Formatasi come genere in Italia, l'opera si diffuse rapidamente in tutta Europa a partire dal 1597. Tuttavia, compositori italiani come Claudio e Alessandro Scarlatti rimasero invariabilmente dei trendsetter nella nuova forma d'arte.
Nata come "dramma con musica", l'opera inizio XIX V. trasformato in puro performance musicale, in cui non c'era quasi più posto per il recitativo - canto ritmico - e le arie si inseriscono organicamente nella trama dello spettacolo. Aria (letteralmente "aria") è un continuo assolo. Durante l'esecuzione dell'aria, tutto azione scenica si bloccò e quasi ogni fenomeno di solito finiva con esso.
Il recitativo conservato nei dialoghi era solitamente accompagnato da accordi di clavicembalo (clavicembalo), quando lo scambio di osservazioni avveniva nel processo di sviluppo dell'azione, e da introduzioni dell'intera orchestra per esprimere forti sentimenti o esperienza.
A quei tempi, l'aria era un numero solista del tipo da capo (“primo”), cioè prima veniva eseguito il tema principale, seguito da un tema secondario, seguito da una ripetizione argomento principale. Nella terza parte, del tutto superflua dal punto di vista della trama, è stata dimostrata l'abilità vocale dell'esecutore, e, infatti, per questo l'intera aria è stata inclusa nell'opera. Cantanti famosi decorarono le loro parti con passaggi così magistrali che alla fine diventarono incredibilmente complessi numeri vocali, che ha portato il pubblico in una gioia frenetica.
Il più grande interpreti dell'opera a quell'epoca c'erano i castrati - cantanti maschi che venivano castrati da bambini per preservare la loro voce da soprano da ragazzo. Una tale voce, sostenuta dalla forza di un organismo adulto, si distingueva per una purezza e una flessibilità sorprendenti, e nel XVIII secolo il cuore del pubblico era affascinato da eccezionali cantanti castrati, uno dei quali era Farinelli (1705-82).
Opera Seria
Fino al XIX secolo. I ruoli principali nell'opera seria ("opere serie") erano interpretati da soprani maschi, e solo successivamente furono sostituiti da tenori. L'Opera Seria era molto lontana vita reale azione e le sue trame sono, di regola, episodi di storia antica in una libera interpretazione - stupiscono il pubblico moderno con la loro artificiosità. Tuttavia, è stato in questo genere che l'opera italiana ha conquistato tutta l'Europa, dove sono state eseguite quasi tutte le rappresentazioni Italiano. Anche il tedesco Händel e i grandi riformatori dell'opera Gluck e Mozart scrissero musica su libretti italiani. Solo la Francia ne formò una propria tradizione nazionale, le cui basi furono gettate da Jean Baptiste Lully. Tuttavia, ha anche iniziato il suo percorso di vita a Firenze col nome di Giovanni Battista Lulli.
Opera buffa
A metà del XVIII secolo secolo, l'opera buffa, o opera comica, cominciò a competere con l'opera seria. In questo divertimento performance musicale agì con un rapido cambiamento degli eventi gente semplice nelle normali situazioni quotidiane, e anche quando si trovavano in situazioni assurde o difficili, i personaggi mostravano emozioni vere (a differenza delle pompose effusioni dell'opera seria). Nell'opera buffa venivano ridicolizzati i vizi familiari, come l'avidità e la vanità. Offrendo allo spettatore una tradizione completamente diversa, l'opera buffa ha guadagnato una notevole popolarità anche fuori dall'Italia, e in Francia ha persino provocato il pamphlet "La guerra dei buffoni". In questo genere hanno lavorato i brillanti compositori Pergolesi, Paisiello e Cimarosa.
Nel XVIII secolo la linea netta tra l'opera seria e quella comica fu gradualmente cancellata e iniziarono ad apparire nell'opera seria personaggi comici ed episodi. Con lo sviluppo di ensemble in cui personaggi diversi, guidando la melodia generale, esprimeva contemporaneamente sentimenti diversi, l'aria perse la sua posizione di leader. Questi e una serie di altri cambiamenti conferirono all'opera maggiore flessibilità e drammaticità. Nel 1800, l'era dei castrati era giunta al termine, sebbene i solisti - ora, di regola, donne (prime donne) - eseguissero ancora le arie virtuosistiche più complesse, la cui popolarità a volte eclissava persino la gloria del loro interprete!
Rossini
Non importa quanto grandi siano state le conquiste delle epoche passate, il XIX secolo divenne giustamente l'età d'oro dell'opera italiana. Il primo grande compositore della nuova formazione fu Gioachino Rossini, un genio prolifico che scrisse opere serie e comiche con uguale genialità. Ancora oggi restano le sue opere comiche "Un italiano ad Algeri" (1813) e la famosa " Barbiere di Siviglia"(1816). Quest'ultimo è stato scritto in meno di due settimane e l'autore ha preso in prestito alcuni frammenti dalle sue vecchie opere.
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Nel 1824 Rossini si trasferì a Parigi, che a quel tempo era diventata la capitale musicale d'Europa, e iniziò a scrivere opere in stile francese con la stessa facilità dell'italiano. Il suo Guglielmo Tell (1829), una grande opera sul leggendario arciere svizzero, è così lungo che oggigiorno raramente viene eseguito senza tagli. Ma la sua ouverture (introduzione orchestrale prima che si alzi il sipario) è diventata l'opera classica più popolare.
Dopo Guglielmo Tell, il maestro smise di scrivere per il teatro, anche se a quel punto aveva appena compiuto 37 anni ed era nel pieno della sua forza e del suo talento. Le ragioni di questa decisione rimangono ancora un mistero. Rossini trascorse il resto della sua vita - 39 anni - in completa contentezza e prosperità.
Romantici
I seguaci di Rossini furono profondamente influenzati dal romanticismo - ideologicamente e direzione artistica nella cultura spirituale europea e americana, che venerava valori più alti la lotta delle passioni e l'individualismo estremo.
Un vero capolavoro tragico fu l'opera Lucia di Lammermoor (1835) di Gaetano Donizetti, basata sul romanzo di W. Scott La sposa di Lammermoor. E l'episodio del matrimonio immaginario della sconvolta Lucia con il suo amante morto divenne, forse, la “scena della follia” più famosa nella storia dell'opera. Scene simili erano molto popolari in opere romantiche, dove invariabilmente infuriavano passioni tragiche.
Pur rendendo omaggio alla sofferenza romantica, gli italiani non hanno perso il gusto per l'opera buffa; lo stesso Donizetti lavorò magistralmente in entrambi i generi, lasciando ai suoi discendenti circa 70 opere. Il suo contemporaneo Vincenzo Bellini morì giovane, avendone creati solo pochi capolavori riconosciuti, tra cui "Norma" (1831), la cui azione è del tutto nello spirito del romanticismo e si svolge tra i druidi gallici che combattono i conquistatori romani. Donizetti e Bellini erano maestri del bel canto (letteralmente "bel canto"). Il bel canto si differenzia dallo stile ornamentale dell'era dei castrati per il suo squisito lirismo, al quale il maestro riesce a conferire la profondità di un sentimento genuino.
Verdi
Il più grande compositore d'opera italiano fu Giuseppe Verdi, che visse una lunga vita di 87 anni e creò tutta la linea opere immortali- da "Oberto" (1830) a "Falstaff" (1893). Verdi - proveniente da un ambiente povero famiglia contadina- è riuscito a trovare un ricco mecenate che ha accettato di pagare i suoi studi. Ma il Conservatorio di Milano, non individuando il talento del giovane, rifiutò di ammetterlo, ed egli dovette raggiungere il successo attraverso il duro lavoro e le lezioni private.
Fin dai primi passi della sua carriera di compositore, Verdi ha subito diversi duri colpi: il fallimento primi lavori, e poi la morte della moglie e dei due figli. A un certo punto sembrava pronto a rinunciare per sempre alla scrittura, ma, fortunatamente, un impresario solidale gli mostrò il libretto ( testo letterario) "Nabucco". Ispirato dalla trama eroica, Verdi si mise subito al lavoro e nel 1842 ebbe luogo la prima nuova opera. Doveva in parte il suo enorme successo a al famoso coro"Va pensiero", in cui gli ebrei prigionieri a Babilonia rimpiangono la patria perduta. Gli italiani vedevano qui un accenno alla loro posizione oppressa sotto il dominio austriaco, e nelle successive opere di Verdi apparivano di tanto in tanto scene con un significato patriottico nascosto.
Capolavori dell'opera
Nel frattempo, nel 1850. dalla penna di Verdi uscirono, una dopo l'altra, le opere che glorificarono il suo nome: “Rigoletto” (1851), “Il Trovatore” (1853) e “La Traviata” (1853), in cui la ricchezza melodica si unisce alla profondità delle esperienze umane.
Le vette dell'opera di Verdi includono anche la grandiosa opera "egiziana" "Aida" (1871) e due capolavori basati sulle opere di Shakespeare, creati nei suoi ultimi anni: "Otello" (1877) e "Falstaff" (1893). Romanticismo luminoso e i personaggi un po’ esagerati di Verdi regnarono per molti anni palcoscenico dell'opera, finché nel 1890 lo sviluppo direzione creativa- verismo o realismo. Nuove opere portarono per la prima volta sul palco contadini comuni e altri personaggi delle classi inferiori; le passioni quotidiane ribollivano furiosamente in loro.
Le più famose sono due brevi opere, spesso rappresentate nella stessa rappresentazione: "L'onore rurale" (1890) di Pietro Mascagni e "Pagliacci" (1892) di Ruggero Leoncavallo. In entrambi, davanti allo spettatore si svolgono storie di amore e gelosia, ed entrambe terminano con la morte degli eroi.
Puccini
Il degno successore di Verdi fu Giacomo Puccini, che portò nell'opera il suo brillante dono di melodista. Molte delle sue arie - ad esempio la famosa aria di Calaf dall'opera "Turandot" - sono letteralmente sulla bocca di tutti e sono diventate da tempo "classici popolari".
L'opera "Manon Lescaut" (1893) portò al suo creatore il suo primo successo. Dicono che dopo la prima il sipario si sia alzato almeno 50 volte. Tre opere successive furono incluse nel fondo aureo classici dell'opera: “La Boheme” (1896) sulla vita e l'amore dei poveri poeti e artisti parigini; la melodrammatica "Tosca" (1900) e "Madama Butterfly" (1904), triste storia amore di una giovane ragazza giapponese. Scrisse anche l'opera western "La ragazza dell'Ovest" (1910) e l'opera cinese "Turandot" piena di romanticismo oscuro. Lavorando su l'ultima opera, interrotto dalla morte del compositore nel 1924, fu completato da Francesco Alfano, e Turandot debuttò nel 1926.
Con la scomparsa di Puccini si chiude la grande tradizione lirico-drammatica dell'opera italiana del XIX secolo.
Storia dell'opera italianaè piuttosto ampio e potrebbe essere argomento di un libro a parte. In questo articolo ci concentreremo sulla formazione e sullo sviluppo della sola opera classica italiana.
Tutti sanno che la culla dell'opera è l'Italia. Come genere indipendente apparve nel XVI secolo. E gradualmente nel tempo si è diffuso in tutta Europa. Primo Teatro dell'opera fu inaugurato in Italia nel XVII secolo e divenne il primo teatro del suo genere al mondo. Un fatto interessante è che il titolo originale dell'opera era “dramma per musica”. Questa stessa idea ebbe origine durante il Rinascimento a Firenze, in un piccolo circolo in cui si tenevano le riunioni ambiente domestico. Questa futura opera italiana rappresentava una combinazione di musica, poesia, dramma e pittura teatrale.
Il Seicento nell'opera italiana noto per il lavoro di due compositori: Alessandro Scarlatti(1660-1725) e Claudio Monteverdi(1567-1643). Il merito di C. Monteverdi è che ha iniziato a creare un dramma musicale realistico, caratterizzato da personaggi forti. Il contenuto drammatico passa gradualmente in secondo piano e nell'opera tutto valore più alto la performance stessa inizia a suonare. Il XVIII secolo fu caratterizzato da una magnifica prosperità arte vocale. Fu A. Scarlatti a gettare le basi della scuola napoletana, nella quale la musica cominciò a dominare il testo. Durante questo periodo apparvero personaggi famosi Cantanti italiani che divennero famosi per le loro voci e abilità vocali, chiamati bel canto . Tuttavia, la popolarità degli artisti ha avuto un impatto negativo sul lavoro dei compositori, poiché la musica ha gradualmente perso il suo significato originale, sostituita da “delizie vocali”.
La scuola napoletana divenne famosa anche per il fatto che da essa due destinazioni famose Opera italiana - la cosiddetta opera "seria".(opera seria) e opera comica(opera buffa). E se il primo perse gradualmente la sua posizione, il secondo si sviluppò contemporaneamente forza incredibile. Questo Opera comica italianaè nato dalle scene comiche che riempivano le opere di quel tempo; Un'altra fonte erano le commedie basate sui dialetti popolari, solitamente eseguite con canzoni semplici. Allo stesso tempo, l'opera buffa mostrava spesso sul palco avventure divertenti della vita dei contemporanei, ridicolizzava i vizi e quindi parodiava il genere dell'opera “seria”, basato su arie lunghe e talvolta prive di significato. Tuttavia, nel corso del suo sviluppo, l'opera buffa è cambiata e ha preso in prestito alcuni elementi dall'opera “seria”. Ma questi generi continuarono a coesistere separatamente fino al XIX secolo compreso.
L'opera italiana del XIX secolo divenne famosa grazie ai compositori di quest'epoca che abbandonarono la tradizione storie mitologiche e si rivolse all'uomo, al suo mondo interiore. È questo periodo di sviluppo dell'opera che è associato al nome Gioachino Rossini. Ha segnato l'inizio di uno nuovo scuola nazionale, e sotto di lui l'opera buffa raggiunse la sua massima fioritura.
L'opera di Rossini e dei suoi seguaci - Vincenzo Bellini(1801-1835) e Gaetano Donizetti(1797-1848) è, forse, migliori risultati Italiano arte dell'opera nel primo terzo del XIX secolo. Questi compositori hanno arricchito l'opera italiana utilizzando bellissime melodie vicine canzone folk. Inoltre, sono stati in grado di identificare i lati migliori cantanti
IN ultimo decennio secolo, il wagnerismo, diffusosi in Italia, comincia ad opporsi ad un nuovo indirizzo operistico - verismo(dalla parola "vero" - vero, veritiero). Terreno per l'emergenza questa direzione era preparato movimento letterario Anni '80, porta lo stesso nome.
L'idea alla base del verismo è verità della vita. I veristi hanno preso i temi delle loro opere dalla vita di tutti i giorni. I loro eroi no figure di spicco, ma gente comune e ordinaria. Il verismo è in gran parte legato al lavoro dei più eccezionali Compositori italiani XX secolo Giacomo Puccini(1858-1924), che non sfuggì all'influenza del romanticismo tedesco nelle sue prime opere.
Il verismo di Puccini si manifesta principalmente nel suo atteggiamento nei confronti della trama dell'opera. Puccini trova materiale per il dramma nella vita ordinaria e quotidiana. E sebbene non sia riuscito a elevarsi alle vette di Verdi nella sua opera, in termini di impatto emotivo della musica, in termini di forza e luminosità dell'impatto drammatico, è l'erede diretto di Verdi.
Miglior eredità Opera classica italiana- l'opera di Rossini, Bellini, Donizetti, Puccini e Verdi. Le opere di questi compositori sono incluse nel repertorio della maggior parte delle opere e teatri musicali.
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Nikolaevskaya scuola comprensiva №18
Saggio
sul tema: “L'Italia è la culla dell'opera. Balletto russo"
Eseguita:
Studente dell'undicesimo grado
Goncharenko Marina
Nikolaev
2014
L’Italia è la culla dell’opera
La culla dell'opera è l'Italia. Chiamato alla vita dagli ideali umanistici dell'epoca Rinascimento italiano, questo genere ha avuto origine in fine XVI V. Nell'unità di poesia, musica e teatro, un gruppo di poeti e musicisti fiorentini illuminati cercò modi per rinascere teatro antico, alla creazione di un'arte sintetica capace di esprimersi con verità sentimenti umani. I fiorentini proclamavano il predominio della poesia sulla musica; Avendo abbandonato la polifonia medievale, propongono un nuovo stile omofonico-recitativo. Secondo B. Asafiev i pastorali recitativi dei fiorentini erano “i propilei della loro città” all’opera.
Durante il primo metà XVII V. l'opera prese gradualmente forma come genere, acquisendo una nuova direzione nel suo sviluppo: uscendo dalla ristretta cerchia dei poeti e musicisti fiorentini, entrò in contatto con pubblico vasto a Mantova, a Roma, poi a Venezia, dove negli anni '30. XVII secolo È stato inaugurato il primo teatro lirico permanente al mondo. Le esibizioni da camera dei fiorentini lasciarono il posto a magnifiche spettacoli teatrali; allo stesso tempo, la musica cominciò a prendere il sopravvento sul testo: lo stile declamatorio fu gradualmente sostituito dalla cantilena.
Il risultato più alto dell'opera italiana del XVII secolo è l'opera di due straordinari compositori: Claudio Monteverdi (1567-1643) e Alessandro Scarlatti (1660-1725).
Monteverdi lavorò a Mantova e poi a Venezia, dove creò le sue opere migliori. Questo è stato il primo grande compositore d'opera, incarnato su palcoscenico teatrale personaggi forti e grandi passioni. Ha arricchito l'opera con una serie di nuovi mezzi musicali ed espressivi; univa la recitazione melodiosa alla cantilena; Ha subordinato la melodia, l'armonia e la scrittura orchestrale a un concetto drammatico. In anticipo sulla sua epoca, Monteverdi ha seguito il percorso di creazione di un dramma musicale realistico.
Nelle esecuzioni dei successivi compositori italiani, il contenuto drammatico passò gradualmente in secondo piano; Allo stesso tempo, il ruolo del virtuoso del canto nella musica d'opera è aumentato sempre di più.
Lo sviluppo dell'opera italiana nella seconda metà del XVII e XVIII secolo. associato alla magnifica fioritura dell'arte vocale. L'opera di A. Scarlatti gettò le basi per la famosa scuola napoletana, che a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo prese il posto dominante che prima era appartenuto alla scuola veneziana. Avendo adottato l'esperienza dei maestri fiorentini, romani e veneziani, i napoletani li usarono conquiste creative.
A Napoli prese finalmente forma il genere dell'opera italiana, dove la musica dominava il testo, dove si determinavano i tipi di forme vocali e fioriva l'arte del canto. I meravigliosi cantanti italiani sono diventati famosi in tutto il mondo non solo per le loro bellissime voci, ma anche per la loro più alta abilità vocale, chiamata bel canto. Tuttavia, per tutto il XVIII secolo. l'arte del belcanto assunse gradualmente un carattere sempre più esterno, virtuosistico. I migliori cantanti italiani posseduti regalo creativo improvvisazione; Durante l'esecuzione delle arie, le variavano e improvvisavano cadenze. Cercando di imitare i famosi maestri del bel canto, i cantanti meno talentuosi spesso oltrepassavano i confini di ciò che era artisticamente giustificabile nella loro esibizione.
La passione dei cantanti per la tecnica virtuosistica ha influenzato anche il lavoro dei compositori. Cedendo ai gusti del pubblico e alle abitudini dei cantanti, i compositori spesso sovraccaricavano le arie con abbellimenti virtuosistici. Acquisendo uno splendore esterno, la musica perse gradualmente l'espressività emotiva che segnò il lavoro di A. Scarlatti e dei suoi più stretti seguaci. I cantanti virtuosi occupavano il primo posto nell'opera, spingendo in secondo piano il compositore e il librettista. Quando si componeva un'opera, era necessario, prima di tutto, fornire "numeri spettacolari" per i favoriti del pubblico che vi si esibivano.
I compositori della scuola napoletana, anche nel suo periodo di massimo splendore, erano poco interessati ai problemi della drammaturgia.
Lo associo all'opera. Quando ero a Roma mi sembrava che per ogni quartiere ci fossero un paio di teatri musicali. Ovunque c'erano manifesti che offrivano un vasto programma: opere, concerti, esibizioni solistiche cantanti famosi.
Vagamente familiari a ognuno di noi fin dall'infanzia, le canzoni divertenti “Figaro qui, Figaro là”, “Il cuore di una bellezza è incline al tradimento” sono traduzioni russe di arie delle famose opere italiane “Il Barbiere di Siviglia” e “Rigoletto ”.
L’Italia è davvero la culla dell’opera?
Sì, è da qui che ha avuto origine questo genere musicale nel XV secolo. Nasce dai cosiddetti “misteri spirituali”, che venivano rappresentati con la polifonia nelle chiese nei giorni festivi. Questi antenati opera moderna sono stati scritti solo su storie bibliche, ma gradualmente il genere cominciò ad andare oltre i templi. Nel corso del tempo, il libretto (contenuto) è diventato più secolare e i musicisti hanno creato le loro opere, traendo ispirazione dalle trame scrittori famosi, leggende popolari, fiabe.
A poco a poco l'opera si diffuse in tutta Europa. Ora in i migliori teatri in tutto il mondo, insieme ai musicisti italiani, si possono ascoltare maestri tedeschi, russi e francesi. Insieme a loro ci sono giganti come il tedesco Richard Wagner, il francese Georges Bizet, i compositori russi Nikolai Rimsky-Korsakov e Modest Mussorgsky.
Risultati dell'opera italiana
1) I più grandi musicisti In questo genere sono considerati gli italiani: Giuseppe Verdi ("Rigoletto", "La Traviata", "Aida", "Nabucco"), Gioachino Rossini ("Il Barbiere di Siviglia", "Otello", "Italiano ad Algeri"), Gaetano Donizetti ("Elisir d'amore", "Lucia di Lammermoor").
2) Anche i cantanti lirici più famosi sono italiani. Anche le persone lontane dall'opera conoscono nomi come Enrico Caruso, Cecilia Bartolli, Luciano Pavarotti, Andrea Bocelli.
3) I teatri d'opera italiani sono i migliori d'Europa. Questa è la famosa La Scalla milanese, il Teatro dell'Opera di Roma e l'Arena di Verona.
4) Le opere di musicisti italiani sono un must nel repertorio di ogni stagione di ogni teatro lirico che si rispetti, qualunque sia il Paese in cui si trova. Alcuni registi cercano di aggiungere note moderne alle produzioni classiche, ma non sempre ci riescono.
Sai quale Città italiana ha avuto origine l'opera? Dove è stato aperto il primo teatro lirico permanente? Dove ha finalmente preso forma il genere dell’opera italiana? Cosa significa bel canto? In che modo l'opera di Gioachino Rossini o di Giuseppe Verdi ha influenzato lo sviluppo dell'opera? Puoi leggere tutto questo nell'articolo.
La culla dell'opera è l'Italia. Portato in vita dagli ideali umanistici del Rinascimento italiano, questo genere nacque alla fine del XVI secolo. Nell'unità di poesia, musica e teatro, un gruppo di poeti e musicisti fiorentini illuminati ha cercato modi per far rivivere il teatro antico, per creare un'arte sintetica capace di esprimere sinceramente i sentimenti umani. I fiorentini proclamavano il predominio della poesia sulla musica; avendo abbandonato la polifonia medievale, propongono un nuovo stile omofono-recitativo. Secondo B. Asafiev, i pastorali recitativi dei fiorentini erano “una sorta di propilei” dell'opera.
Il baritono italiano Mattia Battistini era il più anziano cantante lirico attivo. Ha dato il suo ultimi concerti nel 1927, quando aveva 71 anni. Secondo testimoni oculari, la sua voce era ancora chiara ed espressiva.
Il risultato più alto dell'opera italiana del XVII secolo. - l'opera di due notevoli compositori: Claudio Monteverdi (1567-1643) e Alessandro Scarlatti (1660-1725).
Durante la prima metà del XVII secolo. l'opera prese gradualmente forma come genere, acquisendo una nuova direzione nel suo sviluppo: uscendo dalla ristretta cerchia dei poeti e musicisti fiorentini, entrò in contatto con un vasto pubblico a Mantova, Roma, poi a Venezia, dove negli anni '30. XVII secolo È stato inaugurato il primo teatro lirico permanente al mondo. Le rappresentazioni da camera dei fiorentini lasciarono il posto a magnifiche produzioni teatrali; allo stesso tempo, la musica cominciò a prendere il sopravvento sul testo: lo stile declamatorio fu gradualmente sostituito dalla cantilena.
In base all'intensità del suono, ci sono le seguenti voci: normale - 80 decibel, concerto - 90 decibel, operetta - 100, voce in un'opera comica - 110, opera - 120 e una voce nel mondo famosa opera- più forte di 120 decibel. Per fare un confronto, il jet supersonico Concorde produce 130 decibel di rumore.
Monteverdi lavorò a Mantova e poi a Venezia, dove creò le sue opere migliori. È stato il primo grande operista a incarnare sulla scena teatrale caratteri forti e grandi passioni. Ha arricchito l'opera con una serie di nuovi mezzi espressivi musicali; univa la recitazione melodiosa alla cantilena; Ha subordinato la melodia, l'armonia e la scrittura orchestrale a un concetto drammatico. In anticipo sulla sua epoca, Monteverdi ha seguito il percorso di creazione di un dramma musicale realistico.
Nelle esecuzioni dei successivi compositori italiani, il contenuto drammatico passò gradualmente in secondo piano; Allo stesso tempo, il ruolo del virtuoso del canto nella musica d'opera è aumentato sempre di più.
La parola "opera" è tradotta dall'italiano come "opera", "composizione".
Lo sviluppo dell'opera italiana nella seconda metà del XVII e XVIII secolo. associato alla magnifica fioritura dell'arte vocale. L'opera di A. Scarlatti gettò le basi per la famosa scuola napoletana, che a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo. prese il posto dominante precedentemente posseduto dalla scuola veneziana. Avendo adottato l'esperienza dei maestri fiorentini, romani e veneziani, i napoletani sfruttarono le loro conquiste creative. A Napoli prese finalmente forma il genere dell'opera italiana, dove la musica dominava il testo, dove si determinavano i tipi di forme vocali e fioriva l'arte del canto. I meravigliosi cantanti italiani sono diventati famosi in tutto il mondo non solo per le loro bellissime voci, ma anche per la loro più alta abilità vocale, chiamata bel canto. Tuttavia, nel periodo precedente al XVIII secolo. l'arte del belcanto assunse gradualmente un carattere sempre più esterno, virtuosistico. I migliori cantanti italiani possedevano il dono creativo dell'improvvisazione; Dal fondo delle arie, le variavano e le cadenze improvvisavano. Cercando di imitare i famosi maestri del bel canto, i cantanti meno talentuosi spesso oltrepassavano i confini di ciò che era artisticamente giustificabile nella loro esibizione.
Insegnante di canto di Enrico Caruso, famoso Cantante di opera, sosteneva di essere assolutamente privato dell'udito e della voce.
La passione dei cantanti per la tecnica virtuosistica ha influenzato anche il lavoro dei compositori. Cedendo ai gusti del pubblico e alle abitudini dei cantanti, i compositori spesso sovraccaricavano le arie con abbellimenti virtuosistici. Acquisendo uno splendore esterno, la musica perse gradualmente l'espressività emotiva che segnò il lavoro di A. Scarlatti e dei suoi più stretti seguaci. I cantanti virtuosi occupavano il primo posto nell'opera, spingendo in secondo piano il compositore e il librettista. Quando si componeva un'opera, era necessario, prima di tutto, fornire "numeri spettacolari" per i favoriti del pubblico che vi si esibivano.
Il Teatro Massimo, situato in Piazza Verdi a Palermo, è il terzo più grande d'Europa e il più grande d'Italia. Allo stesso tempo, il teatro è famoso per la sua eccellente acustica.
L'opera di Gioachino Rossini (1792-1868) fu, per così dire, un anello di congiunzione nello sviluppo dell'opera italiana, completando la sua fase precedente e gettando le basi per una nuova scuola nazionale. Nelle opere comiche del compositore (la migliore delle quali è “Il barbiere di Siviglia”), con il loro contenuto audace e attuale, l'opera buffa ha raggiunto il suo apice più alto.
A far uscire l'opera italiana dalla crisi ideologica e drammatica fu Giuseppe Verdi (1813-1901), coraggioso innovatore, ardente, convinto e coerente sostenitore dei principi realistici Letteratura italiana periodo del movimento di liberazione nazionale.
Se il fondatore della scuola d'opera nazionale fu Rossini, allora nell'opera di Verdi raggiunse il suo apice più alto. L’Italia non ebbe un compositore pari a Verdi per importanza e forza di talento né durante la vita di Verdi né dopo la sua morte. Le prime opere eroiche del compositore, apparse negli anni '40, nacquero dalla crescente ondata della rivoluzione, quando tutte le forze culturali del paese si unirono al movimento di liberazione. Democratico e patriota convinto, Verdi creò un'arte fortemente ideologica e allo stesso tempo accessibile alle grandi masse. Merito più grande il musicista è quello fin dall'inizio passaggi creativi basato sulla tradizione opera nazionale e difendere identità nazionale, ha seguito la strada dell'innovazione, lungo il cammino di un'instancabile ricerca della drammatica verità.