Ekspresjonizm to modernistyczny ruch w sztuce europejskiej początku XX wieku. Rozprzestrzenił się głównie w Niemczech i Austrii. Artyści w ramach tego ruchu wyrażali własny stan emocjonalny, nastrój czy wewnętrzne procesy zachodzące w duszy lub psychice. Nie kopiują rzeczywistości, ale projektują swój wewnętrzny świat w malarstwie, literaturze, teatrze, muzyce i tańcu. Nawiasem mówiąc, ekspresjonizm jako jeden z pierwszych pojawił się w kinie.
Jak i dlaczego pojawił się ekspresjonizm?
Jego pojawienie się było spowodowane wzmożonymi napięciami społecznymi w ówczesnym społeczeństwie. Pierwsza wojna światowa, konflikty lokalne, przewroty rewolucyjne i depczące im po piętach reakcyjne reżimy zrobiły swoje: miejsce ludzi starej formacji zajęło pokolenie stracone, które postrzegało to, co się działo, w sposób skrajnie subiektywny. Nowi twórcy byli rozczarowani, źli, załamani próbami i presją psychiczną. Ich strach i rozpacz, zastępując się nawzajem, stały się głównymi motywami sztuki tamtych czasów. Opisy bólu, krzyków, jęków i śmierci to „postacie gorgiańskie” z początku XX wieku.
Ekspresjonizm w malarstwie: przykłady, znaki, przedstawiciele
W Niemczech ekspresjonizm ukształtował się wcześnie i dał się poznać najgłośniej. W 1905 roku pojawiła się grupa Bridge, przeciwstawiająca się impresjonistom, którzy całą swoją energię poświęcali ukazywaniu powierzchownego piękna barw, odcieni i światła. Nowi twórcy uważali, że sztuka powinna odzyskać paletę semantyczną, a nie barwną. Rebelianci celowo preferowali jasne, jaskrawe kolory, od których bolą oczy, trzaskają napięte nerwy. Nadały więc zwykłemu krajobrazowi emocjonalną głębię, cechy nastroju i znaki czasu. Wśród przedstawicieli wyróżniali się Max Pechstein i Otto Müller.
Edmond Munch, „Krzyk”
Drobnomieszczański połysk kiczu i agresywne ataki współczesnego życia powodowały u ekspresjonistów frustrację, udrękę, irytację nienawiścią i wyobcowanie do całkowitego sprzeciwu, które przedstawiali za pomocą kanciastych, szalonych zygzaków, linii, niedbałych i grubych kresek, nie jasnych, ale wściekłych kolorów.
W 1910 r. samodzielnie działał Związek Artystów Ekspresjonistów z Pechsteinem na czele, w formule grupy ideowej Nowa Secesja. W 1912 roku Blue Rider, założony przez rosyjskiego artystę abstrakcyjnego Wassily'ego Kandinsky'ego, ogłosił się w Monachium, chociaż nie-naukowcy uważają, że ta heterogeniczna kompozycja artystów jest właśnie ekspresjonistyczna.
Marc Chagall, „Nad miastem”
Ekspresjonizm obejmuje tak znanych i oczywiście utalentowanych artystów, jak Edmond Munch i Marc Chagall. Na przykład Krzyk Muncha jest najsłynniejszym norweskim dziełem sztuki. To właśnie ekspresjonista wprowadził ten skandynawski kraj na arenę światowej sztuki.
Ekspresjonizm w literaturze: przykłady, znaki, przedstawiciele
Ekspresjonizm rozprzestrzenił się szeroko w literaturze Europy Wschodniej. Na przykład w Polsce w twórczości Michinsky'ego, w Czechosłowacji w genialnej prozie Chapka, na Ukrainie w repertuarze Stefanyka ten nurt został zrealizowany z taką czy inną domieszką koloru narodowego. W Rosji szeroko znany jest ekspresjonistyczny pisarz Leonid Andriejew. niesłychanie emocjonalny wybuch napięcia pisarza, jego wewnętrznej otchłani, która go prześladowała. W dziele pełnym antropologicznego pesymizmu autor nie tyle opowiada, co daje upust swojej ponurej postawie, kreśli obrazy Boscha, gdzie każdy bohater jest niedokończoną ucztą dla duszy, a więc potworem doskonałym.
Stany obsesyjnej klaustrofobii, zainteresowanie fantastycznymi snami, opisy halucynacji - wszystkie te cechy wyróżniają praską szkołę ekspresjonistów - Franza Kafki, Gustava Meyrinka, Leo Perutza i innych pisarzy. Pod tym względem ciekawa i związana z twórczością Kafki.
Poeci ekspresjonistyczni to na przykład Georg Trakl, Franz Werfel i Ernst Stadler, których obrazowość niezrównanie wyraża psychiczne i psychiczne zaburzenia człowieka.
Ekspresjonizm w teatrze i tańcu: przykłady, znaki, przedstawiciele
Przede wszystkim jest to dramaturgia A. Strindberga i F. Wedekinda. Subtelności psychologizmu Rosina i humorystyczna prawda życia Moliera ustępują miejsca schematycznym i uogólnionym symbolom-figurom (na przykład Syn i Ojciec). Bohaterowi, w warunkach powszechnej ślepoty, udaje się widzieć wyraźnie i niefortunnie się przeciwko temu buntuje, co prowadzi do nieuniknionego, tragicznego rozwiązania.
Nowy dramat znalazł swoją publiczność nie tylko w Niemczech, ale także w USA (pod ścisłym kierownictwem Eugene'a O'Neilla) i Rosji (ten sam Leonid Andreev), gdzie Meyerhold uczył artystów przedstawiania stanów psychicznych ostrymi ruchami i porywczymi gestami (technika ta została nazwana „biomechaniką”).
Balet „Święto wiosny”
Wizualizacja duszy poprzez plastyczność przybrała formę ekspresjonistycznego tańca Mary Wigman i Piny Bausch. Wybuchowa estetyka ekspresjonizmu przeniknęła do surowego baletu klasycznego w wykonaniu Wacława Niżyńskiego w Święcie wiosny w 1913 roku. Innowacja przeniknęła do kultury konserwatywnej kosztem ogromnego skandalu.
Ekspresjonizm w kinie: przykłady, znaki, przedstawiciele
Od 1920 do 1925 roku w berlińskich studiach filmowych pojawiał się fenomen kina ekspresjonistycznego. Asymetryczne zniekształcenia przestrzeni, krzycząca symboliczna sceneria, nacisk na komunikację niewerbalną, psychologizacja zdarzeń, nacisk na gesty i mimikę – to wszystko oznaki nowego trendu na ekranie. Znani przedstawiciele kina ekspresjonistycznego, w których twórczości można prześledzić wszystkie te nurty: F. V. Murnau, F. Langa, P. Leni. Pewną ciągłość z tym modernistycznym kinem można wyczuć analizując słynne dzieło Larsa von Triera „Dogville”.
Ekspresjonizm w muzyce: przykłady, znaki, przedstawiciele
Przykłady muzyki ekspresjonistycznej obejmują późne symfonie Gustava Mahlera, wczesne dzieła Bartóka i twórczość Richarda Straussa.
Johann Richard Strauss, Samotność
Ale najczęściej ekspresjoniści mają na myśli kompozytorów nowej szkoły wiedeńskiej, na czele z Arnoldem Schönbergiem. Nawiasem mówiąc, wiadomo, że Schoenberg aktywnie korespondował z W. Kandinskim (założycielem ekspresjonistycznej grupy Blue Rider). W rzeczywistości wpływ estetyki ekspresjonistycznej można odnaleźć także w twórczości współczesnych grup muzycznych, na przykład kanadyjskiej grupy Three Days Grace, gdzie solista wyraża emocjonalną intensywność utworu poprzez mocne partie wokalne.
Ciekawy? Zapisz go na swojej ścianie!
Ekspresjonizm zajmuje szczególne miejsce w kulturze Niemiec pierwszej połowy XX wieku. Jeśli rozwój niemieckiego naturalizmu i impresjonizmu był w dużej mierze stymulowany wpływami zagranicznymi, przede wszystkim francuskimi, to wtedy ekspresjonizm jako szczególny ruch artystyczny rodzi się zgodnie z niemieckim systemem estetycznym i po raz pierwszy po znacznej przerwie zaczyna aktywnie wpływać na sztukę europejską pierwszych dekad XX wieku.
Ekspresjonizm- szczególny kierunek wśród ruchów artystycznych początku XX wieku. Jego specyfika polega na tym, że ma charakter emocjonalny, etyczny „wybuch”, „krzyk”, wygenerowany głębokim kryzysem epoki przełomu wieków i przededniu przewrotów militarnych i rewolucyjnych. Ta cecha była wyraźnie rozpoznawana zarówno przez teoretyków nowego kierunku, jak i przez zwykłych „aktywistów” (termin używany wśród ekspresjonistów. - T.Sz.). Wśród prekursorów ekspresjonistów zwykle nazywa się dramaturgów Sturm und Drang, F. Hölderlina, Kleista, Buchnera, A. Rimbauda, G. Apollinaire'a, Husserla, Nietzschego.
Bezpośredni poprzednicy ekspresjonistów są zwykle nazywani Holendrem Van Goghiem, belgijskim Ensorem, norweskim E. Munchem (1863-1944). Rycina ostatniego „Krzyku” (1893) mogłaby zostać wybrana jako swego rodzaju emblemat tego nurtu, gdyż jest ona właściwie kwintesencją ekspresjonistycznej ekspresyjności. Płótna Muncha oddają nie tyle realia otaczającej artystę rzeczywistości, ile zmysłowo ubarwione impresje. Krajobrazy Muncha są niewygodne, pełne melancholii i bólu. Bohaterowie są dręczeni strachem, samotnością i śmiercią i uosabiają cierpienie i smutek całej ludzkości. W rycinie „Krzyk” poczucie nadchodzącej nieubłaganie Apokalipsy oddaje nie tylko wizerunek najbardziej krzyczącej postaci na moście, ale także cały system kompozycyjnej i graficznej organizacji powierzchni arkusza.
Jednak sama metoda ekspresyjnego wyrażania za pomocą koloru i formy pewnych skrajnych stanów ludzkiej psychiki, najgłębszych stanów duszy i ducha ludzkości, została odnaleziona w historii sztuki od czasów starożytnych. W manifestach ekspresjonistów wielokrotnie podkreślano, że ich nurt międzynarodowo i nosi ponadczasowy charakter. Techniki takiej autoekspresji odnaleźć można w sztuce afrykańskiej i średniowiecznym gotyku niemieckim, u El Greca, Goi, Gauguina, przedstawicieli europejskiego symbolizmu i secesji. Jak wynika z wypowiedzi ekspresjonistów (Kasimir Edschmidt), pokrewieństwo poszukiwań twórczych jest przez nich reinterpretowane jako pokrewieństwo dusz niezwiązanych czasem ani tradycjami narodowymi: „Ich korzenie nie tkwią w poprzednim pokoleniu, od którego ta sztuka jest we wszystkim oddzielona. Historia duszy nie toczy się po przenośniku przeszłości tak prosto i konsekwentnie. Związek nie jest ograniczony. Tradycja nie jest sprawą narodową i nie jest związana z historią jakiejś epoki, ekspresjonizm istniał od zawsze”.
Tak więc dla teoretyków ekspresjonizmu to zjawisko nie jest artystyczne, ale światopogląd. Przejawia się wszędzie tam, gdzie dzieją się wielkie rzeczy. rewolucje duchowe. To nie przypadek, że wielu ich przedstawicieli było esperantystami. Katastrofy pierwszej wojny światowej postawiły pod znakiem zapytania możliwość postępu i pogłębiły kryzys świadomości społecznej. Badacze zauważyli, że trend, który rozwinął się i umocnił w latach wojny, został stworzony przez niemiecką młodzież, która w czasach przedwojennych i przedrewolucyjnych tęskniła za duchowym oczyszczeniem. Dzieła ekspresjonistów charakteryzują się przede wszystkim nie politycznym, ale uniwersalnym patosem, choć ogólnie sztuka ta myślała o sobie jaki buntowniczy, antyburżuazyjny. Patos wyznaczono nowy kierunek w sztuce często wybuch emocji, bunt przeciwko utartym normom moralnym oraz instytucjom publicznym i społecznym – ustrojowi politycznemu i państwowemu, niesprawiedliwości i okrucieństwu ludzkiej egzystencji. Przedstawiciele tego nurtu mieli nadzieję na duchowe odrodzenie i zjednoczenie ludzkości, która przetrwała w okopach I wojny światowej, chcieli zmienić człowieka, sprzyjać powstawaniu nowy, duchowo wyzwolony osoba:
„Odrodziło się poczucie, że więź, która spajała Europę i spajała ją wojna, jest tak silna, że dla jej mieszkańców nie ma już odtąd innego losu niż wspólny, i że pojawienie się nowego świata powstającego z popiołów nie będzie ani ruskie, ani niemieckie, ani łacińskie, ale że ta część świata zrodzi teraz z krwawych mgieł owo ludzkie „ja”, które w nadchodzących tysiącleciach będzie rosło, rozwijało się, tworzyło kulturę, cieszyło się, cierpiało i znowu umrze. Szykuje się nie epoka techniki, którą przewidział upojony odkryciami XIX wiek, ale epoka ducha, kiedy człowiek własnymi rękami zasadzi na ziemi pobożny ogród.
Niemiecki ekspresjonizm z pełnymi prawami możemy nazwać najbardziej „humanistycznie zorientowanym” nurtem początku XX wieku. Kiedy mówimy o ekspresjonizmie, mamy na myśli nie tylko i nie tyle ruch artystyczny. Jak słusznie ujęto Iwan Goll(1891-1950) mamy na myśli „stan umysłu, który rozprzestrzenił się jak epidemia na wszystkie rodzaje aktywności umysłowej: nie tylko na poezję, ale także na prozę, nie tylko na malarstwo, ale także na architekturę i teatr, muzykę i naukę, szkolnictwo wyższe i reformę szkolnictwa średniego”.
Za początek działalności artystycznej ekspresjonistów uważa się utworzenie przez artystów niemieckich w 1905 roku w Dreźnie grupy „Most” („Die Vgjske”). Stawiali na proste formy, nowe rytmy i nasycenie barw. W tym E.L. Kirchnera, E. Heckela, E. Nolde, O. Müllera i M. Pechsteina grupa ta rozpadła się po przeprowadzce do Berlina. W 1911 r. w Monachium powstało drugie stowarzyszenie ekspresjonistów – grupa Blue Rider („Der Blaue Reiter”). Wśród jej liderów są Franz Marc, August Macke, Wassily Kandinsky, Paul Klee i inni.
Warto zwrócić uwagę na międzynarodowy skład tej grupy, tym ważniejszy, że ówczesna Europa była już ogarnięta przedwojennym nacjonalistycznym szaleństwem. Ekspresjoniści chcieli zburzyć wszelkie istniejące podziały między ludźmi, aby znaleźć coś wspólnego w duchowej istocie człowieczeństwa, co służyłoby powszechnemu zjednoczeniu ludzi. Ważną rolę w kształtowaniu zasad estetycznych nowego nurtu odegrała praktyka artystyczna artystów rosyjskich, w szczególności V. Kandinsky'ego, który starał się uwolnić obraz spod władzy przedmiotu. To jego wizerunek Błękitnego Jeźdźca znalazł się na okładce almanachu o tej samej nazwie, który zawierał deklaracje polityczne ekspresjonistów.
Charakterystyczna jest treść semantyczna terminu „ekspresjonizm”. Wywodzi się z francuskiego „expressionisme expression”, „ekspresyjność”, a łacińskiego „expressio” – „ekspresyjność”, „siła przejawiania się doznań zmysłowych”. W rezultacie dla ekspresjonistów „wrażenie zewnętrzne” zostało wyparte „wyraz” myśli autora, pozycje, a obraz rzeczywistości został zastąpiony wyraz indywidualności, duchowy świat twórcy. Zaprzeczając bierności i estetyzmowi większości ruchów artystycznych przełomu XIX i XX wieku, przedstawiciele omawianego ruchu uważali się za odpowiedzialnych za losy ludzkości. Cechą charakterystyczną manifestów i praktyki twórczej ekspresjonistów było świadome odrzucenie całej dotychczasowej tradycji artystycznej, tak nietypowej dla niemieckiej myśli estetycznej. Odrzucając nawykowe i ciasne ograniczenia i standardy życia, przedstawiciele niemieckiej inteligencji twórczej odrzucają także sztukę przeszłości, jeśli ma ona jedynie walor estetyczny. W latach przedwojennego kryzysu, wojny i rewolucji zwykła moralność, religia i estetyka okazały się „eksplodować”. Przedstawiciele tego nurtu swoje zadanie widzieli w odkrywając istotę życia, zaniedbując szczegóły, półtony, „wygląd”: „... Cała przestrzeń artysty ekspresjonistycznego staje się wizją. On nie ma spojrzenia - ma spojrzenie. Nie opisuje - współczuje. On nie odzwierciedla - on przedstawia. Nie bierze - szuka. A teraz nie ma już łańcucha faktów: fabryk, domów, chorób, prostytutek, krzyków i głodu. Jest tylko jego wizja, pejzaż sztuki<...>Wszystko zostaje połączone z wiecznością…”.
Historia pojawienia się samego terminu w krytyce literackiej jest opisana niejednoznacznie. Niektórzy badacze uważają go za autora Wilhelma Worringera, historyka sztuki, autora słynnych dzieł Abstrakcja i empatia (1911) oraz Problemy formy sztuki gotyckiej. W tych pracach pytanie o istotę sztuki zostało postawione w nowy sposób. Z punktu widzenia Worringera, w kryzysowych epokach bytu zawsze rodzi się ostrożny stosunek człowieka do świata, w wyniku czego powstaje sztuka, która nie chce ukazywać niezrozumiałej i wrogiej konkretności życia. Cechą charakterystyczną stylu staje się abstrakcja na wszystkich poziomach obrazu artystycznego:
„Szczęśliwe możliwości sztuki polegały… na wyrwaniu przedmiotu świata zewnętrznego z jego przypadkowego, pozornego przypadku, uwiecznieniu go poprzez zbliżenie się do abstrakcyjnej formy, a tym samym odnalezienie spokoju” .
W chaosie codzienności i globalnych katastrofach, z punktu widzenia Worringera, niewzruszone pozostają jedynie matematyczne formuły i impulsy ludzkiego ducha. W ten sposób słynny „sztuka linii prostych”: gotyk i piramidy „wyrosły z dysharmonii świata zewnętrznego”. Krytycy wielokrotnie zwracali uwagę na owocny wpływ estetyki ekspresjonistycznej na światową sztukę teatralną i filmową. Proste i wymowne kontrasty czerni i bieli, światła i ciemności, geometryczne linie przecinające płaszczyzny, scenerie i przestrzenie były z powodzeniem stosowane w kinie niemym. Istniał nawet osobliwy kierunek „kaligaryzm”, który wziął swoją nazwę od sensacyjnego filmu Roberta Wiene'a „Gabinet doktora Caligari” (1919). Cały system wizualny filmu oparty został na swoistym wykorzystaniu prostych geometrycznych detali i figur: pionów, przekątnych, trójkątów itp. Nawet wizerunki bohaterów były kojarzone z odpowiednimi postaciami. Estetykę niemieckiego ekspresjonizmu wykorzystał Siergiej Eisenstein przy tworzeniu filmów „Pancernik Potiomkin” i „Iwan Groźny”.
Jak słusznie zauważył N.S. Pavlova „w ekspresjonizmie życie nie jest już postrzegane bezpośrednio. Namacalny jest jedynie jako przedmiot interpretacji, trudnej refleksji artysty. Potwierdza to przemówienie inauguracyjne Kazimierza Edschmida (Eduard Schmid), wygłoszone 17 grudnia 1917 r. „Ekspresjonizm w poezji”. Autor w ferworze polemicznej twierdzi, że nawet obraz prostego, zwyczajnego domu pod piórem ekspresjonisty traci swoją konkretność. Z atrybutu ludzkiej egzystencji „wyzwolonej od zatęchłej zależności od rzeczywistości” dom jawi się w swojej „istocie esencji”. Artysta jest wezwany do ujawnienia ukrytego znaczenia, ukrytego celu i przeznaczenia rzeczy. W konsekwencji przedstawiony obiekt może zostać zdeformowany, aby osiągnąć cel. Tak więc dom, „nawet za cenę swojego zwyczajnego wyglądu”, „będzie gotów ujawnić swój charakter, dopóki nie wzniesie się lub nie zawali, dopóki nie zostanie wprawiony w ruch lub zastygły, dopóki nie spełni się wszystko, co w nim śpi”.
Nieprzypadkowo dramaturgia ekspresjonizmu wkracza do historii literatury pod tą nazwą dramat krzyku. Deformacja w nim obejmuje nie tylko scenografię spektakli, ale istotę samych obrazów, prawa gramatyki języka. Pomysł autora staje się normą regulującą autoekspresjonistyczną autoekspresję. Według Edschmida, temat obrazu w sztuce nie myślący bohater powinien zostać, ale proces myślenia. To właśnie takie podejście i punkt widzenia teoretyków ekspresjonizmu „dyscyplinuje strukturę” dzieła: „Zdania nie wpisują się w rytm tak, jak to się zwykle robi. Podlegają tej samej intencji, temu samemu przepływowi ducha, który rodzi tylko prawdę. Są w mocy tworzenia melodii i słów, Ale to nie jest cel sam w sobie. Zdania, połączone w jeden długi łańcuch, służą duchowi, który je tworzy.<...>Podobnie słowo nabiera innej mocy. Znika to, co opisowe, wysysające temat ze wszystkich stron. Nie ma już dla niego miejsca. Słowo stało się strzałą. Uderza w wnętrze przedmiotu i uduchowia je. Krystalizuje się prawdziwy obraz rzeczy<...>Przymiotnik łączy się w jeden stop z nośnikiem myśli werbalnej. Nie powinien też opisywać. Powinien wyrażać istotę, i tylko istotę, w jak najbardziej zwięzły sposób. I nic więcej" .
W związku z powyższym staje się jasne, że wzrasta znaczenie symbolu w artystycznym systemie ekspresjonizmu, aw rezultacie odwoływanie się do wątków i obrazów mitologicznych, biblijnych i starożytnej Grecji.
Ramy chronologiczne ekspresjonizmu jako nurtu są raczej wąskie i niewspółmierne do wpływu, jaki wywarł on na myśl artystyczną XX wieku. - w przybliżeniu od 1910-1912 do 1924-1925. Jednak czas istnienia tego prądu można podzielić na trzy etapy. Pierwszy związany jest z okresem jego projektowania – od początku lat 10. do I wojny światowej. To okres rozkwitu tekstów ekspresjonistycznych. W gatunkach poetyckich tego czasu wyrażono istotę i nerw ekspresjonistycznego światopoglądu. W 1919 roku ukazały się słynne antologie poezji ekspresjonistycznej „Zmierzch ludzkości” („Menschheitsdammerung”) i „Towarzysze ludzkości” („Kameraden der Menschheit”), spalone w 1933 roku przez nazistów i przedrukowane w niezmienionej postaci jako najważniejsze dokumenty tego prężnego ruchu. Już same nazwy zbiorów są niejednoznaczne. Jak wiecie, świat był postrzegany przez ekspresjonistów w swoistej dialektyce: jest nie tylko ginący, ale i zdolny do odnowy. Po zmierzchu z pewnością nadejdzie świt duchowo odrodzonej ludzkości.
Drugi etap – lata wojny i rewolucji (1914-1923) – rozkwit dramatu i prozy, najmniej rozwinięty zgodnie z tym nurtem. W 1917 roku niemal jednocześnie ukazały się dwa przełomowe dzieła ekspresjonizmu: słynna książka opowiadań Leonharda Franka „Dobry człowiek!” („Der Mensch ist gut!”) oraz podręcznik programowy wybitnego teoretyka lewicowego ekspresjonizmu Ludwiga Rubinera „Człowiek w centrum” („Der Mensch in der MShe”). Już same tytuły tych prac podkreślają humanistyczne aspiracje ekspresjonizmu i jego antywojenny patos.
Ostatni etap ekspresjonizmu - 1923-1925, czas fermentacji, przejścia na inne pozycje w estetyce. Dopiero w dramacie nadal z powodzeniem wdrażane są zasady wypracowane przez ekspresjonizm.
W historii powstawania i rozkwitu ekspresjonizmu szczególną rolę odegrały dwa stowarzyszenia. W 1910 r. w Berlinie zaczęło ukazywać się czasopismo „Burza” („Der Sturm”), wydawcy Gerharta Waldena, który skupił wokół siebie wielu utalentowanych pisarzy i artystów (Augusta Stramma, Rudolfa Blumnera itp.), postacie tej grupy koncentrowały się głównie na problemach artystycznych, uznając sztukę za zjawisko wartościowe i samoistne.
Od 1911 roku rozpoczęło działalność kolejne czasopismo i kolejne stowarzyszenie, którego nazwa to - „Akcja” („Die Aktion”) odzwierciedla ich istotę - „Akcja”. Głównym zadaniem „aktywistów” jest potwierdzenie społecznego znaczenia sztuki. Wpisuje się w to skojarzenie słynne hasło - "Człowiek w centrum!" Akcentowana działalność pozycji humanistycznej skłoniła G. Manna do współpracy z lewicowymi ekspresjonistami. Wśród członków tego stowarzyszenia są tak jasne osobistości, jak Johannes Becher, Ernst Toller, Rudolf Leonhard. Skojarzenia „Burza” i „Akcja” budziły nieustanne kontrowersje, jednak często w obu publikacjach publikowali ci sami autorzy. W przyszłości losy ekspresjonistów w dużej mierze się rozeszły. I. Becher i F. Wolf, R. Leonhard, antymilitaryści i antyfaszyści L. Frank, G. Kaiser, A. Zweig, E. Toller, W. Hasenclever, anarchista E. Mühsam, pacyfista F. Werfel, antyfaszystowski katolik A. Deblin zostali komunistami. I tylko G. Noet, porzuciwszy humanistyczne ideały, staje po stronie faszyzmu.
Jak już wspomniano, ekspresjonizm w literaturze rozpoczął się w twórczości kilku wybitnych poetów. Ten Georg Trakl (1887)-1914), Georga Heima (1887-1912), Else Lasker-Schuler (Else Lasker-Schuler, 1869-1945), Ernsta Stadlera (Ernsta Schtadlera, 1883-1914) i inni Duży wpływ na nich wywarło doświadczenie francuskiej symboliki - Baudelaire, Verlaine, Mallarme, Rimbaud. Jak słusznie pisze N.S. Pavlova, Trakl i Geim wprowadzili do poezji austriackiej i niemieckiej coś, co można nazwać „metaforą absolutną”: „Poeci ci nie zajmowali się już figuratywnym odzwierciedleniem rzeczywistości, stworzyli „drugą rzeczywistość” 1 . Typowym tego przykładem jest wiersz Trakl "Spokój i cisza", którego centralnym symbolem jest „pogrzeb słońca” w martwym świecie („nagi las”). Poczucie nieuchronności katastrofy wzmacnia fakt, że pasterze („pasterze”) zakopują słońce, ci, którzy są powołani na jego spotkanie, chronią je. Wizerunki pasterzy zwyczajowo przywołują biblijne błogie skojarzenia, ale to właśnie ci ludzie grzebią nadzieję ludzkości („słońce”), a rybak (również obraz ewangeliczny) łapie „miesiąc” (lub księżyc) z martwego stawu, który w wielu mitologiach świata kojarzy się ze śmiercią, rozkładem:
Pasterze zakopali słońce w nagim lesie Rybak
Wyciągnął miesiąc z zamarzniętego stawu z siatką na włosy.
Blady mężczyzna mieszka w niebieskim krysztale, z przyciśniętym policzkiem
do twoich gwiazd.
Albo pochyla głowę w purpurowym śnie.
A tych, którzy widzą, na zawsze dotyka czarne stado Ptaków, świętość niebieskich kwiatów Zwiastun bliskiej ciszy zapomnienia, wymarłe anioły.
Czoło znów blednie w księżycowej petryfikacji.
Jako promienny młodzieniec, siostra pojawia się w środku jesieni i
czarny rozkład.
(Tłumaczenie A. Nikolaev // Trakl Georg.
Piosenka o zachodzie słońca. M., 1995)
Jak stwierdził N. S. Pavlova, „Metafora Trakla obejmuje cały świat, odtwarza jego stan; esencja i esencja są wydobywane, prezentowane w widoczny sposób. W twórczości ekspresjonistów, zarówno w poezji, jak iw malarstwie, są prawdziwe spostrzeżenia, zdumiewające przewidywania. Słynny na całym świecie „Krajobraz apokaliptyczny” Ludwiga Meidnera pojawia się na długo przed I wojną światową. W 1911 r. ukazał się wiersz zmarłego przedwcześnie zmarłego Georg Geim (1887-1912) „Wojna”, której widzialne, obrazowe obrazy opierają się nie tylko na aluzjach biblijnych (fabuła śmierci Sodomy i Gomory), ale także znanych obrazowych reminiscencjach. Przed oczami czytelnika dosłownie wznosi się obraz F. Goi „Kolos” (1808-1812), stworzony podczas wojen napoleońskich w Hiszpanii.
Ten, który spał spokojnie, obudził się.
Budząc się, wyszedł ze sklepionej piwnicy,
Wyszedł i stanął, ogromny, w oddali,
Pokryty dymem, miesiąc ściśnięty w dłoni.
Wypuszcza na pole ognistego psa.
Lasy wypełniają się pieszczotami i szczekaniem.
Cienie skaczą dziko, pędząc w świetle,
Blask lawy liże, wgryza się w ich krawędzie.
W żółtym dymie miasto jest białe jak prześcieradło,
Chwila, patrząc w otchłań, rzuciła się na dno.
Ale stoi przy załamaniu, rozdzierając dym,
Ten, który macha pochodnią ku niebu.
I w błysku błyskawicy, w błyskach chmur.
Pod kłami z korzeniem odwróconych skrętów,
Popioły polany na milę wokół,
Z hojnych rąk zsyła siarkę na Gomorę.
(Tłumaczenie B. Pasternaka // Poezja obca w przekładach B. Pasternaka. M., 1990)
Wiersze Geima odznaczają się niezwykłą trafnością subiektywną, łagodzącą mrok apokaliptycznych obrazów i poczucie beznadziejnej grozy w momencie umierania ludzkości, dobrowolnie pędzącej w otchłań przyszłej wojny.
Motywem przewodnim w twórczości poetów ekspresjonistycznych jest wątek antywojenny. Jest to naturalne, ponieważ wojna nie tylko wtargnęła w ich życie, ale także je złamała i dla wielu odcięła. Tak więc jeden z najwybitniejszych poetów ekspresjonistycznych, Georg Trakl, nie mogąc otrząsnąć się z urazu psychicznego spowodowanego udziałem w wydarzeniach militarnych, popełnił samobójstwo, przyjmując nadmierną dawkę narkotyku. Niemniej jednak wojna jest przez nich przedstawiana nie w prawdziwej konkretności, ale w niejasnych symbolicznych, imponujących obrazach. We wstępie do antologii Zmierzch ludzkości krytyk Kurt Pintus zauważa: „Nawet wojna, ta, która zniszczyła wielu z tych poetów, nie jest opowiedziana materialnie realistycznie: jest zawsze obecna jako wizja, nabrzmiewa jak ogólny horror, rozciąga się jak nieludzkie zło” 1 .
Porównują wojnę do niewytłumaczalnej klęski żywiołowej, trzęsienia ziemi, szalejącego żywiołu, „wiecznej nocy”, która zstąpiła na Europę. W wierszach jednego z najciekawszych poetów tego okresu, A. Ersnshtsina, pojawia się obraz gigantycznego krwawego strumienia, który ogarnął świat, „krwawego morza”, wśród którego „wędrówka”, „zataczanie się”, zagubiona ludzkość („ściany są jak fale, domy są jak fale”).
Czas największego rozkwitu dramatu ekspresjonistycznego przypadł na koniec I wojny światowej. Wątek antywojenny determinuje jego treść, podobnie jak treść prozy. W 1919 roku niemal równocześnie wystawiano sztuki uważane za szczyt dramaturgii ekspresjonistycznej. Są to Gaz Georga Kaisera (1878-1945), jednego z najwybitniejszych pisarzy tego nurtu, Rod Fritza von Upru (1885-1970), Metamorfoza Ernsta Tollera (1893-1939), Antygona Waltera Hazenklsvsra. W 1919 r. otwarto teatr Tribune, specjalnie przystosowany do wystawiania dramatów ekspresjonistycznych. Manifest, zaplanowany na otwarcie tej sceny, jasno wskazuje cel nowego teatru: „Nie scena, ale ambona”. Hasło to żywo wyraża działalność stanowiska większości ekspresjonistów, którzy w teatrze widzieli przede wszystkim środek oddziaływania ideologicznego.
Najważniejszym elementem wszystkich dramatów ekspresjonistycznych jest krzyk wywołany apokaliptyczną wizją świata. Krzyk miał obudzić masy z moralnej hibernacji, wrzask wyrażał natychmiastowe reakcje i uczucia bohaterów. „Takie sprowadzenie emocji do krzyku pozostawia główną cechę nowego dramatu. Rzeczywistość jawi się dramatopisarzom jako rodzaj abstrakcji i w subiektywizmie zostają oni odizolowani. Wszystko, za czym tęsknili ekspresjoniści, to niezależność sztuki. Abstrahowanie od rzeczywistości postrzegali jako krok naprzód w estetyce, co – wraz z marginalną pozycją społeczną – prowadziło do samotności i swego rodzaju wewnętrznej emigracji” – słusznie stwierdza Encyklopedia Ekspresjonizmu. Nie przez przypadek za dramatycznymi dziełami ekspresjonistów taka wymowna cecha została ustalona - dramat krzyku. W niemieckiej krytyce literackiej nie ma mniej trafnego określenia takich dzieł, wskazującego na źródło napięcia moralnego w tych sztukach - „Ich-Drama” (dramat „lirycznego ja”). Rozdarty, wirujący, zdezorientowany świat osobowości - przedmiotem nieustannej bacznej uwagi ekspresjonistów. We wszystkich dramatach ekspresjonistycznych mamy do czynienia z oderwaniem od konkretnych wydarzeń i okoliczności rzeczywistości. Charakterystyczne pod tym względem są uwagi zawarte w ich sztukach: „Czas jest dzisiaj. Miejsce to świat”; „Czas jest mityczny; miejsce - Mykeny - Olympus - „królestwo umarłych”. Człowiek interesował się ekspresjonistami w momencie wyjątkowego napięcia wszystkich jego sił moralnych, kiedy wszystko codzienność, prywatna, codzienność ustąpiło, a objawił się wieczny, uniwersalny człowiek. Nie przez przypadek jedną z najczęstszych postaci dramatów ekspresjonistycznych jest prorok , Mesjasz , męczennik i odkupiciel za wszystkie grzechy ludzkości.
Jednym z najwybitniejszych dramaturgów tego nurtu był Waltera Hasenclewera, 1890 -1940), którego sztuka „Syn” („Der Sohn”) przyniosła mu niezwykły sukces w 1914 roku i otworzyła swoją inscenizacją „najwspanialszą godzinę” ekspresjonistycznej dramaturgii. Konflikt spektaklu oparty jest na zmaganiach dwóch pokoleń – ojców i dzieci – konfliktu charakterystycznego dla dramatu niemieckiego, poczynając od dramatu Burz, i jednego z głównych w dramatach ekspresjonistycznych. Charakterystyczną cechą tej pracy Hazenklevera jest to, że nazwany konflikt rozwiązywany jest przez niego nie w duchu freudowskich kompleksów, jak większość ekspresjonistów, ale jako zderzenie postępowej młodzieży ze starym reakcyjnym porządkiem.
Jednym z najbardziej uderzających dramatów Hasenclevera, a nawet całej dramaturgii ekspresjonistycznej, jest „Antygona” („Antygona”, 1917, wyd. 1920), napisany w środku I wojny światowej i po raz pierwszy wystawiony w przebudowanym specjalnie na potrzeby tego spektaklu budynku cyrkowym, mogącym pomieścić nawet trzy tysiące widzów. Sztuka Hasenclevera wyróżnia się żarliwym buntem, szczerą publicystyką, jest nawoływaniem do rewolucyjnej, ale przede wszystkim z moralnego punktu widzenia, reorganizacji świata. Polityczny układ sił klasowych jest niezwykle nagi, akcenty historyczne brzmią tak trafnie, że widz i czytelnik dokładnie określą miejsce akcji – Niemcy, czas akcji – apogeum pierwszej wojny światowej i elementy przedrewolucyjne. Antygona Hasenclever (wariant Mesjasza) czuje się Matką ludzkości, zagubioną i słabą, ale godną zbawienia. Przed nami ciekawa symbioza starożytnej fabuły i chrześcijańskiej tradycji humanistycznej. Temat chrześcijański w „Antygonie” ma swoją specyfikę. Droga męczeństwa chrześcijańskiego, droga apostolska przygotowana jest nie tylko dla Matki Przedwiecznej Antygony, ale i dla całej inteligencji – nosiciela, zdaniem Hasenclevera, wysokiej zasady duchowej, czasem niedostępnej dla zrozumienia tłumu. Powodzenie rewolucji duchowej może zależeć, zdaniem dramatopisarza, tylko od moralnego wyczynu inteligencji. Pomysł Hazenclovera na rewolucję jest bardzo mglisty, o czym świadczą końcowe sceny tragedii. Odejście tyrana Kreona pogrąża tłum w zamieszaniu, strachu, ludzie są gotowi niszczyć i rabować. Tylko mistyczny wgląd (nieodzowny atrybut dramatów ekspresjonistycznych) powstrzymuje szalejące żywioły. Wizerunek ludu, mas, charakterystyczny dla ekspresjonistów, zajmuje szczególne miejsce w poetyce dramatu. To nie przypadek, że na liście aktorów „The Theban People” zajmuje pierwsze miejsce. Spektakl obfituje w sceny masowe, efekty sceniczne zaprojektowane z myślą o udziale znaczącej obsady. Arena cyrkowa jest najbardziej odpowiednim miejscem do takiej akcji. Mszy przewodniczy bohater-kaznodzieja, który porywa tłum ognistym przemówieniem. W sztuce jest to Antygona.
Nosząc wszelkie znamiona ekspresjonistycznego dramatu (gwałtowna zmiana scen, „wizje”, detale, „kadry”, intensywność wszechogarniających impulsów), dzieło Hasenclevera prezentuje widzowi efekt natychmiastowej moralnej „eksplozji” – przenikliwości tyrana Kreoity. Podobnie jak rzymski Neron, który nakazał podpalić własne miasto, nie stroniąc od mordów i zbrodni, tak bohater w mgnieniu oka na widok zwłok własnego syna zaczyna wyraźnie widzieć i dobrowolnie składa królewskie regalia, opuszcza pałac, rozpoczynając drogę moralnego oczyszczenia. Twórczość Hazenklsvsra jest w swej istocie publicystyczna i ucieleśnia najlepsze tendencje dramatu ekspresjonistycznego, a także ma tendencję edukacyjną, w najlepszym tego słowa znaczeniu, nurt moralizatorski, charakterystyczny dla całej literatury niemieckiej, który tak wyraźnie objawił się w dramaturgii jednej z najwybitniejszych postaci kultury niemieckiej XX wieku. — Bertolta Brechta.
LITERATURA
Rzeczy po imieniu: przemówienia mistrzów literatury zachodnioeuropejskiej XX wieku. M., 1986.
Pavlova N.S. Ekspresjonizm // Historia literatury niemieckiej: w 5 tomach M., 1968. T. 4.
Pestowa N.V. Niemiecki ekspresjonizm literacki. Jekaterynburg. 2004. Zmierzch ludzkości. Teksty niemieckiego ekspresjonizmu. M., 1990. Ekspresjonizm: dramaturgia. Obraz. Grafika. Kinematografia. M., 1966. Encyklopedia ekspresjonizmu: malarstwo i grafika. Rzeźba. Architektura. Literatura. Dramaturgia. Teatr. Film. Muzyka. M., 2003.
- Ekspresjonizm / wyd. E. Braude i N. Radłowa. str.; M., 1923. S. 63.
- Encyklopedia ekspresjonizmu: malarstwo i grafika . Rzeźba. Architektura. Literatura. Dramaturgia. Teatr. Film. Muzyka. M., 2003. S. 5.
- Rzeczy po imieniu: program spektakli mistrzów literatury zachodnioeuropejskiej XX wieku. M., 1986. S. 306.
- Historia literatury niemieckiej. M., 1968. T. 4. S. 537.
- Historia literatury niemieckiej. M., 1968. T. 4. S. 538.
- Nazywać rzeczy po imieniu... S. 306.
- Nazywać rzeczy po imieniu... S. 309.
- Encyklopedia ekspresjonizmu. s. 224-225.
Niezwykły ruch awangardowy, ekspresjonizm, narodził się w połowie lat 90. XIX wieku. Przodkiem tego terminu jest założyciel magazynu „Sturm” – H. Walden.
Badacze ekspresjonizmu uważają, że najdobitniej wyrażał się on w literaturze. Choć nie mniej barwny ekspresjonizm przejawiał się w rzeźbie, grafice i malarstwie.
Nowy styl i nowy porządek świata
Wraz ze zmianami porządku społeczno-społecznego początku XX wieku pojawił się nowy kierunek w sztuce, życiu teatralnym i muzyce. Niedługi czas nadejdzie i ekspresjonizm w literaturze. Definicja tego kierunku nie sprawdziła się. Ale literaturoznawcy wyjaśniają ekspresjonizm jako szeroki wachlarz wielokierunkowych kursów i nurtów rozwijających się w ramach modernistycznego kierunku krajów Europy na początku ubiegłego wieku.
Mówiąc o ekspresjonizmie, prawie zawsze mamy na myśli ruch niemiecki. Najwyższy punkt tego nurtu nazywany jest owocami twórczości „szkoły praskiej” (niemieckojęzycznej). Należeli do nich K. Chapek, P. Adler, L. Perutz, F. Kafka i inni.. Przy dużej różnicy postaw twórczych tych autorów łączyło zainteresowanie sytuacją idiotycznie absurdalnej klaustrofobii, mistycznych, tajemniczych snów halucynogennych. W Rosji kierunek ten opracowali Andreev L. i Zamiatin E.
Wielu pisarzy inspirowało się romantyzmem lub barokiem. Ale szczególnie głęboki wpływ symbolizmu niemieckiego i francuskiego (zwłaszcza C. Baudelaire'a i A. Rimbauda) był odczuwalny w literaturze ekspresjonizmu. Przykłady z prac dowolnego autora-naśladowcy pokazują, że zwracanie uwagi na realia życia odbywa się poprzez początki bytu filozoficznego. Znane hasło zwolenników ekspresjonizmu brzmi: „Nie spadający kamień, ale prawo grawitacji”.
Proroczy patos tkwiący w Georgu Geimie stał się rozpoznawalną typową cechą początku ekspresjonizmu jako nurtu. Jego czytelnicy w wierszach „Nadchodzi wielka śmierć…” i „Wojna” dostrzegli proroczą zapowiedź zbliżającej się katastrofy w Europie.
Austriacki przedstawiciel ekspresjonizmu z bardzo małym dorobkiem poetyckim wywarł ogromny wpływ na całą poezję niemieckojęzyczną. W wierszach Trakla były symbolicznie skomplikowane obrazy, tragedia związana z upadkiem porządku świata i głębokie bogactwo emocjonalne.
Świt ekspresjonizmu przypadł na lata 1914-1924. Byli to Franz Werfel, Albert Ehrenstein, Gottfried Benn i inni autorzy, których przekonały kolosalne straty na frontach mocnych przekonań pacyfistycznych. Trend ten jest szczególnie wyraźnie widoczny w pracach Kurta Hillera. Ekspresjonizm poetycki w literaturze, którego główne cechy szybko uchwycił dramaturgię i prozę, zaowocował słynną antologią Zmierzch ludzkości, która została wydana czytelnikowi w 1919 roku.
Nowa filozofia
Główna idea filozoficzna i estetyczna wyznawców ekspresjonistów została zapożyczona z „Idealnych esencji” - teorii poznania i uznania intuicji za „pępek ziemi” A. Bergsona w jego systemie przełomu „życia”. Uważa się, że system ten jest w stanie przezwyciężyć sztywność materii filozoficznej w niepowstrzymanym strumieniu ewolucji.
Dlatego ekspresjonizm w literaturze przejawia się jako postrzeganie rzeczywistości niefikcyjnej jako „obiektywnego wyglądu”.
Wyrażenie „widoczność obiektywna” pochodziło z klasycznych dzieł filozofii niemieckiej i oznaczało postrzeganie rzeczywistości z kartograficzną dokładnością. Aby zatem odnaleźć się w świecie „istot idealnych”, trzeba ponownie przeciwstawić to, co duchowe, temu, co materialne.
Idea ta jest bardzo zbliżona do myśli ideologicznej symbolistów, podczas gdy ekspresjonizm w literaturze koncentruje się na Bergsonowskim intuicjonizmie, a więc szuka sensu bycia w życiu i tego, co irracjonalne. Przełom życiowy i głęboka intuicja na poziomie intuicji są deklarowane jako najważniejsza broń w zbliżaniu się do duchowej kosmicznej rzeczywistości. Jednocześnie ekspresjoniści argumentowali, że świat materialny (czyli świat zewnętrzny) znika w osobistej ekstazie, a odpowiedź na wielowiekową „tajemnicę” bytu jest szalenie bliska.
Ekspresjonizm w literaturze XX wieku wyraźnie różni się od nurtów surrealizmu czy kubizmu, które rozwijały się niemal równolegle. Co więcej, patetyka społeczno-krytyczna sprawia, że korzystne jest rozróżnianie dzieł ekspresjonistów. Pełno w nich protestów przeciwko rozwarstwieniu społeczeństwa na warstwy społeczne i wojnom, przeciwko prześladowaniu osobowości ludzkiej przez instytucje publiczne i społeczne. Czasami ekspresjonistyczni autorzy skutecznie przedstawiali obraz rewolucyjnego bohatera, ukazując w ten sposób buntownicze nastroje, wyrażając mistycznie straszny horror przed nie do pokonania zamieszaniem bytu.
Kryzys ładu światowego w twórczości ekspresjonistów wyrażał się jako główne ogniwo apokalipsy, która, poruszając się z ogromną prędkością, obiecuje pochłonąć zarówno ludzkość, jak i przyrodę.
Pochodzenie ideologiczne
Ekspresjonizm w literaturze podkreśla zapotrzebowanie na proroctwo o charakterze uniwersalnym. To właśnie wymaga izolacji stylu: trzeba uczyć, wzywać i deklarować. Tylko w ten sposób, pozbywając się pragmatycznej moralności i stereotypów, zwolennicy ekspresjonizmu próbowali wyzwolić w każdym człowieku burzę fantazji, pogłębić wrażliwość i zwiększyć pociąg do wszystkiego, co tajemne.
Może dlatego ekspresjonizm powstał z połączenia grupy artystów.
Historycy kultury uważają, że rok narodzin ekspresjonizmu to rok 1905. W tym roku w niemieckim Dreźnie powstało stowarzyszenie podobnie myślących ludzi, którzy nazwali siebie grupą „Most”. Pod jej przewodnictwem zebrali się studenci architektury: Otto Müller, Erich Heckel, Ernst Kirchner, Emil Nolde i inni, a na początku 1911 roku ogłosiła się legendarna grupa Blue Rider. Należeli do niej wpływowi artyści początku XX w.: August Macke, Paul Klee, Wassily Kandinsky i inni.Grupa wydała almanach pod tym samym tytułem z marca 1912 r., w którym omówiono najnowsze próby twórcze nowej szkoły, sformułowano cele i zadania dla jej kierunku.
Przedstawiciele ekspresjonizmu w literaturze zamknęli na podstawie magazynu „Akcja” („Akcja”). Pierwszy numer ukazał się w Berlinie na początku 1911 roku. Uczestniczyli w nim poeci i jeszcze nieznani dramatopisarze, ale już świetni buntownicy tego kierunku: Toller E., Frank L., Becher I. i inni.
Cechy ekspresjonizmu najbarwniej przejawiały się w literaturze niemieckiej, austriackiej i rosyjskiej. Francuskich ekspresjonistów reprezentuje poeta Pierre Garnier.
Ekspresjonistyczny poeta
Poeta tego kierunku otrzymał funkcję „Orfeusza”. Oznacza to, że musi być magiem, który zmagając się z nieposłuszeństwem materii kostnej dochodzi do wewnętrznej prawdziwej istoty tego, co się dzieje. Najważniejsze dla poety jest esencja, która pojawiła się początkowo, a nie samo prawdziwe zjawisko.
Poeta to najwyższa kasta, najwyższa klasa. Nie powinien brać udziału w „sprawach tłumu”. Tak, a pragmatyzm i brak skrupułów powinny być w nim całkowicie nieobecne. Dlatego, jak wierzyli twórcy ekspresjonizmu, poecie łatwo jest osiągnąć uniwersalną, uzależniającą wibrację „bytów idealnych”.
Zwolennicy ekspresjonizmu nazywają wyłącznie kult deifikowanego aktu twórczości jedynym prawdziwym sposobem modyfikowania świata materii w celu jego ujarzmienia.
Wynika z tego, że prawda jest wyższa od piękna. Tajemna, tajemna wiedza ekspresjonistów jest ubrana w figury o wybuchowej ekspansywności, którą tworzy umysł jakby w stanie upojenia lub halucynacji.
twórcza ekstaza
Tworzenie dla wyznawcy tego kierunku to tworzenie arcydzieł w stanie intensywnej podmiotowości, która opiera się na stanie ekstazy, improwizacji i zmiennym nastroju poety.
Ekspresjonizm w literaturze to nie obserwacja, to niestrudzona i niespokojna wyobraźnia, to nie kontemplacja przedmiotu, ale ekstatyczny stan oglądania obrazów.
Niemiecki ekspresjonista, jego teoretyk i jeden z liderów, Kazimierz Edschmid, uważali, że prawdziwy poeta oddaje, a nie odzwierciedla rzeczywistość. Dlatego w konsekwencji dzieła literackie w stylu ekspresjonizmu są wynikiem serdecznego impulsu i przedmiotem estetycznej rozkoszy duszy. Ekspresjoniści nie obciążają się troską o wyrafinowanie wyrażonej formy.
Ideową wartością ekspresjonistycznego języka wypowiedzi artystycznej jest zniekształcenie, a często groteska, która pojawia się w wyniku dzikiej hiperbolizmu i nieustannej walki z oporem materii. Takie zniekształcenie nie tylko deformuje zewnętrzne cechy świata. Daje oburzanie i uderza groteskowością tworzonych obrazów.
I tutaj staje się jasne, że głównym celem ekspresjonizmu jest odbudowa wspólnoty ludzkiej i osiągnięcie jedności z wszechświatem.
„Dekada ekspresjonizmu” w literaturze niemieckojęzycznej
W Niemczech, podobnie jak w pozostałej części Europy, ekspresjonizm objawił się po gwałtownych przewrotach w sferze publicznej i społecznej, które zaniepokoiły kraj w pierwszej dekadzie ubiegłego wieku. W niemieckiej kulturze i literaturze ekspresjonizm był najjaśniejszym zjawiskiem od X do XX wieku.
Ekspresjonizm w literaturze niemieckiej był odpowiedzią inteligencji na problemy, które ujawniła I wojna światowa, listopadowy ruch rewolucyjny w Niemczech i obalenie caratu w Rosji w październiku. Stary świat został zniszczony, a na jego ruinach pojawił się nowy. Pisarze, w oczach których dokonała się ta przemiana, dotkliwie odczuli klęskę dotychczasowego porządku, a zarazem nędzę nowego i niemożność jakiegokolwiek postępu w nowym społeczeństwie.
Niemiecki ekspresjonizm miał jasny, buntowniczy, antyburżuazyjny charakter. Ale jednocześnie, ujawniając niedoskonałość systemu kapitalistycznego, ekspresjoniści ujawnili proponowany zastępczy, całkowicie rozmyty, abstrakcyjny i absurdalny program społeczno-polityczny, który mógłby ożywić ducha ludzkości.
Nie do końca rozumiejąc ideologię proletariatu, ekspresjoniści wierzyli w nadchodzący koniec porządku światowego. Śmierć ludzkości i nadchodząca katastrofa to główne tematy dzieł ekspresjonistycznych okresu początku I wojny światowej. Szczególnie wyraźnie widać to w lirykach G. Trakla, G. Geima i F. Werfla. J. Van Goddis odpowiedział na wydarzenia mające miejsce w kraju i na świecie wersem „Koniec świata”. A nawet utwory satyryczne ukazują cały dramat sytuacji (K. Kraus „Ostatnie dni ludzkości”).
Estetyczne ideały ekspresjonizmu skupili pod swoimi skrzydłami autorów bardzo różniących się stylem artystycznym, gustami i zasadami politycznymi: od F. Wolfa i I. Bechera, którzy przyjęli ideologię rewolucyjnej przebudowy społeczeństwa, po G. Josta, który później został poetą na dworze III Rzeszy.
- synonim ekspresjonizmu
Franz Kafka słusznie nazywany jest synonimem ekspresjonizmu. Jego przekonanie, że człowiek żyje w świecie, który jest mu absolutnie wrogi, że istota ludzka nie może pokonać przeciwstawnych jej instytucji, a zatem nie ma sposobu na osiągnięcie szczęścia, jest główną ideą ekspresjonizmu w środowisku literackim.
Pisarz uważa, że jednostka nie ma powodu do optymizmu i być może dlatego nie ma perspektyw życiowych. Jednak w swoich utworach Kafka szukał czegoś trwałego: „lekkiego” lub „niezniszczalnego”.
Autor słynnego „Procesu” nazywany był poetą chaosu. Świat wokół niego był przerażająco przerażający. Franz Kafka bał się sił natury, które już posiadała ludzkość. Jego zmieszanie i strach są łatwe do zrozumienia: ludzie, ujarzmiwszy naturę, nie mogli zrozumieć relacji między sobą. Ponadto walczyli, zabijali się nawzajem, niszczyli wioski i kraje i nie pozwalali sobie nawzajem być szczęśliwi.
Od epoki mitów o powstaniu świata autora mitów XX wieku dzieli prawie 35 wieków cywilizacji. Mity Kafki są przepełnione grozą, rozpaczą i beznadzieją. Los osoby nie należy już do samej osobowości, ale do jakiejś nieziemskiej siły, którą łatwo oddzielić od samej osoby.
Człowiek, zdaniem pisarza, jest tworem społecznym (nie może być inaczej), ale to struktura życia ukształtowana przez społeczeństwo całkowicie wypacza ludzką istotę.
Ekspresjonizm w literaturze XX wieku, reprezentowany przez Kafkę, zdaje sobie sprawę i uznaje niepewność i kruchość osoby z utworzonych przez nią i niekontrolowanych już instytucji społecznych. Dowód jest oczywisty: ktoś nagle zostaje objęty śledztwem (nie mając prawa do ochrony!), albo nagle zaczynają się nim interesować „dziwni” ludzie, prowadzeni przez niejasne, a więc ciemne, ignoranckie siły. Osoba znajdująca się pod wpływem instytucji społecznych dość łatwo odczuwa swój brak praw, a potem przez resztę swojej egzystencji podejmuje bezowocne starania, aby pozwolono jej żyć i przebywać w tym niesprawiedliwym świecie.
Kafka zaskoczył swoim darem wglądu. Jest to szczególnie wyraźnie wyrażone w pracy (wydanej pośmiertnie) „Proces”. Autor przewiduje w nim nowe szaleństwo XX wieku, potworne w swojej niszczycielskiej sile. Jednym z nich jest problem biurokracji, która przybiera na sile jak chmura burzowa pokrywająca całe niebo, a jednostka staje się bezbronnym, niewidzialnym owadem. Agresywnie i wrogo skonfigurowana rzeczywistość całkowicie niszczy osobowość człowieka, aw konsekwencji świat jest skazany na zagładę.
Duch ekspresjonizmu w Rosji
Kierunek w kulturze Europy, który rozwinął się w pierwszej ćwierci XX wieku, nie mógł nie znaleźć odzwierciedlenia w literaturze rosyjskiej. Autorzy, którzy pracowali od 1850 do końca lat 20. XX wieku, ostro reagowali na burżuazyjną niesprawiedliwość i kryzys społeczny tej epoki, który powstał w wyniku I wojny światowej i późniejszych reakcyjnych przewrotów.
Czym jest ekspresjonizm w literaturze? Krótko mówiąc, jest to bunt. Podniesiono oburzenie na dehumanizację społeczeństwa. Wraz z nowym stwierdzeniem o egzystencjalnej wartości ducha ludzkiego, duchem, tradycjami i zwyczajami zbliżała się do rodzimej literatury rosyjskiej. Jej rola jako mesjasza w społeczeństwie została wyrażona w nieśmiertelnych dziełach N.V. Gogola i F.M. Dostojewskiego, poprzez wspaniałe płótna M.A. Vrubel i N.N. Ge, poprzez V.F. Komissarzhevskaya i A.N. Skriabin.
W niedalekiej przyszłości bardzo wyraźnie widać duże prawdopodobieństwo pojawienia się rosyjskiego ekspresjonizmu w „Snie o śmiesznym człowieku” F. Dostojewskiego, „Poemacie ekstazy” A. Skriabina, „Czerwonym kwiatku” V. Garshina.
Rosyjscy ekspresjoniści szukali uniwersalnej integralności, w swoich pracach starali się ucieleśnić „nowego człowieka” z nową świadomością, co przyczyniło się do jedności całego społeczeństwa kulturalnego i artystycznego Rosji.
Krytycy literaccy podkreślają, że ekspresjonizm nie ukształtował się jako niezależny, odrębny nurt. Objawiało się to jedynie izolacją poetyki i stylizacji, które powstawały pośród różnych już ustalonych nurtów, czyniąc ich granice bardziej przejrzystymi, a nawet warunkowymi.
Na przykład ekspresjonizm, zrodzony w realizmie, zaowocował twórczością Leonida Andriejewa, twórczość Andrieja Bielego uciekła z kierunku symbolizmu, acmeiści Michaił Zenkiewicz i Władimir Narbut wydali zbiory utworów poetyckich o żywej tematyce ekspresjonistycznej, a Władimir Majakowski, będąc futurystą, pisał także w stylu ekspresjonistycznym.
Styl ekspresjonizmu na rosyjskiej ziemi
W języku rosyjskim po raz pierwszy słowo „ekspresjonizm” „zabrzmiało” w opowiadaniu Czechowa „Skoczek”. Bohaterka popełniła błąd, używając „ekspresjonistów” zamiast „impresjonistów”. Badacze rosyjskiego ekspresjonizmu uważają, że jest on ściśle i pod każdym względem związany z ekspresjonizmem starej Europy, który powstał na bazie austriackiego, ale bardziej niemieckiego ekspresjonizmu.
Chronologicznie ten nurt w Rosji powstał znacznie wcześniej i zniknął znacznie później niż „dekada ekspresjonizmu” w literaturze niemieckojęzycznej. Ekspresjonizm w literaturze rosyjskiej rozpoczął się wraz z publikacją opowiadania Leonida Andriejewa „Ściana” w 1901 roku, a zakończył przedstawieniem „Moskwa Parnas” i grupy emocjonalnych w 1925 roku.
Leonid Nikołajewicz Andriejew – buntownik rosyjskiego ekspresjonizmu
Nowy kierunek, który bardzo szybko podbił Europę, nie pominął rosyjskiego środowiska literackiego. Rozważany jest ojciec założyciel ekspresjonistów w Rosji
W swoich pierwszych pracach autor głęboko i dramatycznie analizuje otaczającą go rzeczywistość. Widać to bardzo wyraźnie we wczesnych utworach: „Garaska”, „Bargamot”, „Miasto”. Już tutaj można prześledzić główne motywy pracy pisarza.
„Żywot Bazylego z Teb” i opowiadanie „Mur” przedstawiają sceptycyzm autora w ludzkim umyśle i skrajny sceptycyzm. Podczas swojej pasji do wiary i spirytyzmu Andriejew napisał słynnego Judasza Iskariotę.
Po dość krótkim czasie praca Andriejewa Leonida Nikołajewicza dokonuje ostrego zwrotu. Wynika to z początku ruchu rewolucyjnego w 1907 roku. Pisarz rewiduje swoje poglądy i rozumie, że masowe zamieszki, poza wielkimi udrękami i masowymi ofiarami, do niczego nie prowadzą. Wydarzenia te są opisane w Opowieści o siedmiu wisielcach.
Opowieść „Czerwony śmiech” w dalszym ciągu ujawnia poglądy autora na wydarzenia mające miejsce w państwie. Praca opisuje okropności działań wojennych na podstawie wydarzeń wojny rosyjsko-japońskiej z 1905 roku. Niezadowoleni z zastanego porządku świata bohaterowie są gotowi do wzniecenia anarchistycznej rebelii, ale równie łatwo mogą się spasować i wykazać bierność.
Późniejsze prace pisarza nasycone są koncepcją zwycięstwa sił nieziemskich i głębokiej depresji.
Post Scriptum
Formalnie niemiecki ekspresjonizm upadł w połowie lat dwudziestych ubiegłego wieku. Jednak jak nikt inny wywarł znaczący wpływ na tradycje literackie kolejnych pokoleń.
Szczegóły Kategoria: Różnorodność stylów i nurtów w sztuce oraz ich cechy Dodano 22.08.2015 17:28 Wyświetleń: 6277Ekspresjoniści dążą do jak największej ekspresji emocji w swoich dziełach. Przetłumaczone z łaciny expressio oznacza „ekspresję”, „ekspresyjność”.
Ale ta cecha nie wystarczy, aby zrozumieć istotę ekspresjonizmu, ponieważ. wyrażanie uczuć jest prerogatywą nie tylko ekspresjonizmu, ale także innych nurtów artystycznych: sentymentalizmu, romantyzmu, fowizmu, postimpresjonizmu itp. Ekspresjoniści chcieli nie tylko przedstawiać życie, ale także je wyrażać, twórczo na nie wpływać. Ekspresjonizm to ekspresja, która wypełnia duszę, oddaje całe uczucia człowieka w najwyższym momencie jego doświadczenia. Ale najważniejszą rzeczą, która odróżnia ekspresjonistów od artystów innych kierunków, jest chęć wyrażenia wewnętrznej istoty zjawisk. Taka twórcza postawa jest początkowo skazana na subiektywizm i skrajną hiperbolizację. Ale wyrażając uczucia, ekspresjonizm dąży do oczyszczającego ognia wszechogarniającej i wszechludzkiej miłości.
Chciałbym przytoczyć w związku z tym wiersze poety S. Nadsona, które powstały w 1882 roku i które wyrażają istotę ekspresjonizmu.
Uwierz w wielką moc miłości!
Święta wierzcie w jej zwycięski krzyż,
W jej świetle, promiennie zbawienny
Świat pogrążony w błocie i krwi
Uwierz w wielką moc miłości!
Powstanie i rozwój ekspresjonizmu
Ekspresjonizm był najbardziej rozwinięty w pierwszych dekadach XX wieku. głównie w Niemczech i Austrii. Powstał jako ostra i bolesna reakcja na I wojnę światową i ruchy rewolucyjne. Rzeczywistość ówczesnych artystów postrzegana była niezwykle subiektywnie, przez pryzmat rozczarowania, niepokoju, lęku. Dlatego w ich pracach ekspresja przeważa nad obrazem.
Jeśli zaczniemy od charakterystyki ekspresjonizmu jako metody artystycznej, to pojęcie „ekspresjonizmu” można interpretować znacznie szerzej: jest to artystyczny wyraz silnych emocji, a to właśnie wyrażanie emocji staje się głównym celem tworzenia dzieła. I w tym sensie ekspresjonizm nie ogranicza się do czasu – istniał od zawsze. Spójrz na „Widok Toledo” El Greco, namalowany w XVII wieku.
El Greco „Widok Toledo” (1604-1614). Metropolitan Museum (Nowy Jork)
To przykład ekspresjonizmu XXI wieku.
Malarstwo współczesnego francuskiego ekspresjonisty Laurenta Parceliera
Ekspresjonizm w literaturze
Ekspresjonizm stał się dominującym nurtem literackim w krajach niemieckojęzycznych: Niemczech i Austrii (Franz Kafka, Gustav Meyrink, Leo Perutz, Alfred Kubin, Paul Adler). Ale poszczególni pisarze ekspresjonistyczni pracowali także w innych krajach europejskich: w Rosji - L. Andreev, E. Zamiatin, w Czechosłowacji - K. Chapek, w Polsce - T. Michinsky i inni.
Na dzieła wczesnego ekspresjonizmu wpłynął symbolizm francuski i niemiecki, zwłaszcza Arthur Rimbaud i Charles Baudelaire. Niektóre inspirowane były barokiem i romantyzmem. Wspólna dla wszystkich była dbałość o prawdziwe życie w kategoriach podstaw filozoficznych. Legendarne hasło ekspresjonistów: „Nie spadający kamień, ale prawo grawitacji”.
Jedną z charakterystycznych cech wczesnego ekspresjonizmu jest jego profetyczny patos, który w największym stopniu znalazł odzwierciedlenie w dziełach Georg Geim który zginął w wypadku na dwa lata przed wybuchem I wojny światowej.
W wierszach „Wojna” i „Nadchodzi wielka śmierć…” później wielu widziało przepowiednie przyszłej wojny europejskiej.
W Austrii największa liczba była Georg Trakl. Dziedzictwo poetyckie Trakla jest niewielkie, ale miało znaczący wpływ na rozwój poezji niemieckojęzycznej. Tragiczny światopogląd, symboliczna złożoność obrazów, bogactwo emocjonalne pozwalają zaliczyć Trakla do grona ekspresjonistów, choć on sam formalnie nie należał do żadnej grupy poetyckiej.
Okres rozkwitu ekspresjonizmu literackiego uważa się za lata 1914–1924. (Gottfried Benn, Franz Werfel, Albert Ehrenstein i inni). Masowa śmierć ludzi podczas I wojny światowej doprowadziła do pacyfistycznych tendencji w ekspresjonizmie (Kurt Hiller, Albert Ehrenstein). W 1919 roku ukazała się słynna antologia Zmierzch ludzkości, w której zebrano najlepsze dzieła tego nurtu.
Nowy styl w liryce europejskiej bardzo szybko rozprzestrzenił się na inne rodzaje literatury: dramaturgię (B. Brecht i S. Beckett), prozę (F. Kafka i G. Meyrink). Na początku XX wieku. Rosyjscy autorzy również stworzyli swoje dzieła w tym stylu: opowiadanie „Czerwony śmiech”, opowiadanie „Ściana” L. Andriejewa, wczesne wiersze i wiersze W. W. Majakowskiego.
L. Andreev jest uważany za twórcę rosyjskiego ekspresjonizmu.
Leonid Nikołajewicz Andriejew (1871-1919)
Pierwsze prace Leonida Andriejewa są nasycone krytyczną analizą współczesnego świata („Bargamot i Garaska”, „Miasto”). Ale już we wczesnym okresie jego twórczości pojawiły się główne motywy: skrajny sceptycyzm, niewiara w ludzki umysł („Ściana”, „Życie Bazylego z Teb”). Był czas zamiłowania do spirytualizmu i religii („Juda Iskariota”). Pisarz początkowo reagował na rewolucję z sympatią, ale po reakcji 1907 r. porzucił wszelkie rewolucyjne poglądy, wierząc, że bunt mas może doprowadzić tylko do wielkich ofiar i wielkich cierpień („Opowieść o siedmiu wisielcach”). W swoim opowiadaniu „Czerwony śmiech” Andriejew namalował obraz okropności współczesnej wojny. Niezadowolenie jego bohaterów z otaczającego świata i porządków skutkuje biernością lub anarchicznym buntem. Umierające pisma pisarza są przesiąknięte depresją, ideą triumfu sił irracjonalnych.
Język literacki Andriejewa jest również pełen ekspresji, symboliczny.
B. Kustodiew „Portret E. Zamiatina” (1923)
W dziele ujawniły się tendencje ekspresjonistyczne Jewgienij Zamiatina. Chociaż jego styl był bliski surrealizmu. Najsłynniejszym dziełem E. Zamyatyny jest powieść dystopijna „My”, która opisuje społeczeństwo o ścisłej kontroli totalitarnej nad jednostką (nazwy i nazwiska są zastępowane literami i liczbami, kontrola stanu nawet intymne życie), ideologicznie oparta na interakcjach, w oparciu o to, że teoria (teoria kontroli), nauka (ideologiczna, która reprezentuje wiedzę naukową jako najwyższą wartość kulturową, a czynnik fundamentalny ze światem i mężczyznami), naukowym (i ideologicznym, który reprezentuje wiedzę naukową jako najwyższą wartość kulturową i fundamentalną w stosunku do świata i mężczyzn). przez „wybrane” na niekwestionowanych „dobroczyńcy”.
Ekspresjonizm w malarstwie
Prekursorami ekspresjonizmu była grupa artystyczna „Most”. Jej uczestnicy wypracowali własny „styl grupowy”, w którym obrazy były tak podobne tematycznie i w sposobie pisania, że nie zawsze można było od razu rozpoznać, kto jest autorem. Cechą artystów "Mostu" jest celowe uproszczenie estetycznego słownictwa o krótkich, skróconych formach; zdeformowane ciała; świecące farby nakładane szerokim pędzlem płaskimi pociągnięciami i często obrysowane twardą linią konturową. Kontrast różnych kolorów był szeroko stosowany w celu zwiększenia ich „blasku”, wzmacniając efekt na widzu. Na tym polegało ich podobieństwo do fowistów. Podobnie jak fowiści, ekspresjoniści z Mostu chcieli budować swoje kompozycje na czystym kolorze i formie, odrzucając stylizację i wszelką symbolikę.
O. Muller „Kochankowie”
Głównym celem ich pracy nie było pokazanie świata zewnętrznego, który wydawał się być tylko martwą skorupą prawdy, ale tej „prawdziwej Rzeczywistości”, której nie można zobaczyć, ale którą artysta może poczuć. Ten nurt w sztuce Herwart Walden, właściciel berlińskiej galerii sztuki i propagator sztuki awangardowej, w 1911 r. nadaje nazwę „ekspresjonizmowi”, który początkowo łączył ze sobą zarówno kubizm, jak i futuryzm.
Niemieccy ekspresjoniści uważali postimpresjonistów za swoich prekursorów. Dramatyczne płótna Vincenta van Gogha, Edvarda Muncha i Jamesa Ensora przepełnione są emocjami zachwytu, oburzenia, przerażenia.
Edvard Munch(1863-1944) – norweski malarz i grafik, artysta teatralny, teoretyk sztuki. Jeden z pierwszych przedstawicieli ekspresjonizmu. W jego twórczości przewijają się motywy śmierci, samotności, ale jednocześnie pragnienia życia.
Najbardziej znanym dziełem Muncha jest Krzyk. Przerażony mężczyzna na tym zdjęciu nie może pozostawić nikogo obojętnym.
E. Muncha „Krzyk” (1893). Karton, olej, tempera, pastel. 91 x 73,5 cm Galeria Narodowa (Oslo)
Możliwa interpretacja obrazu: człowiek zadręcza się „krzykiem natury”, jak to określił sam artysta, dobiegającym zewsząd.
Banalność, brzydota i sprzeczności współczesnego życia dawały ekspresjonistom uczucie irytacji, wstrętu, niepokoju, które przekazywali za pomocą skręconych linii, szybkich i szorstkich pociągnięć, krzykliwego koloru. Preferowano skrajnie kontrastowe kolory, aby spotęgować wrażenie na widzu, a nie pozostawić go obojętnym.
„Niebieski jeździec”
W 1912 roku w Monachium powstała grupa Blue Rider, której ideologami byli Wassily Kandinsky i Franz Mark. To twórcze stowarzyszenie przedstawicieli ekspresjonizmu początku XX wieku. w Niemczech. Stowarzyszenie opublikowało almanach o tej samej nazwie.
Oprócz Kandinsky'ego i Marka do stowarzyszenia należeli August Macke, Marianna Verevkina, Alexei Yavlensky i Paul Klee. W pracach tej grupy artystycznej uczestniczyli także tancerze i kompozytorzy. Łączyło ich zainteresowanie sztuką średniowieczną i prymitywną oraz ówczesnymi ruchami, fowizmem i kubizmem.
August Macke i Franz Marc uważali, że każdy człowiek ma wewnętrzne i zewnętrzne postrzeganie rzeczywistości, które należy łączyć poprzez sztukę. Pomysł ten został teoretycznie uzasadniony przez Kandinsky'ego. Grupa dążyła do osiągnięcia równości we wszystkich formach sztuki.
M. Veryovkina „Jesień. Szkoła"
Ekspresjonizm w architekturze
Architekci znaleźli nowe techniczne możliwości wyrażania siebie za pomocą cegły, stali i szkła.
- Kościół luterański w Kopenhadze. Nazwany na cześć duńskiego teologa, przywódcy kościoła i pisarza N.-F.-S. Grundtviga. Jest to jeden z najsłynniejszych kościołów w mieście i rzadki przykład budowli sakralnej wzniesionej w stylu ekspresjonizmu. Jego budowa trwała od 1921 do 1940 roku. W architekturze świątyni przeplatają się cechy tradycyjnych duńskich kościołów wiejskich, gotyku, baroku i różnych nurtów modernistycznych. Materiałem budowlanym jest żółta cegła.
Chilihouse (Hamburg)– 11-kondygnacyjny budynek magazynowy dla towarów importowanych z Chile. Budynek powstał w latach 1922-1924. zaprojektowany przez niemieckiego architekta Fritza Högera i jest jednym z najważniejszych zabytków ekspresjonizmu w architekturze światowej. Znany również jako „dziób statku”.
Wieża Einsteina (Poczdam)- Obserwatorium astrofizyczne na terenie Parku Naukowego im. Alberta Einsteina na górze Telegrafenberg w Poczdamie. Rewolucyjny jak na swoje czasy, stworzony przez architekta Ericha Mendelssohna. Została zbudowana w 1924 roku. Planowano przeprowadzić w niej eksperymenty potwierdzające teorię względności Einsteina. Teleskop wieżowy należy do Poczdamskiego Instytutu Astrofizycznego.
Ekspresjonizm w innych formach sztuki
Arnold Schoenberg „Niebieski autoportret” (1910)
Tutaj przede wszystkim należy mówić o muzyce Arnolda Schönberga. Muzyka ekspresjonistyczna była trudna w odbiorze i wywoływała kontrowersyjną postawę krytyki. Oto jak rosyjski krytyk muzyczny V. Karatygin mówił o muzyce Schönberga: „Dostojewski stworzył Notatki z podziemia. Schoenberg komponuje muzykę z podziemi swojej dziwnej, niesamowitej duszy. To straszne, ta muzyka. Nieodparcie przyciąga, samowolny, głęboki, mistyczny. Ale ona jest okropna. Do tej pory żaden kompozytor na świecie nie skomponował straszniejszej muzyki.
Jacques-Emile Blanche „Portret Igora Strawińskiego” (1915)
Muzyka Ernsta Krenka, Paula Hindemitha, Beli Bartoka, Igora Strawińskiego była bliska stylowi ekspresjonistycznemu.
W latach 1920-1925. Ekspresjonizm zdominował także niemieckie kino i teatr.
Początkiem ekspresjonizmu filmowego był film Gabinet doktora Caligari (1920), który zasłynął nie tylko w Niemczech, ale i za granicą. Przekazywał na ekranie odmienne stany ludzkiej świadomości.
Rozwijając główną ideę Caligari, ekspresjonistyczni reżyserzy ujawniają dwoistość każdej osoby, czające się w niej bezdenne zło i w związku z tym przewidują nieuchronność społecznej apokalipsy. Ten film był właściwie początkiem tworzenia horrorów.
Filmy „Gabinet doktora Caligari” w reżyserii Roberta Wiene (1920), „Golem” w reżyserii K. Boese i P. Wegenera (1920), „Znużona śmierć” w reżyserii Fritza Langa (1921), „Nosferatu. Symfonia grozy” niemieckiego reżysera Friedricha Wilhelma Murnau (1922), „Gabinet z wosku” w reżyserii P. Leniego (1924), „Ostatni człowiek” w reżyserii W. Murnau (1924).
Ekspresjonizm to jeden z najbardziej złożonych i kontrowersyjnych nurtów w kulturze artystycznej pierwszych dekad XX wieku. Najwyraźniej przejawiało się to w kulturze Niemiec i Austrii.
Ekspresjonizm oficjalnie zadeklarował się w 1905 roku. W tym czasie w Dreźnie studenci Wydziału Architektury Wyższej Szkoły Technicznej utworzyli stowarzyszenie twórcze „Most”. Należeli do niej artyści E. Kirchner, E. Nolde, M. Pichstein, P. Klee. Do niemieckich członków stowarzyszenia wkrótce dołączyli obcokrajowcy, wśród których znaleźli się artyści rosyjscy. W 1911 roku powstała monachijska grupa Blue Rider, nowe środowisko artystów ekspresjonistycznych. Należeli do nich F. Mark, V. Kandinsky, A. Macke, P. Klee, L. Feininger.
Mniej więcej w tym samym czasie pojawiły się pierwsze ekspresjonistyczne stowarzyszenia literackie. W Berlinie zaczęto ukazywać się czasopisma Sturm (Burza) i Action (Akcja), reprezentujące przeciwne nurty ekspresjonizmu.
Ekspresjonizm ogłosił subiektywny świat człowieka, którego ucieleśnienie stało się jego głównym celem, jako jedyną stabilną rzeczywistość. Sama nazwa tego kierunku (od łac. wyrażenie, Francuski wyrażenie- ekspresja) wskazuje na pierwszeństwo wewnętrznego „ja”, objawionego z najwyższą ekspresją. Wszystko inne to chaos, splot przypadków. Ekspresjonizm starał się oddać intensywność ludzkich emocji, groteskowe załamanie, irracjonalność obrazów. Jednocześnie radykalnie zrywał ze sztuką tradycyjną, odważnie naruszając proporcje, celowo zniekształcając przedstawiane obiekty.
Artyści ekspresjonistyczni tworzyli wewnętrznie intensywne, uproszczone formy, stosowali albo krzykliwe jaskrawe kolory, albo odwrotnie, ponure, brudne tonacje, niespokojne i nieostrożne pociągnięcia pędzla.
Ekspresjonizm odzwierciedlał tragiczny światopogląd inteligencji europejskiej związany z wydarzeniami I wojny światowej. Przeczucie zbliżającej się globalnej katastrofy, utrata poczucia bezpieczeństwa nadała mu pogrubiony, ponury, czasem histeryczny odcień.
Po pierwszej wojnie światowej w twórczości ekspresjonistów uwaga na problemy społeczne epoki stała się bardziej dotkliwa. Fabuła prac to sceny wojny z jej okropnościami, samotni ludzie przerażeni tym, czego doświadczyli, ranni, kalecy, biedota, nory wielkich miast. Jednak nie tylko zaprzeczanie, ale także poszukiwanie nowych wartości humanistycznych jest charakterystyczne dla tego nurtu. Odziedziczywszy po romantykach namiętny patos krytyczny, odrzucenie zdehumanizowanych relacji społecznych, ekspresjoniści przystąpili do walki o prawdziwie ludzkie.
Ekspresjonizm obejmuje dzieła Franza Werfela, Georga Trakla, Ernsta Stadlera, Franza Kafki (w literaturze), Waltera Hasenclevera, Georga Kaisera, Oskara Kokoschki (w dramaturgii), F.W. Murnau (w scenariuszu).
Ekspresjonizm w muzyce
Opera Albana Berga Wozzeck (1925) uznawana jest za najwyższe osiągnięcie muzycznego ekspresjonizmu.
Muzyczny ekspresjonizm był sukcesywnie kojarzony z późnym romantyzmem. Złowrogo ponure obrazy często można znaleźć w utworach Mahlera (późne symfonie), R. Straussa (opery Salome, Elektra), Hindemitha (opery Zabójca - nadzieja kobiet, Święta Zuzanna), Bartoka (balet Cudowny Mandaryn). Chronologicznie ich twórczość stoi obok ekspresjonizmu w malarstwie i literaturze, ale generalnie twórczość tych kompozytorów opiera się na tradycjach romantyzmu, podobnie jak wczesna twórczość Schönberga i Berga.
Stopniowo przemyślano ideową i artystyczną treść późnego romantyzmu: niektóre obrazy zostały wyostrzone, absolutyzowane (niezgoda ze światem zewnętrznym), inne stłumione lub całkowicie zanikły (romantyczny sen).
Twórczość Nowoweńców świadczy o odrzuceniu tradycji charakterystycznych dla ekspresjonizmu. Rewizji i ponownej ocenie podlegają wszystkie elementy języka muzycznego: tryb i tonacja, harmonia, forma (jako proces i jako całość), melodia, rytm, barwa, dynamika, faktura.
Zasada swobodnej atonalności, ustanowiona w muzyce Schönberga w latach 1910-tych, zostaje zastąpiona na początku lat 20-tych. Podobne okresy (atonalny i dodekafoniczny) mijają w ich twórczej ewolucji Berg i Webern. Jednocześnie twórczość każdego z trzech przedstawicieli Nowej Szkoły Wiedeńskiej jest wyjątkowo osobliwa. Jeśli Schoenberg charakteryzuje się najbardziej konsekwentnym radykalizmem estetycznym w wyrażaniu stanowiska ekspresjonistycznego, to w muzyce Berga, tradycjach Mahlera, motywy „społecznego współczucia” są wyraźnie wyczuwalne. Dla Weberna doświadczenie twórcze mistrzów surowego stylu, a także filozoficzne i poetyckie dziedzictwo Goethego okazały się niezwykle istotne.
Zespół środków wyrazowych typowych dla muzycznego ekspresjonizmu
- zastąpienie tradycyjnego systemu dur-moll atonalnością; poprzez swobodną atonalność ekspresjoniści dochodzą do organizacji materiału dźwiękowego na podstawie dodekafonia;
- brak powiązań z codziennymi gatunkami;
- ostateczny dysonans harmonii;
- nieciągłość, „nieciągłość” melodii; interpretacja instrumentalna partii wokalnych, recytacja z pobudzeniem;
- użycie „śpiewania mowy” ( Sprechgesang );
- nieregularne akcentowanie rytmu, często zmieniające się tempa.
Wszystko to tworzy niezwykle napiętą atmosferę emocjonalną, wrażenie narastającego napięcia. Definicję „dramatu krzyku” kojarzoną z dramaturgią ekspresjonistyczną można przypisać wielu gatunkom sztuki ekspresjonistycznej, w tym muzyce.
Bohater sztuki ekspresjonistycznej jest nieustannie w krytycznym stanie emocjonalnym. W jego percepcji dominuje tragicznie zniekształcony obraz rozpadającego się wszechświata. Charakter jego życia wewnętrznego jest w dużej mierze zdeterminowany przez elementy nieświadomości.
Rzadko występuje jako osoba konkretna, często nie ma imienia, jest osobą abstrakcyjną: ojciec, syn, mężczyzna, mężczyzna, kobieta. Charakterystycznymi przykładami są opery „Szczęśliwa ręka” Schönberga, „Zabójca – nadzieja kobiet” Hindemitha (1919) na podstawie sztuki Kokoschki.
Wiek XX - wiek wyniszczających wojen światowych i katastrof - przygotował grunt pod kontynuację tendencji ekspresjonistycznych w różnych stylach i indywidualnych manierach. Hindemith, Bartok, Szostakowicz, Honegger, Milhaud, Britten wiele nauczyli się od ekspresjonistów. Ekspresjonistyczny ton jest wyczuwalny w prawie wszystkich „wojskowych” symfoniach największych symfoników XX wieku.
Hasło „Sturmu” było czysto estetyczną tezą walki o nową sztukę, „wolną od ówczesnych idei politycznych, moralnych, społecznych”. Z tą publikacją związani byli artyści grupy Blue Rider; drukowano w niej Guillaume Apollinaire, Marc Chagall, Oscar Kokoschka. Pismo Aktion od samego początku deklarowało postawę obywatelską, co determinowało jego antymilitarystyczną, społecznie krytyczną orientację. Tygodnik stał się platformą dla lewicowego ekspresjonizmu.