Temi biblici nelle arti visive. Caratteristiche dell'insegnamento agli scolari secondo il programma di B. Nemensky “Belle arti e lavoro artistico. M. Nemensky “Belle arti e lavoro artistico”

Compiti a casa:

preparare e portare colori e pennelli per completare il disegno a colori;

facoltativo: preparare un saggio su un'icona o un dipinto su un tema biblico

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Lo scopo della lezione: conoscenza dell'essenza sostanziale delle storie bibliche nelle belle arti come base fondamentale per la formazione dei valori spirituali.

Obiettivi della lezione:

Metasoggetto

sviluppare la capacità di analizzare le storie bibliche attraverso il prisma della percezione storia moderna.

Personale

coltivare la capacità di affrontare le attività della propria vita valori più alti, incorporato nelle storie bibliche.

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Metodi di lezione:

metodo di integrità -(mirato a isolare lezioni generalizzate, il cui compito non è solo la ripetizione, ma la creazione di integrità, unità di quanto studiato nel trimestre).

metodo di unità di percezione e creazione -(visione, ascolto, attività pratiche).

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Campo visivo:

presentazione dell'autore "Temi biblici nelle belle arti" contenente illustrazioni di grandi artisti, film corto“Santissima Theotokos, salvaci”, disegni per bambini, libri (per ogni scrivania): “Nozioni di base della composizione”.

Serie musicale: “Santissima Theotokos, salvaci”
Attrezzatura per le lezioni: lavagna interattiva, proiettore multimediale, matite, carta, acquerello, tempera, pennelli.

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DRAMMATURGIA

/Elementi strutturanti della lezione/

Introduzione (aggiornamento delle conoscenze, risoluzione del problema della lezione) - 8 min.

Climax (uscita sull'argomento della lezione) - 10 min.

Disaccoppiamento (fare lavoro indipendente) - 20 min.

Epilogo (riassumendo la lezione) - 5 min.

Conseguenze (spiegare i compiti) - 2 min.

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Criteri per valutare l'attività degli studenti nella lezione:

La disponibilità dello studente a collaborare con l'insegnante.

Attitudine alle attività educative e creative.

Significato individuale e sociale dei risultati e del prodotto arti visive(la capacità di analizzare il lavoro e valutarlo).

CRAVATTA

Il compito è una soluzione al problema della lezione. Viene effettuato creando una situazione di stato emotivo. Per aggiungere un'atmosfera emotiva alla lezione, viene riprodotta la musica "Santissima Theotokos, salvaci". Dopo che i bambini entrano in classe, il volume del suono viene ridotto.

Quindi, sotto forma di dialogo, si tiene una conversazione volta ad attivare l'attività cognitiva dei bambini e l'accento è posto sull'esperienza soggettiva esistente degli studenti.

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Insegnante: Ragazzi! Per molti secoli la Bibbia ha attirato l'attenzione dell'umanità. I più grandi artisti, poeti, scrittori, registi del mondo continuano ancora oggi a trarne temi per le loro creazioni.

Nella lezione di oggi parleremo di temi biblici nella pittura e dovrai raffigurarli di più storia interessante dalla Bibbia.

Ma prima faremo conoscenza con la creatività pittori famosi e faremo, per così dire, un'escursione virtuale (come si dice adesso) attraverso le gallerie d'arte del mondo per verificare ancora una volta l'incorruttibilità di questo straordinario libro, e allo stesso tempo ripetere alcune delle sue trame.

Sai già che le persone leggono la Bibbia fin dai tempi antichi. Non solo ha ispirato il lavoro del contadino, ma ha anche ispirato scrittori, compositori, scultori e artisti. Senza conoscere la Bibbia, non sempre capirai tutto nell'arte dei secoli passati.

“Esperti d'arte” ci aiuteranno a portare a termine i compiti del viaggio, e ognuno di voi potrà diventare “esperto” della Bibbia.

Iniziamo la nostra conoscenza con il mondo della pittura con la pittura di icone.

Davanti a te c'è l'icona russa più antica, la più venerata nella Rus'.

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Insegnante:

In una delle sale Galleria Tretyakovè appesa una delle icone più famose e celebrate al mondo: “La Trinità”, dipinta da Andrei Rublev nel primo quarto del XV secolo. Tre angeli si radunarono attorno al tavolo su cui si trovava la coppa sacrificale per una conversazione tranquilla e senza fretta. I contorni e le pieghe dei loro vestiti sono fragili e senza peso, l'armonia dei colori blu, blu fiordaliso, verde tenue e giallo dorato è pura.

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Insegnante:

Davanti a te c'è l'“Icona Vladimir” Madre di Dio"è stato scritto dall'evangelista Luca.

Lettura della poesia di M. A. Voloshin “Nostra Signora di Vladimir” (estratto).

Non sul trono - sulla Sua mano,

Con la mano sinistra, abbracciandoti il ​​collo, -

Occhio a occhio, guancia a guancia,

Richiede incessantemente... Sono senza parole -

Non ci sono forze, né parole sulla lingua...

Ed è preoccupata e triste

Guardando attraverso le onde del futuro

Nelle luminose distanze del mondo,

Dove il tramonto è pieno di fuochi.

E una tale triste eccitazione

Con lineamenti puri da ragazzina, quel Volto

Nella fiamma della preghiera in ogni momento

Come una persona vivente cambia la sua espressione.

Cosa ha affascinato il poeta con l'immagine della Madre di Dio? Cosa sottolinea nel suo aspetto? Che cosa ti senti? Qual è l'essenza della sua immagine?

Risposta alle domande poste:

Il tipo di icona – “Tenerezza” – è uno dei principali tipi di rappresentazione della Madre di Dio nella pittura di icone russa. La Madre di Dio è raffigurata con il Bambino Cristo seduto sulla sua mano e che preme la sua guancia contro la sua guancia. Sulle icone della Madre di Dio non c'è distanza tra Maria (il simbolo e l'ideale del genere umano) e Dio Figlio, il loro amore è illimitato. L’icona simboleggia il sacrificio di Cristo Salvatore sulla croce come la più alta espressione dell’amore di Dio per le persone. Il tipo "Tenerezza" include le icone della Madre di Dio Vladimir, Donskaya, Yaroslavl e altri.

Insegnante:

La Vergine Maria col Bambino è uno dei temi più interessanti nelle opere di molti artisti in tutto il mondo. Nelle loro numerose Madonne incarnavano la loro idea di bellezza femminile terrena. Ma allo stesso tempo, sulle loro tele hanno mostrato la Madre di Dio con il bambino Gesù.

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Insegnante:

Idee sugli ideali più brillanti e sublimi bellezza femminile, ha incarnato l'immagine di sua madre nel suo dipinto “ Madonna Sistina"Il grande artista Raffaello. Il contenuto principale di questa immagine è il tema del luminoso amore materno.

Va ad ascoltare le lodi,

Rivestito di bontà nell'umiltà,

Come una visione celeste

Mostrarmi sulla terra...

VA Zhukovsky.

Il mondo della “Madonna Sistina” è insolitamente complesso, anche se, a prima vista, nulla nella foto fa presagire guai. Eppure, lo spettatore è perseguitato da una sensazione di ansia imminente. La “Madonna Sistina” è entrata da tempo nella nostra coscienza come simbolo dell'amore sacrificale in nome della salvezza dell'umanità. Un coro di angeli dalla voce dolce canta, riempiendo il cielo (sullo sfondo della tela) e lodando Maria. Sisto inginocchiato non distoglie lo sguardo estasiato dalla Madre di Dio, e Santa Barbara abbassò umilmente gli occhi. Sembra che nulla minacci la pace di Maria e di suo figlio. La composizione stupisce per la sua maestosa monumentalità e la sua geniale semplicità. Maria scende lentamente a terra... Ha appena fatto un passo verso le persone. Lo sguardo di Maria è radioso, i suoi occhi sono spalancati e aperti con fiducia. Brillano di tenerezza e gentilezza. Madonna tiene in braccio un bambino, la cosa più preziosa che ha a questo mondo. Lo porta alla gente, sapendo benissimo quale tragico destino gli è in serbo.

Diapositiva: 12 Insegnante: « Madonna Beneit" Leonardo Da Vinci. (Ermitage) Questo dipinto ha un secondo nome: “Madonna con un fiore”. Questo dipinto ha ricevuto il nome “Madonna Benois” dal nome della sua ultima proprietaria, Maria. Aleksandrovna Benois(figlia di un commerciante di Astrakhan Sapozhnikov L.P.), che lo vendette all'Hermitage nel 1914. Questa non è la normale donna fiorentina raffigurata nel dipinto. In primo luogo, sopra le teste della madre e del bambino ci sono degli aloni - simboli di santità; in secondo luogo, nell'immagine l'autore utilizza un quadruplice incrocio: le gambe della madre e del bambino, le loro mani, le loro vedute e il fiore - un fiore crocifero, da cui è attratto il bambino - un simbolo del tormento di Cristo sulla croce. L'immagine è percepita come una scena semplice e spontanea della gioiosa maternità della giovane Maria. Due grandi figure riempiono l'intero spazio del quadro; solo fuori dalla finestra, nel muro scuro, si vede chiaramente il freddo cielo blu. Viene catturato un momento specifico: la madre, lei stessa ancora una ragazza affettuosa e vivace, porge un fiore al bambino, sorridendo, e osserva come il bambino serio esamina attentamente l'oggetto sconosciuto. Il fiore collega tra loro le due figure. Leonardo sperimentò molto alla ricerca di diverse composizioni pittoriche e fu uno dei primi in Italia a passare dalla tempera alla pittura ad olio. "Madonna con un fiore" eseguita proprio in questa, allora tecnologia rara.

Diapositiva: 13 Insegnante: In ogni secolo ci sono artisti che non solo hanno capito veramente l'arte, ma sono anche riusciti a proiettare questa comprensione nel tempo e nella società: Giotto, Raffaello, Leonardo da Vinci, Botticelli, Rembrandt e molti altri grandi artisti - questa è la cosa principale che li unisce .

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Insegnante:

Sullo schermo Eremo di Stato C'è un dipinto di piccole dimensioni di Rembrandt su un soggetto biblico tradizionale: “L'Adorazione dei Magi.

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Insegnante:

Dipinto dell'artista Giotto di Bondone “Adorazione dei Magi” (1304-1306). Padova. Cappella degli Scrovegni.

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Insegnante:

Dipinto dell'artista Raffaello Santi “Adorazione dei Magi” 1502-1503. Vaticano, Pinacoteca.

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Insegnante:

Il dipinto di Rembrandt "L'Adorazione dei Magi".

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Insegnante:

Dipinto dell’artista Leonardo da Vinci “Adorazione dei Magi” (1472-1477 ).

Uno dei dipinti più apprezzati sul tema natalizio. Leonardo non l'ha finito. "Adorazione dei Magi" - traguardo importante per il Rinascimento, praticamente una svolta. Perché? Il fatto è che Leonardo da Vinci ha utilizzato qui tecniche che consentono allo spettatore di provare un senso di presenza, di sentirsi come se fosse tra i Magi.

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Insegnante:

Il dipinto “L’Adorazione dei Magi” è indicativo dell’opera di Botticelli. Galleria degli Uffizi, Firenze. Intorno al 1475. Legno, tempera. 111x134.

A prima vista non differisce dalle opere di altri artisti sullo stesso argomento. Forse qui c’è solo più solennità e festività, caratteristiche dello stile di Botticelli. La luce diffusa gli permette di modellare sottilmente i volumi, calma la luminosità degli abiti e solo occasionalmente lampeggia con riflessi luminosi su oggetti metallici e ricami dorati. I volti e le figure dei personaggi sono dipinti in modo sorprendentemente fine. Ma se guardi da vicino l'immagine, sorge spontanea la domanda: perché l'artista ha cercato così chiaramente di attirare l'attenzione sulle singole figure? Perché lo ha raffigurato in primo piano? giovanotto, appoggiato ad una spada, fuori luogo nella scena dell'Adorazione? Se consideriamo la struttura della composizione, diventa chiaro che è costruita a forma di triangolo e il suo apice è il gruppo di Maria e il bambino. Ma nello spazio poco profondo del quadro, racchiuso da una roccia e dai resti di muri, lo sguardo dello spettatore si trasferisce dalle piccole figure centrali a un gruppo di saggi magnificamente vestiti. Pertanto, il centro semantico della composizione viene spostato e la trama principale viene relegata in secondo piano.

Riflessione(confronto)

Insegnante: Ora ti mostrerò i dipinti di grandi artisti e tu pensi e dimmi, questi dipinti hanno un significato comune?

Rispondi a ha fatto una domanda:

Tutti questi artisti si sono rivolti a soggetti gospel nel loro lavoro. Come esempio "Adorazione dei Magi"- uno dei soggetti importanti e spesso raffigurati nell'arte cristiana.

Insegnante:

Qual è la differenza tra un'icona e un dipinto?

Risposta alla domanda posta:

Il dipinto è caratterizzato da un'individualità chiaramente espressa dell'autore, un modo pittorico unico, tecniche compositive specifiche, caratteristiche combinazione di colori.

Icona- una rivelazione di Dio, espressa nel linguaggio delle linee e dei colori, che è donata a tutta la Chiesa, e ad un individuo. La visione del mondo del pittore di icone è la visione del mondo della Chiesa. Un'icona è senza tempo, è un simbolo dell'alterità nel nostro mondo. La paternità del pittore di icone è deliberatamente nascosta, poiché l'icona è una creazione della cattedrale; La pittura di icone non è espressione di sé e il servizio e le emozioni personali non dovrebbero aver luogo.

Un dipinto è un mezzo per comunicare con l'autore, con le sue idee ed esperienze, che possono essere puramente individuali o esprimere sentimenti pubblici caratteristici. Un'icona è un mezzo di comunicazione con Dio e i suoi santi.
- Quindi, la prima differenza. L'icona è caratterizzata da un'accentuata convenzionalità dell'immagine. Non è tanto l'oggetto in sé ad essere raffigurato quanto l'idea dell'oggetto; tutto è soggetto a divulgazione significato interiore. Da qui le proporzioni “deformate”, solitamente allungate delle figure.

La seconda differenza tra lo stile di un'icona e un dipinto realistico è il principio di rappresentazione dello spazio. L'immagine è costruita secondo le leggi della prospettiva diretta.

(basato sul dipinto “L’Adorazione dei Magi” dell’artista Leonardo soluzione compositiva dipinti).

Quindi, il gruppo centrale è racchiuso in un triangolo, il cui vertice è il punto di intersezione delle diagonali del quadrato. Leonardo ridusse la soluzione spaziale del primo piano ad una forma piramidale. E qui l'artista ha dovuto affrontare il seguente problema: in relazione alle figure inginocchiate dei Magi sul bordo dell'immagine, Maria e il bambino si trovano più in profondità nello spazio. Secondo le leggi della contrazione prospettica, la Madonna col Bambino dovrebbe essere meno cifre Magi. Ma ciò porterebbe alla perdita di significato del centro semantico della composizione, come avvenne nell’“Adorazione” di Botticelli. È impossibile ridurre la distanza tra i personaggi, altrimenti le figure inginocchiate rimarrebbero anguste nello spazio assegnato.
Leonardo ricorse ad una soluzione inaspettata. Per preservare la monumentalità del gruppo centrale di Maria e del Bambino, l'artista li dipinse più grandi dei Magi. In questo modo ha raggiunto la percezione più completa del gruppo in primo piano e allo stesso tempo una lettura chiara di ciascuno figura separata. Risolvendo questo problema, Leonardo applicò i risultati delle sue ricerche alla binocularità della visione umana, cioè alla capacità di percepire immagini con due occhi contemporaneamente. Queste tecniche, nuove a quel tempo, erano usate con tanta delicatezza che la scena sembrava del tutto naturale e le violazioni proporzionali in essa contenute non erano così evidenti.

CLIMAX

Risultati sull'argomento della lezione, metodi utilizzati: connessioni tra arte e vita, comunicazione con l'arte vivente, motivazione dell'attività cognitiva.

Insegnante: Ora mettiti al lavoro, ma tieni presente che devi completare il tuo lavoro secondo i seguenti criteri:

(Riepilogo della lezione e analisi delle attività dei bambini nella lezione su

seguenti criteri).

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Criteri di valutazione disegno per bambini:

L'atteggiamento del bambino nei confronti della lezione.

Disposizione compositiva del progetto raffigurato sul foglio. L'emergere di un'idea. Trovare una soluzione (schizzi, schizzi).

Abilità (attraverso la familiarità con i dipinti degli artisti) nel creare una trama su un tema biblico.

La qualità dei prodotti per bambini è la spontaneità, l'idea.

INTERCHIUSURA

Lavoro indipendente degli studenti - 20 minuti.

Crea uno schizzo di una composizione basata su temi biblici:

Adorazione dei Magi

Immagine della Madre di Dio

Gli studenti si mettono al lavoro. Camminando tra i filari fornisco l'assistenza necessaria, avvertendo possibili errori per coloro che non riescono affatto a far fronte al compito. I ragazzi lavorano utilizzando il libro di testo “Fondamenti di composizione”.

Vengono utilizzati metodi: attivazione delle conoscenze esistenti sulle arti decorative e applicate, motivazione dell'attività cognitiva, connessione dell'arte con la vita, traduzione dell'argomento studiato in nuovo livello.

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Incarico di lavoro autonomo

fare uno schizzo su un foglio di quaderno;

trasferire lo schizzo sul foglio;

chiarire la composizione.

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Schizzi approssimativi composizioni su temi biblici

EPILOGO

Uscita per la valutazione e l'autovalutazione della fase di lavoro completata

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Riflessione

5 minuti prima della fine della lezione, ai bambini è stato chiesto di utilizzare i criteri presentati per valutare il lavoro educativo e creativo svolto, di tenere una mini-mostra di tutti i lavori risultanti e di analizzare e valutare questi lavori in base all'implementazione dei fasi e la loro sequenza.

Stiamo tenendo una mini mostra nella fase intermedia perché nella prossima lezione completeremo il lavoro sulla storia biblica a colori.

Vengono utilizzati metodi per stimolare un'adeguata autostima.

(2 minuti rimasti alla fine della lezione).

EPILOGO – erogazione e analisi dei compiti.

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Compiti a casa:

preparare e portare colori e pennelli per completare il disegno a colori;

facoltativo - preparare un saggio su un'icona o un dipinto su un tema biblico;

Nella prossima lezione completeremo il lavoro sul racconto biblico a colori.

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Qualcosa del genere, nella prossima lezione, dovrebbe essere completato opere creative studenti.

La lezione si conclude con un cortometraggio musicale “Santissima Theotokos, salvaci”.

Scene bibliche nella pittura

Completato da uno studente di 6a elementare

palestra n. 587

Nikitin A.A.

San Pietroburgo

Da duemila anni il mondo intero è cresciuto con fiabe e leggende, canti e parabole tratte dalla Bibbia.

La Bibbia ci è giunta attraverso i secoli. L'hanno bandita e bruciata, ma è sopravvissuta. Ci sono voluti 18 secoli per compilare la Bibbia. Ci hanno lavorato più di 30 autori. Sono stati scritti 66 libri della Bibbia lingue differenti persone vissute in tempi diversi.

Grandi artisti del mondo hanno raffigurato scene bibliche nei loro dipinti.

Nella storia delle belle arti dei secoli passati, il geniale artista olandese Rembrandt, forse più di chiunque altro, è stato in grado di commuovere in modo profondo e rivelare in modo veritiero l'inesauribile ricchezza del mondo interiore dell'uomo.

I pittori olandesi furono i primi a vedere una persona così com'è nella vita e rifletterono nell'arte vari aspetti della sua esistenza quotidiana. Alcuni di loro si sono avvicinati alla soluzione di un compito più complesso: riflettere la bellezza e il significato del mondo spirituale di una persona comune

Sembrerebbe che, rivolgendosi a temi biblici ed evangelici, Rembrandt si allontani dalla rappresentazione della società del suo tempo. In effetti, il suo biblico e eroi del Vangelo per molti versi ricorda il suo contemporaneo persone normali, attirando invariabilmente la simpatia dell'artista. Nella sua mente, gli eroi biblici fungono da vivide personificazioni del bello qualità umane. L'artista vede in loro grandezza spirituale, integrità interiore, severa semplicità e grande nobiltà. Non assomigliano affatto ai borghesi meschini e soddisfatti di sé dei suoi contemporanei. Le vere passioni umane si riflettono sempre più nelle tele dell'artista, sempre più spesso il dramma teatrale, un evento “terribile” sarà sostituito dal vero dramma della vita.

Queste nuove caratteristiche appaiono chiaramente nel dipinto dell’Ermitage “La Deposizione dalla Croce”, dipinto nel 1634.

Notte. Silenzio lamentoso Una folla silenziosa di persone circondava l'enorme croce su cui Cristo fu crocifisso. Sono venuti sul Golgota per rendere l'ultimo omaggio al loro maestro. Alla fredda luce delle torce, viene deposto il suo corpo morto dalla croce.

Uno degli uomini, salendo la scala, tira fuori i chiodi con l'aiuto dei quali Cristo fu crocifisso sulla traversa; altri prendono tra le braccia il suo corpo scivolante; le donne preparano un letto per i resti stendendo a terra un grande panno pesante. Tutto si svolge lentamente, in un silenzio rispettoso e triste. Le esperienze dei presenti sono diverse: alcuni volti esprimono amara disperazione, altri esprimono coraggioso dolore, altri esprimono reverente orrore, ma ciascuna delle persone presenti è profondamente permeata del significato dell'evento. . Il dolore del vecchio che accetta Cristo morto è sconfinato. Lo tiene con notevole sforzo, ma con molta attenzione, cautela, toccando in modo toccante il corpo senza vita con la guancia. Maria è esausta dal dolore. Non riesce a reggersi in piedi, perde conoscenza, cade tra le braccia delle persone che la circondavano con cura. Il suo viso emaciato era mortalmente pallido, le sue palpebre erano chiuse, la sua mano indebolita, tesa in avanti, si abbassava impotente.

L'immagine cattura con profonda penetrazione, verità della vita. Solo l'esagerazione di alcuni movimenti e gesti ci ricorda gli hobby barocchi di Rembrandt.

Nel corso degli anni '40 Rembrandt affrontò più volte il tema della sacra famiglia. Una delle migliori soluzioni a questo tema è il dipinto dell’Ermitage “La Sacra Famiglia”, realizzato dall’artista nel 1645. La scena gospel offre allo spettatore molte associazioni con la vita popolare quotidiana contemporanea a Rembrandt. Il silenzio e la pace sono disturbati solo dai rumori abituali della vita domestica. Il legno che brucia scoppietta e si sente il suono silenzioso e monotono dell'ascia di un falegname. La stanza è avvolta in una dolce penombra; La luce si riversa dolcemente da diverse fonti, scivolando tremante sul volto di Maria, illuminando la culla, conferendo all'immagine un tocco di spiritualità. Il bambino si mosse leggermente e la donna obbedì in modo sottile istinto materno, si stacca dal rapporto, solleva la tenda e guarda il bambino con preoccupazione. Lei è la vera sensibilità, la vera prontezza. In sostanza, la grande umanità e pienezza dell'immagine si creano con un solo sguardo. La luminosa sublimità del momento catturato si riflette anche nel fatto che gli angeli scendono silenziosamente dalla madre e dal ragazzo.

Nel 1660 Rembrandt creò il famoso dipinto “Assur, Haman ed Ester”. La trama del film era basata su un mito biblico noto come “La festa di Ester”. Haman, il primo visir e amico del re persiano Assur, calunniò crudelmente gli ebrei davanti al re, sperando di ottenere il loro sterminio. Allora la regina Ester, venuta dalla Giudea, difese il suo popolo. Dopo aver invitato Assur e Haman alla festa, raccontò della calunnia del visir e il volto traditore dell'uomo che considerava suo amico fu rivelato al re.

L'artista raffigura il momento della festa in cui Ester finì il racconto e regnava un silenzio profondo e doloroso. Triste occhi stupendi regina. Senza guardarsi le mani, Esther spiegazza meccanicamente il fazzoletto. È ancora completamente in balia di ciò che ha vissuto. Le era penosamente difficile pronunciare parole di rimprovero; come il re, credeva al visir e lo trattava come un amico. Assur rimase scioccato da ciò che sentì e amaramente deluso. Il suo grandi occhi riempito di lacrime. Allo stesso tempo, in lui si risveglia una nobile rabbia e stringe con forza lo scettro.

Haman è raffigurato nell'ombra profonda e da solo. Un abisso invisibile lo separava dal re e dalla regina, la coscienza della sventura lo opprime come un peso insopportabile: siede curvo, a testa bassa, con gli occhi chiusi; la mano che tiene la coppa giace impotente sul tavolo, non è oppresso nemmeno dalla paura della morte, ma dalla grave coscienza della solitudine morale. Capisce che Assur ed Esther non lo perdoneranno mai, non importa quanto sia difficile per loro condannare il loro amico.

Se nei dipinti dedicati alla storia di Haman, il risultato del conflitto è una condanna inconciliabile, non importa quanto possa essere difficile per coloro che emettono la sentenza, allora vengono raccontati il ​​perdono umano e il profondo pentimento di una persona che ha commesso un amaro errore. opera famosa Rembrandt “Il ritorno del figliol prodigo” L'opera fu scritta da Rembrandt nell'anno della sua morte. Dimenticato dai suoi contemporanei, completamente solo, crea la sua ultima geniale creazione.

Ancora una volta una grande tragedia umana. Dopo lunghi vagabondaggi in un mondo ostile e scomodo, il figliol prodigo si rivolge al padre abbandonato con una richiesta di perdono. Pieno di vergogna e pentimento, è in ginocchio, cencioso, con la testa rasata da galeotto, sandali calpestati, mostrando allo spettatore i suoi tacchi ruvidi. Per la prima volta in molti anni, sentendo il calore dell'affetto umano, si aggrappò a suo padre, nascose il viso nel suo petto, cercando di perdersi tra le sue braccia. Il vecchio non esprime né sorpresa né indignazione; Ha perdonato suo figlio molto tempo fa e aspettava questo incontro da molto tempo. Nello sguardo dei suoi occhi bassi si può leggere sia il silenzioso rimprovero che la dolorosa umiltà. Si chinò dolcemente su suo figlio, posandogli le mani deboli e senili sulla schiena. Ancora una volta Rembrandt incarna la sua idea secondo cui le dure prove del destino uniscono le persone. Al di sopra delle delusioni, degli insulti e della vanità ci sono l’amore, la fiducia e la comprensione reciproca.

Tuttavia, in questo incontro c’è più dolore che gioia: tragico errore suo figlio ha lasciato un segno troppo profondo nella vita di entrambi. Non solo il figlio è distrutto, ma anche il padre. Basta prestare attenzione all'espressione del viso, alla testa tristemente chinata, alla figura curva, alle spalle senili cadenti per sentirlo

"Il ritorno del figliol prodigo" è, per così dire, il risultato dei saggi pensieri di Rembrandt sul mondo e sulle persone. Il suo atteggiamento pessimistico nei confronti della realtà negli ultimi anni della sua vita, da un lato, e la sua ininterrotta fiducia nell'uomo e nella sua altezza morale, dall'altro, risuonano con uguale forza in ultimo lavoro artista geniale.

Ci sono poche personalità nella storia dell'arte tanto misteriose e controverse quanto Bruegel. Non scrisse articoli né trattati, non lasciò corrispondenza e, ad eccezione di due o tre persone di mentalità chiusa, non conosceva amici. Bruegel non ha lasciato ritratti di sua moglie, dei suoi figli o dei suoi amici. Si ritiene che a volte si sia ritratto tra i suoi stessi personaggi, ma non ci sono prove di ciò. I suoi ritratti, incisi dai suoi amici, non si somigliano tra loro.

L’idea rinascimentale dell’importanza della personalità umana non rientrava nei concetti artistici di Bruegel. Nei suoi disegni e dipinti spesso nasconde del tutto i volti, privando le figure di ogni individualità. Una tendenza simile può essere vista nella rappresentazione dei personaggi biblici. Li sposta da qualche parte di lato, nascondendoli tra la gente comune. È così che vediamo Maria e il Signore nella piazza del paese, Giovanni Battista con Cristo tra la folla di persone, e l '"Adorazione dei Magi" è generalmente nascosta dietro una cortina di nevicata.

L'uomo di Bruegel ha libertà di scelta e si assume la responsabilità delle proprie disgrazie. Una persona è costretta a fare costantemente la scelta tra il bene e il male, tra la fede e l'incredulità, per tutta la sua vita, proprio come i suoi antenati sono stati costretti a fare questa scelta, come fanno molte altre persone oggi. Da qui - un'altra caratteristica delle opere di Bruegel, che le rende simili alle icone, ma che si trova molto raramente nell'arte moderna - la combinazione di strati temporali e spaziali. In dipinti come “Processione al Calvario”, “Censimento a Betlemme”, “Strage degli Innocenti”, “Predica di Giovanni Battista”, “Conversione di Paolo”, “Natività”, l’incisione “Assunzione della Madonna”, personaggi biblici sono presenti tra i contemporanei di Bruegel nella loro vita quotidiana. vita normale, scene bibliche si svolgono sullo sfondo dei paesaggi urbani e rurali fiamminghi: ad esempio, la figura del Salvatore piegato sotto il peso della croce si perde quasi tra le tante altre impressioni di qualsiasi persona raffigurata nel dipinto, e queste persone fanno la loro scelta morale, senza rendersi conto che vedono Dio davanti a loro.

Gli anni della maturità creativa di Bruegel trascorrono durante un periodo di aggravamento delle contraddizioni tra i Paesi Bassi e la monarchia di Filippo II, nelle condizioni di una situazione rivoluzionaria in minacciosa crescita.Il movimento antifeudale si fonde con la lotta di liberazione nazionale contro il dominio della Spagna . Nel 1561-1562, Bruegel creò dipinti uniti da una premonizione di imminenti cataclismi storici, "Il trionfo della morte" (Madrid), "La caduta degli angeli ribelli" (Bruxelles), "La pazza Greta", "La battaglia degli israeliti" con i Filistei”.

Durante la sua vita, Bruegel risiedeva in due città molto ricche: prima Anversa e poi Bruxelles.

Il tasso di crescita di Anversa fu uguale a quello dell'Europa; divenne il nuovo centro finanziario ed economico del mondo occidentale. In questa città “bazar” con il più grande porto marittimo vivevano circa mille stranieri e venivano trattati con sospetto. In una situazione in cui le persone non erano unite né dalla fede né da un’unica chiesa, quando cattolici, protestanti, luterani e anabattisti vivevano nello stesso quartiere, cresceva un sentimento generale di insicurezza e ansia. È così che si è formata una “società multiculturale”, dove sono sorti problemi di comunicazione particolarmente acuti, principalmente per motivi religiosi.

Anversa era un simbolo di pace. Una torre che proietta la sua ombra – contrariamente a tutte le leggi della natura – non sulla terra, ma sul cielo.

Bruegel dipinse La Torre di Babele almeno tre volte. Sono sopravvissute la Torre di Babele (1563) e la Torre “Piccola”. Torre di Babele(c.1563). La gigantesca struttura è stata catturata due volte. Mai prima d'ora gli artisti sono stati in grado di trasmettere in modo così vivido le dimensioni mostruose della torre, la portata della costruzione, superando tutto ciò che era precedentemente noto all'uomo.

Nelle opere successive di Bruegel l'atmosfera di riflessione pessimistica si approfondisce. Nel famoso “I Ciechi” (1568), la parabola evangelica viene utilizzata per incarnare l’idea di un’umanità cieca, che ha perso la volontà di combattere e segue passivamente il destino. Il leader, guidando la catena di storpi ciechi, cade, gli altri, inciampando, lo seguono incontrollabilmente; i loro gesti impotenti sono convulsi, l'impronta di passioni e vizi distruttivi appare nettamente sui loro volti, congelati dall'orrore, trasformandoli in maschere mortali. Il ritmo intermittente e irregolare del movimento delle figure sviluppa il tema della morte imminente. Tuttavia, come prima, la natura serenamente armoniosa dello sfondo appare come un'alternativa contrastante alla vanità umana, con la sua pace idilliaca come se suggerisse una via d'uscita dalla tragica impasse.

I dipinti di Caravaggio (1573-1610) suscitarono accesi dibattiti, poiché colpivano per la loro insolita. Anche il carattere di questo artista era straordinario: sfacciato, beffardo, arrogante.

Tra i dipinti di Caravaggio non ci sono scene festive - come "L'Annunciazione", "Fidanzamento", "Introduzione al tempio", che tanto amavano i maestri del Rinascimento. È attratto dai temi tragici. Sulle sue tele le persone soffrono e sperimentano crudeli torture. Caravaggio osservò queste difficoltà della vita. Nel dipinto "La Crocifissione di San Pietro" vediamo l'esecuzione dell'apostolo, che fu crocifisso sulla croce a testa in giù. "La Conversione di Saulo" mostra la spietata persecuzione dei cristiani, la loro morte sotto il tallone di un cavallo e Il momento di intuizione di Saulo. Sulla strada per Damasco, fu improvvisamente accecato da un raggio celeste e, cadendo da cavallo, udì la voce di Cristo: "Saulo, perché mi perseguiti?" Dopo la sua epifania, Saulo diventa uno dei discepoli più devoti di Cristo: l'apostolo Paolo.

Caravaggio presenta la scena della “Deposizione” come un dramma popolare. Il corpo senza vita di Cristo è sostenuto con cura dai discepoli. La mano congelata del Salvatore pende dalla lapide sopra lo spazio nero della tomba.

Nei dipinti di Caravaggio storie del Vangelo colpisce l'aspetto quotidiano dei personaggi, nelle scene gospel mostra la vita gente comune. I contemporanei di Caravaggio testimoniano: disprezzava tutto ciò che non era copiato dalla vita e l'artista chiamava tali dipinti ninnoli, cose per bambini e bambole.

La pittura di icone apparve nella Rus' nel X secolo, dopo che nel 988 la Rus' adottò la religione bizantina: il cristianesimo. A questo punto, nella stessa Bisanzio, la pittura di icone si era finalmente trasformata in un sistema canonico di immagini rigorosamente legalizzato e riconosciuto. Il culto dell'icona è diventato parte integrante della dottrina e del culto cristiano. Pertanto, la Rus' ha ricevuto l'icona come uno dei “fondamenti” della nuova religione.

Per secoli le icone sono state gli unici oggetti di pittura nella Rus'. Attraverso di loro la gente comune venne introdotta all'arte.

Raffiguranti eventi della vita di Cristo, Maria, gli apostoli, pittori di icone

Hanno trovato motivazioni che hanno toccato l'anima di ogni persona, hanno cercato di esprimere le proprie idee sul bene e sul male.

Seguì il pittore di icone nel suo lavoro certe regole Ad esempio, non è riuscito a inventare la trama da solo. Ma questo non significa che il pittore sia stato privato dell'opportunità di creare. Poteva aggiungere alcuni dettagli, “leggere” la trama della chiesa a modo suo e scegliere combinazioni di colori. Da questi dettagli si può distinguere lo stile di Andrei Rublev dallo stile di Teofane il Greco o Dionisio.

La questione se questa o quell'opera appartenga a Rublev è ora oggetto di vivaci discussioni scientifiche. L'unica opera affidabile dell'artista è l'icona della Trinità. Tutte le altre opere sono più o meno probabilmente attribuite al celebre maestro.

Secondo la dottrina cristiana, Dio, essendo uno essenzialmente, è triplice nelle persone: la prima persona della Trinità è Dio Padre, che ha creato il cielo e la terra, tutto ciò che è visibile e invisibile. La sua seconda persona è Dio Figlio, Gesù Cristo, che prese forma umana e discese dal cielo sulla terra per la salvezza delle persone. La terza persona è Dio Spirito Santo, che dà vita a tutte le cose. È incomprensibile alla mente umana come si esista in tre persone, quindi la dottrina della Trinità è uno dei principi fondamentali delle religioni cristiane e come tale è oggetto di fede, ma non soggetto di comprensione.

Il vero aspetto della divinità è sconosciuto all'uomo: "nessuno ha visto Dio" (Giovanni 1:18), tuttavia, a volte, come dice la tradizione cristiana, Dio è apparso alle persone, assumendo una forma accessibile all'uomo. La prima persona a vedere Dio fu il vecchio e giusto Abramo. Dio gli apparve sotto forma di tre angeli. Abramo intuì che, sotto le sembianze di tre sconosciuti, assumesse i tre volti della Trinità. Pieno di gioia, li fece sedere all'ombra della quercia Mamre, ordinò a sua moglie Sarah di cuocere il pane azzimo con la farina migliore e ordinò al servo di macellare il tenero vitello.

È stata questa storia biblica a costituire la base per l'iconografia della Trinità. È raffigurata come tre angeli con bastoni erranti in mano. Gli angeli siedono solennemente a una tavola imbandita di piatti. In lontananza si vedono le Camere di Abramo e la leggendaria Quercia di Mamre. Il pio Abramo e Sara offrono ristoro agli stranieri alati.

Vikon Rublev è colpito dalla straordinaria semplicità, dalla “laconicità” con cui viene riprodotto l'evento biblico. Dalla storia dell'Antico Testamento, l'artista ha scelto solo quei dettagli che danno un'idea di dove e come si è svolta l'azione: la montagna (simbolo del deserto), le camere di Abramo e la quercia di Mamre. È vano cercare tanta audacia nell'avvicinarsi al testo sacro nelle icone precedenti dell'antica pittura russa, che in precedenza seguiva il testo sacro senza ragionamento, ponendosi il compito di dare un'immagine visibile di tutto ciò di cui parlano la Bibbia e il Vangelo. , nella persona di Rublev, trascurò la lettera della Sacra Scrittura e cercò di rivelarla significato filosofico. Da arte illustrativa, la pittura di icone si è trasformata in arte cognitiva.

In Russia nei secoli XIV-XV, la dottrina di una divinità trinitaria, che rappresenta "una forza, un potere, un dominio", divenne un simbolo religioso dell'unità politica del paese. Non è un caso che il motto di Mosca all’inizio del secolo fosse: “Viviamo nella Trinità, ci muoviamo e siamo”. Della stessa idea è intrisa anche la “Trinità” di Rublev, che è diventata, per così dire, un simbolo morale della nuova Rus'.

Quindi, nonostante ciò storie della Bibbia raccontano giorni passati, gli artisti si rivolgono a loro per riflettere la realtà contemporanea attraverso trame conosciute.

Elenco della letteratura utilizzata:

1.

Rose-Marie Hagen R. “Pieter Bruegel il Vecchio”. – “Primavera d’arte”, 2000

2.

Andronov S.A. “Rembrandt. DI essenza sociale artista" - Mosca, "Conoscenza" 1978

3.

Platonova N.I. “Enciclopedia dell'arte” - “Rosman-Press”, 2002

Rappresenta un dipinto su temi religiosi immagine artistica, creato dall'immaginazione dell'artista ed è una forma di trasmissione della propria visione del mondo. Il sentimento del mondo a sua volta, dipende da ragioni oggettive, situazione storica, sistema politico, sul tipo e il carattere della personalità dell'artista, sul suo stile di vita.

Raffaele Santi "Madonna Sistina"

Tutto artisti eccezionali sapevano sentire ciò che preoccupava i loro contemporanei e, rifrangendo attraverso se stessi il nervo sociale dell'epoca, lasciarono sulla tela un'immagine artistica concentrata del loro tempo.

Pietro Perugino "Il Battesimo di Gesù", 1482

Un'icona è una rivelazione di Dio espressa nel linguaggio delle linee e colori, donati sia alla Chiesa intera che al singolo. La visione del mondo del pittore di icone è la visione del mondo della Chiesa. Un'icona è senza tempo, è un simbolo dell'alterità nel nostro mondo.

Il dipinto è caratterizzato da un'individualità chiaramente espressa dell'autore, uno stile pittorico unico, tecniche compositive specifiche e una combinazione di colori caratteristica. Chiunque, anche chi non è del tutto informato nella pittura, una persona non confonderà i dipinti di Leonardo da Vinci e N. Poussin.

Leonardo da Vinci"Madonna"

Nicolas Poussin "La Sacra Famiglia"

La paternità del pittore di icone è deliberatamente nascosta, poiché l'icona è una creazione collettiva; iconografia non espressione di sé, ma servizio e lavoro ascetico. Il pennello del pittore di icone è imparziale: le emozioni personali non dovrebbero avere luogo. Nella vita liturgica della Chiesa, l'icona, come e il modo di leggere le preghiere del salmista è privo di emozioni esterne; empatia per le parole pronunciate e avviene la percezione dei simboli iconografici a livello spirituale.

Icona dell'angelo custode

L'immagine dovrebbe essere emotiva, poiché l'arte è una forma di conoscenza e riflessione del mondo circostante attraverso i sentimenti. L'immagine appartiene al mondo spirituale.

Rembrandt Harmen Van Rijn "La discesa dalla croce"

Leonardo da Vinci "Madonna Litta"

Icona della Madre di Dio “a tre mani”

L'icona è caratterizzata da un'accentuata convenzionalità dell'immagine. Non è tanto l'oggetto in sé ad essere raffigurato quanto l'idea dell'oggetto; tutto è subordinato alla rivelazione del significato interiore.

Settimana luminosa

Ad esempio, puoi confrontare qualsiasi icona della Madre di Dio dipinta secondo i canoni e “Maria col Bambino” di Raffaello Santi. Nel primo caso, una persona sta davanti all'immagine della Madre di Dio, che è glorificata al di sopra delle schiere degli angeli, e nel secondo contempla solo una bella donna terrena con un bambino.

Raffaele Santi "Maria e il Bambino"

Icona della Madre di Dio “Fiore profumato”

Oppure puoi rintracciare come sono raffigurati i vestiti sulle icone canoniche: invece che morbidi e linee morbide pieghe del tessuto: rotture dure e grafiche che contrastano in modo speciale con la pittura morbida dei volti. Ma le linee di piegatura non sono caotiche, sono subordinate al ritmo compositivo complessivo dell'icona. In questo approccio L’idea della santificazione e dell’uomo è riconducibile all’immagine, e gli oggetti fisici che lo circondano.

L'icona è priva di un esterno Fonte di luce. La luce arriva dai volti e dalle figure, dalla loro profondità, come simbolo di santità. Esiste un eccellente confronto tra la pittura di icone e la pittura di luce. Infatti, se guardi da vicino su un'icona della scrittura antica, è impossibile determinarlo dove si trova la fonte di luce, non è visibile, quindi e ombre che cadono dalle figure. L'icona è luminosa, e la modellazione dei volti avviene per effetto della luce che fuoriesce dai volti stessi.

Icona di Belynichi Madre di Dio

Dovresti prestare attenzione a come sono raffigurati gli aloni SU Icone ortodosse e nei dipinti pittori medievali Europa occidentale. Per i cattolici, l'aureola è un oggetto rotondo e piatto raffigurato in prospettiva, come se fosse sospeso sopra la testa. Questo oggetto è qualcosa di separato dalla figura, datole dall'esterno. Le aureole ortodosse descrivono un cerchio attorno alla testa e rappresentano qualcosa di indissolubilmente legato alla figura. Aureola cattolica - questa è una corona di santità, data dall'esterno, e l'aureola ortodossa è una corona di santità, nata dall'interno.

Il colore non è un mezzo per la costruzione coloristica di un'icona; ha una funzione simbolica. Ad esempio, il colore rosso sulle icone dei martiri può simboleggiare il sacrificio di sé per Cristo, mentre su altre icone questo è il colore della dignità reale. È particolarmente necessario parlare dell'oro sulle icone. Oro – un simbolo della luce divina e per trasmettere lo splendore delle icone Questa luce “non creata” non richiedeva vernici, ma un materiale speciale. L'oro è diventato un tale materiale.

Icona della Madre di Dio “Il Segno”

"Reverenda Madre di Dio" dalle difficoltà di chi soffre"

Le icone sono caratterizzate dalla simultaneità dell'immagine: tutti gli eventi si verificano contemporaneamente. Sull'icona di Novgorod del XV secolo, raffigurante la Trasfigurazione del Signore, puoi vedere Cristo che sale sulla montagna con i suoi discepoli, e il Signore trasfigurato, e i discepoli che «caddero con la faccia a terra» (Matteo 17:6), e la loro propria discendenza dalla montagna. E l'icona “Assunzione della Madre di Dio” raffigura contemporaneamente gli apostoli portati dagli angeli al letto di morte della Vergine Maria, e gli stessi apostoli già in piedi attorno al letto. Ciò suggerisce che gli eventi della storia sacra abbiano avuto luogo nel tempo e nello spazio reale, hanno un'immagine diversa nello spazio spirituale.

il compito principale le icone, a differenza dei dipinti, che trasmettono il lato sensuale e materiale del mondo, mostrano la realtà del mondo spirituale, danno la sensazione della presenza reale del santo. Un dipinto è una pietra miliare nel percorso di sviluppo estetico di una persona; Un'icona è una pietra miliare sul cammino della salvezza.

Risorse Internet: Wikipedia. Enciclopedia libera. – Modalità di accesso: http://ru.wikipedia.org/wiki Pittura russa. – Modalità di accesso: http://www.artsait.ru

Piano: schema di una lezione di belle arti

In seconda media sull'argomento

« “Temi biblici nelle belle arti.

Vecchio Testamento"

Eseguita

insegnante di arte

MBOU Scuola Secondaria N. 36 Samara

Demina Irina Alexandrovna

Samara 2015

Il tema della lezione è “Temi biblici nelle arti visive. Vecchio Testamento"

I. Organizzazione delle attività degli studenti

Chiedi una vita rigorosa,

Da che parte andare,

Dove nel mondo bianco

Partirai domattina?

Segui il sole

Anche se questo percorso non è noto.

Vai, amico mio, vai sempre

Caro bene.

Domanda: Che cos'è la religione? Le risposte dei bambini sono una forma di cultura

• Russia- paese multinazionale e vi sono rappresentate tutte le culture religiose del mondo.

Domanda: Quali religioni del mondo conosci? - risposte dei bambini

Domanda: Nome fondatori delle religioni del mondo - risposte dei bambini

Domanda: Ricordiamo i templi delle religioni del mondo risposte dei bambini

Ogni religione ha il suo sacroscritture scritte- testi fondamentali di qualsiasi religione. Le Scritture si riferiscono tipicamente alle loro origini sovrumane o all'ispirazione divina.

• Tripitaka(Sanscrito: त्रिपिटक, "Tre cesti") - una raccolta di testi sacri buddisti,
• Corano- il libro sacro dei musulmani (seguaci dell'Islam). La parola “Corano” deriva dall'arabo “leggere ad alta voce”, “edificazione”.
• Bibbia(Greco "libro, composizione") - una raccolta di testi sacri dei cristiani, composta dall'Antico e dal Nuovo Testamento. L'Antico Testamento è stato preso in prestito dal cristianesimo dal giudaismo, l'originale si chiama Tanakh ed è testo sacro per gli ebrei. L'Antico Testamento è composto da 39 libri ed è diviso in tre sezioni nel giudaismo. Questa parte della Bibbia è generale Libro sacro per l'Ebraismo e il Cristianesimo.
• Libri Vecchio Testamento furono scritti tra il XIII e il I secolo. AVANTI CRISTO e. in ebraico, ad eccezione di alcune parti dei libri di Daniele ed Esdra, che sono scritti in aramaico.
• Nel periodo dal 3 ° secolo. AVANTI CRISTO e. al I secolo N. e. L'Antico Testamento è stato tradotto in greco antico.
  • Gli scavi archeologici confermano la morte delle città di Sodoma e Gomorra menzionate nella Bibbia
  • L'archeologo inglese Leonard Woolley scoprì la città di Ur nel 1923. Ai piedi dell'antica torre a gradini sumera nella città di Ur, anche adesso chiunque può scendere le scale in uno stretto pozzo e vedere le prove di un'alluvione gigantesca e catastrofica. La maggior parte degli scienziati ritiene che il diluvio gigante sia identico al Grande Diluvio biblico. Gli scienziati trovano tracce di questa inondazione anche nel continente europeo.

L'argomento della nostra lezione sono le scene bibliche nella pittura, quindi oggi esamineremo la Bibbia in modo più dettagliato come monumento unico cultura. Proviamo ad analizzare i problemi storici, filosofici, morali e artistici che pone alle persone

Saggio ebreo Hillel ha detto: " Non fare agli altri ciò che tu stesso odi.».

Queste parole sono chiamate la "regola d'oro di Hylaea" e il principio in esse stabilito è accettato da molti popoli ed è considerato la regola principale della moralità umana.

Tu già Nelle lezioni di letteratura hai studiato l'Antico Testamento e in quelle di storia hai parlato dell'Egitto. In particolare, sulle campagne dei faraoni (guarda la diapositiva).

Domanda: Come fai a sapere queste informazioni? E gli storici? Risposte(da fonti storiche, puoi elencare, ricordando, reale e scritto)

Lavorare con la tabella: “Fatti ed eventi storici nella Bibbia”.

Domanda: L’Antico Testamento può essere definito una fonte storica? Esiste grande quantità prove archeologiche che confermano l'accuratezza storica della narrazione biblica

Domanda: I fatti dichiarati nella Bibbia sono reali? Cosa ci dice la scienza archeologica sugli eventi descritti nella Bibbia?
1. Questi sono, ad esempio, reperti archeologici associati al nome del re ebreo Salomone

Domanda: In cosa differisce la Bibbia dalla mitologia, in particolare quella antica egiziana, di cui hai già parlato in classe? Risposte(Monoteismo e politeismo)

Domanda: Cosa si può ricavare da V.Z. oltre alla storia?

UN) è un sistema conoscenza filosofica risposta Ragionando sul significato della vita umana.

B) sistema di problemi umani morali e universali- dieci comandamenti.

Ciò che rende unici i primi quattro, perché possiamo distinguere due gruppi? (1-interazione tra Dio e l'uomo, fede-incredulità, 2-rapporto tra uomo e uomo).

Domanda: I non credenti seguono questi comandamenti?

Quindi, V.Z. tocca la storia, solleva filosofiche e problemi morali, MA in che forma avviene ciò? – Testo artistico! Perché è pieno di immagini artistiche.

Esempio: Torre di Babele - Cosa ci insegna la storia raccontata in questo capitolo? Quale lezione dovrebbe imparare una persona ragionevole?

Pieter Bruegel il Vecchio “Torre di Babele”

• Raccontaci della costruzione della Torre di Babele.
• Perché Dio ha punito le persone?
• Perché comprendere la lingua dell'altro è così importante per le persone?
• A cosa porta l’incomprensione del linguaggio?

Noè e l'Arca di Noè. Paolo Gustave Dorè

L'Arca di Noè è un modello del mondo. Noè è l'immagine del giusto, di alta moralità e valore relazioni familiari!

alluvione globaleIvan Constantinovich Aivazovski

Il mito del Diluvio esiste in molte religioni: in Polinesia, in Grecia antica, a Babilonia.

I miti del diluvio derivano da osservazioni fatte in angoli diversi Terra a causa di grandi inondazioni, fluttuazioni la crosta terrestre, che causò la separazione dei continenti e la sommersione di varie terre emerse sott'acqua.

E Rublev "Santa Trinità" Simbolismo dei dettagli dell'immagine “Calice” aveva il significato di “calice della vita”, “calice della saggezza”, “calice della bevanda immortale”.

Esempio:Diapositiva della presentazione "Il giudizio del re Salomone".Nicolas Poussin

Ricordiamo di cosa parla la parabola?

Pertanto, l'Antico Testamento è un monumento culturale unico che, a differenza di altri monumenti, comprende problemi storici, filosofici, morali e artistici. È multiforme e completo. L’Antico Testamento “fornisce cibo” a tutta la cultura mondiale: letteratura, belle arti, teatro, ecc.

Secondo i cristiani furono scritti i libri dell'Antico Testamento Profeti. Credono che queste siano persone che hanno avuto un dono speciale: ascoltare ciò che Dio dice loro. Un tale dono è chiamato profezia e una persona che riceve questo dono da Dio è chiamata profeta.

Esercizio: disegna una storia qualsiasi dell'Antico Testamento.

Chi non ha nutrito il cuore, chi non si è rallegrato

Questo libro...

V. A. Zhukovsky

Bibbia- un tesoro di patrimonio spirituale e culturale - ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo dell'intera cultura mondiale. Creato nel periodo dal 12 ° secolo. AVANTI CRISTO e. entro l'inizio del II secolo. N. e., rimane ancora uno dei miei libri preferiti e più letti.

Bibbia- un'opera composta da molti libri scritti in tempi diversi e da autori diversi. Pertanto, la traduzione del suo nome dal greco diventa chiara: "Biblia" - "libri". La parte principale della Bibbia è Fatiscente E Nuovo Patto.

Cos’è che attrae così tanto le persone verso la Bibbia? Innanzitutto gli ideali di bontà, di giustizia, di servizio disinteressato alle persone e di fede nel valore della persona umana. Per duemila anni l'umanità ha collegato molti dei suoi pensieri e ideali con la persona di Gesù Cristo. Credevano sinceramente in lui, veneravano sacro i suoi insegnamenti e le sue alleanze. Lo ascoltarono e lo lodarono. Hanno pregato per lui...

Hanno cercato di catturare l'immagine immortale di Cristo nelle opere d'arte più grandi maestri. È difficile contare quante creazioni artisti più epoche diverse dedicato a storie e immagini bibliche. Dipinti nelle catacombe romane, icone e mosaici bizantini, l'arte del duro Medioevo e del solenne Rinascimento... Michelangelo ed El Greco, Dürer e Andrei Rublev, Rembrandt e Rubens... Elenco dei nomi più grandi artisti mondo potrebbe continuare allo stesso modo dell'elenco dei compositori che hanno creato opere musicali sui temi Sacra Scrittura: J. S. Bach, F. J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. van Beethoven, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rakhmaninov...

Lo stesso si può dire a riguardo letteratura mondiale. È raro che un artista o uno scrittore non si sia rivolto direttamente o indirettamente alle trame e alle immagini della Bibbia. Ha attratto i poeti con le sue immagini, la ricchezza e la bellezza dell'espressione artistica. In questa serie ci sono Dante Alighieri, I.V. Goethe e J.G. Byron, A.S. Pushkin, B.L. Pasternak e I.A. Brodsky... Materiale dal sito

A partire dal XX secolo fino alle pagine Bibbia girato e cinema mondiale.

Le opere d'arte realizzate su soggetti biblici non sono mai state una semplice illustrazione delle Sacre Scritture. Contengono contenuti spirituali e profondi significato morale. Sfortunatamente, storie prese in prestito da mitologia biblica, non sono noti a tutti oggi. Ciò è spiegato principalmente dal fatto che arte cristianaÈ profondamente simbolico e rigorosamente canonizzato dalla religione, quindi capirlo non è facile. Questa circostanza non sempre ci consente di apprezzare questa o quell'opera d'arte al giorno d'oggi.