un originale del II secolo d.C. e. (materasso aggiunto dal Bernini nel XVII secolo)
Ala Sully, piano terra (1). Sala №17 Sala delle Cariatidi.
Se non vi perdete la Venere di Milo situata nella stessa sala, la folla di turisti che la circonda è una buona guida, poi il vicino “Ermafrodita dormiente” può facilmente non essere notato se girate nella direzione sbagliata. Secondo la leggenda, il figlio di Hermes e Afrodite era un giovane molto bello, e la ninfa Salmakida, innamorata di lui, chiese agli dei di unirli in un unico corpo. Questa scultura, ritenuta una copia romana di un originale greco del II secolo d.C. e., pervenne al Museo agli inizi dell'Ottocento dalla collezione della famiglia Borghese. Nel 1807 Napoleone chiese al principe Camillo Borghese, suo genero, di vendere alcuni oggetti della collezione. Per ovvie ragioni era impossibile rifiutare l'offerta dell'imperatore. Il materasso e il cuscino in marmo su cui si adagiò Ermafrodita furono aggiunti nel 1620 da Giovanni Lorenzo Bernini, uno scultore barocco il cui mecenate era il cardinale Borghese. Tuttavia, questo dettaglio sottolinea il lato piuttosto aneddotico della composizione, che non era certo l’idea dell’autore greco. C'è anche una credenza associata alla scultura, di cui a volte parlano le guide dei musei: presumibilmente, gli uomini che toccano l'uomo addormentato aumentano così il loro potere maschile.
Bacino di San Luigi
La ciotola è la "Fonte di San Luigi". (nella foto un frammento è uno dei medaglioni)
Siria o Egitto, 1320-1340 circa
Il battistero (o fonte battesimale) di San Luigi è tra i reperti più importanti del seminterrato, ma poche persone hanno la forza di scendere qui dopo aver visitato le principali attrazioni del museo. Realizzata in ottone e rifinita in argento e oro, la ciotola è considerata un capolavoro dell'arte mamelucca, in precedenza apparteneva ai tesori della cappella Sainte-Chapelle e nel 1832 passò alla collezione del museo. Questa grande vasca faceva parte della collezione reale francese, al suo interno si può vedere attaccato lo stemma della Francia. In realtà servì come fonte battesimale per il battesimo di Luigi XIII e del figlio di Napoleone III, ma non di San Luigi IX, nonostante il nome "incollato" ad esso. Questo oggetto fu creato molto più tardi: risale al 1320-1340 e Luigi IX morì nel 1270.
Shah Abbas e il suo paggio
Muhammad Kazim.
Ritratto di Shah Abbas I e del suo paggio (Shah Abbas che abbraccia un paggio).
Iran, Isfahan, 12 marzo 1627
Ala Denon, piano terra. Sala dell'Arte Islamica.
Nella stessa stanza vale la pena prestare attenzione a un disegno abbastanza noto raffigurante Shah Abbas e il suo coppiere, che assomiglia più a una ragazza. Abbas I (1587-1629) è il rappresentante più significativo della dinastia safivide, considerati i fondatori dell'Iran moderno. Durante il suo regno, le belle arti raggiungono il loro apice di sviluppo, le immagini diventano più realistiche e dinamiche. In questo disegno, Shah Abbas è mostrato mentre indossa un cappello conico a tesa larga che ha introdotto nella moda, accanto a un paggio che gli porge una coppa di vino. Sotto la chioma dell'albero, a destra, c'è il nome dell'artista - Muhammad Kazim (uno dei maestri più famosi dell'epoca e, a quanto pare, pittore di corte di Abbas) - e una breve poesia: "Che la vita dia tu ciò che desideri da tre labbra: il tuo amante, fiumi e calice". In primo piano c'è un ruscello, le cui acque un tempo erano argentate. La poesia può essere interpretata anche simbolicamente, nella tradizione persiana erano molti i versi indirizzati al maggiordomo. Il disegno è stato acquisito dal museo nel 1975.
Ritratto di un buon re
Artista sconosciuto della scuola di Parigi.
Ritratto di Giovanni II il Buono, re di Francia.
Intorno al 1350
Ala Richelieu, secondo piano. Pittura francese. Sala numero 1.
Questo dipinto della metà del XIV secolo di un artista sconosciuto è considerato il più antico ritratto individuale dell'arte europea. I primi maestri della pittura francese iniziarono a essere studiati relativamente di recente, nella seconda metà del XIX secolo, e la maggior parte delle loro opere andarono perdute durante guerre e rivoluzioni. Il regno di Giovanni il Buono, caduto negli anni della Guerra dei Cent'anni, non fu facile: sconfitto dagli inglesi nella battaglia di Poitiers, fu catturato e imprigionato a Londra, dove firmò un accordo sulla sua abdicazione. Secondo la leggenda, il ritratto fu dipinto nella Torre di Londra e la paternità è attribuita a Girard d'Orleans. Un fatto interessante: divenne l'ultimo monarca francese a portare il nome Giovanni.
Madonna nel corridoio
Leonardo Da Vinci.
Madonna tra le rocce.
1483-1486 anni.
Ala Denon, Grande Galleria, primo piano. Pittura italiana. Sala numero 5.
La grande galleria dell'ala Denon, oltre alla famosa scena del film "La banda degli outsider" di Jean-Luc Godard con gli eroi che corrono per il Louvre, è nota per il fatto che qui è appesa "inosservata" la bellissima Madonna di Leonardo e molti altre opere di pittori italiani, tra cui Caravaggio. "Non notato da nessuno", questo, ovviamente, si dice ad alta voce, la stessa "Madonna nelle rocce" è uno dei dipinti più famosi al mondo, e, tuttavia, avendo iniziato la loro corsa con il traguardo al " Mona Lisa", purtroppo i turisti passano spesso davanti a questa bellissima opera, che vale la pena fermarsi un paio di minuti in più. Esistono due versioni di questo dipinto. Quello conservato al Louvre fu scritto tra il 1483-86, e la prima menzione di esso (nell'inventario della collezione reale francese) risale al 1627. Il secondo, che appartiene alla National Gallery di Londra, fu dipinto più tardi nel 1508. Il dipinto costituiva la parte centrale di un trittico destinato alla chiesa milanese di San Francesco Grande, ma non fu mai consegnato al committente, per il quale l'artista ne dipinse una seconda versione londinese. Piena di tenerezza e pace, la scena contrasta con lo strano paesaggio di scogliere a picco, la geometria della composizione, i mezzitoni morbidi e la famosa "foschia" dello sfumato creano una profondità insolita nello spazio di questa immagine. Ebbene, non si può non menzionare un'altra "versione" del contenuto di questa immagine, che qualche anno fa tormentava le menti dei fan di Dan Brown, che capovolsero il contenuto dell'immagine.
Alla ricerca delle pulci
Giuseppe Maria Crespi.
Una donna in cerca di pulci.
Intorno al 1720-1725
Ala Denon, primo piano. Pittura italiana. Sala n. 19 (sale alla fine della Grande Galleria).
Il dipinto bolognese di Giuseppe Maria Crespi è una delle recenti acquisizioni del museo, ricevuto in dono dalla Società degli Amici del Louvre. Crespi fu un grande ammiratore della pittura olandese, e in particolare delle scene di genere. Esistente in diverse versioni, "Donna cerca pulci", a quanto pare, faceva parte di una serie di dipinti (oggi perduti) che raccontano la vita di una cantante dagli inizi della sua carriera fino ai suoi ultimi anni, quando divenne devota. Tali opere non sono affatto centrali nel lavoro dell'artista, ma danno all'uomo moderno un'idea vivida delle realtà di quel tempo, quando nessuna persona perbene poteva fare a meno di un pigliapulci.
Storpi, non disperate
Pieter Brueghel il Vecchio.
Storpi.
1568.
Ala Richelieu, secondo piano. Pittura dei Paesi Bassi. Padiglione numero 12.
Questa piccola opera del vecchio Brueghel (solo 18,5 x 21,5 cm) è l'unica in tutto il Louvre. Non notarlo è più facile che mai, e non solo per le dimensioni, l'effetto di riconoscimento - "se ci sono tante piccole persone nella foto, allora questo è Brueghel" - potrebbe non funzionare subito. L'opera fu donata al museo nel 1892, e in questo periodo nacquero molte interpretazioni della trama del dipinto. Alcuni vi vedevano una riflessione sulla debolezza innata della natura umana, altri - satira sociale (i copricapi carnevaleschi dei personaggi possono simboleggiare il re, vescovo, borghese, soldato e contadino), o critica alla politica perseguita nelle Fiandre da Filippo II . Tuttavia, fino ad ora nessuno si impegna a spiegare il personaggio con una ciotola tra le mani (sullo sfondo), così come le code di volpe sugli abiti degli eroi, anche se alcuni vedono qui un accenno alla festa annuale dei poveri, Koppermaandag. . Ad aggiungere mistero all'immagine è l'iscrizione sul retro, che il pubblico non vede: "Storpi, non disperare e i tuoi affari potrebbero prosperare".
Uno dei dipinti più famosi di Hieronymus Bosch non è che non lo conoscano "di vista". Forse la sua ubicazione non gioca a favore dell'opera: non lontano dall'ingresso di una piccola sala, e anche con vicini come l'"Autoritratto" di Albrecht Dürer e la "Madonna del Cancelliere Rolin" di van Eyck, e non lontano da le sorelle d'Estre, insolite La composizione di quest'opera di uno sconosciuto artista francese - donne nude sedute in bagno, una delle quali pizzica l'altra sul capezzolo - ha reso l'immagine non meno popolare della stessa Monna Lisa. Ma torniamo a Bosch, chi si guarda attentamente attorno non mancherà mai. "Ship of Fools" fa parte di un trittico perduto, il cui frammento inferiore è ora considerato "Allegoria della gola e della lussuria" della Yale University Art Gallery. Si presume che la "Nave dei folli" sia la prima delle composizioni dell'artista sul tema dei vizi della società. Bosch paragona la società depravata e il clero a pazzi che si sono stipati su una barca ribelle e corrono verso la morte. Il dipinto fu donato al Louvre dal compositore e critico d'arte Camille Benois nel 1918.
I must-see del Louvre sono i due "gemme olandesi della sua collezione": La Merlettaia e L'Astronomo di Jan Vermeer. Ma il suo predecessore Pieter de Hooch, il cui "Bevitore" è appeso nella stessa stanza, spesso sfugge all'attenzione del turista medio. Eppure vale la pena prestare attenzione a quest'opera, e non solo per la prospettiva ben ponderata e la composizione vivace, l'artista è riuscito a trasmettere le sottili sfumature del rapporto tra i personaggi nella foto. Ogni partecipante a questa scena galante ha un ruolo specifico: il soldato versa da bere a una giovane donna già non sobria, il suo amico seduto vicino alla finestra è un semplice osservatore, ma la seconda donna è chiaramente una ruffiana che sembra contrattare in questo momento. Accenna al significato della scena e al quadro sullo sfondo raffigurante Cristo e il peccatore.
Preparato da Natalia Popova
I numeri dei piani sono indicati secondo la tradizione europea, cioè il piano terra è il primo russo.