Ecco un elenco di 10 compositori che dovresti conoscere. È sicuro dire di ciascuno di loro che è il più grande compositore che sia mai stato, anche se in realtà è impossibile, anzi impossibile, confrontare la musica scritta in diversi secoli. Tuttavia, tutti questi compositori si distinguono tra i loro contemporanei come i compositori che hanno composto la musica. il livello più alto e ha cercato di spingere i confini musica classica a nuovi limiti. L'elenco non contiene alcun ordine, come importanza o preferenza personale. Semplicemente 10 grandi compositori che dovresti conoscere.
Ogni compositore è accompagnato da un fatto citabile della sua vita, ricordando il quale sembrerai un esperto. E cliccando sul link ai nomi lo riconoscerete biografia completa. E, naturalmente, puoi ascoltarne uno opere significative ogni maestro.
La figura più importante della musica classica mondiale. Uno dei compositori più eseguiti e rispettati al mondo. Ha lavorato in tutti i generi che esistevano ai suoi tempi, tra cui opera, balletto, musica per spettacoli drammatici e composizioni corali. I più significativi nella sua eredità sono considerati opere strumentali: sonate per pianoforte, violino e violoncello, concerti per pianoforte, per violino, quartetti, ouverture, sinfonie. Il fondatore del periodo romantico nella musica classica.
Fatto interessante.
Beethoven per primo volle dedicare la sua terza sinfonia (1804) a Napoleone, il compositore rimase affascinato dalla personalità di quest'uomo, che a molti sembrò all'inizio del suo regno un vero eroe. Ma quando Napoleone si autoproclamò imperatore, Beethoven cancellò la sua dedica sul frontespizio e scrisse solo una parola: "Eroico".
"Moonlight Sonata" di L. Beethoven, Ascoltare:
2. (1685-1750)
Compositore e organista tedesco, rappresentante dell'era barocca. Uno dei più grandi compositori della storia della musica. Durante la sua vita, Bach ha scritto più di 1000 opere. Tutte le sue opere lo sono generi significativi di quel tempo, tranne che per l'opera; ha riassunto i risultati dell'arte musicale del periodo barocco. Antenato della più famosa dinastia musicale.
Fatto interessante.
Durante la sua vita, Bach fu così sottovalutato che furono pubblicate meno di una dozzina delle sue opere.
Toccata e fuga in re minore di J.S. Bach, Ascoltare:
3. (1756-1791)
Grande compositore, strumentista e direttore d'orchestra austriaco, rappresentante della Vienna scuola classica, violinista virtuoso, clavicembalista, organista, direttore d'orchestra, possedeva un fenomenale orecchio per la musica, la memoria e la capacità di improvvisare. Come compositore che ha eccelso in ogni genere, è giustamente considerato uno dei più grandi compositori nella storia della musica classica.
Fatto interessante.
Ancora bambino, Mozart memorizzò e trascrisse il Miserere (Cat. canto al testo del 50° Salmo di David) dell'italiano Grigorio Allegri, dopo averlo ascoltato una sola volta.
"Little Night Serenade" di W. A. Mozart, Ascoltare:
4. (1813-1883)
Compositore tedesco, direttore d'orchestra, drammaturgo, filosofo. Ha avuto un impatto significativo sulla cultura europea a cavallo tra il XIX e il XX secolo, in particolare il modernismo. Le opere di Wagner stupiscono per la loro grande scala e gli eterni valori umani.
Fatto interessante.
Wagner prese parte alla fallita rivoluzione del 1848-1849 in Germania e fu costretto a nascondersi dall'arresto da Franz Liszt.
"La cavalcata delle Valchirie" dall'opera "Valkyrie" di R. Wagner, Ascoltare
5. (1840-1893)
Compositore italiano, figura centrale della scuola lirica italiana. Verdi aveva senso del palcoscenico, temperamento e abilità impeccabile. Non ha negato le tradizioni dell'opera (a differenza di Wagner), ma piuttosto le ha sviluppate (le tradizioni dell'opera italiana), ha trasformato l'opera italiana, l'ha riempita di realismo, le ha dato l'unità del tutto.
Fatto interessante.
Verdi era un nazionalista italiano e fu eletto nel primo parlamento italiano nel 1860, dopo l'indipendenza dell'Italia dall'Austria.
Ouverture dell'opera "La Traviata" di D.Verdi, Ascoltare:
7. Igor Fedorovič Stravinskij (1882-1971)
Compositore, direttore d'orchestra, pianista russo (americano - dopo l'emigrazione). Uno dei compositori più importanti del Novecento. Il lavoro di Stravinsky è stato unito per tutta la sua carriera, anche se in periodi diversi lo stile delle sue opere era diverso, ma sono rimaste il nucleo e le radici russe, che si sono manifestate in tutte le sue opere, è considerato uno dei principali innovatori del XX secolo. Il suo uso innovativo il ritmo e l'armonia hanno ispirato e ispirano molti musicisti, e non solo nella musica classica.
Fatto interessante.
Durante la prima guerra mondiale, i funzionari della dogana romana confiscarono un ritratto di Stravinsky di Pablo Picasso quando il compositore stava lasciando l'Italia. Il ritratto è stato dipinto in modo futuristico e gli ufficiali doganali hanno scambiato questi cerchi e linee per una sorta di materiale segreto crittografato.
Suite dal balletto di I.F. Stravinskij "L'uccello di fuoco", Ascoltare:
8. Johann Strauss (1825-1899)
compositore austriaco musica leggera, direttore d'orchestra e violinista. "King of Waltzes", ha lavorato nel genere della musica da ballo e dell'operetta. Nel suo patrimonio musicale più di 500 valzer, polke, quadriglie e altri tipi di musica da ballo, oltre a diverse operette e balletti. Grazie a lui, il valzer divenne estremamente popolare a Vienna nel XIX secolo.
Fatto interessante.
Il padre di Johann Strauss è anche Johann e anche un famoso musicista, quindi il "re dei valzer" è chiamato il giovane o il figlio, anche i suoi fratelli Joseph ed Eduard erano famosi compositori.
Valzer di I. Strauss "Sul bellissimo Danubio blu", Ascoltare:
9. Sergei Vasilievich Rahmaninov (1873-1943)
Compositore austriaco, uno di eminenti rappresentanti Scuola di musica classica viennese e uno dei fondatori del romanticismo in musica. Nella sua breve vita, Schubert ha dato un contributo significativo alla musica orchestrale, da camera e per pianoforte che ha influenzato un'intera generazione di compositori. Tuttavia, il suo contributo più sorprendente è stato lo sviluppo dei romanzi tedeschi, di cui ha creato più di 600.
Fatto interessante.
Gli amici e colleghi musicisti di Schubert si riunivano e suonavano la musica di Schubert. Questi incontri furono chiamati "Schubertiads" (Schubertiads). Qualche primo fan club!
"Ave Maria" F. P. Schubert, Ascoltare:
Continuando il tema dei grandi compositori che dovresti conoscere, nuovo materiale.
Il concetto di "compositore" è apparso per la prima volta nel XVI secolo in Italia e da allora è stato utilizzato per riferirsi a una persona che compone musica.
compositori del XIX secolo
Nel XIX secolo, la Scuola di musica viennese era rappresentata da un compositore eccezionale come Franz Peter Schubert. Ha continuato la tradizione del romanticismo e ha influenzato un'intera generazione di compositori. Schubert ha creato oltre 600 romanzi tedeschi, portando il genere a un nuovo livello.
Franz Peter Schubert
Un altro austriaco, Johann Strauss, divenne famoso per le sue operette e le forme musicali leggere di carattere di danza. Fu lui a rendere il valzer il ballo più popolare a Vienna, dove si tengono ancora i balli. Inoltre, la sua eredità comprende polke, quadriglie, balletti e operette.
Johann Strauss
Un importante rappresentante del modernismo nella musica della fine del XIX secolo fu il tedesco Richard Wagner. Le sue opere non hanno perso la loro rilevanza e popolarità fino ad oggi.
Giuseppe Verdi
Wagner può essere messo a confronto con la maestosa figura del compositore italiano Giuseppe Verdi, che è rimasto fedele alle tradizioni operistiche e ha dato all'opera italiana un nuovo respiro.
Peter Ilyich Ciajkovskij
Tra i compositori russi del XIX secolo spicca il nome di Pyotr Ilyich Tchaikovsky. È caratterizzato da uno stile unico che combina le tradizioni sinfoniche europee con l'eredità russa di Glinka.
Compositori del XX secolo
Sergei Vasilievich Rahmaninov
Uno dei compositori più brillanti tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo è giustamente considerato Sergei Vasilyevich Rachmaninov. Il suo stile musicale era basato sulle tradizioni del romanticismo ed esisteva parallelamente ai movimenti d'avanguardia. Fu per la sua individualità e l'assenza di analoghi che il suo lavoro fu molto apprezzato dalla critica di tutto il mondo.
Igor Fedorovič Stravinskij
Il secondo compositore più famoso del XX secolo è Igor Fedorovich Stravinsky. Russo di origine, è emigrato in Francia, e poi negli Stati Uniti, dove ha mostrato al meglio il suo talento. Stravinsky è un innovatore, non ha paura di sperimentare ritmi e stili. Nel suo lavoro si può rintracciare l'influenza delle tradizioni russe, elementi di vari movimenti d'avanguardia e uno stile individuale unico, per il quale è chiamato "Picasso in musica".
introduzione
Barocco, rococò, classicismo sono le principali tendenze nell'arte del XVIII secolo, che si sono manifestate in ogni cosa: nella letteratura, nella pittura, nell'architettura e nella musica.
L'evoluzione della musica nel XVIII secolo raggiunge un'era brillante. Le forme che hanno avuto origine all'inizio del XVII secolo raggiungono il più alto livello di perfezione.
All'inizio del XVIII secolo, il classicismo sentimentale era lo stile musicale più popolare. Era musica lenta senza fretta, non particolarmente complessa. Lo suonavano su strumenti a corda. Di solito accompagnava balli e feste, ma a loro piaceva anche ascoltarla in un'atmosfera rilassata e familiare. Quindi, le caratteristiche e le tecniche del rococò, come il trillo e il flagoyet, iniziarono a rientrare nella musica per liuto. Ha acquisito un aspetto più intricato, le frasi musicali sono diventate più complesse e interessanti. La musica è diventata più distaccata dalla realtà, più fantastica, meno corretta e quindi più vicina all'ascoltatore.
Più vicino alla seconda metà del XVIII secolo, le caratteristiche del rococò si fusero così tanto nella musica che iniziò ad acquisire un certo orientamento. Così, presto sono emerse chiaramente due direzioni nella musica: musica per ballare e musica per cantare. I balli erano accompagnati da musica per ballare, musica per cantare risuonava in un ambiente riservato.
Il classicismo era il culmine dell'arte classica.
Questo lavoro evidenzia il musical Arte XVIII secoli come l'era della creazione dei classici musicali nei suoi principali fenomeni e generi (opera, fuga, sonata, sinfonia), si caratterizza l'opera di Bach, Handel, Gluck, Haydn, Mozart e altri compositori; opere di compositori eccezionali. Il lavoro consiste in un'introduzione, tre capitoli della parte principale, una conclusione e un elenco di riferimenti.
1. Musicale cultura XVIII secolo
Nella storia dell'arte musicale, il XVIII secolo è stato di grande importanza ed è ancora di fondamentale interesse. Questa è l'era della creazione dei classici musicali, la nascita del maggiore concetti musicali contenuto figurativo essenzialmente già secolare. La musica non solo è salita al livello di altre arti che erano fiorite dal Rinascimento, al livello della letteratura al suo meglio, ma nel complesso ha superato quello raggiunto da un certo numero di altre arti (in particolare, arti visive) e alla fine del secolo seppe creare un ampio stile sintetizzatore di così alto e duraturo valore come una sinfonia della scuola classica viennese.
Bach, Handel, Gluck, Haydn e Mozart sono vette riconosciute in questo percorso dell'arte musicale dall'inizio alla fine del secolo. Significativo è però anche il ruolo di artisti originali e ricercati come Jean Philippe Rameau in Francia, Domenico Scarlatti in Italia, Philippe Emanuel Bach in Germania, per non parlare dei tanti altri maestri che li hanno accompagnati nel movimento creativo generale.
Come sapete, Germania, Italia e Francia con le loro scuole creative occupavano una posizione di primo piano nello sviluppo dell'arte musicale di quel tempo. Ma anche la partecipazione di altri paesi a questo processo è fuor di dubbio. Le condizioni musicali e sociali dell'Inghilterra, in cui sono stati creati gli oratori di Handel, l'impatto della cultura musicale spagnola su Scarlatti, il ruolo di primo piano dei maestri cechi nella formazione della cappella di Mannheim, le origini slave e ungheresi di alcuni temi haydniani sono esempi convincenti di questo.
In generale, legami creativi tra diversi paesi europei, evidenti in precedenza, almeno nel XV, XVI, XVII secolo, si rafforzano e si intensificano per tutto il XVIII. Ciò si esprime non solo nell'arricchimento reciproco dell'attuale scrittura musicale, dei generi musicali, dei loro temi, dei principi di sviluppo nelle forme musicali, ma anche nell'impatto ideologico ed estetico generale, che si è intensificato nelle nuove condizioni storiche. Se si potesse teoricamente immaginare Johann Sebastian Bach o Gluck (e anche Handel o Mozart) svilupparsi nell'ambiente isolato del loro paese, allora molti di le qualità più importanti la loro grande arte sembrerebbe infondata, difficile da spiegare, quasi paradossale. Da dove viene l'alta tragedia nell'arte di Bach, che però rimane saggia e armoniosa? Da dove viene questo senso così acuto del tragico, che non ha raggiunto una tale forza tra gli artisti del XVII secolo? Se deriva dalla realizzazione del difficile destino della propria patria, allora perché non ha trovato la sua incarnazione molto prima? Perché sono state proprio le condizioni storiche del XVIII secolo, l'esempio di altri paesi, a risvegliare nella nuova generazione una nuova acutezza di autocoscienza, e con essa nuovi sentimenti, nuove valutazioni.
È noto che nella Germania feudale in rovina e frammentata, l'Illuminismo fu in qualche modo tardivo e lì non ebbe un carattere così evidentemente rivoluzionario. Ma proprio alla vigilia dell'Illuminismo, l'arte musicale dei maestri tedeschi sale alle alte vette delle generalizzazioni figurative e dei concetti creativi di Bach e Handel, sintetizzando tutto il meglio delle tradizioni storiche e vedendo la via per un lontano futuro. E come risultato dell'Età dell'Illuminismo, sta prendendo forma la scuola creativa austro-tedesca, rappresentata dai classici viennesi, che in una nuova fase raggiunge il più alto principio creativo della sinfonia. In questa atmosfera, che, in un modo o nell'altro, si fa sentire in tutti i paesi europei, c'è un intenso sviluppo di un certo numero di scuole creative nazionali, guadagnando forza, indipendenza, acquisendo autorità artistica proprio nel XVIII secolo grazie a nuove conquiste nel campo dell'arte musicale profana.
La scuola creativa russa di direzione puramente secolare prende forma proprio nel XVIII secolo, sebbene le sue origini risalgano molto indietro nel tempo. L'importanza e l'influenza creativa della scuola musicale ceca, che è ampiamente rappresentata da generi strumentali e si è affermata creando opere, sta crescendo.
Il XVIII secolo si è rivelato fruttuoso per la scuola creativa polacca, che ha una lunga tradizione e ora ne sta padroneggiando di nuove. generi principali musica strumentale e teatrale.
Su sentieri comuni sviluppo musicale Dall'inizio alla fine del XVIII secolo, molto ha già unito o riunito i paesi dell'Europa occidentale (che diventa più evidente nell'ultimo terzo del secolo). In Francia e in Italia inizia una polemica attorno ai vecchi generi operistici, sottoposti a critiche serie e aspre di ordine socio-estetico. In un certo numero di paesi stanno emergendo nuove tendenze operistiche progressiste associate all'emergere di generi comici e operistici: opera buffa in Italia, opera comica in Francia, singspiel in Germania e Austria, spettacoli musicali comici in Spagna. E ciò che è particolarmente significativo è che tutti i paesi dell'Europa occidentale, in un modo o nell'altro, stanno partecipando al movimento verso il nuovo stile della scuola viennese, che segna il trionfo del magazzino omofonico-armonico e delle forme sonata-sinfoniche. Non importa quanto diverse siano le tradizioni e le possibilità creative di ciascuno dei paesi, il cambiamento stilistico intorno alla metà del secolo e l'ulteriore sviluppo dei principi sonata-sinfonici furono preparati da un intero sistema di sforzi creativi di molti maestri d'Italia, Francia, Germania, per non parlare delle origini folkloristiche provenienti da ogni dove.
Le arti visive e l'architettura di questo periodo erano caratterizzate da forme molto elaborate, complessità, sfarzo e dinamica, in seguito questa parola fu applicata alla musica di quel tempo. Le tecniche di scrittura ed esecuzione del periodo barocco sono diventate parte integrante e significativa del canone musicale classico. L'ornamento musicale è diventato molto sofisticato, la notazione musicale è cambiata molto e si sono sviluppati modi di suonare gli strumenti. I confini dei generi si sono ampliati, la complessità dell'esecuzione di opere musicali è cresciuta. Grande numero termini e concetti musicali dell'era barocca sono ancora in uso oggi.
I compositori barocchi hanno lavorato in vari generi musicali. L'opera, apparsa durante il tardo Rinascimento, divenne una delle principali forme musicali. Si possono ricordare le opere di maestri del genere come Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi e altri. Il genere dell'oratorio raggiunse il suo apice nelle opere di I.S. Bach e Händel. Opere così brillanti come le fughe di Johann Sebastian Bach, il coro Alleluia dall'oratorio Messiah di Georg Friedrich Handel, Le quattro stagioni di Antonio Vivaldi, i Vespri di Claudio Monteverdi sono nate in epoca barocca.
Le sonate e le suite strumentali sono state scritte sia per singoli strumenti che per orchestre da camera. Il genere del concerto è emerso in entrambe le sue forme: per uno strumento con un'orchestra e come concerto grosso, in cui un piccolo gruppo di strumenti solisti contrasta con un ensemble completo. Lo splendore e lo splendore di molte corti reali furono aggiunti anche da opere sotto forma di ouverture francese, con le loro parti veloci e lente contrastanti. I pezzi per tastiera erano spesso scritti dai compositori per il proprio divertimento o come materiale didattico. Tali opere sono le opere mature di I.S. Bach, generalmente riconosciuti come i capolavori intellettuali dell'era barocca: The Well-Tempered Clavier, Goldberg Variations e The Art of Fugue.
Il principale strumento musicale del barocco era l'organo nella musica profana sacra e da camera. Molto utilizzati anche il clavicembalo, le corde pizzicate e ad arco, nonché gli strumenti a fiato: vari flauti, clarinetti, oboe, fagotto.
Il declino del barocco fu accompagnato da un lungo periodo di convivenza dell'antico e nuovo tecnico. In molte città tedesche, la prassi esecutiva barocca sopravvisse fino al 1790, ad esempio a Lipsia, dove J.S. Bach. In Inghilterra, la popolarità duratura di Handel assicurò il successo a compositori meno noti nello stile barocco ormai sbiadito: Charles Avison, William Boyce e Thomas Augustine Arne. Nell'Europa continentale, questo stile è già considerato antiquato; il suo possesso era richiesto solo per comporre musica sacra e diplomarsi all'allora comparendo in molti conservatori. Ma perché gran parte della musica barocca divenne la base dell'educazione musicale, l'influenza dello stile barocco fu preservata anche dopo l'abbandono del barocco come stile di esecuzione e composizione.
La musica del periodo classico, o musica classica, si riferisce al periodo nello sviluppo della musica europea approssimativamente tra il 1730 e il 1820. Un risultato eccezionale della seconda metà del XVIII secolo. è la formazione della scuola classica viennese, i cui rappresentanti sono J. Haydn, W. Mozart e L. van Beethoven, chiamati i classici viennesi e determinarono la direzione ulteriori sviluppi composizione musicale.
Fu durante questo periodo che si formò principalmente la composizione della moderna orchestra sinfonica, i generi di sinfonia, sonata, trio, quartetto e quintetto. Nella sonata allegro nasce un nuovo metodo di pensiero musicale e, successivamente, nell'opera di Beethoven, un nuovo metodo di pensiero musicale: il sinfonismo. Riforma significativa nel lavoro di V.A. Mozart e K.F. Gluck mette alla prova il genere operistico, superando la convenzionalità ossificata dell'opera aristocratica. Nel lavoro di K.F. Gluck e L. Van Beethoven sono separati come genere indipendente di balletto.
L'estetica del classicismo si basava sulla fede nella razionalità e nell'armonia dell'ordine mondiale, che si manifestava nell'attenzione all'equilibrio delle parti dell'opera, nell'attenta rifinitura dei dettagli e nello sviluppo dei principali canoni della forma musicale. Fu durante questo periodo che si formò finalmente la forma sonata, basata sullo sviluppo e l'opposizione di due temi contrastanti, e fu determinata la composizione classica di parti della sonata e della sinfonia. Durante il periodo del classicismo appare quartetto d'archi, composto da due violini, una viola e un violoncello, amplia notevolmente la composizione dell'orchestra.
Quindi, con tutte le sue difficoltà, contraddizioni estetiche e persino sconvolgimenti, con i suoi contrasti e la sua più alta unità, il XVIII secolo fu una grande epoca dell'arte musicale, un'epoca della sua bella ascesa. Con tutta la diversità stilistica e di genere nella cultura musicale del XVIII secolo, si possono distinguere le principali tendenze di sviluppo:
La musica secolare sta gradualmente sostituendo la musica spirituale, il confine precedentemente chiaro tra questi poli della cultura musicale viene cancellato.
La musica strumentale sta diventando sempre più popolare.
Si stanno formando un'orchestra sinfonica e metodi fondamentali di scrittura orchestrale.
Le prossime fasi nello sviluppo dell'opera. L'emergere di nuovi generi, classici e romantici.
Il periodo di massimo splendore del classicismo: sonata, sinfonia, concerto. forma sonata.
Nuova armonia e nuove immagini nel romanticismo.
La nascita delle scuole nazionali.
Il patrimonio culturale del XVIII secolo stupisce ancora per la sua straordinaria diversità, ricchezza di generi e stili, profondità di comprensione passioni umane, il più grande ottimismo, fede nell'uomo e nella sua mente.
bach compositore del classicismo barocco
2. Eccezionali compositori del XVIII secolo
I nomi più famosi di questo periodo I.S. Bach, G. F. Händel. Puoi valutare le loro opere in diversi modi: la valutazione dipende dai gusti e dalle tendenze. Ma ciascuno nel proprio campo, hanno compiuto la loro missione con uguale perfezione. La forza della loro creatività ha concentrato intorno a sé tutto l'essenziale che era stato raggiunto fino ad allora dalla musica europea.
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) è uno dei più grandi compositori della storia della musica. Durante la sua vita, Bach ha scritto più di 1000 opere. Nella sua opera sono rappresentati tutti i generi significativi dell'epoca, ad eccezione dell'opera; ha riassunto tutte le conquiste dell'arte musicale di questo periodo.
Nella formazione della personalità e della creatività di Bach ruolo importante ha suonato la cultura musicale del protestantesimo tedesco. Non è un caso che gran parte dell'eredità del compositore sia musica sacra. A me stesso genere popolare XVIII secolo., Opera, non si applicava.
Bach non ha mai lasciato la Germania, inoltre, viveva principalmente non nella capitale, ma nelle città di provincia. Tuttavia, conosceva tutti gli sviluppi significativi della musica dell'epoca. Il compositore è riuscito a combinare nel suo lavoro le tradizioni del canto protestante con le tradizioni delle scuole musicali europee. Le opere di Bach si distinguono per la profondità filosofica, la concentrazione del pensiero e l'assenza di vanità. La caratteristica più importante la sua musica è un incredibile senso della forma. Tutto qui è estremamente equilibrato, equilibrato e allo stesso tempo emozionante. Vari elementi del linguaggio musicale lavorano per creare un'unica immagine, di conseguenza si ottiene l'armonia dell'insieme.
L'opera di Bach, musicista universale, riassumeva le conquiste dell'arte musicale di diversi secoli sull'orlo del barocco e del classicismo. Un brillante artista nazionale, Bach ha combinato le tradizioni del canto protestante con le tradizioni delle scuole musicali austriache, italiane e francesi.
Il genere principale nell'opera vocale e strumentale di Bach è la cantata spirituale. Bach ha creato 5 cicli annuali di cantate, che si differenziano per l'appartenenza al calendario della chiesa, per le fonti testuali (salmi, strofe corali, poesie "libere"), per il ruolo del corale, ecc.
Da cantate profane i più famosi sono "Contadino" e "Caffè". Sviluppati nella drammaturgia cantata, i principi trovarono attuazione nelle masse, la "Passione". La messa "acuta" in h-moll, "John Passion", "Matthew Passion" divenne il culmine della secolare storia di questi generi.
La musica d'organo occupa un posto centrale nell'opera strumentale di Bach. Sintetizzando l'esperienza dell'improvvisazione organistica ereditata dai suoi predecessori (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, J.A. Reinken), vari metodi compositivi variazionali e polifonici e i principi dell'esecuzione concertistica a lui contemporanei, Bach ha ripensato e aggiornato generi tradizionali musica d'organo- toccata, fantasia, passacaglia, preludio corale.
Esecutore virtuoso, uno dei più grandi conoscitori di strumenti a tastiera del suo tempo, Bach ha creato un'ampia letteratura per il clavicembalo. Tra le opere clavicembali luogo importante occupa il "Clavicembalo ben temperato" - la prima esperienza nella storia della musica di applicazione artistica sviluppata a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo. sistema temperato.
Il più grande polifonista, in fughe, Bach ha creato esempi insuperabili, una sorta di scuola di abilità contrappuntistica, che è stata continuata e completata in The Art of Fugue, su cui Bach ha lavorato negli ultimi 10 anni della sua vita. Bach è stato l'autore di uno dei primi concerti clavier - il Concerto italiano (senza orchestra), che ha pienamente approvato significato indipendente clavier come strumento da concerto.
La musica di Bach per violino, violoncello, flauto, oboe, ensemble strumentale, orchestra - sonate, suite, partite, concerti - segna un significativo ampliamento delle capacità espressive e tecniche degli strumenti, rivela una profonda conoscenza degli strumenti e universalismo nella loro interpretazione .
Tra le opere di Bach per altri strumenti, il posto principale appartiene alle sonate, alle partite e ai concerti per violino. Essere con giovani anni eccellente violinista, il compositore Bach comprendeva perfettamente le possibilità dello strumento, il suo "stile", così come padroneggiava lo "stile" dell'organo e del clavicembalo. Nuovo magazzino all'epoca musica per violino gli è servito da modello durante la creazione non solo di opere per violino, cosa che è già stata notata nell'esempio dei concerti. Allo stesso tempo, la polifonia sviluppata, elaborata nelle forme dell'organo e della musica per clavicembalo, Bach ha cercato di trasferire alle sonate per violino, ponendo requisiti estremamente elevati a questo strumento. "In sostanza, tutte le sue opere sono create per uno strumento ideale, prendendo in prestito dalla tastiera le possibilità dell'esecuzione polifonica e dagli archi - tutti i vantaggi nell'estrazione del suono", conclude giustamente Albert Schweitzer. alla sinfonia classica.
Durante la vita di Bach, una piccola parte delle sue opere fu pubblicata. Il lavoro di Bach è così profondo e sfaccettato che i suoi contemporanei non potevano apprezzarlo. La vera portata del genio di Bach, che ebbe una forte influenza sul successivo sviluppo della cultura musicale europea, iniziò a realizzarsi solo dopo la sua morte. Doveva passare un intero secolo perché Bach fosse riconosciuto come un grande compositore.
Lo sviluppo dell'opera e dell'oratorio è associato al nome di Georg Friedrich Handel (1685-1759). Già all'età di dodici anni, Handel scriveva cantate da chiesa e brani per organo. Nel 1702 assunse l'incarico di organista della cattedrale protestante di città natale- Galle, ma presto si rese conto che la musica da chiesa non era la sua vocazione. Il compositore era molto più attratto dall'opera.
Come compositore d'opera Handel ha avuto luogo in Italia. La produzione di Agrippina (1709) a Venezia gli portò fama e l'opera Rinaldo (1711), rappresentata a Londra, fece di Handel il più grande compositore operistico d'Europa. Ha partecipato a imprese operistiche (le cosiddette accademie), ha messo in scena le proprie opere, nonché opere di altri compositori; Particolarmente riuscito per Handel è stato il lavoro alla Royal Academy of Music di Londra. Handel ha creato diverse opere all'anno. Negli anni Trenta del Settecento il compositore cerca nuove strade nel teatro musicale - rafforza il ruolo del coro e del balletto nelle opere ("Ariodant", "Alcina", entrambi - 1735).
Il lavoro operistico di Handel è stato influenzato dalla drammaturgia musicale di R. Kaiser. Artista illuminista, Handel ha riassunto le conquiste del barocco musicale e ha aperto la strada al classicismo musicale. Senza rompere completamente con i canoni dell'opera seria, Handel ha ottenuto uno sviluppo teso dell'azione contrastando gli strati drammatici.
Ha anche lavorato nel genere dell'opera seria italiana. La musica di straordinaria bellezza ha fatto una grande impressione sugli ascoltatori. In totale, il maestro ha creato più di quaranta opere di questo genere. Tuttavia, non tutti accettarono l'opera seria in Inghilterra. Non è un caso che The Beggar's Opera (1728; musica di Johann Christoph Pepusch, libretto di John Gay), che parodiava le opere italiane, che alcuni ritenevano interferissero con lo sviluppo del teatro nazionale, ebbe un enorme successo.
Ha portato l'opera seria italiana sulla soglia della riforma. Gluck comincerà a realizzarlo solo più di vent'anni dopo, quando si saranno create le condizioni storiche necessarie per questo. Lo stesso Handel continuerà la sua ricerca nel genere dell'oratorio.
Le opere di Handel sono caratterizzate da uno stile monumentale-eroico, un inizio ottimista e affermativo della vita, che unisce eroico, epico, lirico, tragico, pastorale in un unico insieme armonioso. Dopo aver assorbito e ripensato creativamente l'influenza di italiano, francese, musica inglese, Handel è rimasto nelle origini della creatività e del modo di pensare un musicista tedesco.
Negli anni '40, dopo il fallimento dell'opera Deidamia (1741), Handel non si dedicò più a questo tipo di arte musicale e dedicò tutto il suo tempo all'oratorio, la più alta conquista creativa di G.F. Händel.
Le nuove opere del compositore sono state accolte calorosamente dal pubblico. Handel creò trentadue oratori. Nell'oratorio, non vincolato da rigide restrizioni di genere, Handel ha continuato la sua ricerca nel campo del dramma musicale, nella trama e nella composizione.
Questa svolta non rimarrà senza conseguenze sull'ulteriore percorso del compositore. Creando oratori veramente eroici, si rivolgerà a temi e immagini associati all'idea di sacrificio, sacrificio nel destino di una persona, irresistibile destino fatale di un eroe o di un'eroina. Sì, e tutto ciò che Handel ha ottenuto in molti anni nell'arte dell'opera, tutto il meglio che ha trovato qui, non passerà dall'oratorio. Tra le opere più popolari di Handel ci sono l'oratorio Israel in Egypt (1739), Messiah (1742), che, dopo una prima di successo a Dublino, incontrò aspre critiche da parte del clero. Il successo degli oratori successivi, incl. "Giuda Maccabeo" (1747), contribuì alla partecipazione di Handel alla lotta contro la tentata restaurazione della dinastia Stuart. Sul materiale delle leggende bibliche e della loro rifrazione nella poesia inglese, Handel ha rivelato le immagini dei disastri e delle sofferenze delle persone, la grandezza della lotta del popolo contro l'oppressione degli schiavisti. Handel è stato il creatore di un nuovo tipo di opere vocali e strumentali che combinano scala (cori potenti) e architettura rigorosa. Gli oratori di Handel stupiscono per la potenza del suono del coro, l'uso virtuoso della polifonia, le melodie morbide e flessibili ed espressive delle arie. Il coro ha lo scopo di sottolineare la monumentalità dell'evento, il suo grande significato per l'umanità e le arie - la forza dei sentimenti dell'eroe.
Nel genere dell'oratorio, come in nessun altro, Handel poteva disporre liberamente delle messe corali, coinvolgendo il coro in una narrazione epica o azione drammatica. Non pensava nemmeno di imitare i modelli italiani dell'oratorio, che a suo tempo gravitavano verso forme operistiche molto più che verso la monumentalità corale. Come Bach, Handel sembra aver sempre avuto un profondo interesse creativo per le grandi forme polifoniche.
Per tutto modo creativo Handel ha lavorato anche in generi strumentali; valore più alto avere i suoi concerti grossi. Sviluppo motivazionale, specialmente in opere orchestrali, lo stile omofonico-armonico prevale in Handel sullo sviluppo polifonico del materiale, la melodia si distingue per la sua lunghezza, intonazione ed energia ritmica, e la chiarezza del disegno. Solo in confronto alle opere e agli oratori di Händel la sua musica strumentale può sembrare meno significativa. Ma di per sé è molto indicativa per lui, fortemente connessa con i principali ambiti del suo lavoro e densa di interesse artistico. Sebbene sul sentiero spinoso del compositore, le opere strumentali fossero più simili al rilassamento che allo sforzo finale, riuscì a scriverne molte: più di 50 concerti, più di 40 sonate e circa 200 pezzi per clavicembalo, clavicembalo o organo, come così come varie composizioni strumentali. Quindi, se Handel non ha creato altro che oratori, la sua eredità creativa dovrebbe comunque essere riconosciuta come grandiosa. Ma possiede più di quaranta opere, comprese innumerevoli pagine di bella musica. Con tutte le significative differenze di genere, con un diverso rapporto tra musica e testo, le opere italiane di Handel nel loro vero senso musicale hanno preparato molto per la gamma di immagini nei suoi oratori. A sua volta, la continua evoluzione del suo oratorio, le ricerche multilaterali in quest'area furono di inestimabile valore sia per la storia dell'oratorio che per l'ulteriore storia dell'opera. Le sue opere hanno avuto un'influenza significativa sugli artisti delle generazioni successive, in particolare sui rappresentanti della scuola classica viennese. Il lavoro di Handel ha avuto un impatto significativo su J. Haydn, V.A. Mozart, L.Beethoven, M.I. Glinka.
3. Musica russa del XVIII secolo
Prima del suo periodo di massimo splendore e della formazione delle prime scuole nazionali di compositori all'inizio del XIX secolo, aveva percorso un lungo cammino di sviluppo. Fino alla metà del XVIII secolo, la musica profana non era professionale, la principale generi musicali laici nel campo del folklore e della musica sacra. I generi principali erano cant e concerto corale. Il concerto corale è stato un'importante tappa di transizione dalla chiesa alla musica profana professionale. La forma più complessa dell'arte musicale russa del XVIII secolo è considerata il "concerto spirituale per il coro". Nel XVIII secolo si verificò una svolta decisiva nell'intero percorso della musica russa. La musica secolare inizia a prevalere, vengono introdotte forme moderne di musica professionale: concerti sinfonici e da camera, si sviluppa la produzione di musica domestica. La musica di tipo europeo con notazione musicale è stata approvata con successo.
Nacque il teatro musicale russo, che si basava sulle tradizioni del canto corale, sull'uso di vari tropari, canti. Nell'ultimo terzo del XVIII secolo apparve in Russia un vero teatro musicale. I teatri della fortezza degli Sheremetev e dei Vorontsov erano particolarmente famosi. Dal 1730 esisteva un teatro di corte italiano a San Pietroburgo, per il quale lavoravano compositori come Baltassare Galuppi e Domenico Cimarosa. Nel 1780 fu fondato a Mosca il primo teatro musicale Petrovsky in Russia. Dal 1783 spettacoli musicali messo in scena a San Pietroburgo allo Stone Theatre. Questo esempio è stato seguito città di provincia. Nell'ultimo quarto del XVIII secolo si formò una scuola nazionale di compositori, che assorbì idee educative amanti della libertà, interesse per la canzone popolare, per la quale i generi principali erano l'opera comica, il romanticismo lirico e le variazioni su temi russi. Tra i vari generi di musica professionale della fine del XVIII secolo, l'opera occupa il primo posto. È l'opera in quest'epoca che diventa la forma più sviluppata, più professionale e allo stesso tempo più massiccia di creatività musicale. Non sorprende che proprio nel genere operistico si sia manifestato più chiaramente il potenziale creativo dei compositori russi del XVIII secolo. L'opera attrae e pubblico vasto e le migliori forze creative. L'opera evoca risposte vivaci in opinione pubblica, in poesia, letteratura e critica. Con grande immediatezza e completezza, riflette le tendenze progressiste e democratiche dell'arte russa.
Insieme all'opera, vari generi di musica da camera stanno guadagnando popolarità in Russia. IN metà del diciottesimo secolo, i concerti da camera a corte divennero un luogo comune. La produzione di musica da camera ebbe grande successo nei circoli amatoriali aristocratici. A questo punto, il ruolo dell'orchestra di corte era notevolmente cresciuto. All'inizio degli anni '60, l'orchestra era divisa in due gruppi indipendenti di musicisti: esecutori di opera e musica sinfonica e da ballo. Tale differenziazione era un segno indubbio della crescita delle forze performanti.
Maxim Berezovsky e Dmitry Bortnyansky erano brillanti compositori d'opera e strumentali. Evstigney Fomin divenne famoso nel genere dell'opera "canzone" su motivi russi ("Cocchieri su un set-up" al testo di N.A. Lvov) e nel genere dell'opera tragica ("Orfeo" al testo di Ya.B. Kniazhnin). Il violinista virtuoso Ivan Khandoshkin - autore di sonate melodiche affascinanti e variazioni sul russo temi popolari. Osip Kozlovsky ha guadagnato popolarità con le polacche patriottiche ("Tuono della vittoria, risuona!") E "Canzoni russe".
Pertanto, la musica russa del XVIII secolo rifletteva la forte e rapida ascesa che ebbe luogo in tutte le sfere. vita pubblica nella Russia post-petrina.
Una sorta di intreccio di nazionale e paneuropeo, in qualche modo ingenuo e maturo, vecchio e nuovo, spirituale e secolare: tutto questo insieme costituisce l'immagine unica della musica russa dell'Età dell'Illuminismo.
Conclusione
In conclusione, notiamo brevemente quanto segue. Nel XVIII secolo comincia a prendere forma linguaggio musicale, su cui poi parlerà tutta l'Europa, le forme raggiungono il massimo livello di perfezione. I grandi maestri che lavorano in diversi paesi determinano con la loro creatività tutta l'arte musicale di questo periodo.
Nell'opera del compositore, questo periodo è rappresentato da stili artistici come il classicismo, il barocco, il rococò. Insieme ai generi monumentali già esistenti della messa e dell'oratorio, durante questo periodo sorge e presto diventa il principale fondamentalmente nuovo genere- musica lirica. Il predominio della musica profana è finalmente consolidato. Il suo contenuto copre una vasta gamma di argomenti e immagini; si sviluppa una vita musicale pubblica; istituzioni musicali permanenti aperte - teatri d'opera, società filarmoniche; gli archi e gli strumenti a fiato vengono migliorati strumenti musicali; si sviluppa la stampa musicale.
La musica del XVIII secolo proponeva due gigantesche vette inaccessibili: Handel e Bach. Sono passati più di duecento anni e l'interesse per la loro musica sta solo crescendo.
Alla fine di questo periodo inizia la formazione della sinfonia e del balletto. Parallelamente al fiorire della polifonia in stile libero, che viene a sostituire la polifonia stile rigoroso, nella danza quotidiana, e successivamente nella musica professionale, nasce una composizione omofonico-armonica. Nei paesi in cui il processo di formazione delle nazioni continua in questo momento, si stanno formando culture musicali nazionali altamente sviluppate. Così in Italia nascono l'opera, l'oratorio e la cantata, la musica strumentale viene aggiornata, in Francia - opera-balletto, nuove forme di miniature clavier, in Inghilterra - scuola clavier dei virginalisti.
Una svolta decisiva ebbe luogo nella musica russa nel XVIII secolo: iniziò a prevalere la musica profana, furono introdotte forme moderne di musica professionale - concerti sinfonici e da camera, si sviluppò la produzione musicale casalinga, fu stabilita con successo musica di tipo europeo con notazione musicale, e apparvero le prime opere.
Hanno avuto una parte difficile.
Compositori poco conosciuti del XVIII secolo, predecessori e contemporanei di Mikhail Ivanovich Glinka. Sono state conservate poche informazioni su di loro.
Sono state conservate pochissime informazioni su compositore eccezionale e la violinista Ivana Khandoshkina. Provenendo da un ambiente di servi, ha ricevuto una buona educazione. Ha studiato violino con uno degli italiani che vivevano in Russia, e presto ha raggiunto una grande abilità come esecutore.
Ivan Khandoshkin. Canzone.
Ivan Khandoshkin. "Giù la madre lungo il Volga"
Interessanti anche le sue numerose composizioni per violino: variazioni su temi popolari, sonate. Le canzoni popolari russe sono incarnate in esse, sebbene vi sia una notevole connessione con la musica paneuropea. Sappiamo altrettanto poco di altri compositori russi del XVIII secolo, come Daniil Kashin, Fedor Dubyansky, Vasily Pashkevich. Si sa solo che molti di loro hanno ricevuto una buona educazione musicale all'estero, sono stati riconosciuti lì e hanno ricevuto titoli onorifici. Ma non tutti sono riusciti a realizzare ciò a cui erano chiamati, non tutti hanno raggiunto quelle vette artistiche che erano in loro potere. In Russia, questi compositori hanno fatto molto per lo sviluppo della musica nazionale. Eppure, essendo persone dotate e istruite, sono rimaste nella posizione di servi. Essendo completamente dipendenti dai capricci dei loro padroni, spesso combinavano i loro doveri musicali con i doveri di cocchieri, ranger, camerieri. Questa posizione, che umilia dignità umana, che non ha permesso al talento di manifestarsi pienamente, è stata la causa di molte tragedie e persino della morte di alcuni musicisti.
Tale, ad esempio, è il destino di Maxim Berezovsky. Insieme al grande Mozart partecipò brillantemente al concorso dell'Accademia Musicale di Bologna e ricevette il titolo di accademico. Una delle opere del compositore russo messa in scena all'estero è stata un grande successo. In esso, secondo i contemporanei, "si univano vivacità e buon gusto conoscenza musicale". Ma, tornato in Russia, Berezovsky si è rivelato non necessario per nessuno e non ha potuto trovare applicazione per il suo brillante talento. Spinto dalla disperazione, si è suicidato: aveva 32 anni.
Maxim Berezovsky. Sonata per violino e clavicembalo.
Maxim Berezovsky. "Non respingermi nella mia vecchiaia"
Altrettanto presto, Stepan Dekhterev, un altro eccezionale musicista russo, il servo del conte Sheremetev, morì di grave povertà e tubercolosi. Fu "distrutto dal talento e dalla schiavitù", scrisse uno dei suoi studenti. "Un talento straordinario attirò presto l'attenzione degli esperti su di lui, e il suo padrone, il conte Sheremetev, gli diede i mezzi per svilupparsi. Fu mandato in Italia per miglioramento.
Il suo composizioni musicali gli ha dato una grande reputazione lì. Ma, tornando in patria, trovò un severo despota, che, secondo la revisione, ha diritto all'anima uomo brillante voleva appropriarsi incondizionatamente e della sua ispirazione: gli posò una mano di ferro. Uno degli ordini del conte parla in modo eloquente della posizione diseredata in cui si trovava il musicista: “L'insegnante di concerti, Stepan Dekhterev, per aver dato loro concerti a estranei, detrae 5 rubli dal suo stipendio. e consegnalo al cantante Chapov per averlo annunciato. Un eccezionale compositore, direttore d'orchestra, cantante russo - Dekhterev è stato pagato 177 rubli all'anno. 70 copechi, mentre i normali musicisti dell'orchestra - gli stranieri hanno ricevuto 1225 rubli. Tuttavia, Stepan Dekhterev ha lasciato molte composizioni originali, tra cui spicca il primo oratorio russo sulla trama nazionale "Minin e Pozarskij, o la liberazione di Mosca". Il suo successo fu così grande che l'oratorio fu ripetutamente eseguito come una delle opere più importanti della musica russa. inizio XIX secolo. I giornali hanno notato che "l'orchestra era composta solo da quasi 200 musicisti e cantanti russi, sotto la direzione dello stesso Dekhterev". La musica dell'oratorio, piena di alto pathos eroico, colpisce ancora per la sua bellezza aspra e maschile.
Stepan Dekhterev. Oratorio "Minin e Pozarskij", preludio.
Aria di Dmitry Pozharsky dall'Oratorio "Minin e Pozharsky"
Stepan Dekhterev. "Oggi Cristo è a Betlemme".
Daniil Kashin, appassionato amante e collezionista di canzoni popolari russe, ha fatto molto per diffondere le canzoni popolari russe. I contemporanei lo chiamavano "il favorito dei cittadini di Mosca", "l'usignolo delle canzoni russe". Queste canzoni, secondo i contemporanei, Kashin "sentirono sia i cocchieri sulla strada maestra che il contadino russo sul campo". Una buona conoscenza delle canzoni popolari gli ha permesso di compilare e pubblicare una raccolta piuttosto ampia di canzoni popolari russe per quei tempi, una delle prime raccolte in Russia. Kashin era un eccellente pianista e direttore d'orchestra: lui stesso eseguiva le sue composizioni, che erano molto popolari. Ma per tutta la vita è stato un musicista servo. Solo poco prima della sua morte riuscì comunque a ottenere una "libera" con le maggiori difficoltà. Anche il destino di altri musicisti di talento del popolo è stato tragico.
Eppure il segno lasciato da loro nella musica russa è grande: le loro opere, brani strumentali, per pianoforte e violino, romanzi e canzoni hanno avuto un ruolo importante nello sviluppo della musica russa nel loro tempo. Questi compositori, di regola, possedevano un senso altamente sviluppato della dignità nazionale, affermandolo in contrasto con gli aristocratici, che avevano una predilezione per tutto ciò che era straniero. A metà del XVIII secolo, la musica era ampiamente inclusa nella vita di tutti gli strati società russa... La musica veniva insegnata in pensioni e scuole chiuse. Ovunque si riunisse anche una piccola società, la musica suonava. "L'usanza di suonare musica ha messo radici ovunque, in tutta la Russia", scrisse a quel tempo l'accademico B.V. Asafiev. - Non importa quanto crudele fosse la morale e non importa quanto disastrosa fosse la situazione dei musicisti servi (così come degli attori), tuttavia, la cultura vocale e strumentale si diffuse attraverso di loro, i gusti si svilupparono e si formarono interpreti e compositori eccezionali. che prima che la nobiltà spingesse i compositori fuori dal loro ambiente, la cultura musicale russa era già stata creata da persone dotate di origine bassa o, come si diceva, "cattiva".
La figura più importante e significativa della musica russa del XVIII secolo fu il talentuoso compositore Evstigney Ipatoevich Fomin. Grazie alla sua opera riformatrice, ha lasciato un segno profondo. Ma la maggior parte delle sue opere sono perdute e dimenticate o ci sono pervenute sotto forma di passaggi separati.
Figlio di un soldato, grazie al suo brillante talento, fu inviato in Italia, dove si perfeziona sotto il famoso Padre Martini (che un tempo fu maestro del grande Mozart). Lì, a Bologna, Fomin ricevette il titolo di accademico. E quando è tornato in patria, gli è stato conferito un ordine onorario: scrivere l'opera "Novgorod Bogatyr Boeslavich" sul libretto di Caterina II (l'autocrate a volte ha intrattenuto la sua vanità creando versi e drammi senza pretese e pretenziosi). Ma il compositore di corte di Fomin non ha funzionato.
Evstigney Fomin. Ouverture "Orfeo e Zvrydice"
Nel XVIII secolo, la maggior parte degli stati europei fu abbracciata dal movimento illuminista. Grazie alle riforme di Pietro IO La Russia è attivamente coinvolta in questo processo, unendosi ai risultati civiltà europea. La sua svolta verso l'Europa, che ha dato origine al fenomeno dell '"europeità russa", è avvenuta in modo tipicamente russo, in modo brusco e deciso. Interazione con i più affermati scuole d'arte L'Europa occidentale ha permesso all'arte russa di percorrere la via dello "sviluppo accelerato", avendo padroneggiato teorie estetiche europee, generi e forme secolari in un tempo storicamente breve.
Il risultato principale dell'Illuminismo russo è il fiorire della creatività personale, che sostituisce il lavoro senza nome degli artisti. Rus' antica. La formula di Lomonosov è in fase di attuazione: "la terra russa darà alla luce i suoi platoni e i suoi arguti Newton".
Sta arrivando il momento per la formazione attiva di una visione del mondo secolare. L'arte del tempio continua a svilupparsi, ma gradualmente passa in secondo piano vita culturale Russia. La tradizione secolare è rafforzata in ogni modo possibile.
Nella musica del XVIII secolo, come nella letteratura e nella pittura, si sta affermando un nuovo stile, vicino all'europeo classicismo.
Nuove forme di vita dell'alta società - passeggiate nei parchi, cavalcate lungo la Neva, luminarie, balli e "mascherate", assemblee e ricevimenti diplomatici - hanno contribuito allo sviluppo diffuso musica strumentale. Per decreto di Petravi comparvero militari in ogni reggimento. bande di ottoni. Le celebrazioni ufficiali, i balli e i festeggiamenti erano organizzati da due orchestre di corte e da un coro di corte. L'esempio della corte fu seguito dalla nobiltà di San Pietroburgo e Mosca, che diede vita a orchestre domestiche. Nelle tenute nobiliari furono create anche orchestre di fortezza e teatri musicali. La musica amatoriale si sta diffondendo, l'insegnamento della musica diventa una parte obbligatoria dell'educazione nobile. Alla fine del secolo, una vita musicale diversificata caratterizzava la vita non solo di Mosca e San Pietroburgo, ma anche di altre città russe.
Tra le innovazioni musicali sconosciute all'Europa c'era orchestra di corni , creato dal musicista da camera imperiale russo I.A. Maresch per conto di S.K. Naryshkin. Maresh ha creato un ensemble ben coordinato composto da 36 corni (3 ottave). Vi hanno preso parte musicisti servi, che hanno svolto il ruolo di "tasti" dal vivo, poiché ogni corno poteva emettere un solo suono. Il repertorio comprendeva musica classica europea, comprese complesse composizioni di Haydn e Mozart.
Negli anni '30 del XVIII secolo in Russia, un tribunale Opera italiana, le cui esibizioni venivano date nei giorni festivi per il pubblico "scelto". In questo periodo San Pietroburgo attrasse molti importanti musicisti europei, per lo più italiani, tra cui i compositori F. Araya, B. Galuppi, J. Paisiello, J. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araia nel 1755 scrisse la musica per la prima opera con testo russo. Era un libretto di A.P. Sumarokov su una trama delle Metamorfosi di Ovidio. Opera creata nel genere italiano serie , è stato chiamato Cefalo e Prokris.
Nell'era petrina, generi musicali nazionali come il concerto in parte e il cant continuarono a svilupparsi.
I Kants del tempo di Pietro il Grande erano spesso chiamati "Vivats" perché erano pieni di glorificazioni di vittorie e trasformazioni militari ("Rallegrati, terra di Rossko"). La musica dei canti di "benvenuto" è caratterizzata dai giri di fanfara, ritmi solenni della polonaise. La loro esibizione era spesso accompagnata dal suono di trombe e campane.
L'era petrina fu il culmine nello sviluppo del canto corale delle parti. Il brillante maestro del concerto partes V.P. Titov ha preso il posto del primo musicista alla corte dello zar Pietro. Fu lui a ricevere l'incarico di scrivere un concerto solenne in occasione della vittoria di Poltava vinta dalle truppe russe nel 1709 ("Rtsy us now" - dietro la composizione fu stabilito il nome "Trionfo di Poltava").
A metà del XVIII secolo, il desiderio di effetti corali nei concerti partesny raggiunse forme ipertrofiche: apparvero composizioni, le cui partiture ammontavano a 48 voci. Nella seconda metà del secolo, un nuovo fenomeno artistico, un concerto spirituale, sostituì il solenne concerto di coppia.Così, per tutto il XVIII secolo, passò il canto corale russo grande strada evoluzione - dallo stile monumentale delle parti, che evoca associazioni con lo stile architettonico barocco, agli alti esempi di classicismo nell'opera di M. S. Berezovsky e D. S. Bortnyansky, che hanno creato il tipo classico di concerto spirituale russo.
Concerto corale spirituale russo
Nel XVIII secolo si è notevolmente ampliato contenuto di genere opere corali. C'erano arrangiamenti corali di canzoni popolari, musica d'opera corale, musica da ballo con un coro (l'esempio più famoso è la polonaise di Kozlovsky "Il tuono della vittoria risuona" alle parole di Derzhavin, che alla fine XVIII acquisito importanza inno nazionale Impero russo).
Il principale genere corale è il concerto spirituale russo, che è servito come una sorta di simbolo dell'antica tradizione nazionale. Il concerto spirituale raggiunse il suo apice nell'era di Caterina (1762- 1796). È stato un buon momento per Cultura russa. Un tentativo di ravvivare lo spirito delle riforme di Pietro ebbe un grande successo. La politica, l'economia, la scienza e la cultura hanno nuovamente ricevuto slancio per lo sviluppo. La pratica di insegnare di più rappresentanti di talento scienza e arte all'estero. Gli stretti contatti culturali tra la Russia e l'Europa illuminata non hanno potuto fare a meno di influenzare l'emergere delle prime esperienze di creatività del compositore professionista.
Durante questo periodo sono state create più di 500 opere di genere concertistico. Quasi tutti i compositori russi della seconda metà a noi noti si sono rivolti a lui. XVIII secolo.
Nato nel profondo della polifonia partesnoy, il concerto spirituale durante il suo sviluppo ha integrato due principi: la tradizione del canto ecclesiastico e il nuovo pensiero musicale secolare. Il concerto è stato diffuso anche come climax servizio di chiesa, e come decorazione dei cerimoniali di corte. Era al centro di temi e immagini che toccavano profondi problemi morali e filosofici.
Se “partes concerto può essere in una certa misura paragonata a concerto grosso , allora ha la struttura di un concerto corale classico caratteristiche comuni con ciclo sonata-sinfonico. Consisteva solitamente in tre o quattro parti diverse con modalità di presentazione contrastanti, nella parte finale, di norma, prevalevano le modalità di sviluppo polifonico.
Eminenti compositori stranieri vissuti a San Pietroburgo (D. Sarti, B. Galuppi) hanno dato un grande contributo alla formazione del concerto corale classico russo. I massimi risultati della musica corale russa dell'Illuminismo sono associati ai nomi di M.S. Berezovsky e D.S. Bortnyansky.
Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777)
MS Berezovsky - eminente maestro Musica corale russa del XVIII secolo, uno dei primi rappresentanti della scuola nazionale dei compositori. Le opere superstiti del compositore sono di piccolo volume, ma molto significative nella loro essenza storica e artistica. Nella cultura musicale degli anni 60-70 del XVIII secolo, apre una nuova fase: l'era del classicismo russo.
Il nome di Berezovsky è chiamato tra i fondatori del classico concerto corale a cap p ella : le sue opere, insieme a quelle del compositore italiano Galuppi, rappresentano la prima tappa nello sviluppo di questo genere.
pinnacolo attività creative SM. Berezovsky è diventato un concerto "Non respingermi nella mia vecchiaia" . Questo un capolavoro universalmente riconosciuto della musica russa del XVIII secolo, alla pari con le più alte conquiste dell'arte europea contemporanea. Di piccole dimensioni, il concerto è percepito come un'opera monumentale epica. La sua musica, rivelando il diverso mondo spirituale una persona, colpisce con la profondità delle emozioni e l'autenticità della vita.
Sia nel testo che nella musica del concerto si sente distintamente l'intonazione personale. Questo è un discorso in prima persona. Una richiesta-appello, invocando l'Onnipotente ( IO parte), è sostituito da un'immagine della persecuzione di una persona da parte di nemici malevoli ( II parte - "Sposalo e imitalo") . Segue poi un nuovo tema - una preghiera di speranza ("Mio Dio, hai fallito" - III parte), e infine, il finale, pieno di pathos di protesta, diretto contro il male e l'ingiustizia ("Lascia che coloro che calunniano la mia anima siano svergognati e periscano.") Il fatto stesso che tutti i temi del concerto abbiano determinati tratti emotivi specifici parla della fondamentale novità dello stile, che supera l'astratta neutralità delle tematiche del canto in partes.
Le quattro parti dell'opera sono collegate non solo da un unico concetto drammatico e logica tonale, ma anche da fili di intonazione: il tema melodioso che risuona nelle prime battute del concerto diventa la base intonazionale di tutte le altre immagini. È particolarmente significativo che la grana intonazionale iniziale si trasformi in un tema dinamico e assertivo della fuga finale "Che si vergognino e scompaiano ...", che è l'apice nello sviluppo dell'intero ciclo.
Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)
D. S. Bortnyansky ha sviluppato il tipo principale di concerto corale classico russo, combinando in musica elementi di strumentalismo musicale secolare e vocale musica da chiesa. Di norma, i suoi concerti hanno tre parti, che si alternano secondo il principio veloce - lento - veloce. Spesso la prima parte, la più significativa del ciclo, contiene segni di sonata, espressi in un confronto di due temi contrastanti, disposti in un rapporto tonico-dominante. Il ritorno alla tonalità principale avviene alla fine del movimento, ma senza ripetizioni tematiche.
Bortnyansky possiede 35 concerti per un coro misto a 4 voci, 10 concerti per 2 cori, una serie di altri inni della chiesa, nonché cori secolari, inclusa la canzone corale patriottica "A Singer in the Camp of Russian Warriors" sui testi. VA Zhukovsky (1812).
Una delle opere profonde e mature del maestro - Concerto n. 32 contrassegnato da P.I. Čajkovskij come "il migliore di tutti i trentacinque". Il suo testo è tratto dal 38 ° salmo della Bibbia, dove sono presenti tali versi: "Dimmi, Signore, la mia fine e il numero dei miei giorni, così che io sappia qual è la mia età ... Ascolta, Signore, la mia preghiera , e ascolta il mio grido; non tacere alle mie lacrime ... ". Ci sono tre movimenti nel concerto, ma non c'è contrasto tra loro. La musica si distingue per l'unità dell'umore tristemente elegiaco e l'integrità della tematica. La prima parte si apre con un tema a tre voci che ricorda il Salmo XVII secolo. La seconda parte è un breve episodio di un rigoroso magazzino corale. Il finale dettagliato, scritto sotto forma di fuga, supera le dimensioni delle prime due parti. La musica del finale è dominata da una sonorità tranquilla e gentile, che trasmette la preghiera morente di una persona che sta morendo.
Raccolte di canzoni russe
Per tutta la cultura russa avanzata XVIII secolo è caratterizzato da un profondo interesse per il modo di vivere, i costumi e i costumi delle persone. Inizia la raccolta sistematica e lo studio del folklore. Il famoso scrittore Mikhail Dmitrievich Chulkov compila la prima raccolta russa di testi di canzoni popolari.
Per la prima volta vengono realizzate notazioni musicali di canzoni popolari, compaiono raccolte stampate con i loro arrangiamenti: Vasily Fedorovich Trutovsky ("Raccolta di semplici canzoni russe con note"), Nikolai Alexandrovich Leopoli E Ivan Pracha ("Raccolta di canzoni popolari russe con le loro voci").
La collezione Lvov-Prach comprende 100 canzoni, molte delle quali sono esempi classici del folklore russo: "Oh, tu, baldacchino, il mio baldacchino", "C'era una betulla nel campo", "Se nel giardino, nel giardino" . Nella prefazione alla raccolta ("On Russian Folk Singing"), N. Lvov per la prima volta in Russia ha sottolineato l'originalità unica della polifonia corale popolare russa.
Le canzoni di queste raccolte sono state utilizzate sia dagli amanti della musica che dai compositori che le hanno prese in prestito per le loro opere: opere, variazioni strumentali, aperture sinfoniche.
Entro la metà del XVIII secolo include una collezione unica di poemi epici russi e canzoni storiche autorizzato "Collezione di Kirsha Danilov" . Non ci sono informazioni affidabili sul suo compilatore. Si presume che Kirsha Danilov (Kirill Danilovich) fosse un cantante-improvvisatore, un buffone che viveva negli Urali minerari. Ha registrato le melodie delle canzoni in una riga senza testo, che è posizionata separatamente.
Scuola nazionale russa di compositori
Formazione nella seconda metà del XVIII secolo del primo secolare in Russia scuola di compositore. La sua nascita fu il culmine dell'Illuminismo russo . Il luogo di nascita della scuola era San Pietroburgo, dove fiorì il talento dei suoi rappresentanti più brillanti. Tra loro ci sono i fondatori dell'opera russa V.A. Pashkevich ed E.I. Fomin, maestro della musica strumentale I.E. Khandoshkin, eccezionali creatori del concerto spirituale classico M.S. Berezovsky e D.S. Bortnyansky, i creatori della "canzone russa" da camera O.A. Kozlovsky e F.M. Dubyansky e altri.
La maggior parte dei compositori russi proveniva dall'ambiente popolare. Hanno assorbito il suono vivace del folklore russo fin dall'infanzia. Pertanto, è diventato naturale e logico includere canzoni popolari nella musica operistica russa (opere di V. A. Pashkevich e E. I. Fomin), nelle composizioni strumentali (creatività di I. E. Khandoshkin).
Secondo la tradizione dei secoli precedenti, i generi vocali, sia secolari che templi, si svilupparono più ampiamente nell'età dell'Illuminismo. Tra questi ci sono il concerto corale spirituale, l'opera comica e la canzone da camera. Come nel folklore, in questi generi si conserva l'atteggiamento nei confronti della parola come base prioritaria della musica. Il librettista è considerato l'autore dell'opera e il poeta è considerato l'autore della canzone; il nome del compositore è rimasto spesso nell'ombra e nel tempo è stato dimenticato.
Opera comica russa
Nascita della Scuola Nazionale di Compositori XVIII secoli era strettamente connesso con lo sviluppo dell'opera russa. È iniziato con commedia musicale, che si basava sulle commedie di scrittori e poeti russi: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky.
L'opera comica era quotidiana nel suo contenuto, con una trama semplice ma affascinante della vita quotidiana russa. I suoi eroi erano contadini arguti, servi, uomini ricchi meschini e avidi, ingenui e belle ragazze, cattivi e buoni nobili.
La drammaturgia si basava sull'alternanza di dialoghi conversazionali con numeri musicali basati su Russi canzoni folk. I poeti indicavano nel libretto a quale “voce” (canzone popolare) doveva essere cantata l'una o l'altra aria. Un esempio è l'opera russa più amata XVIII secolo "Melnik è uno stregone, un ingannatore e un sensale" (1779) A. Ablesimov con musica di M. Sokolovsky. Il drammaturgo A. O. Ablesimov scrisse immediatamente i suoi testi sulla base di un certo materiale musicale. Il contributo di M. Sokolovsky è consistito nell'elaborazione di brani, che avrebbero potuto benissimo essere eseguiti da un altro musicista (non è un caso che la paternità della musica sia stata a lungo attribuita a E. Fomin).
Il fiorire dell'opera comica è stato facilitato dal talento di eccezionali attori russi - E.S. Yakovleva (nel matrimonio di Sandunova, sul palco - Uranova), l'attrice serva P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevskij.
Un ruolo eccezionale nello sviluppo dell'opera russa XVIII secolo giocato Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742-1797) uno dei più grandi compositori russi XVIII secolo. Le migliori delle sue opere ("Misfortune from the Carriage", "The Miserly", "St. Petersburg Gostiny Dvor") erano molto apprezzate; XIX secolo. Pashkevich era un maestro della scrittura d'insieme, caratterizzazioni comiche taglienti e ben mirate. Riproducendo con successo le intonazioni del discorso nelle parti vocali, ha anticipato i principi che in seguito caratterizzeranno il metodo creativo di Dargomyzhsky e Mussorgsky.
Un artista dai molti talenti si è dimostrato nell'opera Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). La sua opera "Cocchieri alla base" .(1787) si distingue per la maestria nell'elaborazione corale di melodie popolari di vario genere. Per ogni canzone, ha trovato il proprio stile di elaborazione. L'opera presenta le canzoni persistenti "L'usignolo non canta da papà" e "Il falco vola alto", le vivaci canzoni danzanti "La betulla infuriava nel campo", "Giovane giovane, giovane giovane", "Da sotto la quercia, da sotto l'olmo”. Diverse canzoni selezionate per "Coachmen", tre anni dopo, quasi invariate, entrarono nella "Raccolta di canzoni popolari russe" di N.L. Leopoli - I. Pracha.
Nel suo altro lavoro - il melodramma "Orpheus" (sul testo di Y. Knyaznin secondo mito antico, 1792) - Per la prima volta in un'opera russa, Fomin ha incarnato un tema tragico. La musica del melodramma è diventata una delle creazioni di punta dell'arte russa dell'Illuminismo.
Nell'ouverture, che ha preceduto il melodramma, il talento di Fomin come sinfonista è stato pienamente rivelato. In esso, il compositore, con uno straordinario senso dello stile, è riuscito a trasmettere il tragico pathos mito antico. In effetti, Fomin ha fatto il primo passo verso la creazione del sinfonismo russo. Quindi nelle viscere del teatro, com'era dentro Europa occidentale, è nata la futura sinfonia russa.
Le opere di Fomin erano apprezzate solo a metà XX secolo. Durante la vita del compositore, il loro destino scenico non era felice. Opera "Cocchieri sulla base", scritta per Home theater rimasto sconosciuto al grande pubblico. La messa in scena dell'opera buffa Gli americani (su libretto del giovane I.A. Krylov) fu vietata (al direttore dei teatri imperiali non piaceva che, durante lo sviluppo della trama, gli indiani avrebbero bruciato due europei).
Testi vocali domestici
La nascita di un nuovo strato di folklore fu di grande importanza riformatrice nell'arte popolare - canto urbano.È nato sulla base di una canzone popolare contadina, che "si è adattata" alla vita urbana - un nuovo modo di esibirsi: la sua melodia era accompagnata dall'accompagnamento di accordi di qualche strumento.
A metà del XVIII sorge il secolo in Russia il nuovo genere musica vocale - "canzone russa" . Le cosiddette opere per voce con accompagnamento strumentale, scritte in testi poetici russi. Nel contenuto lirico, le "canzoni russe" erano i precursori del romanticismo russo.
L'antenato della "canzone russa" era un importante dignitario alla corte di Caterina II , un colto amante della musica Grigory Nikolaevich Teplov , autore del primo libro di canzoni stampato in russo "Nel frattempo, l'ozio ..." (1759) In termini di stile e modalità di presentazione, le canzoni di Teplov rappresentano un genere di transizione dal cant al romanticismo con accompagnamento. La forma delle sue canzoni è solitamente distico.
Il genere della "canzone russa" era strettamente associato tradizione folcloristica. Non sorprende, quindi, che molte canzoni dell'autore siano diventate folk ("Qui si precipita la troika postale" di Ivan Rupin su testi di F. N. Glinka).
Alla fine del XVIII secoli, vengono promossi talentuosi maestri del genere vocale da camera - Fedor Dubyansky E Osip Kozlovskij . Le "canzoni russe" da loro create, che hanno già una parte di pianoforte abbastanza sviluppata e una forma più complessa, possono essere considerate i primi romanzi russi. In essi sono chiaramente udibili echi della vita urbana ("The Dove Dove Moans" di Dubyansky, "Sweet Evening Sat", "A Cruel Fate" di Kozlovsky).
Le poesie erano ampiamente utilizzate nelle "canzoni russe" poeti famosi: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Con il loro contenuto figurativo, sono associati agli stati d'animo tipici dell'arte. sentimentalismo. Di regola, si tratta di testi d'amore: tormenti e delizie dell'amore, separazione, tradimento e gelosia, "una passione crudele".
Molto apprezzate furono anche le anonime "canzoni russe" pubblicate da F. Meyer ("Raccolta delle migliori canzoni russe", 1781).
Musica strumentale da camera
Negli anni 70-80 del XVIII secolo, iniziò in Russia la formazione dello strumentalismo da camera professionale. In questo momento, i musicisti russi padroneggiavano le forme complesse della musica strumentale, sviluppando i generi della sonata solista, delle variazioni e dell'ensemble da camera. Questo processo era strettamente connesso con l'onnipresente diffusione della musica casalinga. La musica della vita urbana o di campagna rimase a lungo il "mezzo nutritivo" in cui maturarono i primi germogli dello stile strumentale nazionale.
I primi ensemble strumentali russi appartengono a Dmitry Bortnyansky. Si tratta di un quintetto con pianoforte e della Sinfonia da camera, che in realtà è un settetto per pianoforte, arpa, due violini, viola da gamba, fagotto e violoncello.
Particolarmente apprezzati erano tutti i tipi di brani di danza - minuetti, polonaises, ecossesses, balli country - e variazioni sui temi delle canzoni popolari per vari strumenti. Molte di queste variazioni per il violino create Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804), rappresentante della scuola di San Pietroburgo - compositore, eccezionale violinista virtuoso, direttore d'orchestra e insegnante... Khandoshkin era famoso per l'arte dell'improvvisazione, era anche bravo a suonare la viola, la chitarra e la balalaika.
Nella storia della musica russa, il nome di Khandoshkin è associato alla creazione della scuola nazionale di violino. La maggior parte del suo patrimonio creativo consiste in variazioni sui temi delle canzoni popolari russe e delle sonate per violino, due violini, violino e viola o violino con basso.Con queste composizioni, la musica strumentale da camera russa ha lasciato per la prima volta la ristretta cerchia della musica domestica -creare, acquisire un ambito virtuoso. È anche importante che raggiungano un'unità abbastanza organica della lingua strumentale europea e del folklore russo. I ricercatori ritengono che le melodie di alcune delle canzoni prese dal compositore come temi per le variazioni siano state registrate per la prima volta da lui.
Trutovsky ha scritto variazioni su temi russi per pianoforte (ad esempio, sul tema canzone folk“C'erano molte zanzare nate nella foresta), Karaulov, così come musicisti stranieri che lavoravano in Russia.
Il ruolo dei musicisti stranieri nello sviluppo della musica russa è stato duplice. I giusti rimproveri del pubblico progressista furono causati dalla cieca ammirazione dei circoli aristocratici per tutto ciò che era straniero, associata alla sottovalutazione dell'arte russa. Allo stesso tempo, le attività di compositori, artisti e insegnanti stranieri hanno contribuito all'ascesa generale della cultura musicale e all'educazione dei musicisti professionisti nazionali.
Il destino del suo patrimonio creativo è drammatico: la maggior parte delle opere del compositore, suonate per tutto il XIX secolo, rimasero manoscritte e furono conservate nella Cappella del canto di corte. Nei primi decenni XX secolo, fu bruciato l'intero archivio più ricco della cappella con autografi unici di molti compositori russi.
Successo e riconoscimento, il patrocinio delle persone più alte arrivò presto a Berezovsky. Già in giovane età, divenuto famoso in Russia, divenne ben presto il primo compositore russo ad essere accettato come membro della famosa Accademia di Bologna. Tuttavia, nonostante tutte le alte distinzioni, essendo tornato in patria dopo un soggiorno di 9 anni all'estero, Maxim Berezovsky non è riuscito a raggiungere alcuna posizione degna di nota. La sua iscrizione alla Cappella di Corte nella modesta posizione di normale impiegato chiaramente non corrispondeva né all'esperienza straniera maturata né alle possibilità creative. Ovviamente, ciò ha causato al compositore un sentimento di amara delusione, sebbene le sue composizioni spirituali corali siano state apprese da tutti gli amanti del canto di chiesa e molto apprezzate dai suoi contemporanei. cappella, militari e servi orchestre, teatri privati o sono stati istruiti a casa. Nell'ambiente culturale XVIII secolo, la musica occupava la posizione più bassa, dipendeva interamente dal mecenatismo e il musicista stesso nella società aristocratica occupava la posizione di semi-servo. Le creazioni di autori russi erano spesso considerate musica di "seconda classe" rispetto alle opere di tedeschi o italiani. Nessun padrone domestico ha raggiunto una posizione elevata a corte.
L'astuto e astuto mugnaio Thaddeus, fingendosi un onnipotente stregone, confuse completamente le teste dei suoi ingenui vicini. Tuttavia, tutto finisce con un allegro matrimonio della ragazza Anyuta e del bel ragazzo del villaggio Filimon.
Alla stazione postale - un allestimento - si radunano i cocchieri. Tra loro c'è il giovane cocchiere Timofey, che è riuscito sia in faccia, intelletto e destrezza. Con lui c'è una giovane e bella moglie Fadeevna, marito amorevole. Ma Timothy ha un nemico invidioso e peggiore: la ladra e canaglia Filka Prolaza. Questa Filka sogna di vendere il fortunato Timothy come recluta e impossessarsi di sua moglie, che da tempo lo attrae. E Timothy sarebbe stato un soldato, se non fosse stato per un ufficiale di passaggio. Aiuta a liberare dal servizio Timothy come unico capofamiglia di una famiglia di contadini. Lo stesso Filka entra nei soldati.
Il melodramma è uno spettacolo teatrale con musica che si alterna alla recitazione, e talvolta viene eseguito contemporaneamente alla pronuncia del testo.