100 r premia za pierwsze zamówienie
Wybierz rodzaj pracy Praca dyplomowa Zadania Streszczenie Praca magisterska Sprawozdanie z praktyki Artykuł Sprawozdanie Recenzja Egzamin Monografia Rozwiązywanie problemów Biznes plan Odpowiedzi na pytania kreatywna praca Esej Rysunek Eseje Tłumaczenie Prezentacje Pisanie na maszynie Inne Zwiększanie niepowtarzalności tekstu Praca dyplomowa Praca laboratoryjna Pomoc on-line
Zapytaj o cenę
W historii literatury zagranicznej XX wieku można wyróżnić dwa okresy – lata 1917–1945 i lata 1945–1990.
Wiek XX ugruntował w dziejach ludzkości tragiczny światopogląd, a jako pojęcia kluczowe – wojnę i przemoc, świadomość technokratyczną, katastrofę ekologiczną, kryzys ideałów humanistycznych.
Pierwsza połowa XX wieku znana jest z eksperymentów artystycznych. Literatura próbuje nowych środków wizualnych, niszczy kanoniczne formy i rytmy. Dalszy rozwój otrzymuje modernizm - na etapie awangardy.
Jakościowo nowa staje się paraliteratura, tzw. „masowa”, popularna czy komercyjna, w istocie będąca alternatywą dla sztuki. W pierwszej połowie XX wieku miały miejsce dwie wojny światowe (1914–1918) i (1939–1945) oraz rewolucja październikowa, wojna austro-węgierska i Imperium Osmańskie, królewska Rosja. Na mapie świata powstały nowe państwa: Czechy i Słowacja, Polska, państwa Jugosławii uzyskały niepodległość, przywróciły państwowość. Literatura reaguje na wszystkie te wydarzenia historyczne, a przede wszystkim na Rewolucję Październikową, po której nastąpiła fala ruchów rewolucyjnych i narodowowyzwoleńczych w różnych krajach świata – od Niemiec i krajów skandynawskich po Chiny i Afrykę.
Główne tematy literatury pierwszej połowy XX wieku:
1) tematyka wojen i katastrof społeczno-politycznych;
2) tragedia człowieka dążącego do swobodnej samorealizacji, poddanego przemocy, poszukującego sprawiedliwości i tracącego duchową harmonię;
3) problem wiary i niewiary;
4) korelacja osobista i zbiorowa, moralność i polityka, duchowość i etyka.
Dziedzicząc tradycje przeszłości, w tym analitykyzm, zainteresowanie sferą społeczną, realizm XX wieku różni się od realizmu stulecia minionego.
W realizmie XX wieku ugruntował się patos zaprzeczenia i krytyki, społeczne podejście do analizy rzeczywistości, wymóg prawdziwości i typizacji.
Realizm XX wieku nie chciał kopiować i odzwierciedlać rzeczywistości w samych formach życia.
Filozofia wkracza do literatury w nowej roli, jako narzędzie głęboko wnikające w artystyczną tkankę dzieła.
Gatunek przypowieści rozwija się produktywnie (F. Kafka, K. Chapek, A. Camus, A. Exupery). Bohater się zmienia, osoba wydaje się bardziej skomplikowana i często nieprzewidywalna w swoich działaniach (Faulkner). Literatura stara się przeniknąć w sferę irracjonalności i podświadomości.
Tradycyjne formy opisowe zastąpiły badania analityczne (T. Mann – „Doktor Faust” i „Czarodziejska góra”), efekt „usunięcia” (dramaturgia B. Brechta), ironia i podtekst (E. Hemingway), groteska, modelowanie fantastyczne i warunkowe (M. Bułhakow). Realizm produktywnie wykorzystuje wiele technik modernistycznych, np. „strumień świadomości” (W. Faulkner), deformację, absurd i inne techniki wcześniej niedostępne.
Modernizm (fr. modernisme – od moderne – najnowszy, modo – just) jako ruch filozoficzno-estetyczny ma następujące etapy (wybieramy warunkowo):
Awangarda umiejscowiona w czasie międzywojennym;
Neoawangardyzm (lata 50.-60.);
Postmodernizm (lata 70. – 80.).
Wspólne cechy:
1) utrata punktu podparcia;
2) zerwanie z tradycyjnym światopoglądem chrześcijańskiej Europy;
3) subiektywizm, deformacja świata lub tekstu literackiego;
4) utrata integralnego modelu świata, tworzenie modelu świata za każdym razem na nowo według arbitralności artysty;
5) formalizm.
Filozoficzne korzenie modernizmu można odnaleźć w twórczości Z. Freuda, A. Bergsona, W. Jamesa.
Modernizm może mieć decydujące znaczenie w twórczości pisarza jako całości (F. Kafka, D. Joyce) lub może być odczuwany jako jedna z technik, które wywarły znaczący wpływ na styl artysty (M. Proust, W. Wolfe ).
Modernizm jako ruch literacki, który ogarnął Europę na początku stulecia, ma następujące odmiany narodowe:
surrealizm francuski i czeski;
futuryzm włoski i rosyjski;
Imagizm angielski i szkoła „strumienia świadomości”;
Hermetyzm amerykański i włoski;
szwedzki prymitywizm;
francuski unanimizm i konstruktywizm;
hiszpański ultraizm;
Kreacjonizm Ameryki Łacińskiej.
Słowo awangarda (od francuskiego awangarda – oddział zaawansowany) wywodzi się ze słownika wojskowego, gdzie oznacza niewielki elitarny oddział, który wdziera się na terytorium wroga na oczach głównej armii i toruje jej drogę, a sztuka historyczna używa się tego terminu w znaczeniu neologizmu Aleksandra Benoisa(1910), pozyskany w pierwszych dekadach XX wieku. Od tego czasu klasyczną awangardę nazywa się ogółem heterogenicznych i różnie znaczących ruchów, kierunków i szkół artystycznych.
Dadaizm, surrealizm, ekspresjonizm, futuryzm i imagizm jako najbardziej wyraziste nurty awangardowe w literaturze zagranicznej pierwszej tercji XX wieku.
DADAIZM (od francuskiego Dada – gadka bez znaczenia) jest bezpośrednim poprzednikiem surrealizmu.
Dadaiści głosili absurd i atmosferę skandalu, dezercji, protestu przeciwko I wojnie światowej, chęci wyrwania społeczeństwa z samozadowolenia. Estetyczną formą ich protestu była nielogiczna i irracjonalna sztuka, często pozbawione znaczenia zestawy słów i dźwięków, skompilowane metodą kolażu Dada. Do najwybitniejszych Dadaistów należy szwajcarski poeta Tristan Tzara (1896–1963), autor książek „Siedem manifestów Dada” (1924), „Człowiek przybliżony” (1931) i słynnych pieśni Dada.
SURREALIZM (od francuskiego Sure'alite - superrzeczywistość) rozwinął się we Francji; jego program zarysowany jest w „Manifeście surrealizmu”, napisanym przez A. Bretona przy udziale L. Aragona w 1924 r. oraz manifeście, który ukazał się w styczniu 1925 r. Zamiast przedstawiać obiektywną rzeczywistość, celem sztuki w nich głosi się nadrzeczywistość nadzmysłową i świat podświadomości, a jako główną metodę tworzenia „pismo automatyczne”, metodę niekontrolowanej wyrazistości i łączenia niekompatybilnych
Poetykę surrealizmu charakteryzują: rozpad podmiotu na części składowe i ich „przeorganizowanie”, warunkowa przestrzeń kosmiczna, ponadczasowość i statyczny kolaż. Wszystko to łatwo dostrzec w obrazach S. Dali, w poezji F. Soupo, J. Cocteau.
EKSPRESJONIZM (fr. wyrażenie - wyrażenie). W latach przedwojennych i podczas I wojny światowej ekspresjonizm, sztuka ekspresji, przeżyła krótki, ale jasny okres rozkwitu. Głównym postulatem estetycznym ekspresjonistów nie jest naśladowanie rzeczywistości, ale wyrażenie swojego negatywnego stosunku do niej.
Przedstawiciele ekspresjonizmu: w sztuce (E. Barlach, E. Kirchner, O. Kokoschka, A. Schoenberg, B. Bartok), w literaturze (F. Werfel, G. Grakl, G. Game i in.).
FUTURYZM (włoski futurismo z łac. futurum - przyszłość) to awangardowy ruch artystyczny przełomu lat 1910. i początku 20. XX wieku, najpełniej przejawiający się we Włoszech (kolebce futuryzmu) i Rosji. Futuryści byli także w innych krajach Europy - Niemczech, Anglii, Francji, Polsce. Futuryzm zadeklarował się w literaturze, malarstwie, rzeźbie iw mniejszym stopniu w muzyce. Kluczowym hasłem włoskich futurystów w literaturze było hasło – „Słowa na wolności!” - nie wyrażać znaczenia słowami, ale pozwolić, aby samo słowo kontrolowało znaczenie (lub nonsens) wiersza.
IMAGIZM pojawił się jako trend w 1908 roku w trzewiach Londyńskiego Klubu Poetów. Fostalizacja znanych form poetyckich zmusiła młodych pisarzy do poszukiwania nowych dróg w poezji. Pierwszymi imagistami byli Thomas Ernest Hume i Francis Flint.
Liderem i niekwestionowanym autorytetem w grupie był Thomas Ernest Hume. Do tego czasu już to zrobił mocne przekonania: „Obrazy w wierszu nie są tylko ozdobą, ale samą esencją intuicyjnego języka”, celem poety jest szukanie „nagłości, nieoczekiwaności kąta”. Według Hume’a „nowe wersety są jak raczej rzeźba niż muzyka i są adresowane bardziej do wzroku niż do słuchu. Ciekawe są rytmiczne eksperymenty Imagistów. Hume nawoływał do „rozbicia rymu kanonicznego”, porzucenia poprawnych konstrukcji metrycznych.
Biorąc pod uwagę kilka nurtów awangardowych oraz twórczość czołowych pisarzy, można postawić tezę, że sztukę awangardową jako ruch artystyczny cechuje subiektywizm i w ogóle pesymistyczny pogląd na postęp i historię, pozaspołeczny stosunek do osoby, naruszenie w niej holistycznej koncepcji osobowości, harmonii życia zewnętrznego i wewnętrznego, społecznego i biologicznego. Światopoglądowo modernizm polemizował z apologetycznym obrazem świata, był antyburżuazyjny; jednocześnie był zaniepokojony nieludzkością rewolucyjnej działalności praktycznej. Modernizm bronił osobowości, głosił jej poczucie własnej wartości i suwerenność, immanentną naturę sztuki. W poetyce testował nietradycyjne metody i formy przeciwne realizmowi, skupiające się na wolnej woli twórcy, wpływając tym samym na sztukę realistyczną.
Notatki z wykładów„Literatura zagraniczna”
Literatura starożytna
Pochodzenie dramatu
Twórczość Ajschylos
„Oresteja”
„Związany Prometeusz”
Sofokles
„Król Edyp”
Eurypides
„Alkesta”
„Elena” (żona Menelaosa)
„Medea”
„Hipolit”
„Chmury”
„Bogactwo” („Plutus”)
Realizm francuski.
"Czerwony i czarny"
"Mała wioska"
„Otello”
Główne drogi rozwoju kultury artystycznejXVIIwiek.
„Fuente Ovehuna”
„Eugenia Grande”
„Kronika panowania KarolaIX» – Prosper Merimee
Antoine de Saint-Exupéry
„Mały Książę”
„Planeta ludzi”
Emil Zola (1840-1902)
Jack Londyn (1876-1916)
George Sand (1804-1870)
Dzika róża.
Goethe (1742 - 1832)
George'a Gordona Byrona
Literatura starożytna
Temat i znaczenie literatura starożytna
Początki literatury starożytnej Grecji.
Poezja i mitologia ludowa.
Znaczenie wierszy „Odyseja” i „Iliada”
W czasach starożytnych Grecja była państwem podzielonym pod względem politycznym. Tych polityk było aż 2000, były one zlokalizowane na Półwyspie Bałkańskim i wzdłuż całego wybrzeża Morza Czarnego. Bardzo Duże miasto Ateny (500 tys. mieszkańców) z systemem niewolniczym.
Całą historię literatury starożytnej Grecji można podzielić na 4 okresy:
Podstawowy (ustna sztuka ludowa UNT)
Grecka klasyka
hellenistyczna
Cesarski
Morfologia grecki zawiera duża różnorodność Formy przypadków, deklinacje, koniugacje. Formy czasowników, różnorodność czasów i nastrojów przekazują różnorodne odcienie, działania, stany trwania.
Pismo starożytnej Grecji istnieje od III tysiąclecia p.n.e. Najpierw pojawiło się pismo obrazkowe, potem linearne. W języku greckim istniało kilka alfabetów. W 403 r. w Atenach powstał alfabet składający się z 24 liter, powszechnie przyjęty do dziś, alfabet ten stanowił podstawę rosyjskiego języka cerkiewno-słowiańskiego. Alfabet kredowy (we Włoszech) stanowił podstawę języka łacińskiego. Nauka paleografia zajmuje się badaniem rękopisów, a badanie papirusów to papirusologia. Epigrafia to nauka o napisach. Źródłem starożytnej literatury greckiej jest ustna sztuka ludowa, mitologia, skarbnica wątków i obrazów. Mit - greckie słowo oznacza fikcję, baśń, za pomocą której myślano prymitywny człowiek nie tylko próbował wyjaśnić niezrozumiałe zjawiska natury, ale także znaleźć do nich klucz, ujarzmić je. Większość obrazów mitologicznych była lokalnie czczona, następnie wyróżniały się bóstwa olimpijskie. Fenomeny społeczeństw życiowych znalazły także odzwierciedlenie w mitach – są to wyodrębnione etapy rozwoju rodziny, cechy życia codziennego, cechy prymitywnego fetyszyzmu i totemizmu zastąpione zostały antropomorfizmem (przedstawienia bóstwa w postaci człowieka).
Było wiele mitów. Wyrażenia frazeologiczne, które do dziś istnieją w naszym języku: pięta achillesowa, koń trojański (trojan), kompleks Edypa - wszystkie zostały zaczerpnięte z mitów starożytnej Grecji.
Wiersz „Odyseja” i „Iliada” powstały w pierwszym tysiącleciu p.n.e. W Ionii autorem tych dzieł jest podobno Homer. Wojna między Grekami a Trojanami została zarządzona z góry. Ziemia zwróciła się do Zeusa z prośbą o zredukowanie ludzkości, przyczyną wojny było porwanie Heleny, królowej Spartan, przez syna króla trojańskiego Paryża. Porwanie ma uzasadnienie mitologiczne, na weselu króla Peleusa i królowej morza Tetydy bogini niezgody Eris rzuciła złote jabłko z najpiękniejszym napisem, o jabłko walczyły Afrodyta, Atena i Hera. Paryż rozstrzygnął spór na korzyść Afrodyty, za co pomogła mu ukraść Helenę. Rozpoczęła się wojna trojańska. Król Sparty Menelaos, mąż Eleny, wysłał armię po swoją żonę, na czele armii postawił swojego brata Agamemnona. Iliada opowiada o jednym wydarzeniu wojny trojańskiej – 51 dni. Wojna trojańska trwała około 10 lat. Jednak daje pełny obrazżycie wojskowe, składa się z 24 pieśni lub ksiąg, jest to opowieść o gniewie Achillesa, syna Peleusa i Tetydy. Jest centralną postacią dzieła, jego przeznaczeniem jest wielka chwała i szybka śmierć. Ahomemne zwraca córkę kapłanowi Apolla Chrysowi, a w zamian zabiera jego jeńca Achillesowi. Achilles rozzłościł się i odmówił udziału w bitwie. Ale po śmierci swojego bliskiego przyjaciela Petrokla wkracza do bitwy.
Bogowie w Iliadzie też byli aktorami, prowadzili bitwę z Olimpu, ale każdy z nich pomagał którejś ze stron, dlatego powstało zamieszanie. Głównym bohaterem tego wiersza jest Odyseusz – król wyspy Itaki, brał udział w wojnie trojańskiej: 10 lat podróżował do domu + 10 lat walczył.
Opowiada o swoich przygodach w drodze do domu. Spotkał się z różnymi potworami: z Cyklopem Polifemem, którego pokonał. Cyklop był synem Posejdona, boga mórz. Bóg zemścił się i stworzył przeszkody. Na swojej drodze Odyseusz spotkał Nimfy, Syreny, Czarodziejki (Kurka wysyła go do podziemi). Nimfa Kalipso obiecuje nieśmiertelność, jeśli z nią zostanie. Tęskni za swoją wierną Penelopą i synem Telemachem. Odyseusz wraca do domu i dowiaduje się, że pod jego nieobecność wielu zalotników zabiegało o względy Penelopy. Rozpoczęli oblężenie jego pałacu, żądając, aby Penelopa wybrała dla siebie męża. Odyseusz ukrywa swoje imię, osiedla się ze świniopasem i we właściwym momencie pojawia się w pałacu na ucztę. Penelopa wyraziła zgodę na poślubienie tego, który będzie w stanie wystrzelić strzałę z łuku Odyseusza i przejść ją przez 12 pierścieni. Ale nikt nie mógł tego zrobić. Odyseusz wyszedł, wziął łuk i wraz z synem zabił wszystkich zalotników. Pokazując liczne obrazy w różnych sytuacjach i kombinacjach, epos homerycki osiąga szeroki zakres działań. Dzieła „Odysei” i „Iliady” nazwano encyklopediami starożytności, ponieważ. zebrali ogromną ilość materiału, są zakorzenieni w greckim folklorze, dzieła te stanowiły podstawę edukacji w starożytnym społeczeństwie.
^ Rozwój literatury greckiej w okresie kształtowania się społeczeństwa starożytnego.
Pochodzenie dramatu
Twórczość Ajschylos
Dramat dzieli się na tragedię, komedię i satyrę dramatyczną. Tragedia w tłumaczeniu z języka greckiego „pieśń kozła”. Wszyscy uczestnicy przedstawień mieli na sobie maseczki, kobiety nie mogły w nich uczestniczyć. Wyposażenie techniczne produkcje były prymitywne. W tragediach brał udział chór i tylko jeden aktor. Chór liczył 12-15 osób. Inscenizacją zajął się khareg (finansista). Odbyły się konkursy i wyznaczono dużą nagrodę pieniężną, konkursy mogły trwać kilka dni.
Ajschylos był pierwszym wielkim poetą Grecji, pochodził ze szlacheckiej rodziny, napisał około 90 tragedii. Największy ślad pozostawiły po sobie jego dwa dzieła „Oresteja” i „Związany Prometeusz”
„Oresteja”
W „Orestei” głównymi bohaterami są Agamemnon (brat Menelaosa), jego żona Klitajmestra, syn Orestes, córka Elektra. Agamemnon wraca do domu, gdzie zostaje zabity przez żonę, która pod jego nieobecność zakochała się w innej i sama postanowiła rządzić. Orestes, syn Agamemnona, dowiedział się o morderstwie ojca przez matkę i postanowił się na niej zemścić. Zabija swoją matkę i za to zostaje postawiony przed sądem. Orestes został uniewinniony.
„Związany Prometeusz”
Główny bohater Prometeusz został przykuty do szczytu skały, zły na Zeusa, ponieważ odważył się dawać ludziom ogień. Codziennie przylatywał do niego orzeł i wydziobał mu wątrobę, która w ciągu nocy odrosła. Na obrazie Prometeusza Ajschylos przedstawił wojownika, moralnego zwycięzcę, którego duch jest niepokonany, jeśli jest uzbrojony w ideę. Prometeusz – symbol wolności, szlachetności, dokonał tego, czego nikt przed nim nie dokonał.
Sofokles
Sofokles urodził się niedaleko Aten, napisał około 120 tragedii. Bohaterowie Sofoklesa mają naturę silną, nieświadomą wahań, są bardziej żywotni niż bohaterowie Ajschylosa. Jego głównym dziełem jest Król Edyp.
„Król Edyp”
Bohatera jako niemowlę zabrano do lasu i pozostawiono na rozszarpanie przez dzikie zwierzęta, stało się tak za sprawą przepowiedni, która przepowiadała jego ojcu, królowi Teb, że umrze z rąk syna, jednak sługa, litując się nad dzieckiem, postanowił oddać je do sąsiedniego królestwa, gdzie król był bezdzietny i księżniczka, która go adoptowała i nadała mu imię Lai (przekłute nogi). Nadchodzi czas i dowiaduje się od wyroczni, że jego przeznaczeniem jest zabicie ojca i poślubienie matki. Myśląc, że jest swoim własnym synem, stara się tego uniknąć i po drodze opuszcza królestwo, spotyka rydwan, na którym jakiś starzec nie ustąpił swojego miejsca, i w gniewie go zabija. Następnie przybywa do Teb i ratuje miasto przed potworem, a w nagrodę poślubi królową Teb, której mąż niedawno zmarł. Został królem. I wtedy miasto zostało uderzone straszne choroby: zaraza, głód i wróżbici powiedzieli, że to wszystko dzieje się z powodu człowieka, który zabił byłego króla Teb. Król Edyp zaczął prowadzić śledztwo w sprawie sowy, w końcu odkrył, że to on był winowajcą, dowiedział się, że zabił swojego ojca i poślubił matkę, z którą miał już czworo dzieci. Oślepił się i opuścił Teby. Jego żona (matka) popełniła samobójstwo.
Poprzez cierpienie Edyp zostaje oczyszczony ze zła, potępia siebie, udaje się do Aten i tam umiera. Główną ideą tej pracy jest chęć człowieka, aby skierować życie we własnym kierunku, ale człowiek nie ma władzy nad losem, próbuje go zmienić, ale nie może.
^W dziełach Sofoklesa bogowie nie są aktorami, są po prostu niewidzialni.
Antygona Sofoklesa
Antygona jest córką króla Edypa. Po opuszczeniu Teb przez Edypa panowało tam dwóch synów. Jeden z synów Polenika zdradził Teby, najął najemników i chciał rządzić samotnie. W końcu umarł, jego krewny, król Kreon, zabronił pochować Polenika jako zdrajcę, ale pochowała go jego siostra Antygona. Kreon rozgniewał się i zamurował ją w jaskini, ale kiedy pokutował, było już za późno, którego syn ją kochał, zabił się, jego żona też się zabiła.
Eurypides
Życie i dzieło Eurypidesa. To jeden z najwybitniejszych dramaturgów na świecie, urodził się na wyspie Salamina, otrzymał dobre wykształcenie. Jego droga twórcza rozpoczęła się w okresie świetności polis ateńskiej, jednak główna część jego działalności przypadła na lata schyłkowe republiki. Nigdy nie sprawował funkcji publicznych, nie był politykiem, ale był pisarzem, filozofem i myślicielem. Napisał ponad 90 dzieł. Eurypides ma krytyczny stosunek do mitologii. Portretuje bogów od strony negatywnej, rozpoznaje jedynie boską esencję rządzącą światem. Wszystkie jego dzieła można podzielić na dwie grupy.
- ^
tragedia
tragedie społeczne.
„Alkesta”
W tym dziele Eurypides przedstawia króla Admeta, któremu bogowie obiecali przedłużyć jego życie, jeśli ktoś za niego umrze. Żona – Alkesta zgadza się. Po śmierci Alcesty w domu pojawia się Herkules, który schodzi do podziemi i wyrywa Alcestę demonowi śmierci.
„Elena” (żona Menelaosa)
Prawdziwa Helena zostaje przeniesiona do Egiptu. Syn króla egipskiego chce się z nią ożenić, ale ona na wszelkie możliwe sposoby opóźnia ślub, w wyniku czego statek rozbija się u wybrzeży Egiptu. Elena ratuje męża i ucieka z nim.
„Medea”
Jego najsłynniejszym dziełem jest Medea.
Córka króla Kolchidy zakochała się w Jazonie Argonaucie, pomogła mu zdobyć Złote Runo, opuściła dom i odpłynęła z nim, zostając jego żoną i urodziła mu dwóch synów. Jazon postanowił poślubić księżniczkę koryncką, tęskni za bogactwem i sławą. Postanawia zabić swoje dzieci, a wcześniej niszczy rywala, wysyłając jej zatrute ubrania. Po tym, jak zabiła swoje dzieci, bóg słońca Helios ratuje ją i zabiera do nieba. Wbrew normom etyki Medea popełnia przestępstwo, wierząc, że człowiek może postępować zgodnie z osobistymi aspiracjami pasji. Eurypides w swoim dziele odsłania duszę człowieka dręczonego wewnętrznym zmaganiem pasji z obowiązkiem, ukazuje bolesny konflikt i nie upiększa rzeczywistości, dochodzi do wniosku, że najczęściej pasja bierze górę nad obowiązkiem, niestety.
„Hipolit”
To syn króla ateńskiego Tezeusza, zakochała się w nim jego macocha Fedra. Pielęgniarka opowiada Hipolitowi o pasji Fedry. Jest oburzony i przeklina ją. Fedra bała się, że powie wszystko jej ojcu i popełnia samobójstwo, zostawiając list, w którym oskarża Hipolita. Tezeusz przeklina syna i ten umiera.
Eurypides poruszył i rozwiązał szereg aktualnych problemów swoich czasów:
o obowiązku i osobistym szczęściu
rolę państwa i prawa, protestuje przeciwko agresywnym wojnom, krytykuje tradycje religijne, głosi ideę humanitarnego stosunku do człowieka.
Początki starożytnej komedii greckiej
Plan:
Folklorystyczne podstawy komedii
Twórczość Arystofanesa
Pierwsze produkcje komediowe powstały u Dionizego (wakacje). Przedmiotem komedii nie jest mitologiczna przeszłość, ale żywa nowoczesność; w komediach autorzy i aktorzy próbowali rozwiązać palące problemy życia politycznego i kulturalnego.
Charakterystyczną cechą starożytnej komedii jest całkowita swoboda osobistej kpiny z poszczególnych obywateli, nawet przy wymienianiu ich imion.
Starożytne komedie nie indywidualizowały obywateli, ale tworzyły uogólniony obraz karykatury.
W przedstawieniach brał udział 24-osobowy chór wraz z prowadzącym: jeden lub dwa.
Wybitnym greckim autorem komedii był Arystofanes, jego dzieła są najcenniejszym źródłem odzwierciedlającym życie kulturalne i polityczne tamtych czasów. Arystofanes był zwolennikiem sztywnego porządku politycznego. Przed nami ukończył takie dzieła jak: „Jeźdźcy”, „Osy”, „Ptaki”, „Chmury”, „Bogactwo”, „Żaby”.
„Chmury”
Bardzo wyjątkowa komedia. Bohaterem tej komedii jest pogrążony w długach właściciel ziemski Strepsiades, który szuka wyjścia z tej sytuacji. nie chce zwrócić pieniędzy. Postanowił więc udać się do pokoju domysłów do Sokratesa. Ale ze starości nie mógł się uczyć i Sokrates go wyrzucił. Następnie Strepssiades namówił swojego syna Phedippidesa, aby poszedł do pokoju doradczego. Fedippides uczył się od Sokratesa, pomagał ojcu nie spłacać długu. Po tym, jak Phedippides pobił ojca i zagroził, że zabije matkę, Strepsiades pali pokój doradczo-rozwojowy.
„Bogactwo” („Plutus”)
Biedny Khremil spotyka boga bogactwa Plutona i leczy go ze ślepoty, a wszystko na świecie wywraca się do góry nogami. Uczciwi ludzie zaczęli żyć w dobrobycie, a wielu nieuczciwych przeżywało złe chwile. A potem pojawia się Bieda i zadaje pytanie: „Jeśli wszyscy będą bogaci, to kto będzie pracował”. Odpowiadają jej „Niewolnicy”. „Gdzie mogę zdobyć niewolników?” Na to pytanie nie ma odpowiedzi i zostaje wypędzona.
Realizm francuski.
Początki realizmu francuskiego.
Plan:
Główne cechy francuskiego realizmu.
Twórcza droga Stendhala i Merimee.
"Czerwony i czarny"
Akcja powieści trwa około 4 lat. Bohaterem powieści jest Julien Sorel. Jego prototypem był Antoine Berthe. Stendhal dowiedział się z gazet, z kroniki kryminalnej o tej historii, która przydarzyła się Antoine’owi Berthe i napisał swoją powieść, pogłębił fabułę, wzbogacił obraz, nadał typowe znaczenie konkretnej sprawie.
Autor obdarzył Sorela niezwykłymi zdolnościami, atrakcyjny wygląd, siła woli. Te cechy pomogły Julienowi szybko wspiąć się po drabinie społecznej. Wchodzi do domu Renala jako korepetytor, następnie wstępuje do seminarium teologicznego i wkrótce zostaje osobistym sekretarzem markiza de La Mole. Zdolności pomagają mu wspiąć się na szczyt, ale są także źródłem jego dumy prowadzącej do upadku. Namiętna i uzależniona natura, zakochuje się w Madame de Rênal, zostaje zmuszony do wstąpienia do seminarium. Kiedy był w seminarium, rozważał każdy swój krok, wiedząc, że najgorszym grzechem w seminarium jest posiadanie własnego zdania. Wypierało go środowisko przyszłych księży. Julien Sorel to postać złożona i kontrowersyjna. Zapał i uczciwość łączą się w nim z roztropnością i trzeźwością, pragnieniem osiągnięć z chęcią dotarcia na szczyt społeczeństwa. Dopiero w więzieniu, w przededniu śmierci, w pełni pojmuje błędność celu, do którego dążył, jego osobisty los kształtuje się pod wpływem czasu, rzeczywistość nie oferuje mu innej drogi niż oportunizm i zimna roztropność. Sorel ogłasza ostateczny werdykt dotyczący epoki na rozprawie, w której wyrok śmierci na siebie uważa za zemstę na wszystkich plebsu, którzy za pomocą umysłu i zdolności chcą zdobyć swoje miejsce w społeczeństwie.
Stendhal miał wielkie cechy ludzkie, nie tylko uczestniczył w wydarzeniach historycznych, myśląc o nich, ale sam żył szeroko i hojnie kochał, walczył, dużo podróżował, zajmował się polityką, filozofował i wiedział o swojej przyszłej chwale : „Będę czytany i za 200 lat”.
William Szekspir (1564-1616)
William Shakespeare urodził się w Stretward jako syn producenta rękawiczek, który później został burmistrzem. Wcześnie opuścił miasto, zamieszkał w Londynie, wstąpił do teatru, gdzie pracował jako sufler, asystent reżysera, następnie aktor.
Stworzył własny Teatr Globe. Pojawienie się geniuszu samouka jest typowe dla renesansu (Szekspir nie otrzymał głębokiego i wszechstronnego wykształcenia). Jego zbiory sonetów, składające się ze 154 wersetów, można podzielić na kilka cykli poświęconych tematyce miłości, przyjaźni, męki zazdrości, refleksji nad własnym losem. Jego twórczość można podzielić na 3 okresy:
Iokres.Pisał wesołe komedie: „12 nocy”, „Śnij noc świętojańska”, a także „Romeo i Julia”, „Richard III”;
IIokres.Szekspir ustanawia i rozwiązuje wielkie tragiczne problemyżycie. W tym okresie twórczości pojawiają się pesymistyczne nuty: „Makbet”, „Hamlet”, „Król Lear”;
IIIokres- to tragikomedia „Opowieść zimowa”, „Burza”.
Fabuła komedii Szekspira jest zawsze malownicza i zabawna, pełna przygód, wypadków, zbiegów okoliczności i nieporozumień, ale w swoich tragediach Szekspir zbliża się do wielkich pytań ludzkiego życia i daje na nie głębokie odpowiedzi. Istota tragedii u Szekspira polega na zderzeniu dwóch zasad: uczuć humanistycznych, czyli: czyste i szlachetne człowieczeństwo oraz wulgarność, podłość oparta na własnym interesie i egoizmie. Szekspir z żelazną logiką pokazuje, jak najlepsi ludzie, szlachetni, mądrzy, giną pod naporem sił ciemności („Hamlet”, „Król Lear”). Z jaką łatwością zło czasami ogarnia dusze, do jakich konsekwencji prowadzi (Makbet, Otello).
Mimo tragicznego zakończenia w tych dziełach, nad ludzką podłością afirmowana jest wewnętrzna prawda. Nad trumną Romea i Julii dochodzi do pojednania dwóch zwaśnionych rodzin. Hamlet zakończył się śmiercią Klaudiusza, porażką duńskiego dworu i rozpoczyna się nowa era, dająca nadzieję na nowe życie.
"Mała wioska"
Hamlet jest złożona praca Szekspir. Mała wioska, Duński książę dowiaduje się o śmierci ojca, którego zabił król Klaudiusz. I w ciągu czterech aktów zastanawia się, wyrzuca sobie, swoim przyjaciołom, marzy o pomszczeniu ojca, a pod koniec aktu 5 zabija złoczyńcę, już przez niego otrutego. „Cały świat to więzienie z wieloma zamkami, lochami i lochami, a Dania jest jednym z najgorszych”. Hamlet dochodzi do wniosku, że do morderstwa mogło dojść ze względu na obojętność, służalczość wszystkich wokół.
„Otello”
W tej pracy wyraźnie prześledzono główny konflikt między jednostką a otaczającym ją społeczeństwem. Miłość ta zrodziła się jako wzajemne zrozumienie, wewnętrzne zbliżenie. Ta miłość ginie w wyniku zderzenia ze światem ambicji, egoizmu, ucieleśnionym w Jago.
Wielkim cierpieniem Otella nie są męki zazdrości, ale utrata wiary w uczciwość Desdemony i możliwość uczciwości na ziemi. Wiele postaci z dzieł Szekspira stało się powszechnie znanych, Szekspir opisuje wszystko ludzkie uczucia które są wieczne w naszym świecie, oszustwo, miłość, zło i zdrada, nienawiść i współczucie, chodzą między nami ramię w ramię. Naturą ludzką jest popełniać błędy, cierpieć z powodu tego, co zostało zrobione, cierpieć z powodu miłości i dopóki człowiek istnieje na ziemi, wszystkie te uczucia będą przez niego doświadczane. Szekspir jest mistrzem portretów psychologicznych, jego bohaterowie to bystre, barwne osobowości. Wnika głęboko w ich dusze, nadaje im cechy oparte na swoim życiowym doświadczeniu, nie bez powodu nazywany jest nie tylko wielkim pisarzem wszechczasów, ale także wielkim psychologiem ludzkiej duszy. Bohaterowie Szekspira żyją wśród nas, spotykamy ich w życiu i rozpoznajemy. Na tym polega geniusz nieśmiertelnego autora.
Główne drogi rozwoju kultury artystycznejXVIIwiek.
XVII stulecie to bardzo specyficzny etap w rozwoju zachodnioeuropejskiej kultury literatury i sztuki. Cechy te w dużej mierze zdeterminowane są uwarunkowaniami historycznymi. Wiek ten jest pełen głębokich sprzeczności. Od końca XVII stulecia feudalna reakcja katalityczna przechodzi szeroką ofensywę i dąży do wykorzenienia wszelkich idei humanistycznych, poglądów materialnych i naukowych (w 1600 r. we Włoszech spalono astronoma Brunona i pisarza science fiction Componelo). W Hiszpanii w tym czasie bardzo szeroko rozwinęła się dramaturgia, zwłaszcza dramat hiszpański, kojarzony z nazwiskiem Lope de Vega (1562 - 1635). Zaczął pisać w wieku 12 lat, a w ciągu 60 lat napisał 1,5 tysiąca sztuk teatralnych. Lope de Vega jest z natury optymistą, ale życie osobiste ma również wpływ na jego twórczość. Lope de Vega jest poetą wrażliwym, a przez to niezwykle popularnym, co było powodem jego ogromnej popularności. Miał wielu naśladowców. Jednym z jego niezwykłych dzieł było „Fuente Ovejuna” („Owce Wiosna”). W XVII wieku w Hiszpanii stworzono duchowe zakony rycerskie, które miały walczyć z Maurami. Na czele zakonu stał Wielki Mistrz, podlegał on jedynie papieżowi. Dowódcy sprawowali władzę lokalnie.
„Fuente Ovehuna”
W XV wieku we wsi Fuente Ovehuna wybuchł bunt przeciwko władzy tego wodza. Dowódca został zabity przez zbuntowanych chłopów. A Lope de Vega wziął ten fakt historyczny za podstawę swojej pracy. Dowódca Fernand Gomez przebywa ze swoim oddziałem we wsi Fuente Ovehuna, obraża miejscowego Olcaldo i próbuje zhańbić swoją córkę Laurencię. Chłop Frondoso, który ją kocha, chroni ją. Ale podczas ich ślubu pojawia się dowódca, rozprasza wszystkich, bije Olcaldo, ojca Laurencii, porywa ją i próbuje powiesić Frondosa. Chłopi nie mogą znieść takiej hańby, wszyscy się zbroją, biją gwałciciela i zabijają komendanta. Król wyznacza w tej sprawie śledztwo sądowe, a na pytanie, kto zabił dowódcę, wszyscy jednomyślnie odpowiadają Fuente Ovejun. A król jest zmuszony zatrzymać ten dwór. Ta sztuka w najwyższych kręgach została przyjęta bez aprobaty.
W czasach Lope de Vegi pojęcie honoru należało jedynie do kategorii uczuć szlachetnych, jednak w tym spektaklu to pojęcie honoru przechodzi do kategorii pozaklasowej, uniwersalnej, staje się synonimem godności, osoby ludzkiej stojącej strzec swoich praw. Choć bohaterem spektaklu jest człowiek, nie wyklucza to dramaturga ukazania roli i znaczenia jednostek. Finał spektaklu wiele podsumował: po pierwsze, zawiera uznanie siły ludu, z czym sam król kazał się liczyć sam ze sobą, a autor, jak wszyscy, stara się uzasadnić zjednoczenie ludu z władzą królewską. mądrych ludzi swoich czasów, Lope de Vega marzył o przemianie rozdrobnienie feudalne Hiszpanię w państwo scentralizowane. Sztuka ta była popularna także w Rosji. Rolę Laurencii odegrała wielka Yermolova.
Lope de Vega nazwał swoje dzieła Płaszczami i Mieczami.
Honore de Balzac (1799-1850)
Balzac był synem drobnomieszczanina, wnukiem chłopa, nie otrzymał takiego wychowania i wykształcenia, jakie zapewnia swoim dzieciom szlachta (przypisano im de cząstkę). Należy do tych młodych, pracowitych ludzi, których w Rosji nazywano raznoczyńcami. Z tych, których nie uczyli nauczyciele, ale z obsesją i pasją przesiadywali nocami nad podręcznikami, płacąc za sukces swoim jedynym kapitałem – zdrowiem. Balzac został wysłany przez ojca do Paryża na studia prawnicze. Uzyskał wykształcenie prawnicze, ale nie zrobił kariery sędziowskiej. Jego wielotomowe dzieło „Komedia ludzka” obejmuje 2000 postaci, 93 powieści, w sumie pisarz wymyślił ich 150. Balzac marzy o pokazaniu całej swojej epoki, ukazaniu życia prywatnego, politycznego, stolicy wojskowej, prowincjonalnej – aby dać „studia o moralności” „różnych kręgów społecznych. Odkryciem Balzaca jest odkrycie osoby społecznej ukazanej w powiązaniu z jej otoczeniem. Pojawiają się one przed nami: lichwiarz Gobsek, który nie zamierza przebaczyć swoim dłużnikom, na końcu powieści Balzac przedstawia samego lichwiarza jako niewolnika skąpstwa, maniaka siedzącego w spiżarni wypełnionej gnijącym jedzeniem, to hrabina Deresto , która swoją próżnością i kokieterią zrujnowała i zrujnowała swojego męża, ojca Goreo, który cały swój majątek oddał swoim córkom i umarł w biedzie i samotności, i wielu innych.
W swojej powieści „Gobsek” Balzac ukazuje głównego bohatera, wybitną osobowość, obdarzoną tajemniczą przeszłością. W wieku 10 lat Gobsek uciekł z domu jako chłopiec okrętowy i pływał przez około 20 lat. W młodości związany ze słynnymi korsarzami, brał udział w wojnie o niepodległość Stanów Zjednoczonych. Taki los przypomina wędrówki romantycznych bohaterów, ale Gobsek nie jest romantykiem, ma jedną pasję do pieniędzy, która zgasiła wszystkie jego pragnienia. Balzac nazywa go „człowiekiem wekselem”, „człowiekiem maszyną”, ma swoją filozofię. Sprytny i przenikliwy Gobsek, nawet na swój sposób uczciwy, przejrzał ludzi z ich wadami, ale Gobsek nie przeciwstawia się złu, sam jest źródłem zła, zniszczenia życia, ma w ręku pieniądze, rozkazuje ludziom pełniej, tym bardziej dusze jego ofiar są zepsute, pragną przyjemności, luksusu i próżności. Bardzo obrazowo opisuje Maxime de Tray, blondyna, eleganckiego, przystojnego mężczyznę, arystokratę, pozbawionego skrupułów, samolubnego, żyjącego kosztem kobiet. Narracja w powieści prowadzona jest w imieniu prawnika Derville'a, nie bogatego i nieszlachetnego, ale uczciwego i przyzwoitego młodego człowieka, który znał Gobska i opowiada o swoim życiu oraz życiu ludzi, którzy go spotkali. Gobsek to rzeczywiście szalona maszyna, ale nie poruszają go ani łzy, ani szloch, odmowę pomocy motywuje tym, że ludzie powinni twardo stać na nogach i żyć w miarę swoich możliwości. Gardzi rozpieszczonymi arystokratami, którzy mogą jedynie wydawać bogate dziedzictwo i szanuje ludzi, którzy zarabiają na życie uczciwą pracą.
W dziele „Ojciec Goreo” akcja rozgrywa się w Paryżu, w pensjonacie wdowy Madame Voke. W dziele występują te same postacie, co w Gobsku, ale dodano nowe twarze. Pensjonat wdowy Voke to miejsce, w którym mieszkają ludzie o niskich dochodach, ludzie z różnych warstw społecznych: kupcy, urzędnicy, studenci i były skazany. Wszystko w tym domu mówi o biedzie: i stare meble z wytartymi dywanami, wyszczerbionymi talerzami i kominkiem, gdzie ze względów oszczędnościowych nie rozpalają ognia. Dla porównania lub porównania podano opis salonu wyższych sfer wicehrabiny de Beauchamp, zgromadzonej tam śmietanki towarzystwa, ale mieszkańcy pensjonatu Voke i goście salonu wyższych sfer żyją według tego samego prawa wilka: wygrywa ten, kto ma pieniądze, kto jest pozbawiony zasad i nie stroni od żadnych środków, aby osiągnąć swój ukochany cel - wzbogacić się.
W powieści bardzo wyraźnie przedstawiono wizerunek studenta Rastignaca, ten młody człowiek przybył z prowincji, aby studiować na uniwersytecie w Paryżu, zrobić karierę i zdobyć bogactwo. Rostignac, dzięki więzom rodzinnym z wicehrabiną, został dobrze przyjęty w jej domu. Goreo, dawny właściciel fabryk makaronu, brał także udział w imprezach towarzyskich w salonie wicehrabii, dzięki udanym małżeństwom swoich córek jedną podarował bankierowi Nusengenowi, a drugą hrabiemu de Restaud. Podzielił swój majątek pomiędzy dwie córki i niczym „Król Lear” Szekspira zbyt późno odkrył dla siebie prawdę – córki go nie kochają, potrzebują tylko pieniędzy, umiera sam, a bliscy nawet nie przyszli go pochować go („Wszyscy dają pieniądze, nawet córki). A dla Rastignaca najważniejsze były pieniądze (pisał do matki – „życie w Paryżu to bitwa, a bronią jest w nim złoto”). Były skazaniec Vautrin jest cynikiem, który psuje duszę Rastignaca. Wszyscy mieszkańcy pensjonatu Voke są bardzo kolorowi i każdy dostaje to, na co zasługuje.
„Eugenia Grande”
Akcja rozgrywa się na prowincji, w małym miasteczku Saumur. Eugenie Grandet, młoda kobieta mieszkająca w domu swojego ojca, bogatego mieszczańskiego winiarza. Jej ojciec jest prawdziwy geniusz finansowy. Powiększył swój majątek, ale właściwości ludzkie jego dusze pozostawiają wiele do życzenia. Jest niesamowicie skąpy. Kiedy jego bratanek Karol przychodzi do niego z wiadomością o śmierci brata, ubolewa nad czekającymi go wydatkami: żałobnymi sukniami dla bliskich i jedzeniem dla Karola. Wkrótce Karol wyjeżdża do Indii w poszukiwaniu łatwego losu (bogactwa), a Evgenia, która szczerze zakochała się w Karolu, czekała na niego od siedmiu lat. Wizerunek Eugenie Grande jest najjaśniejszym obrazem Balzaca. Ta dziewczyna, choć wychowała się w domu ojca, wcale nie jest chciwa, nie jest chciwa. Przed wyjazdem oddała Karolowi wszystkie swoje oszczędności: („Pieniądze to tylko środek, to wszystko!”), Jej pierwsza miłość okazała się jedyną, ale Karol ją oszukał, przyszedł i poślubił inną bogatą dziedziczkę, a on czuje żal, dopiero gdy dowiaduje się, że Eugenia otrzymała spadek o wiele większy niż jego żona. Eugenia poświęciła swoje życie pomaganiu biednym. Jego geniusz polega właśnie na tym, że stworzył właśnie typy społeczne (każdy z nich ma swoje pasje, Gobsek ma pasję gromadzenia, która uczyniła go maniakiem, Goreaux ma ojcowską miłość, Rastignac ma ambicje, a Eugenie Grande ma szlachetność Natura). Wiele postaci, które przechodzą z jednej powieści do drugiej, nie pozostaje niezmiennych. Droga do realizacji pragnień opiera się na trzeźwej wiedzy o życiu, gorzkim rozczarowaniu, zemście za bogactwo otrzymane ze spokojem ducha.
„Kronika panowania KarolaIX» – Prosper Merimee
Fabuła powieści zaczerpnięta jest z epoki wojen religijnych, zmagań katolików z hugenotami 16 wiek
W centrum powieści wydarzenia z 24 sierpnia 1572 roku. Punkt kulminacyjny rozwoju tej powieści noc Bartłomieja„, straszna masakra hugenotów dokonana przez katolików. „Kronika panowania Karola IX „jeden z najgłębszych przejawów zagorzałego antykatolicyzmu Mérimée. Główni bohaterowie: jeden Bernard jest hugenotem, a Georges jest katolikiem, kochają się, ale w końcu brat zabija brata.
Gustaw Flaubert (1821-1880)
G. Flaubert jest autorem dzieła „Madame Bovary”. W 1857 r po opublikowaniu „Madame Bovary” autorkę oskarżono o niemoralność. Prokurator dostrzegł w tej powieści zagrożenie dla moralności publicznej. Flaubertowi zarzucano, że w swojej powieści nie ma ani jednej pozytywnej postaci, a Emma, główna bohaterka powieści, uwodzi młode kobiety. Obrońcy argumentowali jednak, że utwór powstał w celu moralnym, aby chronić młodych ludzi przed występkami. Fabuła tej powieści to historia młodej kobiety od narodzin aż do śmierci, którą Emma wybrała na wzór swoich ulubionych bohaterek romantycznych, jednak nie jest to romantyczna praca. Charakter, postępowanie, zachowanie Emmy są artystycznie uwarunkowane przez samego autora, co jest typowe dla powieści realistycznych. Dzieciństwo Emmy spędziła na farmie, na której dorastała i gdzie wyszła za mąż. Jako wiejska lekarka widzi przed sobą inny świat, stworzony przez jej fantazje. Współczesna prasa i telewizja także dostarczają nam przykładów luksusowego życia, ale jeśli przyjrzymy się zarysom tego życia, od razu dostrzeżemy zarys więźnia, którym okazała się bohaterka Flauberta.
W naszych czasach zastąpienie życia standardowym obrazem pozostało niezmienione, a fałszywe ideały stanowią zasadę zachowania.
Emma Bovary nie chce dzielić trudów zawodu męża. W Charlesie denerwuje ją absolutnie wszystko: sposób ubierania się, jego osądy, ciągłe zmęczenie. Ich relacje rodzinne stara się zabarwić romantyzmem: wieczorami czyta poezję w ogrodzie przy świetle księżyca, gra na pianinie. W obecnym życiu wcale nie potrzebuje wykształcenia, które otrzymała, a potem spotyka ją rozczarowanie, ale wciąż ma nadzieję na odnalezienie bohatera swojej powieści, ale nie jest to jej przeznaczone. To nie istnieje.
Całymi dniami siedziała nad mapami Paryża i wyobrażała sobie siebie na ulicach stolicy, na premierach teatralnych, w salonach wyższych sfer, wiedziała wszystko o paryskim życiu, kto wygrywał na wyścigach, jak debiutował poszła nowa piosenkarka, jakie sklepy się otworzyły. Miasteczko, w którym mieszkała, nazywało się Yonville, łączyło w sobie cechy wsi i miasta. Była to prawdziwa prowincja, gdzie głównym zajęciem była plotka. Wkrótce na kongresie rolniczym Emma Bovary poznaje swojego „bohatera”, bogatego właściciela posiadłości, Rudolphe’a Boulangera. Między tą dwójką rozwija się bliski związek, ale wkrótce opuszcza Emmę, nie chcąc się angażować. Serce Emmy jest złamane, ale ona się uspokaja i na nowo zakochuje się w Leonie, drobnym pracowniku kancelarii notarialnej. Wszystko się powtarza, bo romantyczne impulsy skutkują pragnieniem zmysłowych przyjemności, które nie dają satysfakcji jej sercu. Realista Flaubert nie uważa nieszczęśliwej miłości za przyczynę swojej śmierci. Uwikłana w długi i kłamstwa Emmie wydaje się, że najprostszym wyjściem z tej sytuacji będzie jej śmierć. Idąc za przykładem swoich romantycznych bohaterów, postanawia się otruć. Jednak nawet po jej śmierci żaden z jej problemów nie zostaje rozwiązany. Niepocieszony mąż wkrótce bankrutuje, złe języki Yonville piętnują rodzinę lekarza. Wkrótce jej mąż umiera, a córka pozostaje sierotą. Chora dziewczyna, pozbawiona środków do życia, zmuszona jest iść do pracy w fabryce. Żadnego z mężczyzn występujących w powieści nie można wymienić dobranoc. Wszyscy są słabymi, próżnymi egoistami. Emma też nie jest pozytywną bohaterką, bo nosi w sobie egoizm, duchową nędzę w połączeniu luksusowych marzeń i frywolności. Powieść dla Francuzki okazała się powieścią o mrzonce odbiegającej od rzeczywistości. Sam Flaubert stanął w obronie swojej bohaterki i w ogniu polemicznego lontu wykrzyknął: „Emma Bovary to ja!”
Pisanie tej powieści było dla Flauberta bardzo trudne. zmuszony był myśleć i doświadczać kobiecy wizerunek. Mimo ponurego zakończenia tej powieści życie toczy się dalej, a Flaubert wnikliwie zauważa, że najczęściej oszukane dziewczyny nie umierają, ale zostają pocieszone.
Beaumarchais (Pierre Augustin) (1732-1799)
Beaumarchais narodził się w epoce wspaniałych przygotowań i zakończenia rewolucji burżuazyjnej we Francji. Z pochodzenia należał do klasy burżuazyjnej. Jego ojciec był zegarmistrzem. Następnie Beaumarchais wziął kawałek „de”, chociaż w rzeczywistości nie należał do tej klasy, nie otrzymał poważnego wykształcenia, uczył się w szkole do 13 roku życia. Mój ojciec uważał, że to wystarczy, aby zdobyć zawód zegarmistrza, później Beaumarchais znakomicie opanował zawód zegarmistrza, a nawet dokonał swojego odkrycia - ważnego ulepszenia mechanizmu zegarka. Próbowali ukraść mu to odkrycie, a on opublikował w czasopiśmie zaprzeczenie tej tezy i było to jego pierwsze publiczne wystąpienie. Wkrótce znalazł się już blisko dworu królewskiego, a ponieważ grał na harfie, flecie i bardzo dobrze śpiewał, córki królewskie zaczęły pobierać u niego lekcje muzyki na flecie. Dowcipny, wesoły, nigdy się nie zniechęcający, Beaumarchais wierzył w zwycięstwo umysłu. Po podróży do Hiszpanii, gdzie przebywał przez trzy lata, w wieku 35 lat napisał swoje pierwsze dzieło – dramat „Eugenia”. Ale ten dramat nie został przychylnie przyjęty na dworze królewskim, ale Beaumarchais nie poddaje się i pisze swoje najlepsze dzieło, które naprawdę stało się narodowym skarbem Francji: Szalony dzień czy Wesele Figara, wcześniej napisał kilka komedii, jedną z którego również zyskał światową sławę – „Cyrulik Syberyjski”. Ludwik XVI zakazał komedii, wierząc, że niszczy ona podstawy feudalizmu. Głęboko pogardzając uprzywilejowaną klasą francuską, Beaumarchais zmuszony był liczyć się z jej dominującą pozycją i zaczął czytać swoją sztukę na arystokratycznych salonach. Rosyjska cesarzowa Katarzyna II przychylnie potraktowała Beaumarchaisa i poprosiła go o wystawienie w teatrze tekstów jego sztuk. W 1783 roku sztuka została ostatecznie wystawiona w teatrze dworskim, przy wsparciu królowej Marii Antoniny, a rok później król ustąpił i pozwolił na wystawienie sztuki dla szerokiej publiczności we francuskim teatrze komediowym, co zakończyło się sukcesem niezwykłe.
Beaumarchais w swojej sztuce potępia nie tylko jedną z wad szlachty - rozpustę, ale także inne wady pałacowe: hipokryzję, pochlebstwo, dumę, arogancję. Akcja spektaklu „Wesele Figara” rozgrywa się w domu hrabiego Almaville. To zblazowany hrabia, który zaczyna zabiegać o względy wszystkich kobiet w domu, nie widząc w swojej żonie pięknej kobiety. Szlachcicowi sprzeciwia się plebejusz Figaro, najinteligentniejszy człowiek we Francji, jak go nazywa Beaumarchais. W ich konfrontacji, w ich walce cały cyniczny sens sztuki. Figaro jest obrazem pozytywnym, ukazuje cuda zaradności w zabawach z arystokratami, swoim dowcipem, głębią sądów urzeka widza, Figaro przeszedł trudną szkołę życia i wcześnie poznał prawa moralne społeczeństwa podzielonego na niewolników i panów. Jego życie to historia walki o byt prostego człowieka, próbował wszystkich zawodów, był fryzjerem, dramaturgiem, zapisał się na medycynę, siedział w więzieniu za wypowiedzi polityczne, jego imię po hiszpańsku oznacza „Łotr”.
Beaumarchais narysował w sztuce karykaturę sądu feudalnego, głuchego sędziego, autor ucieleśniał w tej komicznej procedurze sądowej całą procedurę sądową we Francji. Beaumarchais ostro potępia system sprzedaży stanowisk publicznych jako zło niszczące organizację społeczną Francji. Sukces komedii nie uchronił Beaumarchais przed prześladowaniami ze strony arystokracji. Brat króla, hrabia Prowansji, napisał anonimowe zniesławienie. Beaumarchais publicznie obraził hrabiego. Hrabia poskarżył się bratu
Ludwika XVI i umieszcza Beaumarchais w więzieniu św. Łazarza (więzienie dla młodocianych). Potem jednak pojawiła się fala protestów i pięć dni później dramatopisarz został zwolniony. Spektakl „Wesele Figara” wzbudził duże zainteresowanie także w innych krajach. poruszane w nim problemy były istotne także dla społeczeństw innych krajów. Komedie Beaumarchais wyróżniały się pogodą ducha, francuskim humorem i optymizmem. Szybki rozwój fabuły, napięte wydarzenia sceniczne. Jasne kolory w opisach postaci, dowcipne dialogi - wszystko to przyniosło Beaumarchais światową sławę. Szczególnie udane są dialogi Beaumarchais. Mowa jego bohaterów jest aforystyczna, ale Francja nie mogła mu wybaczyć jego pracy. Ciągle drukowano pod jego adresem paszkwile, musiał walczyć o swój honor i godność. Podczas Wielkiej Rewolucji Francuskiej Beaumarchais pozostał wierny swojej ojczyźnie. Chce pomóc rewolucjonistom i kupuje 10 000 sztuk broni dla armii francuskiej. Ale Holandia zakazała eksportu broni z kraju. A Beaumarchais zostaje oskarżony o ukrywanie broni w domu, jego dom zostaje przeszukany, zostaje aresztowany i wkrótce zwolniony. Aby udowodnić swoją lojalność, sam Beaumarchais udaje się do Holandii, następnie do Anglii i w tym czasie w Paryżu zostaje uznany za zdrajcę i zbrodniarza państwowego, a w Anglii na skargę wierzyciela trafia do więzienia, ale wkrótce udaje mu się uwolnić i wyjeżdża do Francji, próbuje przemycić broń, ale mu się to nie udaje, i pisze pamiętniki, w których opowiada o swoich nieszczęściach, ale jego majątek zostaje aresztowany, a on jest wpisany na listę emigrantów i dopiero po trzech latach zatriumfowała sprawiedliwość, pozwolono mu wrócić do ojczyzny.
Beaumarchais zrobił wiele, aby zniszczyć stary ustrój feudalny, który utrudniał rozwój społeczny Francji.Wybitny artysta słowa, pozostawił ludzkości swoje nieśmiertelne dzieła, które zarówno samodzielnie, jak i przy genialnej muzyce Mozarta i Rossiniego pozostaną na zawsze w skarbnicy światowej kultury.
Francois-Marie Arouet Walter (1694-1778)
Urodził się w Paryżu, jego przodkowie byli mieszczanami. Jego dziadek był kupcem, zajmował się suknem, a ojciec ukończył studia prawnicze i kupił stanowisko notariusza (stanowisko zostało odziedziczone). Wkrótce ożenił się z córką urzędnika sądowego. Francois-Marie był drugim synem w rodzinie, jego starszy brat otrzymał bardzo ściśle religijne, katolickie wychowanie, co nie podobało się jego ojcu i najmłodszego syna posłał do szkoły ojców jezuitów, College of St. Louis. W wieku 10 lat Francois-Marie uczył się z przyjemnością, był uważany za osobę utalentowaną. Tutaj ojcowie jezuici obawiali się, że w umysłach ich uczniów dojrzeje wiara w władzę Kościoła, w władzę szlachty, co dotyczy wypełniania dogmatów religijnych, tutaj opaci złagodzili swój zapał, więc swobodni- Myślenie o małym Arue uszło mu na sucho, bo miał wspaniałą logikę myślenia, subtelny i elastyczny umysł, zamiłowanie do sporów. Wielki wpływ wywarło na niego spotkanie z Niną de Lanclos, która słynęła z urody i inteligencji.
Wkrótce Voltaire opuścił college, a ojciec zdecydował się wysłać go na naukę łaciny sądowej i zrobić z niego prawnika. Wśród francuskich oświeceniowców stał się zauważalny i wpływowy, a do historii kultury światowej wszedł pod pseudonimem Voltaire. Subtelny dowcip, elegancki werset czy potoczna ocena ludzi, rzeczy doprawione nieskromnymi kalamburami, odbierane były jako wykwintne danie na uroczystym przyjęciu. Jego towarzystwo było lubiane, ale swoim dowcipem przysporzył sobie wielu wrogów. Zostawione przez Waltera dziedzictwo literackie w ogromnym stopniu był czołowym dramaturgiem swoich czasów. Voltaire zaczynał jako poeta i dramaturg, potem jako historyk, ale zasłynął i pozostał w naszej pamięci jako filozof. W wieku 53 lat został wybrany do Akademii Francuskiej, a nieco wcześniej Ludwik mianował go historiografem nadwornym. Oprócz powieści, takich jak Niewinny, Kandyd, Dziewica Orleańska, napisał także szereg broszur politycznych, w których sprzeciwiał się obskurantyzmowi, próbując chronić niewinne ofiary bezprawia i fanatyzmu religijnego. Stworzył także takie dzieła jak „Doświadczenie moralności”, „Słownik filozoficzny”, za te pisma został przeklęty przez Kościół i wyższe sfery. W opowieściach Woltera odzwierciedlały się wydarzenia historyczne, które niepokoiły całą Europę. Głównymi problemami, które zajmowały Voltaire'a, był stosunek dobra do zła na świecie, ich wpływ na ludzkie przeznaczenie. Voltaire jest przekonany, że życie człowieka to łańcuch drobnych wypadków, czasem radykalnie zmieniających życie, wdeptujących je w błoto lub podnoszących na niedostępne wyżyny. Voltaire, podobnie jak inni oświeceniowie, nie tylko stworzył, ale i zniszczył, wywracając wszystko do góry nogami. Mówił o absurdzie nawykowych prawd, obyczajów, że życie jest ruchliwe, nieprzewidywalne, obce są mu stabilność, pewność, pokój. Dobro i zło przeciwstawiają się sobie w życiu. Każda siła ciągnie w swoim kierunku. Ich harmonia jest wyimaginowana, równowaga nie jest stabilna. Voltaire ocenia ludzką egzystencję nie na podstawie zasady kościelne, ale z punktu widzenia rozumu i zdrowego rozsądku, nie przyjmując niczego na wiarę i poddając wszystko krytycznej analizie. Wolter napisał filozoficzną przypowieść orientalną. Główny bohater lub przypowieść, w pierwszej kolejności naiwny i prostoduszny, musi przeżyć wiele niespodzianek i wstrząsów. Zna zdradę żony, zmienność władców, pośpiech w wydawaniu wyroków sądowych, zazdrość dworzan, surowość niewolnictwa i wiele więcej, choć Zadik niezmiennie stara się wierzyć, że nie jest tak trudno być szczęśliwym, ale jego nastawienie do życia staje się coraz bardziej pesymistyczne. Frustruje go nawet nie nadmiar zła w życiu, ale fakt, że to zło jest nieprzewidywalne, nieoczekiwane. Iezrad, który poznał Zadikę, stwierdza: „W życiu nie zdarzają się wypadki, wszystko w tym życiu jest próbą lub karą, nagrodą lub przeczuciem”. Opowieść „Zadik i los” kończy się szczęśliwie, jak przystało na orientalne opowieści. Voltaire, mimo zaawansowanego wieku, na krótko przed śmiercią przemawiał na posiedzeniu Akademii Francuskiej i zaprosił swoich kolegów naukowych do stworzenia słownika Francuski i przejął Tom I „A”. W 1778 r Voltaire zmarł wiosną, ale pozostanie w naszej pamięci jako wielki pisarz i filozof.
Antoine de Saint-Exupéry
Urodzony w 1900 r., zmarł w 1944 r.
Jego rodzice pochodzili z rodziny arystokratycznej, jednak tak wysokie pochodzenie i tytuł (hrabia) nie odpowiadał faktycznemu pozycja w społeczeństwie rodzina: jego ojciec był inspektorem firmy ubezpieczeniowej. Po śmierci ojca mały Antoine pozostał z mamą oraz 4 braćmi i siostrami. Zostali bez środków do życia, a babcie pomagały dzieciom w zdobyciu wykształcenia. Po szkole Antoine wstąpił na wydział architektury Akademii Sztuk Pięknych, ale nie przestał myśleć o marzeniu o zostaniu pilotem i wkrótce, bez żadnego wcześniejszego szkolenia (szkolili go miejscowi piloci za 2000 franków), wstąpił do pułku lotniczego, otrzymał stopień młodszego porucznika. Po poważnym wypadku zostaje zdemobilizowany i pracuje albo jako kontroler w fabryce, albo jako agent firmy samochodowej. Po 4 latach ponownie wraca do lotnictwa i publikuje swoje pierwsze prace (27 lat). Wkrótce dostaje własny samolot i próbuje uczestniczyć w długich lotach, ale wszystkie te próby kończą się niepowodzeniem z powodu wypadków. W 1939 r wychodzi jeden z najbardziej znane prace E. Saint-Exupery „Planeta ludzi”. Jego stosunek do wojny (II wojny światowej) jest bardzo ciekawy. Postawa ta uległa istotnej transformacji. W młodości był zdeklarowanym militarystą. Wraz z nadejściem wojny Exupery radykalnie zmienia swój punkt widzenia.
Przydzielony jest do pułku bojowego eskadry rozpoznawczej. W tamtym czasie wiele osób nie znajdowało odpowiedzi na pytania stawiane przez życie (wszystko to wiązało się z grami politycznymi), nic nie zależało od odwagi i męstwa armii, wszystko zostało już postanowione na górze, Francja musi zostać podbili. Saint-Exupery opuszcza wojsko i przenosi się do Ameryki, gdzie ukazuje się jego książka „Pilot wojskowy” – książka pełna surowego i tragicznego optymizmu, książka, w której z zadziwiająco autentycznych scen lotów nad pokonaną Francją rośnie przekonanie w zwycięstwo sił humanizmu i dobroci. W tym okresie powstały inne dzieła „Mały Książę”, „Cytadela”, „Apel do Francuzów”. Saint-Exupery stara się osobiście walczyć z nazistowskimi Niemcami.
W 1944 roku Saint-Exupery nie wrócił z misji bojowej. Fotografował obiekty w pobliżu swojego rodzinnego Lyonu. Saint-Exupery nazywany jest pisarzem-pilotem. Znamy wielu pisarzy-żeglarzy, pisarzy-dyplomatów, jednym słowem ludzi, którzy przeżyli ciekawe życie i potrafi o tym rozmawiać.
„Mały Książę”
To baśń o dziecku, ale baśń, która przybrała formę przypowieści filozoficznej. Ma adresata, dedykowanego przyjacielowi Leonowi Werthowi. Fabuła tej bajki jest fantastyczna, spotkanie rozbitego pilota z kosmitą z innych światów - zabawnym, malutkim człowieczkiem. Mały Książę swobodnie przemieszcza się z planety na planetę, ludzie i zwierzęta mają głosy, słyszą się i rozumieją. Świat jawi się jako jeden. Mały Książę prosi o narysowanie pilota-baranka i na tym rysunku zobaczył to, czego nie widzą dorośli, przeciwieństwo dzieci i dorosłych, ta myśl przewija się przez całą bajkę i wbrew zwyczajowi to dzieci uczą dorosłych dobroć i wierność, a dzieci mają najwyższą mądrość. Mały Książę widzi wszystkie mankamenty cywilizacji, które polegają na tym, że „Dorośli wykorzenili w sobie wszystko, co naturalne, zapomnieli, że są ludźmi, a zamiast ludzi pojawiają się istoty ludzkie, które pełnią różne role w teatrze nowożytnym cywilizacja." W bajce jest to król, który przestrzega wszystkich pałacowych rytuałów, ale w rzeczywistości nie ma władzy nad ludźmi i wydarzeniami, biznesmen uważający się za poważnego, który stał się jakby maszyną liczącą, geograf piszący grube księgi, opisujące okolicę, w której nigdy nie był. Wizerunek Róży pozbawiony jest specyficznych cech życia codziennego, wiadomo jedynie, że ma kolce i jest piękna. Małemu Księciu trudno się z nią dogadać, bo dręczy go swoimi kaprysami, wyzwiskami, a później książę wyznaje pilotowi, że żałuje swojego wyjazdu, że porzucił różę, że był za młody i zrobił to nie wiem jak kochać. W tej opowieści jest jeszcze jedna koncepcja – oswoić. Tutaj spotykamy lisa. Przed spotkaniem z Małym Księciem Lis nie był jeszcze oswojony. Znał tylko kurczaki, na które polował, myśliwych, którzy na niego polowali, i strach. Mały Książę rozświetla życie Lisa nowym światłem, zaczyna słyszeć i widzieć, czego nigdy wcześniej nie zauważył. Nie jest łatwo stworzyć takie więzi. Dla Małego Księcia jego róża jest jedna, jedyna - nie zauważa innych róż: „W niczym nie przypominasz mojej Róży, powiedział książę, jesteś jeszcze nikim i niczym, nie zostałaś jeszcze oswojona i nikogo nie oswoiłaś Saint-Exupery przedstawia nam swoją główną ideę: ten, o którego dbał, któremu oddał swoją duszę, którego oswoił, staje się drogi, piękno nie istnieje, jest stworzone przez miłość i ten, który stworzył dla niego miłość, jest odpowiedzialny. Mały Książę ponownie powraca na swoją planetę, którą także oswoił, sprzątając ją, dekorując, ceną za ten powrót jest śmierć. Zakończenie opowieści jest tragiczne, ale wciąż brzmi w niej jasna nuta. Pilot patrzy na gwiazdy i słyszy śmiech Małego Księcia. Nie ma śmierci, dopóki żyje pamięć. W Małym Księciu jest wiele od samego autora, który napisał: „Szukajcie mnie w tym, o czym piszę” – i naprawdę odnajdujemy go w tym, co pisał, w tym, jak żył i jak umarł.
„Planeta ludzi”
Ten kawałek jest bardzo trudny do opisania.
Centrum tego dzieła stanowi osobowość autora, głównym bohaterem tej powieści jest pisarz i pilot. W tej powieści opisano kilka historii, rozdział „Towarzysze” jest interesujący. Saint-Exupery opowiada o wypadku pilota w Andach, o tym, jak zagubiony w śniegu zmusza się do czołgania do przodu, zapominając o bólu, rodzi go poczucie odpowiedzialności, najpierw za żonę, potem za siebie, za pocztę, za towarzyszy, którzy czekają na jego powrót, jest odpowiedzialny za wszystko. Temat odpowiedzialności nie jest dla Saint-Exupery’ego nowy, być może najważniejszy na „Planecie Ludzi”. Inny przypadek opowiada o ofiarach wypadku na pustyni libijskiej, umierających z pragnienia i zmęczenia. W tej sprawie był sam Saint-Exupery i jego mechanik: „Tak, mówię o sobie…”. Oto, że nie do zniesienia jest myślenie o tych, którzy na Ciebie czekają i kierowani miłością bliskich, bohaterowie dokonują prawdziwego cudu: „Wyrywają się z niewoli piasków i wracają do ludzi. Saint-Exupery spotyka w pociągu małżeństwo, jeszcze młode, ale już wyblakłe od ciągłych przeciwności losu, obok nich jest dziecko, ale wszyscy są skazani na zagładę, ludzie przyzwyczajają się do biedy, tak jak przyzwyczajają się do bezczynności.
Charlotte Brante (1816 - 1855)
Charlotte Brande urodziła się w Yorkshire w rodzinie wiejskiego księdza. Peru tej pisarki posiada takie powieści jak „Nauczyciel”, „Shirley”, jej najsłynniejszą powieścią była „Jane Eyre”. Problematyka jej prac związana jest z reliefem nierówności społeczne i propagowanie równości kobiet. Powieść „Jane Eyre” nawiązuje do angielskiego realizmu krytycznego. Innowacyjny charakter tej książki polega na tym, że tkwi w jej bohaterce prosta kobieta, odważnie broniąc swojej godności ludzkiej, prawa do samodzielnego życia i miłości. Jane Eyre jest aktywna i aktywna, jej wizerunek to wizerunek kobiety kochającej wolność, poważnie zastanawiającej się nad życiem, głęboko odczuwającej i głośno deklarującej swoje aspiracje i uczucia, było nowym zjawiskiem w ówczesnej angielskiej powieści. Na obraz Jane Eyre pisarka ucieleśniała swoje wyobrażenia o współczesnej kobiecie, która jest w stanie określić swoje życie i stać się nie tylko żoną, ale także wierną przyjaciółką. Autobiograficzny początek Jane Eyre jest świetny. Podstawą fabuły jest historia życia prostej dziewczynki – sieroty Jane Eyre zmuszonej walczyć o byt. Powieść napisana jest emocjonalnie, głębia uczuć łączy się w niej ze specyfiką opisów i ostrością treści społecznych. Autorka barwnie i szczegółowo opisuje internat, w którym uczyły się dzieci pozostające na utrzymaniu państwa. Sama pisarka kiedyś studiowała i mieszkała w tak charytatywnej szkole z internatem. Świat duchowy bohaterki tej powieści jest bogaty. Jest inteligentna i spostrzegawcza, jej motywy i uczucia są szczere. Choć sama pisarka nie była ateistką, w swojej powieści potępia obłudę i obłudę mieszkańców kościoła. Powieść tę nazwano nawet dziełem antychrześcijańskim, chociaż sama pisarka była wierzącą chrześcijanką, ale sprzeciwiała się fanatyzmowi religijnemu, nieludzkości duchowieństwa. Charlotte Branté w swojej powieści nie porusza kwestii politycznej równości kobiet, broni jedynie prawa kobiet do równości w rodzinie. Wartość artystyczną powieści naruszają sceny melodramatyczne. W fabułę wplecione są nieusprawiedliwione wypadki, fatalne sekrety, szczęśliwe spotkania, które pomagają zakochanym odnaleźć szczęście.
Prosper Merimee (1803 - 1870)
Jego ojciec był artystą lubującym się w malarstwie słowiańskim. Prosper Merimee przyjaźnił się z wieloma Rosjanami, doskonale mówił po rosyjsku, tłumaczył Damę pik i wiersze Puszkina.
Fenimore Cooper (1789 - 1851)
Największa amerykański pisarz romantyk piszący o bezlitosnej wojnie kolonistów z Indianami.
Cooper w młodości był zafascynowany wszystkimi wydarzeniami związanymi z ogłoszeniem niepodległości Ameryki. Studiował w Yale, ale go nie ukończył, wolał życie akademickie, szkołę życia.
Przez pewien czas służył w Marynarce Wojennej, a następnie osiadł w rodzinnym Cooperstown. Cooper spędził kilka lat podróżując po Europie. Podczas rewolucji (1830) przebywał we Francji. Twórczość Coopera związana jest z wczesnym etapem rozwoju romantyzmu w Stanach Zjednoczonych. Do literatury światowej wszedł jako twórca amerykańskiej powieści społecznej. Napisał wiele powieści, kilka odmian: historyczne - „Szpieg”, „Brawo”, „Kat”; Marine - „Pilot”, „Pirat”; powieści pisane w formie kroniki rodzinnej - „Czerwonoskórzy”, „Cholerny palec”;
Powieści publicystyczne - „Dom”, „Dom”.
Głównymi dziełami Coopera, nad którymi pracował przez wiele lat, jest cykl powieści o skórzanych pończochach, nazywane są powieściami indiańskimi, w pentalogii o skórzanych pończochach znajdują się następujące powieści: Pionierzy.
Prace Coopera odzwierciedlały historyczne wzorce rozwoju cywilizacji amerykańskiej. Pisał o wydarzeniach rewolucji amerykańskiej, o podróżach morskich, o tragicznych losach plemion indiańskich. Znaczenie problematyki łączyło się w powieściach Coopera z wyraźnym początkiem przygody i fascynacją narracją oraz siłą romantycznej wyobraźni z autentycznością. Podróżując po Europie Cooper odwiedził Francję, Niemcy, Włochy i naprawdę chciał odwiedzić Rosję (Odessa). W ciągu lat pobytu w Europie napisał kilka powieści poświęconych przeszłości. kraje europejskie(„Brawo”, „Kat”). W swojej pentalogii o skórzanej pończosze opisuje losy amerykańskiego pioniera kapitana Bumpo, pisarz uchwycił proces zagospodarowania ziem amerykańskich przez europejskich kolonistów. W powieściach tych żyje i działa przed czytelnikiem stary, niepiśmienny, na wpół dziki człowiek, który jednak doskonale posiada najlepsze cechy człowieka prawdziwie kulturalnego: nienaganną uczciwość wobec ludzi, miłość do nich i nieustanną chęć pomocy bliźniemu, ułatwić mu życie, nie szczędząc wysiłków. Bohaterów Coopera czeka wiele niezwykłych przygód, wezmą udział w zaciętej walce o niepodległość. Cooper był zwolennikiem amerykańskiej demokracji, jednak widząc, co działo się w Europie, obawiał się, że Ameryka wpadnie pod panowanie oligarchii finansistów i przemysłowców. Po podróży zmienił swoje spojrzenie na amerykańską rzeczywistość. Europejskie wrażenia pomogły mu głębiej zrozumieć fenomen życia w Stanach Zjednoczonych, wiele rzeczy rozczarowało go chwaloną wcześniej amerykańską demokracją. Był świadkiem ogólnokrajowego przypływu zysków i spekulacji.
Z ostrą krytyką burżuazyjnej Ameryki Cooper wypowiadał się w powieściach „Na dole”, „W domu”, a zwłaszcza w powieści „Monikiny”, która jest satyrą społeczno-polityczną na państwa burżuazyjne. Krytykę porządku burżuazyjnego prowadził Cooper ze stanowiska konserwatywnego; skłaniał się ku cywilizacji patriarchalnej farmy amerykańskiej.
Emil Zola (1840-1902)
Emile Zola to jeden z najwybitniejszych pisarzy francuskich drugiej połowy XIX wieku. Był twórcą teorii naturalizmu – kierunku, który powstał w latach 60. i 80. XX wieku. XIX wiek. W swoich licznych artykułach zarysował i uzasadnił teorię naturalizmu jako nowej i jedynej metody w literaturze: najsłynniejszym dziełem teoretycznym Zoli jest Powieść Eksperymentalna.
Naturalizm, zdaniem Zoli, jest rozwinięciem tradycji realizmu z przeszłości. Zola interesuje się sukcesami nauki, odkryciami biologii, medycyny i wierzy, że prawa rozwoju i świata zwierząt można przenieść na społeczeństwo(„Te same prawa rządzą kamieniem na drodze i ludzkim mózgiem”). Zola uważał, że pisarz powinien badać i odzwierciedlać fakty rzeczywistości w sposób ściśle obiektywny, a nie kierować się sympatiami osobistymi lub politycznymi. Chęć analizy naturalistycznej, szczegóły życia codziennego i zainteresowanie fizjologią połączyły się u Zoli z tendencją do tworzenia cykli powieściowych obejmujących duże i różne grupy ludzi, połączonych pokrewieństwem i losami społecznymi. Jeden z najbardziej słynne powieści Zola był „Rougon-Macquart” – cykl powieści składający się z 20 tomów, który pisał przez 22 lata. Była to historia społeczna jednej rodziny. W powieściach tych zidentyfikowano dwa zadania. Po pierwsze, aby przedstawić historię różnych przedstawicieli tej rodziny w kilku pokoleniach w oparciu o teorię dziedziczności. Po drugie, aby pokazać środowisko społeczne, w którym żyją i działają przedstawiciele tej rodziny, ale przede wszystkim „Rougon-Macquarts” to artystyczna kronika Francji w okresie II Cesarstwa. Zola ukazuje pozycję różnych klas i grup społecznych. Jego powieść przedstawia elitę rządzącą, wyższe społeczeństwo republiki, wielką burżuazję finansową, bankierów, spekulantów, dla których reżim Napoleona III stanowił dogodną okazję do splądrowania Francji. Drobnomieszczaństwo, reakcyjne duchowieństwo, rzemieślnicy i robotnicy, chłopstwo, inteligencja. Zola przedstawiła życie tych wszystkich ludzi, różnych warstw społeczeństwa. Jego wielką zasługą było to, że choć był zwolennikiem naturalizmu, losy i charakter jego bohaterów wyjaśniają nie czynniki biologiczne, ale społeczne. Pisarz widział przeciwieństwo rzeczywistości, chciał zmian i odnowy świata, ale bał się rewolucji, nie chciał jej i miał nadzieję na pokojowe rozwiązanie, konfrontację pracy z kapitałem. Jeden z słynne powieści było „Germinal” (nazwa miesiąca wiosennego w kalendarzu rewolucyjnym ustalonym w okresie rewolucji burżuazyjnej). Powieść ta naprawdę ukazuje warunki życia prostego ludu pracującego i wzór ich oburzenia. Bohaterami są górnicy, którzy za swoją ciężką pracę otrzymują znikomą zapłatę. Zola przesadza także, opisując relacje osobiste i życie rodzinne górników. Zola brał czynny udział w życiu społecznym Francji. Występował w obronie Dreyfusa – kapitana armii francuskiej – Żyda oskarżonego o zdradę stanu i skazanego na ciężkie roboty. Zola opublikował słynny list do prezydenta Francji w obronie Dreyfusa, za co został skazany na karę więzienia. Został zmuszony do ucieczki z Francji i zamieszkania w Anglii, ale wrócił rok później. Zola była znana i kochana w Rosji. Niektóre z jego dzieł ukazały się najpierw w Rosji, a następnie we Francji. Sam Zola napisał, że Rosja położyła podwaliny pod jego światową sławę i zawsze był wdzięczny temu krajowi: „który zapewnił mu platformę i najbardziej wykształconą, pełną pasji publiczność”.
Choć Zola wspierał masy pracujące, obce były mu myśli o drastycznych zmianach w społeczeństwie, pragnął pewnej poprawy warunków życia zwykłych ludzi.
Jack Londyn (1876-1916)
Urodzony w San Francisco, w biednej rodzinie. Od 10 roku życia pracował jako gazeciarz.
W 1893 roku został zatrudniony jako marynarz.
W 1893 r Swoje pierwsze opowiadanie napisał pracując w fabryce – „Tajfun u wybrzeży Japonii” i otrzymał nagrodę gazety „Kolya” z San Francisco.
Jack London w ciągu 17 lat swojej twórczości, oprócz licznych powieści, napisał ponad 150 opowiadań.
Jack London był w ciągłej potrzebie. Zawarł swoje pierwsze małżeństwo z nauczycielką, ale był nieszczęśliwy i rozwiedziony, potem ożenił się z inną, ale zawsze czuł się samotny. Zaczyna pić.
22 listopada 1916 Londyn nagle umiera.
George Sand (1804-1870)
Urodziła się w Paryżu, dzieciństwo spędziła w majątku, wychowywana przez babcię. Aurora spędziła kilka lat w instytucja edukacyjna w klasztorze przez około 3 lata. Po śmierci babci Aurora została dziedziczką majątku Naan. Rok później wyszła za mąż za pana Dudevanta, ale małżeństwo było nieszczęśliwe. Romantyczna i pełna wzniosłych uczuć Aurora była całkowitym przeciwieństwem niegrzecznego i rozważnego Dudevanta. Wkrótce rozwiodła się. 3 Następnie wyjeżdża do Paryża. W Paryżu poznaje pisarza Julesa Sando. Wspólnie publikują kilka dzieł, w których pojawia się życie monastyczne, życie prowincjonalnej szlachty, ale wkrótce została zmuszona do opublikowania swoich dzieł pod pseudonimem George Sand. Jej powieść „Indiana” wzbudziła duże zainteresowanie opinii publicznej – w tej książce ujawnia się charakterystyczna cecha pisarki – chęć połączenia dramatu życia, dramatu świadomości bohaterów z ich środowiskiem społecznym.
Akcja powieści obejmuje około 4 lat, a były to lata 1827–1837. (był bardzo burzliwy moment w historii - francuska rewolucja burżuazyjna. Z tronu zszedł Karol X, a wstąpił na niego Ludwik Filip Orleański).
W Indianie opisane są nie tylko relacje bohaterki z otaczającymi ją ludźmi, ale także opowiada o reakcji władz, o stłumieniu powstania w Paryżu, ale w centrum całej powieści oczywiście jest emocjonalny doświadczenia Indiany, która została żoną pułkownika. Delmar, chciwy i okrutny, przyziemny materialista, który zupełnie nie pasował do jego romantycznej żony. Indiana została żoną siłą, a nie miłością. A kiedy poznaje mężczyznę, który spełnia jej wyobraźnię, zakochuje się w nim. To Raymond de Ramer, paryżanin, publicysta, osoba utalentowana i duchowa. Wciąż bardzo interesujący w powieści jest wizerunek kreolskiej zakonnicy, która później zakochuje się w Ramerze, ale ta miłość okazała się dla niej śmiertelna.
Ta powieść odniosła ogromny sukces. Balzac tak o nim mówił: „Ta książka to reakcja prawdy na fantazję, naszych czasów na średniowiecze, wewnętrzny dramat na niezwykłe wydarzenia, które weszły w modę”. George Sand była pierwszą kobietą, której udało się pokazać swoim współczesnym, co dzieje się w duszy kobiety zmuszonej żyć z niekochaną osobą, nienawidząc za to zarówno jego, jak i siebie.
George Sand w wieku 32 lat publikuje swoją nową powieść Valentina. Tutaj pisarz demonstruje umiejętności psychologa. W centrum tej powieści znajduje się miłość chłopa Benedykta – żony szlachcica de Lansan Valentina, która kończy się tragicznie.
Wybierając temat wielkości kobiecej duszy, pisarz potwierdza ideał rodziny opartej na serdecznej inklinacji małżonków i wprowadza do normy następującą zasadę - należy zniszczyć więzy małżeńskie, jeśli są nienawidzone przez oboje małżonków. W tym samym roku George Sand przechodzi poważny kryzys psychiczny, który prawie kończy się samobójstwem.
Wszystkie powieści George Sand opowiadają o miłości, wszystkie jej bohaterki to bystre, niezwykłe osobowości. Sama pisarka wierzy, że miłość jest uzdrowicielem, który podnosi człowieka, ale miłości towarzyszy zdrada i oszustwo, dużo podróżowała i miała ciekawe znajomości.
Po pobycie we Włoszech w 1834 r. napisała powieść psychologiczną „Jacques”. Powieść ta ucieleśniała ideę pisarza „miłość jest uzdrowicielem, który podnosi człowieka i twórcą jego szczęścia”, ale nierzadko miłość może powodować zdradę i oszustwo. Główną bohaterką powieści jest wzniosła, czysta natura - jest zakochana w swoim mężu, jest jego idolem, ich życie rodzinne opiera się na szczerej przyjaźni. Dramatyczny charakter wydarzeń powieści wiąże się ze spotkaniem Ferdynanda z romantyczną osobowością Aktavem. Ferdynand cierpi, cierpi, ale jej mąż Jacques nie uznaje kompromisów, popełnia samobójstwo, aby uwolnić żonę. W latach 30. George Sand poznała wielu pisarzy i poetów. Duży wpływ na to miały idee utopijnego socjalisty Pierre'a Leroux.
Pisarka ucieleśniała w swojej twórczości problem rewolucyjny (wówczas w literaturze rozpowszechnił się temat „francuska rewolucja burżuazyjna XVIII wieku”).
Przez ostatnie lata George Sand aktywnie pracowała nad dialogiem „Consuella” i „Hrabina Rudolstag”. Sama pisarka pracując nad tymi powieściami nie wnika już w psychologię swoich bohaterów, ale stara się odsłonić społeczne korzenie swoich bohaterów i ich działań. W dialogu pisarka doprecyzowuje swoje poglądy, znajduje ważkie argumenty na poparcie swoich demokratycznych przekonań. Podstawę historyczną i publicystyczną wielu jej powieści czerpie się nie tylko ze źródeł książkowych, gdyż duży wpływ na nią wywarł Pierre Leroux, członek organizacji Karbanar, a następnie członek loży masońskiej.
W pierwszej części dialogu pisarka opowiada o głównej bohaterce, młodej Hiszpance urodzonej w biednej rodzinie, zarabiającej na życie śpiewaniem na ulicy. Któregoś dnia zauważył ją włoski kompozytor i wysłał na studia do szkoły muzycznej w Wenecji. Zakochuje się w uczniu tej szkoły, Asolento, on też jest biedny i nie mogą się pobrać. W końcu Consuelo zostaje zauważona przez bogatą szlachtę, która patronuje zarówno jej, jak i jej narzeczonemu. Jej narzeczony był mniej utalentowany od niej i słaby duchem. Znana śpiewaczka – primadonna teatru, zazdrosna o Consuellę, bije narzeczonego z Consuelli. Consuella nie mogła wybaczyć zdrady i wyjechała do Czech. Tam poznaje hrabiego Rudelstadta, mieszka z nim na zamku i zostaje hrabiną.
Akcja drugiej części dialogu przenosi nas do Berlina. Wydarzenia komplikuje fakt, że Consuella jest uwikłana w spisek przeciwko królowi, zostaje wrzucona do więzienia, ale przyjaciele przybywają jej z pomocą, po czym zostaje zabrana do zamku Niewidzialnych, którzy czczą Świętego Graala .
George Sand studiowała historię wielu osób tajne stowarzyszenia i sekty religijne, dlatego szczegółowo opisuje porządek „Niewidzialnych” - ale to fikcja. Consuella została przyjęta do tego bractwa iw powieści George Sand również wprowadza elementy fantasy.
Dzika róża.
Chłopiec zobaczył różę, różę otwarte pole, Podbiegł do niej, Wypił jej aromat, Podziwiał mnóstwo, Róża, róża, szkarłatny kolor, Róża na otwartym polu!
„Rose, złamię cię, Rose na otwartym polu!” „Chłopcze, ukłuję cię, żebyś o mnie pamiętał!
Nie zniosę bólu „Różo, różo, szkarłatny kolor, Różo na otwartym polu!
Zerwał, zapominając o strachu, różę na otwartym polu, Krew była czerwona na cierniach. Ale ona - niestety i topór! -
Nie uniknąłem bólu. Róża, róża, szkarłatny kolor, Róża na otwartym polu! 1771
Goethe (1742 - 1832)
W latach 1752-1755. uczęszcza do szkoły, uczy się francuskiego, włoskiego, angielskiego i starożytnych języków rzymskich, a także muzyki, botaniki, geologii, optyki, architektury, teatru, malarstwa. W 1765 wyjechał do Lipska, gdzie studiował na Wydziale Prawa.
W 1770 r Wyjeżdża do Strasburga, a rok później broni rozprawę z prawa. W tym samym roku wrócił do Frankfurtu, gdzie pracował jako prawnik.
Goethe często chorował, jego potężną wolę życiową osłabiła gruźlica, w czasach studenckich zachowywał się niezrównoważony, dwukrotnie podejmował próbę życia.
Goethe ożenił się w 1788 r. (12 lipca) o Christianie Vilpiusie. W 1789 roku urodził się ich syn August. Spotkał się z Napoleonem, cesarzową Austrii, cesarzem Aleksandrem.
W 1815 roku napisał większość swoich wierszy, książkę Zuleika.
W 1817 roku opublikowano „Podróż włoską”.
W 1818 roku urodził się jego wnuk Voltaire Wolfgang.
W roku 1932 umiera w godzinie swoich urodzin.
^
Henryk Heine
Wielki poeta liryczny narodu niemieckiego – Heinrich Heine był synem kompleksu, punkt zwrotny, u początków którego stał Wielki Rewolucja Francuska 1789-1794
Sława i sława towarzyszyły Heinemu przez całe jego życie.
Heine urodził się 13 grudnia 1797 r. W małym niemieckim miasteczku Düsseldorf, które podobnie jak Niemcy zostało dotknięte wydarzeniami związanymi z wojnami napoleońskimi w Europie.
Rodzice Heinego, wywodzący się z trzeciego stanu, sympatyzowali z nowym. Ojciec rodziny, Samson Heine, był pechowym biznesmenem, jego sprawy stawały się coraz gorsze, ale nie przestał wierzyć, że fortuna zapewni mu szczęście. Według syna do końca swoich dni ojciec pozostał duże dziecko którzy nie pamiętali minionego dnia i nie chcieli myśleć o jutrze. W przeciwieństwie do ojca, matka poety, Betty Heine, poświęciła się obowiązkom domowym i wychowaniu dzieci. Trzy lata po urodzeniu pierworodnego Harry'ego, jak nazywało się w rodzinie przyszłego poety, w 1805 roku urodziła się Charlotte. -Gustawa i 1810 r. - Maksymilian.
W rodzinie Heinych szczególną wagę przywiązywano do edukacji dzieci. Od 4 roku życia Harry zaczął uczęszczać do szkoły przygotowawczej. Szybko nauczył się czytać i pisać, Heine dużo czytał jako dziecko. W jego rękach znajdowały się różne książki. W 1807 roku, po zmianie szkoły za radą rodziców, Heine został uczniem Liceum w Duserdelfa. Instytucja ta oferowała swoim pupilom bogaty program wiedzy. Heine poświęcił się nauce z godną pozazdroszczenia wytrwałością i szczerym entuzjazmem. Formację Heinego, poety i człowieka, ułatwiły nie tylko książki. Obdarzony dociekliwym zainteresowaniem światem Harry albo został całkowicie pochłonięty tętniącym życiem wielkim miastem, albo szukał samotności na łonie nadreńskiej przyrody. W lutym 1817 r Heine po raz pierwszy publikuje swoje poetyckie eksperymenty w gazecie Hamburg Guard, ukrywając swoje autorstwo, bojąc się zrujnować relacje z rodzicami, gdyż sprzeciwiają się one jego karierze poetyckiej. W Hamburgu na radzie rodzinnej jako dalsze miejsce studiów wybrano Uniwersytet Berliński. Kwiecień 1821. do stolicy Prus przybył student prawa. W grudniu 1821 r ukazał się pierwszy zbiór poezji Heinego. Jeśli chodzi o talent autora tekstów, Heine przez te lata uparcie opanował podstawy dramatu.
Pod koniec 1834 roku miało miejsce wydarzenie, które odegrało szczególną rolę w życiu osobistym Heinricha Heinego. Zobaczył dziewczynę o imieniu Matylda Mira, córkę zwykłych chłopów, która prawie nie umiała czytać i pisać. Wkrótce zaczęli się spotykać, a rok później pobrali się. Rok 1839 rozpoczął się dla Heinego intensywną pracą nad ważną książką, której bohaterem był krytyk literacki Ludwig Berne. Rękopis został ukończony i wysłany do Campe na początku 1840 roku. Solomon Strauss, mąż Jeanette Wohl, bliskiej przyjaciółki Berne, rozpowszechniał ustnie i pisemnie najbardziej absurdalne pogłoski na temat poety, a także wyzwał Heinego na pojedynek, w wyniku którego poeta został lekko ranny w udo. Pomimo złego stanu zdrowia – bólów głowy i chorób oczu, pojechał z Matyldą do Hamburga, aby przedstawić ją niemieckim krewnym. Heine był u szczytu swoich zdolności twórczych, kiedy jego łatwe życie wkroczyło w trudny okres. W grudniu 1844 roku zmarł niemiły dobroczyńca poety, bankier Solomon Heine, który zapisał poecie śmiesznie niewielką kwotę.
1845 Heine doprowadził do trudnej separacji z Karolem Marksem, który został wydalony z Paryża.
Choroba poety zaczęła postępować. Stan zdrowia gwałtownie się pogorszył, paraliż twarzy tak utrudniał mowę, że po długich wieczorach spędzonych z żoną Heine nie mógł wydusić ani słowa. Rozdzierające napady bólu niejednokrotnie kończyły się omdleniami. Rewolucji 1849 r. Heine spotkał się ze śmiertelną chorobą. Poeta spędził kilka miesięcy w szpitalu, ale paraliż postępował, utrudniając poruszanie się. W bezsenne noce tych niespokojnych i gorzkich lat narodziła się książka pod tytułem „Romancero”. Skazany na całkowity bezruch, półślepy podyktował całe Romancero swojej sekretarce. Książka ta pomnożyła poetycką chwałę poety. W 1856 roku choroba staje się coraz bardziej wyniszczająca. Ale umysł poety pozostał jasny, duch - mocny, wola - nienaruszona. Heinrich Heine zmarł wczesnym rankiem 17 lutego 1856 r.
George'a Gordona Byrona
Poeta urodził się 22 stycznia 1788 r. Jego ojciec, genialny arystokrata, roztrwonił większość swojego majątku i wkrótce zmarł. Dzieciństwo Byrona spędził w Szkocji, w ojczyźnie swojej matki – Catherine Gordon, córki zamożnych właścicieli ziemskich – w małym miasteczku Aberdeen. Byron miał zaledwie 10 lat, gdy po śmierci dziadka odziedziczył starożytny zamek Newstead i tytuł lorda, który daje prawo po osiągnięciu pełnoletności do zasiadania w izbie wyższej parlamentu. Parlament angielski. Dzieci poety były smutne. Jego matka wyróżniała się ciężkim, histerycznym charakterem i źle wpływała na chłopca, nieoczekiwanymi przejściami od burzliwych pieszczot do wściekłych znęcania się. Mimo biedy matka dokładała wszelkich starań, aby Byron uczył się w dobrej szkole i pilnie zwracała się do lekarzy, mając nadzieję, że uchroni go przed wrodzoną kulawizną. Będąc w zamknięta szkoła w Harrow, a następnie na Uniwersytecie w Cambridge Byron pisze wiersze i w 1809 roku stoczy pierwszą bitwę z krytykami, którzy chwycili za broń przeciwko jego wczesnym dziełom. W tym samym roku Byron odbył podróż na Wschód - przez Portugalię, Hiszpanię, Grecję, Albanię, Turcję.
Pierwsze wiersze Byrona zostały stworzone przez niego już w bardzo młodym wieku. W wierszach młodego poety miłość odgrywa oczywiście ogromną rolę. Lata po powrocie (1812-1816) to czas wzrostu sławy Byrona, który wykraczał daleko poza granice Anglii. Jednocześnie ukształtowały się w nim zdecydowanie demokratyczne przekonania, które znalazły odzwierciedlenie w jego twórczości.
W 1815 roku Byron poślubił Annę Isabellę Milbank. Okres bardzo krótkiego małżeństwa zakończył się odejściem żony, rozstaniem z córeczką i otwartą wojną wypowiedzianą przez „wyższe warstwy” społeczeństwa angielskiego. Opuszczając na zawsze Anglię, Byron zamieszkał najpierw w Szwajcarii, gdzie rozpoczął swoją przyjaźń z poetą Shelleyem, następnie we Włoszech (Wenecja, Rawenna, Piza, Genua). W 1819 roku związał się z karbonariuszami, tajną organizacją przygotowującą powstanie przeciwko panowaniu austriackiemu we Włoszech. Po klęsce karbonariuszy (1822) Byron wziął udział w walce wyzwoleńczej narodu greckiego z Turcją. Uzbroiwszy na własny koszt oddział greckich patriotów, udaje się do Grecji, gdzie nagle Byron zachorował na gorączkę, ale nie zgodził się opuścić obozu. Choroba pogłębiła się i 19 kwietnia 1824 roku, mając zaledwie 36 lat, Byron zmarł w oblężonym greckim mieście.
Twórczość Byrona od pierwszych kroków związana była z problemami swego ludu i czasu. Byron był zawsze maksymalistą, zawsze stawiał wielkie wymagania sobie i otaczającym go osobom, a także własnej poezji. Doświadczał wiecznego niezadowolenia i wiecznie potępiał siebie z punktu widzenia niewyobrażalnie wysokich standardów. W śmierci nabył ów duchowy absolut, którego poszukiwaniu poświęcił całe swoje życie. Pożądaną jedność uzyskano najwyższym kosztem.
Pytania na egzaminw dyscyplinie „Historia literatury zagranicznej XX wieku. (1 połowa)"
specjalnie dla studentów IV roku. "Dziennikarstwo"
Oryginalność epoki literackiej XX wieku.
Filozoficzne i teoretyczne podstawy literatury zagranicznej XX wieku.
Modernizm: szkoły, nurty (dadaizm, surrealizm, ekspresjonizm).
Cechy rozwoju realizmu w XX wieku.
Literatura angielska. Interakcja pisarzy różnych pokoleń (realizm i modernizm w literaturze angielskiej).
Opowiadania J. Joyce’a („Dublinerowie”).
„Portret artysty z młodości” J. Joyce’a.
Innowacja artystyczna J. Joyce'a w powieści „Ulisses”. „Intertekstualność”, skojarzenia i analogie.
Wieloznaczność mitu w powieści J. Joyce’a „Ulisses” i jego funkcje.
Cechy techniki narracyjnej w powieści W. Wolfe’a „Pani Dalloway”.
Protest przeciwko współczesnej cywilizacji i kultowi” naturalny człowiek» w powieści D.G. Kochanek Lawrence Lady Chatterley.
Angielscy pisarze realistyczni: R. Aldington, D. Aldridge („Śmierć bohatera”, „Orzeł morski”).
M. Proust „W poszukiwaniu straconego czasu”. Specyfika gatunku powieści. Innowacja i tradycja.
Francuska poezja surrealizmu (G. Apollinaire, P. Eluard).
Oryginalność gatunkowa „Małego Księcia” Antoine’a Exupery’ego.
Kreatywność B. Shaw.
Pierwszy Wojna światowa w literaturze.
"NA Zachodni front bez zmian” E.M. Remarque jako dzieło „straconego pokolenia”.
Powieść „Ogień” Henriego Barbusse’a.
Gatunek antyutopii w powieści O. Huxleya „Nowy wspaniały świat”. Charakter satyry.
Potępienie totalitaryzmu i autorytaryzmu w powieści „1984” J. Orwella.
Powieści historyczne L. Feuchtwangera.
Etyczna i estetyczna pozycja artysty w powieści T. Manna „Doktor Faust”. Mitologia Fausta.
Metafizyczne i społeczne znaczenie powieści „Outsider” A. Camusa. Wizerunek Meursaulta i zasady jego tworzenia.
Problem wybór moralny w powieści „Dżuma” A. Camusa. Historyczne podstawy alegoryzmu w powieści.
Moralna i filozoficzna treść obrazu A. Roquentina w powieści „Mdłości” J.P. Sartre'a.
Pojęcie świata i człowieka w powieściach „Zamek”, „Proces” F. Kafki. cechy poetyki.
Główne założenia estetyki teatru epickiego B. Brechta. Efekt alienacji i sposoby jego tworzenia.
Motyw antywojenny w dramacie B. Brechta „Matka Courage i jej dzieci”. Rola zongów w dramacie.
Literatura straconego pokolenia.
Modernistyczne wiersze T.S. Eliota.
Dramaturgia Och, Nila.
„Wilk stepowy” G. Hesse.
Cechy gatunkowe powieści G. Hessego „Gra szklanych paciorków”.
Powieści filozoficzne G. Manna.
Poezja G. Lorca.
Włoski dramat XX wieku. (D. Annuzio, Pirandello).
Rozwój tradycji realistycznych w XX wieku (D. Galsworthy, S. Maugham).
Gatunek powieści historycznej XX wieku.
Wczesne opowiadania E. Hemingwaya. Oryginalność stylu dzieł z kolekcji „In Our Time”, technika „góry lodowej”.
Powieść E. Hemingwaya „Pożegnanie z bronią!” jako dzieło „straconego pokolenia”.
Afirmacja godności człowieka i wartości humanistycznych w opowiadaniu „Stary człowiek i morze” E. Hemingwaya.
Odbicie „epoki jazzu” w powieściach F.S. Fitzgeralda „Wielki Gatsby” i „Czuła noc”.
Stanowisko religijno-etyczne G. Bölla w powieści „Oczami klauna”.
Tematyka egzaminów z „Historii literatury zagranicznej XX wieku. 1 połowa”.
1. Estetyka surrealizmu. Podstawowe zasady poetyki G. Apollinaire'a.
2. Innowacja artystyczna M. Prousta w powieści „W poszukiwaniu straconego czasu”. Cechy psychologii.
3. Główne założenia estetyki teatru epickiego B. Brechta. Efekt alienacji i sposoby jego tworzenia.
4. Dialektyka dobra i zła w dramacie B. Brechta „Dobry człowiek z Sesuanu”.
5. Temat antywojenny w dramacie B. Brechta „Matka Courage i jej dzieci”. Rola zongów w dramacie.
6. Antoine de Saint-Exupery. Treść etyczna, estetyczna i filozoficzna przypowieści „Mały Książę”.
7. J-P.Sartre. Moralna i filozoficzna treść obrazu A. Roquentina w powieści Nudności.
8. A. Camus. Metafizyczne i społeczne znaczenie powieści „Obcy”. Wizerunek Meursaulta i zasady jego tworzenia.
9. A. Camus. Problem wyboru moralnego w powieści „Obcy”. Historyczne podstawy alegoryzmu w powieści.
10. F. Kafka. Idea całkowitej alienacji osobowości w opowiadaniu „Transformacja”.
11. F. Kafka. Pojęcie świata i człowieka w powieściach „Zamek”, „Proces”. cechy poetyki.
12. „Na froncie zachodnim cisza” E.M. Remarque jako dzieło „straconego pokolenia”.
13. Etyczna i estetyczna pozycja artysty w powieści T. Manna „Doktor Faust”.
14. Stanowisko religijno-etyczne G. Bella w powieści „Oczami klauna”.
15. G. Hesse „Gra szklanych paciorków”. Cechy architektury powieści.
16. Innowacja artystyczna J. Joyce'a w powieści „Ulisses”.
17. Cechy techniki narracyjnej w powieści W. Wolfa „Pani Dalloway”.
18. Protest przeciwko współczesnej cywilizacji i kultowi „człowieka naturalnego” w powieści D.G. Kochanek Lawrence Lady Chatterley.
19. Gatunek dystopii w powieści O. Huxleya „Nowy wspaniały świat”. Charakter satyry.
21. Polisemia mitu w powieści J. Joyce’a „Ulisses” i jej funkcje.
22. G. Hesse. Losy duchowości, wieczne i powszechne osiągnięcia ducha w powieści „Gra szklanych paciorków”.
23. Estetyka i mentalność XX wieku. Główne nurty artystyczne, estetyczne i filozoficzne.
24. Estetyka modernizmu. Modernizm jako kategoria kulturowa i jako rodzaj twórczego światopoglądu.
25. Wczesne opowiadania E. Hemingwaya. Język i styl.
Literatura:
Dodatkowa literatura:
Poezja francuskiego surrealizmu: antologia / przeł. z francuskiego; komp., przedmowa, komentarz. M. Yasnova. - St. Petersburg: Amfora, 2003. - 502 s.
Symbolika francuska. Dramaturgia i teatr / Comp., wpis. Sztuka, komentarz. W. Maksimowa. - M.: Centrum Wydawnicze „Akademia Humanitarna”, 2000. - 480 s.
Jeana Cocteau. Portrety-wspomnienia: eseje. / os. od ks. W. Kadyszewa i N. Mavlevich; komp., przedmowa i skomentuj. W. Kadyszewa. - M .: Izwiestia, 1985. - 160 s.
Nabokov V.V. Wykłady z literatury zagranicznej / Per. z angielskiego. wyd. Kharitonova V.A., przedmowa do rosyjskiego wydania Bitov A.G. - M.: Wydawnictwo Niezawisimaja Gazeta, 2000. - 512 s.
Jeżeli doświadczenie XX wieku nie posłuży ludzkości jako właściwa lekcja, wówczas w przyszłości krwawe tornado może się powtórzyć z nową siłą. (Aleksander Sołżenicyn)
XX wiek. Wędrując po drogach
Wśród pożarów zrodził się pomysł:
Łatwo jest być bestią. A łatwo być bogiem.
Bycie człowiekiem jest trudne.
(E. Vinokurov, poeta XX wieku)
Wykład numer 1.
Temat: Wprowadzenie. Oryginalność literatury zagranicznej XX wieku.
Plan:
Ogólne wzorce i cechy rozwoju literatury XX wieku.
Filozoficzne i teoretyczne podstawy przebiegu literatury zagranicznej XX wieku.
Główne nurty literackie w literaturze XX wieku:
b) cechy rozwoju realizmu XX wieku;
d) postmodernizm.
^ Ogólne wzorce i cechy rozwoju literatury XX wieku.
Wiek XX zatwierdził tragiczny światopogląd w historii ludzkości, jako kluczowe pojęcia - wojny, przemoc, katastrofa ekologiczna, kryzys ideałów humanistycznych. Jednocześnie pierwsza dekada XX wieku. pełen optymizmu i romantyzmu. Sprzyjał temu intensywny rozwój nauki i technologii (pierwsze samoloty, magia kina, pierwsze wyprawy na biegun północny i południowy, odkrycie teorii kwantów, sukces genetyki, doktryna noosfery itp.). ).
Jednak sfera rozumu stoi w obliczu szaleństwa, a największe naukowe i osiągnięcia techniczne okazały się użyte przeciwko ludzkości – najpierw w czasie I wojny światowej (1914-1918), a ćwierć wieku później – w drugiej (1939-1945). Historia XX wieku rozpoczynają się wydarzenia roku 1914 (początek I wojny światowej), a nie jak dotychczas sądzono od roku 1917.
Pierwsza wojna światowa wywarła globalny wpływ na światopogląd człowieka. Spowodowało to ogromne straty. Uważa się, że wojna jest motorem postępu, generuje odkrycia techniczne. Ale I wojna światowa nie była taką wojną, zniszczyła więzi gospodarcze i dała początek procesom rewolucyjnym. Rezultatem były rewolucje lutowe i październikowe w Rosji, rewolucja w Niemczech, które pokazały, że ogromne masy zubożałej ludności były uwikłane w gry polityczne, idee zniszczenia. Pojawia się skupiona populacja, która bardzo łatwo ulega lewicowym radykalnym ideom. Więc pojawiaj się partie komunistyczne- radykalne lewe skrzydło w Rosji i Niemczech, które w 1919 roku utworzyło Międzynarodówkę Komunistyczną. Sprzeciwiały się im prawicowe partie ekstremistyczne - faszyzm (faszyzm - od niego. „faszyzm” - „grupa”). Bazę społeczną faszyzmu stanowili margines – ludzie bez pieniędzy, majątku. Mieli władzę i wściekłość na tych, którzy posiadali własność.
Zarówno radykałowie lewicowi, jak i prawicowi radykałowie mieli własne partie totalitarne, oparte na podporządkowaniu się komitetowi centralnemu. Dążyli do ustanowienia władzy totalitarnej i sprzeciwiali się tendencjom liberalno-demokratycznym lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku.
XX wiek naznaczone było narodzinami poczucia kryzysu. Człowiek nie jest już miarą wszystkiego – potwierdziła to I wojna światowa, kiedy ludzie ginęli tysiącami. Pierwsza wojna światowa odsłoniła rozłam pierwotnie zjednoczonych państw istota ludzka na nurtach kulturowych i cywilizowanych. Oznacza to, że egzystencja duchowa, życiowa i materialna człowieka nie pokrywa się już, a wręcz jest sobie przeciwna. Następuje ekspansja cywilizacyjna i degeneracja kultury. Kultura upada, cywilizacja zajmuje jej miejsce. Następuje desakralizacja wszelkich form ludzkiej egzystencji. Święta norma, teksty, najskrytsze sfery znikają z życia.
Literatura początku XX wieku. niesamowita różnorodność zjawisk literackich. Realizm krytyczny nadal istnieje – T. Dreiser, B. Shaw, S. Maugham, D. Galsworthy. Pojawia się utalentowana plejada modernistów – D. Joyce, P. Eluard, T.S. Eliot, F. Kafka. Podobne procesy zachodzą w malarstwie, architekturze - Picasso, Léger, Dali, Malewicz, Landrian. Duchowa Mekka XX wieku. był Paryż, po drugiej wojnie światowej przeniosła się do Nowego Jorku.
Literatura rosyjska w postrzeganiu Zachodu.
Europę interesowały 3 nazwiska: Tołstoj, Dostojewski, Czechow. Tołstoj ze swoim Pierrem Bezuchowem, Natasza Rostowa ze swoją introspekcją nie mogli nie wzbudzić zainteresowania w Europie. Dostojewski uważany jest za prekursora egzystencjalizmu. Jego „Pięcioksięg” podbił cały świat i do dziś jest najchętniej czytany za granicą. Czechow przyciąga Zachód zwięzłością i umiejętnością dostrzegania niezwykłości w zwyczajności. Jego uczeń uważany jest za Hemingwaya, który zrewolucjonizował opowiadanie. Do 1929 roku rosyjski literatura nadchodzi dorównując Europejczykowi, Amerykanin jest wciąż daleko w tyle. Do końca lat 20. Literatura rosyjska rozwija się według tych samych praw, co literatura europejska.
^ Podstawy filozoficzne i teoretyczne kursu.
Najszerszy wpływ na literaturę XX wieku. przedstawił doktrynę psychoanalizy, rozwiniętą przez austriackiego psychiatrę Zygmunta Freuda (1856-1939). Poświęcił się pracy z ludźmi chorymi psychicznie, z ludzką psychozą i nie należy o tym zapominać. Jednak teoria psychoanalizy przestała być metodą leczenia nerwic i stała się uniwersalną metodą poznania ludzkiej osobowości na głębokim poziomie.
Freud pokazał, że ludzka świadomość nie jest panem we własnym domu, ale zadowala się nędzną wiedzą o własnej duszy. Freud przeciwstawił człowieka racjonalnego człowiekowi instynktownemu i nieświadomemu. Freud przypisywał nieświadomości: strach, głód, pragnienia seksualne i właśnie to, nieświadomość, ukryta i zawoalowana, kieruje człowiekiem.
Freud z naukową skrupulatnością badał mechanizmy patologicznych zachowań ludzi, udowadniając, że zaburzenia psychiczne różnią się od zdrowia psychicznego nie jakościowo, a jedynie ilościowo. Freud wyraził ideę szczególnej misji sztuki. Zajmując pozycję pośrednią pomiędzy zdrowiem a nerwicą, sztuka, zdaniem Freuda, pełni funkcję psychoterapeutyczną, kompensując w rzeczywistości duchowej i artystycznej to, co w rzeczywistości jest nieosiągalne.
Odkrycie nieświadomości jest jak największe odkrycie w historii ludzkości. Według Freuda ludzkość dotknięta jest trzema chorobami:
Odkrycie Kopernika, który pokazał, że Ziemia nie jest centrum wszechświata. A człowiek jest ziarenkiem piasku, pleśni i łuski wszechświata.
Odkrycie Ch. Darwina – człowieka pochodzącego od małpy.
Odkrycie psychoanalizy - człowiek nie panuje nad sobą.
Drugi czynnik, który wpłynął na sztukę XX wieku. stał się egzystencjalizmem z łac. egzystencja – „istnienie”), generowany przez niedoskonałość i absurdalność świata. Egzystencjalizm jako filozofia ukształtował się w con. Początek XIX XX wieki w twórczości Heideggera i Jaspersa, Szestowa i Bierdiajewa. Jako nurt literacki egzystencjalizm ukształtował się we Francji podczas II wojny światowej w dziełach sztuki i pracach teoretycznych A. Camusa i J.-P. Sartre'a. W absurdalnym, pustym, zdaniem Sartre’a, świecie, w którym nie ma Boga, nie ma ideałów, pozostaje tylko jedno – istnienie – istnienie. Człowiek jest skazany na absolutną samotność, nikt nie będzie dzielić jego istnienia. Egzystencjalizm ma wspólne cechy z filozofią chrześcijańską: wiara w kruchość i tymczasowość ludzkiej egzystencji, ogólny pogląd na życie przez pryzmat śmierci, przemawiają za tym, że śmierci nie należy się bać. Jednak filozofia chrześcijańska mówi, że życie jest chwilą wieczności, a egzystencjalizm jest chwilą nieistnienia.
W przeciwieństwie do marksizmu, początkowym stanowiskiem egzystencjalizmu nie jest społeczeństwo, ale indywidualna świadomość. To właśnie bada się z największą starannością na poziomie „życia w sobie”. Na tym właśnie polega główna zaleta tego systemu poglądów. Egzystencjalizm przyciąga chęcią zrozumienia człowieka, tragizmu jego istnienia, do którego zwróciło się wielu artystów różne kierunki i metody. Egzystencjalizm wywarł znaczący wpływ na całą późniejszą kulturę, przede wszystkim na kino (Antonioni, Fellini), literaturę (W. Golding, A. Murdoch, H. Sela, M. Frisch).
Filozofia egzystencjalizmu wyrosła z najgłębszego kryzysu, jaki ogarnął społeczeństwo europejskie po I wojnie światowej. Egzystencjaliści starali się pomóc człowiekowi odnaleźć swoje miejsce w świecie, odnaleźć swoje „ja”, przezwyciężając strach przed śmiercią i wyobcowaniem. Rosnące zainteresowanie egzystencjalizmem w kręgach zachodniej inteligencji w latach faszystowskiej ekspansji ma przekonujące wyjaśnienie – rozczarowanie możliwościami ludzkiej osobowości i kultury, które nie były w stanie przeciwstawić się faszystowskiemu obskurantyzmowi. Ten nastrój jest dobrze wyrażony Albert Camus w swoim „szwedzkim przemówieniu” z 10 grudnia 1957 r.: „Ludzie mojego pokolenia, urodzeni na początku I wojny światowej, którzy w chwili dojścia Hitlera do władzy i rozpoczęcia pierwszych procesów stalinowskich mieli 20 lat, a którzy wówczas, aby dokończyć edukację, życie postawione w obliczu wojny światowej w Hiszpanii, drugiej wojny światowej, w obliczu Europy zamienionej w kontynent tortur, więzień, obozów koncentracyjnych, dziś musimy wychowywać synów i tworzyć w świecie stojącym przed groźba zagłady nuklearnej.
a) Modernizm: główne szkoły i nurty.
Wiek XX wszedł do historii kultury jako wiek eksperymentu, który stał się wówczas normą. Pojawiły się manifesty wkraczające w wielowiekowe tradycje i niewzruszone kanony. Krytykuje się obowiązkowe naśladownictwo piękna (Arystoteles „Poetyka”, Lessing „Laokoon, czyli o granicach malarstwa i poezji”). Artysta XX wieku naśladuje obrzydliwość, która w starożytności była zabroniona pod groźbą kary. Punktem wyjścia estetyki była brzydota, odrzucenie harmonicznych proporcji narusza wygląd sztuki, nacisk położony jest na deformację i geometryczne kształty.
Termin „modernizm” (franc. modernisme, od modern – „najnowszy”, modo – „tylko”) pojawił się pod koniec XIX wieku. i zakorzeniony w nierealistycznych zjawiskach w sztuce.
Modernizm jest i metoda twórcza oraz system estetyczny działalności literackiej szeregu szkół. Modernizm to ruch literacki zróżnicowany pod względem składu, aspiracji politycznych i manifestów, obejmujący wiele różnych szkół i ugrupowań. Przy całej różnorodności płaszczyzn estetycznych i postaw formalnych modernistów charakteryzują następujące cechy. To sztuka dla wtajemniczonych, „wybranych”. Głosząc „sztukę dla sztuki”, moderniści odrzucają realizm, narodowość, ideologię, tradycje artystyczne. Świat obiektywny zostaje albo boleśnie zniekształcony, albo całkowicie zanika, a na jego miejscu pojawiają się subiektywne skojarzenia. Moderniści twierdzą, że ich twórczość nie służy żadnemu celowi politycznemu. Łączy ich pesymistyczny światopogląd, postawa wobec subiektywizmu, deformacji, pragnienie artysty nie odzwierciedlania obiektywnej rzeczywistości, ale wyrażania siebie. Filozoficzne korzenie modernizmu można odnaleźć w dziełach F. Nietzschego, Z. Freuda, A. Bergsona, W. Jamesa.
Idee modernizmu pojawiają się w twórczości poszczególnych artystów i szkół, w każdym konkretnym dziele inna interpretacja. Modernizm może mieć decydujące znaczenie w twórczości pisarza (D. Joyce, F. Kafka) lub może być jedną z technik mających znaczący wpływ na styl artysty (M. Proust, W. Wulff).
Modernizm pomógł zwrócić uwagę na wyjątkowość wewnętrznego świata człowieka. Picasso mówił, że artysta jest nie mniej ważny niż to, co przedstawia. Lubił powtarzać, że wie, jak wyglądają jabłka, a w obrazie Cezanne’a interesowało go coś innego.
Marksistowska, a potem radziecka krytyka literacka już od końca XIX wieku. zajął negatywne stanowisko wobec modernizmu. Widział w tym przejaw kryzysu i rozkładu kultury burżuazyjnej.
Modernizm, który ogarnął Europę na początku XX wieku, miał odmiany narodowe: surrealizm francuski i czeski, futuryzm włoski i rosyjski, ekspresjonizm niemiecki, imagizm angielski i szkoła „strumienia świadomości”, hermetyzm amerykański i włoski, prymitywizm szwedzki.
Dadaizm(z francuskiego Dada - „dziecięca rozmowa bez znaczenia”) - bezpośredni poprzednik surrealizmu. W 1916 roku grupa poetów Dadaistów utworzyła klub-kabaret „Klub Waltera”. Inspiratorem szkoły Dadaistycznej jest osiadły w Paryżu Rumun Tristan Tzara, poeta, krytyk literacki i filozof. Przypadkowo odkrył słowo „tak-tak” we francuskim słowniku Rousseau, które w niektórych rejonach Włoch oznacza „matkę”, w rosyjskim i rumuńskim podwójnym potwierdzeniu, wśród plemion murzyńskich – krowę.
Dadaiści deklarowali absurd i atmosferę skandalu, dezercji, wyrażając w ten sposób protest przeciwko I wojnie światowej. Próbowali wyrwać opinię publiczną z samozadowolenia. Estetyczną formą ich protestu była nielogiczna i irracjonalna sztuka, często pozbawione znaczenia zbiory słów i dźwięków, skompilowane metodą kolażu. Głównym zadaniem sztuki według Dadaizmu jest prostota i wyraz niezachwianej świadomości artysty.
„Esej o pozycji poezji” (1931): „Każda pochodna wstrętu, która może stać się zaprzeczeniem rodziny, to Dada; protest z pełnym użyciem pięści w imię niszczycielskiego czynu - Dada; znajomość wszelkich środków dotychczas odrzucanych przez nieśmiały seks na rzecz wygodnych kompromisów i dobrych manier – Dada; zniesienie logiki, tego tańca impotentów, niezdolnych do tworzenia, - Dada; zniesienie wszelkiej hierarchii społecznej i równość głoszona w imię wartości naszych sług – Dada; każda rzecz i wszystko w ogóle, uczucia, niewiadome, wizje, niewątpliwe zderzenie równoległych linii jest narzędziem walki i - Dada; kasowanie pamięci - Dada; zniesienie archeologii - Dada; eliminacja proroków - Dada; anulowanie przyszłości - Dada; całkowita i lekkomyślna wiara w jakiegokolwiek boga, będąca bezpośrednim wytworem spontaniczności – Dada.
jaka droga nas dzieli
Rozciągam się wzdłuż niej ręką myśli,
kwiaty są wpisane na końcówki paznokci,
a celem ścieżki jest kwiat
i pójdziecie razem on i ty.
Każde dzieło sztuki, które można zrozumieć, jest wytworem dziennikarstwa.
Reszta, zwana literaturą, to dossier ludzkiej głupoty, które ma stanowić wskazówkę dla przyszłych profesorów.
Znaczenie poezji Dadaistów odzwierciedlają słowa T. Tzara: „ ^ Piszę manifest i niczego nie chcę, tymczasem coś mówię i jestem przeciw manifestom w zasadzie tak samo jak jestem przeciw zasadom „. Słowem – negacja, która swój dalszy rozwój znajdzie we francuskim surrealizmie i niemieckim ekspresjonizmie.
Surrealizm(od francuskiego surre'alite' - „super-rzeczywistość”) powstała we Francji. Jego program został nakreślony w „Manifeście surrealizmu”, napisanym przez A. Bretona i L. Aragona w 1924 r. „Manifest surrealizmu” składał hołd odkryciom Freuda w dziedzinie ludzkiej psychiki i zwracał uwagę na sny jako ważny element aspekt aktywności umysłowej. Samo słowo „surrealizm” po raz pierwszy użył G. Apollinaire we wstępie do swojego dramatu „Piersi Tyrezjasza”, w którym autor przeprosił za wymyślony przez siebie neologizm. Potrzebował go, aby odnowić teatr, przywrócić go samej naturze, bez powtarzania: „ Kiedy człowiek postanowił naśladować chodzenie, stworzył koło, przedmiot niepodobny do stopy. To był nieświadomy surrealizm».
Surrealiści próbowali wyjść z bezsensu Dadaistów i tworzyć. Najważniejszą rzeczą, jaką chcieli surrealiści, było odkrycie w poezji jej własnych, nieodłącznych właściwości. Poezja bała się życia i zaczęła radzić sobie sama ze sobą.
Składnikiem surrealistycznego obrazu jest deformacja, połączenie niestosownej, swobodnej skojarzeń.
^ zasady surrealizmu.
Poezja niczego nie przedstawia, tworzy na nowo;
Impulsem dla poety jest impuls duchowy, a nie konkretna koncepcja, akt;
Dla poety zawsze jest tylko teraźniejszość, wieczny czas- Zawsze;
Liryczne uniwersum zostanie zbudowane bez oparcia się na konkretnym odcinku;
Tematem poezji surrealistycznej jest odwieczne uczucie uniwersalne;
Warunkowa przestrzeń kosmiczna;
Cechą poetów surrealistycznych jest to, że często zdejmują swoje indywidualne welony;
Bardzo często poetyka surrealistów wchodzi w spór z prawdziwym zdrowym rozsądkiem;
Poeci surrealistyczni pragną wynieść to słowo ponad znaczenie, pozbawić je jakiegokolwiek znaczenia społecznego.
Wiersz „Z bajki” czeskiego poety Vitezslava Nezvala przekazuje nierealne wrażenie oparte na zwyczajnych rzeczywistościach, połączonych wbrew logice i znaczeniu, ale zgodnie z prawem fantazji:
^
Ktoś na starym pianinie
Kłamstwo męczy ucho.
A ja jestem w szklanym zamku
Pokonałem ognistoskrzydłe muchy.
alabastrowy uchwyt
nie przytulił.
Księżniczka się starzeje
Zostałam starszą kobietą...
Fortepian głucho lamentuje:
Szkoda jej, szkoda...
A moje serce śpiewa sennie:
To było, nie
To było, nie
Na krótko przed I wojną światową w Niemczech i Austrii, najpierw w malarstwie, a potem w literaturze, nastąpił trend ekspresjonizm(od fr. wyrażenie - „wyrażenie”). Słowo „ekspresjonizm” zaczęto używać w 1911 r. lekką ręką filozofa Wilhelma Worringera, który francuskich artystów Mattisa, Cezanne'a, Van Gogha nazwał syntetystami i ekspresjonistami. Z lat 1912-13 termin ten zaczął być używany w innych formach sztuki.
Miała orientację antyimperialistyczną, sprzeciwiała się „mechanizacji” i „odduchowaniu” życia. Część ekspresjonistów była za rewolucją i przeciwna walce klasowej, rewolucję postrzegano jako warunkowy symbol poprawy moralnej. Charakterystyczne jest wyraźne stanowisko antywojenne:
^ Stosy zniekształconych ciał.
Trupy tlą się i wiją.
Wyciek mózgu
Od złamanych czołach.
Przeszklone oczy.
Powietrze jest zatrute zapachem rzezi.
Och, gdybyś mógł zobaczyć
Ich synowie, matki Niemki,
Matki Francji!
kłamać
Opuchnięte zwłoki dawnych wrogów,
Dotykanie się dłońmi bez palców,
W złowrogim uścisku!
Widzę je, widzę je. Ale kim jestem?
Czy to bestia? Pies rzeźnika?
Widzę je, widzę:
Zhańbiony…
Martwy...
(Ernst Toller „Zwłoki w lesie”).
Podstawą ekspresjonizmu jest zniekształcony obraz rzeczywistości w celu uzyskania szczególnej wyrazistości w przekazie świat duchowy artysta. Głosząc tezę o priorytecie samego artysty, a nie rzeczywistości, ekspresjonizm kładł nacisk na ekspresję duszy artysty, jego wewnętrznego „ja”. W twórczości ekspresjonistów panuje ciągłe poczucie strachu i bezsilności w obliczu chaosu wydarzeń. Formy świata zewnętrznego są przez ekspresjonistycznego artystę traktowane jedynie jako środek wyrażania swoich przeżyć. W poszukiwaniu maksymalnej wyrazistości i dynamiki obrazu ekspresjoniści porzucili uporządkowaną składnię i powiązania logiczne, zamienili język w chaos pojedynczych słów i wykrzykników. Do lat 30. Ekspresjonizm w literaturze przestał istnieć jako nurt, jednak w kolejnych dekadach zachował swoje wpływy w muzyce.
^ Formalne przejawy ekspresjonizmu :
Pociąg do abstrakcji, które zastąpiły konkretne koncepcje, idee i zasady moralne;
Symbole uogólnione i obrazy zbiorowe. Wiersze stają się trudne do przetłumaczenia.
^ Sierpy zamiatają ulice-wąwozy!
Oset syczy, gąbka chmur... Księżycowa dziura -
Jak człowiek się kołysze: och, bezgranicznie!
Kobieta odwraca swoje rozdarte łono do światła.
(Becher ze zbioru „Pieśń przeciw nowoczesności” 1918).
Kubizm kojarzona przede wszystkim z malarstwem, z działalnością artystów francuskich. W krytyce literackiej używa się go od 1908 roku. Francuski poeta Anre Salmon głosi kubizm jako sztukę zupełnie nową, mającą na celu zbawienie świata. Kubizm jest wyrazem aspiracji cierpiącego artysty (w najszerszym tego słowa znaczeniu).
Kubiści uważali, że należy dokonać kopernikańskiej rewolucji w malarstwie: przełamać tradycyjne wyobrażenia o kolorze, formie i przedstawić świat w formach geometrycznych. Analogią kubizmu w literaturze jest futuryzm (od angielskiego „futuro” - „przyszłość”). Kierunek wywodzi się z Francji i Włoch.
Futuryści sprzeciwiali się sztuce przeszłości, tradycji. Próbują znaleźć i zastosować w praktyce nowe formy przedstawienia nowego świata: „ Zwykłe doświadczenie musi zostać uzupełnione o esencję epoki„. Dla kubistów i futurystów celem sztuki nie jest poznanie i odbicie świata, ale stworzenie nowej rzeczywistości.
Abstrakcjonizm- najbardziej skrajna, radykalna szkoła w sztuce modernizmu. Główną zasadą jest zaprzeczenie figuratywności, która jest podstawą wszelkiej sztuki. Abstrakcjonizm ma na celu zniszczenie rzeczywistego, wizualnego obrazu i odpowiada temu obrazowi estetyki.
„Nowa materialność” czy „realizm wyobrażeniowy” (1918-1939).
Podstawą jest rodzące się zainteresowanie rzeczywistością, ale zamiast prawdziwej rzeczywistości mamy na myśli ten czy inny surogat.
Kierując się zasadą realizmu, starali się utrwalić chaos życia za pomocą stabilnych form. W literaturze kierunek ten objawił się w powieści D. Joyce’a „Ulisses”. Joyce stworzyła powieść, w której każda rzecz jest sposobem na wyrażenie całego świata. Joyce: „ Chcę wyrazić wszystko we wszystkim».
b) Cechy rozwoju realizmu w XX wieku.
Realizm XX wieku, dziedziczący tradycje przeszłości (analistyzm, zainteresowanie sferą społeczną), różni się paletą technik od realizmu XIX wieku.
Realizm XX wieku zajmuje się zasadniczo odmienną rzeczywistością społeczną. Są to wojny i dyktatorskie zamachy stanu, rewolucje społeczne i narodowowyzwoleńcze. Realizm XX wieku zajmuje się innym poziomem naukowego rozumienia świata i człowieka, uwzględnia psychoanalizę Freuda i jego zwolenników, filozofię egzystencjalizmu, rozczarowanie humanizmem oświeceniowym (człowiek nie jest już miarą wszystkiego).
Wszystko to nie mogło nie wpłynąć na realistyczny typ myślenia artystycznego, nie mogło nie zmienić dotychczasowych standardów i proporcji opisowości, naśladownictwa i fikcji, indywidualizacji i typizacji, kryteriów prawdy życia. Realizm XX wieku porzucił kopiowanie i lustrzane powtarzanie rzeczywistości, zaczął na szeroką skalę wprowadzać metody zapośredniczonego poznania świata. Tradycyjny opis został zastąpiony przez:
Studium analityczne (T. Mann „Doktor Faust”, „Czarodziejska góra”),
Ironia i podtekst (E. Hemingway),
Modelowanie groteskowe, fantastyczne i warunkowe (M. Bułhakow).
Realizm produktywnie wykorzystuje techniki modernistyczne - „strumień świadomości”, deformację, sugestię i inne techniki wcześniej niedostępne. Filozofia wkracza do literatury w nowym charakterze, jako technika, wnikając głęboko w tkankę dzieła sztuki. Gatunek przypowieści rozwija się produktywnie (Kafka, Camus, Exupery).
Bohater się zmienia, osoba wydaje się bardziej skomplikowana, często nieprzewidywalna w swoich działaniach (Faulkner, Pirandello). Literatura stara się przenikać w sferę irracjonalności, w podświadomość, eksploruje nieświadomość i sferę instynktów, na nowo interpretuje to, co biologiczne w człowieku (Lawrence, O'Neill). Autor przestaje być wszystkowidzącym i wszechwiedzącym demiurgiem, ale nie traci swojego najważniejszego znaczenia.
Paleta gatunkowa powieści zmienia się w wyniku dyfuzji odmian gatunkowych: science fiction, polityczne, detektywistyczne, rodzinne, przygodowe itp. Zwrot od społeczeństwa do jednostki, od typowości do jednostki wpłynął na gatunek epicki i zdeterminował jego zainteresowanie tematem. W literaturze XX wieku. termin „epos subiektywny” jest szeroko stosowany w odniesieniu do powieści, w których świadomość indywidualna znajduje się w centrum fabuły i problemów (termin „epos subiektywny” po raz pierwszy użył Łunaczarski w odniesieniu do powieści M. Prousta).
Uwaga na podstawowe problemy bytu, priorytet uniwersalne wartości w realizmie XX wieku. kontynuować linię wyrażoną w dziełach L. Tołstoja, F. Dostojewskiego, A. Franza, B. Shawa. Trend się utrzymuje klasyczny realizm, kierując się kanonami wypracowanymi w ostatnim stuleciu - humanizmem oraz optymistycznym spojrzeniem na historię i człowieka (D. Galsworthy, S. Maugham, G. Hauptman, S. Lagerlöf).
W XX wieku. Współistnieją 2 formy odzwierciedlenia rzeczywistości:
Formy warunkowo metaforyczne, fantastyczne;
Opisowe, odzwierciedlające świat.
^ socrealizm - metoda artystyczna, która powstała po rewolucji 1917 r. Podstawą twórczą jest marksizm. Ideologia metody opiera się na tezach o obrazie rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju oraz o osobie, która kształtuje otaczające ją okoliczności historyczne.
^ magiczny realizm - metoda, która rozwinęła się w drugiej połowie XX wieku. Łączy w sobie mit Ameryki Łacińskiej z nowoczesna technologia pisanie oparte na zasadach realizmu.
Realizm jest metodą żywą i rozwijającą się. Realizm jest stale wzbogacany o nowe formy, techniki, obrazy.
c) Egzystencjalizm literacki.
Egzystencjalizm rozprzestrzenił się niezwykle dzięki pisarzom francuskim. Przełożyli pojęcia filozoficzne na dostępny dla wszystkich język fikcji. A. Camus napisał: „Jeśli chcesz filozofować, pisz powieści”.
Francuski „egzystencjalizm literacki” pokazuje, że egzystencjalizm to nie tyle system pojęć, ile wyraz pewnego nastroju w świecie, w którym „wszystko jest dozwolone” („Jeśli nie ma Boga, to wszystko jest dozwolone” F. M. Dostojewskiego „Notatki z metra”) oraz wybór odpowiedniego zachowania.
d) Postmodernizm.
Postmodernizm (z ang. postmodernizm - dosłownie: co przychodzi po modernizmie) to zespół idei filozoficznych, naukowo-teoretycznych i emocjonalno-estetycznych, który jest wielowartościowy i mobilny, w zależności od kontekstu historycznego, społecznego i narodowego.
Początki postmodernizmu sięgają końca II wojny światowej i początków lat 80. XX wieku. jest postrzegana jako ogólne zjawisko estetyczne kultury zachodniej.
Początkowo postmodernizm opierał się na teorii i praktyce poststrukturalizmu i dekonstruktywizmu. Pierwsi liberalni krytycy postmodernizmu (Lyotar, Hassan, Jameson, Butler i in.) próbowali ukazać kompleks ideologiczny dzieła sztuki poprzez reprezentacje emocjonalne.
Główne koncepcje reżyserii to „świat jako chaos”, „świat jako tekst”, „świadomość jako tekst”, intertekstualność, dyskrecja, maska autora, „kryzys nawrotu”, metanarracja, fragmentacja narracji.
Zrodzony w duchu poststruktywizmu postmodernizm znacznie rozszerzył swój zakres. Poststruktywizm ogranicza się do wąskiej sfery zainteresowań filozoficznych i literackich. Postmodernizm twierdzi, że wyraża ogólną teorię sztuki współczesnej w ogóle i specyficzną mentalność postmodernistyczną. Postmodernizm rozumiany jest jako wyraz ducha czasu we wszystkich sferach działalności człowieka: sztuce, filozofii, nauce, ekonomii, polityce.
Ważną cechą myślenia postmodernistycznego jest zjawisko „myślenia poetyckiego”. W postmodernistycznych powieściach Fowlesa, J. Bartha, H. Cortazara znajdują się nie tylko opisy wydarzeń i postaci, ale także obszerne dyskusje na temat samego pisania tego dzieła. Wprowadzenie bloków teoretycznych w tkankę artystyczną dzieła tłumaczy się niemożliwością pisania „po staremu” w „nowych warunkach”, tj. w tradycyjny, realistyczny sposób. Ta symbioza fikcji i teoretyzowania literatury podyktowana jest koniecznością wyjaśnienia czytelnikowi niezwykłej formy narracji.
Metaliteratura jest jedną z kluczowych cech postmodernizmu. Postmodernizm ma skłonność do cytowania i samocytowania, operując czasami całymi blokami cytatów semantycznych. Przedstawiciel „nowej powieści” A. Robbe-Grillet nazwał prozę postmodernistyczną „literaturą cytowaną”. Co więcej, w postmodernistycznym kolażu nie ma wzajemnego oddziaływania, przeplatania się, syntetyzowania materiału. Jest to przeceniane, jakby podkreślane ze wszystkich stron w celu uzyskania całkowitej aprobaty.
Termin postmodernizm podkreśla kryzysowy charakter świadomości ponowoczesnej. Kryzys ten sięga przełomu XIX i XX wieku, kiedy to podważono autorytet pozytywistycznej wiedzy naukowej. Postmodernizm świadomie odrzuca wszelkie zasady i ograniczenia wypracowane przez poprzednią tradycję literacką. Postmodernizm traktuje sztukę jako swego rodzaju kod artystyczny, tj. zbiór zasad organizacji tekstu dzieła sztuki. Krytyka postmodernistyczna bada różne sposoby techniki narracyjnej mające na celu tworzenie fragmentarycznego dyskursu (fragmentacja narracji).
Postmodernizm uogólnia doświadczenia literatury awangardowej XX wieku i ma charakter wyraźnie antyrealistyczny. Umberto Eco uważa pojawienie się zjawiska postmodernizmu za nieuniknione. Wraz ze zmianą epok kulturowych jeden paradygmat kulturowy załamuje się, a na jego gruzach wyłania się inny. Na przykład te formy i gatunki, które dawno temu uznano za „wypracowane” w okresie dominacji realizmu, są szczególnie owocnie wykorzystywane w postmodernizmie: gotyk, barok, mennipei, tj. sztuka przejściowa. W. Eco podkreśla, że w różnych epokach przejściowych można zaobserwować coś bliskiego nastrojom postmodernistycznym.
M. Brabrery napisał w 1979 roku: „Modernizm stał się koncepcją historyczną… Wydaje się, że weszliśmy w nią nowy okres eksperyment, a realizm powieści po okresie renesansu przechodzi poważną rewizję. Rozpoczął się nowy okres estetyczny i wydano nam wygodną flagę, pod którą możemy pływać. Na tej fladze widnieje napis „Postmodernizm””.
W przeciwieństwie do realizmu postmodernizm nawet nie pretenduje do stworzenia modelu świata, bo postmoderniści wyrażają niepewność co do hierarchii i treści wartości życiowych. Pisarz postmodernistyczny nie rości sobie zatem pretensji do roli autora-demiurga, do logicznie rozwijającego się działania, do jedności i spójności chronotopu, do stabilności i psychologicznej jednoznaczności bohaterów. Tekst postmodernistyczny jest zmienny, fragmentaryczny, wieloznaczny. Kluczowymi obrazami-znakami literatury postmodernistycznej są wieloznaczne obrazy-symbole: karnawał, labirynt, dom wariatów.
W przeciwieństwie do modernizmu jako tragicznej sztuki wyobcowanej jednostki, postmodernizm jest sztuką tragikomiczną, farsową, nie tylko ironiczną i parodystyczną, ale także autoironiczną i autoparodyczną. Radykalna ironia staje się podstawą twórczego podejścia postmodernizmu.
Postmodernizmu nie można uważać za rodzaj sztuki syntetyzującej, jak np wersja ostateczna nowoczesności, dominuje w niej poczucie wyczerpania starego i nieprzewidywalności nowego, którego kontury są niejasne i nie wróżą niczego solidnego i klarownego. To sprawia, że postmodernizm jest bardzo żywym przedstawicielem „ducha czasu” końca XX wieku na przełomie wieków i tysiącleci.
Literatura:
Grebennikova N.S. Literatura zagraniczna. XX wiek: Proc. dodatek dla studentów. filol. specjalista. uniwersytety. - M.: VLADOS, 2002. – 128 s.
Historia literatury zagranicznej (XX wiek, I połowa). - Mińsk: Ekonompress, 1998. - 382 s.
Historia literatury zagranicznej XX wieku: Proc. / wyd. LG Michajłowa i Ya.N. Zasurski. - M.: TK Velby, 2003. - 544 s.
Literatura zagraniczna XX wieku: Proc. dla uczelni / wyd. LG Andreeva. Wydanie 2, wyd. i dodatkowe - M.: Wyżej. szkoła, 2004. - 559 s.
Dodatkowa literatura:
Jung K.G. Archetyp i symbol. – M.: Renesans, 1991.
Tematyka wykładów:
Surrealizm. Manifest surrealistyczny. Poezja surrealistyczna. Proza surrealizmu. Dramat surrealizmu. Estetyka i twórczość A. Artaud. Teatr okrucieństwa.
Powieść M. Prousta „W poszukiwaniu straconego czasu”. Wpływ idei A. Bergsona (pamięć nieświadoma, intuicyjna). Impresjonizm w powieści. czas w powieści.
Nielogiczność sprzecznego świata wewnętrznego w powieści F. Mauriaca „Rąk węży”. Połączenie różnych tradycji gatunkowych. Rzymskokatolicki.
Roman L.F. Selin „Podróż na skraj nocy”. Urok zła i apokaliptyczne obrazy świata w powieści. Modernistyczna interpretacja tematu „straconego pokolenia” w powieści.
„Fałszerze” A. Gide’a jako powieść eksperymentalna. Wpływ idei Dostojewskiego na pisarza. Kod gatunku „powieść wolna” i powieść polifoniczna.
Poetyka absurdu w twórczości F. Kafki. „Wymarzony” sposób pisania; realizacja kompleksów pisarskich; człowiek i ludzkość; problem winy. Opowiadania Kafki („Zdanie”, „Przemiana”).
Powieść intelektualna G. Hessego „Wilk stepowy”. Racjonalne i nieświadome w powieści. Metoda psychoanalizy w powieści. skład powieści.
Twórczość i estetyka B. Brechta. Brechtowska teoria teatru epickiego. Metoda „alienacji”; zongi; Wpływ ekspresjonizmu na Brechta. „Matka Courage i jej dzieci”, „Kaukaskie koło kredowe”. Gatunek sztuki to parabola. Tomasz Mann jako twórca powieści intelektualnej. Magiczna góra.
Modernizm w Wielkiej Brytanii. V. Wolf – pisarz i teoretyk modernizmu. Zastosowanie estetyzowanych technik strumienia świadomości u pani Delloway.
„Kochanek Lady Chatterley” D.G. Wawrzyniec jako „porażka artystyczna” (S. Lem); połączenie fizjologii i romantycznej idealizacji. Utopijna krytyka postępu burżuazyjnego i funkcja aluzji w powieści.
Gatunek antyutopii w powieści O. Huxleya „Nowy wspaniały świat”. Państwo jako centrum kompozycyjne powieści. Bezosobowość bohaterów. Fabuła warunkowa i przeciwstawienie motywów przewodnich „racjonalności” i „dzikości” w powieści. Odbicie lustrzane odcinków. Trzej „dzikusy” w powieści. Książka Huxleya jako powieść ostrzegawcza.
Eksperymentalna powieść D. Joyce'a „Ulisses”. Technika strumienia świadomości; hiperlokalizacja; minimalizacja zdarzeń; cztery dyskursy w powieści. mit w powieści. Schematy analityczne Joyce’a dla powieści.
„Wielki Gatsby” F.S. Fitzgerald jako ucieleśnienie i zaprzeczenie amerykańskiego snu w powieści. „Podwójna wizja” pisarza. Postać Nicka Carrawaya w powieści. Powieść Dos Passosa „Manhattan”. Zasada kompozycji montażowej.
Twórczość A. Millera. Zwrotnik Raka jako powieść (post)modernistyczna.
Powieści W. Faulknera o Joknopatofie. „Dźwięk i wściekłość” Technika strumienia świadomości, cztery dyskursy w powieści. Problem winy i odkupienia. Temat sztuki w powieści.
SPIS TEKSTÓW ARTYSTYCZNYCH DO KURSU „HISTORIA LITERATURY ZAGRANICZNEJ XX WIEKU”
1. Celina. Podróż do końca nocy.
2. Mauriac. Kula węży.
3. A. Żyd. Fałszerze.
4. A. Bretoński Manifest Surrealizmu // Nazywaj rzeczy po imieniu. M., 1986.
5. A. Bretończyk. F. Supo Pola magnetyczne // Antologia francuskiego surrealizmu. M., 1994.
6. Poezja surrealizmu francuskiego: Aragońska, Eluardowa, Desnosowa, Bretońska.
7. Poezja ekspresjonizmu.: Heim, Brecht, Trakl i inni.
8. T. Mann. Magiczna góra.
9. Brechta. O teatrze eksperymentalnym // Nazywanie rzeczy...
10. Ortega y Gasset. Dehumanizacja sztuki.
11. Garcia Lorca. Tekst piosenki. Dom Bernarda Alby.
12.A. Artaud. Teatr i jego odpowiednik. Strumień krwi.
13.B. Za. Życie pełne zainteresowań
14. Kafka. Proces. Zdanie.
15. Uwaga. Trzech towarzyszy.
16. Brechta. Matka Courage i jej dzieci.
17. Hesja. Wilk stepowy.
18. Prousta. W poszukiwaniu straconego czasu. w stronę Svana.
19. Joyce. Ulisses.
20. Lawrence. Kochanek Lady Chatterley.
21. Huxleya. Wspaniały nowy świat.
22. Eliota. Jałowa ziemia.
23.V.Wulf. Pani Delloway.
24. Hemingwaya. Fiesta. Stary człowiek i morze. Powieści (Białe słonie. Róg byka. Pokonani itp.)
25. Fitzgeralda. Wielki Gatsby.
26. Faulknera. Hałas i wściekłość.
27. Millera. Zwrotnik Raka.
28. Dreisera. Siostra Kerry
29. Dos Passo. Manhattan.
30. Steinbecka. O myszach i ludziach.
31.L. Pirandello. Sześć znaków w poszukiwaniu autora.
32.K.G. Junga. O stosunku psychologii analitycznej do kreatywność artystyczna// Zagraniczna estetyka i teoria literatura XIX-XX wieki wyd. Moskiewski Uniwersytet Państwowy, 1987.
33. Akutagawa. Powieści.
34. Tanizaki. Powieści.
35. DALSZY CZYTANIE
Hemingwaya. Stary człowiek i morze.
Dreisera. Tragedia amerykańska.
Kafka. Transformacja.
Uwaga. Na froncie zachodnim bez zmian.
Brechta. Galileo Galilei. Opera za trzy grosze.
PYTANIA O WYNIKI Z KURSU „HISTORIA LITERATURY ZAGRANICZNEJ I POŁOWY XX W.
1. Literatura i manifesty francuskiego surrealizmu. (A. Breton. „Manifest surrealizmu”; A. Artaud. „Teatr i jego sobowtór”, „Strumień krwi”; B. Pere „Życie pełne atrakcji”).
2. Powieść eksperymentalna Prousta („W poszukiwaniu straconego czasu. W stronę Swanna”).
3. Eksperymentalna powieść A. Gide'a „Fałszerze”.
4. Eliot „Ziemia jałowa”.
5. Powieść Seliny „Podróż do końca nocy”.
6. Twórczość F. Mauriaca „Kula węży”.
7. Zasada montażu w powieści Dos Passosa „Manhattan”.
8. Twórczość F. Kafka „Proces”, opowiadania.
9. Roman Remarque „Trzej towarzysze”. Temat utraconego pokolenia.
10. „Powieść intelektualna” Hesja „Wilk stepowy”.
11.Brecht. Estetyka i kreatywność teatralna.
12. Sztuka Pirandello „Sześć postaci w poszukiwaniu autora”.
13. Powieść eksperymentalna Joyce'a „Ulisses” (metoda „analogów mitologicznych”, strumień świadomości).
14. Powieść Lawrence'a Kochanek Lady Chatterley.
15. Dystopijna powieść Huxleya Nowy wspaniały świat.
16. Roman V. Wolf „Pani Delloway”.
17. Twórczość Hemingwaya. „Fiesta”. Temat utraconego pokolenia. „Karnawał” w powieści. Sport i walki byków w powieści. Powieści.
18. Powieść Fitzgeralda Wielki Gatsby.
19. Powieść G. Millera Zwrotnik Raka.
20. Powieść Dreisera „Siostra Kerry”. Teatralność powieści.
21. Hałas i wściekłość Faulknera. Powieść jako „genialna porażka”.
22. Powieści Akutagawy Ryunosuke.
23. Powieść Tanizakiego „Tatuaż”.
© Gil O.L., 2013
© Wydawnictwo FLINTA, 2013
Wszelkie prawa zastrzeżone. Żadna część elektronicznej wersji tej książki nie może być powielana w jakiejkolwiek formie i w jakikolwiek sposób, łącznie z publikacją w Internecie i sieciach korporacyjnych, do użytku prywatnego i publicznego, bez pisemnej zgody właściciela praw autorskich.
© Elektroniczna wersja książki przygotowana przez Litres (www.litres.ru)
Dany pomoc nauczania przeznaczony jest przede wszystkim dla studentów, którzy wybrali kształcenie na odległość, gdyż dostarczy im informacji teoretycznych, szeregu trudno dostępnych (ze względu na pewne okoliczności) teksty literackie, pomoże w zorganizowaniu samodzielnej pracy w przypadku rozłamu terytorialnego z nauczycielem. Proponowany podręcznik zapozna studentów wydziałów stacjonarnych i korespondencyjnych uczelni z organizacją kursów „Literatura obca pierwszej połowy XX wieku” i „Literatura obca drugiej połowy XX wieku”, pomoże im w znalezieniu niezbędnej literatury, pomoże w zorganizowaniu samodzielnej pracy. Nauczyciele filologii oraz nauczyciele szkół średnich, gimnazjów i liceów mogą uznać tę książkę za przydatną przy wyborze tematów prac badawczych uczniów, a także podczas lektury przedmiotów do wyboru.
Jako kontynuacja wcześniej opublikowanego kompleksu edukacyjno-metodycznego „Literatura obca XIX wieku (romantyzm i realizm)”, podręcznik „Literatura obca XX wieku » jednakże można go używać całkiem niezależnie.
Ze względu na to, że przebieg literatury zagranicznej XX wieku. studiuje się z reguły w ciągu dwóch semestrów, wygodne wydaje się podzielenie części teoretycznej i praktycznej na dwa bloki („Literatura obca pierwszej połowy XX wieku” i „Literatura obca drugiej połowy XX wieku” ), z których każdy zawiera siedem sekcji.
W pierwszej części krótko opisano cel i cel kursu.
Druga część wprowadza główną treść kursu, odzwierciedlając jego strukturę i logikę. W tej samej części znajduje się lista pojęć stanowiących podstawę teoretyczną kursu i warunkujących pomyślne opanowanie materiału.
Część trzecia przedstawia system ćwiczenia praktyczne, polegająca na badaniu najważniejszych zjawisk artystycznych epoki i osiągnięć myśli twórczej, odzwierciedlających specyfikę różnych nurtów, cechy sposobu twórczego poszczególnych autorów. główny cel zajęcia praktyczne - zapoznanie studentów z twórczością pisarzy zagranicznych, kształtowanie umiejętności analizy tekstów filologicznych. Analiza obcych tekstów poetyckich obejmuje nie tylko badanie tłumaczeń, ale także ich porównanie z oryginałami. W związku z tym dla jednego z ćwiczeń praktycznych proponowane są opcje zadania indywidualne dla uczniów znających język angielski. Zadania takie oznaczone są gwiazdką (*). Podobne zadania można wykorzystać na innych zajęciach.
W czwartej części zaproponowano listę wymaganych lektur, m.in dzieła sztuki i prac teoretycznych badanych autorów. Studenci, a także wszyscy, którzy chcą uzyskać pełniejszy obraz literatury zagranicznej XX wieku. może zapoznać się z listą tekstów do dalszej lektury. Literatura naukowa i krytyczna będzie pomocna w przygotowaniu do zajęć praktycznych, do zdania egzaminów, w pracy nad pracami semestralnymi i studiami dyplomowymi.
W siódmej części znajdują się pytania do kolokwiów dla studentów, którzy chcą głębiej przestudiować literaturę tej epoki.
Część ósma zawiera pytania egzaminacyjne, które można przeprowadzić zarówno w formie ustnej, jak i pisemnej. Pomyślne zdanie egzaminu wymaga znajomości głównych nurtów i kierunków epoki, a także umiejętności analizy dzieł sztuki autorów zagranicznych. Testowanie, wykazanie umiejętności „rozpoznania” tekstu z proponowanego fragmentu i umiejętności jego interpretacji, może być możliwym wariantem zaliczenia części materiału egzaminacyjnego.
W związku z tym, że część tekstów poetyckich z różnych powodów okazuje się niedostępna, w załączniku do pomocy dydaktycznej prezentowane są utwory poetów zagranicznych w przekładach na język rosyjski.
Mała liczba godzin wykładowych, nie zawsze pełne oświetlenie rzędu trudne tematy Podręczniki wymagają od nauczyciela szczególnego podejścia do kursu literatury zagranicznej XX wieku. W szczególności charakterystykę głównych zjawisk literatury pierwszej połowy XX wieku należy najwyraźniej przedstawić w powiązaniu z naukami kulturowo-filozoficznym, które duży wpływ o literaturze i kulturze ubiegłego stulecia. Prezentacja pracy dyplomowej na wykładzie z dużą ilością materiału pozwala studentom uzyskać jasne wyobrażenie o oryginalności badanego okresu i pomaga w przygotowaniu do ćwiczeń praktycznych. Analizę poezji modernistycznej, a także prozy, warto poprzedzić zajęciami praktycznymi reprodukcją materiału wykładowego.
Liczba i kolejność pytań do lekcji praktycznej „Anglo-amerykańska poezja modernistyczna” różni się w zależności od odbiorców, a także celów i zadań, które nauczyciel wyznacza sobie podczas tego seminarium. Część pytań oferowanych studentom do pracy indywidualnej jest rozdawana z wyprzedzeniem.
Studenci potrafią samodzielnie przygotować materiały do zajęć praktycznych „Teatr epicki Brechta”, „Literatura „straconego pokolenia”, „Bajka-Przypowieść A. de Saint-Exupery’ego „Mały Książę”. Studiowanie tych (i kilku innych) tematów na zajęciach praktycznych pozwoli nie tylko na głębsze przyswojenie materiału, ale także na zastosowanie zdobytej wiedzy na lekcjach i zajęciach pozalekcyjnych w szkołach, gimnazjach i liceach.
Cechy nauczania literatury obcej w drugiej połowie XX wieku. ze względu na specyfikę procesu literackiego i kulturalnego tego okresu. Niszczenie granic między narodami, obecność różnych wspólnot międzyliterackich, ścisłe oddziaływanie literatury i filozofii, literatury i innych form sztuki wymagają unifikacji tekstów przede wszystkim według zasady tematycznej: powieść-przypowieść, powieść-dystopia, itp. W tym zakresie wraz ze studiowaniem literatury Zachodnia Europa i Stany Zjednoczone należy uwzględnić w kursach literatury zagranicznej XX wieku. sekcje poświęcone kulturze i literaturze Ameryki Łacińskiej i Japonii. Nauka języka latynoamerykańskiego i japońskiego tradycje literackie pozwoli studentom uzyskać pełniejszy obraz współczesnego procesu literackiego, wzajemnego wpływu i rozwoju kultur. Ponadto brak uwzględnienia w podręcznikach szeregu skomplikowanych tematów, niedostępność dla studentów niektórych tekstów literackich i artykułów opublikowanych w ostatnich latach powodują, że zajęcia praktyczne poprzedzone są wykładami, w których scharakteryzowane jest dane zjawisko literackie, jego miejsce w procesie literackim jako całości, a także pokrótce podkreślono opinie czołowych badaczy krajowych i zagranicznych.
Pod wieloma względami podział tematów na bloki „Literatura obca pierwszej połowy XX wieku” okazuje się warunkowy. oraz „Literatura zagraniczna drugiej połowy XX wieku”. W szczególności wydaje się możliwe uwzględnienie cech dramaturgii B. Brechta zarówno w pierwszym, jak i drugim semestrze. Twórczość O. Huxleya została uwzględniona w drugiej części podręcznika ze względu na potrzebę przestudiowania cech powieści dystopijnej i porównania twórczości O. Huxleya i J. Orwella. Tematy „Literatura Ameryki Łacińskiej” i „ Literatura japońska» mieszczą się w tym samym miejscu, co wynika z faktu, że w drugim semestrze nieco większą liczbę godzin przeznaczono na studiowanie literatury zagranicznej.