Il periodo di sviluppo della cultura e dell'arte nell'Europa occidentale dal tempo della caduta dell'Impero Romano d'Occidente (V secolo) all'inizio del Rinascimento (XV secolo) fu chiamato per la prima volta "Medioevo" dagli scrittori umanisti italiani. Consideravano questa volta selvaggia e barbara in contrasto con l'antichità e la cultura del loro tempo. Successivamente, gli scienziati hanno rivisto questa valutazione negativa. Uno studio dettagliato di monumenti artistici, documenti, opere letterarie ha portato alla conclusione che arte medievaleè stata una tappa importante e significativa nello sviluppo della cultura mondiale.

Nella storia Arte dell'Europa occidentale Nel Medioevo è consuetudine distinguere tre periodi: l'arte dell'alto medioevo (V-IX secolo), l'arte romanica e quella gotica. Gli ultimi due nomi sono condizionali. Romansky (dalla parola latina "Roma" - "Roma") archeologi del XIX secolo. chiamati gli edifici dei secoli X-XII, in cui trovarono somiglianze con l'architettura romana, in seguito iniziarono a chiamare l'arte dell'epoca nel suo insieme. Il gotico era originariamente chiamato tutta l'arte medievale. Gli umanisti italiani lo consideravano un prodotto dei Goti, all'inizio del V secolo. saccheggiata Roma. Quando apparve il termine "arte romanica", il gotico iniziò ad essere inteso come opere di architettura, scultura e pittura della metà del XII-XV secolo, che differivano dalle precedenti per una spiccata originalità.

Oddone di Metz. Interno della cappella del palazzo di Aquisgrana. OK. 798-805.

L'era dell'alto medioevo è il momento della formazione di una nuova cultura che è stata creata sul territorio dell'Europa tribù aliene. I romani li chiamavano barbari. Dopo aver sconfitto la potente Roma, i popoli barbari formarono i loro regni sul territorio dell'impero conquistato. I nuovi sovrani d'Europa non sapevano costruire edifici in pietra con la stessa abilità dei romani, raffiguravano una persona nell'arte estremamente raramente e in modo molto condizionale. Molto più vicino a loro era il mondo degli animali fantastici e il complesso schema di ornamenti con cui decoravano metallo, legno, ossa, capi di abbigliamento, armi, utensili rituali.

Inizialmente, i conquistatori attirarono costruttori e artisti che vivevano nelle terre che conquistarono, ma le abilità di elevate abilità costruttive andarono gradualmente perse e l'ornamento minacciò di soppiantare per sempre le antiche tradizioni di raffigurare una persona.

Man mano che le relazioni feudali si sviluppavano in Europa, il potere centrale si rafforzava, l'idea del potere e della grandezza dell'antica Roma attirava i governanti di nuovi stati, che sognavano la gloria dei Cesari romani. Il re franco Carlo Magno, creatore di un enorme potere, cercando di circondare il suo potere di grandezza e splendore, fu incoronato a Roma e cercò di far rivivere le tradizioni della cultura romana alla sua corte. Nella residenza di Carlo ad Aquisgrana fu costruito un palazzo e accanto ad esso - una chiesa del palazzo - una cappella. È ben conservata. Ne fece da modello la chiesa di San Vitale a Ravenna, da dove furono portate le colonne di marmo installate nella cappella. Ma in generale, la creazione di un architetto franco è più pesante e massiccia di un tempio bizantino.

Gli edifici religiosi prevalevano tra le architetture in pietra dell'era carolingia (la cosiddetta dinastia dei re franchi, il rappresentante più importante chi era Carlo Magno). Era collegato a quel ruolo speciale.

cosa hai giocato nella vita società medievale Chiesa. La più grande proprietaria feudale, ha giustificato il sistema esistente con i suoi insegnamenti e, come principale cliente opere d'arte, diresse imperiosamente lo sviluppo dell'arte nel proprio interesse. Sotto la sua influenza iniziarono a prendere forma rigide regole per la raffigurazione di soggetti sacri, obbligatorie per ogni artista.

Chiesa di Paray-le-Monial. OK. 1100. Francia.

Chiese e palazzi carolingi erano decorati con dipinti e mosaici e nei templi sono state trovate anche sculture. Tuttavia, molti monumenti sono morti e possiamo giudicare il lavoro degli artisti carolingi solo dalle lastre di avorio intagliato che ci sono pervenute, gioielli, preziosi stipendi di libri scritti a mano e principalmente dalle illustrazioni di questi libri: miniature. I libri nell'alto medioevo erano rari. Furono creati da ordini di imperatori, grandi feudatari, vescovi e abati di monasteri in officine speciali - scriptoria. In epoca carolingia, gli scriptoria esistevano alla corte reale e nei grandi centri ecclesiastici. A differenza dei loro predecessori, gli artisti dei secoli VIII-IX. ha studiato attentamente le opere di maestri romani e bizantini e ha imparato molto da loro. L'elemento di design principale nei libri erano le miniature delle storie raffiguranti attori% di paesaggi, sfondo architettonico (vedi Miniatura).

In epoca romanica, l'architettura ha svolto un ruolo di primo piano nella creatività artistica. Entro l'XI secolo vasta costruzione in pietra dispiegata in tutta Europa. Durante la costruzione di edifici in pietra, gli architetti medievali incontrarono una serie di difficoltà tecniche, in particolare durante l'erezione dei soffitti: travi e soffitti in legno spesso bruciavano, mentre le strutture in pietra - archi, cupole, volte - avevano contorni semicircolari e, come un arco teso, sembravano sforzarsi di separare le pareti dell'edificio ai lati. Nel tentativo di evitare ciò, gli architetti romanici realizzarono muri molto spessi e massicci pilastri e supporti.

In un'Europa frammentata e in guerra dei secoli X-XII. i principali tipi di strutture architettoniche erano castello del cavaliere, complesso monastico e tempio. Nell'era dei conflitti civili e delle guerre, gli edifici in pietra servivano da protezione contro gli attacchi. Pertanto, gli edifici romanici sono molto simili a una fortezza: hanno mura massicce, finestre strette, alte torri.

Figure degli apostoli. Frammento della decorazione scultorea della facciata della Chiesa di S. Trofim ad Arles. OK. 1180-1200. Francia.

L'arte romanica si rivelava più chiaramente nell'architettura degli edifici ecclesiastici, nella loro decorazione pittoresca e scultorea. Il tempio romanico è caratterizzato da una bellezza severa e coraggiosa, si distingue per imponenza e potere solenne. Nell'Europa occidentale, le chiese avevano una parte centrale allungata. All'interno, questa stanza era divisa da file di sostegni, pilastri o, più spesso, arcate in sale longitudinali più strette - navate. Sul lato occidentale, dove si trovava l'ingresso, era incorniciato o coronato da torri; nella parte orientale era collocato il santuario del tempio - l'altare. Era contrassegnato da una nicchia speciale: l'abside. La parte dell'altare della chiesa era preceduta da una navata trasversale. La lontananza dall'ingresso dell'altare ben illuminato, il cui percorso si snodava attraverso la navata crepuscolare, sottolineava la distanza che, come si credeva allora, sembrava separare l'uomo da dio.

All'interno le chiese romaniche erano affrescate, all'esterno erano decorate con rilievi dai colori vivaci su temi biblici. Le parti di coronamento delle colonne - capitelli - erano decorate con immagini scultoree narrative. Gli artisti romanici non persero il gusto per le decorazioni ornamentali, ma in misura molto maggiore furono attratti dalle immagini di una persona e delle sue azioni. I maestri di quel tempo iniziarono più spesso a rivolgersi all'eredità del passato, conoscevano le opere degli artisti bizantini, erano attenti. Sono stati in grado di notare e trasmettere una posa espressiva, un gesto caratteristico e raccontare in modo divertente l'evento. Per rendere questa storia più espressiva, i maestri romanici spesso violavano le proporzioni del corpo umano, aumentate singole parti, movimenti esagerati.

Spesso pittori e scultori davano libero sfogo alla loro fantasia e "abitavano" le pareti dei templi o le pagine dei manoscritti con immagini di creature fantastiche, figure di acrobati, uccelli e animali, immagini mutuate dalle credenze popolari.

Sono sopravvissute poche opere d'arte profana di epoca romanica. E quindi, di particolare interesse è il grande tappeto ricamato che ornava la cattedrale di Bayeux in Francia (XI secolo). Le scene presentate in esso raccontano la conquista dell'Inghilterra da parte dei Normanni.

Fino al 12 ° secolo principale centri culturali c'erano monasteri dove c'erano le persone più istruite, si discuteva di problemi di costruzione, si copiavano libri. Nel XII sec. la superiorità iniziò a spostarsi verso nuovi centri economici e culturali: le città. La scienza medievale è nata qui, l'artigianato è fiorito e creatività artistica. Le città hanno combattuto con i signori feudali per la loro indipendenza. Tra i cittadini nacquero il libero pensiero e un atteggiamento critico nei confronti del sistema feudale. Durante questo periodo, la poesia cavalleresca raggiunse un'alta fioritura e prese forma la letteratura della classe urbana. Le crociate hanno cambiato le rappresentazioni geografiche degli europei, ampliato la conoscenza del mondo che li circonda. Sembrava enorme e dinamico.

Interno della cattedrale di Notre Dame a Reims. XIII secolo Francia.

In questo periodo in Francia, dove il potere reale combatteva per l'unificazione del paese, iniziò a prendere forma l'arte del gotico, che si diffuse poi in Inghilterra, Germania, Spagna, Repubblica Ceca e altri paesi europei.

L'architettura è rimasta la principale forma d'arte in epoca gotica. Ha incarnato in modo più vivido nuove idee sul mondo che la circonda. Altre forme d'arte, principalmente la scultura, iniziarono ad acquisire un significato indipendente. La più alta creazione gotica è la maestosa cattedrale della città. Nella patria dell'arte gotica, in Francia, furono erette cattedrali su una delle piazze della città. I costruttori che lavorarono alla creazione di un grandioso edificio si unirono in un'organizzazione speciale: una loggia, che comprendeva muratori, falegnami, scultori e soffiatori di vetro che producevano vetri colorati per vetrate. La costruzione era diretta dal maestro capo, un architetto esperto e abile. Gli architetti delle cattedrali gotiche furono audaci sperimentatori. Sono riusciti a sviluppare una struttura complessa, che ha permesso di individuare un telaio dell'edificio nell'edificio dai supporti della volta e da ulteriori pilastri portanti - contrafforti. Appositi archi di collegamento - contrafforti rampanti trasferivano la pressione delle volte della navata centrale, più alte di quelle laterali, ai contrafforti posti lungo le pareti. Ora, non il muro, ma questa struttura nel suo insieme sosteneva le volte, così i maestri gotici tagliarono audacemente finestre nelle pareti e furono costruite arcate leggere e alte tra i supporti. Il gotico è caratterizzato da archi ogivali rivolti verso l'alto. Hanno sottolineato la leggerezza e l'aspirazione dell'architettura gotica verso l'alto. In Francia, i maestri prestarono particolare attenzione al design della facciata occidentale, riccamente decorata con sculture. Immagini scultoree sono state collocate anche sui portali ai lati della navata trasversale. All'interno della cattedrale, esili pilastri, circondati da esili semicolonne, si innalzavano rapidamente fino alle volte ogivali, le arcate creavano una maestosa prospettiva delle navate.

Nel presbiterio, nelle navate laterali e nell'ordine superiore della navata centrale, numerose finestre brillavano di vetrate policrome. A seconda del tempo, dell'ora del giorno o dell'anno, la luce che penetrava attraverso il vetro colorato colorava l'interno del tempio in modi diversi, rendendolo misterioso o gioiosamente festoso.

La scultura gotica rispetto al romanico è più simile a una statua rotonda. Le figure, sebbene attaccate a una colonna oa un muro, sono diventate più voluminose, sporgono audacemente nello spazio reale. Anche i temi delle immagini sono diventati più diversi. Insieme a soggetti ecclesiastici, apparvero figure di antichi filosofi, re, immagini veritiere di rappresentanti di diversi popoli, illustrazioni di favole edificanti. Le immagini dei santi iniziarono ad assomigliare ai loro contemporanei e apparvero i primi tentativi di creare ritratti di persone secolari. In precedenza, tali immagini venivano trovate solo sulle lapidi di nobili feudatari e rappresentanti di spicco della chiesa. maestri medievali non ha funzionato dalla natura e ha creato immagini di ritratti ideali e rappresentative. In epoca gotica, gli artisti stanno già cercando di conferire al modello caratteristiche realistiche. Gli scultori che intorno al 1250 crearono dodici statue di feudatari nella città tedesca di Naumburg, che donarono fondi per la costruzione del tempio, non poterono vedere i ritratti, che erano morti molto prima. Tuttavia, i maestri li hanno dotati tratti individuali, volti espressivi, gesti caratteristici.

Insieme ai templi in epoca gotica grande attenzione pagato alla costruzione di edifici secolari - municipi, centri commerciali, ospedali e magazzini. Le sale cerimoniali furono riccamente ricostruite nei castelli. Nelle città sono emerse gradualmente due piazze: la cattedrale e il mercato. custodito la città alte mura con cancelli d'ingresso. Il municipio, edificio del magistrato cittadino, era un simbolo dell'autogoverno cittadino. Nei paesi in cui le città erano fiorenti, i municipi a volte potevano competere con la loro grandezza con le cattedrali.

Fatta eccezione per qualche decina di manoscritti facciali, sulla vita della pittura medievale fino al X secolo. sappiamo principalmente da testimonianze letterarie. Ma unendo quest'ultimo a ciò che i libri pittorici hanno conservato, ciò che “è sopravvissuto” in più epoca tarda nell'arte delle pitture murali, del vetro colorato, che finalmente si è manifestato nel relativo campo delle decorazioni scultoree, possiamo farci un'idea certa delle ricerche dell'Occidente in quest'epoca.

Indubbiamente già dal V sec. le chiese occidentali erano ricoperte da una sorta di pittura su grandi distese di pareti, che poco dopo le loro finestre iniziarono ad essere decorate con mosaici di vetro colorato. Inoltre, sui codici occidentali, siamo convinti che nei laboratori di scrittura di quel tempo (soprattutto monastici) si eseguisse un nuovo lavoro sul libro, sconosciuto all'antichità classica, che significava la sintesi di scrittura e pittura, dove la scrittura stessa diventa “pittoresco”, dove “immagine” è subordinata all'iniziale come cornice determinante e dove gli sforzi creativi sono compiuti per creare una decorazione ornamentale del testo e un'iniziale intimamente associata ad esso.

Ma già dall'epoca ottoniana in Germania (X secolo) si sono conservati monumenti più imponenti: non solo piccola arte miniature di libri, ma anche grande arte quadri monumentali. Affreschi, inaugurati nel 1888 nella chiesa di S. Giorgio a Oberzell nell'isola di Reichenau, sono in completa analogia con le miniature dei manoscritti dello stesso monastero, parlando di un multilaterale lavoro artistico focolare forte. Non era l'unico. Ma l'arte calma e un po' immobile degli altri famose scuole La Germania dello stesso tempo (Treviri-Echternach, Colonia) è relegata nell'ombra dalla straordinaria fioritura di Reichenau con la sua forza caratteristica idea creativa, l'originale armonia della composizione, la fermezza del motivo e la bellezza degli accostamenti colorati. Rapporti con l'Italia e Bisanzio, rianimati sotto gli Otto, l'influenza dell'arte delle "Isole dell'Oceano" - dal IX secolo. Il Reno e parte del Danubio divennero la via dei vagabondaggi dell'Irs e degli anglosassoni - tutto ciò spiega il fiorire della pittura in Germania nel X secolo. Non è durato a lungo. E se per il X secolo. La Francia non può opporsi a nulla che le equivalga, ma l'opera rivelata dai monumenti del secolo successivo (principalmente negli affreschi della chiesa di Saint-Sauvin) apre un'era lunga e feconda della sua storia. Al giorno d'oggi, rimuovendo la copertura grigia della calce, sotto la quale i secoli XVII-XIX. dipinti antichi sepolti, rivelano la bellezza dell'affresco romanico nelle più diverse regioni della Francia: opere di vario genere scuole d'arte dovunque permeato di un'unità fondamentale.

Come l'illustrazione di un libro di quest'epoca si adattava alla faccia della pagina, alla divisione del testo, ponendo e risolvendo originariamente compiti prevalentemente ornamentali, così la sua pittura si adattava alla divisione architettonica della chiesa romanica. Senza soffocare l'armonia linee architettoniche, in armonia con esso, lo sottolinea e lo arricchisce con le sue cornici ornamentali, il disegno e lo stile delle composizioni, ampie e semplici, liberate da ogni dettaglio superfluo che riduce le scene al minimo dell'azione, come un dramma greco che non conosce profondità prospettiche, né luci né ombre, ma viventi, per così dire, nell'eternità delle due dimensioni. E lo spettatore incantato si chiede involontariamente: è possibile trovare un'epoca che abbia compreso meglio la legge della decorazione monumentale?

Il pittore romanico, sebbene viva in un mondo in cui "gli occhi del caos guardano attraverso il regno dell'ordine", è uno studente vicino o lontano dei maestri orientali - siriani e bizantini -, uno studente del loro allievo, il monaco Paderborn Teofilo , più di lui, lontano dalle tradizioni dell'antichità. Eseguendo le istruzioni di Teofilo, è fedele alla sua gamma colorata, alla sua ricetta per la "pittura del corpo", alla legge della "luce assoluta" e dell '"ombra assoluta". Non si discosta dal tipo bizantino di abiti aderenti. In genere ripete schemi e tipi iconografici orientali.

E, tuttavia, non solo nelle migliori creazioni di focolari tedeschi e francesi, ma spesso in secondari scuole locali attraverso l'imitazione, una ricerca originale apre la strada, influenzando l'ingenua freschezza dell'idea, nell'originalità creativa, rivelando che il pittore, con la sua stessa osservazione, ha stabilito il movimento e gli intimi dettagli della vita, che lui stesso "legge nella sua bellezza. "

La pittura di epoca romanica, che ricopriva le pareti, le volte, le cripte e persino le colonne, catturò anche le statue. La scultura romanica conserva talvolta ancora tracce del colorito che un tempo la ravvivava. Questo gusto artistico, divenuto progressivamente modello religioso, attraverserà anche il medioevo urbano gotico, per scendere in epoca moderna ai prodotti artigianali, che ancora oggi riempiono le botteghe cattoliche con le loro bambole dipinte. Ma la statuaria artistica dal Rinascimento all'era Klinger rimane incolore.

Nell'affresco romanico, il Medioevo ha creato il meglio che era in suo potere, nel senso dell'arte. pittura monumentale. Nell'architettura gotica, appassisce gradualmente. Due fattori in esso sono sfavorevoli per la sua vita. In primo luogo minimizzando il piano del muro, oltre ad essere spezzato da colonne, colonnine e fregi ornamentali. In secondo luogo, l'azione degli occhiali colorati. Sotto i riflessi luminosi di cui riempivano il tempio, i delicati colori del dipinto sbiadivano e cambiavano. Vero, i singoli artisti, alla ricerca di metodi per respingere l'effetto mortale per la pittura, aumentano la sua tonalità a luminosa e consonante con il vetro, tracciano con l'oro ("l'oro è l'unica vernice che non viene spenta dai riflessi blu e rossi di vetro") cornici, bordi, antenne, introducono dettagli in oro separati: bastoni dorati, cose, cinture, polsi, scarpe, ali d'angelo. Tale è il dipinto dei pilastri della Sainte Chapelle intessuti di vetro colorato e tutta una serie di chiese francesi che lo imitarono. Il soffitto iniziò ad essere ricoperto di blu e punteggiato di stelle dorate, un effetto amato dal gotico italiano.

Ma in generale, ovunque, ad eccezione dell'Italia, che ha conservato l'architettura romanica, che, attraverso una serie di transizioni impercettibili, l'ha tradotta nell'architettura del Rinascimento e ha portato la pittura murale a quest'epoca, quest'ultima non era l'orgoglio dell'architettura gotica, soprattutto chiesa (castelli e palazzi in misura maggiore conservavano gli ampi piani delle mura e la luce naturale all'interno). Qui domina la brillantezza del vetro colorato.

Era conosciuto sia dal preromanico che dal epoca romana in tutti i paesi occidentali e soprattutto in Francia. Ma il periodo più straordinario della sua storia fu la fine del XII e l'inizio del XIII secolo. Quando, per completare la Basilica di Saint-Denis vicino a Parigi, su invito dell'abate di questo monastero, Suger, fu fondata nella basilica una brillante galassia di “vetrate istoriate”, qui si creò una vera e propria scuola di quest'arte . La sua esperienza e gli artisti sono stati poi utilizzati dalla chiesa completata Notre Dame a Parigi, e dal 1210 le migliori forze sono concentrate a Chartres, vicino alla sua cattedrale. In mezzo secolo il centro si trasferì nuovamente a Parigi, dove le tecniche ei gusti parzialmente mutati dell'epoca della "tempesta e assalto" influirono sulla lavorazione del vetro. Calma bella fusione di sfondi blu primi pori, il lusso delle cornici ornamentali, lo stile romanico di figure e gruppi lasciano il posto a un mosaico di fondo più piccolo, dove l'accostamento di blu e rosso troppo vicini dà un tono lilla meno gioioso, mentre le cornici diventano più povere. I gruppi, partendo dalla semplicità e dalla concentrazione dello stile monumentale, si riempiono di movimento e di vita. La leggenda dei santi, con la sua ricchezza di intimi dettagli realistici non previsti da alcun canone, spiazza le trame canoniche e, spingendo l'artista ad aprire gli occhi sul mondo, avvicina la sua arte alla vita...

L'Italia li ha mantenuti in numero relativo maggiore. La consueta distribuzione del materiale, riferito agli affreschi italiani prerinascimentali, a partire non solo da Giotto, ma spesso da Cimabue, dà una giustificazione esterna al nostro difetto: questo capitolo è troppo ricco per trattarlo in poche parole. In questo quadro, le linee che abbiamo dedicato alla pittura del Medioevo francese, che ha conservato più a lungo il carattere originario dell'epoca, saranno più naturali e complete. Qui, come in Italia, così come sul Reno, nella Germania Ovest, numerosi manuali dei secoli XIII-XIV - de arte illuminandi - a volte, in assenza di monumenti, testimoniano la grande esperienza scientifica, tecnica e artistica del pittore occidentale, l'esperienza che assorbì dalle ricette orientali e bizantine e arricchì con la propria osservazione.

Seguono nei secoli XI-XV. dietro la storia della miniatura, vediamo come il canone lascia il posto alla libera osservazione, lo sfondo scheggiato e smaltato al paesaggio naturale, i gruppi condizionali ieratici a scene di vita piene di libertà e bellezza umana. Indubbiamente, ogni giorno e ogni ora, la "Via dei Pittori" dei secoli XIV-XV parigini. fu teatro di scoperte ed eventi tecnici e artistici. Se in questa età l'ultima parola si diceva nella direzione della perfezione dello sfondo dorato (la ricetta per imporre e lucidare foglie di vero oro su una pagina che dà ancora l'impressione di essere colata con oro massiccio e dare una sorta di rigonfiamento dorato è immensamente sofisticata in Occidente ), aveva un secolo ricette sorprendenti vernici effetto smalto che sbocciavano i delicati gruppi di Jacquemart d'Esden, vivendo, per così dire, in un incerto luce del sole. L'illustrazione fornisce solo una fotografia incolore dell'orologiaio della sua scuola, e solo con uno sforzo di immaginazione si può immaginare la delicata colorazione bionda dei morbidi riccioli di un angelo, il rossore delle guance incandescente come petali di rosa e il morbido verde pistacchio della riza sullo sfondo di un'alba candida. Altre botteghe della stessa città e nello stesso secolo si addentrano nei compiti del chiaroscuro, creando un artigianato parigino incomparabile, dove forme e figure bianche sono leggermente toccate da riflessi rosa e lilla. Nove sfumature di grigio - dalla perla e dall'argento al topo e alla "talpa" scura - si possono contare sulle vesti intrecciate con fili d'oro, gli amikts-cantanti nella scena della sepoltura (dello stesso orologiaio).

Entro la fine del secolo, reperti sempre più promettenti, più modanature in rilievo di figure, dettagli più affascinanti del paesaggio, temi e stati d'animo più vitali.

I personaggi sono coperti d'aria; prati verdi si estendono, diventando blu, verso l'orizzonte in lontananza, tagliati da un fiume luminoso; castelli, città sono disegnate sullo sfondo delle montagne, la distanza guarda fuori dalla finestra, nuvole ricce fluttuano nel cielo, i gruppi sono collegati da una vita intima e sono segnati dal timbro dell'individuo nei volti e nei gesti.

Con la fine del XIV e l'inizio del XV sec. i miniaturisti, non meno mobili dei mercanti o degli studenti, formano intere colonie internazionali nelle città d'arte. La “strada dei pittori” di questo periodo vide molti ospiti italiani e fiamminghi e bevve avidamente i loro reperti. L'arte dei fratelli Limburg, con l'eleganza sconfinata del pennello parigino, assimila il fascino italiano e il realismo riflessivo fiammingo. Queste caratteristiche contraddistinguono le migliori miniature dell'orologiaio di Peterhof.

Non tutto è veramente artistico nell'arte dell'illustrazione pittorica che fiorì verso la fine del Medioevo. La crescente domanda dà vita a prodotti modello di bassa qualità. Non solo un nobile di città, un professore della classe media, un dottore, una cittadina vogliono avere un salterio, un libro di testo, un romanzo, un libro dei sogni o un libro degli orologi decorati in modo colorato. Insieme a maestri come Fouquet, un numero enorme di artigiani di terz'ordine ha intrapreso l'arte dell'illustrazione.

Le loro opere non sono prive di interesse. Non ci sbagliamo sul valore artistico dell'orologio, uscito da un'ignota bottega parigina a metà del XV secolo, con immagini dei mesi, che conservava 24 scene di "giochi e lavori del XV secolo". Ma in alcune di queste scene - nella figura di un pellegrino, che russa pacificamente sotto il pulpito con l'accompagnamento di una magnifica omelia (marzo); in una via cittadina in un giorno di aprile piena di massaie con ceste e ragazzi con ramoscelli; in una foto di un campo di fieno abbinata a un picnic di giugno sull'erba; nel maggio che si apre; nel fiume di luglio, animato dalle canoe, nel gioco delle palle di neve di dicembre, ecc., ecc. - la vita prende vita città medievale con il suo lavoro e divertimento. Media nella qualità dell'artigianato, queste scene superficialmente quotidiane e condizionatamente allegre aggirano qualsiasi atteggiamento serio nei confronti della vita rappresentata. Il lavoro urbano e soprattutto rurale è qui interpretato in modo idilliaco, dal punto di vista di un ricco artista che usciva per ammirarlo nell'ora del suo tempo libero. Né i "rudi contadini", oggetto del suo disprezzo, né quelli meno favoriti dalla storia e dal destino vicini che hanno "unghie blu" e la cui "giornata lavorativa è lunga" pongono un serio problema a questa divertente arte della vigilia del Rinascimento . Fu approfondito dal "pensiero dialettico" del XII secolo, per ritornare con nuova penetrazione nell'arte fiamminga.

Siamo alla vigilia della nascita grande dipinto, dove il Nord dirà una nuova parola, così che con la sua caratteristica sincera e forte sentimento life per ricordare il sentimento soddisfatto di sé e armoniosamente placato dell'Europa rinascimentale sui tragici misteri della vita e dell'incarnazione artistica.

Non abbiamo avuto modo di soffermarci sui vari tipi di arte “applicata” che la bella vita urbana medievale: sugli smalti e gli utensili di Limoges, sull'artigianato in avorio, sugli intagli lignei e sugli intarsi lignei, sugli intagli metallici che ornavano porte e finestre di una casa medievale e schienali, sedili mobili gotici.

Lo stile rinascimentale è espressione di rapporti sociali già diversi e di una diversa organizzazione del lavoro. Con lui entriamo in relazione con il grande capitalismo in economia e il regime dell'assolutismo in politica.

Delle vicende dell'“ordine esterno”, la peste del 1348 e la Guerra dei Cent'anni hanno tracciato nel corpo del modo quotidiano e mentale dell'Occidente quel profondo solco che ha determinato in parte il limite inferiore dell'“urbano”, del “gotico ” arte, così come il confine dello stesso Medioevo.