Niemal w każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, podwójne dno lub tajemnicza historia, którą pragniesz odkryć.
Muzyka na pośladkach
Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.
Fragment tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Na prawym skrzydle tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma nadrukowane notatki na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przeniosła XVI-wieczny zapis na nowoczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.
Naga Mona Lisa
Słynna „Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w kobiecą sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane lewe ramię Starca).
Czy był wieloryb?
Hendrik van Antonissen „Scena na brzegu”.
Wydawało się, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale badali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.
Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.
Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Śniadanie na trawie” Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.
Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.
Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunów. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie natychmiast zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo napisał od niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandt, Straż nocna, 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga” wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Nocną Strażą i pod tą nazwą weszła do skarbnicy światowej sztuki.
I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie wyszło na jaw, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji nie przekracza 14 godzin.
wywrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
W 1961 roku w nowojorskim Museum of Modern Art wystawiono obraz Henriego Matisse’a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z zawieszeniem obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Obecnie najbardziej wiarygodna wersja głosi, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w wyniku małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta przedstawiony jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. Faktycznie, lewe ucho zostało uszkodzone.
obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że dotknięcie niedźwiedzia nie wyjdzie tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savickiego.
Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „począwszy od pomysłu, a skończywszy na wykonaniu, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza charakterystyczna dla Szyszkina”.
Niewinna historia „Gothic”
Grant Wood, „Amerykański gotyk”, 1930.
Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie nadawaliby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni w postaciach, które tak bardzo oburzyły mieszkańców Iowa.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć takiego szoku.
W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postać w oknie. Istnieje wersja, że w ten sposób Dali zemścił się na siostrze za jej książkę.
Danae o dwóch twarzach
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans ze Zeusem, przypominała twarz Saskii, żony malarza, zmarłego w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertiera Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta zamieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artysty bardzo ważny był kolor, wygoda pomieszczenia: wszystko musiało sugerować relaks. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojących żółtych tonach.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła sporo zębów. Oglądając powiększone fotografie arcydzieła Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Uśmiecha się tak bardzo właśnie z powodu tego, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.
Specjalizacja w kontroli twarzy
Paweł Fedotow, Swatanie majora, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wypuszczona przez kupieckich rodziców w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego wolność jest naga
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.
Według historyka sztuki Etienne Julie Delacroix namalował twarz kobiety słynnego paryskiego rewolucjonisty - praczki Anny-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artystka przedstawiła jej nagą klatkę piersiową. Według jego planu ma to być symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, jak zwykły człowiek, nie nosi gorsetu.
kwadrat niekwadratowy
Kazimierz Malewicz, Plac Czarnych Suprematystów, 1915.
W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych barw, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.
Specjaliści Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do nazwy zabawnego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.
Melodramat austriackiej Mony Lisy
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele ze słynnym artystą. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, dopóki artysta nie zacznie się od niej odwracać.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka widziała, jak gasną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno ochłonęli wobec siebie. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.
Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: „czyta się” je nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w pazury w lewym dolnym rogu).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, dokąd artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka powlókł się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 r. Jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.
112 przysłów na jednym obrazku
Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559
Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Na namalowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, jak np. „pływanie pod prąd”, „walenie głową w ścianę”, „uzbrojenie po zęby” czy „duża ryba zjada małe”.
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Subiektywność sztuki
Paul Gauguin, Bretońska wioska pod śniegiem, 1894
Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i to w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami, gdy zobaczył na nim wodospad.
ukryty obraz
Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901
W 2008 roku podczerwień wykazała, że pod „Niebieskim pokojem” ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i urzeczywistnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza ”- historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwą przyczynę tego.
Niedostępne Marokanki
Zinaida Serebryakova, Nago, 1928
Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę – wybrania się w twórczą podróż, aby portretować nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Na ratunek przybył tłumacz Zinaidzie, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt wcześniej i później nie był w stanie uchwycić nagich zamkniętych w sobie orientalnych kobiet.
Spontaniczny wgląd
Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900
Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ręce… I wtedy artysta przyszedł do głowy – oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Portret ten uznawany jest za najlepszy wizerunek ostatniego cesarza.
Znowu dwójka
© Fedor Reshetnikov
Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część trylogii artystycznej.
Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z obrzeży klasy robotniczej, szczyt roku szkolnego, tępy oszołom, który znów złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obrazek „Znowu dwójka”.
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844
W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył tak przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim właśnie epizod z pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511
Kilku amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł faktycznie pozostawił ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.
Ostatnia wieczerza Van Gogha
Vincent van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że Café Terrace at Night Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci. Pośrodku obrazu znajduje się kelner z długimi włosami i w białej tunice, przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na krzyż, umieszczony bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.
Obraz pamięci Dali
Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Tak więc, zdaniem samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.
O czym krzyczy Munch
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że pomysł „Krzyku” narodził się przez Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.
Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego zdjęcia. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol wierzył, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Raphael Santi, Szkoła ateńska, 1511.
Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Lustro Arnolfinich
Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434
W lustrze za Arnolfinis możesz zobaczyć odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Tu był Jan van Eyck”. W ten sposób najczęściej zawierano umowy.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i stwierdziła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba spowodowała, że artysta lepiej postrzegał rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.
Przed nastaniem Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański obraz na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.
Lutniarz czy lutnista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnista, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie Caravaggio pozował jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na notatkach znajdujących się przed muzykiem nagranie partii basowej widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelt’a „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta raczej nie mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w epoce Caravaggia uważana była za instrument męski.
Wspaniałe dzieła sztuki, wykonane rękami wielkich mistrzów, potrafią zaskoczyć nawet ludzi, dla których sztuka niewiele znaczy. Dlatego też światowej sławy muzea należą do najpopularniejszych atrakcji, przyciągających rocznie miliony zwiedzających.
Aby wyróżnić się na tle ogromnej liczby obrazów powstałych w historii sztuki, artysta potrzebuje nie tylko talentu, ale także umiejętności wyrażenia niepowtarzalnej fabuły w sposób niezwykły i bardzo istotny dla swoich czasów.
Prezentowane poniżej obrazy mówią głośno nie tylko o talencie ich autorów, ale także o licznych pojawiających się i zanikających nurtach kulturowych oraz o najważniejszych wydarzeniach historycznych, które zawsze miały swoje odzwierciedlenie w sztuce.
„Narodziny Wenus”
Obraz ten, namalowany przez wielkiego mistrza renesansu Sandro Botticellego, przedstawia moment, w którym z morskiej piany wyłania się piękna Wenus. Jednym z najbardziej fascynujących aspektów obrazu jest skromna poza bogini i jej prosta, ale piękna twarz.
„Psy grają w pokera”
Namalowana przez Cassiusa Coolidge'a w 1903 roku, ta seria 16 obrazów przedstawia psy zebrane wokół kawy lub stołu do gry w pokera. Wielu krytyków uznaje te obrazy za kanoniczne przedstawienie Amerykanów tamtej epoki.
Portret Madame Recamier
Ten portret, namalowany przez Jacquesa-Louisa Davida, przedstawia olśniewającą osobistość z towarzystwa w kontrastowo minimalistycznej i prostej scenerii, ubraną w prostą białą sukienkę bez rękawów. Jest to żywy przykład neoklasycyzmu w sztuce portretowej.
№5
Ten słynny obraz Jacksona Pollocka jest jego najbardziej kultowym dziełem, żywo przedstawiającym cały chaos, który szalał w duszy i umyśle Pollocka. To jedno z najdroższych dzieł, jakie kiedykolwiek sprzedało amerykański artysta.
"Syn mężczyzny"
„Syn człowieczy” Rene Magritte’a to rodzaj autoportretu przedstawiającego samego artystę w czarnym garniturze, ale z jabłkiem zamiast twarzy.
„Numer 1” („Królewska czerwień i błękit”)
Ta stosunkowo niedawna praca Marka Rothko to nic innego jak pociągnięcia pędzla w trzech różnych odcieniach na ręcznie robionym płótnie. Obraz jest obecnie wystawiany w Art Institute of Chicago.
„Masakra niewinnych”
Opierając się na biblijnej historii masakry niewinnych dzieci w Betlejem, Peter Paul Rubens stworzył ten makabryczny i brutalny obraz, który porusza emocje każdego, kto na niego spojrzy.
„Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte”
Ten wyjątkowy i bardzo popularny obraz, stworzony przez Georgesa Seurata, przedstawia swobodną atmosferę weekendu w dużym mieście. Malarstwo takie jest doskonałym przykładem pointylizmu, który łączy wiele punktów w jedną całość.
"Taniec"
„Dance” Henriego Matisse’a to przykład stylu zwanego fowizmem, który charakteryzuje się jaskrawymi, niemal nienaturalnymi barwami i kształtami oraz dużą dynamiką.
"Amerykański gotyk"
„American Gothic” to dzieło sztuki, które doskonale symbolizuje wizerunek Amerykanów w okresie Wielkiego Kryzysu. Na tym obrazie Grant Wood przedstawił surową, pozornie religijną parę stojącą przed prostym domem z gotyckimi oknami.
„Ładowarka kwiatów”
Obraz najpopularniejszego meksykańskiego malarza XX wieku, Diego Rivery, przedstawia mężczyznę, który z trudem unosi na plecach kosz wypełniony jasnymi tropikalnymi kwiatami.
„Matka Whistlera”
Znany również jako Aranżacja w szarości i czerni Matka artysty, jest to jeden z najsłynniejszych obrazów amerykańskiego artysty Jamesa Whistlera. Na tym obrazie Whistler przedstawił swoją matkę siedzącą na krześle pod szarą ścianą. W obrazie zastosowano wyłącznie odcienie czerni i szarości.
"Trwałość pamięci"
To kultowe dzieło nie mniej kultowego Salvadora Dali, światowej sławy hiszpańskiego surrealisty, który wyniósł ten ruch na czoło sztuki.
Portret Dory Maar
Pablo Picasso to jeden z najpopularniejszych i najbardziej wpływowych malarzy hiszpańskich. Jest twórcą rewelacyjnego wówczas stylu zwanego kubizmem, który stara się rozbić każdy przedmiot i przekazać go wyraźnymi geometrycznymi kształtami. Obraz ten jest pierwszym portretem wykonanym w stylu kubistycznym.
„Portret artysty bez brody”
Ten obraz Van Gogha jest autoportretem i wyjątkowym, ponieważ przedstawia malarza bez zwykłej brody. Ponadto jest to jeden z niewielu obrazów Van Gogha, które trafiły do prywatnych kolekcji.
„Taras kawiarni nocnej”
Obraz namalowany przez Vincenta van Gogha przedstawia znajomy widok w zupełnie nowy sposób, używając niesamowicie żywych kolorów i niezwykłych kształtów.
„Kompozycja VIII”
Wassily Kandinsky uznawany jest za twórcę sztuki abstrakcyjnej – stylu posługującego się formami i symbolami zamiast znanych przedmiotów i ludzi. „Kompozycja VIII” to jeden z pierwszych obrazów artysty, wykonany wyłącznie w tym stylu.
"Pocałunek"
Jedno z pierwszych dzieł sztuki w stylu secesyjnym, obraz ten jest prawie w całości wykonany w odcieniach złota. Obraz Gustava Klimta jest jednym z najbardziej uderzających dzieł stylu.
„Bal w Moulin de la Galette”
Obraz Pierre'a Auguste'a Renoira to żywy i dynamiczny obraz życia miasta. Ponadto jest to jeden z najdroższych obrazów na świecie.
„Olimpia”
W Olimpii Édouard Manet wywołał prawdziwą kontrowersję, wręcz skandal, gdyż naga kobieta ze spojrzeniem jest ewidentnie kochanką, nie zasłoniętą mitami okresu klasycznego. Jest to jedno z pierwszych dzieł utrzymanych w stylu realizmu.
„Trzeci maja 1808 w Madrycie”
W tej pracy Francisco Goya przedstawił atak Napoleona na Hiszpanów. To jeden z pierwszych hiszpańskich obrazów przedstawiających wojnę w negatywnym świetle.
„Las Meninas”
Najsłynniejszy obraz Diego Velasqueza przedstawia pięcioletnią infantkę Margheritę przed portretem jej rodziców namalowanym przez Velasqueza.
„Portret Arnolfinich”
Obraz ten jest jednym z najstarszych dzieł malarstwa. Został namalowany przez Jana van Eycka i przedstawia włoskiego biznesmena Giovanniego Arnolfiniego i jego ciężarną żonę w ich domu w Brugii.
"Krzyk"
Obraz norweskiego artysty Edvarda Muncha przedstawia twarz mężczyzny wykrzywioną strachem na tle krwistoczerwonego nieba. Krajobraz w tle dodaje mrocznego uroku temu obrazowi. Ponadto Krzyk jest jednym z pierwszych obrazów ekspresjonistycznych, w którym realizm zredukowano do minimum, aby zapewnić większą swobodę emocji.
"Fale"
Lilie wodne autorstwa Claude'a Moneta są częścią serii 250 obrazów przedstawiających elementy ogrodu artysty. Obrazy te są wystawiane w różnych muzeach sztuki na całym świecie.
„Noc gwiazd”
„Gwiaździsta noc” Van Gogha to jeden z najsłynniejszych obrazów współczesnej kultury. Obecnie można go oglądać w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
„Upadek Ikara”
Obraz ten, namalowany przez holenderskiego artystę Pietera Brueghela, ukazuje obojętność człowieka na cierpienie bliźnich. Mocny wątek społeczny został tu ukazany w dość prosty sposób, wykorzystując obraz tonącego pod wodą Ikara i ludzi ignorujących jego cierpienie.
„Stworzenie Adama”
Stworzenie Adama to jeden z kilku wspaniałych fresków Michała Anioła zdobiących sufit Kaplicy Sykstyńskiej w Pałacu Watykańskim. Przedstawia stworzenie Adama. Oprócz przedstawienia idealnych postaci ludzkich fresk jest jedną z pierwszych prób przedstawienia Boga w historii sztuki.
"Ostatnia Wieczerza"
Ten fresk wielkiego Leonarda przedstawia ostatnią wieczerzę Jezusa przed jego zdradą, aresztowaniem i śmiercią. Oprócz kompozycji, formy i koloru dyskusja na temat tego fresku pełna jest teorii na temat ukrytych symboli i obecności Marii Magdaleny obok Jezusa.
„Guernica”
„Guernica” Picassa przedstawia eksplozję hiszpańskiego miasta o tej samej nazwie podczas hiszpańskiej wojny domowej. To czarno-biały obraz, negatywnie przedstawiający faszyzm, nazizm i ich idee.
„Dziewczyna z perłą”
Ten obraz Johannesa Vermeera nazywany jest często holenderską Mona Lisą, nie tylko ze względu na jego niezwykłą popularność, ale także dlatego, że wyraz twarzy dziewczyny jest trudny do uchwycenia i wyjaśnienia.
„Ścięcie Jana Chrzciciela”
Obraz Caravaggia bardzo realistycznie przedstawia moment morderstwa Jana Chrzciciela w więzieniu. Półmrok obrazu i mimika jego bohaterów sprawiają, że jest to prawdziwe klasyczne arcydzieło.
„Nocna straż”
Straż nocna to jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta. Przedstawia portret zbiorowy kompanii strzeleckiej dowodzonej przez jej oficerów. Wyjątkowym aspektem obrazu jest półmrok, który sprawia wrażenie sceny nocnej.
„Szkoła Ateńska”
Namalowany przez Rafaela we wczesnym okresie rzymskim fresk przedstawia znanych greckich filozofów, takich jak Platon, Arystoteles, Euklides, Sokrates, Pitagoras i innych. Wielu filozofów jest przedstawianych jako współcześni Rafaelowi, na przykład Platon - Leonardo da Vinci, Heraklit - Michał Anioł, Euklides - Bramante.
„Mona Lisa”
Prawdopodobnie najsłynniejszym obrazem na świecie jest Gioconda Leonarda da Vinci, lepiej znana jako Mona Lisa. Płótno to przedstawia portret pani Gherardini, która przyciąga uwagę tajemniczym wyrazem twarzy.
Są dzieła sztuki, które zdają się uderzać widza w głowę, oszołomić i zdumiewać. Inne wciągają w refleksję i poszukiwanie warstw semantycznych, tajemnej symboliki. Niektóre obrazy skrywają tajemnice i mistyczne tajemnice, inne zaskakują wygórowaną ceną.
Dokładnie przejrzeliśmy wszystkie najważniejsze osiągnięcia malarstwa światowego i wybraliśmy z nich dwa tuziny najdziwniejszych obrazów. Salvador Dali, którego prace całkowicie wpisują się w format tego materiału i jako pierwsze przychodzą na myśl, nie został uwzględniony w tym zbiorze celowo.
Oczywiste jest, że „dziwność” jest pojęciem raczej subiektywnym i dla każdego są niesamowite obrazy, które wyróżniają się na tle wielu innych dzieł sztuki. Będzie nam miło, jeśli podzielisz się nimi w komentarzach i opowiesz nam trochę o nich.
"Krzyk"
Edvard Munch. 1893, karton, olej, tempera, pastel.
Galeria Narodowa, Oslo.
Krzyk uznawany jest za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.
Istnieją dwie interpretacje tego, co jest przedstawione: to sam bohater ogarnia przerażenie i cicho krzyczy, przykładając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy na rozbrzmiewający wokół krzyk świata i natury. Munch napisał cztery wersje Krzyku i istnieje wersja, w której obraz ten jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Po leczeniu w klinice Munch nie wrócił do pracy na płótnie.
„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. Słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany, i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk, który przeszywa naturę” – Edvard Munch opowiadał o historii obrazu.
"Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?"
Paul Gauguin. 1897-1898, olej na płótnie.
Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.
Pod kierunkiem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania.
Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zdaniem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.
Głęboko filozoficzny obraz postimpresjonisty Paula Gauguina został przez niego napisany na Tahiti, dokąd uciekł z Paryża. Pod koniec pracy miał nawet ochotę popełnić samobójstwo: „Uważam, że to płótno jest lepsze od wszystkich moich poprzednich i że nigdy nie stworzę czegoś lepszego, a nawet podobnego”. Żył jeszcze pięć lat i tak się stało.
„Guernica”
Pablo Picasso. 1937, olej na płótnie.
Muzeum Reiny Sofii w Madrycie.
Guernica przedstawia sceny śmierci, przemocy, okrucieństw, cierpienia i bezradności, nie precyzując ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do gestapo w Paryżu. Rozmowa natychmiast zeszła na obraz. "Czy ty to zrobiłeś?" - „Nie, ty to zrobiłeś”.
Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku, opowiada o nalocie jednostki ochotniczej Luftwaffe na miasto Guernica, w wyniku którego sześciotysięczne miasto zostało całkowicie zniszczone. Obraz powstał zaledwie w miesiąc - w pierwszych dniach pracy nad obrazem Picasso pracował 10-12 godzin, a już w pierwszych szkicach widać było główną ideę. To jedna z najlepszych ilustracji koszmaru faszyzmu, a także ludzkiego okrucieństwa i żalu.
„Portret Arnolfinich”
Jana van Eycka. 1434, olej na drewnie.
Londyńska Galeria Narodowa, Londyn.
Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami, alegoriami i różnymi odniesieniami - aż do podpisu „Tu był Jan van Eyck”, który uczynił z obrazu nie tylko dzieło sztuki, ale dokument historyczny potwierdzający realność wydarzenia, w którym uczestniczył artysta.
Portret, prawdopodobnie Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żony, jest jednym z najbardziej złożonych dzieł zachodniej szkoły malarstwa północnego renesansu.
W Rosji w ciągu ostatnich kilku lat obraz zyskał dużą popularność ze względu na podobieństwo portretu Arnolfini do Władimira Putina.
„Siedzący demon”
Michaił Wrubel. 1890, olej na płótnie.
Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie.
„Ręce mu się opierają”
Billa Stonehama. 1972.
Dzieła tego oczywiście nie można zaliczyć do arcydzieł sztuki światowej, ale fakt, że jest dziwny, jest faktem.
Wokół obrazu z chłopcem, lalką i dłońmi przyciśniętymi do szyby krążą legendy. Od „z powodu tego obrazu umierają” do „dzieci na nim żyją”. Obraz wygląda naprawdę przerażająco, co budzi wiele obaw i domysłów u osób o słabej psychice.
Artysta zapewniał, że obraz przedstawia go w wieku pięciu lat, że drzwi są przedstawieniem linii podziału między światem rzeczywistym a światem snów, a lalka jest przewodnikiem, który może przeprowadzić chłopca po tym świecie. Ręce reprezentują alternatywne życia lub możliwości.
Obraz zyskał rozgłos w lutym 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay z historią mówiącą, że obraz był „nawiedzony”. „Hands Resist Him” został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith, który następnie został zasypany listami zawierającymi przerażające historie i żądaniami spalenia obrazu.
Na początku grudnia 2011 roku na rosyjskich aukcjach w Londynie padły nowe rekordy cenowe. Podsumowując wyniki roku, na podstawie wyników sprzedaży aukcyjnej przygotowaliśmy zestawienie najdroższych dzieł rosyjskich artystów.
33 najdroższe k. Źródło: 33 najdroższe k.
Według ocen najdroższym rosyjskim artystą jest Mark Rothko. Jego Białe Centrum (1950), sprzedane za Co więcej, 72,8 miliona dolarów zajmuje 12. miejsce na liście najdroższych obrazów świata ogółem. Jednak Rothko był Żydem, urodzonym na Łotwie i opuścił Rosję w wieku 10 lat. Czy to jest sprawiedliwez podobnym rozciągnięciem pościg dla zapisów? Dlatego też Rothko, a także innych emigrantów, którzy opuścili Rosję, zanim zostali artystami (np. Tamara de Łempicki i Chaim Soutine), usunęliśmy z listy.
Nr 1. Kazimierz Malewicz – 60 milionów dolarów
Autor „Czarnego kwadratu” jest osobą zbyt ważną, aby jego dzieła często można było znaleźć na wolnym rynku. Zatem to zdjęcie trafiło na aukcję w bardzo trudny sposób. W 1927 roku Malewicz, przygotowując wystawę, przywiózł do Berlina prawie sto dzieł ze swojej leningradzkiej pracowni. Został jednak pilnie wezwany do ojczyzny i pozostawił je na przechowanie architektowi Hugo Heringowi. Uratował obrazy w trudnych latach faszystowskiej dyktatury, kiedy równie dobrze mogły zostać zniszczone jako „sztuka zdegenerowana”, a w 1958 roku, po śmierci Malewicza, sprzedał je Państwowemu Muzeum Stedelek (Holandia).
Na początku XXI wieku prawie czterdziestoosobowa grupa spadkobierców Malewicza wszczęła postępowanie sądowe – gdyż Hering nie był prawnym właścicielem obrazów. W efekcie muzeum podarowało im ten obraz, a rozda cztery kolejne, co z pewnością wywoła sensację na jakiejś aukcji. Przecież Malewicz jest jednym z najbardziej podrabianych artystów na świecie, a pochodzenie obrazów z Muzeum Stedelka jest nienaganne. A w styczniu 2012 roku spadkobiercy otrzymali kolejny obraz z tej berlińskiej wystawy, zabierając go ze szwajcarskiego muzeum.
#2 Wassily Kandinsky – 22,9 miliona dolarów
Na cenę aukcyjną dzieła wpływa jego reputacja. To nie tylko wielkie nazwisko artysty, ale także „pochodzenie” (pochodzenie). Rzecz ze słynnej kolekcji prywatnej lub dobrego muzeum jest zawsze warta więcej niż dzieło z kolekcji anonimowej. Fuga pochodzi ze słynnego Muzeum Guggenheima: pewnego razu reżyser Thomas Krenz usunął ze zbiorów muzealnych obraz Chagalla i Modiglianiego Kandinsky'ego i wystawił go na sprzedaż. Z jakiegoś powodu za otrzymane pieniądze muzeum nabyło kolekcję 200 dzieł amerykańskich konceptualistów. Krenz był za tę decyzję bardzo długo potępiany.
To płótno ojca abstrakcjonizmu jest ciekawe, ponieważ ustanowiło rekord już w 1990 roku, kiedy sale aukcyjne Londynu i Nowego Jorku nie były jeszcze wypełnione lekkomyślnymi rosyjskimi kupcami. Dzięki temu notabene nie zniknął w jakiejś bardzo prywatnej kolekcji w luksusowej rezydencji, ale znajduje się na stałej ekspozycji w prywatnym Muzeum Beyeler w Szwajcarii, gdzie każdy może go zobaczyć. Rzadka okazja na taki zakup!
Nr 3. Aleksiej Jawlenski – 9,43 mln funtów
Za portret przedstawiający dziewczynę z wioski niedaleko Monachium nieznany nabywca zapłacił około 18,5 miliona dolarów. Shokko to nie imię, ale przydomek. Modelka przychodząc do pracowni artysty, za każdym razem prosiła o kubek gorącej czekolady. Więc „Shokko” zakorzenił się za nią.
Sprzedawany obraz wchodzi w skład jego słynnego cyklu „Wyścig”, przedstawiającego chłopstwo domowe pierwszej ćwierci XX wieku. I racja, portretowanie z takimi kubkami, że aż strach na to patrzeć. Tutaj w postaci pasterza objawia się chłopski poeta Nikołaj Klyuev, poprzednik Jesienina. Wśród jego wierszy znajdują się następujące: „W ogniu szkarłatny kwiat stał się głuchy i wyblakły - Lekki bachor odważa się Daleko od ukochanej”.
Nr 19. Konstantin Makovsky - 2,03 mln funtów
Makovsky - malarz salonowy, znany z ogromnej liczby głów głogu w kokoshnikach i sukienkach, a także z malarstwa „Dzieci uciekające przed burzą”, które kiedyś było stale drukowane na pudełkach czekoladek. Jego słodkie obrazy historyczne cieszą się stabilnym zainteresowaniem wśród rosyjskich nabywców.
Temat tego obrazu- Stary rosyjski „rytuał całowania” Szlachetnym kobietom na starożytnej Rusi nie wolno było opuszczać żeńskiej połowy i jedynie w imię honorowych gości mogły wychodzić, przynosić puchar i (co najprzyjemniejsze) pozwalać się całować. Zwróć uwagę na obraz wiszący na ścianie: jest to wizerunek cara Aleksieja Michajłowicza, jeden z pierwszych portretów konnych, jaki pojawił się na Rusi. Jego skład, choć bezczelnie skopiowany z europejskiego modelu, uznano za niezwykle nowatorski, a nawet szokujący jak na tamte czasy.
Nr 20. Światosław Roerich – 2,99 miliona dolarów
Syn Mikołaja Roericha jako nastolatek opuścił Rosję. Mieszkał w Anglii, USA, Indiach. Podobnie jak jego ojciec interesował się filozofią Wschodu. Podobnie jak jego ojciec namalował wiele obrazów o tematyce indyjskiej. Ogólnie rzecz biorąc, jego ojciec zajmował ogromne miejsce w jego życiu - namalował ponad trzydzieści swoich portretów. Ten obraz powstał w Indiach, gdzie klan osiedlił się w połowie stulecia. Obrazy Światosława Roericha rzadko pojawiają się na aukcjach, a w Moskwie dzieła słynnej dynastii można oglądać w salach Muzeum Wschodu, któremu autorzy je zaprezentowali, a także w muzeum muzeum „Międzynarodowe Centrum Sztuki Roerichs”, który mieści się w luksusowej posiadłości szlacheckiej tuż za Muzeum Puszkina. Obydwa muzea nie bardzo się lubią: Muzeum Orientalne rości sobie prawa zarówno do budynku, jak i do zbiorów Centrum Roericha.
Nr 21 Iwan Szyszkin – 1,87 mln funtów
Główny rosyjski pejzażysta spędził na Walaamie trzy kolejne lata i pozostawił po sobie wiele obrazów tego obszaru. Ta praca jest trochę ponura i nie wygląda jak klasyczny Szyszkin. Wyjaśnia to jednak fakt, że obraz należy do jego wczesnego okresu, kiedy nie znalazł własnego stylu i pozostawał pod silnym wpływem szkoły krajobrazu w Düsseldorfie, w której studiował.
O tej szkole w Düsseldorfie wspominaliśmy już powyżej, w przepisie na fałszywego „Aivazovsky”. " Shishkins” są wykonane według tego samego schematu, na przykład w 2004 roku o godz Sotheby's wystawił „Krajobraz ze strumieniem” z okresu malarza w Düsseldorfie. Jego wartość oszacowano na 1 milion dolarów, co potwierdziło badanie Galerii Trietiakowskiej. Na godzinę przed sprzedażą przedmiot został usunięty – okazało się, że jest to obraz przez innego ucznia tej szkoły, Holendra Marinus Adriana Kukkuka, kupionego w Szwecji za 65 tysięcy dolarów.
Nr 22. Kuzma Petrov-Vodkin – 1,83 mln funtów
Portret chłopca z ikoną Matki Boskiej odnaleziono w prywatnej kolekcji w Chicago. Po przekazaniu go domowi aukcyjnemu eksperci rozpoczęli badania mające na celu ustalenie jego pochodzenia. Okazało się, że obraz był na wystawach w latach 1922 i 1932. W latach trzydziestych prace artysty podróżowały po Stanach w ramach wystawy sztuki rosyjskiej. Być może właśnie wtedy właściciele nabyli ten obraz.
Zwróć uwagę na pustą przestrzeń na ścianie za chłopcem. Początkowo autorka myślała o napisaniu tam okna z zielonym krajobrazem. To zrównoważyłoby obraz zarówno pod względem kompozycyjnym, jak i kolorystycznym – trawa miałaby coś wspólnego z zieloną tuniką Matki Bożej (swoją drogą, zgodnie z kanonem, powinna być niebieska). Dlaczego Petrov-Vodkin namalował okno, nie jest znane.
Nr 23. Nicholas Roerich – 1,76 mln funtów
Przed wizytą w Szambali i rozpoczęciem korespondencji z Dalajlamą, Mikołaj Konstantinowicz Roerich z powodzeniem specjalizował się w tematyce staroruskiej, a nawet tworzył szkice baletowe na sezony rosyjskie. Sprzedawana partia należy do tego okresu. Przedstawiona scena to cudowne zjawisko nad wodą, które obserwuje rosyjski mnich, najprawdopodobniej Sergiusz z Radoneża. Ciekawe, że obraz powstał w tym samym roku, co inna wizja Sergiusza (wówczas młodzieńczego Bartłomieja), znajdująca się w naszym zestawieniu powyżej. Różnica stylistyczna jest ogromna.
Roerich namalował wiele obrazów, a lwią część z nich – w Indiach. Podarował kilka dzieł Indyjskiemu Instytutowi Badań Rolniczych. Ostatnio dwa z nich, „Himalaya, Kanchenjunga” i „Sunset, Kashmir pojawił się na aukcji w Londynie. Dopiero wtedy młodsi badacze Instytutu zauważyli, że zostali okradzieni. W styczniu 2011 roku Hindusi wystąpili do londyńskiego sądu o pozwolenie na prowadzenie śledztwa w sprawie przestępstwa w Anglii. Zainteresowanie złodziei dziedzictwem Roericha jest zrozumiałe, ponieważ istnieje zapotrzebowanie.
Nr 24. Ljubow Popowa- 1,7 miliona funtów
Lyubov Popova zmarła młodo, więc nie zyskała sławy jak inna amazońska awangarda Natalya Goncharova. Tak, a jej dorobek jest mniejszy – dlatego trudno znaleźć jej prace na sprzedaż. Po jej śmierci sporządzono szczegółowy inwentarz obrazów. Ta martwa natura przez wiele lat była znana wyłącznie z czarno-białej reprodukcji, aż znalazła się w prywatnej kolekcji, okazując się najważniejszym dziełem artysty w rękach prywatnych. Zwróć uwagę na tacę Zhostovo - być może jest to wskazówka zamiłowania Popowej do rzemiosła ludowego. Pochodziła z rodziny kupca iwanowskiego zajmującego się tkaniną i sama stworzyła wiele szkiców tkanin propagandowych opartych na rosyjskich tradycjach.
Nr 25. Aristarkh Lentulov – 1,7 miliona funtów
Lentułow wszedł do historii rosyjskiej awangardy dzięki zapadającemu w pamięć obrazowi katedry św. Bazylego – albo kubizmowi, albo patchworkowej kołdrze. W tym pejzażu próbuje w podobny sposób rozbić przestrzeń, ale nie wychodzi mu to już tak ekscytująco. Właściwie dlatego Bazylego Błogosławionego» w Galerii Trietiakowskiej i to zdjęcie- na rynku sztuki. A jednak kiedyś muzealnicy mieli okazję przeżuć śmietankę.
Nr 26. Aleksiej Bogolyubow – 1,58 mln funtów
Sprzedaż tego mało znanego artysty, choć ulubionego pejzażysty cara Aleksandra III, za tak szalone pieniądze jest przejawem szaleństwa na rynku w przededniu kryzysu z 2008 roku. Wtedy rosyjscy kolekcjonerzy byli gotowi kupić nawet mniejszych mistrzów. Co więcej, pierwszorzędni artyści rzadko sprzedają.
Być może ten obraz został wysłany jako prezent dla jakiegoś urzędnika: ma odpowiednią fabułę, ponieważ Katedra Chrystusa Zbawiciela już dawno przestała być tylko kościołem i stała się symbolem. I pochlebne pochodzenie - obraz przechowywano w pałacu królewskim. Zwróć uwagę na szczegóły: ceglana wieża Kremla pokryta jest białym tynkiem, a wzgórze wewnątrz Kremla jest całkowicie nieumeblowane. Cóż, po co zawracać sobie głowę próbowaniem? W latach 70. XIX w. stolicą był Petersburg, a nie Moskwa, a Kreml nie był rezydencją.
Nr 27. Izaak Lewitan – 1,56 mln funtów
Całkowicie nietypowe dla Lewitana dzieło zostało sprzedane na tej samej aukcji co obraz Bogolubowa, okazało się jednak tańsze. Wynika to oczywiście z faktu, że obraz nie przypomina „Lewitana”. „. Jego autorstwo jest jednak bezsporne, podobna fabuła znajduje się w Muzeum w Dniepropietrowsku. Na cześć koronacji Mikołaja II zapalono 40 000 żarówek, którymi udekorowano Kreml. Za kilka dni nastąpi katastrofa w Chodynce.
Nr 28. Arkhip Kuindzhi – 3 miliony dolarów
Słynny pejzażysta namalował trzy podobne obrazy. Pierwsza znajduje się w Galerii Trietiakowskiej, trzecia w Państwowym Muzeum Białorusi. Drugi, zaprezentowany na aukcji, przeznaczony był dla księcia Pawła Pawłowicza Demidowa-San Donato. Ten przedstawiciel słynnej dynastii Uralu mieszkał w willi niedaleko Florencji. Ogólnie rzecz biorąc, Demidowowie, stając się włoskimi książętami, bawili się najlepiej, jak potrafili. Na przykład wuj Pawła, od którego odziedziczył tytuł książęcy, był tak bogaty i szlachetny, że poślubił siostrzenicę Napoleona Bonaparte, a gdy był w złym humorze, wychłostał ją. Biedna pani starała się o rozwód. Zdjęcie jednak nie dotarło do Demidowa, przejęła je ukraińska cukrownia Tereszczenko.
Nr 29. Konstantin Korowin- 1,497 mln funtów
Impresjoniści nieodłącznym elementem jest bardzo „lekki”, rozległy styl pisania. Korowin jest głównym rosyjskim impresjonistą. Jest bardzo popularny wśród oszustów; według plotek liczba podróbek na aukcjach sięga 80%. Jeśli obraz z prywatnej kolekcji został wystawiony na osobistej wystawie artysty w słynnym muzeum państwowym, wówczas jego reputacja zostaje wzmocniona, a na kolejnej aukcji kosztuje znacznie więcej. W 2012 roku Galeria Trietiakowska planuje dużą wystawę Korovina. Być może pojawią się prace z kolekcji prywatnych. Ten akapit jest przykładem manipulacji umysłem czytelnika poprzez przykład wyliczania faktów, które nie mają ze sobą bezpośredniego logicznego związku.
- Informujemy, że od 26 marca do 12 sierpnia 2012 r. Galeria Trietiakowska obiecuje zorganizowaćWystawa Korovina . Przeczytaj więcej o biografii najbardziej czarujących artystów srebrnej epoki. w naszej recenzji wernisaże Państwowej Galerii Trietiakowskiej w 2012 roku.
Nr 30. Jurij Annenkow – 2,26 mln dolarów
Annenkovowi udało się wyemigrować w 1924 roku i zrobił dobrą karierę na Zachodzie. Na przykład w 1954 roku był nominowany do Oscara za kostiumografię do filmu „Pani de…” Najsłynniejszy z jego wczesnych portretów radzieckich- twarze są kubistyczne, fasetowane, ale całkowicie rozpoznawalne. Wielokrotnie na przykład rysował w ten sposób Leona Trockiego - a nawet powtórzył ten rysunek wiele lat później z pamięci, gdy magazyn Times chciał ozdobić nim okładkę.
Postać przedstawiona na portrecie rekordowym to pisarz Tichonow-Serebrow. W historię literatury rosyjskiej wszedł głównie dzięki bliskiej przyjaźni z. Tak blisko, że według brudnych plotek żona artysty Varvara Shaikevich urodziła nawet córkę wielkiego proletariackiego pisarza. Na reprodukcji nie jest to zbyt widoczne, ale portret wykonany jest techniką kolażu: szkło i tynk przechodzą przez warstwę farby olejnej, a nawet przymocowany jest prawdziwy dzwonek do drzwi.
#31 Lew Lagorio – 1,47 mln funtów
Kolejny drobny pejzażysta, z jakiegoś powodu sprzedany za rekordową cenę. Jednym ze wskaźników powodzenia aukcji jest przekroczenie kosztorysu („oceny”) – ceny minimalnej ustalonej przez ekspertów domu aukcyjnego za przedmiot. Wartość tego krajobrazu wyceniono na 300–400 tysięcy funtów, a sprzedano go 4 razy drożej. Jak powiedział jeden z londyńskich aukcjonerów: „Szczęście to gdy dwóch rosyjskich oligarchów konkuruje o ten sam temat.
Nr 32. Wiktor Wasniecow – 1,1 miliona funtów
Bogatyry stały się wizytówką już w latach siedemdziesiątych XIX wieku. Do swojego gwiezdnego tematu powraca, podobnie jak inni weterani malarstwa rosyjskiego, w latach młodej republiki radzieckiej - zarówno ze względów finansowych, jak i po to, by znów poczuć się poszukiwanym. To zdjęcie jest powtórzeniem autora „Ilya Muromets” (1915), który znajduje się w Domu-Muzeum Artysty (przy Prospekcie Mira).
Nr 33. Eric Bulatov – 1,084 mln funtów
Drugi żyjący artysta na naszej liście (powiedział też, że najlepszym sposobem na podniesienie ceny swojego dzieła przez artystę jest śmierć). Swoją drogą to sowiecki Warhol, podziemny i antykomunistyczny. Pracował w gatunku Sots Art, który został stworzony przez sowieckie podziemie, jako nasza wersja Pop Artu. „Chwała KPZR” to jedno z najsłynniejszych dzieł artysty. Według jego własnych wyjaśnień litery tutaj symbolizują kratę zasłaniającą nam niebo, czyli wolność.
Bonus: Zinaida Serebryakova – 1,07 mln funtów
Serebryakova uwielbiała malować nagie kobiety, autoportrety i czwórkę swoich dzieci. Ten idealny feministyczny świat jest harmonijny i spokojny, czego nie można powiedzieć o życiu samej artystki, która po rewolucji z trudem uciekła z Rosji i włożyła wiele energii, aby wydostać stamtąd swoje dzieci.
„Akt” nie jest obrazem olejnym, lecz rysunkiem wykonanym pastelą. To najdroższy rosyjski rysunek. Tak wysoka kwota płacona za grafikę jest porównywalna z cenami rysunków impresjonistów i wywołała ogromne zaskoczenie w Sotheby's, który zaczął handlować za 150 000 funtów i otrzymał milion.
Zestawienie opiera się na cenach podanych na oficjalnych stronach domów aukcyjnych. Cena ta jest sumą wartości netto (wyrażonej w momencie upadku młotka) oraz« Premia kupującego” (dodatkowy procent domu aukcyjnego). Inne źródła mogą wskazywać "czysty» cena. Kurs dolara do funta często się zmienia, dlatego loty brytyjskie i amerykańskie są umieszczone względem siebie z przybliżoną dokładnością (nie jesteśmy Forbesem).
Dodatki i poprawki do naszej listy są mile widziane.
Najbardziej znane i znaczące dla historii sztuki obrazy świata dla Twojej inspiracji.
Nieśmiertelne obrazy wielkich artystów podziwiają miliony ludzi. Sztuka, klasyczna i nowoczesna, jest jednym z głównych źródeł inspiracji, gustu i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a nawet bardziej twórczego.
Obrazów światowej sławy jest z pewnością więcej niż 33. Jest ich kilkaset i nie wszystkie zmieściłyby się w jednej recenzji. Dlatego też, dla ułatwienia przeglądania, wybraliśmy kilka, które są najbardziej znaczące dla kultury światowej i często są kopiowane. Każdemu dziełu towarzyszy ciekawostka, wyjaśnienie znaczenia artystycznego lub historii jego powstania.
Rafaela „Madonna Sykstyńska” 1512
Przechowywane w Galerii Dawnych Mistrzów w Dreźnie.
Obraz skrywa małą tajemnicę: tło, które z daleka wygląda jak chmury, po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że są to głowy aniołów. A dwa anioły przedstawione na poniższym zdjęciu stały się motywem licznych pocztówek i plakatów.
Rembrandt „Straż nocna” z 1642 r
Przechowywane w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Prawdziwa nazwa obrazu Rembrandta to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Krytycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, sądzili, że postacie stoją na ciemnym tle i nazwali go „Nocną Strażą”. Później okazało się, że warstwa sadzy powoduje, że obraz jest ciemny, a akcja tak naprawdę toczy się w dzień. Jednak obraz trafił już do skarbnicy sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.
Leonardo da Vinci „Ostatnia wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
W ponad 500-letniej historii istnienia dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: przez obraz wykonano drzwi, a następnie ułożono drzwi, wykorzystano refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz jako zbrojownię, więzienie i zbombardowany. Słynny fresk był odnawiany co najmniej pięć razy, a ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, należy zarezerwować bilety z wyprzedzeniem, a w refektarzu można spędzić jedynie 15 minut.
Salvador Dali „Trwałość pamięci”, 1931
Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły w Dali na widok sera topionego. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że nikt, kto choć raz obejrzał „Trwałość pamięci”, tego nie zapomni.
Pieter Bruegel Starszy „Wieża Babel” 1563
Przechowywany w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Według Brueghela niepowodzenie budowy Wieży Babel nie wynikało z barier językowych, które zgodnie z historią biblijną nagle się pojawiły, ale z błędów popełnionych w procesie budowy. Na pierwszy rzut oka ogromny budynek wydaje się wystarczająco solidny, ale po bliższym przyjrzeniu się staje się jasne, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierównomiernie, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy dla całego projektu są bardzo smutni.
Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915
Według artysty obraz malował przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć prac nad obrazem w odpowiednim czasie, dlatego musiał zakryć dzieło czarną farbą. Następnie, po uznaniu publiczności, Malewicz namalował nowe „Czarne kwadraty” już na czystych płótnach. Malewicz namalował także obrazy „Plac Czerwony” (dwie kopie) i jeden „Biały Kwadrat”.
Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Obraz namalowany w 1912 roku okazał się wizjonerski. Czerwony koń jest przeznaczeniem Rosji lub samej Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. artysta w ten sposób symbolicznie przepowiedział swoim malarstwem „czerwone” losy Rosji w XX wieku.
Peter Paul Rubens „Gwałt na córkach Leukipposa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.
Obraz „Porwanie córek Leucypa” uważany jest za uosobienie odważnej pasji i cielesnego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety i sadzają je na koniach. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoim kuzynom.
Paul Gauguin „Skąd przybyliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?” 1898
Przechowywane w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.
Pod kierunkiem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z zamysłem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.
Eugene Delacroix „Wolność wiodąca naród”, 1830
Przechowywany w Luwrze w Paryżu
Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 roku Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej dla niej będę pisał”. Naga pierś kobiety prowadzącej lud symbolizuje bezinteresowność ówczesnego narodu francuskiego, który z „nagą klatką piersiową” poszedł do wroga.
Claude Monet „Impresja. Wschodzące słońce” 1872
Przechowywany w Musée Marmottan w Paryżu.
Nazwa dzieła „Impresja, soleil levant” lekką ręką dziennikarza L. Leroya stała się nazwą kierunku artystycznego „Impresjonizm”. Obraz został namalowany z natury w starym porcie Le Havre we Francji.
Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665
Przechowywane w Galerii Mauritshuis w Hadze.
Jeden z najsłynniejszych obrazów holenderskiego artysty Jana Vermeera nazywany jest często północną lub holenderską Mona Lisą. O obrazie wiadomo bardzo niewiele: nie jest datowany, nie jest znane imię przedstawionej dziewczyny. W 2003 roku na podstawie powieści Tracey Chevalier pod tym samym tytułem nakręcono film fabularny „Dziewczyna z perłą”, w którym hipotetycznie przywracana jest historia powstania płótna w kontekście biografii i życia rodzinnego Vermeera .
Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”, 1850 r
Przechowywane w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.
Iwan Aiwazowski to światowej sławy rosyjski malarz morski, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy dzieł, z których każde zyskało uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.
Andriej Rublow „Trójca” 1425–1427
Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najsłynniejszych ikon rosyjskich. Ikona to tablica w formacie pionowym. Carowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „inkrustowali” ikonę złotem, srebrem i drogimi kamieniami. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Rezerwacie Muzealnym Siergijewa Posada.
Michaił Wrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Fabuła obrazu inspirowana jest wierszem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi kwiatami.
William Blake „Wielki architekt” 1794
Przechowywane w British Museum w Londynie.
Nazwa obrazu „Przedwieczny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Przedwieczny”. Wyrażenie to było używane jako imię Boga. Głównym bohaterem obrazu jest Bóg w chwili stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.
Edouard Manet „Bar w Folies Bergère” 1882
Przechowywane w Courtauld Institute of Art w Londynie.
Folies Bergère to paryski program rozrywkowy i kabaret. Manet bywał w Folies Bergère i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośród tłumu pijącego, jedzącego, rozmawiającego i palącego, barmanka pogrążona we własnych myślach obserwuje akrobatę na trapezie, którą widać w lewym górnym rogu zdjęcia.
Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywane w Galerii Borghese w Rzymie.
Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została nadana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno zdobione i pozbawione ozdób” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Kobiety boskie i światowe” (1700), a ostatecznie „Miłość ziemska i Miłość niebiańska » (1792 i 1833).
Michaił Niestierow „Wizja młodzieży Bartłomieja” 1889-1890
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Pierwsze i najważniejsze dzieło z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Artysta do końca swoich dni był przekonany, że „Wizja młodego Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Artysta na starość lubił powtarzać: „To nie ja przeżyję. Przeżyje „Młody Bartłomiej”. Teraz, jeśli za trzydzieści, pięćdziesiąt lat po mojej śmierci będzie jeszcze mówił coś do ludzi – to znaczy, że żyje, co oznacza, że i ja żyję.”
Pieter Bruegel Starszy „Przypowieść o ślepcach”, 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.
Inne nazwy obrazu to „Ślepy”, „Parabola niewidomych”, „Ślepy prowadzący ślepego”. Uważa się, że fabuła obrazu opiera się na biblijnej przypowieści o niewidomych: „Jeśli ślepy prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”.
Wiktor Wasniecow „Alyonushka” 1881
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Podstawą jest bajka „O siostrze Alyonuszce i bracie Iwanuszce”. Początkowo obraz Wasnetsowa nazywał się „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka” – powiedział później sam artysta – „jakby od dawna żyła w mojej głowie, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która uderzyła moją wyobraźnię. Było tak wiele tęsknota, samotność i czysto rosyjski smutek w jej oczach… Emanował z niej jakiś szczególny rosyjski duch”.
Vincenta van Gogha „Gwiaździsta noc” 1889
Przechowywane w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do większości obrazów artysty, „Gwiaździsta noc” została namalowana z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Remy, dręczony napadami szaleństwa.
Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” 1830–1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.
Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 r. n.e. mi. i zniszczenie Pompejów pod Neapolem. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.
Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywane w Muzeum Puszkina w Moskwie
Obraz trafił do Rosji za sprawą przemysłowca Iwana Abramowicza Morozowa, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. znacjonalizowano zbiory osobiste I. A. Morozowa. W chwili obecnej obraz znajduje się w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin.
Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491
Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.
Oryginalny tytuł obrazu to Madonna z Dzieciątkiem. Współczesna nazwa obrazu pochodzi od nazwiska jego właściciela – hrabiego Litty, właściciela rodzinnej galerii sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym nietypowa w manierze autorki poza dziecka.
Jean Ingres „Łaźnia turecka” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Ingres zakończył malowanie tego obrazu, gdy miał już ponad 80 lat. Artysta podsumowuje tym obrazem swoisty rezultat wizerunku kąpiących się, którego tematyka od dawna jest obecna w jego twórczości. Początkowo płótno miało formę kwadratu, jednak rok po jego ukończeniu artysta przekształcił je w okrągły obraz – tondo.
Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie
„Poranek w sosnowym lesie” to obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow, gdy nabył obraz, usunął jego podpis, więc teraz jako autora obrazu wskazany jest tylko Szyszkin.
Michaił Wrubel „Księżniczka łabędzi”, 1900 r
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej
Obraz został namalowany na podstawie scenicznego wizerunku bohaterki opery „Opowieść o carze Saltanie” N. A. Rimskiego-Korsakowa na podstawie fabuły bajki A. S. Puszkina pod tym samym tytułem. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów na premierę opery w 1900 roku, a jego żona zaśpiewała partię Księżniczki Łabędzi.
Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II w postaci Vertumnusa” 1590
Znajduje się w zamku Skokloster w Sztokholmie.
Jedno z niewielu zachowanych dzieł artysty, który wykonał portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumnus” to portret cesarza, przedstawianego jako starożytny rzymski bóg pór roku, roślinności i transformacji. Na zdjęciu Rudolf składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.
Edgar Degas „Niebiescy tancerze” 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.
Degas był wielkim fanem baletu. Nazywany jest artystą baletnic. Praca „Niebiescy tancerze” nawiązuje do późnego okresu twórczości Degasa, kiedy jego wzrok osłabł i zaczął pracować z dużymi plamami barwnymi, przywiązując ogromne znaczenie do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu.
Leonardo da Vinci „Mona Lisa” 1503-1505
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Mona Lisa nie zyskałaby zapewne światowej sławy, gdyby nie została skradziona w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz odnaleziono dwa lata później we Włoszech: złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował, że sprzeda Giocondę dyrektorowi Galerii Uffizi. Przez cały czas trwania śledztwa „Mona Lisa” nie schodziła z okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.
Sandro Botticelli „Narodziny Wenus”, 1486 r
Przechowywany we Florencji w Galerii Uffizi
Obraz ilustruje mit o narodzinach Afrodyty. Naga bogini unosi się na brzeg w otwartej skorupie, niesiona wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (wiatr zachodni) w ramionach swojej żony Chloridy dmucha w muszlę, tworząc wiatr wypełniony kwiatami. Na brzegu boginię spotyka jedna z łask. Narodziny Wenus są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli nałożył na obraz ochronną warstwę żółtka jaja.
Michał Anioł „Stworzenie Adama” 1511
Znajduje się w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.