Saggio

nell'oggetto "Arte"

Sul tema: "Dramaturgia e teatro in Russia nel XIX secolo".

IO. Introduzione…………………………………………………………….3

II. Parte principale………………………….

XIXsecolo……………………………5

2. Drammaturgia amatoriale del teatro dei burattiniXIXsecolo…………….7

3. Teatro Maly di MoscaXIXsecolo……………………………..11

4. Teatro di San PietroburgoXIXsecolo……………………………16

III. Conclusione………………………………………………………………………… 18

IV. Elenco della letteratura utilizzata………………………..21

v. Revisione…………………………………………………….22

introduzione

L'argomento del mio saggio: "Dramaturgia e teatro in RussiaXIXsecolo."

questo lavoroè dedicato allo studio della drammaturgia e del teatro russo in Russia nel XIX secolo.

Il dramma letterario professionale russo ha preso forma alla fine del XVII e XVIII secolo, ma è stato preceduto da un periodo secolare di drammi popolari, per lo più orali e in parte scritti a mano. All'inizio, le azioni rituali arcaiche, poi i giochi di ballo e i buffoni contenevano elementi caratteristici di come forma d'arte: dialogo, drammatizzazione dell'azione, riproduzione in volti, immagine di un personaggio particolare (vestirsi). Questi elementi si sono consolidati e sviluppati nel dramma folcloristico.

La rilevanza dell'argomento scelto sta nel fatto che il teatro, avendo avuto origine nell'antichità, ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della cultura nel suo complesso.

E ora continua a svolgere un ruolo importante nella vita della società.

Dalla fine del XVIII sec. il teatro in Russia, come in altri paesi europei, sta entrando in una nuova era del suo sviluppo. Inizia una rapida crescita del numero di teatri nelle province, spesso a causa del passaggio dai teatri dei servi della gleba a una base commerciale. Grandi imprese teatrali che uniscono compagnie teatrali, liriche e di balletto vengono create in città come San Pietroburgo e Mosca. Nel 1824 si formò a Mosca una compagnia teatrale indipendente del Teatro Maly. A San Pietroburgo, nel 1832, fu fondato il Teatro Alexandrinsky.

La direzione progressista del teatro russo si è affermata in una lotta costante contro le tendenze reazionarie nel repertorio e nell'intera organizzazione dell'attività teatrale, generate dalla politica del governo nel campo dell'arte.

Il monopolio dei teatri imperiali che esisteva a San Pietroburgo e Mosca limitava le possibilità di iniziative innovative, rendeva drammaturghi e attori dipendenti dalle esigenze della direzione e di tutto il regime burocratico impiantato nei teatri. In condizioni difficili, il teatro si sviluppò nelle province, dove fiorì l'iniziativa commerciale degli imprenditori e dove, principalmente, solo per il potere dei talenti recitativi, il teatro fu mantenuto al livello delle esigenze artistiche. Un enorme sostegno allo sviluppo di una tendenza progressista nell'arte scenica russa è stato fornito dalla critica democratica avanzata, che ha difeso i fondamenti ideologici del teatro, il suo contenuto sociale e la fedeltà ai principi della verità della vita. La lotta ideologica attraversa l'intero sviluppo del russo teatro XIX Il ruolo di primo piano in esso viene conquistato dalla direzione progressista, che si basa sul processo di formazione di una cultura democratica nazionale, che si sta ampiamente sviluppando in Russia in quest'epoca, e sulle crescenti possibilità di vivida espressione nella drammaturgia e nel teatro di tendenze critiche e anti-servitù. Su questa base, il realismo scenico ottiene un particolare successo, e allo stesso tempo si afferma la direzione del romanticismo progressista. Nel periodo da Fonvizin a Ostrovsky si formarono le principali tradizioni della cultura teatrale russa, furono determinate le caratteristiche della sua originalità artistica.

Lo scopo di questo lavoro è quello di:

1) Considera lo sviluppo dell'arte teatrale e drammatica in Russia.

2) Scopri le principali direzioni e stili nella drammaturgia e nel teatroXIXsecolo.

1. Stili nella drammaturgia e nel teatroXIXsecolo.

Alla fine XVIII -inizio Nel XIX secolo, il sentimentalismo illuminista assunse un ruolo di primo piano nel teatro russo. Idea illuminista l'innata uguaglianza di tutte le persone, l'idea dell '"uomo naturale", che nelle opere di numerosi drammaturghi e attori si è rivolta alla divulgazione delle contraddizioni del sistema feudale, ha contribuito a rivelare l'inammissibilità sociale e morale di schiavitù. Allo stesso tempo, l'attenzione dei drammaturghi è stata attratta dal mondo interiore di una persona, dai suoi conflitti spirituali (drammi di N. I. Ilyin, F. F. Ivanov, tragedie di V. A. Ozerov, ecc.). D'altra parte, in quei drammi sentimentali intrisi di tendenze protettive, c'era il desiderio di appianare le contraddizioni della vita, i tratti dell'idealizzazione zuccherina, il melodrammatismo (opere di V. M. Fedorov, S. N. Glinka, ecc.).

Una maggiore "sensibilità", sincerità dell'esperienza scenica, spesso arricchita di elementi di verità sociale e quotidiana nella rappresentazione del personaggio, ha contraddistinto la performance di Ya.E. Shusherin (1753-1813), A. D. Karatygina (1777-1859) e altri attori di questo tempo. Il sentimentalismo ha liberato gli attori dal potere dei principi razionalistici del classicismo e ha contribuito alla distruzione delle tradizioni epigono di questo sistema, allo sviluppo di tendenze romantiche e realistiche nelle arti dello spettacolo.

Lo sviluppo del romanticismo nel teatro russo all'inizio del XIX secolo. associato alla crescita nel dramma e alla creatività recitativa di motivi di insoddisfazione per la realtà esistente, protesta individualistica, esperienze violente di una personalità amante della libertà. Queste caratteristiche romantiche sono caratteristiche dell'arte dell'eccezionale attore russo A. S. Yakovlev (1773-1817).

ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo del teatro visioni estetiche Scrittori decabristi. Vengono sviluppati i temi della lotta contro l'oppressione nazionale e politica, vengono create immagini di eroi forti e amanti della libertà, presi dalla sete di azioni patriottiche ("Marfa Posadnitsa, o la conquista di Novgorod" di F. F. Ivanov, "Beelzen, o the Liberated Holland” di F. N. Glinka, “Andromache” di P. A. Katenin, “The Argives” di V. K. Kuchelbeker e altri). Lo stile di esecuzione è stato determinato da una combinazione di grande emotività, sincerità e naturalezza nell'espressione dei sentimenti con la scala eroica dei personaggi e la severità plastica del disegno esterno dell'immagine. Questo stile ha trovato la sua espressione più alta e completa nell'opera della più grande attrice tragica di quell'epoca, E. S. Semenova (1786-1849).

Allo stesso tempo, lo sviluppo di tendenze realistiche è continuato nella commedia e nel dramma, limitato, tuttavia, dalle ristrette possibilità del vaudeville (A. A. Shakhovskoy, N. I. Khmelnitsky, A. I. Pisarev) e della famiglia-famiglia, conservatrice nel gioco dello spirito (M. N. Zagoskin) . Il desiderio degli attori per la verità della vita era basato sia sulla sincerità dell'esperienza, semplicità, naturalezza (giovane M. S. Shchepkin), sia sull'arte della reincarnazione esterna, copiando singoli tipi vividi (I. I. Sosnitsky, E. I. Guseva, ecc.) .

2. Drammaturgia amatoriale del teatro delle marionette del XIX secolo

Il teatro delle marionette era sorprendentemente vario Russia XIX secolo. In questo momento continua la vita del presepe, il popolo russo commedia di marionette, nelle esibizioni di numerosi burattinai europei, i percorsi di vari spettacoli di burattini dell'Europa occidentale si incrociano con le tradizioni degli spettacoli di burattini popolari russi. L'arte del teatro delle marionette sta penetrando attivamente nell'ambiente familiare.

tradizioni di casa e teatro popolare il teatro delle marionette nella Russia di quel secolo divenne così forte che quasi nessuno dei famosi drammaturghi, scrittori, poeti, scienziati, artisti che in seguito glorificarono il proprio nome durante l'infanzia o la giovinezza non evitò di incontrare il teatro delle marionette. Tra questi: A. Bestuzhev-Marlinsky, A. Herzen, D. Grigorovich, N. Polevoy, A. I. Panaev A. Benois, S. Aksakov, M. Lermontov, V. Sollogub, L. Tolstoy, F. Dostoevsky, K. Stanislavsky , N. Gumilyov, A. Blok, A. Tolstoy, A. Remizov, K. Balmont, A. Bely e molti altri.

L'arte di giocare con le bambole si dichiara attivamente alle fiere e ai festeggiamenti russi. Gli stessi burattinai erano una comunità multinazionale, multilingue e diversificata, con diversi livelli di cultura e istruzione, repertorio e capacità di esibizione. Nel repertorio degli spettacoli di burattini del XIX secolo. ci sono spettacoli creati e basati su drammatizzazioni romanzi europei, adattamenti gratuiti delle tradizionali rappresentazioni di marionette europee: "The Devil's Well, or the Old Man Everywhere and Nowhere", "Pimperle's Wedding after Death", "Magic Palace, or Hunting Adventure", "Magnanimous Sultan, or Sea Battle on the Black Sea ", "Marianna , o donna rapinatrice”, “Ateo punito dal tuono”, “Cavaliere rapinatore” e molti altri. Nel repertorio apparivano spesso spettacoli teatrali adattati per marionette.

Nei manifesti degli spettacoli di marionette - "Princess Cacambo" di A. Kotzebue, "Fuga in Turchia, o il prigioniero involontario" di I. G. Eberle, "Faust" e "Don Giovanni", "Ataman of the Venetian Robbers, o Fire in Venice ", "Cetra magica, o la festa delle streghe sulla roccia del drago", "Rudolf, il figlio dell'inferno, o il terribile castigo", "Felicità dopo il dolore, o conforto d'amore" e molti altri.

A imitazione di queste commedie, vicine all'estetica delle "libere commedie anglo-tedesche", ma anche con una chiara tendenza romantica, compaiono i primi tentativi di drammaturgia autoriale russa per il teatro delle marionette. Tra questi c'era l'opera in cinque atti The Enchanted Forest di A. A. Bestuzhev-Marlinsky, che non è pervenuta fino a noi. Nelle memorie "L'infanzia e la giovinezza di A. A. Bestuzhev", suo fratello Mikhail scrisse che "La foresta incantata" era la seconda opera letteraria di A. Bestuzhev. Era una grande commedia, in cinque atti, scritta per un teatro di marionette. Per la prima presentazione, Alexander Bestuzhev si è limitato ai burattini dei volti principali, il resto è stato ritagliato dal cartone e dipinto di sua mano. La maggior parte della scenografia è stata realizzata con l'aiuto degli studenti dell'Accademia delle Arti, che hanno corretto senza pietà errori e imprecisioni nel suo album rispetto alla prospettiva e al gusto. L'autore delle memorie ricordava bene come uno dei personaggi della commedia, uno scudiero buongustaio codardo in un bosco incantato, sedotto da una mela, nonostante il divieto, volesse coglierla, ma quando si avvicinò all'albero, il filo che mise in moto le mani del burattino si ruppe, ma il giovane A. Bestuzhev non perse la testa, portò il giullare sul palco e iniziò l'improvvisazione, che collegò così abilmente con il corso dello spettacolo che l'effetto era quasi migliore.

amatoriale spettacoli di marionette si stabilì nelle case di L. Tolstoy, S. Aksakov, A. Herzen, V. Sollogub, V. Serov, V. Polenov, che compose per loro opere teatrali. Ciò ha contribuito alla formazione e allo sviluppo della drammaturgia russa professionale.

Il teatro delle marionette era uno dei divertimenti per bambini preferiti di M. Yu Lermontov. Il futuro poeta scolpì teste di marionette con la cera rossa. Tra loro c'era la sua bambola preferita, Berken, che ritraeva il famoso scrittore, drammaturgo e autore di storie per bambini francese. Barkan ha interpretato "i ruoli più fantastici" nelle commedie composte dal giovane Lermontov.

Le prime commedie russe per il teatro delle marionette, che non erano ancora classificate come tipo letterario, senza i nomi di autori e interpreti teatrali, apparivano in set di marionette per giochi per bambini e aiutavano non solo l'educazione dei bambini, ma anche la loro creatività - letteraria e sviluppo artistico.

Bambole, comprese quelle teatrali, in set interi, scatole con spettacoli e scenografie, venivano vendute in negozi e botteghe, portate dall'estero. “In ciascuna di queste scatole”, ha scritto A. Benois, ricordando la sua infanzia, “c'era anche un opuscolo con il testo di questa commedia, secondo il quale era necessario leggere i ruoli dei personaggi che recitavano, ma ho preferito non farlo uso questi libretti, ma per comporre estemporaneamente il mio testo, punteggiato di patetiche interiezioni ... I parenti, conoscendo la mia passione, uno per uno hanno portato sempre più nuove scatole, in cui il portale, le tende, intere produzioni e una troupe di attori ritagli di carta sono stati posati. Nella scatola con la commedia "The Little Humpbacked Horse", tali personaggi includevano una favolosa giumenta e il suo cavallo, lo stesso cavallo con Ivan il Matto seduto su di esso, Miracle Yudo - un pesce balena, un gorgiera e altri abitanti marini. C'erano anche teatri che dovevano essere realizzati da soli.

Tutti gli elementi necessari sono stati acquistati dal sipario all'ultimo extra, stampati su fogli di carta e dipinti; erano incollati su cartone e ritagliati con cura. Oltre alle bambole di carta piatte, avevo anche i pupazzi che mia nonna mi portava da Venezia. Erano piccoli gentiluomini "proprio come veri" con cappelli di feltro e caftani con orpelli d'oro, un gendarme con un cappello a tre punte con una sciabola in mano, un Arlecchino con la sua mazza, una chinella aperta con una minuscola torcia. Colombina col ventaglio "...

3. Teatro Maly di Mosca XIXsecolo.

All'inizio del regno dell'imperatore , insieme all'impennata generale della vita pubblica, prese vita e ne fu completamente abbattuto arte teatrale. Durante questi anni, la troupe è stata reintegrata con attori . Nel 1805 l'edificio fu bruciato. Tuttavia, già l'anno successivo, nel 1806, si formò a Mosca la direzione dei Teatri Imperiali, dove entrarono gli artisti dell'ex Teatro Petrovsky. Nel 1806 il teatro acquisì lo status di teatro di stato, entrando nel sistema dei teatri imperiali. Così, gli attori che sono entrati nella troupe dai teatri della gleba sono stati immediatamente liberati dalla servitù, come S. Mochalov, il padre del famoso tragico, Mochalova P.La troupe non ha avuto locali propri per molto tempo. La situazione politica nel paese stesso non era favorevole a questo. Il paese è stato scosso da instabilità e conflitti militari (con Svezia, Turchia). Nel 1812 ci fu una guerra con . Passarono ancora alcuni anni quando l'architetto è stato invitato alla costruzione di un teatro a Mosca. Già nel 1803 le compagnie erano divise in opera e teatro. Ha svolto un ruolo importante in questa divisione , che, infatti, divenne il fondatore dell'opera russa. Tuttavia, in effetti, l'opera e il dramma hanno convissuto fianco a fianco per molto tempo. Fino al 1824, le compagnie di balletto-opera e teatro del Teatro Imperiale di Mosca erano un tutt'uno: un'unica direzione, gli stessi interpreti, ma per molto tempo i teatri furono persino collegati da un passaggio sotterraneo, c'erano abiti comuni stanze, ecc.

Nel 1824, secondo il progetto di Beauvais, l'arch ricostruito il palazzo del mercante per il teatro , questo edificio su Petrovskaya (ora ) della piazza e divenne gradualmente noto come il Teatro Maly, e porta ancora questo nome. Inizialmente l'edificio era più stretto a causa dell'eccessiva larghezza del passaggio Neglinny. Nel 1838-1840, dopo l'acquisto dei terreni attigui, l'arch completò l'edificio alla volumetria attuale e ne modificò completamente la disposizione interna.

Il giorno di apertura del Teatro Maly può essere considerato : ha dato una nuova apertura .

"Moskovskie Vedomosti ha annunciato la prima rappresentazione al Maly:" La direzione del Teatro Imperiale di Mosca annuncia attraverso questo che martedì prossimo, 14 ottobre di quest'anno, si terrà uno spettacolo al nuovo Teatro Maly, nella Vargin House , in piazza Petrovsky, per aprirlo.esimo, vale a dire: una nuova composizione di ouverture. A. N. Verstovsky, più tardi per la seconda volta: Lily Narbonskaya, or the Knight's Vow, un nuovo drammatico spettacolo di balletto cavalleresco ... "" (citato in: ).

L'arte teatrale andò subito in ascesa. Oltre agli ex, già famosi maestri di teatro, sono apparsi nuovi artisti di talento.

Uno dei periodi importanti nella storia dello sviluppo del Teatro Maly è associato al nome . Questo grande tragico divenne un portavoce del tempo delle speranze e delle delusioni della società russa nel 1820-1840, l'era controversa dell'imperatore Alessandro I. “P. S. Mochalov, "un attore plebeo", nelle parole del suo critico che lo lodava , riuscì a superare i canoni dello stile precedente, espressi dall'estetica del classicismo. Invece di una recitazione e di una posa solenne, l'attore ha portato in scena una lava ribollente di calda passione e gesti che stupiscono di sofferenza e dolore. I romantici solitari di Mochalov hanno protestato e combattuto con l'intero mondo ostile del male, disperato e spesso perso d'animo "(citato da: ). Tra i ruoli di P. S. Mochalov: , Riccardo III, (nelle tragedie omonime ), , Ferdinand ("L'inganno e l'amore" ).

Nel 1822 l'ex attore servo, già noto per le imprese provinciali, si unì alla troupe . "È stato il primo a creare la verità sul palcoscenico russo, è stato il primo a diventare non teatrale a teatro", ha detto Shchepkin a proposito .

era esteso da drammi classici per illuminare il vaudeville.“Anche durante la vita di A. S. Pushkin, Maly creò versioni teatrali di tre opere del poeta: “Ruslan e Lyudmila” (1825), “ Fontana Bakhchisaray" (1827) e "Zingari" (1832). Dalla drammaturgia straniera, il teatro ha privilegiato le opere di Shakespeare e Schiller. (citato in: ). Sul palco del Teatro Maly il 27 novembre per la prima volta una commedia è stata proiettata per intero a Mosca . Prima di allora, la censura consentiva di rappresentare solo alcune scene, solo nel gennaio 1831 lo spettacolo fu messo in scena nella sua interezza a San Pietroburgo, mentre a Mosca Woe from Wit fu rappresentato per la prima volta nella sua interezza sul palcoscenico del Teatro Maly : ha interpretato il ruolo di Famusov e - Chatsky. Questa performance si è rivelata pietra miliare nella storia del teatro - divenne portavoce di nuove idee sociali. 25 maggio mostrato qui (la prima produzione de L'ispettore generale ebbe luogo poco prima al Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo - il 19 aprile dello stesso 1836). Qualche tempo dopo (nel 1842) il Maly Theatre creò uno spettacolo teatrale e metti E (prima produzione) . La prima di entrambe le rappresentazioni al Maly Theatre ("Il matrimonio" era stata precedentemente messa in scena a St. ) ebbe luogo contemporaneamente - 5 febbraio 1843.“La prima di The Gamblers ebbe luogo a Mosca il 5 febbraio 1843 (la stessa sera di The Marriage), in un'esibizione di beneficenza di Shchepkin, che interpretava Consoling. Il ruolo di Zamukhryshkin è stato interpretato con successo da Prov Sadovsky. Secondo S. Aksakov, la performance è stata approvata dal pubblico "ordinario". Una recensione benevola della performance apparve su Moskovskie Vedomosti (11 febbraio 1843), dove si notava che l'intrigo era "svolto con sorprendente naturalezza", che la caratterizzazione testimonia il "potente talento" di Gogol ". (citando da: ).

Tra gli altri attori di questo periodo - (1795-1875), (1809-1867), (1807-1874), (1817-1872), (1821−1889), (1823-1865), (1817-1885), (1820-1878).

Hanno scritto per il Maly Theatre , , molti altri autori. Ma di particolare importanza per il Maly Theatre era . Le sue commedie hanno fatto guadagnare al Teatro Maly il nome non ufficiale di "Casa di Ostrovsky". Le nuove posizioni teatrali riformiste di Ostrovsky - scrittura quotidiana, allontanamento dal pathos, importanza dell'intero ensemble di attori e non di un singolo protagonista, ecc. - hanno portato a conflitti con i seguaci delle antiche tradizioni. Ma queste idee innovative di Ostrovsky per quel tempo erano già richieste dal tempo. Tutte le sue 48 commedie sono state messe in scena al Maly Theatre e in anni diversi hanno sempre fatto parte del suo repertorio. Lui stesso ha ripetutamente partecipato alle prove, era amico degli attori e alcune delle sue opere sono state scritte appositamente per alcuni artisti del Maly Theatre, su loro richiesta, per le loro esibizioni di beneficenza. Per benefici due commedie di Ostrovsky sono state messe in scena per la prima volta - " » - , « » - . Giocare è stato consegnato v , e nella performance di beneficenza di sua moglie, attrice , il 14 ottobre 1863, lo spettacolo fu messo in scena per la prima volta al Maly Theatre . Prima dello spettacolo » si è svolto sul palcoscenico del Teatro Maly a vantaggio .

la prima volta ebbe luogo il 10 novembre 1878 allo spettacolo di beneficenza dell'attore . In una commedia , 1884, il ruolo di Neznamov è stato scritto da Ostrovsky appositamente per l'artista del Teatro Maly . Nel 1929 fu eretto un monumento a Ostrovsky alle porte del Teatro Maly. Le commedie del drammaturgo non lasciano ancora oggi il palcoscenico del Maly Theatre.

Dal suo esordio trionfante come Emilia ( , "Emilia Galotti") Il 30 gennaio 1870 iniziò la carriera teatrale della grande attrice tragica russa , che poi ha brillato nei ruoli: Laurencia - "Sheep Spring" , Mary Stuart - "Mary Stuart" di F. Schiller; Jeanne d'Arc - "Maid of Orleans" dello stesso autore; Caterina dentro , Negina in , Kruchinina in e molti altri. Questa volta è caduto nel periodo di massimo splendore dei movimenti democratici in Russia, a cui il Teatro Maly non è rimasto indifferente. Più di una volta alle esibizioni con la partecipazione di M. N. Yermolova ci sono state manifestazioni politiche di studenti e intellighenzia democratica. Il teatro allora ha funzionato ora leggendario , , , , , , , E , , .

4. TeatroXIX secolo.

Teatro Alexandrinsky(ovveroStato russo teatro accademico drammatizzarli. AS Pushkin) - teatro, uno dei più antichi teatri di prosa in Russia che è sopravvissuto fino ad oggi

Dal 1832, il teatro iniziò a chiamarsi Alexandrinsky. Il nome è stato dato in onore della moglie dell'imperatore .

Per tutto il XIX secolo il teatro è stato il fiore all'occhiello della vita teatrale della capitale, tra le mura di questo teatro è nata la storia della cultura teatrale russa.

All'inizio del secolo, l'intero teatro russo era guidato da modelli europei, sviluppando gradualmente una propria scuola originale.

Nella prima metà del secolo, dopo la vittoria in , i generi leggeri hanno goduto di una maggiore popolarità - E . Il teatro ha messo in scena spettacoli di autori come , I. I. Sosnitsky . L'immersione nel vaudeville ha portato al miglioramento delle capacità degli attori nella plasticità, nella tecnica esterna, nella combinazione di movimento e canto. Un tale cambiamento nella scuola di teatro è stato il motivo dell'opposizione delle scuole di San Pietroburgo e Mosca.

…In generale, in termini di palcoscenico, San Pietroburgo differisce da Mosca per la sua grande capacità, se non di essere, di sembrare soddisfacente in termini di aspetto e forma. In una parola, la scena a San Pietroburgo è più un'arte, mentre a Mosca è un talento.

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Nel corso della storia pre-rivoluzionaria, fu oggetto di particolare attenzione da parte degli imperatori e della direzione dei teatri imperiali, soprattutto quando , .

Conclusione.

In conclusione del mio abstract, si può dire cheArriva il XIX secolo nella storia del teatro russo nuova era. Ad esempio, la drammaturgia di Ostrovsky è un intero teatro, e in questo teatro è cresciuta una galassia di attori di talento, glorificando l'arte teatrale russa.

Oltre alle opere di Ostrovsky, la drammaturgia russa del XIX secolo presentava opere di A.V.-Kobylin, ME Saltykov-Shchedrin, AK Tolstoy, LN Tolstoy. Anche il teatro segue la strada dell'affermazione della verità e del realismo.

Nella seconda metà del XIX sec. ha aumentato significativamente l'interesse per il dramma contemporaneo russo. La critica democratico-rivoluzionaria, guidata da Chernyshevsky e Dobrolyubov, sostiene la drammaturgia di Ostrovsky, che denuncia l'oscuro regno dei mercanti - piccoli tiranni, la venalità e l'ipocrisia della macchina burocratica dell'autocrazia russa.

Dopo la prima rappresentazione della commedia "Non salire sulla tua slitta", avvenuta il 14 gennaio 1853 sul palcoscenico del teatrino. Ostrovsky porta tutte le sue opere sul palcoscenico del Maly Theatre. Essendosi avvicinato a molti artisti di talento, lo stesso drammaturgo prende parte alla messa in scena delle sue opere. Le sue commedie sono un'intera epoca, una nuova tappaArte scenica russa. Fu nelle commedie di Ostrovsky che fu rivelato il talento del più grande attore del Teatro Maly Prov Mikhailovich Sadovsky (1818-1872). L'interpretazione dell'artista del ruolo di Lyubim Tortsov nella commedia "La povertà non è un vizio" è stata una delle più alte conquiste dell'artista. Sadovsky ha interpretato 30 ruoli nel repertorio di Ostrovsky. I suoi eroi sembravano essere saliti sul palco dalla vita stessa, lo spettatore li riconoscevapersone familiari. Sadovsky, con il suo lavoro, ha continuato i principi del grande attore realista Shchepkin.

Insieme a Sadovsky, l'eccezionale attrice tragica russa Lyubov Pavlovna Nikulina - Kositskaya (1827-1868) ha suonato sul palcoscenico del Teatro Maly. È stata la prima e una delle interpreti più notevoli di Katerina nel Temporale di Ostrovsky. Il suo talento combinava le caratteristiche dell'euforia romantica e della profonda verità realistica nella rappresentazione dei sentimenti e delle esperienze umane. Polina Antipyevna Strepetova (1850-1903), la più grande attrice tragica provinciale, ricordò per sempre la sua esibizione sul palco. L'incontro con Nikulina-Kositskaya ha aiutato Strepetova a diventare una grande attrice. Le tradizioni dell'arte Nikulina-Kositskaya hanno influenzato anche il lavoro della grande attrice tragica del Teatro Maly M. N. Yermolova.

Le aspirazioni avanzate e democratiche degli attori più talentuosi del Maly Theatre hanno costantemente provocato una feroce resistenza da parte delle autorità teatrali e della censura. Molte delle opere di Ostrovsky, nonostante il loro successo di pubblico, venivano spesso ritirate dalle rappresentazioni. Eppure, le opere di Ostrovsky stanno diventando sempre più saldamente incluse nel repertorio del teatro, influenzando anche altri drammaturghi.

Negli anni 80-90 del XIX secolo. dopo l'assassinio di Alessandro II da parte di Narodnaya Volya, l'offensiva della reazione si intensificò. L'oppressione della censura ha avuto un effetto particolarmente duro sul repertorio del teatro. Il Teatro Maly sta attraversando uno dei periodi più difficili e controversi della sua storia. La base della creatività dei più grandi attori del Maly Theatre erano i classici.

Le produzioni drammatiche di Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, Hugo con la partecipazione della più grande attrice tragica Maria Nikolaevna Yermolova sono diventate eventi nella vita teatrale di Mosca, in cui lo spettatore ha visto l'affermazione di idee eroiche, l'esaltazione di azioni civili , un appello alla lotta contro l'arbitrarietà e la violenza.

Troupe del Teatro Maly alla fine del XIX secolo. era insolitamente ricco di attori di talento. Erano meravigliosi successori delle gloriose tradizioni del Teatro Maly, la sua arte della profonda verità nella vita, i custodi dei precetti di Shchepkin, Mochalov, Sadovsky.

Durante la stesura del saggio, ho utilizzato molte fonti e ho scoperto che il Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo nei primi decenni del secondo metà del XIX v. ha vissuto il periodo più difficile della sua storia. Anche una grande influenza sulle sorti del teatro ha sempre avuto la sua vicinanza alla corte reale. La direzione dei teatri imperiali trattava la compagnia teatrale russa con palese disprezzo. Una netta preferenza è stata data agli attori e al balletto stranieri. L'arte degli attori del Teatro di Alessandria si è sviluppata principalmente nella direzione del miglioramento dei metodi di espressione esterni. il più grande maestro Vasily Vasilyevich Samoilov (1813-1887), che padroneggiava magistralmente la tecnica della recitazione, creava immagini realistiche e scenicamente spettacolari.

Pertanto, possiamo concludere che la cultura della Russia nel XIX secolo è insolitamente varia e vibrante. Nella drammaturgia e nel teatro sono apparsi nuovi nomi di drammaturghi e attori, che sono diventati noti non solo nella storia della Russia, ma in tutto il mondo.

Istituto di istruzione di bilancio dello Stato federale

istruzione professionale superiore

"Università statale di architettura e ingegneria civile di Nizhny Novgorod"

Facoltà di Architettura e Urbanistica

Dipartimento storia nazionale e cultura

Argomento: "Vita teatrale in Russia nel XIX secolo"

Completato da: Kolosova E.V., 1° corso,

Controllato da: Professore Associato Grebenyuk A.V.

Nizhny Novgorod

introduzione

Capitolo 1. La prima metà dell'Ottocento nell'arte teatrale

1La nascita dei teatri pubblici e privati. Dispositivo e controllo

2 Repertorio

capitolo 3

Conclusione

introduzione

Nel XIX secolo, il teatro divenne un fenomeno significativo nella vita culturale della Russia. E la popolarità dell'arte teatrale è cresciuta. È diventato non solo una parte vita secolare e centro di comunicazione laica del pubblico metropolitano e provinciale, ma anche importante fattore della vita pubblica e peculiare forma di espressione della coscienza pubblica. Ai nostri giorni, l'interesse per l'arte teatrale non è scomparso, quindi l'argomento che ho scelto rimane rilevante oggi. Il XIX secolo nella vita del teatro russo è l '"età dell'oro", durante la quale sono state create le più grandi opere del dramma classico, la scuola di recitazione russa. Questo è un periodo molto importante nella storia dello sviluppo del teatro russo, della cultura artistica russa in generale.

Lo scopo del mio saggio è arricchire le mie conoscenze in questo settore, valutare il XIX secolo come un periodo significativo nella storia del teatro russo.

Per fare questo, ho bisogno di studiare un gran numero di materiale sulla storia dello sviluppo dell'arte teatrale russa, scopri come sono cambiate le tendenze nel teatro, scopri i più grandi drammaturghi e attori.

Il mio lavoro è composto da 2 capitoli, in cui cercherò di rivelare il mio argomento nel modo più completo possibile.

Capitolo I. La prima metà dell'Ottocento nell'arte teatrale

1 La nascita dei teatri pubblici e privati. Dispositivo e controllo

All'inizio del XIX secolo, i teatri della fortezza provinciale continuarono a funzionare. Sebbene nai grande quantità C'erano teatri simili a Mosca e San Pietroburgo: su 103 teatri fortezza cittadini, 53 operavano a Mosca, 27 a San Pietroburgo e 23 in altre città della Russia europea. Allo stesso tempo, la diffusione degli stabilimenti teatrali nella periferia è stata significativa: nella provincia di Mosca c'erano 63 teatri, a San Pietroburgo - 30, a Penza, Kursk, Orel, Nizhny Novgorod - 5-7, Vladimir, Voronezh, Smolensk, Poltava - 2-4 e infine, a Vologda, Volyn, Pskov, Simbirsk - 1 teatro per provincia.

L'ulteriore esistenza di teatri pubblici privati ​​è stata determinata dalle esigenze del pubblico. I teatri potevano esistere solo in quelle città dove c'era il necessario contingente di pubblico teatrale. Pertanto, ad esempio, il teatro del proprietario terriero Esipov a Kazan, un grande centro commerciale, amministrativo e culturale della regione del Medio e Basso Volga, e il teatro del principe Shakhovsky a Nizhny Novgorod si sono rivelati i più durevoli. La vicinanza all'ultima fiera Makarievskaya ha contribuito alla sua prosperità. Fondato alla fine del XVIII secolo, il teatro di Novgorod fu ricostruito e ampliato nel 1811; aveva 27 palchi, 100 posti in platea, 50 posti e 200 posti in tribuna. La stagione teatrale è stata notevole per la sua lunga durata: gli spettacoli si sono svolti tre volte alla settimana da settembre a metà giugno.

Il teatro di Kamensky a Orel, poi descritto da Herzen nel racconto "La gazza ladra", era molto famoso. Kamensky si distingueva per crudeltà, tirannia e numerose stranezze. Tuttavia, una sincera passione per il teatro lo ha aiutato a creare un'eccellente compagnia, in cui il comico Kozlov e attrice di talento Kozmina. Nel 1818, Kamensky cercò di acquistare l'allora noto attore servo M.S. Shchepkin, ma il principe Repnin era davanti a lui.

Tuttavia, la rinascita dei teatri della fortezza nei primi decenni del XIX secolo fu di breve durata. All'inizio degli anni '40, praticamente cessarono di esistere, lasciando il posto a compagnie private, composte da attori civili e gruppi teatrali statali.

I teatri statali, o come venivano allora chiamati, apparivano nelle capitali della Russia già nel XVIII secolo. All'inizio del XIX secolo ce n'erano molti a San Pietroburgo: questo è il teatro del palazzo nell'Ermitage, Gran Teatro- un enorme edificio a quattro livelli situato tra la Moika e il canale Ekaterininsky, e il Teatro Maly, costruito nel 1801 dall'architetto Brenna vicino al ponte Anichkov. Insieme all'opera russa, al balletto, alle compagnie teatrali, vi si sono esibiti stranieri - francesi, italiani. Ingenti somme di denaro furono spese per il mantenimento di quest'ultimo.

All'inizio dell'Ottocento fu riorganizzato il sistema di gestione dei teatri statali della capitale e fu istituito un monopolio teatrale. Nel 1803 fu emesso un decreto che concedeva ai teatri statali il diritto esclusivo di organizzare mascherate pubbliche e stampare manifesti teatrali. Allo stesso tempo, i teatri privati ​​operanti in tre città sono stati chiusi. Così, nel 1803, una compagnia teatrale privata fu liquidata a San Pietroburgo, nel 1805 - una tedesca, e il teatro da essa occupato il Piazza del Palazzo diventa governo. Dal 1805 fu ufficialmente istituito il monopolio dei teatri imperiali di Mosca e San Pietroburgo. Questa misura è stata motivata da considerazioni politiche ed economiche. La crescente popolarità degli spettacoli teatrali, la loro discussione sulle pagine delle riviste, il desiderio del pubblico progressista di trasformare il teatro in una tribuna di idee amanti della libertà ha suscitato la paura del governo e il desiderio di subordinare gli spettacoli teatrali al suo controllo. Allo stesso tempo, l'istituzione del monopolio statale dei teatri della capitale, accompagnata dal divieto dei teatri privati ​​​​a Mosca e San Pietroburgo, avrebbe contribuito ad aumentare gli incassi al botteghino degli stabilimenti di intrattenimento statali, il che non aveva poca importanza, poiché le spese dell'erario per le sovvenzioni ai teatri statali raggiunsero notevoli dimensioni.

A seguito della riorganizzazione, la gestione dei teatri statali fu affidata alla direzione dei teatri imperiali, che era responsabile degli uffici di Mosca e San Pietroburgo. La direzione controllava non solo il lato finanziario, ma anche il repertorio dei teatri, la composizione delle compagnie e tutti i dettagli della vita teatrale. Molto spesso questo controllo si è trasformato in meschina tutela arbitraria.

Questa riorganizzazione ha contribuito all'inasprimento del controllo governativo sulle attività dei teatri e alla burocratizzazione dell'amministrazione teatrale.

I funzionari, che non avevano idea dell'arte, erano incaricati di dirigere il lavoro di drammaturghi e attori.

Tale politica teatrale era rigorosamente attuata dalla direzione dei teatri imperiali. I veri funzionari hanno fatto molti sforzi per rafforzare il controllo del governo sul teatro. I problemi creativi sotto di lui sono stati risolti esclusivamente dall'amministrazione. Il repertorio è stato attentamente monitorato, cercando di riempirlo con opere di natura leale o puramente divertente.

La posizione degli attori in tali condizioni era particolarmente difficile. Sebbene formalmente persone libere, in sostanza dipendevano completamente dall'arbitrarietà della direzione, dei funzionari e delle autorità di polizia. Entrando nel palcoscenico statale, gli attori hanno firmato un contratto triennale con la direzione. Secondo esso, erano obbligati a svolgere senza fallo i ruoli che sarebbero stati assegnati loro dall'amministrazione. Gli attori che hanno avuto successo con il pubblico hanno ricevuto anche i cosiddetti spettacoli di beneficenza, la cui collezione è stata in gran parte trasferita all'artista. Tuttavia, la minima protesta contro i termini del contratto potrebbe portare alla sua risoluzione e, di conseguenza, lasciare l'attore senza lavoro.

La possibilità di pressioni da parte della direzione sugli attori era aggravata dalla posizione ineguale in cui si trovavano allora i "servi di Melpomene". Agli occhi dei rappresentanti dell '"alta società", l'artista dei teatri imperiali differiva poco dall'attore del servo, essendo lo stesso "attore", "comico", rinnegato sociale.

La posizione "bassa" degli attori veniva costantemente sottolineata dai funzionari della direzione dei teatri imperiali, che li sottoponevano costantemente a insulti e punizioni arbitrarie. Sebbene gli attori non fossero soggetti a punizioni corporali - erano soggetti solo a falegnami teatrali, fuochisti e altri impiegati inferiori del palcoscenico - gli arresti "in ufficio" o "a teatro" erano la misura più comune di influenza della direzione su l'attore. Inoltre, gli attori sono stati spesso soggetti a tali punizioni non per eventuali violazioni disciplinari, ma per indipendenza creativa.

La vita artistica di quel tempo era molto povera. Anche gli artisti dei teatri statali, che percepivano un certo stipendio e quindi dipendevano meno dal botteghino rispetto agli artisti provinciali, incontravano continue difficoltà economiche. Gli stipendi degli attori dei teatri imperiali erano, di regola, esigui e per la maggior parte non bastavano per mantenere la famiglia, acquistare costumi e altre necessità della vita dell'attore. Pertanto, le prestazioni di beneficenza hanno svolto un ruolo significativo nel bilancio familiare e hanno iniziato a prepararsi in anticipo. All'inizio, l'attore o l'attrice era impegnato nella scelta di uno spettacolo, invitando i compagni a partecipare allo spettacolo, compilando un poster delle dimensioni più grandi possibili con i titoli più allettanti. Gli aggettivi "misterioso", "terribile", "sanguinoso" erano inevitabili quanto le menzioni di raffiche di fucili, stelle filanti e altre meraviglie pirotecniche. I beneficiari della famiglia, sperando di toccare il pubblico, spesso aggiungevano divertissements allo spettacolo, in cui i loro figli leggevano favole o ballavano.

v Quindi, riassumiamo tutto quanto sopra, evidenziamo la cosa principale che il teatro russo aveva già ricche tradizioni all'inizio del XIX secolo. I primi decenni del XIX secolo furono segnati dal crescente sviluppo del teatro russo: cresceva la popolarità dell'arte teatrale, il teatro della gleba veniva sostituito dal "teatro libero" - statale e privato. Notizie teatrali, discussioni sul teatro compaiono in quasi tutti i periodici dell'inizio dell'Ottocento. All'inizio dell'Ottocento fu riorganizzato il sistema di gestione dei teatri statali della capitale e fu istituito un monopolio teatrale. La posizione degli attori era particolarmente difficile: essi, infatti, dipendevano completamente dall'arbitrarietà della direzione, dei funzionari e delle autorità di polizia.

1.2Transizione dal classicismo e dal romanticismo al realismo

Nel secondo decennio del XIX secolo, le tradizioni del classicismo nel teatro russo iniziarono a declinare. Le convenzioni di una tragedia classica con l'unità obbligatoria del tempo e del luogo dell'azione, con l'opposizione della "ragione" alle "passioni" di una persona e, infine, la stessa esagerazione nel rappresentare le qualità positive e negative di un carattere umano non suscitava più simpatia nell'auditorium.

Nel primo decennio dell'Ottocento, il sentimentalismo, con la sua attenzione predominante al mondo interiore dell'uomo, con le sue aspirazioni democratiche, acquistò naturalmente popolarità sia in letteratura che in teatro.

Ciò è dovuto al fatto che l'influenza dell'epoca, segnata per la Russia dalla crescente crisi del sistema feudale della gleba e dalla crescita coscienza nazionale, così chiaramente manifestato negli eventi della guerra patriottica del 1812, si espresse non solo nell'attivazione del pensiero sociale e del movimento sociale, ma anche nelle nuove esigenze dell'arte in generale e del teatro in particolare. Nell'azione teatrale dell'inizio del XIX secolo, insieme all'allegro divertimento, lo spettatore cercava "similitudini della vita", inoltre, la vita moderna con i suoi problemi e conflitti moderni, i personaggi - una parvenza di normali sentimenti ed esperienze umane .

Grande influenza sulla formazione del sentimentalismo scenico aveva N.M. Karamzin, che ha parlato molto sulle pagine del Moscow Journal, e poi del Vestnik Evropy, come teorico dell'arte e critico teatrale. Nei suoi articoli condannava aspramente le tradizioni del classicismo. Inoltre, nonostante la moderazione delle opinioni socio-politiche, Karamzin, che era profondamente consapevole dei vizi della servitù e del dispotismo dominante del governo centrale, proclama l'idea dell'uguaglianza morale delle persone, richiama l'attenzione di scrittori e drammaturghi a tema popolare. Questi principi furono adottati da drammaturghi come N.I. Ilyin e V.M. Fedorov.

Il dramma sentimentale nel dramma russo ha ricevuto un duplice sviluppo. Le tendenze progressiste del sentimentalismo hanno contribuito al rafforzamento delle idee di nazionalità, umanesimo sociale e interesse per il mondo interiore dell'uomo nell'arte. A questo proposito, il sentimentalismo ha preparato la formazione dell'estetica rivoluzionaria-romantica dei Decabristi.

D'altra parte, opere come i drammi di Fedorov hanno gettato le basi per il dramma monarchico pseudo-popolare.

Nella costruzione di opere drammatiche, gli scrittori sentimentali hanno abbandonato i canoni estetici del classicismo. L'azione dell'opera, non limitata dalle convenzioni (l'unità di tempo, luogo e azione), si è sviluppata liberamente secondo il conflitto principale della trama. Ma, come la tragedia classica, il dramma sentimentale conservava un carattere moraleggiante. Nell'atto finale dell'opera, il vizio, di regola, veniva punito, la virtù trionfava.

Nell'arte della recitazione, tuttavia, il sentimentalismo si esprimeva in una maggiore sensibilità, pur mantenendo molte delle precedenti regole di comportamento scenico. Ad esempio, proprio come nella tragedia classica, nel dramma sentimentale (e più tardi nel dramma romantico), il trucco, le intonazioni e le espressioni facciali dell'eroe positivo differivano nettamente da furfante. “Una grande testa riccia è proprietà di un eroe, una parrucca rossa e arruffata, una testa abbassata, occhi selvaggiamente sporgenti, che lanciano scintille da sotto le sopracciglia, è l'immagine di un cattivo. Tono di canto nel primo, respiro sibilante - nel secondo. Urla selvagge, sia da una parte che dall'altra, servivano da indicazione di un'impennata interna ”, ha ricordato uno degli attori della prima metà del XIX secolo. La cosa principale per l'attore in un dramma sentimentale era esprimere simpatia, pietà, tenerezza verso personaggi positivi e virtuosi. Particolarmente toccanti sono state le scene di rimorso, addio, ecc.

Romanticismo come movimento artistico nell'arte teatrale russa si è diffusa principalmente dal secondo decennio del XIX secolo.

In termini sociali e artistici, il romanticismo teatrale aveva qualche comunanza con il sentimentalismo. Come il dramma sentimentale, romantico, in contrasto con il razionalismo della tragedia classica, ha rivelato il pathos delle esperienze delle persone ritratte. Tuttavia, pur affermando il significato della personalità umana con il suo mondo interiore individuale, il romanticismo allo stesso tempo preferiva la rappresentazione di personaggi eccezionali in circostanze eccezionali. I drammi romantici, così come i romanzi, i racconti, erano caratterizzati da una trama fantastica o dall'introduzione di una serie di circostanze misteriose: l'apparizione di fantasmi, fantasmi, tutti i tipi di presagi, ecc. il dramma era organizzato in modo più dinamico rispetto alla tragedia classica e al dramma sentimentale , in cui la trama si svolgeva principalmente in modo descrittivo, nei monologhi dei personaggi. In un dramma romantico, sono state le azioni dei personaggi a predeterminare l'epilogo della trama, mentre interagivano con l'ambiente sociale, con le persone.

Il dramma romantico, come il sentimentalismo, iniziò a svilupparsi dagli anni '20 agli anni '40 in due direzioni, riflettendo una linea sociale conservatrice e progressista. Le opere drammatiche che esprimono un'ideologia leale sono state contrastate dalle creazioni della drammaturgia, dramma e tragedia decabrista, piene di ribellione sociale.

La nuova comprensione dell'arte teatrale dettava anche requisiti speciali per le opere drammatiche. "Do involontariamente la priorità a ciò che scuote l'anima, ciò che la eleva, ciò che tocca il cuore", scrisse A. Bestuzhev a Pushkin nel marzo 1825, riferendosi al contenuto delle commedie. Oltre alla trama toccante e sublime del dramma, secondo A. Bestuzhev, il bene e il male dovrebbero essere chiaramente distinti, che dovrebbero essere costantemente smascherati e flagellati con la satira. Ecco perché la "Stella polare" ha accolto con tanto entusiasmo l'apparizione della commedia "Woe from Wit" di A. S. Griboedov. Un talentuoso drammaturgo della tendenza decabrista era P. A. Katenin, membro di società segrete, drammaturgo, traduttore, conoscitore e amante del teatro, educatore di numerosi eccezionali attori russi. Essendo una persona versatile e di talento, ha tradotto le commedie dei drammaturghi francesi Racine e Corneille, si è impegnato con entusiasmo nella teoria del dramma, difendendo l'ideale di nazionalità e originalità dell'arte scenica, il suo libero pensiero politico. Katenin ha anche scritto le sue opere drammatiche. Le sue tragedie "Arianna" e soprattutto "Andromaca" erano piene di spirito civico e amante della libertà. Le audaci esibizioni di Katenin non piacevano alle autorità e nel 1822 l'inaffidabile frequentatore di teatro fu espulso da San Pietroburgo.

Il polo opposto della drammaturgia romantica era rappresentato dalle opere di scrittori conservatori. Tali opere includevano opere di Shakhovsky, N. Polevoy, Kukolnik e drammaturghi simili. Le trame degli autori di tali opere erano spesso tratte dalla storia nazionale. Quindi, ad esempio, le commedie di Shakhovsky "Roslavlev" (scritte sulla base del romanzo di Zagoskin "Roslavlev, or Russians in 1812") e "Peasants, or the Meeting of the Uninvited" sono state create su temi di recente ultima guerra 1812. Per volontà dell'autore, sul palco sono stati creati spettacoli sciovinisti con sparatorie, scene di battaglia, cori militari e danze. La trama è permeata da una tendenza leale.

Così, il dramma romantico, dopo aver sostituito sul palcoscenico la tragedia classica e in parte il dramma sentimentale, ha adottato e mantenuto alcune delle loro caratteristiche. Insieme a maggiore divertimento e dinamismo della trama, maggiore emotività e una diversa base ideologica, il dramma romantico ha mantenuto il moralismo e il ragionamento insiti nelle precedenti forme drammatiche, lunghi monologhi che spiegano le esperienze interiori dell'eroe o il suo atteggiamento nei confronti di altri personaggi, la psicologia primitiva caratterizzazione dei personaggi. Tuttavia, il genere del dramma romantico, principalmente a causa della rappresentazione dei suoi sentimenti elevati, dei suoi bellissimi impulsi e della trama divertente, si dimostrò abbastanza durevole e sopravvisse con alcuni cambiamenti fino alla seconda metà del XIX secolo.

P. S. Mochalov, uno degli attori eccezionali della prima metà del XIX secolo, regnò sul palcoscenico del Moscow Drama Theatre, iniziò la sua carriera teatrale come attore nella tragedia classica. Tuttavia, grazie alla sua passione per il melodramma e il dramma romantico, il suo talento è migliorato in questo settore e ha guadagnato popolarità come attore romantico. Durante gli anni di reazione politica che seguirono alla sconfitta della rivolta decabrista, il lavoro di Mochalov rifletteva sentimenti pubblici progressisti.

M. S. Shchepkin divenne il fondatore del realismo teatrale russo. Figlio di un servo anni giovanili esibendosi sui palcoscenici dei teatri della gleba, lui, essendo già un uomo maturo e un attore famoso, fu riscattato dalla schiavitù della gleba. Non avendo ricevuto alcuna educazione seria durante l'infanzia, Shchepkin ha acquisito la conoscenza da solo, leggendo molto, comunicando con le persone progressiste del suo tempo.

Essendo diventato uno dei migliori attori del palcoscenico russo, Shchepkin ha fatto molto per trasformarlo. Con il suo lavoro ha gettato le basi del realismo sulla scena russa. Shchepkin avrebbe esposto il contenuto del suo metodo, numerosi pensieri sulle capacità di recitazione nel secondo volume delle sue Note autobiografiche, ma non ebbe il tempo di farlo. Tuttavia, le sue dichiarazioni sul teatro, l'arte dell'attore, sono state conservate nella memoria dei suoi studenti e parenti, in lettere ad amici e compagni di scena. Queste affermazioni consentono di presentare le opinioni di Shchepkin come un unico sistema coerente di arte scenica realistica.

v Concludiamo che, nei primi decenni dell'Ottocento, il teatro di prosa suscitava il vivo interesse della società russa, che lo valutava come uno dei centri spirituali più importanti del Paese. Durante questo periodo, anche la drammaturgia russa passa dal classicismo al sentimentalismo e al romanticismo, e poi al realismo, si sta formando una scuola di abilità recitative, costruita su nuovi principi di riflessione della realtà, che ha dato al mondo maestri del palcoscenico come M. Shchepkin, P. Mochalov e altri.

Capitolo 2. Seconda metà del XIX secolo

1 Organizzazione di attività teatrali. Artisti e pubblico

Alla fine degli anni Cinquanta e all'inizio degli anni Sessanta, il teatro drammatico suscitò il vivo interesse della società russa, che lo valutava come uno dei centri spirituali più importanti del Paese. Nello spirito di diffusi sentimenti di libertà, il teatro era visto come una sorta di "tribuna in difesa dell'uomo". Si presumeva che l'arte drammatica non solo rappresentasse, ma spiegasse anche la realtà contemporanea: avrebbe fatto luce su tutte le "dannate domande". Inoltre, il teatro aveva lo scopo di diffondere l'arte concetti estetici e idee all'avanguardia. Questa funzione illuminante del teatro è particolarmente significativa in relazione agli strati medi e inferiori del popolo russo, tra i quali vi è un gran numero di analfabeti e completamente analfabeti.

L'ampio interesse pubblico ha trovato espressione nella divulgazione delle informazioni sul teatro. Giornali e riviste di varie direzioni hanno pubblicato articoli, recensioni, recensioni, coprendo vari aspetti dell'attività teatrale: amministrazione, repertorio, arte degli attori. C'erano anche riviste teatrali speciali Musical and Theatre Bulletin (1856-1860), Russian Stage (1864-1865), Music and Theatre (1867-1868), ecc.

Hanno scritto molto sul teatro e sui giornali: San Pietroburgo - "Northern Bee", "Petersburg Leaf", "Voice", Mosca - "Moskovskie Vedomosti", "Russian Vedomosti", "The Day", in particolare il giornale teatrale " Antratto". Anche la stampa provinciale non è rimasta lontana dagli interessi teatrali (Kievlyanin, Odessa Herald, Kavkaz, ecc.).

In numerosi giornali e riviste sono apparse sezioni regolari di recensioni teatrali e revisori speciali, tra cui scrittori e drammaturghi di spicco: nel "Vedomosti di San Pietroburgo" - V. Krylov, V.P. Burenin, A.S. Suvorin, in "Voce" - M.A. Zagulyaev, D.V. Averkiev, nella "Modern Chronicle" - N.S. Nazarov e N.S. Leskov. A Sovremennik, i materiali teatrali venivano stampati da I.I. Panaev e M.E. Saltykov-Shchedrin, nella "Biblioteca per la lettura" - P.D. Boborykin.

Il numero di teatri è aumentato in modo significativo. Edifici teatrali speciali sono stati costruiti di nuovo o per sostituire quelli obsoleti a Nizhny Novgorod, Arkhangelsk, Kiev, Nikolaev, Tambov, Uralsk, Ufa, Ryazan, Orel, Kostroma, Rostov sul Don, Smolensk, Saratov, Sumy, Kaluga, Taganrog e Novocherkassk .

Più di 50 centri provinciali e regionali sono stati costantemente visitati da compagnie teatrali professionali.

In molte città di provincia c'erano teatri permanenti con un cast forte (a Kharkov, Kazan, Kiev, Odessa, Voronezh, Nizhny Novgorod, Astrakhan, Saratov, Novocherkassk, Vilna e Tiflis).

Il teatro faceva parte della vita non solo della capitale, ma anche delle città di provincia.

A metà del XIX secolo, secondo il monopolio teatrale nelle capitali, c'era solo un palcoscenico statale, a Mosca - i teatri Bolshoi e Maly, a San Pietroburgo - il Bolshoi (successivamente bruciato - N. Ya. ), Alessandria, Mikhailovsky e, dal 1860, Mariinsky. La struttura gestionale dei teatri imperiali, istituita nel 1842, continuò ad esistere immutata nella seconda metà dell'Ottocento. L'organo supremo dell'amministrazione teatrale era la Direzione dei Teatri Imperiali, che si occupava sia dei teatri di prosa che di quelli musicali, delle scuole di teatro e delle biblioteche. organi esecutivi Le direzioni erano gli uffici di San Pietroburgo e Mosca. La direzione dei teatri imperiali apparteneva al Ministero della Corte. Quest'ultimo, attraverso la direzione dei teatri imperiali, controllava la vita teatrale delle capitali. La direzione ha determinato il repertorio dei teatri, la composizione della compagnia, la distribuzione dei ruoli. Allo stesso tempo, furono create le condizioni più favorevoli per il balletto, l'opera italiana e il teatro francese, popolari nei circoli aristocratici, che furono sovvenzionati dal tesoro.

Le opere drammatiche sono state sottoposte a censura generale presso l'Ufficio principale della stampa e quindi riviste dal Comitato per il teatro e la letteratura per l'idoneità scenica. Un tale ordine, che rendeva difficile e rallentava la produzione di opere teatrali, era particolarmente difficile per i teatri provinciali, che dovettero attendere diversi mesi il permesso da San Pietroburgo per uno spettacolo già programmato per il repertorio.

La censura, a tutela del prestigio del clero, dei funzionari e degli ufficiali, non ha mancato di commedie in cui i rappresentanti di queste classi apparivano in una "forma inappropriata". Gli eventi politici stranieri e nazionali dovevano essere coperti dallo spirito governativo. La persona dello zar poteva apparire sul palco solo in quei casi in cui veniva glorificata la statualità russa.

Naturalmente, un certo numero di opere teatrali furono bandite, come "Case" di Sukhovo-Kobylin (fino al 1882), Death di Tarelkin (fino al 1900) e "Shadows" di Saltykov-Shchedrin (fino al 1914), ecc.

Il desiderio della comunità teatrale di aggirare la censura e il monopolio dei teatri statali iniziò a manifestarsi nell'organizzazione di spettacoli in vari incontri pubblici già negli anni '60. Così, dalla fine degli anni '60 a Mosca, sotto il Circolo Artistico, sorto su iniziativa di AN Ostrovsky e P. G. Rubinshtein, fu creato un teatro, che operò fino agli anni '80 diritto per gli imprenditori di aprire teatri privati ​​​​a Mosca e San Pietroburgo.

I primi teatri privati ​​dopo l'abolizione del monopolio teatrale differivano poco nel carattere dalle imprese di club degli anni 1860-1880, i grandi teatri privati ​​iniziarono a formarsi nella seconda metà degli anni '90 del XIX secolo. Uno dei primi e più duraturi teatri privati ​​nelle capitali fu il teatro di F. A. Korsh a Mosca (1882-1917). A San Pietroburgo nel 1882-1883 furono aperti il ​​\u200b\u200bteatro dell'Associazione degli attori sulla Fontanka, il teatro privato "Fantasy" sulla Moika e il teatro privato pubblico nel maneggio Mikhailovsky.

I teatri di Stato dopo l'abolizione del monopolio teatrale rimasero sotto la giurisdizione del Ministero della Corte Imperiale e furono gestiti dalla Direzione. Ma la loro situazione era complicata dall'apparizione di concorrenti sotto forma di teatri privati, dove a volte se ne andavano bravi attori, dove venivano messe in scena opere teatrali che dovevano essere messe in scena sul palcoscenico statale. A questo proposito, il nuovo direttore della Direzione del Teatro, I. A. Vsevolozhsky, persona di istruzione europea, bravo disegnatore, amante dell'arte, soprattutto del balletto, ha cercato di riformare il palcoscenico statale, facendone una sorta di modello per i teatri privati. Drammaturghi e personaggi teatrali iniziarono ad essere introdotti alla guida dei teatri imperiali sotto di lui. Così, dal 1882 al 1893, A. A. Potekhin divenne il direttore della compagnia del Teatro Alexandrinsky, poi - V. A. Krylov.

La base del repertorio di questi teatri era la drammaturgia classica. I miglioramenti parziali non hanno tuttavia eliminato le principali carenze nella gestione dei teatri statali.

Posizione finanziaria artisti - stipendi, numero di benefici - dipendevano anche dal "permesso" di ranghi grandi e piccoli della direzione, che dava origine a servilismo, ogni tipo di intrigo in ambiente teatrale. Il ruolo principale nella performance è stato assegnato agli attori. L'attività del regista si riduceva spesso a indicare la messa in scena. La parte di produzione non soddisfaceva requisiti significativi. In un teatro di prima classe come l'Alexandrinskij veniva utilizzato un sistema di scenografie standard, come un castello medievale, una stanza normale, un paesaggio invernale, ecc. indicatori dell'azione scenica. Suvorin ha osservato in questa occasione che "sulla scena alessandrina ... non sanno come sistemare i mobili, né rendersi conto che i ricchi arredano la loro vita in modo ricco, e i poveri - male". Anche i costumi raramente corrispondevano all'epoca raffigurata. Così, al Maly Moscow Theatre, i personaggi di Woe from Wit si sono esibiti in costumi alla moda degli anni '60 e '70 del XIX secolo.

In generale, la messa in scena era considerata un fattore secondario.

Con lo sviluppo dell'attività teatrale, è aumentato anche il numero di lavoratori di scena: attori, costumisti, oggetti di scena, lavoratori ausiliari, ecc. Il laboratorio di recitazione è stato rifornito da ex attori di teatri servi, imprenditori, nonché sarti teatrali, parrucchieri. Giovani di origine piccolo-borghese o figli di mercanti, usciti dal banco e dalla casa paterna, andavano affamati a vagabondare con qualche troupe di provincia.

A poco a poco, anche la composizione sociale dell'ambiente di recitazione è cambiata: insieme a persone della classe borghese, è apparso un numero significativo di nobili, per i quali il teatro è diventato una vocazione per la vita. Studenti di ginnasio, studenti, funzionari che se ne sono andati Servizio pubblico ufficiali in pensione. A questo proposito, la posizione sociale degli artisti nella seconda metà dell'Ottocento mutò notevolmente rispetto al periodo precedente. Prima di tutto, il nome umiliante "comico" è scomparso dalla vita di tutti i giorni: gli artisti sono stati riconosciuti come membri uguali della società. I luminari dei teatri della capitale, che godevano di meritati riconoscimenti e ricevevano stipendi significativi, occupavano un posto di rilievo nella vita culturale e sociale del Paese. aumentato notevolmente e livello culturale artisti, persone con istruzione superiore, soprattutto tra i giovani artistici degli anni 80-90. Insieme a Varlamov, che ha ricevuto un'istruzione familiare insignificante, Savina, che ha studiato in palestra per un paio d'anni, sul palcoscenico del Teatro Maly di Mosca, A. I. Sumbatov-Yuzhin, artista e drammaturgo laureato all'Università di San Pietroburgo a la sua giovinezza, fu una delle figure teatrali più istruite M. I. Pisarev; le persone con un'istruzione superiore si sono incontrate tra gli attori provinciali: il più grande attore provinciale V. N. Andreev-Burlak era un volontario all'Università di Kazan. Il drammaturgo e critico teatrale N. A. Potekhin ha recitato nelle province come attore e regista per diversi anni.

Allo stesso tempo, molti attori sono rimasti persone incolte, prive di interessi intellettuali. Secondo Ostrovsky, le anteprime di San Pietroburgo degli anni '70 erano "persone non sviluppate, non istruite e molto intelligenti, non hanno familiarità con nessuna letteratura, non esclusa la propria letteratura nazionale".

In misura ancora maggiore, questi qualità negative erano inerenti agli attori provinciali, che dipendevano non solo dalla discrezionalità delle autorità, ma dai gusti e dalle pretese della nobiltà e dei mercanti locali, dal basso livello di richieste della borghesia urbana e, soprattutto, dall'imprenditore. La situazione finanziaria degli attori provinciali era peggiore delle loro controparti che si esibivano sui palcoscenici della capitale. Inoltre, le rappresentazioni costanti, a volte quotidiane, di nuove commedie erano estenuanti (con un pubblico provinciale limitato, erano necessarie per garantire le tasse), il disordine quotidiano e i frequenti spostamenti.

Tuttavia, tra gli attori provinciali c'erano molti appassionati di talento che hanno dato tutte le loro forze a questo palcoscenico e lo hanno persino preferito ai teatri statali. Gli artisti provinciali più apprezzati sono stati il ​​​​meraviglioso tragico N. Kh. Rybakov, che ha interpretato con grande successo i ruoli di Amleto, Otello, Re Lear e V. N. Andreev-Burlak, "un comico con una forte propensione per la tragedia", che ha dedicato un grande posto nel suo lavoro al tema "piccolo uomo".

Negli anni 80-90, in connessione con l'emergere di teatri privati ​​​​nelle capitali, lo stato degli attori russi era cambiato in modo significativo. Gli stipendi dei presentatori sono aumentati così tanto che non solo hanno fornito loro un'esistenza agiata, ma li hanno trasformati in persone benestanti (cosa che ha suscitato l'indignazione delle "classi inferiori" artistiche). Le caratteristiche della vita dell'attore, rappresentate nelle commedie di Ostrovsky, appartenevano al passato. C'è stato un riavvicinamento degli attori non solo con i rappresentanti dell'intellighenzia artistica (scrittori, giornalisti, artisti), ma anche con medici, ingegneri e insegnanti.

Altrettanto eterogeneo e in graduale cambiamento come l'ambiente di recitazione era il pubblico.

Nella seconda metà del XIX secolo, la parte principale e più attiva dei visitatori del teatro era principalmente l'intellighenzia raznochintsy, composta da professori e studenti di istituti di istruzione superiore, avvocati, medici, giornalisti, scrittori, studenti delle scuole superiori, impiegati statali istituzioni.

I teatri di prosa nelle capitali erano visitati principalmente da "severi, veri amanti dell'arte" - critici teatrali, scrittori, giornalisti, poi professori e studenti, che costituivano una parte numericamente significativa del pubblico, la burocrazia media. A poco a poco, i mercanti si unirono al teatro. Primo: solo la generazione più giovane.

Dalla fine degli anni '70, la popolarità del teatro drammatico è diminuita a causa di una serie di circostanze. L'ondata del movimento rivoluzionario, che provocò una forte risonanza nella società, il guerriero russo-turco del 1877-1878, le successive crisi industriale e agraria - tutto ciò distolse l'attenzione dei contemporanei dalla scena drammatica. Le difficoltà della vita hanno fatto nascere in alcuni il desiderio di spettacoli leggeri e divertenti - operetta, circo, vari spettacoli di varietà, in altri - la passione per la musica sinfonica, l'opera, il balletto. Ma allo stesso tempo, come ha osservato il pubblicista A. V. Amfiteatrov, "nei vent'anni morti degli anni '80 e '90, i giovani sfiniti dalla scuola classica ... caddero" per vivere e morire nei teatri ". In effetti, i giovani intelligenti - studenti, liceali, cadetti - sono rimasti ardenti sostenitori della scena drammatica. Gli spettacoli altamente artistici dei teatri della capitale erano costantemente esauriti.

2 Repertorio

realismo dell'arte teatrale

All'inizio della seconda metà del XIX secolo, gli stessi generi di spettacoli teatrali che vi dominavano durante la prima metà del secolo - dramma, commedia, vaudeville - prevalevano sul palcoscenico dei teatri drammatici russi. La commedia e il vaudeville, che erano di natura leggera e divertente, erano particolarmente apprezzati. Quindi, il vaudeville "Vitsunir" di P. A. Karatygin non lasciò il palco fino al 1875.

Allo stesso tempo, il contenuto dei vaudeville ha subito un certo cambiamento sotto l'influenza del sentimento pubblico - sebbene la trama continuasse a basarsi su un incidente aneddotico, la cerchia dei personaggi si è notevolmente ampliata. Lo spettacolo iniziò ora a presentare molte persone di vari ceti sociali e professioni. Il giornalista e scrittore F. A. Koni nel vaudeville "Petersburg Apartments" ha mostrato un'intera serie di residenti della città che sono stati visitati dall'eroe-ufficiale alla ricerca di un nuovo appartamento. Un tale desiderio di portare sul palco gli abitanti russi, di mostrare la loro vita, porta una chiara impronta dell'influenza della "scuola naturale", che ha introdotto nuovi eroi nella letteratura russa: piccoli funzionari, custodi di San Pietroburgo, abitanti dei bassifondi urbani . Questa tendenza a mostrare sul palcoscenico della vita russa, tipi di russi sotto l'influenza del tempo e un nuovo spettatore, prevarrà nella drammaturgia degli anni 60-70 e determinerà una delle sue direzioni principali. “Il melodramma e il vaudeville stanno gradualmente lasciando il posto alle commedie quotidiane. Conti aggraziati, marchesi dai modi impeccabili, nobili ladri di melodrammi francesi sono costretti a cedere il passo agli eroi in uniformi di funzionari, biglietti da visita, frac e talvolta anche in cappotti e stivali unti.

Negli anni '60, l'operetta ha guadagnato popolarità, soprattutto sul palcoscenico del Teatro Alexandrinsky. Così, nel 1864, vi furono messe in scena le operette di "Dieci spose e non uno sposo" di Suppe e "Orfeo all'inferno" di Offenbach. Spettacoli leggeri e divertenti hanno goduto della simpatia del pubblico. Inoltre, l'operetta a volte accennava a qualcosa che non era oggetto di discussione aperta. Tuttavia, molti amanti dell'arte consideravano tali spettacoli sul palcoscenico del più grande teatro drammatico una profanazione.

Il melodramma ha occupato un posto significativo nel repertorio dei teatri russi negli anni '60 e '70. Negli anni '60, il pubblico era particolarmente attratto da "Spanish nobleman" di A. Dennery e F. Dumanoir, "Mother's Blessing" di A. Dennery e G. Lemoine, "Love and Prejudice" di Melville. Negli anni '70, Beggars of Paris, The Thief of Children, Murder on the Street of Peace, ecc., Erano popolari.

Insieme al melodramma si sviluppò anche il genere della piccola commedia, rappresentato da vari tipi di "scene", "immagini da ...", ad esempio: "Nel villaggio", "Sul fiume", "Sulla sabbia", ecc. Queste scene e dipinti raffigurati per la maggior parte la vita delle classi inferiori - la gente comune, i piccoli funzionari, i mercanti di medio livello e per lo più avevano un carattere umoristico.

Ma né il melodramma né l'operetta potrebbero soddisfare un pubblico più esigente. Nonostante il fatto che i repertori dei teatri drammatici russi includessero drammi classici - commedie di Griboedov, Gogol, opere di Shakespeare, Schiller, Hugo, la stampa periodica, esprimendo gli interessi del pubblico progressista, richiedeva che i drammaturghi si rivolgessero alla modernità, alla vita di tutti i giorni , a dolorosi problemi sociali. Gli spettatori nella capitale e nelle province volevano vedere la realtà russa sul palco. Ostrovsky ha osservato: "Il pubblico non residente, che ora viene a Mosca per vedere il Cremlino e le attrazioni storiche, vuole prima di tutto vedere la vita russa e la storia russa sul palco".

L'attualità del tema e l'orientamento ideologico diventano un tratto caratteristico della nuova drammaturgia. Il repertorio ha iniziato a riflettere la vita di tutti i segmenti della popolazione russa e una serie di questioni socialmente significative: il problema dei padri e dei figli, la questione delle donne (lo stato sociale e familiare delle donne), l'esposizione di corruzione e appropriazione indebita di funzionari e l'approvazione di lavoratori onesti e intelligenti, la questione della libertà personale di una persona e dei suoi diritti, ecc. È stato sviluppato una sorta di standard per la costruzione di opere così drammatiche: il portatore del male è una persona laica o molto ricca, la vittima è pura brava ragazza, non ricco e di basso rango. Si oppone al male circostante e difende coraggiosamente la vittima innocente di un giovane insegnante (studente o medico). Allo stesso tempo, l'immagine di un povero, nobile intellettuale - un cittadino comune cominciò ad apparire in quasi tutte le commedie. Poiché il numero di tali spettacoli era elevato, insieme a opere d'arte tra loro c'erano molti spettacoli deboli di un giorno.

L'implementazione più completa e artistica del tema nazionale è stata nell'opera di Alexander Nikolayevich Ostrovsky. Nato nel 1823 nella famiglia di un insignificante funzionario di Mosca, si interessò presto al Teatro Maly, dove a quel tempo si esibivano attori eccellenti come P. S. Mochalov, M. S. Shchepkin, P. M. Sadovsky, L. P. Nikulina -Kositskaya. Una passione giovanile si è presto trasformata in una vocazione di vita. L'intera vita di Ostrovsky è stata dedicata al teatro.

Il periodo iniziale del lavoro del drammaturgo si sviluppò sotto l'influenza diretta della "scuola naturale": si sforzò non solo per la riproduzione più veritiera della vita russa (di fronte principalmente ai mercanti), ma anche per mostrarne i lati oscuri, le basse passioni , inerzia, ignoranza. Queste caratteristiche del lavoro di Ostrovsky erano già evidenti nelle sue prime opere teatrali: "La nostra gente - sistemiamoci" (1850), "Non sederti sulla tua slitta" (1853), "La povertà non è un vizio" (1854), "Non vivi come vuoi" (1854). Il drammaturgo ha mostrato quanto sia oscura, piena di pregiudizi e assurde superstizioni, la vita degli strati medi della popolazione russa. L'eroe del dramma “Hard Days” Dosuzhev parla di un simile ambiente: “La gente è fermamente convinta che la terra stia su tre pesci e che, secondo le ultime notizie, sembra che uno stia iniziando a muoversi: significa che le cose stanno Cattivo; dove le persone si ammalano di malocchio, ma vengono curate dalla simpatia; dove ci sono astronomi che osservano le comete e guardano due persone sulla luna; dove ha una sua politica e si ricevono anche dispacci, ma solo di più dall'Arapia Bianca e dai paesi ad essa adiacenti. Ma ancora più terribili dell'ignoranza sono le oscure passioni delle persone: l'avidità, la ricerca del profitto a tutti i costi, l'estirpazione di denaro, la distorsione della personalità e del destino delle persone. Tipica a questo proposito è la trama della commedia "We'll Settle Our People", basata sulla storia del falso fallimento del ricco mercante Sampson Silych Bolshov. Per non pagare bollette e prestiti, Bolshov decide di dichiararsi presumibilmente insolvente, trasferendo tutti i documenti per la sua proprietà a Podkolyuzin, che ha sposato sua figlia. Ma quest'ultimo, avendo avuto l'opportunità di disporre della fortuna di Bolshov, rifiuta di restituirla al proprietario. La figlia di Bolshov, Lipochka, è totalmente solidale con suo marito, nonostante suo padre stia affrontando una prigione per debiti.

Nel tempo, il tema dell'accaparramento, l'accaparramento dei mercanti kondovy Zamoskvoretsky è stato sostituito dall'immagine di uno dei fenomeni fondamentali della realtà russa nella seconda metà del XIX secolo: lo sviluppo delle relazioni borghesi. E al posto di selvaggi mercanti-tiranni come Tit Titovich Bozhkov ("In uno strano banchetto di postumi di una sbornia") ci sono raffinati uomini d'affari del mondo capitalista, come Paratov in "Dowry", che ha parlato francamente di se stesso: "Io, Moky Parmenovich, non avere nulla di caro; Troverò un profitto, quindi venderò tutto, qualsiasi cosa. La crudeltà di questo mondo di estirpatori di denaro attendeva l'asprezza dei conflitti sociali. Per bocca del talentuoso meccanico autodidatta Kuligin, Ostrovsky ha dichiarato in The Thunderstorm: Morale crudele, signore, nella nostra città, crudele! Nel filisteismo, signore, non vedrai altro che maleducazione e nuda povertà. E noi, signore, non usciremo mai da questa corteccia. Perché con un lavoro onesto non guadagneremo mai più del nostro pane quotidiano. E chi ha soldi, signore, cerca di schiavizzare i poveri, in modo che possa guadagnare ancora di più dalle sue fatiche gratuite. E tra di loro, signore, come vivono! Si minano a vicenda il commercio, e non tanto per interesse personale, ma per invidia. Si combattono a vicenda…”

Sotto l'influenza della situazione sociale nei primi anni '60, la gamma di temi e personaggi nelle opere di Ostrovsky si espanse. Il drammaturgo si rivolge al mondo della burocrazia. Anche qui - la ricerca del profitto, ma il mezzo per acquisire ricchezza è una tangente. Ricordando i vecchi tempi, il funzionario Yusov ("Luogo redditizio") ammette con rammarico: "La burocrazia sta cadendo ... E com'era la vita ... Nuotare, solo nuotare ...". Sì, e ora insegna: "Prendilo in modo che il firmatario non si offenda e in modo che tu sia soddisfatto". Il mondo dei funzionari che accettano tangenti, così come dei mercanti avidi, paralizza le persone oneste. Un giovane colto e onesto, Zhadov, inizialmente pieno di idee e aspirazioni nobili, finisce nella commedia chiedendo un "lavoro redditizio". Tematicamente vicini a Profitable Place c'erano Pazukhin's Death di Saltykov-Shchedrin e la trilogia di Sukhovo-Kobylin Krechinsky's Wedding, Delo e Tarelkin's Death, che contenevano un'aspra satira sull'apparato burocratico. In termini di potere di esposizione, erano una diretta continuazione della tradizione dell '"ispettore generale" di Gogol.

Una caratteristica della drammaturgia russa, così come della letteratura contemporanea, era la combinazione di una tendenza criticamente accusatoria con un senso di profondo umanesimo. Continuando il genere del dramma socio-psicologico, Ostrovsky ha dedicato alcune delle sue opere al destino delle "chicche" - persone oneste, spiritualmente belle, tra le quali si nota un lirismo speciale immagini femminili.

La "questione femminile", cioè la questione della famiglia e dello stato civile delle donne, era negli anni '60 uno dei problemi più acuti e dibattuti, che né il teatro né la drammaturgia passano. In molte delle commedie di Ostrovsky degli anni '70 e '80, le eroine sono donne: Lyudmila Margaritova, Natalya Sizakova, Yulia Tugina, Larisa Ogudalova, Elena Kruchinina e altre amore, nobiltà. E sono tutti infelici. Già in The Thunderstorm (1859), a noi familiare dalla scuola, i naturali sentimenti umani, la purezza e l'integrità di Katerina entrano in conflitto con l'inerzia, l'ipocrisia, l'ipocrisia e il dispotismo di Kabanikh e Dikiy. Gli eventi di un dramma familiare assumono il significato di una tragedia popolare. Anche "Dowry", scritto nel 1879, termina con la morte dell'eroina.

La gamma tematica delle opere di Ostrovsky è ampia, riflettevano vari aspetti della vita della Russia post-riforma, presentavano molte caratteristiche tipi sociali- dai mercanti patriarcali pre-riforma, funzionari di tutti i ranghi a sofisticati uomini d'affari predatori borghesi, proprietari terrieri in rovina e rappresentanti dell'intellighenzia raznochintsy.

Nelle sue opere incarnava idee umane, fede nel trionfo del bene sul male. Al centro delle sue creazioni c'era sempre un principio nazionale. Anche i suoi drammi e cronache storiche "Kuzma Zakharovich Minin-Sukhoruk", "Voevoda" ("Dream on the Volga"), "Dmitry the Pretender and Vasily Shuisky", "Tushino", "Vasilisa Melentievna" sono intrisi dell'idea nazionale. Tutto ciò dà il diritto di considerare A. N. Ostrovsky il creatore della drammaturgia nazionale e democratica russa. Così lo apprezzavano i suoi contemporanei. I. A. Goncharov gli scrisse: “Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale hai posato pietre angolari Fonvizin, Griboedov, Gogol. Ma solo dopo di te, noi russi possiamo dire con orgoglio: “Abbiamo il nostro teatro nazionale russo . Dovrebbe essere giustamente chiamato il Teatro di Ostrovsky.

L'appello del drammaturgo alla vita quotidiana, che scorre senza fretta, alle complesse relazioni delle persone nella vita di tutti i giorni, è stato di grande importanza per stabilire i principi di un realistico "gioco femminile". Ostrovsky credeva che la psicologia umana fosse rivelata in modo più completo in " vita domestica”, mentre è riuscito a rivelare le relazioni familiari e domestiche delle persone come relazioni socio-psicologiche e socialmente significative.

Ostrovsky ha sviluppato nuovi metodi per costruire un dramma realistico: le trame delle sue opere si basano su profondi conflitti morali e sociali, che, come caratteristiche psicologiche i personaggi vengono rivelati man mano che l'azione procede. Il linguaggio delle opere di Ostrovsky si distingue per straordinaria ricchezza e genuina nazionalità. Il significato del suo lavoro per lo sviluppo della scena drammatica russa è enorme e duraturo: le opere di Ostrovsky, dopo aver superato la prova del tempo, vengono ancora rappresentate con successo nei teatri russi fino ad oggi.

Uno dei temi più popolari sia del pensiero sociale che della letteratura, nonché della drammaturgia della seconda metà dell'Ottocento, è stata la questione contadina: la situazione del villaggio pre e post riforma, il carattere del contadino russo, tratti nazionali, manifestato in esso, la relazione ex schiavi e signori, la penetrazione delle nuove influenze borghesi nelle campagne russe: tutte queste questioni hanno attirato l'attenzione dei drammaturghi e si sono riflesse nel loro lavoro.

All'inizio degli anni '60, uno dei drammi più significativi dedicati al villaggio pre-riforma era la commedia di A.F. Pisemsky "A Bitter Fate". L'autore, che ha lavorato per diversi anni nell'amministrazione provinciale di Kostroma come funzionario per incarichi speciali, ha tratto la trama da un locale prassi giudiziaria. Avendo "romanticizzato" la realtà, lo scrittore ha organizzato il materiale quotidiano secondo le leggi del palcoscenico. Il protagonista del dramma - Ananiy Yakovlev - "San Pietroburgo", cioè un contadino rilasciato in "latrina" a San Pietroburgo - un uomo forte, intelligente e onesto. Durante la sua assenza, la moglie di Anania, Lizaveta, adottò un bambino dal suo maestro Cheglov-Sokovin. Il ritorno di Anania, avendo saputo di questo, perdona sua moglie, ma le chiede di andarsene con lui. Innamoratasi del maestro, Elisabetta, con vari pretesti, cerca di impedirne la partenza. Cheglov vuole anche trattenere Anania. Perseguitato dal vile capo e dal "mondo" a lui obbediente, Anani uccide la "progenie del signore" e fugge dal villaggio, ma dopo poco, spezzato dalla coscienza della colpa, viene consegnato nelle mani della giustizia. La trama è intrisa di un sentimento democratico.

Tuttavia, il pubblico ha accolto la produzione dell'opera di Pisemsky in modo piuttosto indifferente, in parte e ostile, il che è stato spiegato principalmente dal fatto che ci si aspettava una più netta condanna della servitù dal dramma apparso sul palco quasi immediatamente dopo la riforma contadina del 1861. Il drammaturgo, invece, ha descritto l'immagine del maestro Cheglov come un uomo debole ma gentile che si innamorò sinceramente della contadina Lizaveta e di suo marito, innocente di un terribile crimine. Solo più tardi, negli anni '70, quando P. A. Strepetova ha interpretato il ruolo di Lizaveta, è stato rivelato il dramma di una semplice donna russa.

Ha occupato un posto speciale nel repertorio dei teatri drammatici russi nella seconda metà del XIX secolo. dramma storico. L'interesse per il passato del loro paese, che la società russa ha mostrato durante questo periodo, è stato espresso in grande popolarità commedie storiche. Nel corso dei due decenni degli anni '60 e '70, nei teatri della capitale sono state messe in scena più di 40 nuove opere storiche, tra cui Boris Godunov di Pushkin.

Il repertorio storico era estremamente eterogeneo. All'inizio degli anni '60, drammi come Hoffjunker di Kukolnik, Oprichnina e The Ice House di Lazhechnikov erano ancora conservati. Tuttavia, presto i giochi in cui eventi storici erano solo lo sfondo di intrighi melodrammatici, lasciano il posto a una nuova drammatica comprensione dei fatti affidabili del passato. Il primo dei drammaturghi di questa direzione è stato L. May, che nel suo dramma più popolare La sposa dello zar, nonostante il carattere melodrammatico dato al contenuto, lo ha basato su dati storici.

Con tutta la diversità del repertorio drammatico, in esso erano chiaramente indicate due tendenze. Da un lato - commerciale, incentrato sul botteghino e rappresentato principalmente da spettacoli divertenti. Un'altra tendenza, più significativa, ha trovato espressione nel dramma realistico, nel realismo popolare caratteristico di questo periodo, prevenuto nel suo atteggiamento nei confronti del bene e del male, della verità e della giustizia.

v Pertanto, la drammaturgia domestica ha presentato una serie di problemi sociali e morali che il teatro drammatico russo doveva incarnare. La nuova drammaturgia richiedeva anche nuovi metodi di attuazione. La caratteristica acuta del lavoro di Ostrovsky, l'intelligenza e il sottile psicologismo di Turgenev avevano bisogno di nuovi metodi per le arti dello spettacolo.

Conclusione

Nella storia della cultura millenaria delle "cinque Russie" - da Rus' di Kiev prima della Russia imperiale, il XIX secolo occupa un posto speciale. Questa è l'ascesa dello Spirito, quell'ascesa spirituale, che può essere giustamente considerata il grande Rinascimento russo. Quaranta scrittori hanno dato cibo spirituale a due secoli di tutta l'umanità! Il XIX secolo è unico soprattutto per la sua ricerca filosofica e morale della libertà, della giustizia, della fratellanza umana e della felicità mondiale. Il XIX secolo è una pietra miliare nello sviluppo della cultura russa di nove secoli e una pietra miliare molto importante nella complessa interazione contraddittoria di tradizioni e innovazioni alle soglie del XX secolo. Infine, questo è un periodo di sviluppo senza precedenti di un sistema come la cultura artistica, che diventa classico nel XIX secolo.

Elenco della letteratura e delle fonti utilizzate

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Storia della cultura russa. Un corso di lezioni per specialità non umanitarie. - MS: o-in "Conoscenza" Federazione Russa, 1993.

Georgieva T.S. Cultura russa: storia e modernità: Esercitazione. - M.: Yurayt, 1998. - 576 p.

Yakovkina n.n. Storia della cultura russa: XIX secolo. 2a ed., ster. - San Pietroburgo: casa editrice "Lan", 2002. - 576 p. - (Mondo della Cultura, della Storia e della Filosofia).

Saggi sulla cultura russa del XIX secolo. T. 6. Cultura dell'arte. - M .: Casa editrice dell'Università di Mosca, 2002. - 496 p. Yu Koshman [I.A. Fedosov]

Storia del teatro russo, ed. V.V. Kollash e N.E. Efros con la stretta partecipazione di A.A. Bakrushin e N.A. Popova; KA Korovin. Volume I. Mosca - 1914 - Casa editrice "Associazione". - 364 pag.

Cronaca del teatro russo. Arapov. San Pietroburgo: Triblen Printing House e Comp. Voi. Isola -1861 - 404 p.

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Cultura russa del XIX secolo

test

2.3 Teatro russo

Un fenomeno significativo nella vita culturale della Russia nella prima metà del XIX secolo. divenne teatro. La popolarità dell'arte teatrale è cresciuta. Il teatro della fortezza è stato sostituito da "libero" - statale e privato.

Opere drammatiche come "Woe from Wit" di A.S. Griboedov, "The Inspector General" di N.V. Gogol e altre sono state eseguite con grande successo sul palco. apparvero le prime commedie di AN Ostrovsky. Negli anni '20 e '40, l'eccezionale attore russo M.S. Shchepkin, amico di AI Herzen e N.V. Gogol, dimostrò il suo talento poliedrico a Mosca.

Anche altri artisti straordinari hanno riscosso un grande successo di pubblico - V.A. Karatygin - la prima del palcoscenico di Mosca, P.S. Mochalov, che regnava sul palcoscenico del Moscow Drama Theatre, ecc.

Progressi significativi nella prima metà del XIX secolo. raggiunto dal teatro di balletto, la cui storia a quel tempo era in gran parte associata ai nomi dei famosi registi francesi Didelot e Perrault. Nel 1815, la meravigliosa ballerina russa A. I. Istomina fece il suo debutto sul palcoscenico del Teatro Bolshoi di San Pietroburgo.

“Tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta, il teatro drammatico suscitò il vivo interesse della società russa, che lo valutava come uno dei centri spirituali più importanti del Paese. Nello spirito di diffusi umori libertari, il teatro era visto come una sorta di “tribuna in difesa dell'uomo”. Yakovkina N. I. Storia della cultura russa: XIX secolo. - San Pietroburgo, 2002. - S. 527.

Un ruolo importante nella formazione del teatro russo realistico è stato assegnato all'opera di A. N. Ostrovsky. Le idee teatrali innovative di Ostrovsky furono incarnate principalmente nei teatri imperiali Maly (Mosca) e Alexandrinsky (Pietroburgo), e dai palcoscenici imperiali si trasferirono in imprese private che operavano nelle province.

Il teatro russo sta gradualmente diventando un portavoce di idee sociali e pubbliche esclusivamente russe. Nuove generazioni di drammaturghi, registi, attori si stanno già concentrando interamente sulla storia e sui fenomeni sociali della Russia.

Il tempo tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo è associato alla formazione di una nuova estetica teatrale, che inizialmente coincise con trasformazioni sociali rivoluzionarie.

M. V. Lentovsky ha visto il teatro nello sviluppo delle tradizioni dell'arte areale, proveniente dalla buffoneria, come spettacoli di gala che affascinano il pubblico e si trasformano in festeggiamenti di massa.

K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko al Moscow Art Theatre sono diventati i fondatori del teatro psicologico, sviluppando e integrando ogni immagine scenica con un retroscena invisibile che stimola determinate azioni del personaggio.

L'estetica di V. E. Meyerhold era lo sviluppo di forme teatrali, in particolare il movimento scenico, è l'autore del sistema di biomeccanica teatrale.

Il Teatro Maly mantenne incrollabilmente le fondamenta classiche drammatiche, continuando le tradizioni storiche nelle nuove condizioni sociali.

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Il teatro russo nel diciannovesimo secolo si distingueva per una certa duplicità: da un lato continuava a reagire bruscamente a vari cambiamenti sociali e politici nella struttura statale e, dall'altro, migliorava sotto l'influenza delle innovazioni letterarie.

All'inizio dell'Ottocento, nel 1803, sotto Alessandro I, i teatri imperiali furono per la prima volta divisi in una compagnia teatrale e musicale, quella musicale, a sua volta, fu divisa in opera e balletto. L'idea di una tale divisione apparteneva a Katerino Cavos, che dirigeva lui stesso l'opera a San Pietroburgo. A Mosca, sebbene sia avvenuta ufficialmente una tale separazione, le parti musicali e drammatiche sono state unite per lungo tempo da un unico palcoscenico - fino all'apertura nel 1824 di un nuovo palcoscenico drammatico, che alla fine divenne noto come Teatro Maly. I teatri Maly e Bolshoy di Mosca non ottennero subito i loro nomi, all'inizio furono chiamati così solo per caratteristiche comparative, solo con il tempo ottennero lo status ufficiale. Tuttavia, nonostante la separazione delle truppe, entrambe le scene sono state effettivamente inseparabili per molto tempo a causa della direzione generale, dell'amministrazione, del guardaroba generale e di altri attributi teatrali necessari.

A poco a poco, il numero di teatri inclusi nella gestione dell'ufficio del teatro imperiale è aumentato. Questi erano i teatri statali di San Pietroburgo e Mosca, le cui compagnie si trovavano nel Teatro Bolshoi e Maly (Mosca), nel Teatro Mariinsky, Alexandrinsky, Hermitage, Bolshoi Kamenny (Pietroburgo). Gli attori e tutti gli altri dipendenti dei teatri imperiali non appartenevano a una compagnia, ma a tutti i teatri, e gli ufficiali dell'ufficio li disponevano a loro discrezione, quindi venivano facilmente nominati e riassegnati a diversi palcoscenici. Accadeva spesso che l'attore del Teatro Alexandrinsky fosse urgentemente inviato al Teatro Maly di Mosca e che i musicisti di San Pietroburgo si trasferissero al Teatro Bolshoi di Mosca. E, di conseguenza, viceversa. I funzionari dell'ufficio imperiale non erano preoccupati per le famiglie o altri problemi degli artisti a loro subordinati. I funzionari erano anche responsabili della parte del repertorio, dipendeva da loro se accettare o meno uno spettacolo o un'esecuzione musicale per la messa in scena. Ciò non ha lasciato il posto alla libertà di creatività, e quindi un posto crescente nella storia del teatro russo è stato occupato da compagnie private.

L'intera storia successiva del teatro russo è stata la storia del dominio dell'arte drammatica dell'Europa occidentale, principalmente francese. Questo stato di cose è continuato per quasi cento anni. La scuola di recitazione francese, pienamente ambientata sul palcoscenico russo e corrispondente al carattere interno del repertorio, ha dato origine a un numero considerevole di artisti di scena. La bellezza delle sue tecniche esterne caratteristiche, la finitura dei più piccoli dettagli del gioco, la cura dello stile e la dignità del lato declamativo della performance, insieme a un profondo rispetto per l'arte, hanno collocato i migliori attori russi insieme al maggiori forze artistiche dell'Occidente. Ci sono state epoche nella storia del teatro russo che non hanno avuto eguali nel numero di talenti straordinari che erano contemporaneamente sul palco. Tale era il tempo di Shchepkin, Shumsky, Mochalov, Sadovsky, Samarin, P. Stepanova, S. Vasilyeva E. N. Vasilyeva, Nikiforov, Medvedeva, Martynov, Sosnitsky, le sorelle Vera e Nadezhda Samoilov e il loro fratello Vasily Samoilov, nonché prima i loro genitori Vasily Mikhailovich e Sophia Vasilievna Samoilov e altri artisti che hanno lavorato sui palcoscenici di Mosca e San Pietroburgo.

Il XIX secolo fu una scoperta dei suoi talenti per la Russia. Il teatro russo, che si è rivelato un ottimo allievo e ha adottato le basi della cultura dell'Europa occidentale, ha iniziato a cercare le proprie modalità di sviluppo, in nessun caso allontanandosi dai suoi insegnanti, figure della cultura dell'Europa occidentale. Un vero bravo studente sarà sempre grato agli insegnanti. Ha avuto luogo la nascita dell'intellighenzia russa.

Questa volta è caratterizzata dall'ascesa dell'arte musicale russa: molti musicisti, compositori, cantanti, ballerini e coreografi originali russi iniziarono ad apparire, l'opera russa ottenne un successo particolare. La musica ha una sua direzione russa, nello sviluppo della quale i compositori del Mighty Handful hanno svolto un ruolo importante, mettendo in prima linea nelle opere musicali non tanto la bellezza musicale che delizia l'orecchio, quanto il tema, la trama del musical lavoro.

Il primo storiografo teatrale russo fu Pimen Nikolaevich Arapov, che preparò per la pubblicazione l'enciclopedico Chronicle of the Russian Theatre (San Pietroburgo, 1861), che comprendeva l'intera storia del teatro russo dal 1673 al 26 novembre 1825. La critica teatrale e musicale è apparsa in Russia (uno dei suoi rappresentanti più brillanti è Vladimir Vasilievich Stasov). A San Pietroburgo nel 1808 iniziò ad apparire la prima rivista teatrale russa in russo - "Dramatic Bulletin", frequenza - 2 volte a settimana. La seconda rivista teatrale russa, come dovrebbe essere secondo la tradizione dell'epoca, iniziò ad essere pubblicata a Mosca nel 1811: si chiamava Dramatic Magazine. E dopo alcuni anni, il numero di varie stampe teatrali, ce n'erano diverse dozzine, e uscirono tutte a San Pietroburgo e Mosca.

Sul palcoscenico teatrale, insieme alle opere del dramma europeo classico, occupavano il loro posto le opere domestiche. I drammi seri degli eccezionali scrittori russi Pushkin, Lermontov, Gogol, così come le opere di scrittori meno significativi (Khmelnitsky; Potekhin; Lensky; Tarnovsky), non hanno escluso le opere dei drammaturghi europei, ma sono diventate tutt'uno con loro. Il vaudeville francese leggero non ha lasciato il palcoscenico teatrale russo, ma ha convissuto volentieri con il vaudeville di autori russi, che hanno composto le loro creazioni per molti aspetti nello stile del vaudeville classico francese, ma utilizzando basi sociali e quotidiane domestiche e temi specificamente domestici.

Nel XIX secolo, il teatro russo divenne gradualmente portavoce di idee sociali e pubbliche esclusivamente russe. Nuove generazioni di drammaturghi, registi, attori si stanno già concentrando interamente sulla storia e sui fenomeni sociali della Russia.

La recitazione era ancora artificialmente pomposa e non corrispondeva molto alle idee correnti sulla cultura teatrale. Tuttavia, il tempo richiedeva riforme in questo settore.

Un ruolo importante nella formazione del teatro russo realistico è assegnato al lavoro di Alexander Nikolayevich Ostrovsky. Le idee teatrali innovative di Ostrovsky furono incarnate principalmente nei teatri imperiali Maly (Mosca) e Alexandrinsky (Pietroburgo), e dai palcoscenici imperiali si trasferirono in imprese private che operavano nelle province.

Con l'avvento di Ostrovsky, le sue originali creazioni trovano eccellenti interpreti e interpreti in una brillante galassia di attori capaci di comprendere, assimilare e riprodurre i tipi più eterogenei Sadovsky e Shumsky, eccellenti interpreti dei tipi di Molière, hanno fornito campioni indimenticabili dalla galleria di Ostrovsky. Le sublimi creazioni di Shakespeare, la commedia del teatro di Molière e l '"anima russa" degli eroi di Ostrovsky: tutto era alla portata di questi grandi talenti, sofisticati dalla scuola.

Tuttavia, tutte le innovazioni teatrali dopo Ostrovsky nel teatro imperiale russo finirono. L'ufficio burocratico, che subordinava i teatri imperiali, temeva eventuali cataclismi che potessero interferire e scuotere le “sedie ufficiali”. Tutte le innovazioni nei drammatici teatri imperiali erano severamente vietate: i ruoli passavano da un attore alla generazione successiva senza alcun cambiamento. E nuove rappresentazioni furono messe in scena entro i limiti consentiti stabiliti: subito dopo la Rivoluzione di febbraio, la Direzione dei teatri imperiali fu trasformata nella Direzione dei teatri statali (direttore Fyodor Batyushkov), che esisteva fino al novembre 1917.

Il tempo tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo è associato alla formazione di una nuova estetica teatrale, che inizialmente coincise con trasformazioni sociali rivoluzionarie.

M. V. Lentovsky ha visto il teatro nello sviluppo delle tradizioni dell'arte areale, proveniente dalla buffoneria, come spettacoli di gala che affascinano il pubblico e si trasformano in festeggiamenti di massa.

Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko al Moscow Art Theatre sono diventati i fondatori del teatro psicologico, sviluppando e integrando ogni immagine scenica con un retroscena invisibile allo spettatore, stimolando determinate azioni del personaggio.

L'estetica di Meyerhold era lo sviluppo delle forme teatrali, in particolare il movimento scenico, è l'autore del sistema di biomeccanica teatrale. Sincero e impulsivo, ha subito abbracciato innovazioni rivoluzionarie, cercando forme innovative e portandole nell'arte teatrale, rompendo completamente il quadro drammatico accademico, Tairov ha lavorato allo sviluppo del teatro come genere sintetico.

Le ricerche estetiche di Foregger risiedono nello sviluppo di convenzioni teatrali, plasticità e ritmo teatrali, parodie sceniche, i suoi sviluppi nel biomovimento si sono rivelati vicini all'estetica della Blusa Blu, alle cui esibizioni ha preso parte anche lui.

Il Teatro Maly mantenne incrollabilmente le fondamenta classiche drammatiche, continuando le tradizioni storiche nelle nuove condizioni sociali.

All'inizio del XIX secolo, nell'arte scenica russa, il romanticismo e il classicismo furono sostituiti dal realismo, che porta molto nuove idee al Teatro. Durante questo periodo avvengono molti cambiamenti, si sta formando un nuovo repertorio teatrale, popolare e richiesto nel dramma moderno. Il diciannovesimo secolo sta diventando una buona piattaforma per l'emergere e lo sviluppo di molti talentuosi drammaturghi che, con il loro lavoro, danno un enorme contributo allo sviluppo dell'arte teatrale. La persona più brillante nella drammaturgia della prima metà del secolo è N.V. Gogol. In effetti, non era un drammaturgo nel senso classico del termine, ma, nonostante ciò, riuscì a creare capolavori che guadagnarono immediatamente fama e popolarità in tutto il mondo. Tali opere possono essere chiamate "L'ispettore del governo" e "Matrimonio". In queste commedie, il quadro completo della vita sociale in Russia è rappresentato molto chiaramente. Inoltre, Gogol non ne ha cantato, ma al contrario lo ha criticato aspramente.

In questa fase di sviluppo e piena formazione, il teatro russo non può più accontentarsi del repertorio precedente. Pertanto, il vecchio sarà presto sostituito dal nuovo. Il suo concetto è quello di rappresentare una persona moderna con un senso del tempo acuto e chiaro. Il fondatore della moderna drammaturgia russa è considerato A.N. Ostrovsky. Nelle sue opere ha descritto in modo molto veritiero e realistico l'ambiente mercantile e le loro usanze. Tale consapevolezza è dovuta a un lungo periodo di vita in un tale ambiente. Ostrovsky, essendo un avvocato per educazione, ha prestato servizio in tribunale e ha visto tutto dall'interno. Con le sue opere, il talentuoso drammaturgo ha creato un teatro psicologico che ha cercato di indagare e rivelare il più possibile stato interno persona.

Oltre ad AN Ostrovsky, altri eccezionali maestri della penna e del palcoscenico hanno dato un grande contributo all'arte teatrale del XIX secolo, le cui opere e abilità sono lo standard e l'indicatore dell'apice della maestria. Una di queste personalità è M. Shchepkin. Questo artista di talento ha interpretato un numero enorme di ruoli, principalmente commedie. Shchepkin ha contribuito all'uscita del gioco di recitazione oltre i modelli esistenti in quel momento. Ciascuno dei suoi personaggi aveva i propri tratti caratteriali e il proprio aspetto. Ogni personaggio era una persona.

Ostrovsky

Creatività Ostrovsky era nuovo nel dramma russo. Le sue opere sono caratterizzate dalla complessità e complessità dei conflitti, il suo elemento è un dramma socio-psicologico, una commedia di costume. Le caratteristiche del suo stile sono cognomi parlanti, osservazioni specifiche dell'autore, titoli peculiari di opere teatrali, tra cui spesso vengono usati proverbi, commedie basate su motivi folcloristici. Il conflitto delle opere di Ostrovsky si basa principalmente sull'incompatibilità dell'eroe con l'ambiente. I suoi drammi possono essere definiti psicologici, contengono non solo un conflitto esterno, ma anche un dramma interno di un principio morale.

Tutto nelle commedie ricrea storicamente accuratamente la vita della società, da cui il drammaturgo prende le sue trame. Il nuovo eroe dei drammi di Ostrovsky - un uomo semplice - determina l'originalità del contenuto e Ostrovsky crea un "dramma popolare". Ha portato a termine un compito enorme: ha reso il "piccolo uomo" un eroe tragico. Ostrovsky vedeva il suo dovere di scrittore drammatico nel fare dell'analisi di ciò che stava accadendo il contenuto principale del dramma. “Uno scrittore drammatico ... non compone ciò che era - dà vita, storia, leggenda; il suo compito principale è mostrare sulla base di quali dati psicologici si è verificato un evento e perché è stato così e non altrimenti ”- questa, secondo l'autore, è l'essenza del dramma. Ostrovsky trattava la drammaturgia come un'arte di massa che educa le persone e definiva lo scopo del teatro come una "scuola di morale sociale". Le sue primissime esibizioni hanno scioccato per la loro veridicità e semplicità, eroi onesti con un "cuore caldo". Il drammaturgo ha creato, "combinando l'alto con il fumetto", ha creato quarantotto opere e ha inventato più di cinquecento eroi.

Le opere di Ostrovsky sono realistiche. Nell'ambiente mercantile, che osservava giorno dopo giorno e credeva che il passato e il presente della società fossero uniti in esso, Ostrovsky rivela quei conflitti sociali che riflettono la vita della Russia. E se in "The Snow Maiden" ricrea il mondo patriarcale, attraverso il quale si indovinano solo i problemi moderni, allora il suo "Temporale" è un'aperta protesta dell'individuo, il desiderio di felicità e indipendenza di una persona. Questo è stato percepito dai drammaturghi come un'affermazione del principio creativo dell'amore per la libertà, che potrebbe diventare la base nuovo dramma. Ostrovsky non ha mai usato la definizione di "tragedia", designando le sue opere come "commedie" e "drammi", fornendo talvolta spiegazioni nello spirito di "immagini della vita di Mosca", "scene di vita di villaggio”, “scene della vita dell'entroterra”, a indicare che si tratta della vita di un intero ambiente sociale. Dobrolyubov ha affermato che Ostrovsky ha creato un nuovo tipo di azione drammatica: senza didattica, l'autore ha analizzato le origini storiche dei fenomeni moderni nella società. Approccio storico alla famiglia e relazioni sociali- il pathos della creatività di Ostrovsky. Tra i suoi eroi ci sono persone di età diverse, divise in due campi: giovani e anziani. Ad esempio, come scrive Yu. M. Lotman, in The Thunderstorm Kabanikha è il "custode dell'antichità", e Katerina "porta l'inizio creativo dello sviluppo", motivo per cui vuole volare come un uccello.

La disputa tra antichità e novità, secondo lo studioso di letteratura, è un aspetto importante del drammatico conflitto nelle opere di Ostrovsky. Le forme di vita tradizionali sono considerate in eterno rinnovamento, e solo in questo il drammaturgo vede la loro fattibilità... Il vecchio entra nel nuovo, nel vita moderna, in cui può svolgere il ruolo di elemento "incatenante", opprimendone lo sviluppo, o stabilizzante, fornendo forza alla novità emergente, a seconda del contenuto dell'antico che preserva la vita popolare. L'autore simpatizza sempre con i giovani eroi, poeticizza il loro desiderio di libertà, altruismo. Il titolo dell'articolo di A. N. Dobrolyubov "Un raggio di luce in un regno oscuro" riflette pienamente il ruolo di questi eroi nella società. Sono psicologicamente simili tra loro, l'autore usa spesso personaggi già sviluppati. Il tema della posizione di una donna nel mondo del calcolo si ripete anche in "The Poor Bride", "Hot Heart", "Dowry". Successivamente, l'elemento satirico si intensificò nei drammi. Ostrovsky fa riferimento al principio di Gogol della "commedia pura", portando in primo piano le caratteristiche dell'ambiente sociale. Il personaggio delle sue commedie è un rinnegato e un ipocrita. Ostrovsky si rivolge anche al tema storico-eroico, tracciando la formazione dei fenomeni sociali, la crescita da “piccolo uomo” a cittadino.

Cechov

Cechov è chiamato "Shakespeare del XX secolo". In effetti, il suo dramma, come quello di Shakespeare, ha avuto un enorme punto di svolta nella storia del dramma mondiale. Nato in Russia all'inizio del nuovo secolo, si è sviluppato in un sistema artistico così innovativo che ha determinato il futuro sviluppo della drammaturgia e del teatro in tutto il mondo. Naturalmente, l'innovazione della drammaturgia di Cechov è stata preparata dalle ricerche e dalle scoperte dei suoi grandi predecessori, le opere drammatiche di Pushkin e Gogol, Ostrovsky e Turgenev, sulla buona e forte tradizione di cui faceva affidamento. Ma sono state le commedie di Cechov a fare una vera rivoluzione nel pensiero teatrale del loro tempo. Il suo ingresso nella sfera del teatro ha segnato un nuovo punto di partenza nella storia della cultura artistica russa. Alla fine del XIX secolo, la drammaturgia russa era in uno stato quasi deplorevole. Sotto la penna di scrittori artigiani, le tradizioni un tempo nobili del dramma sono degenerate in cliché di routine, trasformate in canoni morti. La scena è troppo notevolmente rimossa dalla vita. A quel tempo, quando le grandi opere di Tolstoj e Dostoevskij elevarono la prosa russa a livelli senza precedenti, il dramma russo sollevò un'esistenza miserabile. Per superare questo divario tra prosa e drammaturgia, tra letteratura e teatro, era destinato nientemeno che a Cechov. Grazie ai suoi sforzi, il palcoscenico russo è stato elevato al livello della grande letteratura russa, al livello di Tolstoj e Dostoevskij Qual è stata la scoperta del drammaturgo Cechov? Prima di tutto, ha riportato in vita il dramma stesso. Non senza ragione ai suoi contemporanei sembrava che offrisse semplicemente romanzi lunghi scritti brevemente per il palcoscenico. Le sue opere colpivano per la loro narrativa insolita, la completezza realistica dei loro modi. Questo modo non è stato casuale. Cechov era convinto che il dramma non potesse essere proprietà solo di personalità eccezionali ed eccezionali, trampolino di lancio solo per eventi grandiosi. Voleva scoprire il dramma della realtà quotidiana più ordinaria. È stato per dare accesso al dramma della vita quotidiana che Cechov ha dovuto distruggere tutti i canoni drammatici obsoleti e saldamente radicati. "Lascia che tutto sul palco sia semplice e allo stesso tempo complicato come nella vita: le persone cenano, cenano solo, e in quel momento la loro felicità si somma e le loro vite sono spezzate", ha detto Cechov, derivando la formula di un nuovo dramma. E iniziò a scrivere opere teatrali in cui veniva catturato il corso naturale della vita quotidiana, come se fosse completamente privo di eventi luminosi, caratteri forti, conflitti acuti. Ma sotto lo strato superiore della quotidianità, in una quotidianità spregiudicata, come se fosse stata accidentalmente raccolta, dove le persone "hanno appena cenato", ha scoperto un dramma inaspettato che "costituisce la loro felicità e spezza le loro vite". Il dramma della vita quotidiana, profondamente nascosto nella corrente sotterranea della vita, è stata la prima scoperta più importante dello scrittore. Questa scoperta ha richiesto una revisione del precedente concetto di personaggi, il rapporto tra l'eroe e l'ambiente, una diversa costruzione della trama e del conflitto, una diversa funzione degli eventi, rompendo le solite idee sull'azione drammatica, la sua trama, il climax e l'epilogo , sullo scopo della parola e del silenzio, del gesto e dello sguardo. In una parola, l'intera struttura drammatica dall'alto verso il basso ha subito una completa ricreazione. Cechov ha ridicolizzato il potere della vita quotidiana su una persona, ha mostrato come in un ambiente volgare ogni sentimento umano diventa più piccolo, distorto, come un rituale solenne (funerale, matrimonio, anniversario) si trasforma in assurdità, come la vita di tutti i giorni uccide le vacanze. Trovando la volgarità in ogni cellula della vita, Cechov ha combinato un'allegra presa in giro con il buon umore. Rise dell'assurdità umana, ma non uccise l'uomo stesso con una risata. Nella pacifica quotidianità vedeva non solo una minaccia, ma anche protezione, apprezzava il conforto della vita, il calore del focolare, il potere salvifico della gravità. Il genere del vaudeville gravitava verso la farsa tragica e la tragicommedia. Forse è per questo che le sue storie umoristiche erano piene del motivo dell'umanità, della comprensione e della simpatia.

"The Cherry Orchard" di Cechov è una combinazione di commedia - "in alcuni punti anche farsa", come ha scritto lo stesso autore, con un intrigo gentile e sottile. La combinazione di questi due principi consente a Cechov di valutare in modo ambiguo ciò che sta accadendo, per dare una doppia, tragica caratterizzazione degli eroi. Ridicolizzando le loro debolezze e vizi, l'autore simpatizza con loro contemporaneamente. Tra gli eroi di The Cherry Orchard non c'è un solo personaggio puramente comico. Quindi, il bambino anziano Gaev in altri momenti della sua vita teatrale provoca pietà e compassione. Epikhodov non è solo ridicolo con i suoi infiniti fallimenti, è davvero infelice! Tutto è fuori posto per lui, il suo amore è rifiutato, il suo orgoglio soffre costantemente. Cechov non divide i personaggi di The Cherry Orchard in positivi e negativi, sono tutti ugualmente infelici, ugualmente insoddisfatti delle loro vite. Cechov vede il dramma dei suoi eroi proprio nella loro vita quotidiana, quindi presta l'attenzione principale alla rappresentazione della vita quotidiana e gli eventi sono relegati in secondo piano. La trama e la composizione dell'opera sono puramente esterne, organizzative. L'evento stesso della vendita del ciliegio è inevitabile. Non c'è conflitto tra Ranevskaya, Gaev e Lopakhin. Ranevskaya e Gaev rinunciano quasi volontariamente al frutteto di ciliegie e provano persino un certo sollievo dopo averlo venduto. "In effetti, adesso va tutto bene", dice Gaev. "Prima della vendita del ciliegio, eravamo tutti preoccupati, soffrivamo e poi, quando il problema è stato finalmente risolto, irrevocabilmente, tutti si sono calmati, persino rallegrati". La tenuta, per così dire, sta fluttuando nelle mani di Lopakhin. Petya Trofimov e Anya non cercano nemmeno di impedirlo. Vedono il loro "giardino di ciliegie" solo nei sogni. Pertanto, Cechov descrive tutti gli eventi nel loro sviluppo naturale, questi stessi eventi non contengono conflitti. Il conflitto principale si sviluppa nelle anime dei personaggi. Non consiste nella lotta per il ciliegio, ma nell'insoddisfazione per la propria vita, nell'incapacità di coniugare sogno e realtà. Pertanto, dopo aver acquistato un ciliegio, Lopakhin non diventa più felice, lui, come il resto dei personaggi della commedia, sogna che "la nostra vita goffa e infelice cambi in qualche modo" il prima possibile. Le peculiarità del conflitto hanno portato a cambiamenti nella rappresentazione dei personaggi drammatici. Gli eroi della commedia si rivelano non in azioni volte al raggiungimento dell'obiettivo, ma nell'esperienza delle contraddizioni dell'essere. Pertanto, non c'è un'azione intensa nello spettacolo, è sostituita dalla meditazione lirica. Gli eroi di The Cherry Orchard non si realizzano non solo in azione, ma anche a parole. Ogni frase pronunciata ha una connotazione nascosta. C'è una cosiddetta "corrente sotterranea", insolita per il dramma classico. Un esempio di ciò è il seguente dialogo di eroi: "Lyubov Andreyevna (pensieroso). Arriva Epikhodov... Anya (pensierosa). Arriva Epikhodov... Gaev. Il sole è tramontato, signori. Trofimov. Sì." In questo caso, le parole significano molto meno della sensazione di una vita instabile, nascosta dietro frammenti di frasi. Pertanto, è nel sottotesto lirico che si riflette la vita spirituale complessa e contraddittoria dei personaggi. Nella commedia "The Cherry Orchard" Cechov crea un'atmosfera lirica speciale. L'autore non conferisce ai personaggi caratteristiche linguistiche individuali nitide, piuttosto, il loro discorso si fonde in un'unica melodia. Con questo effetto, l'autore crea un senso di armonia. E, nonostante Cechov distrugga l'azione attraverso, che era il principio organizzatore del dramma classico, la sua opera non perde la sua unità interna. È anche importante che la struttura generale dell'opera sia l'umore di ogni personaggio. Pertanto, tutti i personaggi sono internamente molto vicini tra loro. Il dramma risponde a questo stato d'animo generale con un suono tragico: "... tutti sono seduti, pensano, silenzio, si sente solo come mormora piano Firs, all'improvviso si sente un suono lontano, come dal cielo, il suono di un corda spezzata, sbiadita e triste." Nel finale, a questo suono si aggiunge un altro suono ancora più cupo: "Puoi sentire fino a che punto nel giardino bussano al legno con un'ascia". L'innovazione di Cechov come drammaturgo risiede nel fatto che si discosta dai principi del dramma classico e riflette non solo i problemi, ma mostra anche le esperienze psicologiche dei personaggi attraverso mezzi drammatici.

La vita russa all'inizio del XIX secolo sotto l'influenza del paneuropeo tendenze romantiche cominciò gradualmente ad acquisire un certo carattere festivo, molto diverso dal vero comportamento quotidiano. La lingua francese, i balli, il sistema del "gesto decente" erano così lontani dalle realtà pratiche quotidiane che il loro sviluppo richiedeva lezioni con insegnanti speciali. Probabilmente, fu proprio questo desiderio di vita “per spettacolo” che poco dopo suscitò la richiesta opposta di “fedeltà a se stessi”, vitalità e plausibilità, che sarebbe diventata la base ideologica per l'emergere dell'arte realistica russa.

Fino al 1803, le compagnie teatrali e musicali erano un'unica squadra.

Un indicatore interessante della teatralità della vita quotidiana all'inizio del XIX secolo è che le rappresentazioni amatoriali e le produzioni domestiche (eredi del teatro della gleba del secolo scorso), diffuse nella vita della nobiltà, erano percepite come un allontanamento dal mondo della vita convenzionale e insincera della società di corte, “leggera”, nello spazio dei sentimenti genuini e della sincerità. Fu questo movimento dal comportamento normativo alla ricreazione dell '"uomo naturale" di Rousseau che divenne la principale tendenza ideologica dell'epoca. L'eroe sentimentale, vestito a immagine di un selvaggio virtuoso, diventa vittima di pregiudizi sociali o religiosi, o si trasforma nell'immagine di una ragazza il cui sentimenti naturali l'amore e la libertà sono violati dalla moralità ipocrita e dal dispotismo.

Dal punto di vista di una speciale comprensione della teatralità, all'inizio del XIX secolo, è logica una passione speciale per eventi pubblici come mascherate, balli e spettacoli di marionette. L'Impero russo è attivamente coinvolto nei conflitti interstatali europei, quindi una carriera militare ha determinato le biografie di un'intera generazione di giovani (una circostanza che ha influenzato in modo significativo l'emergere dei Decabristi). Si sta formando un tipo di personalità che, sotto l'influenza del "caso", segno del destino, può aggirare i gradini intermedi della gerarchia sociale, saltando direttamente dal basso verso l'alto. La fiducia in un simile sviluppo degli eventi era associata alla biografia vista personalmente di Napoleone, che riuscì a mettere in scena un certo scenario di vita ea seguirlo efficacemente, facendo tremare il mondo intero. Nella mente degli ufficiali, l'immagine di Bonaparte vicino a Tolone o sul ponte Arcole era fortemente associata all'opportunità di diventare eroicamente famosi: molti, come il principe Andrei in Guerra e pace, cercavano la "loro Tolone". Se nell'ultimo diciottesimo secolo ambiziosi avventurieri hanno dato slancio allo sviluppo storico, ora una personalità eccezionale cerca di lasciare il segno negli annali della storia.

I falegnami teatrali e gli impiegati inferiori sono stati sottoposti a punizioni corporali.

Durante il periodo a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. ekov l'intero quadro della vita teatrale sta cambiando rapidamente. Il numero di compagnie teatrali è in forte aumento, il cast di attori si sta espandendo. La rete delle imprese teatrali nelle province sta crescendo intensamente, non solo grazie all'organizzazione di teatri a spese pubbliche, ma anche grazie alla crescente iniziativa privata. Nelle città di provincia furono creati teatri su base azionaria, apparvero imprese private e molti teatri della servitù che esistevano in precedenza come compagnie domestiche di proprietari terrieri-teatri furono trasferiti su binari commerciali. La maggior parte dei teatri si sposta da un luogo all'altro in cerca di compensi, catturando un'area e una cerchia di spettatori sempre più vasti nei loro vagabondaggi.

Il palcoscenico professionale inizia ad avere urgente bisogno di attori preparati, quindi è alla ricerca di giovani talenti da compagnie teatrali amatoriali, assorbendo interi gruppi di servi, che apre le porte a singoli talentuosi autodidatti. Fu così che si formarono le compagnie imperiali metropolitane a Mosca e San Pietroburgo, sulla base delle quali fu creato il Teatro Maly nel 1824 e il Teatro Alexandrinsky nel 1832 - i più grandi gruppi teatrali, la cui compagnia comprendeva la recitazione più significativa talenti.

Nei primi anni dell'Ottocento il teatro attirò l'attenzione del pubblico in misura molto maggiore rispetto a 10-20 anni fa. Il destino dell'arte scenica russa, il suo all'avanguardia e il suo futuro diventa un argomento di conversazione costante nei circoli letterari e in una società colta, dove si risveglia un vivo interesse per i successi della cultura nazionale. La maggior parte delle riviste pubblicate nel 1800 pubblica articoli sulle proprie pagine che riflettono lo stato del teatro russo moderno. A San Pietroburgo nel 1808 iniziò ad apparire la prima rivista teatrale russa in russo, Dramatic Bulletin, e dopo pochi anni il numero di pubblicazioni dedicate ai problemi del palcoscenico contava diverse dozzine.

Lo stipendio dell'attore era piccolo, perché spesso gli artisti organizzavano spettacoli di beneficenza

Parlando dello spirito teatrale dell'epoca, non si può non notare la presenza dell'effetto scenico nei discorsi pubblici dell'imperatore russo Nicola I. Lo scrittore francese Astolfe de Custine, che visitò la Russia nel 1839, osservò che “l'imperatore pone sempre e quindi non è mai naturale, anche quando sembra sincero... Ha molte maschere, ma nessun volto vivo, e quando cerchi una persona sotto di esse, trovi sempre solo l'imperatore. In questa descrizione del monarca russo, molto è tratto dalle tipiche caratteristiche romantiche, quando un vero personaggio storico nella percezione soggettiva dei contemporanei può trasformarsi sia nel Sandman di Hoffmann che nel grottesco funzionario di Gogol.

L'ideologia di stato ufficialmente proclamata - praticamente la triade hegeliana di autocrazia-ortodossia-nazionalità - a livello pratico della reale incarnazione si è trasformata in un magnifico scenario teatrale con i propri attori e standard di comportamento. Estremamente popolari erano eventi di intrattenimento di massa come balli e mascherate. Spesso la tendenza principale di tali eventi di corte era l'elemento di vestirsi con costumi popolari russi stilizzati. Ad esempio, Nicholas ha emesso un ordine per gli aristocratici polacchi di comparire davanti all'imperatrice in prendisole russi. Naturalmente, qui non si trattava di alcuna parvenza di storicismo o plausibilità: la storia è entrata saldamente nel corpo dell'ideologia di stato. Presi in prestito dai musei, elementi rari di un costume, bottoni o fibbie, servivano piuttosto come un accessorio di lusso che completava con successo un'immagine pubblica spettacolare.

L'elemento principale del ballo come intrattenimento socio-culturale dell'epoca era il ballo. L'intera composizione della serata si è basata sull'alternanza di diversi tipi di balli, dando il tono alla conversazione e dando origine a conversazioni secolari superficiali, quando, secondo l'appropriata osservazione di Pushkin, "o meglio, non c'è spazio per le confessioni. " Il ballo è diventato parte integrante dell'educazione dei bambini nobili, che hanno iniziato a frequentare le serate danzanti dall'età di 5-6 anni. Il ballo nel suo insieme era una sorta di insieme festivo, subordinato al movimento dalla forma rigorosa del balletto solenne a vari tipi di gioco coreografico.

La rivista sul teatro fu pubblicata nel 1808, dopo un paio d'anni c'erano decine di pubblicazioni

Il desiderio di travestirsi, caratteristico delle mascherate, da un punto di vista etico e religioso, non apparteneva affatto a un passatempo approvato dalle norme dell'alta moralità. La mascherata, così come il carnevale "fondo materiale e corporeo" che è alla base di questa azione pubblica, il travestimento tradizionale ha acquisito una natura di intrattenimento chiusa, persino proibita per gli strati privilegiati della società. L'era dei colpi di stato di palazzo del XVIII secolo ha dato origine a un tipo unico di eroe storico della parodia, quando un contendente al trono, facendo un colpo di stato, indossava un'uniforme da guardia maschile e montava a cavallo come un uomo. Qui il travestimento ha assunto un carattere simbolico: un rappresentante del sesso debole si è trasformato in un imperatore (ad esempio, alcuni usati in relazione a Elisabetta Petrovna in diverse situazioni, nominando sia al maschile che al femminile).

Il tocco finale nello spirito da parata teatrale della realtà russa all'inizio del XIX secolo furono le circostanze della morte dell'imperatore Nicola I: si vociferava che si fosse avvelenato. Così continuò una peculiare tradizione mistica legata alla morte del sovrano: l'assassinio di Paolo I, l'anziano Fyodor Kuzmich nei panni di Alessandro I, che aveva rinunciato al mondo. morte improvvisa Nicholas ha causato un'intera ondata di supposizioni e congetture mistiche. Qualcuno credeva che si fosse suicidato a causa dei fallimenti della guerra di Crimea, altri erano sicuri che l'imperatore fosse stato avvelenato dal suo medico personale Mandt, il quale, già in Russia, inventò uno speciale metodo di cura, che chiamò atomistico. La tecnica miracolosa non è stata riconosciuta scienza ufficiale e ha creato solo una reputazione di ciarlatano per il suo inventore. Il mito dell'insidioso avvelenamento di Nicholas è stato ripreso dall'autorevole pubblicazione di Herzen The Bell. In generale, l'imperatore rimase fedele al suo ruolo fino alla morte. Morì su un semplice materasso da soldato su un letto di ferro sotto un vecchio mantello militare. Salutando l'imperatrice, chiese di essere vestito con un'uniforme militare e avrebbe detto a suo nipote: "Impara a morire!".