“Scuola russa di costruttori di strumenti musicali. Dinastie di artigiani nel villaggio di Shikhovo, distretto di Odintsovo, regione di Mosca. Famosi costruttori di strumenti musicali

22.04.2019

Produzione di uno strumento musicale nazionale utilizzando la tecnologia di fusione. Lavoro di progettazione svolto da Kirillin Innokenty. Con. Diabyla. 2010

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Ministero della scienza e dell'istruzione professionale

Repubblica di Sakha Yakutia

Istituzione educativa statale

Liceo Professionale N. 14

Lavoro di progetto

Produzione di uno strumento musicale nazionale utilizzando la tecnologia di fusione

Completato da: Kirillin Innokenty

Studente del gruppo Meccanico Auto

Responsabile: Bayagantaev P.S.

Con. Diabyla. 2010

introduzione
1. Tecnologie tradizionali e moderne per la produzione dello Yakut khomus
2. La musica Yakut khomus e la sua antica tecnologia di produzione
3. Giustificazione dell'argomento del progetto
- Specifiche di progetto
Conclusione
Bibliografia
Applicazione
introduzione

L'importanza di questo lavoro progettuale sta nel fatto che attualmente esiste un problema di produzione in serie di khomuse utilizzando le moderne tecnologie. La maggior parte degli artigiani moderni lavora utilizzando la tecnologia antica. Queste tecnologie richiedono molta manodopera, forza fisica e richiedono molto tempo. Sulla base di ciò, ci troviamo di fronte al compito di facilitare e accelerare il processo di lavoro sugli elementi principali: il corpo del Khomus. Grazie all'introduzione della tecnologia di fusione nel processo di produzione del khomus, è possibile guadagnare tempo e ridurre l'attività fisica. Quindi in otto ore un processo di fusione può produrre 8-10 casse semilavorate.

Lo scopo di questo progetto è quello di produrre khomus mediante fusione in attrezzature di fonderia professionali.

Oggetto di studio: il processo di creazione del khomus.

Oggetto della ricerca: il processo di produzione di un corpo di khomus utilizzando il metodo di fusione.

I compiti principali sono:

· Propaganda e distribuzione dello strumento musicale - khomus - alla popolazione.

· Introduzione della produzione in serie di corpi di khomus nella produzione del complesso industriale presso l'istituto scolastico statale PL n. 14.

· Inculcazione nella cultura originale del popolo Sakha attraverso il processo di creazione del khomus.

La novità del nostro progetto sta nel fatto che nella produzione del corpo Khomus utilizziamo un metodo di fusione su moderne attrezzature di fonderia (macchina per colata sotto vuoto), che riduce significativamente i costi di manodopera e riduce i costi.

Il problema è che il metodo obsoleto per preparare il khomus è troppo comune. I Khomuse realizzati con una tecnologia semplice non sono molto richiesti tra gli acquirenti perché... il khomus moderno è apprezzato non solo per la sua bellezza, suono, qualità, ma anche per il fatto che è realizzato con metalli come acciaio legato, ottone, bronzo e rame, che non si corrodono. Tutti i produttori di khomus dovrebbero conoscere questi e altri metodi della tecnologia moderna, poiché la nuova tecnica soddisfa ampiamente i requisiti moderni. Insegna la correttezza delle soluzioni compositive, dell'estetica, del suono insolito, in tutta precisione, ecc. Ma non dobbiamo dimenticare le forme tradizionali del khomus.

Durante lo svolgimento del lavoro di progettazione, è stato utilizzato un metodo teorico, che comprende lo studio di letteratura metodologica speciale e un metodo pratico e sperimentale nella fabbricazione del corpo khomus utilizzando la tecnologia di fusione.

Ipotesi di ricerca: l'introduzione della nostra tecnologia aumenterà la qualità e la produttività della produzione di khomus.

Al giorno d'oggi, l'arpa è diventata uno degli indicatori sonori dell'espressione musicale tra i popoli della Siberia. Nel frattempo, per molti popoli siberiani, questo strumento svolge una funzione ludica o produttiva nella cultura.

Appare in diversi periodi di sviluppo di queste culture e naturalmente presentava differenze nel suo design. Questa musica è arrivata ai giorni nostri dal profondo dei secoli, la cui origine gli scienziati attribuiscono nell'Asia meridionale all'età della pietra, e in Europa, secondo il musicologo americano F. Crane, 5mila anni fa. Khomus è uno dei rappresentanti più popolari degli strumenti popolari Yakut. Attira l'attenzione di molti ricercatori.

1. Tecnologie tradizionali e moderne per la produzione dello Yakut khomus

Metallurgia artigianale dei fabbri Yakut e storia della cultura artigianale

Alla fine del 19° secolo. I centri tradizionali di produzione del ferro a Vilyuya erano: Asykaisky, Odeysky, Kangalassky, Khorinsky, Mentsky, 1 Udegey naslega. Nel distretto di Yakut, la fusione del ferro veniva effettuata dai Khachikatsy, Zhemkontsy dell'ulus Kangalas orientale e alcuni nasleg degli ulus Kangalas occidentale e Bayagantay.

Secondo i questionari inviati dalla sezione Yakut della Società geografica russa a 208 destinatari nella regione, Vilyuy ha fornito risposte più dettagliate alle domande. Era il 1913. A quel tempo molte fonderie erano inattive, in particolare i centri metallurgici sulla Lena e sull'Aldan cessarono di esistere. Da Verkhnevilyuisk, l'insegnante locale V.G. Monastyrev nella risposta al questionario affermava: "Il semi-acciaio viene fuso dal minerale locale". All'inizio del nostro secolo, i maestri Cantic e Satin continuarono la professione ereditaria dei loro antenati. La tecnologia e i segreti dell'artigianato sono stati tramandati di generazione in generazione. Sotto la loro guida, i parenti stretti della fonderia o gli stessi clienti venivano coinvolti nel processo di fusione (22).

Numerosi fattori hanno avuto un impatto diretto sulla resa finale e sulla qualità del ferro, tra cui l'elevato arricchimento delle materie prime contenenti ferro, la tostatura di alta qualità e la durezza del carbone. Allo stesso tempo, molto dipendeva dall'esperienza individuale del metallurgista stesso, dalla capacità di gestire il progresso e dal processo di fusione.

Il forno fusorio viene caricato come un manicotto con combustibile solido e materiale minerale. Man mano che il carburante brucia, il suo livello diminuisce, entrando nella zona di combustione intensa. La temperatura raggiunge i 1300-1400 C. Il minerale si scioglie e scende formando una massa spugnosa. Maestro, osservando l'avanzamento della combustione del carbone e del forno fusorio. Per fare questo il trasportatore del minerale, con una siviera di circa 20 kg, deve salire sulla scala e caricare dall'alto. Il carbone benigno conteneva agenti riducenti che promuovevano la rimozione della ganga e la rapida reazione degli agenti riducenti con l'ossido di ferro.(1)

Durante la sessione di produzione il rinterro è stato eseguito 12-13 volte. I pellicciai si cambiavano ogni mezz'ora. La fornitura d'aria non si è interrotta nemmeno durante la pausa pranzo. Nella fase finale del processo di fusione, lo Yakut domnik rilasciava scorie liquide attraverso una porta forata.

Dopo che la fusione fu completata, il ferro urlante fu estratto dal nido. Questa è un'operazione molto laboriosa. Aiutavano operai, bambini, anziani, donne. Usavano un lungo tronco congelato di piccolo spessore come leva. E calarono la calda critsa lungo un piano inclinato fino al luogo dove si affrettarono a tagliarla a pezzi con asce d'acciaio. Abbiamo cercato di non perdere il riscaldamento della temperatura del pezzo grezzo. E dopo aver diviso il ferro di alta qualità in “surekh timir” (stile di vita), “sirey timir” (meno simile all’acciaio) e “keteh timir” (scarsa qualità) hanno ringraziato il fuoco spirituale e il loro antenato, e poi, se possibile, banchettavano.

I domnik Yakut utilizzavano la tradizione dei vecchi artigiani della riduzione diretta del ferro, aggirando il processo della ghisa. A questo proposito, la tradizione della fusione Yakut ha caratteristiche tipologiche comuni con la cultura metallurgica della Siberia meridionale. Rimane un mistero il motivo per cui gli artigiani yakut non utilizzassero uno speciale riduttore di flusso, come facevano altri metallurgisti. Solo sulla Lena alcuni artigiani utilizzavano fondenti di sabbia, argilla e calcare. Apparentemente il carbone benigno conteneva agenti riducenti attivi: calcare, calcio, carbonio e idrogeno. C'erano anche una serie di caratteristiche distintive tra gli artigiani locali.

È interessante notare i prodotti finali. Sebbene gli artigiani del raso fossero in qualche modo inferiori alle fonderie Kentik, tuttavia, per 8-10 fusioni all'anno ricevevano 40-80 libbre di ferro. Nel 1753, la ferriera Tamga era in grado di produrre 75 libbre di ferro. Entro la fine del secolo, l'attività di fusione degli Yakut cadde finalmente in rovina. Alcuni industriali producevano solo in primavera.(2)

Informazioni significative sulla produzione metallurgica degli Yakut sono contenute nelle opere dei dipendenti della seconda spedizione in Kamchatka. Il capo di questa spedizione, V. Bering, scrisse che il ferro yakut "sarà contro il miglior ferro siberiano", che "gli yakut si fabbricano calderoni con quel ferro, foderano le casse e lo usano per ogni sorta di necessità".

Capo della commissione per una descrizione generale dello stile di vita dei popoli del governatorato di Irkutsk R.I. Langans, nel decimo capitolo della sua opera dedicata agli Yakut, scrisse nel 1789: “I loro fabbri fabbricano asce, falci, palme, coltelli, selce e forbici, i ramaioli lanciano un anello con motivi intagliati per decorare le donne, anche per pulire le selle .” (12)

L'accademico A.F. ha attirato l'attenzione sull'estrazione e sulla lavorazione del ferro in Yakutia. Middendorf. Secondo le sue informazioni, nella seconda metà del XIX secolo. la produzione annua di ferro in un distretto di Yakut raggiungeva i 2000 pood. La sua opinione è stata successivamente confermata da V. Seroshevsky.

Nel prezioso lavoro etnografico di I.A. La "Breve descrizione del distretto di Verkhoyansk" di Khudyakov descrive in dettaglio il costume sciamanico con tutti gli attributi. Contiene i nomi dei pendenti in ferro e delle placche metalliche. Particolarmente interessanti sono le informazioni riguardanti il peso del costume, che era costituito interamente da varie piastre di ferro, pendenti pendenti e campanelli. Il peso della tuta raggiungeva i 3 chili.

Quasi ogni famiglia Yakut non poteva fare a meno dei prodotti in ferro. Alcuni artigiani raggiunsero una notevole perfezione e realizzarono armi rigate con grande precisione. Secondo i calcoli di Seroshevskij, il volume di produzione annuale del ferro Yakut negli anni '80 del XIX secolo. raggiunse le 10 tonnellate Membro della spedizione geografica del Capitano I. Billings, G.A. Nel 1786, Sarychev, entro i confini di Yakutsk, scavò un tumulo “di forma sferica”, nel quale, oltre a vari oggetti in osso, scoprì 4 anelli di ferro, un vaso di ferro dei secoli XVII-XVIII. Nel 1894, Naum Lytkin, originario della regione di Ust-Aldan, vicino al lago Borolookh, trovò 147 piastre oblunghe dell'armatura di un guerriero yakut del XVII secolo.

Insieme allo sviluppo dell'attività del fabbro, gli argentieri e i ramai acquisirono una buona fama. Il loro lavoro si distingueva per la finitura pulita, alto livello elaborazione artistica.

I ricercatori pre-rivoluzionari hanno notato un ricco set di gioielli in argento della sposa Yakut: ilin kebier (decorazione del seno), kelin kebier (treccia), kemus tuobakhta (placca rotonda per copricapo), kemus kur (cintura d'argento), kemus biileh (anello d'argento ), kemus ytarZa (orecchini d'argento), beZeh (braccialetto). Inoltre, piatti d'argento riccamente decorati e placche rotonde venivano cuciti sulle sottoselle dei cavalli e sul pomello della sella. La completezza e la ricchezza del corredo nuziale riflettevano il suo status sociale e la sua nobiltà d'origine.

Gli artigiani yakut realizzavano teiere, bacinelle, punte, staffe, fibbie, bottoni, anelli e custodie per aghi in rame mediante forgiatura a caldo. Nelle sepolture del XVIII secolo. gli oggetti in rame si conservano meglio di quelli in ferro. Dei 16 utensili metallici del XVIII secolo rinvenuti dalle sepolture. undici calderoni sono di rame. E il nome stesso "altan olguy" (calderone di rame) parla anche dell'origine puramente yakut di queste cose. Secondo i calcoli di Seroshevskij, gli artigiani yakuti alla fine del XIX secolo producevano 2.750 libbre di prodotti in rame per un valore di 140.000 rubli in argento. I prodotti dei fabbri e degli argentieri Yakut venivano esportati non solo nelle regioni della Russia centrale, ma anche all'estero. (12)

La regione di Yakut partecipò alle mostre organizzate nel paese: l'Esposizione industriale e artistica tutta russa a Nizhny Novgorod (1896), l'Esposizione politecnica di Mosca (1872) e l'Esposizione etnografica a Mosca (1885). Partecipò anche ai Campionati del mondo: a Vienna (1873) e Parigi (1889). I prodotti degli artigiani Yakut erano ben presentati in queste mostre. A Nizhny Novgorod, ad esempio, tra i vari reperti c'erano modelli di fabbro, gioielli per il petto e il collo delle donne, cinture d'argento, orecchini e anelli per uomo e donna. Un fucile, un coltello e cinque pezzi di minerale di ferro furono inviati a Vienna da Vilyuy. La lettera di accompagnamento al fucile di fabbricazione yakut spiegava che "la pistola è stata realizzata con un trapano e una lima". Un altro fucile realizzato da un artigiano locale è rappresentato dall'ufficiale di polizia di Vilyui. Tuttavia, questo fucile non è stato esposto alla mostra. Il fucile Yakut è stato valutato dalla commissione della mostra 50 rubli.

E.D. Strelov, il primo degli archeologi sovietici della Yakutia, esaminò 20 tombe e 14 tumuli. Sulla base dei risultati dei suoi scavi, pubblicò gli articoli “Arco, frecce e lancia dell'antico Yakut”, “Abbigliamento e gioielli degli Yakut nella prima metà del XVIII secolo”, “Sulla questione dell'uso del ferro minerale sui fiumi Buotama e Lyutenge”.

Tutto un sistema di mineralizzazione areale si estende su una vasta area compresa tra i fiumi Buotama e Lyutenge. Fin dall'antichità, le fonderie artigianali locali li hanno utilizzati come materia prima mineraria. Sulla base dei dati d'archivio E.D. Strelov ha tracciato l'estrazione del ferro da parte degli Yakut dal XVIII all'inizio del XX secolo.

L'eminente storico, etnografo e folclorista yakut G.V. Ksenofontov nella sua opera "Uraankhai Sakhalar" rifletteva sull'origine meridionale del mestiere del fabbro yakut. Secondo lui, anche gli antichi Yakut avevano familiarità con la fusione del minerale d'argento. Come prova, fa riferimento al ciclo di leggende sui fabbri yakut “Saappa houn” e “Delger Uus”. Molte informazioni folcloristiche sull'artigianato del ferro yakut sono contenute in un'altra opera di G.V. “Elleiad” di Ksenofontov, dedicata alla storia leggendaria e alla mitologia degli Yakut. Qui gli antichi Yakut si esibiscono solitamente con elmi di ferro, cotta di maglia, armature, con spade, lance, palme.(7)

Vengono menzionati oggetti domestici in ferro: asce, coltelli, falci color salmone rosa, selce e oggetti da fabbro. L'armatura militare in ferro da cavallo (kuyahi) e le staffe sono menzionate più di una volta. Vengono forniti i nomi degli eroi che avevano abilità di fabbro. Elley Bootur agisce come un'abile fonditrice di ferro. Ha fatto di tutto: palme, salmone rosa, asce, coltelli, pinze, selce, ecc. Il suo figlio maggiore portava il nome Tobo5oro-Kuznetsa, il suo vicino vicino - Ekesteen-Kuznetsa. Il testo di varie fiabe include il fabbro OmoZoi, Labere il fabbro e i fabbri Tarkaya e Mychakh. Le fonti folcloristiche raccolte ripetono costantemente la presenza di elmi di ferro, cotte di maglia, armature, spade, lance, palme, attributi dell'equipaggiamento del cavallo, staffe di ferro, nonché coltelli e asce tra gli Yakut.(11)

Un eccezionale collezionista di leggende storiche degli Yakut e della loro arte popolare orale, il folclorista S.I. Bolo, nella sua famosa opera, pubblicò un gran numero di leggende sugli Yakut del periodo precedente all'arrivo dei russi. Riflettono i tipi e i tipi di armi, kuyak di guerrieri e cavalli e accessori per fabbro. Gli antenati delle tribù Yakut, di regola, avevano i propri fabbri. Questi ultimi erano Elley Bootur, Tuene MoZol e altri. S.I. Bolo, sulla base dei materiali raccolti, ritiene che l'artigianato del fabbro yakut abbia radici antiche, che sia apparso nel sud, nel corso superiore del Lena, nella regione del Baikal e nella regione dell'Angara, che gli antenati degli yakut producevano ferro dal minerale nella loro casa ancestrale meridionale, quando arrivarono nel Medio Lena aveva un set completo di armi di ferro e articoli per la casa. Il fabbro yakut realizzava i seguenti tipi di armature militari in ferro: elmo (timir bergebe), petto (tues), polso (backekchek), spalla (dabydal), schiena (keune), scudi protettivi; armi: lancia (unu), palma (batiya), grande palma (batas), spada (bolot) e altre. S.I. Bolo elenca gli strumenti dell'antico fabbro yakut, i cui nomi coincidono completamente con le successive varietà di attrezzature dell'artigiano yakut.

A.P. si è rivolto più di una volta alla cultura del ferro degli Yakut. Okladnikov. Ha esaminato i monumenti della cultura Kurumchi e ha mostrato l'alta tecnologia della lavorazione del ferro tra i Kurykan, i probabili antenati degli Yakut. In questo vede la prova dell'antichità del lavoro di fusione e forgiatura degli Yakut e dei loro antenati. Secondo la sua opinione ragionata, "la gloria dei fabbri yakut risale alla loro epoca eroica, l'epoca degli eroi epici". L'alto apprezzamento per l'artigianato tradizionale degli Yakut è confermato, a suo avviso, dai ritrovamenti successivi di oggetti della cultura del ferro. Nel “luogo kirghiso” lungo il fiume Marzha è stato trovato un calderone alto e stretto con il fondo piatto e allargato verso l'alto, costituito da diverse piccole piastre di lamiera con rivetti di ferro.

Tali calderoni, realizzati in "nove posti", sono menzionati nell'olonkho, che di per sé parla dell'originaria cultura Yakut. Okladnikov considera puramente Yakut due elmi di ferro e piastre di armatura di ferro trovati nella regione di Ust-Aldan e, in termini di perfezione della decorazione ed eleganza della forma, li mette alla pari con l'armatura cinese. Okladnikov colloca gli esperimenti metallurgici degli Yakut più in alto di quelli delle persone della prima età del ferro della Yakutia, così come delle successive tribù settentrionali con i loro fabbri erranti.

L'indipendenza e la natura tradizionale della fusione del minerale sono state enfatizzate nelle sue opere da S.A. Tokarev. “Gli Yakut avevano fabbri”, affermò, “fondevano il ferro dalla palude e dal minerale di montagna e forgiavano armi e tutti i tipi di prodotti da esso per la vendita e su ordinazione. L’industria del fabbro era particolarmente sviluppata a Vilyui.” Nei documenti yasak dei popoli della Yakutia nel XVII secolo. Tokarev notava spesso i nomi yakut dei fabbri. Sono state riscontrate le seguenti frasi: "fabbro Niki Ogoronov", "fabbro Betyunsky volost Tyubyaka", "fabbro Kyanianya", "Sono andato dal fabbro Mechiy per forgiare un cavallo". "Abbiamo detto prima dello Yakut Eltyk Kurdyagasov, che si è lamentato del cosacco Dmitry Spiridonov per avergli portato via cinque palem." Tali petizioni nei documenti del XVII secolo. ce n'era parecchio. Da qui Tokarev concluse che anche prima dell'arrivo dei russi, il fabbro era un mestiere tradizionale degli Yakut, che gli Yakut "i fabbri erano veri artigiani, produttori di merci che lavoravano per il mercato".

Nel dopoguerra, un interessante articolo di M.Ya. Struminsky, che ha ampliato il concetto di metallurgia yakut, ha descritto il lavoro degli artigiani locali. Notò la presenza di diversi centri di giacimenti minerari. Ha notato la natura mercantile della produzione. Ha confrontato i dati di due tipi di metallurgia per la produzione del ferro: l'impianto Tamginsky e i forni fusori degli artigiani Yakut. Allo stesso tempo, ha notato la maggiore produttività del metodo di produzione del formaggio soffiato e il basso costo dei prodotti in metallo. I fabbri yakut vendevano i loro prodotti a un prezzo e mezzo, due volte più economico del ferro importato. Pertanto, la produzione locale è diventata più diffusa. “Con la chiusura delle ferriere di Tamga, la produzione artigianale di ferro e altri prodotti metallici in Yakutia assunse proporzioni piuttosto estese, raggiungendo il suo apice nella seconda metà del XIX secolo.”(18)

Principali osservazioni di M.Ya. Struminsky nel XIX secolo. “in termini di considerazione retrospettiva, potrebbero benissimo essere applicabili alla realtà del XVII secolo”. - scrive V.N. Ivanov, che studiò specificamente le relazioni socio-economiche degli Yakut nel XVII secolo. Si basò principalmente su fonti documentarie scritte del XVII secolo, il che rende i suoi messaggi più convincenti e più preziosi.(5)

Nel XVII secolo il ferro diventa uno dei materiali principali per la produzione domestica degli Yakut, la produzione del ferro diventa un fenomeno comune, i prodotti artigianali del fabbro diventano proprietà di ogni allevatore di bestiame, cacciatore e parte dei prodotti viene venduta al mercato estero. Allo stesso tempo, la gamma di produzione della forgiatura Yakut è piuttosto ampia. Tutto ciò ha aiutato V.N. Ivanov conclude: “Nel XVII secolo. Pertanto, gli Yakut realizzavano i seguenti tipi di strumenti e armi dal ferro: una falce di salmone rosa, una palma o Batu, un'armatura kuyakh, un piccone, una lancia, punte di freccia, caldaie, una sega, inoltre, i fabbri Yakut allineavano varie famiglie oggetti con materiale ferroso, oggetti e cose."(6)

V.N. Ivanov non ha accennato all'attività del fabbro Vilyui, che, come è noto, aveva raggiunto un alto livello di sviluppo.

Nel XVIII secolo le armi e le attrezzature militari per loro, fatte di ferro, perdono il loro significato originale. D'altro canto, l'importanza funzionale dei prodotti metallici utilizzati in casa e nella vita di tutti i giorni aumenta notevolmente. "Treccia di ferro", scrive P.S. Sofroneev, che ha esaminato questo periodo della storia della Yakutia e si è concentrato in particolare sulla produzione artigianale, ha svolto qui lo stesso ruolo dell'aratro con vomere di ferro nell'agricoltura. In effetti, lo sviluppo dell'allevamento del bestiame nell'economia yakut è stato lo stimolo principale per lo sviluppo della produzione artigianale, compreso il fabbro. Sofroneev parla molto bene dei fabbri di Vilyui, nota l'ulteriore approfondimento del processo di specializzazione dei fabbri.

Nell'opera storiografica di V.F. Ivanov sulla Yakutia nei secoli XVII e XVIII. oltre ad altre preziose informazioni storiche ed etnografiche sulla cultura materiale e spirituale degli Yakut, i resoconti di militari, viaggiatori, ricercatori che hanno visitato la Yakutia in diversi anni e hanno notato la presenza della propria metallurgia e fabbro tra gli Yakut hanno ricevuto ulteriore conferma .

Analisi dello sviluppo socio-economico dei popoli della Yakutia tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. A questo è dedicata una monografia dello storico Z.V Gogoleva. L'autore sottolinea in modo abbastanza convincente la diffusa presenza di giacimenti minerari e la natura di mercato dell'industria della forgiatura Yakut. Nel periodo in esame, nonostante l’importazione di attrezzi agricoli in Yakutia (aratri, falci, falciatrici, seminatrici, vagliatrici, erpici di ferro, ecc.), la maggior parte del bestiame e degli attrezzi agricoli “sono stati realizzati nelle officine locali dai fabbri yakut .”(3 )

NK era interessato alla terminologia metallurgica yakut. Antonov. Basandosi sulla creatività epica degli Yakut, oltre a evidenziare dal ricco vocabolario yakut i nomi personali degli artigiani, i prodotti del fabbro, gli strumenti da caccia, la vita quotidiana e i gioielli femminili, Antonov crea un parallelo linguistico con la sua antica base turca. A suo avviso, "l'emergere dei termini metallurgici, e quindi la stessa metallurgia yakut, risale ai tempi antichi".

Per studiare la cultura del ferro degli Yakut, un ulteriore e molto utile punto di riferimento sono i materiali del loro folclore storico. Il loro valore è stato più volte sottolineato da G.V. Ksenofontov, A.P. Okladnikov, Z.V. Gogolev, I.S. Gurvich, G.U. Ergis, P.P. Barashkov.

Tra i ricercatori nominati del folklore storico degli Yakut, una serie di dichiarazioni interessanti sull'antichità e il tradizionalismo dell'artigianato del fabbro yakut sono state fatte da un esperto di arte popolare orale G.U. Ergis. Secondo lui, gli antenati degli Yakut, i Kurykan, si distinguevano per l'arte della lavorazione dei metalli, che le armi dei loro guerrieri hanno paralleli turchi e mongoli, che indicano la loro origine meridionale. Ad esempio, unuu-shungu-lancia; oh-ok-freccia; kylys-kylyt-spada; bybah-bychah-coltello.

Dopo aver studiato i monumenti della cultura Kurykan della regione del Baikal e le radici storiche degli Yakut, Ergis giunge alla seguente conclusione: “Gli antenati degli Yakut portarono con sé dal sud una cultura superiore a quella degli aborigeni: allevamento del bestiame, strumenti di ferro, gli inizi dell’epica eroica e delle belle arti”.

Le sue conclusioni si basano su cicli che si ripetono costantemente di leggende e storie storiche degli Yakut, contenenti un elenco di tutti i nomi finora conosciuti di armi, caccia e articoli per la casa realizzati dagli antichi artigiani yakut.

A volte le fonti folcloristiche sono confermate da dati archeologici. Così, le leggende sugli antenati degli Ospeti raccontano di Suor Bugduk, che visse al tempo di Tygyn e si distinse per la sua straordinaria forza, possedeva "un kuyak di ferro e spesso cavalcava completamente armato". I registri del suo kuyak sono stati trovati dal residente locale N.N. Lytkin a Capo Barakhsy, situato sul Bereleeh alas, circa 70 anni fa. Il fatto che la fusione e la forgiatura degli Yakut fosse la loro antica occupazione, che non si siano verificati cambiamenti fondamentali nella produzione metallurgica artigianale durante un periodo di lungo sviluppo, è dimostrato dai materiali del folclore storico dei fonditori stessi, così come dalla storia locale materiali raccolti negli ultimi decenni nei musei della repubblica.

Credenze yakut associate al fabbroproduzione

L'alto livello professionale e l'abilità completa dei fabbri hanno creato per loro una posizione sociale speciale. Il rispetto con cui veniva trattato il fabbro rasentava la venerazione nei suoi confronti quasi come un sant'uomo. Ciò si riflette nelle credenze popolari e nel rito di passaggio del fabbro. Un abile fabbro sa come lavorare non solo il ferro, ma anche il rame, il piombo, l'argento, l'oro e il legno, persino la pelliccia; ha anche familiarità con la cucitura di vestiti e l'intaglio delle ossa. Il fabbro, che era al massimo livello di abilità, era anche un gioielliere che creava dettagli artistici per la ricca decorazione del costume nazionale. La venerazione di un abile artigiano era associata alla religione e per lungo tempo gli Yakut, insieme alla religione ortodossa, conservarono elementi della religione pagana. Il successo del lavoro di un fabbro e di un maestro gioielliere era associato a una sorta di forze soprannaturali.(22)

Soffermiamoci quindi sulle credenze degli Yakut legate al fabbro e sul rito di iniziazione ai fabbri.

Gli Yakut avevano un culto peculiare dei fabbri, considerati dotati di poteri soprannaturali, ancor più di quelli degli sciamani. Il mestiere del fabbro veniva tramandato per eredità e, secondo le idee dell'epoca, quanti più antenati aveva un fabbro, tanto più potente era. Secondo la leggenda, gli antenati dei fabbri erano il fabbro Kudai Bakhsy.

C'erano varie credenze associate al fabbro e ad altri mestieri dei metalli. Se un fabbro non lavorava per molto tempo, prima di iniziare il lavoro gettava olio nel fuoco, placando il timir ichchite (spirito del ferro) in modo che il lavoro avesse successo. Ogni nuovo proprietario ha fatto lo stesso se il fabbro lavorava di lato. Inoltre, alla fine del lavoro, prese in dono dal padrone: burro, carne, ecc., di cui, tornato a casa, ne diede al fuoco una parte in miniatura, cioè la gettò nel camino. Se non hai ricevuto un regalo e non hai dato fuoco, potresti aspettarti cose brutte.

Ai vecchi tempi, gli Yakut avevano un rituale di iniziazione ai fabbri. Una persona che vuole diventare fabbro acquisisce gli strumenti necessari e inizia a lavorare. Se era destinato a diventare un vero fabbro, dopo un po 'lui e gli estranei udirono di notte il suono di un martello e il sibilo del mantice del fabbro nella sua fucina vuota. Ciò significava che la fucina acquisiva il proprio spirito: il proprietario (ichiilener). Il futuro fabbro continuò a lavorare, ma dopo 2-3 anni si ammalò. Ha sviluppato piaghe (tagli) non guarite sulle braccia e sulle gambe e gli faceva male la schiena. Le persone che non avevano antenati fabbri si ammalarono di questa malattia; c'erano anche persone che avevano antenati fabbri, ma per qualche motivo non si dedicavano al fabbro. La malattia si trascinava e non passava, i rumori notturni della fucina si intensificavano. Quindi il futuro fabbro si rivolse allo sciamano, che stabilì che la persona si era ammalata dai suoi antenati e disse: Kudai Bakhsy ha sentito il rumore e i colpi del tuo martello e della tua incudine e chiede il sacrificio di un toro nero di tre anni (altro il colore non è consentito). La persona che viene iniziata al fabbro trova il toro richiesto e lo sciamano esegue il rituale. Raffigurava prendere il "kut" (anima) di un toro e scendere con esso negli inferi. Dopo aver raggiunto il luogo in cui vive Kudai Bakhsy, ha consegnato il “kut” del toro con le parole: “Ti ho portato un “Berik” (sacrificio) per quest'uomo. Non toccarlo, ma fanne un fabbro”.

Dopo il rituale, legarono un toro vivo, ne squarciarono la pancia e con le pinze da fabbro tirarono fuori il cuore e il fegato, che misero nel crogiolo, dopodiché attizzarono il fuoco con il mantice del fabbro, quindi furono posti il fegato e il cuore sull'incudine. L'iniziato doveva colpirli con una mazza. In questo momento i suoi assistenti, con canti interrotti da gemiti, descrivevano la sofferenza dell'iniziato. A seconda di quanto tempo impiegava a schiacciare il cuore e il fegato, veniva determinata la forza del fabbro. E si credeva che se avesse schiacciato con un colpo, sarebbe diventato un buon fabbro, con due colpi - uno medio, con tre colpi - uno cattivo.

Per il fabbro dedicato, è stato realizzato un chiodo: una piastra di ferro con fori per praticare fori nel metallo e per realizzare teste di chiodi (chiamato chuolgan in Yakut). AA. Kulakovsky notò le proprietà magiche del chuolgan del fabbro, che segnavano la sua forza e la sua dignità. Il miglior fabbro dovrebbe avere chiodi con nove fori, uno medio con sette fori e uno scadente con cinque fori.

Dopo l’iniziazione, la malattia del fabbro scomparve e lui diventò un vero fabbro. Dopo di ciò, per certi aspetti venne considerato addirittura superiore ad uno sciamano. Lo sciamano non poteva fare del male al fabbro che aveva subito la cerimonia di iniziazione e, con l'aiuto del suo chuolgan (chiodo), che ha proprietà magiche, poteva distruggere lo sciamano. Vedendo l'avvicinarsi alla fucina, il fabbro lancia il suo chuolgan sulla soglia, lo sciamano scavalca questo chuolgan, la sua “kut” (anima) rimane nel chuolgan. Quando lo sciamano se ne va, il fabbro riscalda il chuolgan insieme al kut, facendo morire quest'ultimo.

2. La musica Yakut khomus e la sua antica tecnologia di produzione

Lo strumento musicale l'arpa ebraica (greco og§apop) è distribuito tra molti popoli della terra in tutti i continenti. Ha una dimensione, una forma specifica e, a seconda di ciò, un suono unico. È fatto di metallo, legno, osso e nel sistema musicale, secondo il metodo di attacco dell'ancia dello strumento al suo corpo, è diviso in due varietà: idioglotica ed eteroglotica.

Le arpe ebraiche ideogloticheskie (di legno, osso, rame, realizzate in materiale solido) sono distribuite principalmente in Asia.

Eteroglottico (con la lingua attaccata alla base del corpo) - in Eurasia, America, Africa.

L'età di questo strumento musicale non è stata ancora definitivamente chiarita, ma alcuni dati archeologici dell'Asia centrale, del Giappone e del Nord Europa indicano che l'arpa a mandibola ha una storia di oltre mille anni (P. Fox, V. Crane, V Bax, L. Tadagawa).

Secondo i materiali dei musicologi del nostro secolo, questo strumento fu ampiamente utilizzato nei secoli VII-VIII. in Asia centrale e Svizzera, nei secoli XIV-XV. in Svizzera e Romania. In Europa dal XVI secolo. Ancora oggi l'arpa occupa un posto più alto nella gerarchia degli strumenti musicali.

Sono stati conservati molti fatti storici sugli artisti dei secoli XVII-XIX. Grandi personalità come A. Lincoln e Pietro il Grande suonavano l'arpa e ne erano interessate. Nei paesi europei, l'arpa conobbe il suo "periodo d'oro", che durò fino al 1850. Dal 1765, l'organista austriaco e insegnante di L. Beethoven, Johann Georg Albrechtsberger, scrisse diversi concerti sinfonici per l'arpa. I musicologi di quell'epoca e di quelle successive riconoscono Karl Eulenstein (1803-1890) come il più grande arpista di tutti i tempi.

C'è un'osservazione interessante da parte dei cacciatori secondo cui il tintinnio delle schegge di un tronco d'albero rotto attira l'attenzione di un orso, cioè a volte un orso tira fuori appositamente una delle schegge di un tronco d'albero rotto e la posa giù, dopo di che si alza e ascolta a lungo il tintinnio del legno. Inoltre, man mano che svanisce, l'orso pizzica nuovamente la stessa scheggia e riprende le sue vibrazioni. Questo processo, ci sembra, ricorda vagamente il principio della produzione del suono su un khomus di legno. È del tutto possibile che il metodo dei cacciatori di taiga di riprodurre musica su un khomus di legno sia stato suggerito dall'osservazione della fauna selvatica.

Le tradizioni viventi della cultura musicale popolare contribuiscono sempre al riavvicinamento e alla comprensione reciproca delle persone, poiché il linguaggio della musica è internazionale e per sua natura comprensibile a persone di qualsiasi nazionalità. In particolare, i suoni incantevoli dell'arpa (khomus), temir komuz, gotuz, parmupil, pimmel, kumaz, ecc., ascoltati da diversi continenti della terra, sembrano avere un potere magico che unisce e sintonizza le persone alla creazione creativa.

Questo strumento musicale è arrivato ai nostri giorni fin dai tempi antichi grazie ai nostri fabbri. Da tempo immemorabile, il nostro popolo è famoso per i suoi abili fabbri. Ciò è dimostrato da numerose leggende, fiabe ed poemi epici.(21)

Gli scienziati ritengono che già nei secoli X - XII. le tribù che sono gli antenati degli Yakut svilupparono il fabbro.

Ai vecchi tempi tra gli Yakut, fino al XIX secolo. Erano ampiamente utilizzati vari tipi di arpa: “Kuluun khomus” (khomus di canna), “Mas khomus” (khomus di legno). Ma gradualmente “Timir khomus” (khomus di ferro) e “Ikki tillaah khomus” (khomus dalla doppia lingua) vengono alla ribalta. I primi tre erano conosciuti solo fino alla metà del XIX secolo. E dimenticato. Anche il khomus dalla doppia lingua non si diffonderà, apparentemente a causa della tecnologia di produzione e delle tecniche di gioco sottosviluppate.

Da quanto scritto siamo giunti alla conclusione che i fabbri, già dall'antichità, hanno migliorato il khomus nel corso dei secoli.(21)

Il tradizionale khomus classico in ferro monolingua, diffuso nella repubblica, è costituito da un bordo a ferro di cavallo a forma di pira con due “guance” affusolate. È noto che gli artigiani sceglievano il materiale del corpo e della lingua in base alla durezza, che è determinata da quanto il materiale è suscettibile alla limatura con smeriglio fine, mentre ogni artigiano ha sviluppato il proprio senso del metallo. Il corpo è solitamente realizzato mediante forgiatura a freddo da un materiale più morbido della linguetta. Dal punto di vista metalmeccanico la forgiatura è detta “a freddo” anche quando il pezzo viene riscaldato a 600°C; Al di sotto di questa temperatura non avvengono i cosiddetti processi di ricristallizzazione, cioè Dopo la lavorazione, il metallo continua a mantenere le proprietà risultanti. Dal punto di vista della garanzia del suono del khomus, la scelta è molto importante; il materiale dell'ancia deve essere sufficientemente elastico e avere una durezza sufficientemente elevata, allo stesso tempo non essere fragile e avere un'elevata resistenza alle piccole deformazioni plastiche. Quando producono la lingua di khomus, i fabbri yakut seguono principalmente due percorsi:

Il percorso più difficile richiede uno spiccato senso del metallo: selezionare il metallo che deve essere forgiato, indurito in un determinato ambiente e temperato fino alle caratteristiche meccaniche richieste;

Un metallo che possiede già le caratteristiche meccaniche adeguate viene selezionato e portato alla dimensione e forma della lingua richieste (ad esempio vengono spesso utilizzate lame per seghetti, falci metalliche per tagliare l'erba, ecc.). Ciò richiede un trattamento termico minimo, ma richiede ancora una volta un senso del metallo abbastanza sviluppato. A nostro avviso gli antichi fabbri e artigiani sceglievano principalmente la prima strada, poiché a quel tempo non esistevano gli affilatori elettrici. E un temperamatite ha richiesto molto tempo, quindi hanno forgiato e indurito la lingua.

Dopo aver realizzato il corpo e la lingua, il loro adattamento reciproco e il modo in cui la lingua è attaccata al corpo sono di grande importanza. La violazione delle forme di adattamento, il rapporto degli spazi tra le "labbra" del corpo e la lingua o il fissaggio non riuscito della lingua al corpo, possono perdere tutto il vantaggio ottenuto durante il trattamento meccanico e termico della lingua e corpo.

Il requisito principale per il corpo del khomus è la sua forza sufficiente e la massività dell'anello per attaccarvi saldamente la lingua, che non dovrebbe indebolirsi nel tempo, mentre è importante osservare la forma e le dimensioni, le proporzioni di entrambi il corpo e la lingua, e devi anche adattare la lingua alle "labbra" del corpo in modo molto preciso, mantenendo rigorosamente un certo spazio. La parte della piastra vibrante piegata all'estremità ad angolo retto è chiamata khokhuora “uccello”, sulla cui punta si trova un eminneh “orecchio rotondo”. È questo minuscolo foro (occhio) che viene utilizzato per accordare lo strumento. Al suo interno viene inserito un pezzo di piombo e una riduzione del suo peso di un milligrammo mediante raschiatura aiuta a modificare (aumentare) la frequenza di vibrazione dell'ancia. Ecco come si ottiene il suono desiderato di khomus.(21)

Negli ultimi anni lo Yakut khomus ha subito importanti cambiamenti, sia in termini di elementi strutturali esterni che in termini di qualità musicali. A ciò hanno contribuito varie circostanze.

In primo luogo, gli artisti virtuosi in un periodo di tempo relativamente breve hanno ampliato notevolmente la gamma delle loro capacità esecutive e hanno aperto un ampio spazio all'immaginazione creativa e all'attività compositiva.

In terzo luogo, l'arte del khomus viene ripresa in un'atmosfera di crescente interesse per la musica popolare. Come risultato di questi processi positivi, sono state create varie versioni di elementi solisti: khomus bilingue e colorati su cerniere, assemblati in un blocco solido, nonché khomus speciali per bambini e concerti. Ogni artigiano crea il proprio modello di soluzione costruttiva in base all'aspetto e alle caratteristiche esterne del khomus; gli artisti professionisti riconoscono la calligrafia di un maestro fabbro. I singoli artigiani portano la tecnica e la tecnologia della realizzazione di utensili alla perfezione della gioielleria. Tra i produttori di khomuse Yakut, gli artigiani che creano strumenti “parlanti” e “cantanti” godono di particolare rispetto e onore. I khomuse di M.I. sono estremamente popolari in tutta la repubblica. Gogoleva (villaggio Maya, distretto di Megino-Kangalassky), N.P. Burtseva (villaggio di Sottintsy, regione di Ust-Aldan), I.F. Zakharova (Vilyuysk, distretto di Vilyuysky), P.M. Borisov (villaggio di Verkhnevilyuysk, distretto di Verkhnevilyuysk). Ognuno ha il proprio tipo di modifica, il proprio metodo di indurimento e solo il proprio gusto artistico ed estetico.

CIOÈ. Alekseev, essendo diventato un maestro riconosciuto, iniziò a prestare seria attenzione ai fabbri Yakut. Rapporti di fiducia e creativi si svilupparono tra Ivan Yegorovich e gli antichi maestri riconosciuti. E Semyon Innokentyevich Gogolev - Amynnyky Uus, e l'insegnante di fisica Nikolai Petrovich Burtsev e il maestro gioielliere Ivan Fedorovich Zakharov - Kylyady Uus trattavano e trattano ancora Ivan Alekseev con particolare rispetto. Si fidavano completamente di questo brillante talento, che era anche uno scienziato, confidando i segreti del loro mestiere e gli mostrarono volentieri le tecniche tecnologiche e i segreti per creare Yakut khomus. Ivan Alekseev parla di ciascuno di loro per ore.

Alekseev utilizza lo strumento di S.I. da più di vent’anni. Gogoleva. Tutte le registrazioni delle sue esibizioni ampiamente conosciute sono state registrate con il suo khomus. Con khomus Amynnyikky ha visitato molti paesi vicini e lontani all'estero. I vecchi maestri creatori di khomus hanno sempre apprezzato l'opinione di Ivan Yegorovich, e quindi voglio dare una valutazione professionale data da Ivan Yegorovich a tre famosi maestri della produzione di khomus.

“Da più di 50 anni è famoso il maestro più talentuoso Semyon Innokentievich Gogolev, autore di diverse migliaia di khomus “cantanti” di tipo tradizionale, ampiamente utilizzati come strumento musicale nel nostro paese e all'estero. Il vantaggio principale del khomus di Gogol è la semplicità della sua forma pur mantenendo le proporzioni classiche dei dettagli, che contribuiscono alla sua “melodia”. Con il nome S.I. Gogol è associato alla rinascita dell'arte khomus nella repubblica e alla musica dell'arpa ebraica nel nostro paese, poiché i più famosi suonatori di khomus creano le loro improvvisazioni, composizioni e spettacoli sullo strumento di Gogol.

L'insegnante di lavoro della scuola Sottino Nikolai Petrovich Burtsev è stato l'iniziatore della creazione di un miglioramento estetico

khomus attraenti, ma allo stesso tempo sonori. Nel corso degli anni, i suoi khomus, basati sui calcoli della legge dei corpi elastici e dell'acustica, iniziarono a distinguersi per l'alta tonalità e, una volta accordati, per un timbro unico. Khomuses N.P. Le opere di Burtsev sono state esposte in varie mostre, anche a Montreal. I khomuse di Burtsev sono suonati principalmente da ragazze e donne, sono molto convenienti per l'uso in vari ensemble.

Il famoso produttore di gioielli Ivan Fedorovich Zakharov, attualmente sviluppando le idee e l'esperienza creativa dei suoi predecessori, dedica tutte le sue conoscenze e abilità alla realizzazione del khomus. Innanzitutto, invece di forgiare il metallo, ha introdotto la tecnologia di fusione del corpo dello strumento in ottone, argento e ferro. E, infine, I.F. Zakharov ha optato per la versione ottimale del corpo in ottone con impurità di ferro. Un khomus con un corpo simile e una lingua d'acciaio produce suoni delicati con sfumature morbide. E da un punto di vista estetico, i khomus di Zakharov sono diventati molto attraenti. Ivan Fedorovich è l'autore di numerosi khomus souvenir, realizzati appositamente per mostre e musei. E i suoi khomuse solisti di massa sono molto richiesti. Oltre ai khomus monolingue, I.F. Zakharov ha anche rilanciato quello bilingue, che sta gradualmente entrando nell’arsenale creativo degli improvvisatori Yakut khomus”.

Ivan Egorovich Alekseev, sulla base della sua collezione personale di arpe ebraiche provenienti dai popoli del mondo e di ripetuti incontri con maestri fabbri di altri paesi, studia le caratteristiche tecnologiche e strutturali dello Yakut khomus. In questa materia complessa e delicata, attira specialisti di vari settori come consulenti scientifici. Particolarmente fruttuoso e promettente è il lavoro di collaborazione con il membro corrispondente dell'Accademia delle scienze russa, presidente del Centro scientifico della Yakutia V.P. Larionov. Vladimir Petrovich esamina le strutture metallografiche dei khomuse Yakut e la variabilità delle loro caratteristiche progettuali.

Anche altri scienziati, per lo più giovani, prestano molta attenzione all'arte dei produttori di khomus. A quanto pare ci saranno altri ricercatori, forse di livello mondiale. Ma in tutte queste ricerche scientifiche e creative, il ruolo del primo ricercatore del khomus Yakut, lo scienziato I.E., sarà significativo. Alekseeva.

casting musicale Yakut khomus

3 . Giustificazione del tema del progetto

Per comprovare il lavoro di progettazione, è necessario studiare non solo il khomus Yakut, ma anche le arpe ebraiche dei popoli del mondo.

Strumento musicale nazionale Khomus Yakut

Ai vecchi tempi, tra gli Yakut, fino al XIX secolo, erano ampiamente utilizzate varie varietà di arpa ebraica "kuluun khomus" (canna), "mae khomus" (di legno) e "unuoh khomus" (osso). Ma gradualmente il “timir khomus” (ferro) viene alla ribalta, soppiantando infine altre varietà. Apparentemente, questo può essere spiegato dal ruolo del khomus nella vita degli Yakut, quando nelle prime fasi della sua esistenza questo strumento serviva come tamburello orale di accompagnamento negli antichi rituali religiosi, per poi entrare gradualmente nella vita quotidiana degli Yakut come strumento indipendente. La musica khomus yakut pre-rivoluzionaria era curiosamente diversa dalla musica moderna nel suo carattere sonoro puramente personale e intimo.

In primo luogo, una persona si è rivolta a suonare il khomus nei momenti più difficili del dolore: "sanaar Zabyllaah tardiylar".

In secondo luogo, suonare il khomus era associato alla tradizione delle confessioni d'amore: "taptyyr kibitiger hoyyan tardyylar". Questa tradizione ha permesso di esprimere i sentimenti più intimi di una persona in una forma speciale di pronuncia allegorica del testo, riecheggiando il genere delle canzoni d'amore-improvvisazioni-tuoisuu.

In terzo luogo, le persone potevano parlare attraverso il khomus.

In quarto luogo, il khomus era considerato lo strumento preferito di ragazze e donne. Hanno suonato canzoni khomus, evidenziandole in una danza speciale "Khomus yryata" ("canzoni Khomus").

In quinto luogo, esisteva anche una tradizione di esecuzione collettiva del khomus.

In sesto luogo, il khomus ha sempre decorato le vacanze Ysyakh insieme a canti popolari tradizionali e danze rotonde, glorificando l'arrivo della tanto attesa estate, dopo le forti gelate di un inverno crudele, lodando la natura della Yakutia.

Il genere delle improvvisazioni di khomus nell'antico modo di esibirsi “syyya tardy” può essere definito come il genere del medley - “yrya matyptaryn tardy”.

Nel 1918 P.N. Turnin si è esibito con successo a Mosca durante i giorni della rassegna dell'arte amatoriale dei popoli della RSFSR. E da questo momento in poi, la musica Yakut khomus appare sul palco XXX. Con i cambiamenti nelle condizioni di vita, questo strumento diventa uno strumento puramente da concerto, guidando lo sviluppo della musica Yakut khomus lungo il percorso dell'esibizione virtuosistica solista e collettiva. Allo stesso tempo si pone immediatamente il problema di realizzare “etigen khomus” (un khomus armonioso e melodioso).

Il fondatore dello stile di concerto improvvisato della musica Yakut è I.S. Alekseev, che non solo ha sviluppato un intero complesso di tecniche suono-visive sul khomus, contraddistinte dalla perfezione tecnica e dai fantastici colori timbrici raggiunti, ma ha anche formato un'intera galassia di magnifici artisti improvvisatori. La IE fondata continua a svolgere un ruolo enorme nell'educazione dei giocatori di khomus. Alekseev nel 1961 Ensemble "Algys"

In generale, riguardo allo stile di improvvisazione sonora degli esperti suonatori di Yakut khomus, si può dire che questo stile ha arricchito la musica Yakut khomus con tecniche di esecuzione, tipi di composizioni vicine ai toyuk, generi di canzoni dello stile "dyeretii" osuokhayu, ampliato il suono armonico gamma dello Yakut khomus come strumento da concerto - “etigen” khomus”, e sollevò anche questioni di sussidi, cioè aprì la strada alla professionalità. (undici)

La tecnologia dei disegni dell'arpa ebraica tra i popoli della Siberia

Grazie alla ricerca musicale ed etnografica, che va avanti da più di due secoli e mezzo, tra i popoli della Siberia sono state identificate circa sei dozzine di varietà nazionali di arpa ebraica. L'intera varietà di design di questo strumento forma 4 tipi organici: plastica, arco, arco piatto e angolare. I primi 2 tipi sono ben noti in etno-organologia e sono descritti in modo abbastanza completo. Si distinguono per la forma e la natura dell'attaccatura della lingua alla base, da qui la loro divisione in idioglatici ed eteroglatici.

Una varietà di arpa spirituale ebraica si forma come risultato della tipologia dell'arco, formando un anello rotondo nell'area in cui è attaccata la lingua, allungata o meno.

Consideriamo i tipi nazionali di arpe ebraiche, tenendo conto della tipologia sopra delineata, e considereremo prima i popoli che hanno un solo tipo di arpa, e poi i popoli che combinano nella loro cultura la pratica dell'intonazione su vari tipi di questa strumento.

Il tipo plastico dell'arpa ebraica è praticato come l'unica varietà tra i popoli della Siberia occidentale e dell'estremo nord-est. In altre regioni della Siberia, questo strumento è combinato con il tipo ad arco dell'arpa o in contrasto con esso.

I popoli in cui è stata individuata la varietà ad arco dell'arpa ebraica non hanno un areale di insediamento così compatto come quelli che coltivano quella lamellare. Da un lato, questi sono i turchi Taimyr Dolgan, che chiamano questo strumento bargavun.

L'arpa ad arco esiste come unica varietà anche nella cultura dei turchi sud-occidentali della Siberia XXX. Tra tutti i popoli nominati, questo strumento ha un nome simile: khamys-khomus-komus.

Tra i popoli della regione dell'Amur sono conosciuti tre tipi di arpa ebraica: due a forma di piastra e una ad arco. Le arpe a mascelle piatte possono essere a gradini o a forma di cuneo, ed entrambi i tipi sono comuni e interagiscono con uguale importanza in una data regione.

Tra i popoli della regione dell'Amur, l'arpa ebraica a forma di piatto è realizzata (oltre a quei materiali indicati in relazione alle caratteristiche dell'arpa Nivkh) da crespino (nanoisa), cedro e larice (udeche ulchi).

Tra i popoli della Siberia centrale, l'arpa a piatti e ad arco sono presentate per tipologia; piastra con linguetta a gradini e arco con anello rotondo.

Gli Yakut chiamano entrambe le opzioni il termine “Khomus”. Allo stesso tempo, quando identificano le arpe ebraiche a forma di piatto, gli Yakut di solito indicano il materiale con cui è realizzato lo strumento. "Kuluun khomus" - "arpa di canna", "mae khomus" - "arpa di legno". Entrambe le varietà dell'arpa ad arco piatto - idiogloica ed eterolotica, così come l'arpa angolare - si trovano solo tra i turchi della Siberia meridionale.

Vargan dei popoli della CSI, dell'Asia, della Russia

Quasi tutte le nazioni hanno i propri strumenti musicali nazionali. Di questi, l'arpa della mascella si trova in un posto speciale. In primo luogo, è uno strumento antichissimo: e, in secondo luogo, è dimenticato o semidimenticato, e quindi sta rinascendo. Sulla mappa della distribuzione dell'arpa ebraica, i punti indicano quasi tutte le regioni dell'ex Unione Sovietica. Più di 60 nomi di Vargan in varie varianti sono stati trovati in tutte le repubbliche. Le varietà più famose di arpa ebraica sono a piastra e ad arco.

Un'arpa lamellare è un osso sottile e stretto di legno o bambù, meno spesso una piastra di metallo. La sua lingua è tagliata al centro del piatto.

Le arpe ebraiche a forma di arco sono forgiate da un'asta di ferro, al centro della quale è attaccata una sottile lingua d'acciaio con un gancio all'estremità.

Il nome dell'arpa dell'ebreo contiene elementi di antichi concetti animaleschi.

Ad esempio: varam-tun (Chuvash) - zanzara parmupil (estone) - calabrone

Il termine musicale “komuz”, diffuso tra i popoli turchi (in varie varianti fonetiche: kobuz, kobyz, komys, khomys, ecc.), denota, oltre agli strumenti musicali a corda, l'arpa ebraica.

Come testimoniano le fonti scritte russe, in Russia l'arpa esisteva come due strumenti diversi. Nelle cronache e nelle leggende del XVIII e XVIII secolo. è stato detto nell'esercito russo sin dai tempi di Svyatoslav Igorevich.

Dal XVIII secolo il nome arpa ebraica è stato inteso come un altro strumento. Fu menzionato per la prima volta nel registro compilato da Pietro I nel libro di I. Golikov "Gli atti di Pietro il Grande", pubblicato nel 1938 a Mosca. Tra i popoli della regione del Volga, non tutti hanno conservato fino ad oggi l'arpa ebraica. I Bashkir hanno tradizionalmente kubyz e kumyz. L'arpa tartara chiamata kubyz è realizzata in metallo.

L'entità della distribuzione dell'arpa ebraica tra i popoli dell'Asia centrale varia; Temir-komuz si trova in tutto il territorio del Kirghizistan.

Tra la maggior parte dei popoli della Siberia e dell'Estremo Oriente, l'arpa ebraica era estremamente diffusa e per alcuni serviva quasi come l'unico strumento musicale. Sono state utilizzate due varietà: metallo ad arco e legno o osso (piatto). Ha trovato usi diversi tra i diversi popoli: anche come attributo dello sciamanesimo, utilizzato durante i rituali.

Lo scopo di culto dell'arpa ebraica non è tipico dei popoli Altai. Nel 19 ° secolo Il Khomus era uno strumento musicale comune a molti popoli siberiani. Veniva utilizzato anche per le conversazioni convenzionali tra innamorati e ai matrimoni. A volte, durante l'esecuzione della melodia, le parole, e talvolta interi dialoghi, venivano pronunciate con una voce appena udibile.

I Tuvani conoscono cinque varietà di arpa ebraica: il temir-khomus di metallo e lo yyash-khomus di legno. Uno strumento a piastre fatto di bambù o di canna è chiamato kuluzun-khomus. Ogni regione ha la propria melodia temir-khomus.

In Buriazia l'arpa a mascella è attualmente molto rara. In passato era quasi esclusivamente uno strumento di culto, soprattutto tra i Buriati di Irkutsk orientali, utilizzato dagli sciamani, insieme a un tamburello, per la divinazione e per invocare gli spiriti. Si chiamava khur o khuur.

Arpe ebraiche dei popoli d'Europa e d'America

L'arpa ebraica è comune non solo nell'Asia centrale, centrale e sud-orientale, ma anche in Europa e in America ed esiste con vari nomi nazionali. È realizzato anche in legno, osso, bambù e metallo.

Secondo il professore americano Frederick Crane, l'arpa è apparsa cinquemila anni fa nell'Asia meridionale. Si diffuse in tutta l'Asia e in Europa, da lì arrivò in Africa e poi nel Nuovo Mondo, dove ricevette un nuovo sviluppo.

Negli anni '20 del nostro secolo, l'arpa ebraica entrò organicamente nello stile "country", come testimoniano i dischi del grammofono che Frederic Crane dimostrò durante il II Congresso Internazionale. In combinazione con il canto, il banjo e la chitarra, crea un suono speciale.

La prima vetrina è dedicata ai materiali della 1a Conferenza pan-sindacale “Problemi della musica per arpa in URSS”, tenutasi nell'aprile 1988 a Yakutsk con il sostegno dell'Unione dei compositori dell'URSS e del Ministero della Cultura dello Yakut. Repubblica Socialista Sovietica Autonoma. Ha discusso questioni sfaccettate legate all'archeologia, all'etnografia, alle tradizioni folcloristiche del suonare l'arpa tra i vari popoli dell'URSS, nonché ai modi per introdurre la musica per arpa alla creatività musicale professionale, alla possibilità di produzione in serie di arpa in varie regioni, repubbliche del URSS.

I rappresentanti degli Stati Uniti, del Giappone, della Francia e di altri paesi nei loro rapporti e discorsi hanno trattato le questioni e i problemi della musica per arpa ebraica, la vita dei nativi dell'Oceania, dell'Asia, dell'America e dell'Europa.

Un interessante rapporto sull'arpa ebraica e sulle arpe ebraiche in Oceania, Filippine, Taiwan e Giappone è stato realizzato da Leo Tadagawa, ricercatore e promotore dell'arpa ebraica dal Giappone.

Sulla musica dell'arpa antica e moderna (khomus)

Lo strumento musicale Vargan è comune tra i diversi popoli della Terra in tutti i continenti. Ha una dimensione, una forma specifica e, a seconda di ciò, un suono unico. È fatto di metallo, legno, osso e nel sistema musicale, secondo il metodo di attacco dell'ancia dello strumento al suo corpo, è diviso in due varietà: idioglotica ed eteroglotica. Questa differenza riflette anche la portata dello strumento. Le arpe ebraiche idioglottiche (di legno, osso, rame, di materiale solido) hanno un'area di distribuzione principalmente in Asia, ed eteroglotte (con una lingua attaccata alla base del corpo) - in Eurasia, America, Africa.

L'età di questo strumento musicale non è stata ancora definitivamente chiarita, ma alcuni dati archeologici in Asia Centrale, Giappone, Nord Europa indicano che l'arpa ha una storia più che millenaria (L. Fox, F. Crane, F. Bax, L. Tadagawa, ecc.). Nel loro lavoro, E. Hornbostel e K. Sachs riconoscono le arpe asiatiche in legno e metallo come più antiche. Sulla base dei materiali dei musicologi del nostro secolo, questo strumento fu ampiamente utilizzato nei secoli VII-VIII. nell'Asia centrale e in Svizzera, nei secoli XIV-XV. in Svizzera e Romania. In Europa dal XVI secolo. fino ad oggi, l'arpa ebraica occupa un posto più alto nella gerarchia degli strumenti musicali, sebbene il lavoro di K. Sachs affermi che il tipo asiatico di arpa ebraica eteroglotica precede quello europeo, soprattutto in India, Nepal e Afghanistan. Nei poemi epici "Manas" e "Korkurt Ata" l'arpa sotto i nomi temir komus, kobyz funziona come uno strumento di esecuzione virtuosistica, associato non solo ai riti rituali, ma anche alla composizione musicale. (21)

Dietro i segreti del khomus Yakut

Negli ultimi anni lo Yakut khomus ha subito importanti cambiamenti sia in termini di elementi strutturali esterni che in termini di qualità musicali. A ciò hanno contribuito varie circostanze.

In primo luogo, gli artisti virtuosi in un periodo di tempo relativamente breve hanno ampliato notevolmente la gamma delle capacità esecutive e hanno aperto un ampio spazio all'immaginazione creativa e all'attività compositiva.

In secondo luogo, gli artigiani iniziarono a rivelare i segreti tecnologici dei vecchi artigiani.

In terzo luogo, l'arte del khomus viene ripresa in un'atmosfera di crescente interesse per la musica popolare.

Come risultato di questi processi positivi, sono state create varie varianti di strumenti solisti: khomus bilingue e colorati su cerniere, assemblati in un blocco solido, nonché khomus speciali per bambini e concerti. Ogni artigiano crea il proprio modello di soluzione costruttiva. Dall'aspetto e dalle caratteristiche esterne del khomus, gli artisti professionisti riconoscono la calligrafia di un maestro fabbro. I singoli artigiani portano la tecnica e la tecnologia della realizzazione di utensili alla perfezione della gioielleria. Tra i produttori di khomuse Yakut, gli artigiani che creano strumenti “parlanti” e “cantanti” godono di particolare rispetto e onore.

Informazioni sulle arpe giapponesi di mille anni fa

Il 21 ottobre 1989, nella città di Omiya, nella prefettura di Saitama, nel sito archeologico fu scoperto un oggetto di ferro chiamato "resti della cavità sotto l'abitazione n. 4" del santuario shintoista di Hikawa, che in seguito fu riconosciuto come una mascella. arpa. Inizialmente fu suggerito che si trattasse di diverse punte di lancia di ferro collegate tra loro. L'oggetto è stato rinvenuto nell'angolo nord-occidentale in posizione inclinata con la parte ad anello rivolta verso il basso e due maniglie verso l'alto. In base al tipo e alla struttura degli oggetti di argilla trovati insieme, è stata determinata l'età dell'oggetto: la prima metà del X secolo Heian, quando la capitale del Giappone era la città di Kyoto.

Un secondo oggetto in ferro simile è stato scoperto in una delle fosse dei resti della “struttura a più pilastri n. 2”, situata a meno di 10 metri a nord del sito di scavo del primo oggetto in ferro. Purtroppo non si conoscono i dettagli del ritrovamento, tranne il fatto che è stato ritrovato in una delle quattro fosse sul lato nord (16 fosse in totale). Presumibilmente l'oggetto fu sepolto nel foro di un pilastro, rimosso per qualche motivo, nella prima metà del X secolo, il che può essere spiegato dai seguenti fatti:

da sotto il pavimento di questo edificio fu ritrovata una moneta engi-tsuho, una delle monete dinastiche coniate nel 907, e che fu sepolta “forse come dono allo spirito della terra”;

a giudicare dalle fosse, la struttura fu distrutta due volte circa nella prima metà del X secolo.

Dal 1884, le reliquie orientali del Santuario Hikawa fanno parte del Parco Omiya, ma prima appartenevano al Santuario Hikawa, il più grande della regione di Musashi (l'attuale Kanto, che comprende 6 prefetture e la città di Tokyo). . Il nome della città di Omiya, che significa "grande tempio", deriva dal santuario shintoista Hikawa. La distanza dal tempio al centro degli scavi archeologici è piccola, circa 250 metri in direzione est-nordest. Pertanto, il Santuario shintoista di Hikawa è uno dei componenti importanti nella considerazione dei reperti archeologici.

Gli scavi furono effettuati dal Comitato di ricerca sulle reliquie di Omiya dal settembre 1989 al marzo 1993, seguiti dall'espansione del campo da baseball del parco.

Sono state effettuate le radiografie di entrambi gli oggetti di ferro trovati. Si è scoperto che erano costituiti da una parte arrotondata e due maniglie, nonché da una piastra sottile situata tra le maniglie.

Hanno verificato la possibilità che i reperti fossero un paio di forbici o chiavi di ferro, ma le radiografie hanno mostrato una struttura completamente diversa. L'ipotesi che si trattasse di più punte di lancia o chiodi di ferro collegati tra loro è stata respinta per il seguente motivo: "è quasi impossibile trovare due oggetti identici realizzati per caso". È una fortuna che entrambi gli oggetti siano stati ritrovati vicini l'uno all'altro. In altre parole possiamo dire che due oggetti sono stati resi simili per forma, dimensione e struttura intenzionalmente, e non per caso.

Successivamente, l'ex professore dell'Università di Chuo Inao Tentaro, che ricerca chiavi e serrature, ha sottolineato che gli oggetti ritrovati erano arpe kuokin e questo strumento musicale è stato menzionato nel capitolo sui giochi dell'enciclopedia Kojiruyen, completata nel 1914. L'ex professore della Broadcasting University Shibato Minao, compositore e primo sostenitore dell'archeologia musicale, ha esaminato le reliquie e le ha valutate come arpe ebraiche. Tuttavia, secondo la vocazione di Shibata, non ha completa fiducia, ma solo una cauta presupposizione per considerarle come arpe ebraiche. Anche se sono arpe ebraiche, rimane il dubbio sulla realtà della loro età millenaria.

Da qui arriviamo alla conclusione che dobbiamo fare il khomus, nella forma tradizionale, ma utilizzando le nuove tecnologie.

Specifiche di progetto

Che tipo di prodotto è khomus?

Il consumatore finale è quello a cui piace suonare il khomus.

Quale bisogno sarà soddisfatto: suonare il khomus.

Scopo funzionale: ricevere suoni musicali

Limiti di costo accettabili: 1500-5000 rubli

Produzione di massa

Fattore umano: il khomus non dovrebbe nuocere alla salute, a suo agio quando si gioca

Materiali: devono corrispondere alle funzioni specificate, avere un costo accessibile

Metodo di produzione - nelle condizioni del codice di procedura penale presso l'istituto scolastico statale "PL n. 14"

Le precauzioni di sicurezza per il consumatore devono essere sicure durante il gioco e il trasporto

In relazione al produttore, le condizioni di produzione devono soddisfare i requisiti di sicurezza.

L'aspetto dovrebbe essere estetico, bello e ben progettato.

Valori morali: il danno all’ambiente deve essere inferiore al beneficio per la società.

Conclusione

Dopo aver lavorato al lavoro di progettazione nella produzione dello Yakut khomus utilizzando la tecnologia della fusione, siamo giunti alla conclusione che l'uso del bronzo per il corpo e dell'acciaio inossidabile per la lingua migliora l'estetica, l'igiene, la praticità e la durata dello strumento.

La tecnologia di fonderia consente di modificare le forme e le dimensioni dei pezzi grezzi della carrozzeria. Il pezzo finito è tecnologicamente avanzato per ulteriori finiture, incisioni, saldature, inserimento di sovrapposizioni.

Recentemente, non solo musicologi, artisti, propagandisti di musica popolare, ma anche specialisti in altri rami della conoscenza, inclusi metallologi, chimici, hanno mostrato interesse per uno strumento musicale: l'arpa ebraica.

La tecnologia per realizzare il khomus viene costantemente migliorata, gli artigiani trasformano abilmente il khomus da uno strumento musicale in un bellissimo prodotto di arte decorativa e applicata, ad es. non dovrebbe essere solo esteticamente gradevole, ma anche insolito nel suono.

Riteniamo che gli obiettivi del lavoro di progettazione siano stati raggiunti, siano state studiate varie tecnologie di produzione per il khomus Yakut e sia stato realizzato un khomus con un corpo realizzato mediante fusione su un impianto di fusione sotto vuoto.

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23.09.2013

La storia dell'emergere degli strumenti popolari russi risale a un lontano passato. Affreschi della Cattedrale di Santa Sofia a Kiev, materiali iconografici, miniature di libri scritti a mano, stampe popolari testimoniano la diversità degli strumenti musicali dei nostri antenati. Gli antichi strumenti musicali scoperti dagli archeologi sono una vera prova materiale della loro esistenza nella Rus'. Nel recente passato, la vita quotidiana del popolo russo era impensabile senza gli strumenti musicali. Quasi tutti i nostri antenati possedevano i segreti per realizzare semplici strumenti sonori e li hanno tramandati di generazione in generazione. L'introduzione ai segreti dell'artigianato è stata instillata fin dall'infanzia, nei giochi, nei lavori fattibili per le mani dei bambini. Osservando i loro anziani lavorare, gli adolescenti hanno acquisito le prime abilità nella creazione degli strumenti musicali più semplici. Il tempo passò. I legami spirituali delle generazioni furono gradualmente interrotti, la loro continuità fu interrotta. Con la scomparsa degli strumenti musicali popolari, un tempo onnipresenti in Russia, si è persa anche la partecipazione di massa alla cultura musicale nazionale.

Al giorno d'oggi, purtroppo, non sono rimasti molti artigiani che hanno preservato le tradizioni di creazione degli strumenti musicali più semplici. Inoltre, creano i loro capolavori solo su ordini individuali. La produzione di strumenti su base industriale è associata a notevoli costi finanziari, da qui il loro costo elevato. Non tutti oggi possono permettersi di acquistare uno strumento musicale. Ecco perché c'era il desiderio di raccogliere materiali in un articolo che aiuteranno tutti coloro che vogliono realizzare questo o quello strumento con le proprie mani. Intorno a noi c'è una grande quantità di materiali familiari di origine vegetale e animale, a cui a volte non prestiamo attenzione. Qualsiasi materiale suonerà se toccato da mani abili:

Da un anonimo pezzo di argilla puoi ricavare un fischietto o un'ocarina;

La corteccia di betulla, rimossa dal tronco di betulla, si trasformerà in un grande corno con un cigolio;

Un tubo di plastica acquisirà il suono se crei un fischietto e dei fori al suo interno;

Molti strumenti a percussione diversi possono essere realizzati con blocchi e piastre di legno.

Sulla base delle pubblicazioni sugli strumenti popolari russi e sull'esperienza di varie persone nella loro fabbricazione, sono state formulate raccomandazioni che potrebbero essere utili nel processo di lavoro su di essi.

* * *

Per molti popoli, l'origine degli strumenti musicali è associata agli dei e ai signori dei temporali, delle bufere di neve e dei venti. Gli antichi greci attribuirono a Hermes l'invenzione della lira: costruì lo strumento incordando le corde su un guscio di tartaruga. Suo figlio, il demone della foresta e protettore dei pastori, Pan veniva sempre raffigurato con un flauto costituito da diversi steli di canne (flauto di Pan).

Le fiabe tedesche menzionano spesso il suono di un corno e le fiabe finlandesi spesso menzionano il suono di un'arpa kantele a cinque corde. Nelle fiabe russe, al suono di corni e flauti, compaiono guerrieri contro i quali nessuna forza può resistere; la miracolosa arpa Samogud suona da sola, canta le canzoni stesse e ti fa ballare senza sosta. Nelle fiabe ucraine e bielorusse, anche gli animali cominciarono a ballare al suono della cornamusa (duda).

Lo storico e folclorista A.N. Afanasyev, autore dell'opera “Vista poetica degli slavi sulla natura”, ha scritto che vari toni musicali, nati quando il vento soffia nell'aria, identificano “espressioni per vento e musica”: dal verbo “soffiare ” arrivò: duda, pipa, colpo; Persiano. dudu: il suono di un flauto; Tedesco blasen: soffiare, vagliare, trombare, suonare uno strumento a fiato; fischio e arpa - dal ronzio; ronzio - una parola usata dai Piccoli Russi per designare il vento che soffia; confrontare: sopelka, sipovka da sopati, fiuto (sibilo), rauco, fischio - da fischio.

I suoni della musica degli ottoni vengono creati soffiando aria nello strumento. I nostri antenati percepivano il soffio del vento come proveniente dalle bocche aperte degli dei. La fantasia degli antichi slavi riuniva l'ululato della tempesta e il sibilo dei venti con il canto e la musica. È così che sono nate le leggende sul canto, sulla danza e sul suonare strumenti musicali. Le rappresentazioni mitiche, combinate con la musica, le hanno rese una parte sacra e necessaria dei rituali e delle festività pagane.

Per quanto imperfetti fossero i primi strumenti musicali, richiedevano comunque che i musicisti fossero in grado di costruirli e suonarli.

Nel corso dei secoli, il miglioramento degli strumenti popolari e la selezione dei migliori esemplari non si sono fermati. Gli strumenti musicali hanno assunto nuove forme. Sono nate soluzioni progettuali per la loro fabbricazione, metodi per estrarre i suoni e tecniche di riproduzione. I popoli slavi erano creatori e custodi di valori musicali.

Gli antichi slavi onoravano i loro antenati e glorificavano gli dei. La glorificazione degli Dei veniva eseguita davanti alle dee sacre nei templi o all'aria aperta. I rituali in onore di Perun (dio del tuono e del fulmine), Stribog (dio dei venti), Svyatovid (dio del sole), Lada (dea dell'amore), ecc. Erano accompagnati da canti, balli, suoni di strumenti musicali e finali con una festa generale. Gli slavi veneravano non solo le divinità invisibili, ma anche i loro habitat: foreste, montagne, fiumi e laghi.

Secondo i ricercatori, la canzone e l'arte strumentale di quegli anni si svilupparono in stretta interrelazione. Forse i canti rituali hanno contribuito alla nascita degli strumenti con l'istituzione della loro struttura musicale, poiché i canti di preghiera del tempio venivano eseguiti con accompagnamento musicale.

Lo storico bizantino Teofilatto Simokatta, il viaggiatore arabo Al-Masudi e il geografo arabo Omar ibn Dast confermano l'esistenza di strumenti musicali tra gli antichi slavi. Quest’ultimo scrive nel suo “Libro dei tesori preziosi”: “Hanno tutti i tipi di liuti, arpe e flauti...”

In “Saggi sulla storia della musica in Russia dai tempi antichi alla fine del XVIII secolo”, il musicologo russo N.F. Findeizen osserva: “È assolutamente impossibile ammettere che gli antichi slavi, che avevano una vita comunitaria, i cui riti religiosi erano estremamente sviluppati, vari e dotati di splendore decorativo, non sarebbero stati in grado di fabbricare i propri strumenti musicali, indipendentemente dal fatto che strumenti simili esistessero anche nelle zone vicine."

Ci sono pochi riferimenti all'antica cultura musicale russa.

Arte musicale della Rus' di Kiev

Secondo i ricercatori, a Kievan Rus erano conosciuti i seguenti strumenti musicali:

Pipe e corni in legno (per uso militare e da caccia);

Campane, fischietti d'argilla (rituale);

Flauto di Pan, costituito da più tubi di ance di diversa lunghezza fissati insieme (rituale del vento);

Gusli (corda);

Sopel e flauto (strumenti a fiato lunghi un'arshine);

Materiali utilizzati nella preparazione di questo articolo:

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Vecchi strumenti musicali popolari russi

Al giorno d'oggi, purtroppo, non sono rimasti molti artigiani che hanno preservato le tradizioni di creazione degli strumenti musicali più semplici. Inoltre, creano i loro capolavori solo su ordini individuali. La produzione di strumenti su base industriale è associata a notevoli costi finanziari, da qui il loro costo elevato. Non tutti oggi possono permettersi di acquistare uno strumento musicale. Ecco perché ho deciso di raccogliere materiali in un libro che aiuterà tutti coloro che vogliono realizzare questo o quello strumento con le proprie mani. Intorno a noi c'è una grande quantità di materiali familiari di origine vegetale e animale, a cui a volte non prestiamo attenzione. Qualsiasi materiale suonerà se toccato da mani abili:

da un anonimo pezzo di argilla puoi ricavare un fischietto o un'ocarina;
la corteccia di betulla rimossa dal tronco di betulla si trasformerà in un grande corno con un cigolio;
un tubo di plastica o di metodo acquisirà il suono se crei un fischio e dei fori al suo interno;
Molti strumenti a percussione diversi possono essere realizzati con blocchi e piastre di legno. Sulla base delle pubblicazioni sugli strumenti popolari russi e della mia esperienza nella loro fabbricazione, ho compilato raccomandazioni che potrebbero essere utili nel processo di lavoro su di essi. Per rendere il materiale più comprensibile e facilmente digeribile, presento illustrazioni e disegni degli strumenti musicali da me realizzati. Nel libro troverai consigli:
sulla tecnologia di produzione di uno strumento musicale, tenendo conto delle capacità di un laboratorio domestico;
sui materiali utilizzati e sui metodi di lavoro di base;
sulla fabbricazione di strumenti musicali estremamente semplici e, con l'acquisizione di competenze, più complessi;
sulle dimensioni degli strumenti in esatto accordo con l'uno o l'altro sistema musicale;
sui metodi di estrazione del suono, tecniche esecutive, accordatura, diteggiatura.

Nelle fiabe tedesche vengono spesso menzionati i suoni del corno, in quelle finlandesi - l'arpa kantele a cinque corde. Nelle fiabe russe. i suoni dei corni e dei flauti sono guerrieri contro i quali nessuna forza può resistere; la miracolosa arpa Samogud suona da sola, canta le canzoni stesse e ti fa ballare senza sosta. Nelle fiabe ucraine e bielorusse, anche gli animali cominciarono a ballare al suono della cornamusa (duda).

Lo storico e folclorista A. N. Afanasyev, autore dell'opera “Vedute poetiche degli slavi sulla natura”, ha scritto che vari toni musicali, nati quando il vento soffia nell'aria, identificano "espressioni per vento e musica": dal verbo "soffiare". bravo, tubo, fischiare, persiano, dudu - suono di flauto, tedesco. blasen: soffiare, vagliare, trombare, suonare uno strumento a fiato; bip E arpa- dal ronzio; ronzio - una parola usata dai Piccoli Russi per designare il vento che soffia; confrontare: ugello, sipovka da sopati, annusare (sibilare), rauco, fischio- dal fischio.

Per quanto imperfetti fossero i primi strumenti musicali, richiedevano comunque che i musicisti fossero in grado di costruirli e suonarli.

Gli antichi slavi onoravano i loro antenati e adoravano gli dei. Il culto degli dei veniva eseguito davanti ai santuari sacri nei templi e all'aria aperta con campane e idoli. Le cerimonie religiose in onore di Perun (dio del tuono e del fulmine), Stribog (dio dei venti), Svyatovid (dio del sole), Lada (dea dell'amore), ecc. Erano accompagnate da canti, balli, suoni di strumenti musicali e terminante con una festa generale. Gli slavi adoravano non solo divinità pagane invisibili, ma anche i loro habitat: foreste, montagne, fiumi e laghi.

L'era dell'antica arte musicale russa è considerata un periodo di tempo storicamente lungo: dall'inizio del IX alla fine del XVII secolo. Si compone di diverse fasi che coincidono con la classificazione storica generale:

Rus' di Kiev;
Novgorod e altre città durante l'invasione mongolo-tartara;
Mosca e la centralizzazione dei principati feudali attorno ad essa.

La cultura musicale russa di ogni fase ha le sue caratteristiche.

Nel VI secolo, le tribù slave orientali che vivevano lungo le rive del Dnepr - i Poliani - si unirono. Come notò il cronista Nestor in The Tale of Bygone Years, "le radure ora si chiamano Russia".

Nei secoli VII-IX sorse un primo stato feudale tra gli slavi orientali. I contemporanei lo chiamavano Rus o Kievan Rus. Fondata alla fine del V secolo, la città di Kiev fu per diversi secoli la capitale di questo stato e, secondo la felice espressione del cronista Nestore, era considerata “la madre delle città russe”.

Nel primo stato feudale russo esistevano e fiorivano dozzine di grandi e centinaia di piccole città. Alla fine del IX secolo se ne contavano più di trecento. I più grandi sono Kiev, Novgorod, Pskov, Smolensk. I documenti storici sopravvissuti testimoniano l'alto livello di cultura e il meritato rispetto dello stato russo nell'allora mondo civilizzato.

Secondo i ricercatori, a Kievan Rus erano conosciuti i seguenti strumenti musicali:

pipe e corni in legno (soffiatori militari e da caccia);
campanelli, fischietti d'argilla (rituale);
Flauto di Pan, costituito da diversi tubi di ance di diversa lunghezza fissati insieme (un rituale del vento);
gusli (corda);
sopel e flauto (strumenti a fiato lunghi un'arshine);
battito (segnale di percussione e rituale).

Nella prima metà del X secolo a Kiev operava già una chiesa cristiana. Entro la fine del millennio, il cristianesimo era diffuso in tutta la Rus'. La chiesa organizzava cerimonie di battesimo di massa per la popolazione; i servizi venivano eseguiti in lingua slava. A quel tempo esisteva già l'alfabeto slavo: cirillico. Immagini in legno di divinità pagane insieme a libri antichi furono bruciate sul rogo. A poco a poco, gli slavi orientali si abituarono alla religione cristiana, ma le antiche credenze pagane non scomparvero del tutto.

Novecento anni fa, pittori sconosciuti lasciarono affreschi nella torre della Cattedrale di Santa Sofia (fondata nel 1037) raffiguranti scene di contenuto musicale e teatrale. Questi sono giochi di buffoni, musicisti che suonano l'arpa, la tromba e il flauto, ballerini che eseguono una danza rotonda. Tra i personaggi sono ben visibili i musicisti che suonano il flauto longitudinale. Immagini simili si trovano anche nella Cattedrale di Demetrio a Vladimir (XII secolo), sull'icona del Segno di Novgorod. La cronaca del 1205-1206 conferma la presenza di questi strumenti musicali tra gli slavi.

Kiev, la capitale del primo stato feudale russo, era una delle città più belle e più grandi d'Europa. Già da lontano, l'enorme città stupiva i viaggiatori con la vista maestosa delle sue mura di pietra bianca, delle torri delle cattedrali e dei templi ortodossi. A Kiev lavoravano artigiani i cui prodotti erano famosi in tutta la Rus' e all'estero. La Kiev medievale era il centro più importante della cultura russa.

C'erano diverse scuole per insegnare ai bambini a leggere e scrivere, e una grande biblioteca presso la cattedrale di Santa Sofia, che conteneva decine di migliaia di libri russi, greci e latini. Filosofi, poeti, artisti e musicisti vissero e lavorarono a Kiev, il cui lavoro ebbe una grande influenza sullo sviluppo della cultura russa. Il cronista Nestore, un monaco del monastero di Kiev-Pechersk, menzionò nel "Racconto degli anni passati" (1074) quasi l'intero arsenale di strumenti musicali di quegli anni: "... e colpì il moccio, l'arpa e i tamburelli, e cominciò a suonarli. Questo elenco può essere integrato con fischietti, tubi di legno, tubi accoppiati, ugelli (tubi di legno). Successivamente, l'immagine di una pipa slava fu scoperta dagli archeologi durante gli scavi a Novgorod. Era questo strumento, insieme all'arpa, ai flauti doppi, al flauto di Pan e alle trombe, lo strumento più utilizzato dai buffoni.

Gusli Erano un piccolo corpo di legno a forma di ala (da qui il nome “a forma di ala”) con corde tese. Le corde (da 4 a 8) potevano essere di budello o di metallo. Lo strumento era sulle ginocchia mentre suonava. Il musicista ha colpito le corde con le dita della mano destra e ha smorzato le corde non necessarie con la mano sinistra. La struttura musicale è sconosciuta.

ugelli- Questi sono flauti longitudinali in legno. L'estremità superiore della canna ha un dispositivo di taglio e fischietto. Gli antichi ugelli avevano 3-4 fori su un lato. Lo strumento veniva utilizzato nelle campagne militari e nei festival.

Tubi accoppiati- flauti a fischio, che insieme costituiscono un'unica scala.

Flauto di Pan- un tipo di flauto a più canne. È costituito da diversi tubi lamellari di diverse lunghezze. Da esso sono stati estratti suoni di altezze diverse.

Tubo- strumento a fiato. Il suono veniva prodotto soffiando aria nel tubo di riproduzione.

Le prime notizie sui buffoni risalgono all'XI secolo. Nell '"Insegnamento sulle esecuzioni di Dio" ("Il racconto degli anni passati", 1068), i loro divertimenti e la partecipazione a rituali pagani sono condannati. Gli Skomorokh rappresentavano la cultura popolare russa nei primi giorni della sua formazione e contribuivano allo sviluppo dell'epica, della poesia e del dramma.

Durante questo periodo, la musica occupa un posto importante nella cultura nazionale di Kievan Rus. La musica ufficiale accompagnava le funzioni religiose, le cerimonie solenni, le campagne militari, le festività. La produzione di musica popolare, così come l'intera cultura di Kiev, si è sviluppata e ha interagito con la vita di altri paesi e popoli che ne hanno influenzato lo sviluppo nei secoli successivi.

Kievan Rus è stata la culla del popolo russo, da cui in seguito si sono formate le nazioni della Grande Russia, della Bielorussia e dell'Ucraina. Successivamente, Kievan Rus si disintegrò in principati separati. Lo stato indebolito non poteva più resistere alle invasioni dei mongoli-tartari. Nel 1240, Kiev fu devastata, le terre russe furono catturate e saccheggiate. Lo sviluppo economico e culturale fu sospeso per quasi quattro secoli. I valori culturali creati dal popolo durante più di seicento anni di esistenza dello stato sono periti.

Novgorod non era solo la città più grande del Medioevo europeo, ma anche l'unico stato che si oppose ai conquistatori mongolo-tartari. Il terreno paludoso e le potenti fortificazioni della città, la dedizione e il coraggio dei suoi abitanti erano un ostacolo alle orde dell'Orda. Fondata nel IX secolo sulle rive del fiume Volkhov, Novgorod era la capitale della repubblica feudale.

Il nome stesso, "Mr. Veliky Novgorod", sottolineava la sovranità e l'indipendenza della repubblica, che portava il nome della sua capitale. La popolazione principale era costituita da artigiani. Secondo i dati di quel tempo, a Novgorod c'erano circa 400 professioni artigianali. Nella città furono erette case in legno e pietra a più piani, in cui vivevano nobili feudatari - boiardi. La gente comune, essendo individui liberi, possedeva piccoli appezzamenti di terreno e cedeva parte del raccolto per il diritto di utilizzo della terra. Nel X secolo Novgorod aveva rapporti commerciali con città dell'Europa e dell'Asia.

Nel 1136 i Novgorodiani dichiararono Novgorod una repubblica e divenne uno stato indipendente. Tutta la vita della città era determinata da un'assemblea generale, la cosiddetta “veche”. Novgorod aveva un'alta cultura originale. I prodotti dei suoi maestri erano famosi in tutta la Rus'. I cronisti di Novgorod tenevano registrazioni regolari degli eventi della vita quotidiana dei cittadini. I novgorodiani dei secoli X-XV erano persone alfabetizzate. Gli archeologi hanno scoperto centinaia di lettere, lettere e documenti scritti con bastoncini su pezzi di corteccia di betulla.

Nel corso di questi secoli sono stati creati meravigliosi monumenti dell'architettura russa: il Cremlino di Novgorod, la Cattedrale di Santa Sofia. La Chiesa del Salvatore-Nereditsa è stata dipinta con affreschi unici. Opere di arte popolare orale sono sopravvissute fino ad oggi: epopee sul mercante Sadko, il cavaliere Vasily Buslaev, la leggenda su Vadim il Coraggioso.

La struttura sociale e lo stile di vita dei novgorodiani hanno contribuito allo sviluppo della musica popolare, in particolare dei buffoni: narratori, cantanti e musicisti.

Le pavimentazioni in legno che nel corso dei secoli ricoprirono la città formavano strutture a più livelli. Durante gli scavi archeologici effettuati a Novgorod dal 1951, nello strato dell'XI secolo furono rinvenuti parti di un ugello, un tubo accoppiato, un gusli e un fischietto (arco). Del gusli a cinque corde si è conservato il corpo, la tavola armonica superiore con la cordiera; sono state rinvenute anche le puledre dei fischietti ad arco a tre corde. Il gusli trovato, secondo storici e musicologi, è il più antico e il suo design testimonia l'alta professionalità dei maestri del passato e la cultura musicale sviluppata della stessa Novgorod.

Un lavoro ampio e minuzioso sulla rinascita e la ricostruzione degli strumenti dell'antica Novgorod è svolto dall'esperto di antichità musicali V. I. Povetkin. Dalle parti scoperte dagli archeologi, ha restaurato pezzo per pezzo dozzine di strumenti musicali.

Corno(arco) - strumento a corda. I buffoni lo usavano in abbinamento ai gusli. È costituito da un corpo in legno di piroga di forma ovale o a pera, una tavola armonica piatta con fori di risonanza, un manico corto senza tasti, con una testa diritta o piegata. Lunghezza utensile 300 - 800 mm. Aveva tre corde che erano allo stesso livello rispetto alla parte anteriore (tavola armonica). Quando veniva suonato, l'arco a forma di arco entrava in contatto con tre corde contemporaneamente. La melodia veniva eseguita sulla prima corda, e la seconda e la terza, le cosiddette corde bourdon, suonavano senza cambiare il suono. Aveva un'accordatura quarto-quinta. Il suono continuo delle corde inferiori era uno dei tratti caratteristici della musica popolare. Durante l'esecuzione, lo strumento veniva posizionato sul ginocchio dell'esecutore in posizione verticale. Si diffuse successivamente, nei secoli XVII-XIX.

Sin dai tempi antichi, nella Rus' c'era una credenza: il suono delle campane può scacciare gli spiriti maligni da una persona.

La prima menzione nella cronaca del suono delle campane risale all'XI secolo. L'antenato più antico della campana, la campana, era una sbarra di legno o di ferro. Nell'antichità diversi popoli producevano campane, campanelli e campanelli. Con l'aiuto di alcuni, stregoni e sciamani svolgevano funzioni magiche, mentre altri venivano usati come strumento di segnalazione.

Tutte le chiese dell'antica Russia informavano i credenti dell'inizio e della fine del servizio. La prima campana suonò sul campanile della Chiesa di Sant'Irene (1073). Il suono delle campane di Novgorod radunava le persone alla veche, avvertiva del pericolo, degli eventi solenni, delle funzioni religiose e fungeva da guida nel tempo. I musicisti che padroneggiavano l'arte del suono delle campane venivano chiamati suonatori di campane.

Dai rintocchi delle campane di quegli anni si conoscono:

Blagovest - ha chiesto un servizio in chiesa;
allarme- raccolto il veche;
onnicomprensivo, O pompiere, - informato sugli incendi (la campana centrale suonò, brillante nel suono
sicurezza - avvertito di un possibile attacco nemico (con un timbro speciale);
traccia - indicava la strada ai viaggiatori.

Interessante è il principio di estrazione del suono da una campana. Nei paesi europei, la campana stessa oscillava e colpiva una “lingua” immobile. I maestri suonatori russi controllavano le "lingue" delle campane pendenti. Questa è stata una vera scoperta nell'arte di suonare le campane. I campanari potevano suonare tre o quattro campane contemporaneamente e svilupparono il proprio stile a tre voci - "trezvon", diviso in voci basse, medie e alte. L'arte di suonare le campane si sviluppò e migliorò insieme alla scrittura di canzoni nazionali e al canto in chiesa.

Anche nell'antica Grecia esisteva uno strumento a fiato ad ancia, che consisteva in due tubi di canna o legno, successivamente di metallo, con fori per le dita e lunghi fino a mezzo metro. Accompagnava il canto corale, i matrimoni, i rituali religiosi, militari e altri ed era chiamato aulos. Nei musei di cultura antica sono stati conservati vasi antichi con disegni raffiguranti il gioco dell'aulos.

Usando l'aulos come esempio, si può tracciare l'interazione delle culture musicali di diversi popoli.

Diverse migliaia di anni fa, i popoli dell'Oriente acquisirono uno strumento zurna, ricavato da una primitiva pipa ad ancia con uno “squeaker” (ancia). Secondo fonti scritte, nel 13 ° secolo, la zurna migrò in Russia, dove cominciò a essere chiamata surna O colza. Lo chiamavano bielorussi e ucraini surma.

L'esemplare sopravvissuto di questo antico strumento musicale russo è un tubo di legno lungo 270 mm con cinque fori e due campanelli: uno piccolo (superiore), che funge da bocchino, e uno grande (inferiore), a forma di campana. Nella campana superiore è inserito un cigolio con un'unica linguetta dentellata. Il diametro della campana superiore è di 35 mm, quella inferiore di 65 mm. Lo strumento aveva una scala diatonica e un'estensione entro la sesta. Il suono è forte e penetrante. Surna è menzionata in Domostroy, un famoso monumento letterario della Russia medievale del XVI secolo. Secondo Domostroi, insieme al tamburello e alla tromba, la surna era un accessorio per le cerimonie nuziali e gli affari militari.

Nella Sala dei Divertimenti del Sovrano (XVII secolo), la surna faceva parte della strumentazione musicale e, secondo gli storici, veniva utilizzata da buffoni e musicisti. Nel corso del tempo, la surna divenne uno degli strumenti musicali popolari vietati dal decreto reale e fu distrutta. La surna esisteva come strumento musicale a fiato quasi fino al XVIII secolo, ma poi perse il suo scopo. È stato sostituito da strumenti a fiato più vicini alla musica popolare tradizionale.

Struttura dello strumento:

la surna ha una botte con campana e otto fori di gioco; nell'estremità superiore della canna è inserita una manica di legno con una forchetta; ruotando la boccola, le estremità dei denti coprono parzialmente i tre fori superiori, ottenendo così un'ulteriore regolazione dello strumento;

nella manica è inserito un perno di ottone, sul quale è posta una rosetta rotonda in corno, osso, madreperla o metallo per sostenere le labbra dell'esecutore, e una piccola canna costituita da un'ancia appiattita.

Di solito la surna è dotata di ance di riserva che, come la presa, sono legate allo strumento con una catenella o un filo.

Ad un'estremità c'è una campana di risonanza, e all'altra c'è una doppia ancia, cioè piastre per ance fissate insieme su un piccolo bocchino. Il bocchino è un piccolo tubo metallico a forma di cono su cui è fissata l'ancia.

Per proteggere il bastone dopo aver giocato, mettici sopra una custodia di legno. Il suono è brillante, aspro, penetrante. Attualmente esiste uno strumento che nel suo design ricorda una surna: questo è uno strumento a fiato ad ancia. portachiavi.

Nel 1480 la Rus' fu completamente liberata dai conquistatori mongolo-tartari. Iniziò il processo di unificazione delle terre russe attorno a Mosca. Molti monumenti storici sono stati preservati, confermando l'alto livello di cultura materiale e spirituale del popolo russo dei secoli XIV-XV. Durante questi secoli si svilupparono la scrittura, la pittura di icone, la pittura in miniatura e le incisioni su rame e legno. Furono eretti palazzi, fortezze e templi in legno e pietra. Il Cremlino fu costruito in pietra bianca (1367). Da allora, Mosca cominciò a chiamarsi pietra bianca. Al Cremlino crebbero la Cattedrale dell'Assunzione, la Cattedrale dell'Arcangelo a cinque cupole e la Cattedrale dell'Annunciazione a nove cupole.

A cavallo di questi secoli, visse e lavorò il genio del Medioevo, il pittore di icone Andrei Rublev. Alla corte dello zar, nei monasteri e nelle case della nobiltà boiardo furono scritte le cronache. Si sviluppò l'arte popolare orale: epopee sull'eroica lotta del popolo russo. È nato un nuovo genere di creatività musicale e poetica: la canzone storica. Le canzoni liriche riflettevano la vita e la morale delle persone, glorificando la loro nobiltà spirituale. Anche l'arte popolare ha ricevuto riconoscimenti. Nobiltà moscovita.

Fu il XVI secolo a diventare il secolo del fiorire della cultura nazionale dello stato russo. Molti architetti, artigiani, artisti e musicisti di talento emersero tra i contadini e gli artigiani.

Nel 1564-1565, lo stampatore pioniere Ivan Fedorov pubblicò l'Apostolo e il Libro delle Ore, e nel 1570 fu pubblicato il primo Primer russo stampato. Appaiono i primi dizionari esplicativi "Azbukovniki", in cui si trovano i nomi degli strumenti musicali. Viene creata la Camera dei divertimenti del Sovrano. Ad esso furono invitati i rappresentanti più talentuosi dell'arte buffoneria e maestri musicali del “business dei buffoni”, che crearono e ricostruirono strumenti musicali:

emette un segnale acustico(strumento a corda; cicalino, cicalino, cicalino);
domra(strumento a corda; domrishko, domra, basso domra);
arpa(strumento a corda; rettangolare, a forma di tavolo);
surna
cornamuse(strumento a fiato ad ancia);
coperture, tamburo(strumenti a percussione).

Uno degli strumenti più comuni e popolari nel XVII secolo era domra. È stato realizzato a Mosca e in altre città della Russia. Tra le file commerciali c'era anche una fila “domerny”. Le domra erano di diverse dimensioni: da una piccola “domrishka” a una grande “bassa”, con corpo semicircolare, collo lungo e due corde accordate su una quinta o quarta.

Dal XVI secolo lo avevano russi, bielorussi e ucraini lira(Nome bielorusso - lera, ucraino - rylya, staffetta). Questo strumento era noto ai paesi europei molto prima, a partire dal X secolo.

I ricercatori datano la creazione al XVII secolo gusli a forma di tavola, avente la forma di una piccola scatola con delle corde poste all'interno del suo corpo.

I buffoni non erano solo musicisti, ma anche poeti popolari e narratori. Divertivano le persone con battute e spettacoli teatrali. Le esibizioni dei buffoni portavano il timbro dell'antica mitologia slava. La forma più comune di spettacoli teatrali con elementi di umorismo e satira erano scene divertenti e di genere con la partecipazione di Petrushka. Le esibizioni erano accompagnate dai suoni degli strumenti a fiato e a percussione.

Liraè uno strumento a corda con corpo in legno, a forma di chitarra o violino. All'interno del corpo, attraverso il ponte, è fissata una ruota strofinata con resina o colofonia. Quando si ruota la maniglia, la ruota sporgente entra in contatto con le corde e le fa suonare. Il numero di stringhe varia. La parte centrale è melodica, le corde destra e sinistra sono bourdon, di accompagnamento. Sono sintonizzati su quinte o quarte. La corda viene fatta passare attraverso una scatola dotata di un meccanismo che regola l'altezza del suono, ed è bloccata dai tasti posti all'interno. Le corde poggiano su una ruota, che viene fatta ruotare da una maniglia. La superficie della ruota viene strofinata con colofonia. La ruota entra in contatto con le corde, scorre lungo di esse e produce suoni lunghi e continui. Nalira veniva suonata principalmente da mendicanti erranti - "suonatori di lira" ciechi, che accompagnavano il canto di poesie spirituali con accompagnamento.

I buffoni dovevano possedere una padronanza impeccabile delle abilità degli intrattenitori, cioè organizzatori di feste popolari, amuse-bender che fungevano da musicisti o attori. I disegni, riprodotti in molte pubblicazioni antiche, raffiguravano gruppi di buffoni, ad esempio guselytsiks o gudoshniks.

I buffoni erano divisi in "sedentari", ad es. assegnati a un insediamento, e vagabondi: "escursioni", "camminate". Le persone stabili erano impegnate nell'agricoltura o nell'artigianato e giocavano solo durante le vacanze per il proprio piacere. Buffoni itineranti, attori professionisti e musicisti, erano impegnati solo nel loro mestiere: spostandosi in grandi gruppi, spostandosi di villaggio in villaggio, di città in città, erano partecipanti indispensabili a feste, celebrazioni, matrimoni e rituali.

Lo storico russo N. I. Kostomarov nella sua opera "Sulla vita, la vita e i costumi del popolo russo" scrive che i buffoni hanno suscitato il più vivo interesse tra il pubblico, che a sua volta ha preso parte a balli e allegrie. In inverno, i buffoni divertivano la gente nel periodo natalizio e nel carnevale, in estate - a Trinity, dove la festa stessa era accompagnata da riti semi-pagani. Quando le persone si radunavano nei cimiteri, "dapprima piangevano, si lamentavano e si lamentavano per i loro parenti, poi apparivano buffoni, demoni ed eccentrici: il pianto e il lamento si cambiavano in gioia; cantavano e ballavano". Kostomarov scrive: “Nella festa di Kupala, in molti luoghi la gente celebrava inconsciamente la notte pagana, trascorrendola divertendosi... Quando arrivò la sera del 23 giugno, l'intera città si alzò; uomini, donne, giovani e vecchi si vestirono a festa. e si riunirono per il gioco ". gli inevitabili buffoni e cicalini con tamburelli, singhiozzi, flauti e fischietti a corda; iniziò un salto, un'oscillazione delle creste, come disse un contemporaneo. Donne e ragazze ballarono, batterono le mani e cantarono canzoni appartenenti a questa vacanza."

Già nel 1551 il Codice delle Risoluzioni del Concilio Ecumenico “Stoglave” diceva: “Sì, i buffoni attraversano paesi lontani, accoppiandosi in bande di molte sessanta, settanta e fino a un centinaio di persone... Ai matrimoni mondani, gli umoristi , e gli organisti e le risate suonano, e i bruchi cantano canzoni demoniache."

Non sorprende che l'opposizione della chiesa ufficiale alle tradizioni buffonesche, che conservavano elementi di paganesimo, attraversi l'intera cultura russa medievale. Inoltre, il repertorio dei buffoni aveva spesso un orientamento anti-chiesa e anti-governativo. Già alla fine del XV secolo la Chiesa prese decisioni volte a sradicare la buffoneria. Alla fine, nel 1648, lo zar Alessio Mikhailovich adottò un decreto che ordinava alle autorità di distruggere i buffoni, compresi i loro strumenti musicali: “E dove compaiono domra, surna, bip e hari e ogni sorta di buoni vasi demoniaci, quindi ordina tutto per essere eliminati e spezzati, ordina che quei giochi demoniaci vengano bruciati." Buffoni e maestri del mestiere furono deportati in Siberia e nel Nord e i loro strumenti furono distrutti. L'arte musicale russa ha subito danni irreparabili. Alcuni esempi di strumenti popolari sono irrimediabilmente perduti.

Pur perseguendo una politica volta a proibire la buffoneria, coloro che detenevano il potere allo stesso tempo mantenevano piccoli gruppi di musicisti presso le loro corti.

La buffoneria fu sradicata nel XVIII secolo, ma le tradizioni dei giochi buffoneschi, della satira e dell'umorismo furono riprese in quelle regioni della Russia dove i buffoni venivano esiliati. Come hanno scritto i ricercatori, "l'allegra eredità dei buffoni è vissuta nell'insediamento molto tempo dopo essere stati espulsi da Mosca e da altre città".

Tratto dal "Primer" di Istomin. 1694

La distruzione dei "vasi della fortuna", le percosse con i batog e l'esilio per fabbricare strumenti musicali e suonarli portarono a una riduzione della produzione di strumenti. Nelle gallerie commerciali di Mosca la fila "domer-ny" è chiusa.

Alla fine del XVII secolo la domra, lo strumento più diffuso tra i buffoni, cadde in disuso. Ma appare un altro strumento a corda - balalaika. In tempi diversi veniva chiamato diversamente: sia "bala-boyka" che "balabaika", ma il primo nome è sopravvissuto fino ad oggi.

L'immagine della balalaika appare nelle stampe e nei dipinti popolari di artisti del XVIII secolo e nelle testimonianze storiche del XVIII secolo. I ricercatori dell'arte russa hanno osservato: "È difficile trovare una casa in Russia in cui non ci sia un ragazzo che sappia suonare la balalaika davanti alle ragazze. Di solito costruiscono anche il proprio strumento".

Nel corso dei secoli, il design della balalaika è cambiato. Le prime balalaika (XVIII secolo) avevano un corpo ovale o rotondo e due corde. Successivamente (XIX secolo) il corpo divenne triangolare e fu aggiunta un'altra corda. La semplicità della forma e della fabbricazione - quattro assi triangolari e una tastiera con tasti - attirava gli artigiani popolari. L'accordatura delle balalaika a tre corde, la cosiddetta "folk" o "chitarra", era maggiormente utilizzata dai musicisti. Lo strumento era accordato per terze in una triade maggiore. Un altro modo per accordare una balalaika: le due corde inferiori erano accordate all'unisono e la corda superiore era accordata su una quarta rispetto ad esse.

Molto spesso, la balalaika accompagnava le canzoni da ballo russe. Sembrava non solo nel villaggio, ma anche in città. Con l'avvento della balalaika, il fischietto, la cornamusa e la domra cadono in disuso, ma il flauto, il corno e l'arpa vengono ancora suonati dai pastori.

I pastori erano consumati musicisti folk. Hanno avuto un'enorme influenza sullo sviluppo della canzone e dell'arte popolare strumentale. Nei villaggi russi c'era persino l'usanza di assumere come pastori colui che suonava il miglior corno, flauto o pietà. La musica dei pastori sembrava avere una sorta di codice: un insieme di segnali per comunicare con i colleghi artigiani che si trovano su altri pascoli, con persone che vivono in altri villaggi.

Ma molto spesso il pastore suonava per se stesso e la musica diventava un anello di congiunzione tra lui e la natura. Gli stessi artisti hanno dato nomi e spiegazioni alle loro semplici melodie musicali. Nelle ore mattutine lo strumento aiutava il pastore a scacciare il bestiame e durante il giorno, durante il pascolo, aiutava a radunare la mandria. Gli animali pascolavano tranquillamente al suono delicato dello strumento. Ebbene, durante le ore di riposo e divertimento generale, i pastori eseguivano danze rotonde e melodie danzanti. Gli strumenti a fiato (zhaleiki, corni, flauti, flauti, kugikly) erano indispensabili durante le festività festive e completavano altri strumenti musicali (violino, fisarmonica, balalaika, falce, tamburello) con il loro suono.

D'estate il divertimento si svolgeva all'aria aperta: in un prato, fuori periferia, nel piazzale antistante la chiesa, o semplicemente in una strada del paese. Tutti hanno eseguito danze rotonde: cantanti, ballerini e spettatori. Per i residenti dei villaggi e delle frazioni, le danze rotonde erano un mezzo di comunicazione tra loro, e il concetto di "danza rotonda" (karagod, cerchio, carro armato) aveva un altro significato importante: è "strada" (uscire in strada, andare a un girotondo).

Per partecipare a un ballo rotondo, dovevi conoscere molti testi e melodie folcloristiche e, se possibile, anche suonare gli strumenti musicali che esistevano in questa zona.

I balli rotondi venivano eseguiti sia nei giorni feriali che nei giorni festivi, alla fine dell'estate, dopo la raccolta. Danze rotonde miste, quotidiane e festive esistevano nelle province di Oryol, Kaluga e Ryazan. Ad esempio, nella provincia di Kursk “guidavano i carri armati”. Nella regione di Bryansk, canti e danze erano accompagnati dal suono del violino, che faceva parte di ensemble musicali. Spesso venivano eseguite danze rotonde al suono di una fisarmonica e di una balalaika. Ballavano al ritmo del battito delle mani, del fischio o “agli ordini” (canzoncine). Timbrando, i cantanti indicavano il ritmo della melodia. Forse questo è il modo più antico di cantare con accompagnamento.

Le feste patronali erano di carattere comunitario ed erano dedicate alla memoria di un santo o di un evento in nome del quale venne edificata la chiesa. Nei giorni festivi arrivavano ospiti, parenti e conoscenti stretti dai villaggi circostanti.

In "Il mondo del villaggio russo", A. A. Gromyko scrive che "la comunicazione tra i contadini di diversi villaggi all'inizio del XX secolo era di natura divertente, andando di cortile in cortile con canti e balli. Durante le riunioni, le fate si raccontavano storie e piccole storie" e "la casa di tutti era aperta". tutti quelli che venivano, e la tavola era apparecchiata tutto il giorno. Ogni visitatore veniva trattato con cibo, anche gli estranei." Cantare e ballare erano una parte indispensabile di ogni vacanza.

Nelle città, per molto tempo, le vacanze hanno copiato completamente le tradizioni contadine: mummie nel periodo natalizio, ghirlande di ghirlande, danze rotonde alla Trinità, ecc. Con lo sviluppo dell'industria, il rituale e l'originalità della cultura contadina scompaiono gradualmente dalla città.

Per celebrare le vacanze, nelle città sono state costruite città di intrattenimento con altalene e scivoli. Da qui i nomi dei festeggiamenti: “sotto i monti”, “sotto le altalene”.

Le fiere e le feste popolari portavano con sé un elemento di spettacoli popolari tradizionali: si trattava di esibizioni di attori con bambole Prezzemolo, acrobati circensi e "divertimento con gli orsi".

Per attirare le persone, i proprietari delle giostre hanno invitato i suonatori di organo. Dall'organo a botte furono estratte un piccolo numero di melodie e il suo suono era silenzioso nel rumore della folla della fiera. Spesso il pattinaggio e le esibizioni erano accompagnati dal suono dello strumento popolarmente amato. armonica. Nelle cabine risuonavano corni e corni di legno. Particolarmente famosi erano i musicisti della regione di Vladimir.

I musicisti virtuosi originali hanno battuto tamburello innumerevoli ritmi diversi. Hanno battuto lo strumento con le dita e i palmi, i gomiti, le ginocchia, la fronte, lo hanno lanciato in alto sopra la testa, ruotato attorno al corpo.

A volte gli oggetti domestici venivano usati come strumenti musicali. Le bottiglie riempite con diverse quantità di acqua venivano colpite con speciali mazze di legno e le campanelle attaccate al tappo suonavano.

Secondo il figlio del proprietario dello stand A. V. Leifert, i festeggiamenti erano "un gigantesco e mostruoso caos di suoni, creato dal cigolio simultaneo di una ghironda, dal ruggito di una tromba, dal suono dei tamburelli, dal canto del flauto, dal ronzio di un tamburo, di una voce, di esclamazioni... di una canzone."

Le feste festive e le fiere sono state conservate nella memoria della gente come un evento luminoso. La popolarità di tali vacanze è in gran parte dovuta alla loro accessibilità.

Concludendo la nostra conoscenza degli antichi strumenti musicali popolari russi, va notato che nei secoli successivi furono ulteriormente sviluppati grazie all'ingegno creativo di artigiani ed etnografi. Gli strumenti che esistevano una volta furono ricostruiti, acquisendo nuova forma, suono e scopo.

Vasily Bychkov

Gli strumenti musicali sono dispositivi magici. Il loro suono affascina non solo chi li ascolta, ma anche chi li fa suonare.

In effetti, può sembrare strano che uno strumento abbia tali capacità, poiché non è altro che un dispositivo che fa vibrare l'aria in un certo modo. Tuttavia, questo metodo produce musica, al cui fascino nessuno può resistere. Allo stesso tempo, la musica è la più fugace di tutte le forme d'arte. Non appena smettono di giocarci, cessa di esistere. Pertanto, ogni momento in cui lo strumento suona è impagabile e unico. Lo sanno in tutto il mondo ed è per questo che gli strumenti musicali fanno parte di ogni cultura fin dall'antichità.

Ho imparato che gli strumenti a percussione sono apparsi per primi, ovviamente i più semplici. Poi - strumenti a fiato: flauti, fischietti e poi flauti fatti di ancia e osso. Successivamente, le persone impararono a costruire flauti, poi apparvero gli strumenti a corda e, infine, gli strumenti ad arco.

Il gruppo degli strumenti musicali a fiato comprende tutti quegli strumenti musicali in cui il suono è prodotto dall'aria. L'uomo ha notato che il vento che ronza in un camino o in una grande cavità produce suoni bassi e bassi, e dagli stretti tronchi delle canne si sentono suoni acuti e sibilanti. È così che sono apparse gradualmente le varietà di strumenti a fiato.

Gli strumenti musicali a corda possono essere paragonati a un arco da caccia.

Era possibile realizzare diversi archi di diverse dimensioni e suonare su di essi una melodia di tre o quattro suoni. Ma poi è più conveniente infilare le corde su un telaio di legno. Ecco come nasce uno strumento musicale.

La storia dello sviluppo e dell'esistenza degli strumenti musicali popolari russi è una delle aree meno studiate della scienza musicale russa.

Le prime descrizioni speciali di strumenti popolari russi, apparse nell'ultimo terzo del XVIII secolo, appartengono a stranieri che vissero e lavorarono in Russia.

Il fatto stesso che studi così diversi prestino attenzione all'unanimità alla pratica musicale e strumentale popolare parla di un risveglio incondizionato di interesse nei suoi confronti da parte di scienziati avanzati "Secolo dell'Illuminismo russo" . È difficile sopravvalutare l'importanza di queste prime informazioni speciali, che danno un'idea della composizione degli strumenti russi della metà del XVIII secolo, della struttura e di alcuni nomi, della natura del suono, a volte delle condizioni di esistenza degli strumenti strumenti popolari domestici e le tecniche per suonarli.

Balalaica.

Famoso cronista della vita musicale russa Jacob Shtelin (1712-1785) - Membro dell'Accademia delle Scienze di San Pietroburgo dal 1738 - dedicò un'intera sezione del suo libro alla balalaika “Musica e balletto nella Russia del XVIII secolo” . Ha chiamato la balalaika "lo strumento più comune in tutto il paese russo" e le attribuiva un'origine slava. J. Shtelin fornisce la descrizione più completa e accurata per il XVIII secolo dell'aspetto, del modo di suonare e dell'immagine dell'esistenza di questo strumento. “Non è facile trovare una casa in Russia”, scrive, “dove un giovane operaio non suoni le sue piccole cose alle cameriere su questo... strumento. Questo strumento è disponibile in tutti i piccoli negozi, ma ciò che contribuisce ulteriormente alla sua diffusione è il fatto che puoi realizzarlo da solo”. .

Più tardi A. Novoselsky in "Saggi sulla storia degli strumenti musicali popolari russi" è scritto che la balalaika è una domra modificata. Il cui corpo triangolare nella produzione artigianale è più semplice e conveniente. Ne dà un’interpretazione ancora più semplificata: “...sotto mani inesperte lo strumento non funzionava bene, al posto del suono si sentiva una specie di strimpellio, e di conseguenza lo strumento cominciò a chiamarsi brunka, balabaika, balalaika. È così che la balalaika russa è uscita dalla domra asiatica" .

Molte opere letterarie sono dedicate alla balalaika. Questi sono proverbi, detti e indovinelli.

Ecco alcuni enigmi:

Buon divertimento con il gioco!
E solo tre corde,
Ne ha bisogno per la musica.
Chi è lei, indovina?

Questo è nostro... (balalaika)

Mi sono state date pochissime stringhe,
ma per ora mi bastava?
Tu sei le mie corde
e sentirai: dlen, dlen, dlen.

Ebbene, chi sono io? Indovina un po? - Beh, certo… (balalaika).

All'inizio del XIX secolo, la popolarità della balalaika fu colpita dalla diffusione della chitarra russa a sette corde in Russia.

La chitarra è uno degli strumenti più comuni. L'origine della chitarra è sconosciuta. Si ritiene che abbia avuto origine nell'antica Grecia, ma abbia trovato una seconda patria in Spagna, dove si diffuse nell'VIII e nel IX secolo.

La chitarra è uno strumento a corde pizzicate. Nella forma ricorda un arco a reazione, ma differisce da essi per il numero di corde e il modo di suonare. Le chitarre sono disponibili a sei e sette corde. Una chitarra a sette corde, particolarmente adatta per l'accompagnamento vocale. La chitarra a sei corde divenne anche uno strumento solista.

Secondo gli scienziati, la domra è uno strumento straniero e, secondo altri, esisteva anche prima della formazione dello Stato panrusso.

I ricercatori concordano sul nome "domra" . Probabilmente il termine "domra" Origine turca (tanbur, dombur, dunbara, dumbra, dombra, domra).

Strumenti di questo tipo apparvero in quei tempi lontani non solo nella Rus', ma anche in altri stati vicini che occupavano una posizione geografica intermedia tra i popoli slavi e i popoli dell'Oriente. Avendo subito cambiamenti significativi nel tempo, questi strumenti iniziarono a essere chiamati in modo diverso tra i diversi popoli: georgiani - panduri e chonguri, tagiki e uzbeki - dumbrak, turkmeni e uzbeki - dutar, kirghisi - komuz, azeri e armeni - tar, saz, kazaki e Kalmyks - dombra, mongoli - dombur, ucraini - bandura, ecc., Tuttavia, tutti conservavano molto in comune nei contorni della forma, nei metodi di produzione del suono, nella struttura, ecc.

È noto che riferimenti alla domra si trovano in decreti, statuti e messaggi dei secoli XVI e XVII. come strumento per buffoni. Era con domra che allegri burloni - musicisti - buffoni camminavano per città e villaggi 400 anni fa. Tuttavia, è impossibile dire esattamente come apparisse la domra a quel tempo, perché nel 1648 fu dichiarato uno strumento demoniaco.

Domra ha un corpo a forma di emisfero, costituito da un corpo (parte inferiore del corpo) e un ponte che copre il corpo dall'alto. Poi c'è un collo lungo e alla fine ci sono le viti, a cui sono attaccate le corde. Le corde sono tese sopra il collo, che si collega al corpo.

Domra è l'anima dell'orchestra di strumenti popolari russi. Qui è irresistibile come un violino in un'orchestra sinfonica. Oggi, nelle orchestre di strumenti popolari russi, sono le domra a condurre le melodie più importanti. Il gruppo di domra a tre corde comprende sette strumenti: piccolo domra, piccolo domra, alto domra, mezzosoprano domra, tenore domra, basso domra e contrabbasso domra.

Il violino è lo strumento ad arco più comune. Viene spesso chiamata la regina degli strumenti. Il significato del violino fu compreso già nel XVII secolo e si diceva: “È uno strumento tanto necessario nella musica quanto lo è il nostro pane quotidiano nell’esistenza umana.” .

Probabilmente tutti voi avete visto un violino, nella realtà o in una foto. Ora immagina te stesso. Un violino assomiglia a una persona? Sì, lo fa. A proposito, anche le parti hanno nomi simili: la testa, il collo, quanto sono morbide le sue curve, quanto è sottile "Vita" . Vedi quanto è interessante. C'era una volta un uomo che creò la più perfetta delle sue creazioni: un violino e lo fece sembrare la creazione più perfetta della natura: se stesso.

Il violino è emerso come strumento professionale alla fine del XV secolo. Quindi maestri di diversi paesi lo hanno migliorato. Gli italiani - liutai delle famiglie Amati, Guarnenri e Stradivari - custodivano sacro i segreti del loro mestiere. Sapevano rendere il suono dei violini particolarmente melodioso e gentile, simile alla voce umana. Non sono sopravvissuti molti violini italiani famosi fino ad oggi, ma tutti sono rigorosamente registrati. Sono suonati dai migliori musicisti del mondo.

Anche il fiocco è un dettaglio importante. Il carattere del suono dipende in gran parte da questo. L'arco è costituito da una canna o da un'asta con un blocco attaccato all'estremità inferiore. Serve per tirare i capelli, che dall'altro lato sono fissati saldamente al bastone. Se agganciamo la corda con il dito e poi la lasciamo andare, il suono svanirà rapidamente. L'arco può essere tirato lungo la corda ininterrottamente per un lungo periodo e anche il suono continuerà ininterrottamente. Pertanto, il violino è molto melodioso.

Gli strumenti a corda con tastiera sono il pianoforte e il pianoforte a coda.

pianoforte.

Gli strumenti musicali a corda per tastiera - pianoforte e pianoforte a coda - sono chiamati in una parola "pianoforte" (da esso. forte - "forte" e pianoforte- "Tranquillo" ) .

Molto, molto tempo fa, nell'antica Grecia, ai tempi di Pitagora, esisteva uno strumento musicale chiamato monocordo. (monos - in greco, corda - corda). Era una scatola di legno lunga e stretta con una corda tesa sopra.

Passarono i secoli, lo strumento continuò a migliorare. La scatola divenne rettangolare e su uno dei suoi lati c'era una tastiera, cioè una fila di tasti (dal latino clavis - chiave). Ora il giocatore preme i tasti e mette in moto le cosiddette tangenti: piastre metalliche. Le tangenti toccarono le corde e iniziarono a suonare.

Questo strumento divenne noto come clavicordo. (dal latino clavis e dal greco chorde). Doveva essere posizionato sul tavolo e giocato in piedi. Ma il clavicordo aveva anche un grosso inconveniente: non era mai possibile ottenere un volume maggiore.

Naturalmente solo le persone molto ricche potevano avere un clavicordo. Era un oggetto di lusso, decorazione di salotti e sale da pranzo.

Il clavicordo non era l'unico strumento a tastiera. Contemporaneamente ad esso nacque e si sviluppò un altro clavicembalo simile ad esso.

Il clavicembalo non era solo uno strumento domestico. È stato inserito in vari ensemble, anche in un'orchestra, dove ha eseguito la parte di accompagnamento.

Il suono del clavicembalo è piuttosto debole, poco adatto alla riproduzione musicale in grandi sale. Nei brani per clavicembalo, i compositori includevano molti abbellimenti in modo che le note lunghe potessero suonare sufficientemente estese. Tipicamente il clavicembalo veniva utilizzato per l'accompagnamento.

Tutti gli strumenti musicali venivano continuamente migliorati. Anche i maestri tastieristi continuarono la loro ricerca. E così nel 1711, nella città italiana di Padova, il costruttore di clavicembali Bartolomeo Cristofori inventò un nuovo strumento. Il suono al suo interno era prodotto da martelli di legno con teste ricoperte di materiale elastico. Ora l'esecutore può suonare più piano o più forte: piano o forte. Da qui deriva il nome dello strumento: pianoforte e successivamente pianoforte. Questo nome è sopravvissuto fino ad oggi ed è un nome unificante per tutti gli strumenti a tastiera a corda.

Nel corso del 19° secolo emersero due tipi principali di pianoforti: il pianoforte a coda orizzontale (in francese reale - reale) con corpo ad ala e piano verticale (in italiano pianino - piccolo pianoforte).

Strumenti musicali a fiato.

Sassofono.

Inventato nel 1841, il sassofono è uno degli strumenti a fiato, sebbene sia realizzato in metallo: argento o una lega speciale. Il sassofono prende il nome dal nome del suo inventore, il maestro belga Adolphe Sax.

Inizialmente il sassofono veniva utilizzato solo nelle bande militari. A poco a poco iniziarono a introdurre l'opera e le orchestre sinfoniche. Ma il sassofono non è mai diventato un membro a pieno titolo dell'orchestra sinfonica. Ma nel 20° secolo, il suo suono attirò l'attenzione dei musicisti jazz. E il sassofono divenne il vero maestro del jazz.

Questo è uno degli strumenti a fiato più antichi. Gli archeologi hanno trovato immagini di suonatori di flauto sugli affreschi dell'antico Egitto e della Grecia.

Uscendo dalla canna, il flauto era inizialmente un semplice tubo di legno forato. Nel corso dei secoli venne migliorata fino ad acquisire l'aspetto moderno. In precedenza, il flauto era longitudinale e veniva tenuto in posizione verticale. Poi è apparso il cosiddetto flauto traverso, che il musicista tiene orizzontalmente.

Il flauto faceva parte di complessi strumentali già nel XV secolo. I compositori erano attratti dal suo suono melodioso. Una delle varietà di questo strumento utilizzata nell'orchestra è il flauto piccolo. È grande la metà di un normale flauto e suona un'ottava più alta.

Strumenti a tastiera e a fiato.

Bayan e fisarmonica.

Bayan e fisarmonica sono tipi di armonica. L'armonica fu inventata a Berlino nel 1822. È una parente dello strumento musicale più maestoso: l'organo. Tutti i tipi di armonica sono anche tastiere e strumenti a fiato. Solo la fisarmonica ha i tasti su un lato, mentre la fisarmonica a bottoni ha i tasti su entrambi i lati che non sono gli stessi di un pianoforte, ma hanno la forma di bottoni.

La particolarità è anche che, a differenza di altri strumenti a tastiera, premendo un pulsante - i tasti della mano sinistra, non viene estratto un suono, ma un intero accordo. Ciò rende più semplice eseguire semplici brani musicali: canzoni, balli, ma rende impossibile eseguire musica classica.

Solo uno di questi strumenti. Cosiddetto "elettivo" La fisarmonica a bottoni ha nei bassi non solo accordi preparati in anticipo, ma anche una scala completa, come su un pianoforte. Su una tale fisarmonica a bottoni vengono suonate opere classiche complesse.

Progetto artistico

"I segreti degli strumenti musicali"

Bersaglio: introduzione agli strumenti musicali

Compiti:

1) organizzare le attività degli studenti per studiare la storia dell'emergere di strumenti musicali, poesie su di essi;

2) ascoltare opere musicali eseguite dagli studenti della filiale della Scuola d'arte dei bambini e dai partecipanti allo studio vocale della scuola.

Le attività di ricerca vengono svolte nel campo della musica e della storia.

Fase 1. Gli studenti delle scuole superiori sono invitati a preparare materiale su come sono apparsi gli strumenti musicali (chitarra, liuto, viola, violino, pianoforte, domra) e a dimostrarlo come attività extracurriculare per gli studenti delle classi 3-5.

palcoscenico. Pianificazione. Gli studenti sono divisi in 4 gruppi.

Il gruppo 1 studia il materiale letterario.

Il gruppo 2 studia le informazioni storiche sull'origine degli strumenti.

Gli studenti del gruppo 3 della filiale della scuola di musica, insieme ai loro insegnanti, imparano opere musicali (viene assegnato un compito).

I partecipanti del gruppo 4 dello studio vocale della scuola stanno imparando le canzoni.

Fase 3. Ricerca. Eseguito in modo indipendente, secondo il piano adottato nel gruppo. Ognuno ha il suo compito.

Fase 4. Risultati. Lavorare insieme per combinare le informazioni ricevute in un unico script, preparando una presentazione.

Fase 5. Conduzione dell'evento extrascolastico “I segreti degli strumenti musicali” nell'ambito della settimana tematica del ciclo estetico per gli studenti delle scuole medie.

Fase 6. Valutazione dei risultati (vengono presi in considerazione l'attività di ciascun partecipante, la qualità e il volume delle fonti utilizzate e la creatività). Conclusioni.

Andamento dell'evento

Presentatore (sullo sfondo di una musica tranquilla e gentile): Buon pomeriggio, ragazzi!

Buon pomeriggio, cari ospiti!Diapositiva n. 1

Siamo lieti di darvi il benvenuto nel mondo della musica. Sì, sì, non sorprenderti, perché ora sei a lezione di musica. È qui che vivono le Muse, le dee protettrici della poesia, delle arti e delle scienze. Ci sono 9 sorelle. E il loro capo è il suo fratellastro, il dio solare Apollo. Conoscili:Diapositiva n. 2

EUTERPE - patrona della canzone lirica e di tutte le cose musicali

arte.

MELPOMENE è la musa della tragedia e dell'arte teatrale.

TERPSICHORE - patrona della danza.

ERATO è la musa ispiratrice della poesia lirica e dei canti nuziali.

POLIINNIA - patrona degli inni e dei canti in onore degli dei e

eroi.

URANIA è l'amante delle stelle e dell'astronomia.

THALIA è la musa ispiratrice della commedia e dell'umorismo.

CLIO è la patrona della storia.

CALLIOPE è la musa ispiratrice delle narrazioni epiche su eventi che si suppone siano accaduti nel passato.

Non ti piacerebbe visitare il passato adesso e imparare i segreti degli strumenti musicali che si trovano oggi in questa classe?

Cosa ne pensi, quali strumenti hai inventato per primi: archi o tastiere? (Stringhe).

Pizzicato o ad arco? (Pizzicato). E il loro prototipo era proprio l'arco da cui cacciavano i primitivi. Orfeo suonava la lira anche nell'antica Grecia.Diapositiva n. 3 E questo frammento (Antico Egitto. 3mila anni a.C.) raffigura un'intera scena musicale. La piramide di Cheope, che divenne uno dei punti di partenza del tempo storico, non era ancora sorta, ma già suonavano strumenti simili a chitarre, condividendo le gioie e i dolori dell'esistenza umana. La nostra prima storia sulla chitarra. Ce lo racconterà la musa della storia Clio e la musa dell'epica Calliope.

Tali strumenti esistono da così tanto tempo che è impossibile rintracciarne l'origine senza perdersi nel tempo: le piramidi non erano ancora sorte.

Viaggiando attraverso i musei d'Europa, puoi trovare le immagini più antiche degli antenati della chitarra, risalenti al 3-4 millennio a.C. I nomadi arabi beduini, che conquistarono la Grecia e la Persia nel VII secolo d.C., furono conquistati dall'alta cultura di queste civiltà, anche grazie all'arte della musica. Un anno dopo conquistano la Spagna e introducono in questo paese elementi della cultura orientale e importano la chitarra. Fu in Spagna che la chitarra ottenne particolare popolarità e divenne un simbolo dell'intera arte musicale spagnola. I ritmi elastici delle danze spagnole e delle melodie tristi: tutto si è rivelato soggetto a questo strumento.

(Video di danza spagnola)

A poco a poco, la chitarra conquista un paese dopo l'altro. Il design dello strumento stesso è gradualmente cambiato. Nel XVI secolo si suonava musica su chitarre a 4 corde doppie (cori). Ciò si rivelò insufficiente, per cui la chitarra fu temporaneamente sostituita da un altro strumento musicale a corde, il liuto (Diapositiva n. 4) , che aveva fino a dieci cori d'archi. È noto che gli artisti eccezionali del Rinascimento: Caravaggio, Paolo Veronese, Tintoretto erano buoni musicisti-esecutori. Imparare a suonare il liuto o un altro strumento era considerato una “buona forma”. E Leonardo da Vinci, ad esempio, suonava un liuto di sua progettazione, d'argento, a forma di testa di cavallo. Tuttavia, questo strumento perse presto popolarità, poiché era molto "capriccioso". Un giornalista del XVIII secolo, non senza sarcasmo, scrisse: “Un suonatore di liuto che visse fino a 80 anni probabilmente ne trascorse 60 ad accordare il suo strumento, e la manutenzione di un liuto era altrettanto costosa quanto la manutenzione di un cavallo." Pertanto, il liuto viene presto sostituito dal suo rivale, la viola, una sorta di ibrido tra liuto e chitarra. La forma della viola era simile a quella della chitarra, solo grande, aveva 5 cori e una sola corda. La viola soppiantò completamente la chitarra, che "andò alla gente", divenne uno strumento "di strada", accompagnando canti e danze popolari. C'erano altri ibridi, ad esempio, lira-chitarra, arpa-liuto (Diapositiva n. 5 ).

E la chitarra sarebbe scomparsa, sprofondata nell'oblio... Ma la vita pulsante è fantastica nelle sue complessità e trame inaspettate... La chitarra è risorta! E per “rianimarlo” è bastato aggiungere una quinta corda. E secondo la leggenda, ciò non fu fatto da un musicista, ma dal poeta Vicente Espinola, amico del grande Cervantes e insegnante del genio Lope de Vega. Nella forma a 5 corde, la chitarra sta riacquistando popolarità. Poco dopo, uno dei migliori chitarristi spagnoli, Ruiz de Ribayazo, migliorò notevolmente lo strumento, lasciandovi una fila di corde, cosa che ne semplificò l'accordatura e la tecnica esecutiva, e Jacob August Otto, liutista di corte e chitarrista del La principessa Amelia di Weimar, fu la prima ad aggiungere la sesta alle cinque corde. Dalla metà del XVIII secolo uno strumento del genere poteva essere trovato in molti paesi europei. Questo tipo di chitarra iniziò ad essere considerata classica.Diapositiva n. 6

Sfortunatamente, a causa della sonorità relativamente debole, la chitarra non è stata inclusa nell'orchestra, ma il 20° secolo ha dato nuova vita all'arte della chitarra. Dopo molti secoli la chitarra da strumento di accompagnamento diventa strumento solista. In molti paesi ci sono chitarristi virtuosi che si esibiscono con programmi solisti.

Presentatore: Più tardi fu inventato l'arco e la nostra prossima storia sul violino.Calliope: Il violino è uno strumento a corda. Gli strumenti ad arco sono conosciuti da molto tempo, ma sono ancora molto più giovani degli strumenti a pizzico. Si può presumere che l'India sia la culla degli strumenti ad arco. E il momento della nascita sono i primi secoli della nostra era. Dall'India arrivarono ai persiani, agli arabi e ai popoli del Nord Africa, e da lì attraverso la penisola balcanica nell'VIII secolo fino all'Europa.

Cambiati nel tempo, hanno dato vita ad un nuovo tipo di strumento ad arco a corde: FIDEL (Diapositiva n. 7). Dal fidel derivarono successivamente i due rami principali degli strumenti ad arco europei: la viola e il violino (Diapositiva n. 8 ).

Le viole sono apparse un po' prima. Erano costruiti in diverse dimensioni e tenuti in modi diversi durante il gioco (Diapositiva n. 9 ): tra le ginocchia, come un violoncello moderno, o sul ginocchio. Alcuni tipi di viole venivano posizionati su una panca e suonati stando in piedi. Ma c'era una viola, che veniva tenuta sulla spalla, e serviva come prototipo del violino.

In passato i rappresentanti delle famiglie della viola e del violino occupavano diverse posizioni "sociali". La viola era uno strumento associato alla vita degli ambienti aristocratici. I suoi predecessori, e poi lei stessa, suonavano nelle chiese, nei palazzi, nei castelli, nelle case ricche. Il suono molto morbido, come se ovattato, della viola era ben udibile solo in una piccola stanza. Il gioco su di esso era combinato con le idee di quel tempo sulla bellezza, con tutta l'atmosfera raffinata del salone dei secoli XVII-XVIII: bellissimi mobili, bellissimi dipinti, abiti magnifici e umore poetico e sublime di persone appassionate d'arte.

Con il violino la situazione era diversa. Gli strumenti della famiglia dei violini erano distribuiti principalmente tra la gente. Il violino era lo strumento preferito dei musicisti erranti che intrattenevano la gente durante feste, fiere, matrimoni, nelle taverne e nelle taverne. Molte opere di pittura e grafica di antichi maestri ne parlano (diapositiva n. 10).

Ascolta il "Valzer" di Fried eseguito da un ensemble di violini delle scuole medie.

Un nuovo genere musicale, l'OPERA, nato a cavallo tra il XVI e il XVII secolo, ha giocato un ruolo speciale nel destino del violino. I violini dell'orchestra hanno preso il posto di primo piano, combinandosi naturalmente con gli altri strumenti, con il canto dei cantanti. Insieme alle voci cantate, il violino si esibisce spesso come solista e dirige importanti linee melodiche. Ma la viola non fu portata nell'orchestra, perché il suo suono non avrebbe potuto riempire una grande sala e sarebbe scomparso nel suono generale dell'orchestra.

A partire dal XVI secolo lo strumento stesso ha subito numerose modifiche, offrendo nuove opportunità e prospettive all'esecutore: le sue dimensioni, la struttura e la posizione dello strumento durante l'esecuzione furono definite più chiaramente; la forma dell'arco è cambiata, per cui è diventata più leggera e mobile.

L'arte del violino raggiunge il suo apice in Italia: meravigliosi compositori creano opere per violino (Antonio Vivaldi, Nicolò Paganini, Corelli), meravigliosi artigiani realizzano strumenti sorprendenti e dal suono magico: Amati, Guarneri, Stradivari. Sono ancora considerati insuperabili e il mistero del loro suono è ancora avvolto nelle leggende.

"Romance" di Baklanov è interpretato da Zhenya Shulyaeva

Presentatore: Probabilmente sarai d'accordo con me sul fatto che tutti gli strumenti sono buoni a modo loro. Ognuno ha il suo timbro unico (colorazione del suono) e le sue caratteristiche attraenti. Ma forse nessuno di loro può essere paragonato al pianoforte. Come solista è il numero uno. Indispensabile in un ensemble con voce e altri strumenti, come avete già visto oggi. Come è nato questo strumento e cosa lo distingue dagli altri?

Il primo antenato del pianoforte è considerato il MONOCORDO. Sì, lo stesso monocordo che, secondo la leggenda, fu inventato da Pitagora (VI secolo a.C.) e utilizzato per i suoi esperimenti musicali, teorici e acustici. Sembrerebbe che cosa abbia in comune una primitiva scatola a una corda e un pianoforte: uno strumento musicale complesso con dozzine di corde, pedali e tasti?

La tastiera è stata utilizzata negli strumenti musicali per molto tempo. Anche se è difficile determinare esattamente quando è apparso. Ci sono due versioni che spiegano questo. Il primo è legato all'evoluzione dell'organo(Diapositiva numero 11) . Gli organi primitivi avevano un sistema di leve ingombranti, che il suonatore tirava fuori per produrre il suono. Si ritiene che nel tempo le leve retrattili siano state sostituite da leve a spinta, cioè chiavi. All'inizio erano di grandi dimensioni (oltre 30 cm di lunghezza e circa 10 cm di larghezza), e per emettere suoni venivano colpiti con un pugno con i gomiti.

Secondo la seconda versione, la tastiera è apparsa per la prima volta sugli strumenti a corde. Gli storici che ne hanno studiato le origini hanno scoperto che questa parola è vicina nell'ortografia e nel suono a come venivano chiamati gli scacchi in Oriente. Quindi è nata l'ipotesi che il prototipo della tastiera fosse una scacchiera. Ebbene, forse la tastiera in bianco e nero nasce davvero dall'alternanza dei quadrati bianchi e neri su una scacchiera.

Esistevano due tipi principali di strumenti a tastiera: il clavicordo e il clavicembalo. (Diapositiva n. 12) Tuttavia, alla fine del XVII secolo, esistevano dozzine di tastiere, diverse per aspetto, varietà di forme e nomi. Un viaggiatore francese dell'epoca scrisse: “Dopo aver viaggiato attraverso dozzine di città grandi e piccole in Europa negli ultimi mesi e aver mostrato tutto il mio interesse per gli strumenti musicali - ordinari e stravaganti - non posso fare a meno di notare quanto colorata e diversificata sia la famiglia di strumenti in cui il suono viene prodotto tramite la chiave." E in effetti, che tipo di strumenti non erano comuni a quel tempo! (Diapositiva n. 13) Enormi flugel a forma di ala e piccole spinette a forma di scatola, virginel a forma di tavolo, clavicembali piramidali, vari armonium, su cui il suono era ottenuto dall'aria forzata da un mantice utilizzando due pedali(Diapositiva n. 14).

L'arte del clavicordo fiorì in Germania, mentre il clavicembalo e le sue varianti si diffusero nei paesi europei. Il suono del clavicembalo – chiaro, preciso, acuto – era molto più forte del suono del clavicordo. Tuttavia, indipendentemente dalla forza del colpo, è rimasto invariato. Quindi si è scoperto che su qualsiasi strumento a corda l'esecutore poteva facilmente aumentare e diminuire il volume, ma questo non era possibile per il clavicembalista. Naturalmente, una situazione del genere non poteva soddisfare musicisti e tastieristi, quindi in diversi paesi d'Europa c'era una ricerca incessante per la progettazione di un nuovo strumento a tastiera che avesse un suono forte, flessibile e che cambia dinamicamente.

L'italiano Bartolomeo Cristofori fu il primo a risolvere questo problema. Nel 1709 inventò uno strumento a tastiera, che chiamò "clavicembalo dal suono morbido e forte". Questo era il pianoforte. E presto altri paesi europei hanno avuto l'idea di creare un pianoforte. Naturalmente il suono dei primi modelli era un po' lontano dall'essere moderno. A poco a poco, con il miglioramento del nuovo strumento, compositori ed esecutori si interessano sempre di più ad esso. Entro la fine del XVIII secolo, il pianoforte sostituì completamente il clavicembalo, diventando, grazie al lavoro di Haydn, Mozart, Beethoven e successivamente Chopin, Schumann, Liszt e molti altri compositori, lo strumento musicale più popolare.

Il pianoforte nella sua forma attuale è apparso solo all'inizio del XIX secolo. Era destinato ad una stanza in cui era necessario uno strumento di piccole dimensioni e che non richiedeva il suono pieno di un grande pianoforte a coda da concerto. Ebbene, il pianoforte a coda - un tipo di pianoforte - è davvero il “re” di tutti gli strumenti (Diapositiva n. 15). È così che oggi vive accanto a noi il pianoforte: lo strumento più universale, più spesso di ogni altro, ci aiuta a provare la grande gioia di comunicare con la musica.(Diapositiva n. 16)

Ascolta un brano musicale utilizzando il suono di questo strumento.

"Scena minore" di Meccagan. Eseguita da Anna Galkina.

Clio: In terra russa, fin dall'antichità, si diceva che tutte le festività si svolgessero con l'accompagnamento della balalaika e di sua sorella, la domra. Questa tradizione è stata preservata ed è sopravvissuta fino ad oggi. Danze, canti, giochi: tutto si fondeva in un'immagine eterogenea di allegre feste.

“Domrachka canta,

Strimpella la balalaica,

fisarmonica – versata -

Il divertimento inizia nel prato primaverile.”

E mentre strimpellava e suonava questi strumenti, il popolo russo si è dimenticato della sua difficile sorte.

La prima menzione della domra nella Rus' si trova nelle cronache durante l'era dello stato di Kiev (1068) - durante il tempo dei principi Olga e Vladimir. (Antica Rus'). All'inizio la domra era molto imperfetta. Era fatto con una varietà di zucca appositamente coltivata: l'erbaccia di capra di montagna. L'interno della domra era decorato con piccoli cristalli in rilievo, motivo per cui suonava forte e chiaro. Le corde erano ricavate da vene di animali. Domra era uno strumento disponibile al pubblico. La chiesa si preoccupò: “Cosa, la musica non distrae troppo le persone da Dio?” Tali strumenti venivano suonati dai buffoni, musicisti erranti. Vagavano per la terra russa in mezzo a una folla rumorosa e divertivano la gente. C'erano acrobati, cantanti guslar, cantastorie, funamboli, istruttori. I buffoni ridicolizzavano i boiardi e i principi con le loro parole taglienti per la loro ipocrisia, motivo per cui ci fu la persecuzione dei buffoni. Nel 1551, un metropolita si rivolse allo zar Ivan 4: "Per l'amor di Dio, zar, ordina ai buffoni di uscire in modo che non esistano nel tuo stato, altrimenti non ci sarà salvezza per te". Nel 1648, un altro zar Alessio emanò un decreto sul completo sterminio dei buffoni. Diceva: "E dove appaiono domra, singhiozzi, arpe e tutti i tipi di vasi demoniaci ronzanti, devono essere rotti, bruciati e alcuni - in esilio". Cinque carri carichi di strumenti musicali furono portati sul fiume Moscova e bruciati. Ma di tanto in tanto, qua e là, questi strumenti riapparivano, perché la gente aveva bisogno di uno strumento e lo strumento veniva riproposto, tondo o triangolare, fatto di cinque assi con tre corde. C'è stata una graduale trasformazione della domra in una balalaika. Così nel XVII secolo la domra scomparve quasi completamente dall'uso.

Lo strumento triangolare era chiamato balaboyka dalla parola "balabolit" - per effettuare chiamate a vuoto. I contadini poveri suonavano uno strumento del genere nelle stalle e nelle porte. Se guardiamo i libri di storia, si dice che la prima menzione della balalaika risale al 1715. Sotto Pietro 1 c'era un'intera orchestra di strumenti che accompagnava la processione

Presentatore: Si conclude così il nostro breve viaggio nella storia degli strumenti musicali. Ringrazio tutti gli artisti per averci dato il piacere di ascoltare musica dal vivo, e questo accade così raramente nella nostra vita. Mi piacerebbe credere che ci delizieranno più di una volta e diventeranno delle vere star.

(Esecuzione della canzone “Constellation of Talents” da parte di un ensemble vocale.)

Fino alla prossima volta.