Pierwszy rosyjski symbolista Michaił Wrubel miał szczególny sposób wykonywania swoich dzieła sztuki, dlatego jego obrazy trudno pomylić z dziełami innych artystów. Każdy, kto znał artystę i jego przyjaciół, zwracał uwagę na szczególny temperament i niepowtarzalny charakter mistrza, co znalazło odzwierciedlenie w jego wspaniałych dziełach. Przyjrzyjmy się bliżej twórczości wielkiego rosyjskiego artysty i przedstawmy galerię najbardziej znane obrazy Michaił Wrubel.
Trochę biografii i cech kreatywności...
Portret Vrubela
Wrubel Michaił Aleksandrowicz urodził się w 1856 roku w mieście Omsk i już w wieku 10 lat mała Misza wykazywała zdolności artystyczne, w tym rysunkowe. Ani jego bliscy, ani on sam nie myśleli, że zostanie artystą, ale już jego pierwsze szkice i szkice świadczyły o jego ogromnym potencjale twórczym.
Z czasem, studiując w Akademii Sztuk, Vrubel opracował coś specjalnego styl artystyczny jak to mówią, własne pismo. Fakt, że głównym bohaterem jego dzieł był demon, zrodził wiele plotek, że artysta zaprzedał duszę diabłu, a kiedy mieszkaniec inny świat ujawnił mistrzowi swoje prawdziwe oblicze, Michaił Wrubel stał się ślepy i szalony.
Artysta dużo podróżował, wyobraźmy sobie więc chwile wglądu mistrza i malowania w czasie i przestrzeni.
Okres kijowski. 1880-1889
Artysta w ciągu pięciu lat swojego życia w Kijowie wykonał ogrom pracy, ale co najważniejsze, potrafił dotknąć i przyswoić sobie początki malarstwa rosyjskiego.
W chórze kościoła Cyryla, namalowanym przez samego Vrubela, namalował monumentalny fresk „Zstąpienie Ducha Świętego na Apostołów”. Mistrzowi udało się trafnie połączyć korzenie bizantyjskiego stylu malowania ikon z własnymi badaniami portretowymi.
Do malowania postaci apostołów i Matki Bożej artysta użył prawdziwe prototypy ludzie, z którymi komunikowałem się mieszkając w Kijowie.
Ikona namalowana przez Vrubela dla ikonostasu kościoła św. Cyryla gloryfikowała artystę i stała się Punkt wyjścia na swojej drodze twórczej.
Jak zauważają eksperci, ikona została wykonana zgodnie ze wszystkimi kanonami ikonografii chrześcijańskiej, ale Vrubel nadał jej portretową wyrazistość i niezwykłość.
Krążyły pogłoski, że mistrz potajemnie zakochał się w żonie swojego klienta, krytyku sztuki Adrianie Prachowie, i to ona, Emilia i ich najmłodsza córka patrzyły z ikony na parafian kościoła.
W zbiorze twórczym artysty znajduje się wiele autoportretów, ale ten, namalowany podczas pobytu w Kijowie, najtrafniej oddaje cechy charakteru i aspiracje mistrza.
Grafika zajmowała szczególne miejsce w twórczości i właśnie w ten sposób powstał autoportret. Celowe, ale nieco intensywne spojrzenie symbolizuje, że artysta wciąż jest obecny kreatywne poszukiwania, wciąż poszukuje własnego, szczególnego sposobu przekazywania rzeczywistości na płótnie i w rzeźbie.
Rozmyte kontury również wskazują na poszukiwania młodego artysty, ale w pewnie narysowanych ołówkowych liniach można już wyczuć zdecydowaną rękę mistrza.
Wracając do Kijowa po podróży do Włoch, Vrubel ponownie pogrążył się w kreatywności, a jeden z kijowskich przedsiębiorców zlecił mu namalowanie portretu swojej córki.
Vrubel jak zawsze podszedł do sprawy szczegółowo i wykonał portret w sposób, który eksperci nazywają „portretem fantastycznym”. I tutaj sprzeczna natura artysty jest w rękach dziewczyny piękne róże, a obok niego ostry sztylet.
Latem 2018 roku Ukrposzta wydała znaczek o nominale 5 hrywien, na którym widnieje obraz artysty i podpis: „Wrubel Michajło Oleksandrowicz”.
Moskwa. 1890-1902
To właśnie w Moskwie najsłynniejszy obraz powstał pod wpływem twórczości Michaiła Lermontowa.
Siedząc w otoczeniu niezwykłych kwiatów Demon ze skrzyżowanymi ramionami patrzy smutno w dal. Pracując nad ilustracją dzieł M. Lermontowa, Vrubelowi udało się trafnie oddać obraz bohatera literackiego. Wcielony w swojego Demona cechy ludzkie, wewnętrzne sprzeczności, hartu ducha i ciągłych wątpliwości.
Wydaje się, że wykonany na płótnie obraz Demona ostatecznie potwierdza, że wątpiący mistrz odnalazł swój własny, specyficzny styl.
Dla miłośników podziemnego świata i podróży - nasz materiał.
Vrubel żył w kulturze rosyjskiej i znajdował w niej inspirację. Obraz „Księżniczka łabędzi” powstał pod wpływem opery Mikołaja Rimskiego-Korsakowa na podstawie baśni Aleksandra Puszkina.
Artysta pracował nad scenografią do spektaklu, a jego pierwsza żona wcieliła się w księżniczkę. Wizerunek księżniczki Vrubela jest smutny i tajemniczy, zawiera wielką symbolikę, a samo dzieło jest prawdziwą perłą jego twórczej kolekcji.
Obraz jest daleki od obrazu scenicznego, ponieważ Vrubel ucieleśnia w obrazie całą dwoistość istoty łabędzia - pragnienie nieba, czegoś jasnego i pragnienie ciemne wody głębiny morskie.
To nie jest obraz, ale ilustracja do dzieła Michaiła Lermontowa „Demon”. Ale pod względem artystycznego wykonania i renderowania obrazów ta ilustracja plasuje się na pierwszym miejscu ważne miejsce w twórczości artysty.
Wykonana czarną akwarelą ilustracja oddaje całą tragedię randki Demona z Tamarą, a początkowa choroba artysty jest już widoczna w nastroju obrazu.
Na wszystkich ilustracjach Demon jest w jednej niezmienionej pozie, „upadły anioł”, który mocno zadomowił się w świecie ciemne siły. Ale Tamara zawsze przybiera różne pozy, co artystka podkreślała wątpliwości co do jej wyboru - między niebiańskim a ziemskim.
Odchodząc od wizerunku demona, Vrubel ze swoją charakterystyczną pasją zaczął pisać bajki.
Obraz ten uważany jest za najsłynniejszy panel w stolicy Rosji, a został napisany przez artystę na podstawie dramatu Edmonda Rostanda. W tym czasie namalował dwa płótna, które miały być wystawione na wystawie przemysłowej w Niżny Nowogród. Komisja nie pozwoliła jednak na ich obejrzenie.
Savva Morozov chciał ratować sytuację, wystawiając we własnym pawilonie „Księżniczkę snów” i „Mikułę Selyaninowicza”, jednak publiczność przyjęła obrazy z wrogością.
Niedokończony obraz Michaiła Vrubela stał się dla artysty powrotem po 8-letniej przerwie do tematu Demona.
Sama praca wykonana jest w ciemnej, ponurej kolorystyce. Demon nosi brązową tunikę przewiązaną paskiem. Szybował nad górami Kaukazu i rzeką, ale większość szczegółów nie została narysowana, więc ostateczny plan nie jest jasny.
Demon leci, tak jak sam artysta chciał latać, ale po sposobie i ciemnych kolorach obrazu widać, że Vrubel był już bardzo chory. A symbolika objawiała się w swojej niekompletności...
W 1901 r. Nadieżda Zabela i Michaił Wrubel urodzili syna, któremu nadano imię Savva. Chłopiec silny fizycznie i zdrowy, miał wadę - rozszczep wargi.
Malarz obwiniał za to tylko siebie, ale przerywając pracę nad „Pokonanym demonem” stworzył portret Sawwuszki. Patrzy na nas ze zdjęcia twarz dziecka, ale zniekształcony strachem i poważnym spojrzeniem.
Do opisu obrazu zawsze dołączona jest wzmianka, że narodziny syna z „rozszczepioną wargą”, a przede wszystkim jego nagła śmierć w 1903 r. rok, - jeszcze więcej pogrążyło artystę w depresji.
Ostatnie prace
Pomysł napisania tej historii zrodził się już w 1899 roku, a wstrząsy życiowe i postępująca choroba ostatecznie utwierdziły autora w słuszności swojego wyboru, a w 1902 roku Vrubel ukończył swoje płótno.
Piękne tło obrazu to górski krajobraz skąpany w świetle szkarłatnego zachodzącego słońca, a na pierwszym planie postać pokonanego demona. Wydaje się, że utknął pomiędzy górną a dolną krawędzią obrazu i nie może uciec.
Wystawiony w Petersburgu na wystawie World of Arts obraz wywołał prawdziwą sensację, a pierwsi widzowie obserwowali, jak autor przepisuje swoje płótno.
Ostatnia wielkoformatowa praca malarza, stworzona na ścianach szpitala przez V.P. Serbsky, stał się szczytem jego twórczości.
Ta synteza jasnych kolorów i ekspresji została w pełni ujawniona potencjał twórczy i mistrzostwo malarstwa. Spojrzenie Serafina emanuje pewnością siebie i nadzieją, a miecz i lampa w rękach anioła są żywymi symbolami walki przeciwieństw.
To wspaniałe dzieło Vrubela znane jest również pod innymi nazwami - „Azrael”, a także „Anioł z mieczem i kadzielnicą”.
Portret ten powstał dzięki temu, że Vrubel, który całkowicie stracił kontakt z rzeczywistością, mógł malować w krótkich chwilach oświecenia.
Sam rosyjski poeta pozował artyście rano, a nieco później do sali szpitalnej przyszedł artysta Walentin Sierow i wieczorami namalował portret samego Vrubela.
W tym samym czasie z pędzli dwóch wielkich rosyjskich artystów wyszły dwa portrety - poety Walerego Bryusowa i malarza Michaiła Vrubela.
Ciekawe fakty z życia Michaiła Vrubela...
- Vrubel rozpoczął pracę nad wizerunkiem Demona jeszcze podczas malowania kościoła św. Cyryla. Ujawniło to sprzeczną naturę artysty. Rysując jasne wizerunki aniołów na ikonach, w warsztacie rysuje szkice demonów.
- W trakcie pracy nad dziełem artysta często się zmieniał oryginalny plan. Tak pojawiły się wizerunki morskich księżniczek na obrazie „Perłowa muszla”.
- Raczej smutny fakt, ale udręka psychiczna i tragedie życiowe, ostatecznie doprowadził Vrubela do azyl psychiczny. Swoją karierę rozpoczął od namalowania kościoła św. Cyryla, który stoi na terenie szpitala, w szpitalu i zakończył swoją życiową podróż.
- Obraz „Pokonany demon” był już w galerii wesoły, a artysta przyszedł i na nowo napisał swojego pokonanego demona.
- Za życia nie dał się poznać jako artysta, ludzie śmiali się z jego dzieł. Ale pewnego dnia zrobili to jego przyjaciele-artyści duża wystawa jego obrazy... Vrubel został rozpoznany, ale było już za późno, był już poważnie chory.
- Wieczorem przed śmiercią Vrubel otworzył okno i wdychając mroźne powietrze, powiedział: „Jedziemy do Akademii!” Następnego dnia w Akademii Sztuk Pięknych rozpoczęły się nabożeństwa żałobne w intencji artysty, a w całej okolicy rozległy się lamenty pogrzebowe.
Vrubel zmarł w 1910 roku, a naukowcy i historycy sztuki wciąż spierają się o jego miejsce w sztuce rosyjskiej i światowej. Ale jedno jest pewne – Michaił Aleksandrowicz Wrubel niczym kometa przetoczył się przez życie, pozostawiając swój wyjątkowy i jasny ślad na horyzoncie kultury rosyjskiej i światowej.
Otoczony ludźmi przez całe życie pozostawał sam, przechodząc drogę od pustelnika-alchemika do proroka, swoją twórczością znacznie wyprzedzającą swoje czasy, przepowiadając na swoich obrazach niektóre wydarzenia z własnego życia.
Michaił Aleksandrowicz Wrubel (5 marca 1856 r., Omsk, obwód Kirgizji Syberyjskiej, Imperium Rosyjskie– 1 kwietnia 1910 w Petersburgu) – artysta rosyjski przełom XIX-XX wieków, pracując w prawie wszystkich typach i gatunkach Dzieła wizualne: malarstwo, grafika, rzeźba dekoracyjna i sztuka teatralna.
Biografia Michaiła Vrubela
Wrubel Michaił Aleksandrowicz urodził się w rodzinie oficera, który często przenosił się z miasta do miasta: Omsk, Astrachań, Petersburg, Saratów, Odessa i ponownie Petersburg, gdzie Vrubel spędził lata dzieciństwa. W wieku trzech lat zmarła matka Vrubela, ale jego macocha okazała się miła i kochająca, a dzieciństwo chorowitego chłopca było szczęśliwe. Wśród dorosłych i dzieci Vrubel był ulubieńcem wszystkich; od 5 roku życia uczył się w szkole rysunku, w wieku 7 lat uczęszczał do szkoły Towarzystwa Zachęty Sztuk Pięknych w Petersburgu. W 1874 roku, po ukończeniu gimnazjum, wstąpił Dział prawny na Uniwersytecie w Petersburgu i uczęszczał na wieczorowe zajęcia na Akademii Sztuk Pięknych. W 1879 roku, po ukończeniu uniwersytetu, Vrubel wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie przebywał przez cztery lata.
Dostrzeżono wybitny talent Vrubela, który w 1884 roku otrzymał zaproszenie do Kijowa w celu renowacji starożytnych fresków i wykonania nowych kompozycji w kościele św. Cyryla (XII w.). W latach 1884–1885 Vrubel spędził około sześciu miesięcy w Wenecji, gdzie studiował twórczość mistrzów Quattrocento (XV w.) związanych z tradycja średniowieczna i namalował cztery ikony do ikonostasu kościoła św. Cyryla w Kijowie. Praca ta wzbogaciła jego talent do koloru i pomogła mu lepiej zrozumieć zadania malarstwa. W 1891 roku Vrubel zbliżył się do kręgu artystów i muzyków skupionych wokół S.I. Mamontowa. Vrubel mieszkał w jego domu i pracował jako rzeźbiarz, monumentalista i dekorator teatralny, tworząc ogromną liczbę dzieł.
Twórczość Vrubela
Dzieło Michaiła Aleksandrowicza Wrubela jest jednym z najważniejszych i tajemnicze zjawiska Sztuka rosyjska końca XIX wieku. Wielkie umiejętności, tragedia, bohaterski duch i wyjątkowy prezent dekoracyjny sprawiają, że Vrubel jest artystą wszechczasów. Żyjąc wiecznie we własnym świecie, niedostępnym dla zrozumienia innych, Vrubel był w stanie odtworzyć swój złożony świat w obrazach jego niezwykłej sztuki, a obrazy te stały się jednym z najważniejszych kamieni milowych kultury rosyjskiej przełomu wieków.
Artysta rozwinął wątki dobra i zła, sprzeczności ludzkiego ducha i okazał się bliski wielkiemu poecie.
Vrubel malował obrazy na tematy rosyjskich baśni i oper N.A. Rimski-Korsakow („Księżniczka morska”, „Trzydziestu trzech bohaterów” itp.). Żywa wyobraźnia i głębokie zrozumienie istoty ludzka egzystencja zrodziły takie obrazy jak „Księżniczka łabędzi”, „W stronę nocy”, „Pan”.
Patelnia 
Krytyk sztuki N.M. Tarabukin pisał o zdolności Vrubela do „sprawiania, że płótno bawiło się jak klejnot poprzez zestawianie kolorowych plam”, a kolor dał początek formie.
I. Grabar uważał, że Vrubel „zajmuje wyjątkowe miejsce w sztuce rosyjskiej. Nie miał poprzedników w Rosji i nie pozostawił naśladowców”.
Ostatnim dziełem Vrubela był „Portret V.Ya. Bryusowa. (1906), niezwykle wyrazisty. Obsesja na punkcie pracy doprowadziła do choroby psychicznej i umieszczenia w szpitalu, gdzie Vrubel zmarł.
A. Blok powiedział na pogrzebie Vrubela: „Mogę tylko drżeć na myśl o tym, co Vrubel i inni mu podobni ujawniają ludzkości raz na sto lat. Nie widzimy światów, które oni widzieli.”
Vrubel zautomatyzował rzeczywistość w malarstwie, podzielił świat i zobaczył w nim drugie dno, niezrozumiałe i demoniczne.
Obrazy Vrubela prawie zawsze niepokoją duszę, chociaż oczy jego Demona i Księżniczki Łabędzi są piękne i duchowe.
Te postacie z obrazów Vrubela, którym poświęcona jest cała sala w Galerii Trietiakowskiej, są chyba najbardziej znane. Artysta symbolistyczny kochał bajki, mityczne obrazy, ich milczenie i tajemniczość, dwuznaczność.
Blok na grobie Vrubela powie: „On sam był demonem, pięknym upadłym aniołem, dla którego świat był nieskończoną radością i niekończącą się udręką…”
Vrubel na ogół uwielbiał takie twarze - zamyślone, ze piętnem zagłady lub ekstatyczne, odurzone transem. Jednocześnie, tworząc swoje arcydzieła - płótna, panele dekoracyjne, rzeźby, freski, Vrubel rzadko był z nich zadowolony. Ale artysta nie był usatysfakcjonowany duchową treścią swoich obrazów.
Z natury perfekcjonista, wiązał ze sztuką duże nadzieje. Vrubel uważał, że malarstwo powinno mieć wysoką misję.
W 1902 roku słynny psychiatra Władimir Bechterew zdiagnozował u Vrubela chorobę ostrą zaburzenie psychiczne. Nieuleczalna choroba zawiózł artystę do kliniki, pozostało mu osiem lat życia.
Doktor Fiodor Usolcew, który leczył Vrubela, wspominał, że nawet w bolesnym podnieceniu, pomieszaniu myśli i uczuć Vrubel tworzył - rzeźbił dziwne postacie z gliny, malował.
Sztuka była oddechem i myśleniem Vrubela. Ale gdy tylko posłuchałeś jego pozornie niespójnych przemówień, zaczęła się w nich pojawiać logika, znaczenie i uczucia.
Nawiasem mówiąc, psychiatrzy Usoltsev i Vvedensky zebrali kolekcje obrazów Vrubela, które zostały pokazane publiczności w 1955 roku.
Vrubel zachłannie zwiedzał świat: podróżował – by później powiedzieć: „Ile piękna mamy na Rusi!”, próbował swoich sił w różne rodzaje sztuki, odrestaurował malowidła kopuły Hagia Sophia w Kijowie, był architektem. Zaprojektował fasadę domu Sawwy Mamontowa przy ulicy Sadowo-Spasskiej w Moskwie w 1891 roku.
Życie to podróż na zewnątrz i w głąb siebie, mógłby powiedzieć Vrubel. Jego niepokojąca i skupiona na sobie twórczość przywołuje głębiny ducha i jego otchłanie.
W Omsku.
Jego ojciec był oficerem bojowym, uczestnikiem kampanii krymskiej, później został prawnikiem wojskowym. Przodkowie Vrubela ze strony ojca pochodzili z pruskiej Polski. Matka Vrubela zmarła, gdy chłopiec miał trzy lata, a gdy miał siedem lat, jego ojciec ożenił się ponownie z pianistą z dobrą szkołą.
Ze względu na służbę ojca rodzina Vrubelów stale się przeprowadzała, mieszkając na przemian w Omsku, Astrachaniu, Petersburgu, Saratowie, Odessie i ponownie w Petersburgu.
W 1874 r. Michaił Vrubel, po ukończeniu szkoły średniej, wstąpił na wydział prawa Uniwersytetu w Petersburgu, jednocześnie uczęszczając na zajęcia wieczorowe w Akademii Sztuk Pięknych.
W 1879 r. Vrubel ukończył uniwersytet ze złotym medalem, po czym odbył służbę wojskową, otrzymując stopień bombardiera rezerwowego. Jesienią 1880 roku został przyjęty jako wolontariusz do Akademii Sztuk Pięknych. Wśród rysunków akademickich Vrubela wyróżniają się akwarele „Zaręczyny Maryi i Józefa” (1881) i „Model w scenerii renesansowej” (1883).
W 1884 r. Michaił Wrubel opuścił akademię i za namową słynnego krytyka sztuki Adriana Prachowa udał się do Kijowa, aby wziąć udział w restauracji starożytnych malowideł w kościele św. Cyryla.
Aby namalować ikonostas, Vrubel udał się do Wenecji (1884-1885). Nie mając wcześniejszego doświadczenia w pracy w gatunku monumentalnym, w ciągu roku artysta stworzył dla kościoła Cyryla kompozycje „Zstąpienie Ducha Świętego na Apostołów” w chórze i „Lamentacja” w niszy przedsionka, wizerunki prorok Mojżesz i „Aniołowie z labarum” (trzej aniołowie nad ciałem Chrystusa), ikonostas (obrazy Chrystusa, Matki Boga z Dzieciątkiem, świętych Cyryla i Atanazego z Aleksandrii). Vrubel dodał także, imitując mozaikę, jednego z aniołów w kopule Katedra św. Zofii, wykonał ozdoby na filarach katedry Włodzimierza w Kijowie. Szkice Vrubela dla katedry Włodzimierza (odmiany wątków „Lament nagrobny” i „Zmartwychwstanie”) nie zostały zrealizowane.
W 1889 roku artysta przeniósł się do Moskwy, gdzie zbliżył się do słynnego filantropa Savvy Mamontova i został członkiem koła artystycznego Abramcewo. W tym okresie Vrubel stworzył panele „Wenecja” (1893), prace sztalugowe„Hiszpania” (ok. 1894 r.) i „Wróżka” (1895 r.). Brał udział w projektowaniu oper kompozytora Nikołaja Rimskiego-Korsakowa „Sadko” (1897), „Narzeczona cara” (1899), „Opowieści o carze Saltanie” (1900), wystawianych w Moskiewskiej Prywatnej Operze Rosyjskiej Savvy Mamontowa . Dla pracowni ceramicznej Abramcewo tworzył szkice detali architektonicznych i rzeźb majoliki - „Egipcjanka”, „Mizgir”, „Kupava” (1899‒1900). Vrubel brał także udział jako architekt przy projekcie elewacji domu Savvy Mamontova przy ulicy Sadowo-Spasskiej w Moskwie (1891).
Jednym z głównych tematów twórczości artysty był temat Demona, który rozpoczął się od „Siedzącego demona” (1890), był kontynuowany ilustracjami do wiersza Michaiła Lermontowa pod tym samym tytułem i zakończył się „Pokonanym demonem” ( 1902).
Vrubel pracował także jako ilustrator dzieł Aleksandra Puszkina, Williama Szekspira, Edmonda Rostanda, Johanna Goethego, Anatola France’a, języka rosyjskiego epicka epopeja i mitologii starożytnej.
Prace Vrubela były wystawiane na wystawach stowarzyszeń Świat Sztuki (1898-1903) i Związku Artystów Rosyjskich (1903-1910).
Od 1902 r. Michaił Wrubel cierpiał na chorobę psychiczną i leczył się w klinikach psychiatrycznych. W okresach remisji stworzył szereg obrazów i rysunków z życia - „Drzewo przy płocie” (1903–1904), portret Fiodora Usolcewa (1904), „Po koncercie. Portret N.I. Zabeli-Vrubela” (1905). ), portret poety Walerego Bryusowa (1906) itp.
W latach 1905–1906 Vrubel stworzył szkice akwarelowe „Głowa Jana Chrzciciela”, „Jan Chrzciciel” i ostatni kawałek— „Wizja proroka Ezechiela”.
W listopadzie 1905 roku artysta otrzymał tytuł akademika.
W 1906 roku Vrubel całkowicie stracił wzrok. Ostatnie lata życia spędził w klinice doktora Bari na Wyspie Wasiljewskiej w Petersburgu.
14 kwietnia (1 kwietnia, w starym stylu) 1910 roku zmarł Michaił Wrubel. Pochowany na cmentarzu Klasztor Nowodziewiczy W Petersburgu.
W 1995 roku imię artysty nadano Państwowemu Muzeum Sztuk Pięknych w Omsku.
Był żonaty ze śpiewaczką Nadieżdą Zabelą (1868-1913). W 1901 roku mieli syna Savvę, który zmarł w 1903 roku na płatowe zapalenie płuc.
Materiał został przygotowany w oparciu o informacje z RIA Novosti oraz źródła otwarte
Jak artysta Vrubel powstał szybko. Do sztuki przyszedł już jako dorosły, wykształcona osoba. Michaił Wrubel nie miał ani uczniów, ani naśladowców, którzy utworzyli szkołę. Przez całe życie odniósł sukces, ale w tym czasie artysta był już beznadziejnie chory i nie potrzebował zaszczytów. Przez długi czas utwierdzało się w nim wyobrażenie o nim jako o osobie dziwnej i niezrównoważonej. Dla Vrubela ważne było twórcze życie, a nie tworzenie sztuki. Zaskoczył przyjaciół swoimi absurdalnymi z ich punktu widzenia wybrykami: w stanie braku równowagi mógł pisać piękne zdjęcie, nad którym długo i ciężko pracował, z pozbawionym znaczenia wizerunkiem jeźdźca cyrkowego; w przypływie złości podarł piękne akwarele i wyrzucił wspaniałe szkice. Cenił nie tyle wynik, co siebie kreatywna praca, proces, moment artystycznego wglądu. Wszechstronnie wykształcony, znał kilka języków europejskich, zawsze schludnie, a nawet elegancko ubrany, uprzejmy i taktowy, choć czasami potrafił patrzeć z góry na swojego rozmówcę, Vrubel prawie przez całe życie był biedny, czasem zostawał z pięcioma kopiejkami w kieszeni lub ledwo utrzymywał się na utrzymaniu niewielkie wynagrodzenie otrzymywane za lekcje rysunku. Miał bolesną świadomość niesprawiedliwości, ale nie dążył specjalnie do sukcesu, nie interesował się sprawami artystycznymi, nawet nie chodził na wystawy. Ale jednocześnie zraniona duma zmuszała go czasami do rzucania obraźliwych słów w twarz przyjaciołom-artystom, którzy przebaczali swojemu przyjacielowi, interpretując jego słowa jako kaprys chorego geniusza. Ze swojego życia sam Vrubel stworzył legendę. Jest to cecha nieodłącznie związana z osobowością romantyczną. Pragnął osiągnięć mocne wrażenia, duże wydarzenia. Życie wewnętrzne pełen konfliktów, wstrząsy, jakby jego życie zewnętrzne się trzęsło. Kręgi odbiegające od jego wewnętrznego napięcia docierały nie tylko do wszystkich codziennych okoliczności życia, ale przenikały w głąb każdego dzieła. Ręką artysty zdawało się kierować jego wewnętrzny ból, jego duchowa walka. Ruch ręki stał się bezpośrednim wyrazem ruchu duchowego.
W samej naturze twórczości Vrubela, w systemie jego myślenia artystycznego można odnaleźć liczne przejawy koncepcji romantycznej kreatywność artystyczna. Vrubel był być może pierwszą postacią rosyjskiej kultury artystycznej, która zapoczątkowała ruch w stronę symboliki. W koniec XIX V. kultura artystyczna Rosja przeżywała okres kształtowania się nowego stylu (w Rosji nazywano go „nowoczesnym”). Język malarstwa w tym stylu nabył wyraźnych cech dekoracyjnych, solidnej podstawy linearno-strukturalnej, a ponadto podporządkował swoje odkrycia nie tylko obrazowi, ale także przemianie natury. W Rosji Vrubela można uznać za twórcę tego stylu.
Wraz z Vrubelem zadomowił się w sztuce rosyjskiej nowy typ artysta - artysta uniwersalny. Vrubel malował obrazy i duże panele, malował ściany świątyni i wykonywał witraże, tworzył ilustracje i znaki książkowe, zajmował się dekoracją teatralną i sztuka stosowana, rzeźbę i architekturę, wykonywał nawet szkice grzebieni i malowidła na bałałajkach w Talashkinie (posiadłość księżniczki Tenishevy).
Głowa demona (tynk malowany) (1890)
Głowa lwa libijskiego (maska z dużym reliefem) (1892)
Sadko (szkic naczynia, majolika) (1899)
Michaił Aleksandrowicz Wrubel (1856-1910) urodził się w rodzinie wojskowej i spędził dzieciństwo w różne miasta- w Omsku, Astrachaniu, Petersburgu, Saratowie, Odessie. Po ukończeniu gimnazjum klasycznego przez 5 lat studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu i dopiero wtedy, w 1880 r., wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Już w latach przedakademickich obudziło się w nim zainteresowanie sztuką, które pojawiło się w niektórych rysunkach, które świadczyły o niezwykłym charakterze jego talentu. W Akademii szczęście uśmiechnęło się do Vrubela - zwrócił na niego uwagę P.P. Chistyakov, który kształcił prawie wszystkich najlepsi malarze ostatnia trzecia XIX w. Tymczasem Vrubelowi nie udało się ukończyć Akademii. Został powołany przez A.W. Prachowa, historyka sztuki i archeologa, który w tym czasie nadzorował malowanie katedry Włodzimierza, do pracy w Kijowie jako muralista.
Vrubel spędził pięć lat (1884-1889) w Kijowie, sporadycznie wyjeżdżając tam, zwłaszcza do Włoch. W Kijowie Vrubel wyraźnie manifestuje się w malarstwie monumentalnym i sztalugowym oraz grafice. Już wtedy ukształtował się jego system figuratywno-obrazowy, już wtedy odkrył w sobie głód kategorii symbolicznych, a w swojej sztuce skuł zasadę nowego stylu.
W czasie studiów twórczość artysty w naturalny sposób dzieliła się na dwie linie - jedna prowadziła do tradycyjnych obrazów akademickich (np. „Uczta Rzymian”), druga pobudzała niezależną twórczość: malował akwarelowe portrety znajomych, malował akwarelową kompozycję w swoim własny warsztat (podzielił się nim z przyjaciółmi Serowem i Dervizem). Następnie zaczął malować obraz, którego nie ukończył („Hamlet i Ofelia”) i powrócił do fabuły którego pięć lat później.
Autoportret (1882)
Ucztowanie Rzymian (1883)
Hamlet i Ofelia (1884)
Eksperymenty te nie przyniosły większego sukcesu. Ale w tych latach rozwinęła się pozycja artystyczna Vrubela. Wraz z przyjaciółmi po raz pierwszy doświadczył wpływu Repina i skorzystał z jego rad. Ale on twórczy temperament nie pozwalały mu pozostać w ramach postaw twórczych charakterystycznych dla starszych wędrowców. W swojej poważnej, przemyślanej pracy akwarelowej nad portretami i kompozycjami Vrubel poszukiwał tego, co nazywał „pełną miłości rozmową z naturą”. To stanowisko ujawniło się artyście nowy sposób.
Ta nowa droga zaczęła przynosić prawdziwe owoce podczas pracy w kościele św. Cyryla w Kijowie, gdzie Vrubel musiał odnowić stare malowidła freonowe z XII wieku. a w niektórych miejscach tworzą nowe kompozycje; artysta zetknął się twarzą w twarz z ogromnymi płaszczyznami ścian i sufitów. Rozmnażał się scena główna jego obraz „Zejście Ducha Świętego” na sklepieniu chóru bez kartonu, według małego szkicu, zachowując się jak stary mistrz, nie wiadomo skąd, zyskując pewność i siłę renesansowego artysty. Vrubel martwił się wówczas stylem bizantyjskim; widział go główna cecha obserwując płaszczyznę, na którą nałożony jest obraz, dlatego przywiązywał szczególną wagę do wzoru, rytmu fałd i ogólnego zdobienia powierzchni. Starał się przeniknąć istotę dawnego stylu, ale jednocześnie unowocześnił swoich bohaterów. Artysta najlepiej zinterpretował średniowieczne dziedzictwo w scenie „Tombstone Lament”, gdzie głównym środkiem obrazowania stały się miękkie rytmy i gładkie linie.
Dziewica i Dzieciątko. Cerkiew Kiriłowska. Kijów (1885)
Zesłanie Ducha Świętego
Po pierwszym monumentalnym doświadczeniu miało nastąpić drugie. W Kijowie dobiegała końca budowa dużej katedry Włodzimierza, która miała być malowana. Na te obrazy zapraszani są już doświadczeni mistrzowie - Wiktor Wasniecow i artyści akademiccy, bracia Swiedomski i Notarbinski. Vrubel, za namową Prahova, również zaczął pracować nad szkicami. Okazały się jednak na tyle niezwykłe, że przestraszyły klientów. Jedyne, co powstało ze szkiców Vrubela, to projekty ozdób, złożone z elementów organicznego świata kwiatów, liści, ptaków i kobiecych twarzy. Ozdoby Vrubela są niezwykle typowe dla stylu secesyjnego - wygięte linie, splecione łodygi roślin, rozproszone iskierki pawich piór.
Wskrzeszenie. Szkic obrazu katedry Włodzimierza. Kijów
Sam Vrubel przywiązywał dużą wagę do swoich ozdób, ale znacznie większe nadzieje wiązał z kompozycjami fabularnymi. Przede wszystkim pracował nad dwoma tematami – „Nagrobkiem” i „Zmartwychwstaniem” (1887). Szkic „Lament nagrobny”, wykonany czarną akwarelą, ukazujący zamrożony, zatrzymany ruch Matki Bożej nad ciałem Chrystusa, oczyszczony ze szczegółów, specyficznych znaków czasu i przestrzeni, ucieleśnia ten szkic wieczny temat smierci. Tragiczne uczucie uwalnia się od przeciążenia. Postacie wydają się unosić w pozbawionej powietrza przestrzeni. Ich eteryczność podkreśla zimne światło, które przekształca scenę.
Lament pogrzebowy
Lament pogrzebowy (opcja)
Zainteresowanie mistycznym światłem, które przemienia rzeczywistość, pojawiło się w całej twórczości Vrubela w latach 80. Wszystko nabiera kształtu w Kijowie systemu artystycznego Vrubel. W graficznych autoportretach tamtych czasów, w rysunkach przedstawiających sceny z życia codziennego prawdziwe życieświatło działa jako środek dramatyzujący obraz artystyczny. Czasami wydaje się, że ma prawdziwe źródło, czasami wylewa się znikąd, losowo wyrywając przedmioty lub części postaci.
Portret starszej pani Knorre Knitting (1883)
Martwa natura. Tkaniny (1884)
Salieri wlewa truciznę do kieliszka Mozarta (1884)
Jednocześnie Vrubel opracował inne sposoby przekształcania rzeczywistości. W swoich pracach skłania się ku zdobniczej strukturze, która przejawia się zarówno w malarstwie, jak i grafice. Jedna z pierwszych pełnoprawnych i ukończonych obrazy Vrubel stała się „Dziewczyną na tle perskiego dywanu” (1886). Ze względu na piękno ozdobnego początku Vrubel ucieka się do inscenizacji sceny. Modelką artysty była córka właściciela sklepu z antykami. Vrubela przyciągnęła różnorodność dywanu, jasność sukni i samo wyposażenie antykwariatu z jego magicznym urokiem antyków.
Dziewczyna na perskim dywanie (1886)
Ozdobizm w grafice rozwija się na swój sposób. Vrubel natychmiast zaczął rysować na swój sposób. Do jego zadań należało nie tylko przedstawienie przedmiotu czy figury, ale także organizacja płaszczyzny arkusza, sprowadzenie tych elementów do określonej struktury. Głównym osiągnięciem tej konstrukcji było rytmiczne powtarzanie niektórych elementów graficznych - równoległych kresek, cieniowanych płaszczyzn, przecinków. Ozdoba nie kolidowała z fotografowanym obrazem.
W latach 80 Vrubel często nie musiał pracować nad obrazami wykonanymi przez farby olejne, czyli w technice, w jakiej miał w przyszłości tworzyć większość swoich arcydzieł. Ale już wtedy zrodziły się w nim pomysły na przyszłe obrazy programowe i nawet wtedy pomysły te powstawały w sposób bolesny i złożony. Pracuje nad wizerunkiem Chrystusa, przez wiele lat pielęgnuje obraz Demona, podejmuje się obrazu o nim, pisze i przerabia wielokrotnie. Wreszcie pod koniec dekady powraca do „Hamleta i Ofelii”, czyniąc Hamleta bratem swojego jeszcze niespełnionego Demona. Z takimi myślami wkracza w najważniejszą dekadę swojej twórczości – lata 90-te.
Hamlet i Ofelia (1888)
Od 1889 do 1902 r Twórczość Vrubela przeżywa swój największy rozkwit, czas dojrzałości. To właśnie w tym czasie los pozwolił na pełny rozwój talentu artysty. W 1902 roku przyszła choroba i Vrubel musiał wycofać się z aktywnej twórczości, choć częściowej prace graficzne osiągnął wysoką doskonałość. To było w latach 90-tych. Ujawnił się uniwersalizm artysty. W tym samym czasie zrealizowano temat Demona, który towarzyszył Vrubelowi przez prawie całe życie.
Pierwszy „Demon” został ukończony w 1890 roku. Stało się praca centralna artysta, zbierający w sobie wszystko, co zostało już wcześniej zrobione, i wyznaczający dalszą drogę. Vrubel stawia swojego bohatera jako przedstawiciela zasady demonicznej, a jednocześnie podkreśla złożoność swojego Demona - ducha łączącego wygląd męski i żeński. Demonizm Vrubela to demonizm w złagodzonej formie, poza skrajnościami indywidualizmu, z nutą tego powszechnego cierpienia ludzi, które niczym czerwona nić przewija się przez całą rosyjską kulturę XIX wieku. Na tym zdjęciu Vrubel pojawia się jako symbolista. Treści jego symbolu nie da się określić z pełną dokładnością. Jest to niezwykle złożone i wieloaspektowe. Nie da się go sprowadzić do konkretnych kategorii – ospałości czy pragnienia piękna, melancholii czy odrzucenia. Obraz nie może zostać wyczerpany, pozostaje otwarty. „Demon” daje widzowi możliwość zatracenia się w domysłach, rozbudowując w nieskończoność treść obrazu w jego przedstawieniu.
Siedzący demon (1890)
To zanik konkretnej wyjątkowości idei, przywiązania do konkretu fakt z życia określa stosunek artysty do konwencjonalnego obrazu i język artystyczny. Vrubel rezygnuje z bezpośredniego postrzegania natury, od rejestrowania ruchu otaczającego świata – szuka czegoś trwałego, niepodlegającego natychmiastowej zmianie. Demon zamarł w pozycji oczekiwania i kontemplacji. Ten stan bezruchu może trwać długo. Wydaje się, że jest to część planu artysty, uwalniająca go od opisywania specyficznych warunków przestrzeni i czasu. Vrubel nie przedstawia, ale tworzy, buduje, konstruuje. Umiejscawia postać w przestrzeni w taki sposób, że obraz tworzy równowagę pomiędzy postacią a otoczeniem, pomiędzy pierwszym planem a głębią. Potężny tułów Demona, jakby wyrzeźbiony z solidnego materiału, znajduje się pośrodku. Oddziela od siebie równe części - ogromne nieziemskie kwiaty zajmujące całą płaszczyznę obrazu po prawej stronie i niebiańską przestrzeń otwierającą się po lewej stronie - dla Vrubela wszystkie części świata są jednorodne. Artystka pracuje szerokim pociągnięciem, często preferując szpachelkę od pędzla: pociągnięcie zamienia się w płaszczyznę koloru, plamy barwne leżące na powierzchni porównane są do mozaikowych kamieni. Ogólna barwna struktura odpowiada nie rzeczywistemu stanowi natury, ale stanowi ludzka dusza: szary, fioletowy, niebieski wyrażają melancholię, duchową tęsknotę.
Głowa demona
Głowa demona na tle gór
Demon i anioł z duszą Tamary
latający demon
latający demon
Demon wygląda
Demon przy bramie klasztoru
Demon na ścianach klasztoru
Demon patrzący w dolinę
Demon obserwujący taniec Tamary
Data Tamary i Demona
Tamara w trumnie
Tamara i demon
Po pierwszym obrazowym „Demonie” w latach 1891-1892. ukazała się seria rysunków do twórczości Lermontowa, a zwłaszcza do wiersza „Demon”. Najlepszymi rysunkami do wiersza okazały się arkusze „Koń pędzi szybciej niż łania” oraz jeden z wariantów „Tamara w trumnie”. W tym ostatnim kryje się cała czułość artysty do człowieka, jego współczucie. Na pierwszym rysunku, wykonanym akwarelą, zastosowano wszelkie środki, aby podkreślić szybki bieg konia martwy jeździec w siodle. Biegnące jedna po drugiej: plamy akwareli, fasetowane formy postaci przecinające powietrze, wir pociągnięć pędzla – to język Vrubela na tym rysunku.
Ilustracja „Książę Guidon i księżniczka łabędzi” (1890 r.)
Ilustracja „Grigory Pechorin na sofie” (powieść M.Yu. Lermontowa „Bohater naszych czasów”)
Ilustracja do wiersza M. Yu Lermontowa „Izmail-Bey”
Ilustracja „Pojedynek Peczorina z Grusznickim” (powieść M.Yu. Lermontowa „Bohater naszych czasów”)
Ilustracja do wiersza M.Yu Lermontowa „Dziennikarz, czytelnik i pisarz”
Ilustracja do wiersza M.Yu.Lermontowa „Syrenka” („Syrenka płynęła wzdłuż błękitnej rzeki, oświetlonej pełnią księżyca...”)
„Pokonany demon” (1902) – ostatnie ukończone płótno Vrubela – uzupełnia jego „demoniana”. Bohater artysty umiera – nie w bezsensownej i zimnej walce z życiem i śmiercią, ale w nierównej walce. To nie jest walka dobra ze złem. To walka z losem, który uciska jednostkę i ostatecznie ją zabija. Bohater broni się do końca. Obraz jego śmierci jest zarówno requiem, jak i swoistym hymnem oporu. Jest w tym hymnie coś podniosłego i podniosłego. Sam Vrubel nazwał swoje malarstwo ikoną. W „Pokonanym demonie” wyraźnie ujawnia się zasada stylu secesyjnego, który można określić mianem zdobnictwa. Wzrok widza porusza się po powierzchni obrazu (a nie w głąb), rozumiejąc rytm powtarzających się linii i plam, charakterystyczny dla wielu obrazów i paneli artysty: dla „Wenecji” (1893), w który motyw wspaniałej procesji daje podstawę do porównań na płaszczyźnie głów, postaci, luksusowych szat, dla „Bogatyra” (1898), gdzie formy roślinne, postacie bohatera i konia splatają się w wirującym rytmie, dla panele poświęcone Faustowi (1896), gdzie rytmy są zorganizowane przez formy o ostrych kątach, kolczaste i igłowe, dla wielu prace graficzne. W „Pokonanym demonie” realne i fantastyczne łączą się, rzeczywistość zostaje pokonana przez deformację postaci. Pokonany bohater jest zgięty, złamany; jego ciało jest zakopane w fantastycznych piórach, przypominających bardziej rekwizyt niż żywy przejaw natury. Obok tego konwencjonalnego świata złamanego piękna, obraz zawiera całkowicie realne detale krajobrazu - szczyty gór artysta namalował ze zdjęć.
Demon pokonany (1902)
Latający demon (1899)
Wenecja (panel dekoracyjny) (1893)
Bogatyr (panel dekoracyjny) (1898)
Lot Fausta i Mefistofelesa (1896)
Wróżka (1895)
W innych przypadkach przeważa zatem zasada naturalna fantastyczny artysta szuka w samym przedmiocie - na przykład w wieszczce, która odkrywa przyszłość ludzi („Wróżka” (1895). Ale struktura figuratywna nadal pozostaje metaforyczna. Jak sieć czasu, to płótno pokryte jest szarawo-liliowym talent, dzięki któremu niczym szlachetne kamienie lśnią światłem wewnętrzne przedmioty.
Panel „Hiszpania” (1894) zdaje się przybliżać nas do sytuacji codziennej. Artysta nie rozpuszcza jednak obrazów w codzienności. Wręcz przeciwnie, obciąża je. To napięcie koresponduje także z logiką kompozycyjną obrazu, w którym płaszczyzna obrazowa zmaga się z szybkim przemieszczaniem się w głąb, wyrażającym się przesadną redukcją obiektów pierwszego planu.
Hiszpania (1894)
Prace Vrubela rozświetla coś niezwykłego - nawet jeśli artysta nie wybiera jako tematu oczywiście wzniosłych motywów i sytuacji. Doskonałym przykładem w tym zakresie może być obraz „W stronę nocy” (1900). Artysta zwraca się w stronę sceny nocnej, która na wsi jest codziennością. Z tej sceny wydobywa coś tajemniczego, niemal mistycznego. Płoną piękne kwiaty ostu. Rozświetlają nocny krajobraz dziwacznymi refleksami. Konie pasące się w pobliżu ostrożnie i niespokojnie przestępują z nogi na nogę. Vrubel ożywia naturę, obdarza kwiaty wolą, dając im zdolność odczuwania i wpływania na ludzi swoją urzekającą magią.
Ku nocy (1900)
Ulubionym tematem artysty były kwiaty: z uwagą przyglądał się złożonej strukturze kwiatu, tworząc swoje szkice ołówkiem. Na obrazach mistrza często pojawiają się kwiaty. Czasem są to „kwiaty zła”, czasem obrazy elementów pozostających poza ludzką kontrolą. W obrazie „Liliowy” (1900) widz szczególnie dotkliwie odczuwa żywioł kwitnienia, wzrostu krzewu, zapach wydobywający się z kwiatów, odurzający i cierpki. Tajemnicza postać dziewczyny, Layerimg style=div style=laquo;Demon pokonanyp style=border=w widoczny sposób połączona z krzakiem bzu, wzmacnia ideę połączenia ożywionego i nieożywionego, przeplatania się form obu. Z tych splotów Vrubel rodzi postacie bardzo typowe dla europejskiej symboliki i modernizmu - pół ludzi, pół zwierząt, pół ludzi, pół roślin: „Księżniczka łabędzi” (1900), która powstała na płótnie z okresu opera Rimskitext-align: center;div style= 0text- wyrównanie: center;o-Korsakow, dwie młode kobiety, jakby wyrastające ze spirali „Perła” (1904), „Bogatyr” ze swoim ogromnym koniem wyrastającym z ziemi, niczym trawa i krzaki. Wszystko tutaj podlega metamorfozie. Jednym z centralnych obrazów, w którym tendencja ta szczególnie konsekwentnie objawiała się, jest „Pan” (1899). Przemieniając starożytnego dżentelmena w rosyjskiego goblina, Vrubel przedstawia go z przednim uchwytem w dłoni, jakby wyrastał z ziemi i wystał jak omszały kikut. Jego oczy świecą jak gwiazdy, równoważąc swoim blaskiem światło padające z miesiąca, którego połowa półksiężyca wyszła już za horyzont.
Księżniczka łabędzi (1900)
Perła (1904)
Już na portrecie Vrubel poddaje modela różnego rodzaju porównaniom. Wydaje się, że portret żony N.I. Zabeli-Vrubela (1898) jest w całości zbudowany na przeniesieniu pierwszego wrażenia z natury. Jest napisany łatwo, w plenerze. Ale kreując obraz kobiety pełnej wdzięku i piękna, malarka przyrównuje tu także jej sylwetkę i głowę do jakiegoś kwiatu, rozkwitającego bujnymi płatkami w stronę światła słonecznego.
Portret artysty N. I. Zabeli-Vrubel, żony artysty, w letniej sukience Empire, zaprojektowanej według planu artysty (1898)
Najczęściej, tworząc portret, Vrubel podchodził do modela z wcześniej istniejącym pomysłem i nadał temu modelowi własne cechy. Można to wyczuć na portretach z 1897 r. - K.D. Artsybushev, S.I. Mamontow. W charakterze ostatni artysta podkreślał demonizm, niespokojną pasję. Interesujące jest rozwiązanie obrazowo-plastyczne, za pomocą którego artysta ucieleśniał swoje pomysły. To było tak, jakby ścisnął przestrzeń Mamontowa i przyszpilił ją do samolotu. Artysta celowo uwydatniwszy białą plamę na przodzie koszuli, „umieścił” ją na czubku trójkąta, wprawiając ją w drgania i nadając kompozycji niestabilny, dynamiczny charakter. Naprzemienne światło i cień dodatkowo wzmocniły tę dynamikę. Obok portretu Mamontowa możesz umieścić ostatnie dzieło Vrubela - obraz graficzny Valeria Bryusov (1906), narysowany węglem i optymistycznie. Stworzony przez artystę obraz wyraźnie wyraża ideę mistrza o poecie jako o proroku i nosicielu prawdy. Portret osiąga niezwykłą konstruktywność rysunku.
Portret K.D. Artsybusheva (1897)
Portret Savvy Mamontowa (1897)
Portret T.S. Lubatowicz jako Carmen (1895)
Księżniczka Wołchowa (NI Zabela) (1897)
Pani w kolorze fioletowym. Portret N.I. Zabela Vrubel (1900)
Od 1903 roku Vrubel zajmował się wyłącznie grafiką: w szpitalach nie można było malować farbami, a krótkie przerwy między zabiegami również nie sprzyjały tej działalności. Późniejsze rysunki pochodzą z różne gatunki. Przez okno szpitala artysta malował pejzaże. Pozowali mu pacjenci i sanitariusze, potem pojawiły się szkice portretowe. Czasem były całe sceny – ludzie grający w szachy, rozmawiający. Często artysta przedstawiał otaczające przedmioty, a potem pojawiały się martwe natury: karafka, szklanka, prześcieradło, szalik itp. Vrubel postrzega proste przedmioty jako rodzaj ożywionego ciała rzeczy. Jednocześnie nie powoduje żadnych odkształceń obiektywny świat metafora powstaje sama. Patrząc na zmięte prześcieradło czy wiszącą sukienkę, których kształty zostały odrysowane z niezwykłą starannością, pojawiają się skojarzenia, których znaczenie wykracza daleko poza sam przedmiot. Wyczuć można w artyście pragnienie zrozumienia najskrytszej istoty rzeczy najprostszych, rozpoznania ich pierwotnej natury.
Łóżko (1903-1904)
Dzwonek (1904-1905)
Jednocześnie w grafice powstają obrazy o innym charakterze: Vrubel zwraca się do tematu proroka. Rozpoczyna się próbą wykonania ilustracji do „Proroka” A.S. Puszkina jeszcze w latach 90. Wtedy temat ten zostaje niejako wyodrębniony, uzyskując niezależność. „Prorok” zastępuje „Demon”.
Jednym ze szczytów twórczości Vrubela są jego późne autoportrety graficzne, wykonane w latach 1904–1905. Kiedy nie było modeli, malował sam. Rysunki te zawierały cały program. Autoportrety nie są pozbawione pewnej dozy narcyzmu. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zauważysz, że każdy autoportret zawiera nieme pytanie lub wyrzut, zdumienie w obliczu nierozwiązywalnego problemy życiowe, ból, ukryta rozpacz czy odważna pokora. Wszystkie te uczucia są ukryte pod jakąś formą wyobcowania. Kiedy jednak wnikniesz w jego głąb, przed twoimi oczami ukaże się oszałamiający dokument trudnego losu i tragicznego końca. Na późniejszych rysunkach Vrubela obok elementów konstrukcyjnych pojawiają się przejawy ekspresjonizmu.
Walking on the Waters (szkic do malarstwa ściennego) (1891)
Wenecja. Most Westchnień (1894)
Księżniczka Sen (panel dekoracyjny) (1896)
Sześcioskrzydły Serafin (1904)
Jako prawdziwy artysta „nowego stylu” Vrubel nieustannie starał się ucieleśnić piękno. Wywyższał codzienność – w zwyczajności tego, co znane, nie znajdował motywów do swojej twórczości. Stąd odmowa gatunek codzienny, o którym artysta prawie nigdy nie wspominał, zainteresowanie Demonem i Prorokiem, Faustem i Hamletem. Wśród „modeli” artysty odnajdujemy piękne, wiecznie cenne przedmioty – dywany, muszle, wspaniałe sukienki, rzadkie kwiaty - azalie lub kompanule. Kult piękna był dla wielu ludzi tego pokolenia rodzajem religii. Twórczy artysta rozkoszował się tym pięknem, wznosząc się na wyżyny twórczej ekstazy. A upadki z tych szczytów kojarzyły się z rozpaczą, melancholią i melancholią. Życie artysty przebiegało pomiędzy tymi dwiema skrajnościami. Piękno często okazywało się ulotne; upadek był otrzeźwiający, ale ta trzeźwość sprawiła, że zapragnąłem wznieść się jeszcze wyżej. Pod koniec życia Vrubel miał wyrzuty, że gdzieś przekroczył granicę moralności. Ale ten zarzut sam w sobie był świadkiem prawdziwej moralności artysty.
Pisał Michaił Wrubel genialne obrazy, tworzył zachwycające freski, pracował na panelach dekoracyjnych i był autorem skandalicznych ilustracji książkowych. Wiele jego dzieł stało się proroczych.
Początek i koniec
W 1885 r. nieznany student Akademia Cesarska arts Michaił Vrubel kończy „Zstąpienie Ducha Świętego” w kościele św. Cyryla w Kijowie. I chociaż mam długą historię niezależnych badań archiwów klasztoru Kirillov, studiowanie dużej liczby monografii na temat starożytnego języka rosyjskiego i Malarstwo bizantyjskie, a także stanowczy zamiar „nie dodawania niczego od siebie”, Matka Boża i apostołowie okazują się „zbyt bogobojni i wywyższeni”. Co zaskakujące, kościół, w którym Vrubel pracował nad być może pierwszym monumentalnym dziełem, znajdował się na terenie przychodni psychoneurologicznej, a za czasów władzy radzieckiej został całkowicie przeniesiony na szpital. Czyli proroczo pierwszy poważny twórcze kroki Vrubel zrobił tam, gdzie zakończył swoją podróż – w klinice dla chorych psychicznie.
Portret syna
W 1901 r. W rodzinie Vrubelów urodził się spadkobierca Savvushka. Szczęśliwe wydarzenie jest przyćmiony wrodzoną deformacją dziecka - jego dziecięcą twarz zniekształca „rozszczepiona warga”. Vrubel obwinia się za kłopoty. Nasiliły się dręczące artystę bóle głowy. Depresja ustępuje miejsca wybuchom wściekłości, którymi Vrubel często obrzuca nieznajomych. Rok później namalował „Portret syna”: dziecko patrzy z płótna na widza, którego twarz wydaje się wykrzywiona przerażeniem z powodu zbliżania się czegoś nieznanego. W jego zmęczonych i wcale nie dziecinnie mądrych oczach odbija się gorycz spotkania z tym światem i refleksja tragiczny los, o czym chłopak zdaje się domyślać. Rok później syn Vrubela umiera na płatowe zapalenie płuc.
Zmęczona dusza
Pragnienie stworzenia własnego Demona takim, jakim jest naprawdę, przytłaczało Vrubela przez całe jego życie. Powiedział, że demon nie jest diabłem ani diabłem, demon jest duszą. Vrubel stworzył pierwszego Demona pod koniec lat 80., ale płótno nie przetrwało. Artysta przyznał, że z łatwością niszczył dzieła, aby na tym samym płótnie urzeczywistnić nowe idee. Ale jego „Siedzący demon” napisany w 1890 roku jest dobrze znany i niezapomniany. Więcej pełen nadziei i siłę, 34-letni artysta maluje samotnego młodego mężczyznę, który w zaskakujący sposób łączy zewnętrzną siłę z psychicznym zmęczeniem i bezsilnością. W psychologicznej atmosferze wykreowanej na płótnie nie trudno dopatrzeć się podobieństwa do stanu, w jakim znajdzie się artysta pełen pomysłów i dążący do ich urzeczywistnienia: już wkrótce choroba zacznie utrudniać mu pracę, a w końcu wyczerpie, wyniszczy i pozbawi go sił.
Zapowiedź tragedii
Nie wiadomo, jak potoczyłyby się twórcze losy Vrubela, gdyby nie spotkanie z Savvą Mamontowem. Filantrop, z charakterystyczną dla siebie intuicją, dostrzegł młody artysta coś, czego inni jeszcze nie widzieli: nowy geniusz. W 1897 r. Vrubel napisał „Portret S.I. Mamontow”, na którym pojawia się patron siedzący w swoim gabinecie, wśród znajomych rzeczy. Cały cykl kompozycyjny to, jak pisze Natalya Suvorova, „potężna kupa geometrycznych kształtów i płaszczyzn, przypominających pierwotny, wszechogarniający chaos”. Za plecami Savvy Iwanowicza znajduje się miniaturowy nagrobek hiszpańskiego rzeźbiarza Benlure'a, znanego z alegorycznych rzeźb przedstawiających Zarządzanie i Sprawiedliwość. Jednak główna uwaga widza skupia się na postaci Mamontowa, zastygłego w niewygodnej pozycji, oraz na jego oczach, które zdają się przepowiadać nadchodzącą katastrofę. Dwa lata później Mamontow zostanie aresztowany i oskarżony o defraudację. Mimo uniewinnienia ławy przysięgłych słynny filantrop nie będzie w stanie otrząsnąć się po ciosie.
Legenda Fausta
W 1896 r. Vrubel stworzył tryptyk „Faust” i płótno „Lot Fausta i Mefistofelesa”. Konstantin Korovin mówił o swoim stylu pisania: najlepszy przyjaciel: „Kiedy malował na płótnie czy papierze, wydawało mi się, że to jakiś żongler pokazujący sztuczki... Po zmierzeniu rozmiaru, trzymając w dłoni ołówek, długopis, czy pędzel jakoś na boki, w różne miejsca Rysował mocno linie na papierze, stale łącząc je w różnych miejscach, po czym wyłonił się cały obraz. Sierow i ja byliśmy zdumieni tym...” Nawet gdy był już poważnie chory, Vrubel doskonale oddał podobieństwo portretowe i nadal wykazywał doskonałą technikę. Aleksander Benois, współczesny Vrubelowi, mówił o bezpośrednim związku między niezrozumiałym twórcą Vrubelem a Faustem: „Uważa się, że pozował dla niego Książę Pokoju. Jest coś głęboko prawdziwego w tych strasznych i pięknych, wzruszających do łez obrazach. Jego Demon pozostał wierny swojej naturze. On, który zakochał się w Vrubelu, mimo to go oszukał. Ostatnim akcentem legendy Vrubela-Fausta było bolesne poczucie winy, które trawiło artystę w ostatnich latach jego życia.
Anioł Śmierci
W całej swojej twórczości Vrubel wielokrotnie powraca do tematu proroctw, w chwilach choroby temat ten staje się niemal obsesyjny. W 1904 roku stworzył „Sześcioskrzydłego Serafina” – ostatnie duże płótno artysty, powstałe w chwilach oświecenia. Artysta był pewien, że talent i powołanie twórcy są podobne do misji proroka. I tak jak w przypowieści starotestamentowej Serafin oczyszcza proroka Izajasza z grzechów, przygotowując go w ten sposób do służby proroczej, tak Azrael Vrubela zdaje się ostatecznie ustanawiać artystę w roli widzącego, który zna swoje przeznaczenie.
Pokonany
Wydaje się, że „pokonany demon” odebrał Vrubelowi prawie całą siłę. Mógł przerabiać fabułę kilka razy dziennie i pracował nad obrazem, czasem po 20 godzin na dobę. A jednak nie dało się wyrazić jego planów – jego Demon okazał się złamany i szalony. Obraz był już prezentowany na wystawie stowarzyszenie artystyczne„Świat sztuki” i Vrubel kontynuował nad nim pracę: przyszedł do sali i nie zwracając uwagi na publiczność, raz po raz przepisywał Demona. Osiem lat później sam niewidomy Vrubel zostanie doprowadzony chorobą do samej krawędzi, z której tragicznie spadnie niczym pokonany Demon, którego okaleczone ciało na płótnie rozbija się o skały. Artystka świadomie spędzi kilka godzin stojąc przed otwartym oknem, wdychając mroźne powietrze, co zakończy się zapaleniem płuc. W przeddzień swojej śmierci Vrubel wypowie swoją ostatnią przepowiednię: „Idziemy do Akademii!”, A jutro w jednej z sal Akademii Sztuk odbędzie się nabożeństwo żałobne nad jego ciałem.