Qual è la definizione del paesaggio per i bambini. Quali sono i principali generi di pittura che conosci? Lo sviluppo del genere paesaggistico dall'antichità al XX secolo

16.07.2019

L'arte del paesaggio ha una sua bellissima e lunga storia. Il paesaggio ci introduce nel mondo che circonda l'artista, permette di guardare indietro di diversi secoli fa, di entrare in empatia con il maestro dei motivi che ama particolarmente.

Per molti secoli gli artisti hanno cercato di esprimere la loro comprensione del mondo, i loro pensieri e interessi con l'aiuto delle cose che li circondano, e ogni creatore lo fa a modo suo, ogni opera è individuale. Ogni pittore ha la sua visione del mondo.

Il paesaggio si diffuse nella pittura, nella grafica e persino nella scultura.

Gli sfondi paesaggistici sono apparsi già nell'era neolitica in pitture rupestri, ceramiche, ecc. Nell'arte dell'Egitto, con lo sviluppo dell'interesse per la narrazione, c'è una percezione della natura come ambiente di azione.

La pittura dell'antica Roma dà origine a paesaggi indipendenti che compaiono in dipinti illusionistici che adornano le abitazioni.

I paesaggi dell'arte medievale producono un'impressione completamente diversa. Colline fantasiose che si innalzano sullo sfondo di icone bizantine e antiche russe dividono visibilmente il mondo in terreno e divino.

Una posizione eccezionalmente importante è occupata dal paesaggio nella pittura della Cina medievale, dove la natura in continuo rinnovamento era considerata l'incarnazione più evidente della legge del mondo.

In Europa, il paesaggio come genere separato è apparso molto più tardi che in Cina e Giappone. Durante il Medioevo, quando solo le composizioni religiose avevano il diritto di esistere, il paesaggio era interpretato dai pittori come un'immagine dell'habitat dei personaggi.

Un marcato interesse per il paesaggio è evidente nella pittura del primo Rinascimento. E sebbene gli artisti siano ancora molto inetti nel trasmettere lo spazio, ingombrandolo di elementi paesaggistici che non si adattano tra loro in scala, molti dipinti testimoniano il desiderio dei pittori di ottenere un'immagine armoniosa e olistica della natura e dell'uomo.

I motivi paesaggistici iniziarono a svolgere un ruolo più importante nell'Alto Rinascimento. Molti artisti iniziarono a studiare attentamente la natura. Rifiutando la consueta costruzione di piani spaziali sotto forma di ali, un mucchio di dettagli incoerenti in scala, si sono rivolti agli sviluppi scientifici nel campo della prospettiva lineare.

I maestri della scuola veneziana hanno svolto un ruolo importante nella creazione del genere paesaggistico. Giorgione, attivo all'inizio del Cinquecento, fu il primo artista ad attribuire grande importanza al paesaggio. Nell'Europa settentrionale del XVI secolo, il paesaggio acquisì anche una posizione di rilievo nella pittura. Giorgione ebbe un'influenza significativa su Tiziano, che in seguito fu a capo della scuola veneziana. Tiziano ha svolto un ruolo importante nella formazione di tutti i generi della pittura paesaggistica europea. Il famoso artista non ha trascurato il paesaggio. Immagini maestose della natura appaiono su molte delle sue tele.

Le immagini della natura occupano un posto importante nell'opera dell'artista olandese Pieter Brueghel il Vecchio. Opere di artisti come H. Averkamp, E. van der Poel, J. Porcellis, S. de Vlieger, A.G. Cape, S. van Ruisdael e J. van Ruisdael trasmettono l'orgoglio di una persona per la propria terra, l'ammirazione per la bellezza del mare, i campi nativi, le foreste e i canali.

Nel XVII secolo si diffuse in Olanda una delle varietà del genere paesaggistico, il porto turistico. Nel paese dei marinai e dei pescatori, il paesaggio marino ebbe un enorme successo. Tra i migliori pittori di marine: V. van de Velde, S. de Vlieger, J. Porsellis, J. van Ruysdael.

Anche l'arte realistica di Spagna, Italia e Francia ha svolto un ruolo nello sviluppo della pittura di paesaggio. Nell'opera di D. Velasquez ci sono paesaggi che riflettono la sottile osservazione del grande maestro spagnolo. Velazquez trasmette magistralmente la freschezza del verde, le calde sfumature di luce che scivolano attraverso le foglie degli alberi e gli alti muri di pietra.

Il paesaggio è emerso come genere indipendente nell'arte europea nel XVII secolo.

Nel XVII secolo, i principi della creazione di un paesaggio ideale si svilupparono nell'arte del classicismo. I classicisti interpretavano la natura come un mondo soggetto alle leggi della ragione.

La natura appare in modo diverso sulle tele dei maestri barocchi. A differenza dei classicisti, si sforzano di trasmettere le dinamiche del mondo circostante, la vita turbolenta degli elementi. Così, i paesaggi del fiammingo Peter Paul Rubens trasmettono il potere e la bellezza della terra, affermano la gioia di essere, instillando nel pubblico un senso di ottimismo.

I paesaggi en plein air di Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley riflettono il profondo interesse degli artisti per l'ambiente mutevole della luce e dell'aria. Le opere degli impressionisti mostrano non solo la natura rurale, ma anche il mondo vibrante e dinamico della città moderna.

Nel XX secolo, rappresentanti di vari movimenti artistici si sono rivolti al genere paesaggistico. Immagini luminose e intensamente sonore della natura sono state create dai fauvisti: Henri Matisse, Andre Derain, Albert Marquet, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy e altri.

I cubisti (Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay e altri) hanno creato i loro paesaggi utilizzando forme geometriche sezionate.

I primi paesaggi apparsi in Russia nel XVIII secolo erano vedute topografiche di magnifici palazzi e parchi. Durante il periodo di Elisabetta Petrovna fu pubblicato un atlante di incisioni con vedute di San Pietroburgo e dei suoi dintorni, realizzato secondo i disegni di M.I. Makhaev. Ma solo con l'avvento delle opere di Semyon Fedorovich Shchedrin possiamo dire che il paesaggio come genere separato si è formato nella pittura russa. I contemporanei di Shchedrin, M.M., hanno dato il loro contributo allo sviluppo del paesaggio. Ivanov e F.Ya. Alekseev. La pittura di Alekseev ha influenzato i giovani artisti - M.N. Vorobiev, SF Galaktionova, A.E. Martynov, che hanno dedicato la loro arte a San Pietroburgo: i suoi palazzi, gli argini, i canali, i parchi.

Lo sviluppo della pittura paesaggistica russa del XIX secolo è condizionatamente suddiviso in due fasi, che sono abbastanza chiaramente distinguibili, sebbene siano organicamente collegate tra loro.

Lo sviluppo della pittura paesaggistica romantica nella prima metà dell'Ottocento si sviluppò in tre direzioni: il paesaggio urbano basato sull'opera della natura; lo studio della natura sul suolo italiano e la scoperta del paesaggio nazionale russo.

Uno dei più alti risultati della pittura realistica russa all'interno del suo orientamento romantico generale fu l'arte di S. F. Shchedrin. È con lui che la base realistica del romanticismo russo è particolarmente distinta.

Nel primo trimestre del 19, alcuni artisti si specializzano nella pittura di vedute e località, città e tenute.

Negli anni '50 del XIX secolo, tra tutte le correnti della pittura romantica russa, il paesaggio romantico nazionale russo iniziò a emergere e tra i generi socialmente significativi e universalmente riconosciuti. Il corso del paesaggio romantico russo è il marinismo. Il fondatore di questo genere nella pittura russa fu Ivan Konstantinovich Aivazovsky. Nel 19° secolo, l'elemento marino attrasse artisti da molti paesi. Nelle specie marine, la tradizione del romanticismo è vissuta più a lungo.

Negli anni '60, durante il secondo periodo di formazione della pittura paesaggistica realistica, i ranghi degli artisti che raffiguravano la natura nativa si allargarono molto e furono sempre più catturati dall'interesse per l'arte realistica. Uno dei primi posti tra loro appartiene giustamente a V. Polenov.

Creatività I.I. Shishkin segna la tappa più importante nello sviluppo di questo genere. Shishkin non solo ha padroneggiato nuovi motivi tipicamente russi nel paesaggio, ma ha conquistato con le sue opere i circoli più ampi della società, creando un'immagine della sua natura nativa, vicina all'ideale popolare della forza e della bellezza della sua terra natale.

Un posto speciale nella pittura russa è occupato dal lavoro di A.K. Savrasov, che divenne il fondatore del panorama lirico nazionale.

L'opera di piccole dimensioni "The Rooks Have Arrived" prende giustamente posto tra i capolavori di altri artisti del XIX secolo. Savrasov aveva molti studenti e seguaci, ai quali insegnava a guardare da vicino e studiare la natura, a non aver paura di uscire all'aria aperta con un album da disegno. Mi ha insegnato a cercare la bellezza nei paesaggi semplici e senza complicazioni della mia terra natale.

Nella seconda metà del XIX secolo, artisti famosi come I.I. Shishkin, FA Vasiliev, A. Kuindzhi, A.P. Bogolyubov, I.I. Levitano.

L'impressionismo porta nel paesaggio una radiosa freschezza del gioco dei colori, e il simbolismo e la modernità: l'amore per le generalizzazioni decorative.

La pittura di paesaggio del XX secolo è associata ai nomi di I.E. Grabar, A.A. Rylov, K.F. Yuon. Nello spirito dell'arte simbolista, P.V. Kuznetsov, N.P. Krimov, M.S. Saryan, VE Borisov-Musatov.

Negli anni '20 si sviluppò il paesaggio industriale, l'interesse per questo tipo di genere paesaggistico è particolarmente evidente nel lavoro di M.S. Saryan e K.F. Bogaevskij.

Nel corso della sua lunga storia, l'arte del paesaggio, rivolgendosi costantemente non solo al presente, ma anche al futuro, ha dato vita a molti sogni, aspirazioni e speranze. E se nei migliori esempi non è solo una decorazione, una delizia per gli occhi, ma un motivo per il rinnovamento creativo della coscienza umana, allora possiamo dire con sicurezza: quest'arte vivrà per sempre. Immagini espressive e impressionanti della natura nativa sono state create anche dai paesaggisti G.G. Nissky, S.V. Gerasimov, N.M. Romadino e altri.

La pittura bielorussa ha origine nelle terre del Granducato di Lituania. Nell'XI-XIII secolo iniziò la costruzione di templi le cui pareti erano affrescate o decorate con sculture. I murales non sono praticamente sopravvissuti ai nostri giorni, solo piccoli frammenti che praticamente non sono soggetti a restauro, si può solo supporre che in questi murales possa essere presente un paesaggio.

Un contributo significativo alla storia dello sviluppo della pittura bielorussa è stato dato dai maestri dei secoli XV-XVII. Un posto speciale è occupato dall'iconografia di questo periodo. C'è una scuola speciale che ci ha lasciato molte icone.

In Bielorussia, i primi artisti sono apparsi nel XIX secolo. Hanno ricevuto la loro formazione professionale di base presso il Dipartimento di Pittura dell'Università di Vilna e poi presso l'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Tra questi, J. Damel. Uno dei primi pittori bielorussi fu I. Khrutsky. Nel suo lavoro si è rivolto anche al paesaggio.

Nella seconda metà del XIX secolo, nella pittura di paesaggio si stava sviluppando una tendenza realistica. A. Goravsky era un rappresentante di spicco.

Le sue opere paesaggistiche, di regola, sono chiamate da indirizzi specifici: "Stazione postale Svislach", "Serata nella provincia di Minsk", che indica il suo impegno per la pittura dalla natura.

Nella maggior parte delle opere di artisti come A. Garavsky, N. Selivanovich, non c'è solo la natura bielorussa, ma anche le città della Bielorussia, con caratteristiche evidenti della vita della gente comune. L'amore per la propria patria e, allo stesso tempo, la sincera simpatia per un popolo indigente, si manifesta chiaramente in molte opere paesaggistiche pre-rivoluzionarie, con i loro miserabili villaggi patriarcali, campi vuoti e stretti nastri di strade.

A cavallo tra il XIX e il XX secolo apparve un'intera galassia di artisti. Apparvero nuovi nomi di pittori di paesaggi: F. Ruschits, G. Veisengoff, K. Stabrovsky e altri.

L'opera di F. Ruszczyc è considerata una pagina luminosa della cultura nazionale polacca. Questo punto di vista sembra essere unilaterale e quindi errato. È noto che l'attività creativa di Ruschits si è svolta principalmente sul suolo bielorusso. Qui ha creato le sue opere, in cui ha raffigurato la natura della Bielorussia e la vita del popolo bielorusso. Nel suo lavoro si riflettevano la vita e lo stile di vita del popolo bielorusso, le tradizioni della pittura realistica bielorussa venivano rifratte.

Il lavoro di F. Ruschits è di notevole interesse per la storia dell'arte bielorussa. La comunanza stilistica della sua pittura con la pittura di G. Veisengof, K Stabrovsky, S. Zhukovsky, V. Byalynitsky-Biruli e altri artisti che sono cresciuti e hanno studiato in Bielorussia e poi hanno dato un contributo significativo a bielorusso, russo, polacco e lituano l'arte ha permesso di parlare di Ruschitsa come di un rappresentante della scuola nazionale bielorussa di pittura, che in termini generali ha già iniziato a prendere forma tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.

La più alta ascesa della pittura in Bielorussia avvenne a cavallo tra il XIX e il XX secolo, durante la rivoluzione russa del 1905.

I paesaggisti bielorussi non erano estranei alle conquiste degli impressionisti francesi, che portavano luce e aria nella pittura. La creatività nominata artisti della Bielorussia non era equivalente. Nel corso del suo sviluppo, ha subito cambiamenti significativi. Questi cambiamenti sono particolarmente evidenti nel periodo dal 1907 al 1917. Dopo la sconfitta della rivoluzione del 1905, molti artisti si sono allontanati da posizioni realistiche. La base della loro creatività era la ricerca nel campo della forma.

Considerando il paesaggio bielorusso del 1890-1917, non si può ignorare il lavoro di quei paesaggisti rimasti sulle posizioni dell'accademismo. Di regola, questi erano artisti di bassa cultura professionale. Le loro tele non si distinguevano per grande abilità e quindi non hanno lasciato un segno significativo nella storia delle belle arti.

Il paesaggio bielorusso è stato ulteriormente sviluppato nelle opere di S. Zhukovsky, V. Byalynitsky-Biruli e altri artisti che hanno iniziato a lavorare principalmente nei primi decenni del XX secolo. Nel lavoro di questi pittori - nei motivi compositivi, nella colorazione, nella natura della costruzione pittorica - predominano le caratteristiche che li collegano all'arte bielorussa. Allo stesso tempo, il paesaggio nella pittura introduceva altre funzioni, in primo luogo, nella maggior parte delle opere, serviva come materiale ausiliario nelle opere degli artisti e, di regola, rimaneva al livello di uno schizzo della natura. In secondo luogo, nel paesaggio venivano spesso mostrati motivi di carattere da camera, angoli amati della natura bielorussa o periferie cittadine.

I dipinti di S. Zhukovsky si distinguono per la raffinata rappresentazione della natura, l'uso magistrale dei contrasti, sullo sfondo dell'armonia cromatica dell'intera composizione e l'effetto decorativo leggero. Ha mostrato nelle sue opere il fascino sconfinato della natura nativa, caratteristica della terra bielorussa. Le opere dell'artista sono emotivamente vicine, "Dam", "Autumn Evening".

Belinitsky - Birulya. Ha fatto molto per lo sviluppo della pittura paesaggistica bielorussa. L'artista ha percepito nettamente la natura della Bielorussia, trasmettendone sottilmente i tratti caratteristici. Una sottolineatura peculiare sviluppata da lui, incomparabile, morbida e lirica. I suoi dipinti - "La primavera sta arrivando", "Autunno" - hanno ricevuto fama mondiale. Fu lui a diventare il vero fondatore del paesaggio bielorusso, il ponte che unisce le tradizioni degli antichi maestri con le scoperte dei moderni paesaggisti bielorussi.

Lo sviluppo delle belle arti della Bielorussia nel dopoguerra può essere suddiviso in 2 fasi più caratteristiche, la prima - 50, l'altra - la fine di 60, 70. Il primo periodo è principalmente associato al lavoro di artisti della vecchia generazione: V. Volkov, U. Kudrevich, B. Zvinogradsky. I paesaggi lirici di U. Kudrevich "Blossoming Meadow", "Before a Thunderstorm" si distinguono per il grande amore per la natura.

Artista popolare della Bielorussia V.A. Gromyko appartiene alla vecchia generazione di paesaggisti bielorussi, le sue opere sono "Strade d'oro della regione di Minsk", "Mattina nebbiosa", "Over the Lake", ecc. Colline bielorusse, foreste, laghi si rivelano in vari modi, nel opere di V. Gromyka, arricchisce il paesaggio di nuove emozioni.

Un grande contributo allo sviluppo di questo genere è stato dato da N. Voronov, S. Katkov, A. Gugel e altri.

Operaio d'arte onorato della Bielorussia P.A. Danelia è conosciuta non solo in patria, ma anche all'estero. Le sue opere "Melodia bielorussa", "Le nuvole fluttuano", ecc.

I residenti di Vitebsk si sono dichiarati interessanti pittori di paesaggi: V. Dezhits, M. Mikhailov, U Kukharev. I paesaggi lirici di V. Dezhitsa sono principalmente dedicati a Vitebsk.

Tra gli artisti Gomel, nel cui lavoro i luoghi principali erano occupati da temi lirici e industriali, spiccavano: il paesaggista della vecchia generazione B. Zvinogradsky "Sozh. Big Water", "The Ice Has Passed", V Kazachenko , "Serata sul Sozh", "Autunno", "Porto di Gomelsky", A Rykalin "Porto di Gomel", "Druzhba Oil Pipeline".

I paesaggi realizzati da G. Azgur all'età di 50 anni si distinguono per il sottile lirismo, la generosità dei sentimenti nel rappresentare la bellezza unica della natura bielorussa "Logoisk Hills", "Last Snow", e l'artista ha mantenuto questi sentimenti nel suo lavoro.

Negli anni '50 il talento del paesaggista V. Tsvirko si rafforzò. Durante questo periodo, i suoi paesaggi mostrano la vicinanza alla natura della Bielorussia con le sue morbide collinette, boschetti, molte nuvole e venti caldi. La luce si apre in loro luminosa, spaziosa, ricca di colori, si diffonde come un ampio campo di attività per una persona. V. Tsvirko usa abilmente la natura, ne nota i tratti più caratteristici. I suoi ultimi paesaggi sono contrassegnati dalla ricerca di nuove forme e mezzi di espressione figurativa.

Nella seconda metà degli anni '60, la pittura paesaggistica bielorussa è stata caratterizzata da nuove ricerche e tendenze. Lo studio del paesaggio esistente viene sostituito da un quadro del paesaggio, in cui i mezzi di colore, plastica, organizzazione lineare-ritmica del riflesso sono finalizzati a una spiegazione epica della vita della natura, a conferire all'apparenza un importante significato interno.

La maggior parte dei paesaggi di Tsvirko, creati tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, aprono una nuova pagina nella pittura paesaggistica della Bielorussia. La poesia delle opere del primo periodo è stata sostituita da una rigorosa semplicità decorativa, una varietà di gradazioni cromatiche planari. In ogni nuova opera dell'artista si avverte il desiderio di una riflessione filosofica sulla natura e sul tempo. "La Bielorussia è mia", "Sulla vecchia terra", questi dipinti si distinguono per l'emotività del colore e delle soluzioni compositive, la luminosità dei piani sottolineati, che gradualmente distolgono lo sguardo verso l'orizzonte stesso. La maggior parte delle opere paesaggistiche dell'artista sono caratterizzate dalla monumentalità, dovuta all'ampiezza dello spazio. Il paesaggio bielorusso, nelle opere di V. Tsvirko e di molti altri artisti, si mostra in tutta la sua diversità e originalità.

Una caratteristica altrettanto importante del paesaggio bielorusso negli ultimi tempi è la rappresentazione epica dei fenomeni più caratteristici e tipici della natura o di momenti e azioni specifici associati alla natura.

Laghi, foreste, fiumi bielorussi si rivelano nelle opere di V. Gromyka, in modo ricco e vario davanti allo spettatore. Alcuni con il loro ricco lirismo morbido, la poesia, altri - l'alto dramma. In tutte le opere, il colore gioca un ruolo importante: giallo-verde, blu, rosso.

Creatività V. Gromyka nella pittura di paesaggio, negli ultimi dieci anni, eleva questo genere a un livello superiore. Utilizzando le migliori realizzazioni dei maestri della vecchia generazione, arricchisce il paesaggio di nuovi contenuti, nuove emozioni, lo porta al valore di un dipinto di alto livello artistico.

A metà degli anni '70, nella pittura di paesaggio apparve una tendenza alla divulgazione figurativa analitica del tema. Quasi ogni autore si pone il compito non solo di rivelare la bellezza esteriore della sua terra natale, ma anche di sollevare questioni più profonde della comprensione filosofica della vita.

Paesaggi di L. Schemelev, D. Aleinik, N. Kazakevich, peculiari nel modo di scrivere e nel colore.

Le immagini della natura sono intessute di luce e colore, sono sorprendentemente trasparenti, pure e fragili. N. Kazakevich ricrea la sua natura nativa con il calore e la sincerità di una persona innamorata della sua terra, della pittura.

Il processo di padronanza delle migliori tradizioni nell'arte degli anni passati è accompagnato dalla ricerca di nuove forme, nuove soluzioni.

Tra gli artisti della generazione media si possono anche citare molti nomi che sono già entrati nella storia dell'arte bielorussa: questi sono A.V. Baranovsky, V.V. Nemtsov, L.V. Ramanovsky, A.Ya. Shibnev.

Per A. Baranovsky, la natura della Bielorussia è il tema principale della creatività. Un colorista sottile, che parla correntemente le possibilità espressive della pittura, del colore, della composizione, del disegno. Le opere dell'artista si distinguono per una combinazione di nitidezza della visione con morbidezza, gentilezza, speciale amore riverente e calore per il mondo raffigurato. Le immagini e la poesia si combinano con un'analisi piacevole e approfondita di un motivo particolare, attenzione ai mezzi di espressione pittorica.

La pittura paesaggistica bielorussa è cambiata. Non sorprenderai nessuno con l'anticonformismo e la purezza del colore nelle opere di B. Arakcheev, la festa e l'allegria dei dipinti di D. Aleinik, V. Kubarev, A. Marochkin, ognuno di loro va per la sua strada e apre un nuova, unica pagina nello sviluppo delle belle arti.

Ogni opera di L. Dudarenko è caratterizzata da una peculiare soluzione pittorica e plastica, perfezione del disegno e completezza compositiva. Al centro della creatività c'è sempre il tema della spiritualità, verità artistica, che permette di mantenere l'individualità creativa.

Il paesaggio è diventato particolarmente rilevante negli ultimi anni, quando la crisi delle composizioni su argomenti socialmente significativi sta diventando sempre più visibile. Gli artisti si sono rivolti alla forma più tradizionale di paesaggio: l'immagine della natura, della libertà e dell'armonia.

Le note nostalgiche degli angoli primordiali della natura in partenza risuonavano sempre più chiaramente nelle opere degli artisti, l'armonia della natura è sempre più inquietante, la percezione romantica dei paesaggi attrae, dove il più ordinario, visto molte volte, appare in un qualità diversa, la realtà sotto un colore misterioso acquisisce le caratteristiche dell'illusorio. Sono questi motivi che V. Zinkevich, V. Shkarubo, V. Khmyz, A. Mirsky e altri si sforzano di preservare e incarnare nelle loro tele.

I paesaggi di V. Zinkevich non sono nemmeno paesaggi nel senso comune per noi. Piuttosto, è il loro, un'eco emotiva, un'eco dell'uno o dell'altro stato di natura che ci ha raggiunto. Il soggettivismo, la fantasia della visione dell'artista non può essere interpretata in modo univoco e concreto. Le improvvisazioni paesaggistiche sono ambigue, incoraggiano riflessioni, associazioni.

L'arte di V. Shkarubo è in gran parte concettuale, poiché è sempre soggetta all'espressione di un'idea dell'autore predeterminata e ben ponderata. Non ci sono persone nei suoi paesaggi, il che aggiunge solo mistero, rende l'atmosfera del quadro in qualche modo surreale, permette di allontanarsi dal sentimentalismo pastorale e conferisce maggiore capacità e profondità alla struttura figurativa della composizione.

Lavoro del corso

Per disciplina

"Metodologia delle Belle Arti"

Il metodo di lavorare sul pittoresco

immagine del paesaggio.

Studenti del terzo anno, gruppo 35g.

Specialità 070901

Specializzazione - pittura da cavalletto

Vydrina Elena Andreevna

Voto: _______ / ________________

Supervisore _____/_______________
(firma) (nome completo)
« ______»__________ 20___ G.

Bendery, 2015

Introduzione.

1. Il paesaggio come genere di belle arti.

2. La tecnica di lavorare sul paesaggio.

2.1 Lavoro sul paesaggio in vari materiali (guazzo, acquerello).

Conclusione.

Bibliografia.

Applicazione.

Il piano è un riassunto della lezione.

Introduzione.

La natura è infinitamente diversa e bella. La luce del sole e l'ambiente creano un'inesauribile armonia di colori. Tutto in natura è naturale, opportuno, bello. L'impatto della natura su una persona, i sentimenti e i pensieri profondi che provoca, hanno contribuito all'emergere di un genere nelle arti visive: il paesaggio.
Credo che il paesaggio pittoresco sia una delle fasi necessarie dell'apprendimento. La pratica pittorica aiuta a sentire le caratteristiche cromatiche di un certo stato di natura, le sue caratteristiche plastiche e a trasmetterle nell'unità coloristica di uno schizzo paesaggistico. Disegnare dal vero ti insegna a lavorare consapevolmente in classe, educa gli studenti all'organizzazione e all'attenzione, sviluppa il pensiero spaziale e l'immaginazione, consente loro di comprendere meglio la bellezza e gli schemi della struttura della natura circostante. Gli studenti raffigurano anche il paesaggio nella maggior parte dei casi quando eseguono disegni tematici.
Per ottenere risultati positivi del lavoro, è necessario gestire l'attività visiva dello studente in modo tale da vedere i suoi successi in ogni fase. Ciò può essere ottenuto dividendo un complesso compito pittorico in una serie di piccoli compiti semplici e abbastanza accessibili al bambino.

Pertanto, l'immagine della natura nelle lezioni di belle arti a scuola contribuisce allo sviluppo delle qualità personali dello studente, allo sviluppo estetico e morale e all'amore per il mondo che lo circonda.
Lo scopo del lavoro del corso: studiare le caratteristiche dell'insegnamento dell'argomento "Paesaggio".

Oggetto di studio: il processo educativo nelle lezioni di belle arti.

Oggetto di studio: metodi e tecniche per insegnare agli scolari l'immagine del paesaggio.
Il metodo di insegnamento è inteso come il modo in cui l'insegnante lavora con gli studenti, con l'aiuto del quale si ottiene la migliore assimilazione del materiale educativo e si aumenta il rendimento scolastico. La scelta dei metodi di insegnamento dipende dagli obiettivi di apprendimento, nonché dall'età degli studenti. Nella letteratura pedagogica si trova anche il termine "ricezione". Il metodo di insegnamento sono i singoli momenti che compongono il metodo di insegnamento. Da un insieme di tecniche e metodi di insegnamento, uniti da una direzione comune, si forma un sistema di formazione.
L'obiettivo finale del mio lavoro sarà sviluppare uno schema di lezione sull'argomento "Paesaggio autunnale della terra natale".

Il paesaggio come genere delle belle arti.

Il paesaggio è un genere di belle arti, il cui soggetto è l'immagine della natura, del terreno, del paesaggio. Il paesaggio è un genere tradizionale di pittura e grafica da cavalletto. A seconda della natura del motivo paesaggistico, si può individuare un paesaggio rurale, urbano (compreso l'architettonico urbano - veduta), industriale. Un'area speciale è l'immagine dell'elemento marino: il porto turistico.
Il paesaggio può essere storico, geografico, fantastico, lirico, epico. Ad esempio, i paesaggi di I. Levitan sono spesso definiti "paesaggi d'atmosfera". I suoi dipinti incarnano stati d'animo mutevoli, uno stato di ansia, dolore, presagio, pace, gioia, ecc. Pertanto, l'artista trasmette la forma tridimensionale degli oggetti in modo generalizzato, senza un'attenta elaborazione dei dettagli, con tremolanti punti pittoreschi. Così dipinse nel 1895 i dipinti "Marzo" e "Autunno d'oro", segnando il punto più alto nello sviluppo del paesaggio mondiale russo.
Grazie a I. Shishkin, che è riuscito a creare sulle sue tele un'immagine epica generalizzata della natura russa, il paesaggio russo è salito al livello di un'arte profondamente significativa e democratica ("Rye", "Ship Grove"). Le sconfinate distese di campi, il mare di spighe che ondeggia sotto il vento fresco, le distanze della foresta nei dipinti di I. Shishkin danno origine a pensieri sulla grandezza e il potere della natura russa.
Spesso il paesaggio fa da sfondo a dipinti, opere grafiche, scultoree (rilievi, medaglie) di altri generi. L'artista non solo si sforza di riprodurre fedelmente il motivo paesaggistico scelto, ma trasmette anche il suo atteggiamento nei confronti della natura, la ispira, crea un'immagine artistica che ha espressività emotiva e contenuto ideologico.
L'uomo ha iniziato a rappresentare la natura nei tempi antichi. Elementi del paesaggio si possono trovare già nel Neolitico nei rilievi e nei dipinti dei paesi dell'Antico Oriente e dell'Antica Grecia, principalmente in scene di guerre, caccia e pesca, contengono singoli elementi del paesaggio, soprattutto moltiplicati e concretizzati in l'antica arte egizia del Nuovo Regno. I motivi paesaggistici erano ampiamente utilizzati nell'arte di Creta nei secoli XVI-XV. AVANTI CRISTO. (vedi arte egea), dove per la prima volta è stata raggiunta l'impressione di un'unità emotivamente convincente di fauna, flora ed elementi naturali. Gli elementi paesaggistici dell'antica arte greca sono solitamente inseparabili dalla raffigurazione di una persona; il paesaggio ellenistico e romano antico, che comprendeva elementi prospettici (dipinti illusionistici, mosaici, i cosiddetti rilievi pittorici), aveva un'autonomia un po' maggiore. Questa era è caratterizzata dall'immagine della natura, percepita come la sfera dell'esistenza idilliaca dell'uomo e degli dei. Nell'arte medievale europea, gli elementi del paesaggio (in particolare vedute di città e singoli edifici) servivano spesso come mezzo di spazi condizionali, costruzioni (ad esempio "colline" o "camere" nelle icone russe), nella maggior parte dei casi trasformandosi in laconici indicazioni della scena. In un certo numero di composizioni, i dettagli del paesaggio sono stati trasformati in schemi teologici speculativi che riflettevano idee medievali sull'Universo.
Nell'arte medievale dei paesi dell'Oriente musulmano, gli elementi del paesaggio erano inizialmente presentati con molta parsimonia, ad eccezione di rari esempi basati sulle tradizioni ellenistiche. Dai secoli XIII-XIV. occupano un posto sempre più significativo nella miniatura del libro, dove nei secoli XV-XVI. nelle opere della scuola di Tabriz e della scuola di Herat, campiture paesaggistiche, contraddistinte dalla radiosa purezza dei colori, evocano l'idea della natura come giardino magico chiuso. I dettagli del paesaggio nell'arte medievale dell'India (soprattutto nelle miniature a partire dalla scuola Mughal), dell'Indocina e dell'Indonesia (ad esempio, le immagini di una foresta tropicale nei rilievi su temi mitologici ed epici) raggiungono un grande potere emotivo. Una posizione eccezionalmente importante è occupata dal paesaggio come genere indipendente nella pittura della Cina medievale, dove la natura in continuo rinnovamento era considerata l'incarnazione più evidente della legge del mondo (tao); questo concetto trova diretta espressione nel tipo di paesaggio "shan-shui" ("guru-voudy"). Paesaggio giapponese, formato dai secoli XII-XIII. e avendo subito una forte influenza dell'arte cinese, si distingue per uno stile grafico affilato, una tendenza a individuare motivi individuali e più vantaggiosi in senso decorativo e, infine, un ruolo più attivo.
Come genere indipendente, il paesaggio si è finalmente formato nel XVII secolo. È stato creato da pittori olandesi. Già nel XVI secolo gli artisti si sono rivolti alla natura (P. Brueghel nei Paesi Bassi). Una fioritura speciale della pittura di paesaggio fu osservata nei secoli XVII-XVIII (Rubens nelle Fiandre, Rembrandt e Ruisdael in Olanda, Poussin, C. Lorrain in Francia). Sono stati creati sistemi Valere, prospettiva luce-aria. Nell'Ottocento, le scoperte creative dei maestri paesaggisti, la conquista della pittura plein air (C. Corot in Francia, A. A. Ivanov, A. Savrasov, F. Vasiliev, I. Shishkin, I. Levitan, V. Serov in Russia) furono proseguiti dagli impressionisti (E Manet, C. Monet, H. Renoir in Francia, K. Korovin, I. Grabar in Russia) aprirono nuove possibilità nel trasferimento della variabilità dell'ambiente luce-aria, degli stati sfuggenti di la natura, la ricchezza di sfumature colorate.
Il genere del paesaggio non solo esprime l'infinita diversità e bellezza della natura in diversi periodi dell'anno, in diverse condizioni climatiche, sotto la luce del sole e della luna, ma trasmette anche sentimenti e stati d'animo. Al centro di ognuno degli artisti che hanno dipinto paesaggi c'è la vera natura, ma allo stesso tempo sorgono immagini molto diverse, perché la cosa principale è l'individualità dell'artista. Non dipinge la natura, ma trasmette il suo stato interiore nella pittura, quindi ogni artista ha le sue combinazioni di colori, tecniche e atteggiamenti individuali preferiti nei confronti del colore.

Una breve escursione nella storia dello sviluppo del genere paesaggistico

Tradotta dal francese, la parola "paesaggio" (paysage) significa "natura". Così viene chiamato il genere nelle belle arti, il cui compito principale è la riproduzione della natura naturale o alterata dall'uomo.
Inoltre, un paesaggio è un'opera d'arte specifica in pittura o disegno, che mostra la natura dello spettatore. L '"eroe" di un'opera del genere è un motivo naturale o un motivo naturale inventato dall'autore.

"Porto marittimo", I secolo, dipinto da Stabiae

Gli elementi paesaggistici si trovano già nell'arte rupestre. Nell'era neolitica, i maestri primitivi rappresentavano schematicamente fiumi o laghi, alberi e blocchi di pietra sulle pareti delle grotte. Sull'altopiano di Tassilin-Ajjer nel Sahara, sono stati trovati disegni con scene di caccia e guida di mandrie. Accanto alle figurine di animali e umani, l'antico artista ha abbozzato un semplice paesaggio, rendendo impossibile specificare la scena. Nell'arte dell'Antico Oriente e di Creta, un motivo paesaggistico è un dettaglio abbastanza comune nelle pitture murali. Quindi, non lontano dal villaggio di Beni Hasan nell'Egitto centrale, sono state trovate tombe rupestri di antichi sovrani egizi vissuti nel XXI-XX secolo aC. Uno dei tanti affreschi che ricoprivano le pareti delle camere sepolcrali raffigura un gatto selvatico che caccia in fitti boschetti. Tra i murales delle sale del famoso Palazzo di Cnosso sull'isola di Creta, è stato scoperto un dipinto, chiamato dai ricercatori "Pernici nelle rocce".
Nell'antica città romana di Stabia, distrutta, come Pompei, durante l'eruzione del Vesuvio, tra gli altri dipinti rinvenuti in una delle case patrizie, spicca l'affresco "Porto di mare", che è un vero e proprio paesaggio marino.
Come genere indipendente, il paesaggio è apparso già nel VI secolo nell'arte cinese. Le immagini della Cina medievale trasmettono molto poeticamente il mondo intorno. La natura spirituale e maestosa in queste opere, realizzate principalmente con inchiostro su seta, appare come un vasto universo che non ha confini. Le tradizioni della pittura paesaggistica cinese hanno avuto una grande influenza sull'arte giapponese. Sfortunatamente, lo scopo della nostra pubblicazione non ci consente di parlare in dettaglio dei paesaggisti di Cina e Giappone: questo è un argomento per un libro a parte.
In Europa, il paesaggio come genere separato è apparso molto più tardi che in Cina e Giappone. Durante il Medioevo, quando solo le composizioni religiose avevano il diritto di esistere, il paesaggio era interpretato dai pittori come un'immagine dell'habitat dei personaggi.

P. de Limburgo. "Il mese di marzo", XV secolo, dal Lussuoso Libro d'Ore del Duca di Berry

I miniaturisti europei hanno svolto un ruolo importante nella formazione della pittura di paesaggio. Nella Francia medievale, alla corte dei duchi di Borgogna e Berry negli anni 1410, talentuosi illustratori, i fratelli Limburg, lavorarono come creatori di affascinanti miniature per il libro delle ore del duca di Berry. Questi disegni aggraziati e colorati, che raccontano le stagioni e il corrispondente lavoro sul campo e intrattenimento, mostrano allo spettatore paesaggi naturali, eseguiti con una magistrale trasmissione della prospettiva per quel tempo.
Un marcato interesse per il paesaggio è evidente nella pittura del primo Rinascimento. E sebbene gli artisti siano ancora molto inetti nel trasmettere lo spazio, ingombrandolo di elementi paesaggistici che non si adattano tra loro in scala, molti dipinti testimoniano il desiderio dei pittori di ottenere un'immagine armoniosa e olistica della natura e dell'uomo. Tale è la tela "Corteo dei Magi" (prima metà del XV secolo, Metropolitan Museum of Art, New York) del maestro italiano Stefano di Giovanni, detto il Sacetta.
Un significativo passo avanti nello sviluppo della pittura di paesaggio fu compiuto dall'artista svizzero del XV secolo Konrad Witz, che mostrò nella sua composizione su un soggetto religioso un'area specifica: la riva del Lago di Ginevra.
I motivi paesaggistici iniziarono a svolgere un ruolo più importante nell'Alto Rinascimento. Molti artisti iniziarono a studiare attentamente la natura. Rifiutando la consueta costruzione di piani spaziali sotto forma di ali, un mucchio di dettagli incoerenti in scala, si sono rivolti agli sviluppi scientifici nel campo della prospettiva lineare. Ora il paesaggio, presentato nel suo insieme, diventa l'elemento più importante delle trame artistiche. Quindi, nelle composizioni dell'altare, a cui i pittori si sono rivolti più spesso, il paesaggio sembra una scena con figure umane in primo piano.

Stefano di Giovanni. "Corteo dei Magi", prima metà del XV secolo, Metropolitan Museum of Art, New York

Nonostante questo chiaro progresso, fino al XVI secolo gli artisti includevano dettagli paesaggistici nelle loro opere solo come sfondo per una scena religiosa, una composizione di genere o un ritratto. L'esempio più eclatante di ciò è il famoso ritratto della Gioconda (1503 circa, Louvre, Parigi), dipinto da Leonardo da Vinci.
Con notevole abilità, il grande pittore ha trasmesso sulla sua tela il legame inestricabile tra uomo e natura, ha mostrato l'armonia e la bellezza che per molti secoli hanno fatto congelare lo spettatore in ammirazione davanti alla Gioconda.
Dietro la schiena di una giovane donna si aprono le sconfinate distese dell'universo: cime montuose, foreste, fiumi e mari. Questo paesaggio maestoso conferma l'idea che la persona umana è tanto sfaccettata e complessa quanto il mondo naturale. Ma le persone non sono in grado di comprendere i numerosi segreti del mondo circostante, e questo sembra essere confermato da un misterioso sorriso sulle labbra della Gioconda.

Leonardo Da Vinci. "La Gioconda", ca. 1503, Louvre, Parigi

A poco a poco, il paesaggio è andato oltre altri generi artistici. Ciò è stato facilitato dallo sviluppo della pittura da cavalletto. Nei dipinti di piccolo formato del maestro olandese I. Patiner e dell'artista tedesco A. Altdorfer, il paesaggio comincia a dominare le scene rappresentate in primo piano.
Molti ricercatori considerano Albrecht Altdorfer il fondatore della pittura paesaggistica tedesca. Piccole figure umane sulla sua tela "Paesaggio forestale con la battaglia di San Giorgio" (1510, Alte Pinakothek, Monaco) si perdono tra i possenti tronchi degli alberi, le cui potenti chiome oscurano la terra dalla luce del sole.
Il dipinto successivo "Paesaggio danubiano" (1520-1525 circa, Alte Pinakothek, Monaco) e "Paesaggio con castello Werth" (1522-1530 circa, Alte Pinakothek, Monaco) indicano che ora l'immagine della natura è la principale e, probabilmente, l'unico compito dell'artista.

A. Altdorfer. Paesaggio del Danubio, ca. 1520-1525, Alte Pinakothek, Monaco di Baviera

I maestri della scuola veneziana hanno svolto un ruolo importante nella creazione del genere paesaggistico. Il primo artista che diede grande importanza al paesaggio fu Giorgione, attivo all'inizio del XVI secolo. La natura è la protagonista del suo dipinto Il temporale (1506-1507 circa, Galleria dell'Accademia, Venezia). Il paesaggio su questa tela non è più tanto l'ambiente in cui vive una persona, quanto piuttosto il portatore di sentimenti e stati d'animo. "Thunderstorm" invita lo spettatore ad immergersi nel mondo della natura, ad ascoltare attentamente le sue voci. L'inizio emotivo viene alla ribalta nella foto, invitando alla contemplazione, alla penetrazione nel mondo poetico creato dal maestro. La colorazione dell'immagine fa una grande impressione: colori profondi e tenui del verde e della terra, sfumature blu piombo del cielo e dell'acqua e toni rosa-dorati degli edifici cittadini.
In altri dipinti di Giorgione il paesaggio gioca un ruolo altrettanto importante. L'idea dell'unità dell'uomo e della natura si rifletteva in opere del maestro come "Tre filosofi" (1507-1508, Museo di storia dell'arte, Vienna) e "Venere dormiente" (1508, Galleria d'arte, Dresda ). Nell'ultima composizione, la giovane donna addormentata sembra personificare la deliziosa natura italiana, penetrata dal caldo sole del sud.

Giorgione. Temporale, ca. 1506-1507, Galleria dell'Accademia, Venezia

Giorgione ebbe un'influenza significativa su Tiziano, che in seguito fu a capo della scuola veneziana. Tiziano ha svolto un ruolo importante nella formazione di tutti i generi della pittura paesaggistica europea. Il famoso artista non ha trascurato il paesaggio. Immagini maestose della natura appaiono su molte delle sue tele. I boschetti ombrosi sono deliziosi, in cui alberi potenti proteggono il viaggiatore dal sole cocente. Tra l'erba folta sono visibili figure di pastori, animali domestici e animali selvatici. Alberi e piante, persone e animali sono i figli di un unico mondo della natura, bello e maestoso. Già nella prima tela di Tiziano "Fuga in Egitto" (Hermitage, San Pietroburgo), l'immagine della natura sullo sfondo mette in ombra la triste scena della fuga della Sacra Famiglia in Egitto.

Tiziano. "Fuga in Egitto", Hermitage, San Pietroburgo

Le tradizioni della scuola veneziana si riflettono nei dipinti dell'artista spagnolo El Greco. Greco di origine (vero nome - Domenikos Theotokopoulos), lasciò la sua patria, Cipro, e andò a Venezia, per poi stabilirsi in Spagna. Tra i dipinti più famosi del maestro c'è il paesaggio "Veduta di Toledo" (1610-1614, Metropolitan Museum of Art, New York). El Greco trasmette in modo molto emotivo e vivido la natura al momento di un temporale. Nuvole plumbee attraversano il cielo, illuminate da lampi. La gelida città grigio-argento con case, torri, chiese sembra una visione favolosa nella misteriosa luce fosforescente. L'intenso dramma che permea la tela aiuta l'artista a trasmettere allo spettatore la sua idea del confronto tra forze terrene e celesti.

El Greco. "Veduta di Toledo", 1610-1614, Metropolitan Museum of Art, New York

Nell'Europa settentrionale del XVI secolo, il paesaggio conquistò anche una posizione di rilievo nella pittura.
Le immagini della natura occupano un posto importante nell'opera dell'artista olandese Pieter Brueghel il Vecchio. Nei dipinti dedicati alle stagioni, il maestro ha mostrato in modo accorato e poetico gli aspri paesaggi del nord. Tutti i paesaggi di Brueghel sono animati da figure di persone impegnate in attività quotidiane. Falciano l'erba, raccolgono segale, guidano mandrie, cacciano. Il ritmo calmo e senza fretta della vita umana è anche la vita della natura. Con la sua opera, Brueghel sembra voler dimostrare che il cielo, i fiumi, i laghi ei mari, gli alberi e le piante, gli animali e l'uomo sono tutte particelle dell'universo, una ed eterne.

Pieter Brueghel il Vecchio, Giornata cupa, 1565, Kunsthistorisches Museum, Vienna

Nel XVII secolo apparvero molte scuole nazionali, si formarono nuovi generi e le loro varietà. Questa volta ha avuto molto successo per l'ulteriore sviluppo del genere paesaggistico.
Le tradizioni di Brueghel nel campo della pittura di paesaggio sono state riprese dai rappresentanti della scuola olandese.
La rivoluzione borghese olandese (1566-1609) ravvivò la vita culturale del paese e contribuì al progresso creativo. Il XVII secolo vide una straordinaria fioritura della pittura olandese e di tutti i suoi generi, il più comune dei quali è la pittura di paesaggio.
I paesaggisti olandesi sono stati in grado di catturare sulle loro tele un'immagine completa del mondo in tutte le sue manifestazioni. Opere di artisti come H. Averkamp, E. van der Poel, J. Porcellis, S. de Vlieger, A.G. Cape, S. van Ruisdael e J. van Ruisdael trasmettono l'orgoglio di una persona per la propria terra, l'ammirazione per la bellezza del mare, i campi nativi, le foreste e i canali. Il sentimento di amore sincero e sconfinato per il mondo circostante si avverte in tutte le opere dei paesaggisti olandesi.

Hendrik Avercamp_Paesaggio invernale, Pinacoteca Ambrosian, Milano

Canali con barche a vela, paesaggi piatti, mulini a vento, fitte foreste, villaggi innevati, strade cittadine con case e piazze in pietra: tutti questi segni dicono allo spettatore che si trova di fronte a un vero paesaggio olandese.
Pieni di sentimento lirico e fascino poetico, i dipinti raffigurano il mondo circostante in diversi periodi dell'anno e in diverse ore del giorno. Tuttavia, la maggior parte di questi paesaggi trasmette la natura in momenti di calma, quando le nuvole basse fluttuano lentamente sopra la terra, avvolte in un'atmosfera umida e nebbiosa, ei raggi del sole, che irrompono tra le nuvole, cadono facilmente sull'acqua dei canali, degli alberi rami, tetti di edifici.
La maggior parte dei paesaggi olandesi è caratterizzata da una colorazione tenue, costituita da tonalità argento chiaro, oliva-ocra, brunastre, vicine ai colori naturali della natura. Stesi sulla tela con tratti fini e precisi, questi colori trasmettono in modo convincente e realistico la matericità del mondo circostante.
Jan van Goyen, il fondatore del paesaggio realistico nella pittura olandese, così come un altro paesaggista olandese, Philips Koninck, ha mostrato con grande certezza dune di erica, rive e stagni di fiumi, alberi, mulini a vento, paludi, canali, distese marine.

Jan van Goyen, Pescatori

Con sottile lirismo, il meraviglioso artista Meindert Hobbema trasmette strade con alberi lungo i bordi delle strade e vicoli nella foresta. La caratteristica principale dei paesaggi di un altro maestro olandese, Albert Cuyp, è la combinazione del paesaggio con il genere animalesco. I suoi dipinti deliziano lo spettatore con i loro colori ricchi e sonori.

I. Vermeer di Delft. "Street", prima del 1660, Rijksmuseum, Amsterdam

Anche il famoso pittore di genere olandese Jan Vermeer di Delft ha mostrato interesse per la rappresentazione della natura. Ci sono solo due paesaggi nel suo vasto patrimonio creativo, ma anche in essi è riuscito a mostrare la sua più grande abilità. Una città meravigliosa, bagnata dalla pioggia e illuminata da timidi raggi di sole, è presentata sulla colorata tela "Veduta di Delft" (prima del 1660, Mauritshuis, Amsterdam). Un angolo tranquillo della città è raffigurato nel paesaggio "Street" (prima del 1660, Rijksmuseum, Amsterdam). Utilizzando un motivo semplice, Vermeer è riuscito a dare al suo paesaggio, eseguito in una gamma di sfumature rosso mattone, contenuto e significato profondi. Colpisce con quale abilità l'artista sia riuscito a coniugare nei suoi dipinti la completezza nel rappresentare tutti i dettagli con la trasmissione virtuosa dell'atmosfera luce-aria.
Nel XVII secolo si diffuse in Olanda una delle varietà del genere paesaggistico, il porto turistico. Nel paese dei marinai e dei pescatori, il paesaggio marino ebbe un enorme successo. Tra i migliori pittori di marine ci sono V. van de Velde, S. de Vlieger, J. Porsellis, J. van Ruisdael. Quest'ultima divenne famosa non solo per le sue vedute sul mare, ma anche per i dipinti raffiguranti pianure, mulini lungo le rive dei fiumi, villaggi tra le dune.

Jacob van Ruysdael - "Il mulino a Wijk" (c.1670).

Nell'Olanda del XVII secolo i paesaggi cosmopoliti erano molto popolari ei loro autori si specializzarono nella creazione di paesaggi immaginari in stile italiano. Ma non sono stati loro, ma tele con motivi di modesta natura olandese a rendere la pittura olandese un fenomeno così significativo nella cultura mondiale.
Anche l'arte realistica di Spagna, Italia e Francia ha svolto un ruolo nello sviluppo della pittura di paesaggio. Nell'opera di Diego Velasquez ci sono paesaggi che riflettono la sottile osservazione del grande maestro spagnolo ("Veduta di Villa Medici", 1650-1651, Prado, Madrid). Velazquez trasmette magistralmente la freschezza del verde, le calde sfumature di luce che scivolano attraverso le foglie degli alberi e gli alti muri di pietra.
I dipinti di Velasquez testimoniano l'origine della pittura en plein air: usciti dai laboratori, gli artisti si recavano a lavorare all'aria aperta per meglio studiare la natura.

D.Velasquez. "Veduta di Villa Medici", 1650-1651, Prado, Madrid

Nel XVII secolo, i principi della creazione di un paesaggio ideale si svilupparono nell'arte del classicismo. I classicisti interpretavano la natura come un mondo soggetto alle leggi della ragione.
Il pittore francese Nicolas Poussin, che ha lavorato in Italia, è diventato il creatore del paesaggio eroico. I dipinti di Poussin, che mostrano la grandezza dell'universo, sono abitati da personaggi mitologici, eroi che suscitano sentimenti nobili nello spettatore. L'artista, che credeva che l'obiettivo principale dell'arte fosse l'educazione di una persona, considerava l'ordine e la struttura razionale del mondo il valore principale. Dipinse opere con una composizione equilibrata, piani spaziali chiaramente costruiti e colori distribuiti secondo regole rigide. Poussin non ha reso il pubblico un partecipante ai suoi dipinti. Gli spettatori che guardavano i suoi paesaggi dovevano accontentarsi del ruolo di contemplativi, godendosi l'immagine e migliorando le loro menti.

N.Poussin. "Paesaggio con Polifemo", Hermitage, San Pietroburgo

Nell'ambito del classicismo, Claude Lorrain ha sviluppato il concetto di paesaggio idilliaco. I suoi dipinti sono intrisi dello spirito di perfetta armonia. L'artista costruisce così abilmente piani: monumenti antichi, antiche rovine, alberi con fitte chiome, che c'è abbastanza spazio sulla tela per trasmettere le ampie distese di mare, terra e distanze aeree. E se nei dipinti di Poussin gli eroi mitologici si trovano al centro della composizione, nelle opere di Lorrain sono solo figure di personale.
La natura appare in modo diverso sulle tele dei maestri barocchi. A differenza dei classicisti, si sforzano di trasmettere le dinamiche del mondo circostante, la vita turbolenta degli elementi. Così, i paesaggi del fiammingo Peter Paul Rubens trasmettono il potere e la bellezza della terra, affermano la gioia di essere, instillando nel pubblico un senso di ottimismo. Tutto quanto sopra può essere attribuito al suo "Paesaggio con arcobaleno" (Hermitage, San Pietroburgo), in cui il maestro ha catturato distese lasciando l'orizzonte, alte colline e alberi maestosi, una valle con villaggi tentacolari, pastori e pastori, mandrie di mucche e pecore. Il magnifico paesaggio è coronato da un arcobaleno scintillante di delicate sfumature colorate.

P.P. Rubens. "Paesaggio con arcobaleno", Hermitage, San Pietroburgo

P.P. Rubens. Paesaggio con Castello Sten. Intorno al 1635, National Gallery, Londra

I paesaggi emotivamente espressivi, che riflettevano le tradizioni barocche, furono creati dal maestro italiano dell'inizio del XVII secolo, Alessandro Magnasco. Non c'è niente di idilliaco nei suoi quadri. Pieni di un sentimento inquietante, mostrano la complessità dell'ordine mondiale. Sulla tela "Seashore" lo spettatore vede un mucchio caotico di dettagli. Le onde del mare in tempesta battono contro la riva, sulla quale l'artista ha collocato molte figure umane. Questi sono zingari, ladri, contadini, eremiti, mercanti.
È difficile capire cosa stiano facendo queste persone. Il paesaggio romantico è altrettanto misterioso: un mare agitato, alberi dai tronchi ricurvi, cupe fortezze con torri e alte scogliere grigie all'orizzonte.
Nel Settecento si diffuse la veduta, una sorta di genere paesaggistico emerso nella pittura veneziana. Ha origine dal paesaggio urbano, o architettonico, i cui elementi sono apparsi nell'arte del Medioevo. Notevoli maestri della veduta furono Francesco Guardi, Antonio Canaletto, Bernardo Bellotto.
Nel XVIII secolo, la pittura di paesaggio fu ulteriormente sviluppata nell'arte francese. Antoine Watteau, detto il "pittore delle feste galanti", dipingeva scene sognanti sullo sfondo di meravigliosi parchi. I suoi paesaggi, realizzati con colori delicati e vibranti, sono molto emotivi, trasmettono varie sfumature di umore ("Pellegrinaggio all'isola di Cythera", 1717, Louvre, Parigi).

Antoine Watteau, Pellegrinaggio a Citera, 1717, Louvre

Un rappresentante di spicco dell'arte rococò fu l'artista francese Francois Boucher, che creò paesaggi pieni di fascino sensuale.

Francois Boucher, Ponte

Come intessuti di sfumature blu, rosa, argento, sembrano deliziosi sogni magici ("Paesaggio nelle vicinanze di Beauvais", l'Hermitage, San Pietroburgo). Boucher ha studiato con un altro artista francese che ha lavorato in stile rococò, Jean Honoré Fragonard, i cui paesaggi colorati, permeati di aria e luce, trasmettono la freschezza dell'aria, il calore dei raggi del sole, il movimento tremolante del fogliame sugli alberi ("Giardini di Villa d'Este", Wallace collection, Londra).

Fragonard, La grande cascata di Tivoli, 1760, Louvre

Un nuovo atteggiamento nei confronti della natura apparve nell'arte nella seconda metà del XVIII secolo. Nella pittura di paesaggio dell'Illuminismo non è rimasta traccia dell'antica convenzionalità idilliaca dell'arte rocaille. Gli artisti hanno cercato di mostrare allo spettatore la natura naturale, eretta in un ideale estetico. Molti pittori che hanno lavorato in questo periodo si sono rivolti all'antichità, vedendo in essa il prototipo della libertà individuale. Le maestose rovine dell'antica Roma ricreano i dipinti di Hubert Robert. Come altri paesaggisti del suo tempo, Robert combinava realtà e finzione nelle sue composizioni.
Basato su osservazioni sul campo, tempeste marine e porti di Claude Joseph Vernet, con i loro effetti luminosi luminosi, deliziavano i contemporanei. La pittura di Vernet ha avuto un impatto sui rappresentanti della tendenza romantica apparsa nell'arte europea e americana nella prima metà del XIX secolo. I rappresentanti più brillanti del paesaggio romantico in Inghilterra erano Joseph Mallord William Turner e John Constable, in Germania - Caspar David Friedrich.

Joseph Mallord William Turner, La costruzione di Cartagine, 1815, National Gallery, Londra

John Constable, carro di fieno. 1821, National Gallery, Londra

La bellezza della semplice natura rurale è stata aperta allo spettatore dai paesaggisti francesi - rappresentanti della scuola di Barbizon: Theodore Rousseau, Jules Dupre e altri.

Theodore Rousseau, Il piccolo pescatore, 1849

Vicino all'arte dei Barbizons è il dipinto di Camille Corot, che ha cercato di trasmettere l'ambiente aereo tremante con l'aiuto di Valers. Camille Corot era considerato il suo predecessore dagli impressionisti francesi. I paesaggi en plein air di Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley riflettono il profondo interesse degli artisti per l'ambiente mutevole della luce e dell'aria. Le opere degli impressionisti mostrano non solo la natura rurale, ma anche il mondo vibrante e dinamico della città moderna.

Claude Monet, Ninfee bianche, 1899, Museo Pushkin im. AS Pushkin, Mosca

Alfred Sisley, Sentiero serale sulla riva vicino a Sauure in Normandia, 1894, Rouen. Museo delle Belle Arti

Le tradizioni modificate degli impressionisti furono usate nella loro pittura da artisti post-impressionisti. Dal punto di vista dell'arte monumentale, Paul Cézanne rappresenta la maestosa bellezza e la forza della natura. I paesaggi di Vincent van Gogh sono pieni di un sentimento cupo e tragico. I riflessi del sole sulla superficie dell'acqua, il tremolio dell'aria marina e la freschezza del verde sono trasmessi dalle tele di Georges Seurat e Paul Signac, realizzate con la tecnica divisionista.
Nel XX secolo, rappresentanti di vari movimenti artistici si sono rivolti al genere paesaggistico. Immagini luminose e intensamente sonore della natura sono state create dai fauvisti: Henri Matisse, Andre Derain, Albert Marquet, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy e altri.

R. Delaunay. "Torre Eiffel", 1926-1928, Museo Solomon Guggenheim, New York

I cubisti (Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay e altri) hanno creato i loro paesaggi utilizzando forme geometriche sezionate. Il genere del paesaggio interessava gli artisti surrealisti (Salvador Dalì) e gli astrattisti (Wasily Kandinsky, Helen Frankenthaler), che scrissero composizioni decorative in cui la cosa principale è l'impressione dell'improvvisazione diretta nella trasmissione di immagini della natura.

Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931

V. Kandinsky. "Murnau - paesaggio montano con chiesa", 1910, Lenbachhaus-Museum, Monaco di Baviera

Anche i rappresentanti delle tendenze realistiche (Rockwell Kent, George Wesley Bellows, Renato Guttuso) sono rimasti maestri riconosciuti della pittura di paesaggio nel XX secolo.
Un posto speciale è occupato dal paesaggio nella pittura russa. Per la prima volta, i motivi del paesaggio, trasmessi schematicamente, sono apparsi nell'antica pittura di icone russe. Le figure di Cristo, la Madre di Dio, i santi e gli angeli sulle icone antiche erano raffigurate sullo sfondo di un paesaggio condizionale, dove basse colline segnavano un'area rocciosa, alberi rari, la cui razza non poteva essere determinata, simboleggiavano la foresta, e gli edifici, privi di volumi illusori, erano templi e camere.
I primi paesaggi apparsi in Russia nel XVIII secolo erano vedute topografiche di magnifici palazzi e parchi. Durante il periodo di Elisabetta Petrovna fu pubblicato un atlante di incisioni con vedute di San Pietroburgo e dei suoi dintorni, realizzato secondo i disegni di M. I. Makhaev. Ma solo con l'avvento delle opere di Semyon Fedorovich Shchedrin possiamo dire che il paesaggio come genere separato si è formato nella pittura russa.

Semyon Fedorovich Shchedrin, Veduta del Palazzo Gatchina dal Lago d'Argento. 1798. Guazzo

I contemporanei di Shchedrin, M.M., hanno dato il loro contributo allo sviluppo del paesaggio. Ivanov e F.Ya. Alekseev. La pittura di Alekseev ha influenzato i giovani artisti - M.N. Vorobiev, S.F. Galaktionova, A.E. Martynov, che hanno dedicato la loro arte a San Pietroburgo: i suoi palazzi, gli argini, i canali, i parchi.

M.N. Vorobyov, Veduta del mare in Italia, 1840

MN Vorobyov ha allevato un'intera galassia di straordinari pittori di paesaggi. Tra loro c'erano i fratelli G.G. e N.G. Chernetsov, K.I. Rabus e altri Una serie di meravigliosi paesaggi litografici ad acquerello con vedute dei dintorni di San Pietroburgo sono stati realizzati da A.P. Bryullov, fratello del famoso K.P. Bryullov, che in seguito divenne architetto.

Alexander Pavlovich Bryullov, Veduta di Castel Sant'Angelo a Roma. 1823-1826

Ma le opere di questi maestri svaniscono accanto ai dipinti di Sylvester Feodosievich Shchedrin, che ha catturato sulle sue tele la luminosa bellezza della natura italiana.
Entro la metà del XIX secolo, nella pittura paesaggistica russa si formarono alcuni principi della percezione estetica della natura e dei metodi per mostrarla.
Dalla scuola di Vorobyov provengono le tradizioni romantiche adottate dai suoi studenti. Tra questi c'è il defunto M.I. Lebedev, L.F. Lagorio e I.K. Aivazovsky, il cui tema principale dell'arte era il mare.

I.K. Aivazovsky, Brig Mercury, dopo aver sconfitto due navi turche, incontra lo squadrone russo

Un posto speciale nella pittura russa è occupato dal lavoro di A.K. Savrasov, che divenne il fondatore del panorama lirico nazionale. Savrasov ha influenzato il suo allievo e amico, il paesaggista L.L. Kamenev.
Parallelamente alla tendenza lirica nella pittura paesaggistica russa, si sviluppò un paesaggio epico, il cui rappresentante di spicco era M.K. Klodt, che si è sforzato di creare un quadro paesaggistico che presentasse allo spettatore un'immagine olistica della Russia.

MK Klodt. "Sui terreni arabili", 1872, Galleria Tretyakov, Mosca

Nella seconda metà del XIX secolo, artisti famosi come I.I. Shishkin, FA Vasiliev, A. Kuindzhi, A.P. Bogolyubov, I.I. Levitano.

Shishkin, Nel selvaggio nord, 1891

Shishkin, Deserto, 1872

Kuindzhi, Elbrus, 1908

Levitan, Alla piscina, 1892

Le tradizioni del paesaggio lirico levitano furono riprese dai pittori I.S. Ostroukhov, S.I. Svetoslavskij, n.n. Dubovsky.
La pittura di paesaggio del XX secolo è associata ai nomi di I.E. Grabar, A.A. Rylov, K.F. Yuon. Nello spirito dell'arte simbolista, P.V. Kuznetsov, N.P. Krimov, M.S. Saryan, VE Borisov-Musatov.

AA. Rylov, Tramonto, 1917

Negli anni '20 si sviluppò il paesaggio industriale (l'interesse per questa varietà del genere paesaggistico è particolarmente evidente nel lavoro di M.S. Saryan e K.F. Bogaevsky).

K.F. Bogaevskij, Dneprostroj, 1930

Immagini espressive e impressionanti della natura nativa sono state create anche dai paesaggisti G.G. Nisky, S.V. Gerasimov, N.M. Romadino e altri.

NM Romadin, Paesaggio invernale, 1961

Con questo, probabilmente, concludo questa breve digressione, che può essere continuata all'infinito. Il suo scopo era evidenziare brevemente le direzioni principali del genere paesaggistico, spero di esserci riuscito in una certa misura.

Nella preparazione del messaggio sono stati utilizzati materiali http://artclassic.edu.ru/catalog.asp?ob_no=13142&cat_ob_no=13079 , http://www.fondart.ru/history_painting/istorija_pejjzazha/ , http://www.artgorizont.com/articles.php?id_article=1188 ,
http://www.newclassics.ru/reviews/346/ e alcuni altri.

Il paesaggio è un genere di pittura, il cui tema centrale è la natura, il paesaggio. Il genere è stato creato in Cina nel IV secolo d.C. Nell'arte occidentale, il paesaggio è reso popolare nel XVI secolo. Fino all'inizio del XVI secolo l'immagine della natura non era il tema principale, serviva da sfondo per immagini di persone, dimostrazioni di eventi storici. La tela aveva un messaggio religioso, allegorico, mitologico e la natura era un semplice sfondo.

Gli esempi sono presentati dalle opere di Leonardo da Vinci, Botticelli, Bellini. I ricercatori ritengono che il primo paesaggio "puro" appartenga al pennello di Albrecht Altdorfer, creato nella prima metà del XVI secolo.

Storia del genere

Albrecht Dürer e Pieter Brueghel il Vecchio lavorarono nel XVI secolo. Paesaggi primaverili, montani e urbani facevano da sfondo a soggetti mitologici.

Nel XVII secolo si formarono le scuole di pittura olandese e fiamminga: il paesaggio occupava un posto speciale nelle opere degli artisti. Poussin, Lorrain, Rubens hanno contribuito allo sviluppo del genere. I paesaggi pastorali sono caratterizzati da una trasmissione speciale di luce e colore, prospettiva, realismo. I temi rurali, urbani e marittimi erano popolari.

pittura di storia

Alla fine del XVII secolo, gli artisti usavano le persone nelle immagini, ma non come figure centrali, ma per concentrarsi sulla scala dell'immagine sulla tela.

Nel XVIII secolo il paesaggio si sviluppa in Francia, in Inghilterra e in altri paesi dell'Europa occidentale. Rappresentano l'armonia divina della natura e la calma fiducia nelle attuali condizioni di prosperità. Il genere non è centrale nella gerarchia, ma è popolare tra i collezionisti.

Dopo i cataclismi della Rivoluzione francese e delle guerre napoleoniche, il paesaggio divenne una delle forme d'arte più popolari. In Russia divenne popolare a metà del XIX secolo sotto forma di tipi naturali e rurali. I rappresentanti del genere erano impegnati nella creatività in altre aree delle belle arti, ei paesaggi erano una delle aree di interesse creativo degli artisti che lavoravano con oli e acquerelli.

Il paesaggio più popolare era nelle opere su commissione: paesaggi marini e montani, urbani e rurali sembravano belli negli interni classici nelle tenute di persone di alto rango.

Pastorale in pittura

Gli artisti del 20 ° secolo hanno reso popolare il paesaggio negli stili di cubismo, fauvismo, espressionismo, iperrealismo. Le opere moderne sono piene di vita, colori, individualismo nel trasferimento del colore e della prospettiva.

Caratteristiche e tipi di pittura di paesaggio

In traduzione, il nome del genere significa "località", "paese" è l'ambiente che circonda una persona all'aria aperta. L'ambiente può essere di origine naturale o artificiale, antropica. Gli oggetti naturali includono corpi idrici: laghi, mari, fiumi, vari tipi di rilievi, vegetazione, cielo.

All'artificiale - case e annessi, strade, edifici pubblici, giardini, lanterne - tutto ciò che viene creato dall'uomo. La natura è stata rappresentata dagli artisti fin dai tempi antichi, ma la separazione del paesaggio in un genere separato ha permesso di mostrare l'individualità nel trasferimento del mondo circostante.

Utilizzando criteri diversi, si possono distinguere diverse classificazioni della pittura di paesaggio. Secondo il livello di partecipazione umana alla creazione del paesaggio, ci sono:

Rustico;
Naturale;
Urbano.

Caratteristiche dell'antica pittura vascolare greca

Per natura del lavoro, ci sono:

Epico;
Eroico;
Romantico;
Paesaggio-mood.

Natura

I paesaggi naturali iniziarono a essere dipinti nel Medioevo, ma, secondo i canoni dell'arte gotica, i dipinti erano privi di prospettiva, l'immagine era piatta, schematica, disarmonica, irrealistica. Insieme allo sviluppo degli stili pittorici, è cambiato il modo di rappresentare il paesaggio naturale. La direzione naturale include dipinti con corpi celesti, stelle.

Nautico

Marina - una specie di paesaggio a tema marino. Le direzioni furono rese popolari durante lo sviluppo attivo della navigazione, della navigazione, delle grandi scoperte geografiche. L'esempio più eclatante di questo tipo è l'opera del pittore marino russo del XIX secolo I. Aivazovsky.

Futuristico

L'arte futuristica è una varietà i cui aderenti dipingono quadri con immagini di voli spaziali, fantastici mondi extraterrestri.

Rustico

Il paesaggio rurale o rustico divenne popolare durante lo sviluppo dello stile rococò. Dipinti con immagini idilliache di pastorelle, abitanti rurali divennero opere rappresentative del loro tempo. La varietà si è sviluppata non solo nell'Europa occidentale, ma anche in Russia. La direzione del paesaggio rurale è stata scelta da Pieter Brueghel il Vecchio, Francois Millet, Camille Moreau. Un esempio di pittura russa è il lavoro di A. Venetsianov, A. Savrasov, V. Polevov, A. Plastov, I. Leevitan.

Pittura di battaglia

La maggior parte dei paesaggisti rappresentava gli stili del realismo, del classicismo, del romanticismo. Anche gli artisti moderni dell'Europa e dell'America sono impegnati nella pittura di paesaggi.

Urbano

I paesaggi urbani sono rappresentati da opere che raffigurano strade accoglienti, edifici e altre strutture.
Come propaggine di questa specie nel XVII secolo apparve il tipo di "Veduta", originario dell'Italia. In realtà, questa è un'immagine dettagliata degli edifici della città, nei minimi dettagli. La caratteristica principale della sottospecie è una visualizzazione accurata di tutte le sfumature dell'architettura di una casa o di un intero isolato. Le opere rappresentative nella direzione di "Veduta" sono dipinti di A. Canaletto, J. Vermeer.

La visione della "rovina" è stata sviluppata in molte opere di artisti dal XVI al XX secolo. I pittori hanno cercato di trasmettere la magia e le caratteristiche di edifici abbandonati o rovine di valore storico. Ad esempio, le rovine delle antiche città di Gran Bretagna, Grecia, Italia, Francia. Montagna, le immagini del mare possono essere utilizzate come sfondo.

Caratteristiche del genere tematico della trama

Un paesaggio urbano fantasy o futuristico è un dipinto raffigurante una città immaginaria che esiste solo nell'immaginazione dell'artista. Creando tele, i pittori volevano trasmettere le possibilità della tecnologia e della tecnologia, il loro significato per il futuro. La maggior parte delle opere sono dipinte a olio per una ricca riproduzione dei colori.

Direzione industriale - dipinti con immagini di dighe, ponti, torri, edifici, fabbriche. Gli artisti si concentrano sulla bellezza degli edifici industriali. Una delle prime opere nella forma industriale del paesaggio è la "Gare Saint-Lazare" di Claude Monet.

Vista del parco: le immagini primaverili, estive, invernali e autunnali delle aree del parco della città sono popolari tra i seguaci della direzione.

Caratteristiche tecniche

Le caratteristiche tecniche dell'opera sono influenzate dallo stile in cui l'artista ha lavorato:

Gli impressionisti prestavano attenzione al colore e a una speciale trasmissione di luce, prospettive, lavoravano con tratti, creando tele solari, primaverili e invernali piene di emozioni e dinamiche.
Accademici e realisti hanno cercato la massima autenticità, hanno utilizzato colori e sfumature naturali, hanno lavorato con acquerelli e oli.
I maestri barocchi hanno riempito di splendore anche le immagini della natura.
I romantici hanno reso l'immagine luminosa, gioiosa, stimolante, primaverile.

fr. paysage from pays - località, paese) è uno dei generi di pittura raffigurante la natura. Esistono numerose varietà di P.: P. urbana, P. architettonica, ecc.

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SCENARIO

francese paysage, da pays - paese, località), un genere di pittura dedicato alla rappresentazione della natura in tutta la sua diversità di forme, apparenze, stati, colorata dalla percezione personale dell'artista.

Il paesaggio è apparso per la prima volta come genere indipendente in Cina (VII secolo circa). Gli artisti cinesi hanno raggiunto un'eccezionale spiritualità e profondità filosofica nel paesaggio. Su lunghi rotoli di seta orizzontali o verticali, non scrivevano visioni della natura, ma un'immagine olistica dell'universo in cui una persona si dissolve (vedi Art. Arte cinese).

Nell'arte dell'Europa occidentale, il genere del paesaggio ha preso forma in Olanda nella prima metà. XVII secolo Uno dei suoi fondatori fu I. Patinir, un maestro delle vedute panoramiche con incluse piccole figure di personaggi biblici o mitologici. H. Averkamp, J. van Goyen e successivamente J. van Ruisdael e altri artisti hanno contribuito allo sviluppo del paesaggio. Un posto importante nel paesaggio olandese era occupato dalle viste sul mare: i porti turistici. Gli italiani, in particolare i maestri veneziani, si sono rivolti al paesaggio urbano documentario. Canaletto ha rappresentato Venezia in un momento della sua prosperità. Sottili fantasie poetiche sui temi della vita veneziana sono state create da F. Guardi. Arte francese del XVII secolo il paesaggio sviluppato in linea con lo stile del classicismo. La natura, piena di forze potenti ed eroiche, appare nelle tele di N. Poussin; paesaggi ideali che incarnavano il sogno di un'età dell'oro, scriveva K. Lorrain.

Il riformatore della pittura paesaggistica europea è stato realizzato all'inizio. 19esimo secolo Artista inglese J. Constable. Uno dei primi ha iniziato a scrivere schizzi all'aria aperta, ha guardato la natura con uno "sguardo imparziale". Le sue opere fecero un'impressione indelebile sui pittori francesi e servirono da impulso per lo sviluppo di un paesaggio realistico in Francia (C. Corot e gli artisti della scuola di Barbizon). Gli artisti impressionisti (C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley e altri) si pongono compiti pittorici ancora più complessi. Il gioco del bagliore del sole sul fogliame, i volti, i vestiti delle persone, il cambiamento delle impressioni e dell'illuminazione durante un giorno, la vibrazione dell'aria e la nebbia umida erano incarnati nelle loro tele. Spesso gli artisti creavano una serie di paesaggi con un unico motivo (la cattedrale di Rouen di Monet in diversi momenti della giornata, 1893–95). Nei dipinti "solari" degli impressionisti, per la prima volta, i colori puri, non mescolati sulla tavolozza, suonavano gioiosamente. I paesaggi sono stati dipinti interamente en plein air, dalla natura.

Nell'arte russa, il paesaggio come genere indipendente è apparso in con. 18esimo secolo I suoi fondatori furono architetti, decoratori teatrali, maestri delle vedute prospettiche. All'Accademia delle arti di San Pietroburgo, i paesaggisti sono stati educati secondo i principi del classicismo. Dovevano creare visioni della loro natura nativa sui modelli di famosi dipinti del passato, e soprattutto opere di italiani del XVII-XVIII secolo. I paesaggi venivano "composti" in officina, quindi, ad esempio, la Gatchina settentrionale e umida (vicino a San Pietroburgo) sembrava l'Italia soleggiata nelle tele di Semyon Fedorovich Shchedrin ("Ponte di pietra a Gatchina vicino a Piazza Connetabile", 1799-1800 ). I paesaggi eroici furono creati da F. M. Matveev, riferendosi principalmente alle vedute della natura italiana ("Veduta di Roma. Colosseo", 1816). F. Ya Alekseev ha dipinto vedute architettoniche della capitale e delle città di provincia della Russia con grande cordialità e calore. Nei paesaggi russi del XVIII secolo, costruiti secondo le regole del classicismo, al centro era posto il principale "eroe" (il più delle volte un'antica struttura architettonica); alberi o cespugli su entrambi i lati fungevano da backstage; lo spazio era chiaramente diviso in tre piani e l'immagine in primo piano era risolta nei toni del marrone, nel secondo - in verde, in lontananza - in blu.

L'era del romanticismo porta nuove tendenze. Il paesaggio è concepito come l'incarnazione dell'anima dell'universo; la natura, come l'anima umana, appare nella dinamica, nell'eterna variabilità. Sylvester Feodosievich Shchedrin, nipote di Semyon Fedorovich Shchedrin, che ha lavorato in Italia, è stato il primo a dipingere paesaggi non in studio, ma all'aria aperta, ottenendo maggiore naturalezza e veridicità nella trasmissione dell'ambiente luce-aria. La fertile terra d'Italia, piena di luce e calore, diventa l'incarnazione di un sogno nei suoi dipinti. Qui è come se il sole non tramontasse mai e regnasse l'eterna estate, e le persone fossero libere, belle e vivessero in armonia con la natura (“Costa sorrentina con vista sull'isola di Capri”, 1826; “Terrazza in riva al mare”, 1928). Motivi romantici con effetti di luce lunare, cupa poesia di notti buie o fulmini lampeggianti attirarono M. N. Vorobyov ("Notte d'autunno a San Pietroburgo. Molo con sfingi egizie di notte", 1835; "Quercia spezzata da un fulmine", 1842). Durante i suoi 40 anni di servizio presso l'Accademia delle arti, Vorobyov ha allevato una galassia di straordinari pittori di paesaggi, tra cui il famoso pittore di marine I. K. Aivazovsky.

Nella pittura, il secondo piano. 19esimo secolo il paesaggio occupava un posto importante nel lavoro degli Erranti. Una rivelazione per il pubblico russo furono i dipinti di A. K. Savrasov ("The Rooks Have Arrived", 1871; "Country Road", 1873), che scoprì la modesta bellezza della natura russa e riuscì a rivelare sinceramente la sua vita più intima nelle sue tele. Savrasov divenne il fondatore del "paesaggio dell'umore" lirico nella pittura russa, la cui linea fu continuata da F. A. Vasiliev ("Thaw", 1871; "Wet Meadow", 1872) e I. I. Levitan ("Evening Ringing", 1892; " Autunno d'oro", 1895). I. I. Shishkin, a differenza di Savrasov, cantava la forza eroica, l'abbondanza e il potere epico della terra russa ("Rye", 1878; "Forest Dalì", 1884). I suoi dipinti affascinano con l'infinito dello spazio, la distesa del cielo alto, la possente bellezza delle foreste e dei campi russi. Una caratteristica del suo modo pittorico era l'attento disegno dei dettagli, unito alla monumentalità della composizione. I paesaggi di A. I. Kuindzhi hanno stupito i contemporanei con gli effetti del chiaro di luna o della luce solare. L'espressività dei dipinti ampiamente e liberamente dipinti "Moonlight Night on the Dnieper" (1880), "Birch Grove" (1879) si basa su contrasti di luce e colore trovati con precisione. V. D. Polenov nei dipinti "Cortile di Mosca" e "Giardino della nonna" (entrambi - 1878) trasmetteva in modo sottile e poetico il fascino della vita nei vecchi "nobili nidi". Le sue opere sono dipinte con note appena percettibili di tristezza, nostalgia per la cultura in uscita.

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