Oggi la pittura contemporanea ha guadagnato un'incredibile popolarità, quindi è diventata famosa non solo per la sua tendenza a spingere i confini ed esplorare nuovi mezzi di espressione, ma anche per le vendite record nel mercato dell'arte contemporanea negli ultimi anni. Inoltre, artisti di quasi tutto il mondo, dall'America all'Asia, riscuotono successo. Successivamente, scoprirai quali nomi sono rappresentati dal miglior dipinto contemporaneo del mondo, chi è lui, l'artista contemporaneo più costoso e chi è un po 'a corto di questo titolo.
Gli artisti contemporanei più costosi
Tra la miriade di nomi che ha la pittura moderna, solo i dipinti di alcuni artisti godono di un successo eccezionale. Tra questi, i dipinti più costosi erano il famoso artista neoespressionista e graffitista Jean-Michel Basquiat, che però morì all'età di 27 anni. Nella nostra lista vedrai solo i primi sette di quei ricchi artisti che sono vivi fino ad oggi.
Bryce Marden
Le opere di questo autore americano sono piuttosto difficili da classificare e ricondurre a un'unica direzione artistica, sebbene venga spesso indicato come rappresentante del minimalismo o dell'astrattismo. Ma a differenza degli artisti di questi stili, i cui dipinti sembrano non essere mai stati toccati, la pittura contemporanea di Marden conserva pennellate di spatola e altre tracce del suo lavoro. Uno di quelli che hanno influenzato il suo lavoro è considerato un altro artista contemporaneo Jasper Johns, il cui nome incontrerai in seguito.
Zeng Fanzhi
Questo artista contemporaneo è oggi una delle figure principali della scena artistica cinese. Fu la sua opera chiamata "L'ultima cena", creata sulla base della famosa opera di Leonardo da Vinci, fu venduta per 23,3 milioni di dollari e divenne il dipinto più costoso di cui possa vantarsi la moderna pittura asiatica. Sono note anche le opere dell'artista "Autoritratto", il trittico "Ospedale" e i dipinti della serie "Maschere".
Negli anni '90, il suo stile pittorico è cambiato spesso e alla fine è passato dall'espressionismo al simbolismo.
Peter Dog
Peter Doig è un artista contemporaneo scozzese di fama mondiale il cui lavoro è ispirato al tema del realismo magico. Molte delle sue opere tendono a disorientare lo spettatore, anche quando raffigurano immagini riconoscibili come figure, alberi ed edifici.
Nel 2015, il suo dipinto "Swamped" è riuscito a battere il record e diventare il dipinto più costoso di artisti contemporanei scozzesi, venduto all'asta per 25,9 milioni. Anche i dipinti di Doig "Architect's House in the Hollow", "White Canoe", "Reflection", "Roadside Diner" e altri sono popolari.
Cristoforo Lana
L'artista contemporaneo Christopher Wool esplora varie idee post-concettuali nel suo lavoro. I dipinti moderni più famosi dell'artista sono iscrizioni a blocchi raffigurate in nero su una tela bianca.
Tali dipinti di artisti contemporanei causano molte polemiche e insoddisfazione tra gli aderenti alla pittura tradizionale, ma, in un modo o nell'altro, una delle opere di Wool - "Apocalypse" - gli ha portato 26 milioni di dollari. Wool non pensa a lungo ai titoli dei dipinti, ma li nomina secondo le iscrizioni: "Blue Fool", "Troubles", ecc.
Jasper John
L'artista contemporaneo Jasper Johns è noto per il suo atteggiamento ribelle nei confronti dell'espressionismo astratto, che ha dominato la scena pittorica all'inizio della sua carriera. Inoltre, lavora realizzando costose tele con bandiere, targhe, numeri e altri simboli noti che hanno già un chiaro significato e non hanno bisogno di essere decifrati.
A proposito, i dipinti più costosi di artisti contemporanei includono l'opera della "Bandiera americana", venduta all'asta nel 2010 per 28 milioni di dollari. Puoi anche guardare le opere "Three Flags", "False Start", "From 0 to 9", "Target with Four Faces" e molte altre.
Gerard Richter
Questo artista tedesco contemporaneo, come molti pittori all'inizio della sua carriera, ha studiato pittura accademica realistica, ma in seguito si è interessato all'arte più progressista.
Nel lavoro dell'autore si può vedere l'influenza di molte tendenze artistiche del 20 ° secolo, come l'espressionismo astratto, la pop art, il minimalismo e il concettualismo, ma allo stesso tempo Richter ha mantenuto un atteggiamento scettico nei confronti di tutte le convinzioni artistiche e filosofiche consolidate, essendo sicuro che la pittura moderna è dinamica e ricerca. Le opere dell'artista includono "Terra di prati", "Lettura", "1024 colori", "Muro", ecc.
Jeff Koon
E infine, eccolo qui: l'artista contemporaneo più costoso del mondo. L'americano Jeff Koons lavora in stile neo-pop ed è noto per la sua creatività orecchiabile, kitsch e provocatoria.
È noto principalmente come autore di un gran numero di sculture moderne, alcune delle quali sono state esposte nella stessa Versailles. Ma anche tra le opere dell'artista ci sono dipinti per i quali intenditori speciali sono pronti a dare milioni di dollari: "Liberty Bell", "Auto", "Girl with a Dolphin and Monkey", "Saddle" e altri.
Prendilo, dillo ai tuoi amici!
Leggi anche sul nostro sito:
mostra di più
È consuetudine chiamare arte contemporanea tutti i tipi di movimenti artistici che si sono sviluppati alla fine del XX secolo. Nel dopoguerra è stata una sorta di sfogo che ha insegnato ancora una volta a sognare e inventare nuove realtà della vita.
Stanchi delle catene delle dure regole del passato, i giovani artisti hanno deciso di infrangere le vecchie norme artistiche. Hanno cercato di creare nuove pratiche precedentemente sconosciute. Opponendosi al modernismo, si sono rivolti a nuovi modi di rivelare le loro storie. L'artista e il concetto alla base della sua creazione sono diventati molto più importanti del risultato stesso dell'attività creativa. Il desiderio di allontanarsi dal quadro eretto ha portato all'emergere di nuovi generi.
Cominciarono a sorgere controversie tra gli artisti sul significato dell'arte e sui modi di esprimerla. Cos'è l'arte? Con quali mezzi si può raggiungere la vera arte? Concettualisti e minimalisti hanno trovato la risposta da soli nella frase: "Se l'arte può essere tutto, allora non può essere niente". Per loro, l'allontanamento dai soliti mezzi visivi ha portato a varie azioni, eventi e performance. Qual è la particolarità dell'arte contemporanea nel XXI secolo? Questo è ciò di cui parleremo nell'articolo.
La grafica tridimensionale nell'arte del XXI secolo
L'arte del 21° secolo nella grafica 3D è famosa. Con lo sviluppo della tecnologia informatica, gli artisti hanno accesso a nuovi mezzi per creare la loro arte. L'essenza della grafica tridimensionale è creare immagini modellando oggetti nello spazio tridimensionale. Se consideriamo la maggior parte delle forme d'arte moderna del 21° secolo, la creazione di immagini tridimensionali sarà la più tradizionale. La grafica 3D ha molte sfaccettature, nel vero senso della parola. Viene utilizzato durante la creazione di programmi, giochi, immagini e video su un computer. Ma può anche essere visto proprio sotto i tuoi piedi, sul marciapiede.
La grafica tridimensionale si è spostata nelle strade diversi decenni fa e da allora è rimasta una delle forme più importanti di street art. Molti artisti disegnano immagini tridimensionali sui loro "quadri" che possono stupire con il loro realismo. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner e molti altri artisti contemporanei oggi creano arte che può sorprendere chiunque.
Arte di strada del 21° secolo
In precedenza, l'occupazione era la sorte delle persone benestanti. Per secoli è stato nascosto dalle mura di istituzioni speciali, dove l'accesso ai non iniziati era chiuso. Ovviamente, la sua forza grandiosa non poteva languire per sempre all'interno di edifici soffocanti. Fu allora che uscì - nelle strade grigie e cupe. Scelto per cambiare la tua storia per sempre. Anche se all'inizio non è stato così facile.
Non tutti erano contenti della sua nascita. Molti lo consideravano il risultato di una brutta esperienza. Alcuni si sono persino rifiutati di prestare attenzione alla sua esistenza. Nel frattempo, l'idea ha continuato a crescere e svilupparsi.
Gli artisti di strada hanno affrontato difficoltà lungo la strada. Con tutta la sua varietà di forme, l'arte di strada a volte era difficile da distinguere dal vandalismo.
Tutto è iniziato negli anni '70 del secolo scorso a New York. A quel tempo, la street art era agli inizi. E Julio 204 e Taki 183 hanno sostenuto la sua vita, lasciando iscrizioni in diversi luoghi della loro area, dopo aver ampliato il territorio di distribuzione. Altri ragazzi hanno deciso di competere con loro. Fu allora che iniziò il più interessante. Entusiasmo e voglia di mettersi in mostra sfociarono in una battaglia di creatività. Tutti erano desiderosi di scoprire per sé e per gli altri un modo più originale per lasciare il segno.
Nel 1981 la street art riesce ad attraversare l'oceano. In questo è stato aiutato da un artista di strada dalla Francia BlekleRat. È considerato uno dei primi artisti di graffiti a Parigi. È anche chiamato il padre dei graffiti con gli stencil. Il suo tocco distintivo sono i disegni di topi, che si riferiscono al nome del loro creatore. L'autore ha notato che dopo aver riorganizzato le lettere nella parola rat (ratto), si ottiene l'arte (arte). Blek una volta ha osservato: "Il topo è l'unico animale libero a Parigi che va ovunque, proprio come l'arte di strada".
L'artista di strada più famoso è Banksy, che chiama BlekleRat il suo maestro principale. Il lavoro di attualità di questo talentuoso britannico è in grado di mettere a tacere tutti. Nei suoi disegni, realizzati con gli stampini, denuncia la società moderna con i suoi vizi. Banksy tende ad essere tradizionale, permettendoti di lasciare un'impressione ancora maggiore sul pubblico. Un fatto interessante è che fino ad ora l'identità di Banksy è avvolta nel mistero. Nessuno è ancora riuscito a risolvere l'enigma della personalità dell'artista.
Nel frattempo, la street art sta rapidamente guadagnando slancio. Un tempo relegata a correnti marginali, la street art è salita al palcoscenico delle aste. Le opere degli artisti vengono vendute per somme favolose da chi un tempo si rifiutava di parlarne. Cos'è, la forza vivificante dell'arte o le tendenze tradizionali?
Forme
Ad oggi, ci sono diverse manifestazioni piuttosto interessanti dell'arte contemporanea. Panoramica delle forme più insolite dell'arte contemporanea verrà portato alla vostra attenzione di seguito.
Pronto
Il termine readymade deriva dall'inglese, che significa "pronto". In effetti, l'obiettivo di questa direzione non è creare nulla di materiale. L'idea principale qui è che a seconda dell'ambiente di un oggetto, la percezione di una persona e dell'oggetto stesso cambia. L'antenato della corrente è Marcel Duchamp. La sua opera più famosa è "Fontana", che è un orinatoio con autografo e data.
Anamorfosi
Le anamorfosi sono chiamate la tecnica per creare immagini in modo tale che sia possibile vederle completamente solo da una certa angolazione. Uno dei rappresentanti più brillanti di questa tendenza è il francese Bernard Pras. Crea installazioni utilizzando qualsiasi cosa gli capiti a portata di mano. Grazie alla sua bravura riesce a realizzare opere stupefacenti, che però si possono vedere solo da una certa angolazione.
Fluidi biologici nell'art
Una delle correnti più controverse nell'arte moderna del XXI secolo è il disegno, dipinto con fluidi umani. Spesso i seguaci di questa forma d'arte moderna usano sangue e urina. Il colore dei dipinti in questo caso assume spesso un aspetto cupo e spaventoso. Herman Nitsch, ad esempio, utilizza sangue animale e urina. L'autore spiega l'uso di materiali così inaspettati dall'infanzia difficile che arrivò durante la seconda guerra mondiale.
Dipinto del XX-XXI secolo
Una breve storia della pittura contiene informazioni che la fine del XX secolo è diventata il punto di partenza per molti artisti di culto del nostro tempo. Nei difficili anni del dopoguerra la sfera conobbe la sua rinascita. Gli artisti hanno cercato di scoprire nuove sfaccettature delle loro capacità.
Suprematismo
Kazimir Malevich è considerato il creatore del suprematismo. Essendo il principale teorico, ha proclamato il suprematismo come un modo per purificare l'arte da tutto ciò che è superfluo. Rifiutando i soliti modi di trasmettere l'immagine, gli artisti hanno cercato di liberare l'arte dal non artistico. L'opera più importante di questo genere è il famoso "Black Square" di Malevich.
Pop Art
La pop art ha le sue origini negli Stati Uniti. Negli anni del dopoguerra, la società ha vissuto cambiamenti globali. La gente ora potrebbe permettersi di più. Il consumo è diventato una parte essenziale della vita. Le persone iniziarono ad essere erette in un culto e i prodotti di consumo in simboli. Jasper Johns, Andy Warhol e altri seguaci della corrente hanno cercato di utilizzare questi simboli nei loro dipinti.
Futurismo
Il futurismo è stato scoperto nel 1910. L'idea principale di questa tendenza era il desiderio di un nuovo, la distruzione del quadro del passato. Gli artisti hanno rappresentato questo desiderio con l'aiuto di una tecnica speciale. Tratti netti, influssi, connessioni e intersezioni sono segni di futurismo. I rappresentanti più famosi del futurismo sono Marinetti, Severini, Carrà.
Arte Contemporanea in Russia nel XXI secolo
L'arte contemporanea in Russia (21 ° secolo) è fluita dolcemente dall'arte sotterranea e "non ufficiale" dell'URSS. I giovani artisti degli anni '90 cercavano nuovi modi per realizzare le loro ambizioni artistiche in un nuovo paese. In questo momento è nato l'azionismo di Mosca. I suoi seguaci hanno sfidato il passato e la sua ideologia. La distruzione dei confini (nel senso letterale e figurato del termine) ha permesso di rappresentare l'atteggiamento delle giovani generazioni nei confronti della situazione nel Paese. L'arte contemporanea del 21° secolo è diventata espressiva, spaventosa, scioccante. Quello da cui la società ha chiuso per così tanto tempo. Azioni di Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Against All", "Barricade on Bolshaya Nikitskaya"), il movimento "ETI" ("ETI-text"), Oleg Kulik ("Piglet distribuisce regali", "Mad Dog o l'ultimo tabù custodito da un solitario Cerberus"), Avdey Ter-Oganyan ("Pop Art") ha cambiato per sempre la storia dell'arte contemporanea.
Nuova generazione
Slava ATGM è un artista contemporaneo di Ekaterinburg. Alcuni dei suoi lavori potrebbero ricordare il lavoro di Banksy. Tuttavia, le opere di Slava portano idee e sentimenti familiari solo a un cittadino russo. Una delle sue opere più importanti è la campagna "Land of Opportunities". L'artista ha creato un'iscrizione fatta di stampelle sull'edificio di un ospedale abbandonato a Ekaterinburg. Slava ha acquistato le stampelle dagli abitanti della città, che una volta le usavano. L'artista ha annunciato l'azione sulla sua pagina sul social network, integrandola con un appello ai concittadini.
Musei di arte moderna
Forse, un tempo, l'arte visiva contemporanea del 21° secolo sembrava essere un ambiente marginale, ma oggi sempre più persone si sforzano di unirsi a un nuovo campo dell'arte. Sempre più musei aprono le porte a nuovi mezzi espressivi. New York detiene il record per l'arte contemporanea. Ci sono anche due musei che sono tra i migliori al mondo.
Il primo è il MoMA, che è un deposito di dipinti di Matisse, Dalì, Warhol. Il secondo è un museo L'insolita architettura dell'edificio è adiacente alle creazioni di Picasso, Marc Chagall, Kandinsky e molti altri.
L'Europa è famosa anche per i suoi magnifici musei di arte contemporanea del XXI secolo. Il museo KIASMA di Helsinki ti permette di toccare con mano gli oggetti della mostra. Il centro della capitale della Francia colpisce per l'architettura insolita e le opere di artisti contemporanei. Lo Stedelijkmuseum di Amsterdam ospita la più grande collezione di dipinti di Malevich. nella capitale della Gran Bretagna ha un numero enorme di oggetti d'arte moderna. Il Museo di arte moderna di Vienna ha opere di Andy Warhol e altri talentuosi artisti contemporanei.
L'arte moderna del 21 ° secolo (pittura) - misteriosa, incomprensibile, ammaliante, ha cambiato per sempre il vettore di sviluppo non solo di una sfera separata, ma dell'intera vita dell'umanità. Riflette e crea la modernità allo stesso tempo. In continua evoluzione, l'arte della modernità consente a una persona che ha costantemente fretta di fermarsi un momento. Fai una pausa per ricordare i sentimenti nel profondo. Fermati per riprendere il ritmo e precipitarti nel vortice di eventi e affari.
"Paesaggio Strada del boschetto di betulle" 120x100
Spatola, olio, tela
Konstantin Loris-Melikov
Arte del 21° secolo
—
onnivoro,
cinico, ironico-sarcastico, democratico: chiamano il tramonto di una grande era.
I postmodernisti si sono trovati in una situazione in cui tutto è stato detto prima di loro. E tutto ciò che devono fare è utilizzare ciò che hanno creato, mescolare stili, creare arte, se non nuova, ma riconoscibile...
le direzioni più luminose:
- neorealismo;
- Arte minima;
- Postmoderno;
- Iperrealismo;
- installazione;
- Ambiente;
- videoarte;
- Graffiti;
- Transavanguardia;
- Arte del corpo;
- Stuckismo;
- neoplasticismo;
- Arte di strada;
- Arte postale;
- Nessuna arte.
1. NEOREALISMO.
Questa è l'arte dell'Italia del dopoguerra, che ha lottato con il pessimismo del dopoguerra.
Il nuovo fronte dell'arte unito
astrattisti e realisti e durò solo 4 anni. Ma da
ne sono usciti artisti famosi: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
Treccani. Rappresentavano in modo vivido ed espressivo lavoratori e contadini.
Tendenze simili sono emerse in altri
paesi, ma la scuola del neorealismo è considerata la scuola più brillante, che
apparso in America grazie agli sforzi del muralista Diego Rivera.
Guarda: Renato Guttuso
affreschi di Diego Rivera - Palazzo Presidenziale (Città del Messico, Messico).
Frammento di un affresco di Diego Rivera per l'Hotel Prado di Città del Messico "Sunday Dream in Alameda Park", 1948
2. MINIMO ART.
Questa è la direzione dell'avanguardia.
Utilizza moduli semplici ed esclude qualsiasi associazione.
Carl André, 1964
Questa direzione è apparsa negli Stati Uniti alla fine
anni '60. I minimalisti chiamavano Marcel Duchamp i loro diretti predecessori.
(ready-made), Piet Mondrian (neoplasticismo) e Kazimir Malevich
(Suprematismo), hanno chiamato il suo quadrato nero la prima opera
arte minima.
Estremamente semplice e geometrico
composizioni corrette - scatole di plastica, barre di metallo,
coni - sono stati realizzati in imprese industriali secondo gli schizzi degli artisti.
Aspetto:
Opere di Donald Judd, Karl
Andre, Sola Levita — Museo Guggenheim (New York, USA), Museo
arte contemporanea (New York, USA), Metropolitan Museum of Art (New York,
STATI UNITI D'AMERICA).
3. POSTMODERNO. Questo è un lungo elenco di tendenze irrealistiche della fine del XX secolo.
Vanchegi Mutu. Collage "Organi genitali di una donna adulta", 2005
La ciclicità è caratteristica dell'arte, ma
il postmoderno divenne il primo esempio di "negazione della negazione". All'inizio
il modernismo ha rifiutato i classici e poi il postmodernismo ha rifiutato il modernismo come
in precedenza aveva rifiutato i classici. I postmodernisti sono tornati a quelle forme e
stili che erano prima del modernismo, ma a un livello superiore.
Il postmodernismo è un prodotto dell'epoca
le ultime tecnologie. Pertanto, la sua caratteristica è una miscela
stili, immagini, epoche e sottoculture diverse. Principale per i postmodernisti
stava citando, destreggiandosi abilmente con le citazioni.
Guarda: Tate Gallery (Londra,
UK), Museo Nazionale d'Arte Moderna Centre Pompidou
(Parigi, Francia), Museo Guggenheim (New York, USA).
IPERREALISMO. Arte che imita la fotografia.
Chuck Vicino. "Roberto", 1974
Quest'arte è anche chiamata Superrealismo,
Fotorealismo, realismo radicale o realismo freddo. È apparso
direzione in America negli anni '60 e 10 anni dopo si diffuse in
Europa.
Iperrealismo, fotorealismo, Don Eddy,
Artisti di questa direzione esattamente
copia il mondo come lo vediamo nella foto. Nelle opere degli artisti
si legge una certa ironia sul tecnogeno. Gli artisti raffigurano per lo più
storie della vita di una metropoli moderna.
Richard Estes- amore per l'immagine dei riflessi della metropoli nelle vetrine dei negozi, sul cofano di un'auto o sul bancone di un caffè
Aspetto:
opere di Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (New York, USA), Brooklyn Museum (USA).
5. INSTALLAZIONE.
Questa è una composizione nella galleria, che può essere creata da qualsiasi cosa, l'importante è che ci sia un sottotesto e un'idea.
Fontana (Duchamp)
Molto probabilmente non lo sarebbe
direzioni, se non fosse per l'iconico orinatoio di Duchamp. I nomi del mondo principale
installatori: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis e Kabakov.
"Jim Cena. Dalla collezione del Centre Pompidou»
La cosa principale nell'installazione è il sottotesto stesso e lo spazio in cui gli artisti si scontrano con oggetti banali.
Aspetto:
Tate Modern (Londra, Regno Unito), Guggenheim Museum (New York, Stati Uniti).
6. AMBIENTE. È l'arte di creare una composizione 3D che imita il mondo reale.
Come una direzione nell'arte dell'ambiente
apparso negli anni '20. Diverse volte in anticipo sui tempi
per decenni l'artista dadaista, quando presentava al pubblico la sua
il prodotto "Merz-building" - una struttura tridimensionale di vari oggetti e
materiali, buoni a nient'altro che alla contemplazione.
Edoardo Kienholz
Storia come piantatoreMezzo secolo dopo, questo genere è diventato
lavoro e successe a Edward Kienholtz e George Siegel. Nel tuo lavoro
hanno necessariamente introdotto un elemento scioccante di fantasia delirante.
Aspetto:
opere di Edward Kienholtz e George Siegel
— Museum of Modern Art (Stoccolma, Svezia).
7. VIDEO ART. Questa direzione è nata nell'ultimo terzo del XX secolo a causa della comparsa di videocamere portatili.
Questo è un altro tentativo di restituire l'arte a
realtà, ma ora con l'aiuto della tecnologia video e informatica.
L'americano Nam June Paik ha realizzato un video del passaggio del Papa per le strade
New York e divenne il primo video artista.
Gli esperimenti di Nam June Paik hanno influenzato
televisione, video musicali (era in fondo al canale MTV),
effetti informatici nel cinema. Il lavoro di June Paik, Bill Viola lo ha realizzato
la direzione artistica è un campo di attività per la sperimentazione. Loro mettono
l'inizio delle "video sculture", delle "video installazioni" e delle "video opere".
Aspetto:
video arte che spazia dallo psichedelico al sociale
(popolare in Cina, Chen-che-yen su Youtube.com)
8. GRAFFITI. Iscrizioni e disegni sui muri delle case che portano un messaggio audace.
Apparso per la prima volta negli anni '70 in Northern
America. I galleristi di uno dei quartieri erano imparentati con il loro aspetto
Manhattan. Divennero mecenati della creatività di chi viveva accanto a loro.
portoricani e giamaicani. I graffiti combinano elementi urbani
sottocultura ed etnica.
il genio della pop art Keith Haring
Nomi dalla storia dei graffiti: Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. personalità infame
Banksy è un artista di graffiti britannico. Ci sono cartoline con le sue opere in tutto
Negozi di souvenir britannici
Aspetto:
Graffiti Museum (New York, USA), opere di Banksy - su banksy.co.uk.
9. TRANSAVANGARD.
Una delle tendenze della pittura postmoderna. Combina il passato, la nuova pittura e l'espressività.
Il lavoro dell'artista transavanguardia Alexander Roitburd
L'autore del termine transavanguardia -
critico contemporaneo Bonito Oliva. Con questo termine ha definito la creatività
5 suoi connazionali - Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nicolò de Maria. Il loro lavoro è caratterizzato da:
combinazione di stili classici, mancanza di attaccamento al nazionale
scuola, luogo del piacere estetico e della dinamica.
Francesco Clemente a Schirn (Francoforte)
Guarda: Peggy's Collection Museum
Guggenheim (Venezia, Italia), Museo d'Arte Moderna di Palazzo
(Venezia, Italia), Galleria d'Arte Moderna (Milano, Italia)
10. CORPO ART. Una delle direzioni dell'azionismo. Il corpo funge da tela.
La body art è una delle manifestazioni della cultura punk degli anni '70.
È direttamente correlato alla moda per i tatuaggi e il nudismo che apparve allora.
Le immagini viventi vengono create proprio di fronte
spettatori, registrati in video e poi trasmessi in galleria. Bruce
Naumann raffigurante l'orinatoio di Duchamp nella galleria. Duetto Gilbert e
George sono sculture viventi. Rappresentavano il tipo di un inglese medio.
Vedi: ad esempio, sul sito web dell'artista Orlan orlan.eu.
11. STAKISMO. Associazione artistica britannica di pittura figurativa. Opposto ai concettualisti.
La prima mostra è stata a Londra nel 2007,
come protesta contro la Tate. Secondo una versione, hanno protestato
collegamento con l'acquisto da parte della galleria delle opere di artisti aggirando la legge. Rumore
ha attirato l'attenzione sugli impilatori nella stampa. Ora nel mondo ci sono
oltre 120 artisti. Il loro motto è: un artista che non disegna non è un artista.
Billy infantile. Margine della foresta"
Il termine stackismo è stato proposto da Thomson.
L'artista Tracey Emin ha gridato al suo fidanzato Billy
Infantile: la tua pittura è bloccata, bloccata, bloccata! (inglese bloccato!
Incollato! Pila!)
Aspetto:
sul sito stackist stickism.com.
Opere di Charlie Thomson e Billy Childish alla Tate Gallery (Londra, UK).
12. NEOPLASTICISMO.
Arte astratta. Intersezione di linee perpendicolari di 3 colori.
L'ideologo della regia è l'olandese Pete
Mondrian. Considerava il mondo un'illusione, quindi il compito dell'artista è chiarire
pittura dalle forme sensuali (figurative) all'insegna dell'estetica
forme (astratte).
L'artista ha suggerito di farlo
nel modo più conciso possibile con l'aiuto di 3 colori: blu, rosso e
giallo. Hanno riempito i posti tra le linee perpendicolari.
Piet Mondrian. Rosso, giallo, blu e nero
Il neoplasticismo ispira ancora designer, architetti e grafici industriali.
Aspetto:
opere di Piet Mondrian e Theo Vanna Doesburg al Museo Civico dell'Aia.
13. ARTE DI STRADA.
Arte per la quale la città è una mostra o una tela
L'obiettivo di un artista di strada è quello di coinvolgere istantaneamente un passante in un dialogo con l'aiuto della sua installazione, scultura, poster o stencil.
Dall'8 giugno al 31 luglio si svolge a Mosca la VI Biennale Internazionale dell'Arte Giovane. Più di 50 artisti di tutto il mondo sotto i 35 anni hanno presentato le loro opere. Ma gli artisti contemporanei non sono solo esposti in gallerie o musei, spesso le loro opere possono essere acquistate. Non deve essere costoso: la divulgazione dell'arte contemporanea ha innescato un processo di democratizzazione dei prezzi che ha portato alcuni abitanti delle città a preventivare il costo dei dipinti per i lavori di ristrutturazione. Anche le case d'asta e le fiere d'arte non potevano ignorare l'interesse per l'arte della classe media, in cui iniziarono ad apparire opere di giovani artisti. The Village ha chiesto a Ekaterina Polozhentseva, giornalista e comproprietaria della galleria Oily Oil, di selezionare opere di artisti russi contemporanei accessibili sia in termini di approccio che di prezzo.
Ekaterina Polozhentseva
Timofey Radya
L'artista di Ekaterinburg Tima Radya combina filosofia e street art nelle sue opere. Filosofa per formazione e vera artista per natura, Tima coltiva da tempo l'idea di un'opera futura, per poi realizzarla nello spazio urbano con l'aiuto del suo piccolo esercito di colleghi. Frasi che sono diventate meme, "Ti abbraccerei, ma sono solo testo", "Più luce, meno si vede" o "Chi siamo, da dove veniamo, dove andiamo?" entrano temporaneamente a far parte dell'ambiente urbano, ma rimangono per sempre nelle fotografie di Radi. Li vende nelle gallerie.
Timofey Radya. Abbasso la morte. 2013. Stampa fotografica su carta opaca. 60 x 80. Tiratura 15/24. Prezzo - 44.000 rubli. Acquista - Galleria Artwin
Alexey Dubinsky
Dubinsky è nato a Grozny nel 1985 e ha ricevuto la sua formazione classica presso l'Accademia russa di pittura, scultura e architettura Ilya Glazunov. Alexei lavora alla maniera dell'espressionismo astratto, che nasconde sempre l'immagine di una sorta di eroe: lo stesso Alexei, i suoi amici o "una famiglia completamente felice". Nella primavera del 2018, Dubinsky ha tenuto una grande mostra personale curata da Sofya Simakova alla Triumph Gallery, dopo di che l'apparizione di Alexei in questa lista è un grande successo: le grandi opere (metro per metro) di Dubinsky sono uscite da tempo dalla categoria di prezzi che sono decentemente chiamati ad alta voce. Ma la grafica degli anni passati è ancora disponibile per l'acquisto senza andare in crash per un budget personale o familiare.
Kirill Kto
Se vedi gli occhi scolpiti negli striscioni per le strade di Mosca, sappi che sono stati realizzati da una persona che ama molto camminare: Kirill Lebedev. Il secondo segno distintivo di Who sono le frasi scritte in stampatello. Accade spesso che ogni lettera sia disegnata con il proprio colore. Chi è difficile da confondere con qualcuno. Un paio di anni fa, le galleriste Elvira Tarnogradskaya e Nadezhda Stepanova hanno chiesto a Kirill di trasferire diverse opere su tele: il successo dell'idea era evidente. I prezzi di Who's stanno aumentando più velocemente di quanto appaiano i nuovi occhi della città. Ma c'è anche un'opzione per chi conta i propri soldi: la serigrafia, firmata dall'autore e prodotta in edizione limitata.
Giulia Iosilzon
Iosilzon è nato a Mosca nel 1992. Yulia ora vive a Londra, dove sta conseguendo una laurea presso la Slade School of Art presso la Faculty of Fine Art. La permanenza 24 ore su 24 nel laboratorio artistico studentesco non le ha impedito di tenere una mostra personale alla Triumph Gallery di Mosca. Di solito realizza opere espressive su seta tesa su una barella. Tra gli eroi delle opere sono riconoscibili un lupo e una lepre del sovietico "Bene, aspetta!". Iosilzon dovrà accantonare diversi stipendi per la pittura, ma la grafica può ancora essere acquistata per pochi soldi.
Anton Totibadze
Anton Totibadze è il figlio dell'artista Konstantin Totibadze e il nipote dell'artista Georgy Totibadze. Anton continua la tacita tradizione familiare di dipingere nature morte e paesaggi quotidiani, spesso ispirati dalla cottura di shish kebab nel proprio cortile. Il Museo Russo di San Pietroburgo ha già incluso nella sua collezione una di queste opere di Anton Totibadze. Non male per un artista di 25 anni.
Anton Totibadze. Disagio temporaneo. 2017. Tempera su tela. 15 x 19. Prezzo - 25.000 rubli. Acquista - OilyOil.com
Ales Nomad
Anna Asyamova è nata in Kazakistan e si è laureata alla Kemerovo University of Arts. I suoi primi lavori sono ritratti ascetici, in cui non mescolava i colori. Successivamente, Ales si interessò alla pittura e iniziò a dipingere ritratti nello stile dei vecchi maestri e a rimodellarli in zaini o peluche, utilizzando cerniere per rendere il lavoro multifunzionale. In questa fase, Vladimir Dubossarsky l'ha notata e si è offerta di fare una mostra congiunta. Uno degli artisti russi viventi più costosi, ovviamente, ha influenzato il costo delle nuove opere di Ales. Ma i primi lavori e oggi puoi acquistare a un prezzo fino a 22 mila rubli.
Ales Nomad. Nozze. 2013. Cartone, acrilico, pennarelli. 70 x 100. Prezzo - 22 000 RUBLI. Acquista - OilyOil.com
Valery Chtak
Valery Chtak è un'artista con una grande storia espositiva e uno stile riconoscibile. Il suo lavoro è sempre una tavolozza monocromatica nero-bianco-grigio con testo. C'è poca pittura nei suoi dipinti e molte immagini semplici, come dal muro di un vicino passaggio sotterraneo. Bibliotecario per educazione, Chtak lavora molto con la parola: "Tutti i morti sono morti uguali", "Ama divertirsi, odiare e vendicarsi" o "Quando è mezzanotte a Mosca, è anche mezzanotte a Murmansk" - il testi dell'artista, che vale la pena acquistare anche oggi.
Dmitrij Aske
Dmitry Aske è un altro artista che si è trasferito dalla strada allo studio d'arte. Gran parte del lavoro di Aske oggi è costituito da pannelli di legno tagliati e dipinti a mano, che l'artista assembla in pannelli. Delle opere economiche di Dima, oggi vale la pena prestare attenzione alla sua serigrafia con colori acrilici dipinti a mano. Le stampe di Asuke sono firmate e numerate.
Dmitrij Aske. Budda. Serigrafia, acrilico, carta cotone. 50 x 50. Prezzo - 16 000 RUBLI. Acquista - format1.net
Fotografie: cover, 15–21 - Oily Oil, 1 - Artwin, 2 - Timofei Radya, 3–7, 12–14 - Sample, 8, 25, 26 - White Wall Problems galleria online, 9–11, 22–24 - Gallery Triangle , 27 - "Formato uno"
L'arte dei giovani artisti russi più costosi (anche quelli i cui nomi sono stati ascoltati da tempo) è ancora abbastanza accessibile. Il "biglietto d'ingresso" per i primi 20 costerà meno di $ 5.000
L'ispirazione per la nostra nuova classifica è stata la recente curiosità delle 10 opere più costose al mondo di artisti under 33, che provenivano da due cognomi. Non volendo un destino simile per i nostri autori, abbiamo usato la nostra regola tradizionale di "un artista - una foto".
Inoltre, è stato deciso di aumentare il limite di età per un giovane artista da 33 a 35 anni. Perché è questa età che viene presa come criterio formale per un "giovane artista" in concorsi, premi e biennali russi. In particolare, 35 anni è il limite per la nomination “New Generation” del Premio Innovazione, per la nomination “Young Artist” al Premio Kandinsky, per la partecipazione alla Biennale Internazionale di Mosca per la Giovane Arte Youngart.ru, per l'incentivo borse di studio del Garage CSC e tanti altri progetti per giovani artisti. Quindi, a malincuore, abbiamo dovuto escludere dalla classifica tutti i nati prima del 1979.
Il prossimo criterio di selezione: luogo di nascita - URSS. Pertanto, la valutazione includeva non solo i nostri compatrioti di oggi, ma anche altri artisti dell'orbita dell'arte russa vicini o lontani all'estero, che si tratti di Ucraina, Francia o Gran Bretagna. Quindi non lasciarti ingannare dai singoli nomi: è così che era inteso.
E, naturalmente, la nostra valutazione, come sempre, si basa esclusivamente sulle vendite all'asta pubbliche. Le transazioni della galleria non vengono prese in considerazione, poiché si tratta di una questione dolorosamente oscura. I prezzi non tengono conto del premio dell'acquirente e sono tradizionalmente quotati nella valuta della transazione e in dollari al tasso di cambio alla data della vendita. Quindi, ecco cosa abbiamo ottenuto.
Cosa si può notare alla fine?
L'arte dei giovani artisti russi (anche quelli i cui nomi sono stati ascoltati da tempo) è ancora relativamente poco costosa. Il "biglietto d'ingresso" tra i primi 20 costerà meno di $ 5.000. E già per 8.000-10.000 dollari, i collezionisti sono riusciti ad acquistare le cose migliori della ben nota Tatyana Akhmetgalieva, Valery Chtak o del meno noto "francese russo" Vitaly Rusakov. I graffiti di quest'ultimo sono stati recentemente portati da una galleria francese a Mosca al Salon of Fine Arts, dove, come si diceva, l'artista è piuttosto popolare. In totale, rimarrai sorpreso dal fatto che per acquistare l'intera top 20 della giovane arte russa, un ipotetico collezionista o investitore avrebbe bisogno di 218.903 dollari (adeguati per la condizione "un artista - una foto").
Anche questa volta i cercatori di una "formula per il successo" universale nell'arte rimarranno delusi. Non esiste un unico stile e direzione dominante nelle opere del gruppo di campioni. Al contrario, è rappresentata una vasta gamma di generi e tendenze. Dal postmodernismo al realismo. In termini di tecnologia, c'è anche una varietà completa. Ci sono grafica, fotografia, tessuti e ceramiche. Tuttavia, 11 opere su 20 sono dipinti (tela, olio o acrilico). Questo è un saluto a coloro che da tempo hanno predetto la morte della pittura in generale e dell'arte contemporanea in particolare.
Quindi, il tipo di arte e il genere dell'opera di importanza decisiva non contano. Allo stesso tempo, è chiaro che per avere successo bisogna "essere di tendenza" - e non in Russia, ma in quella globale. Questo è quello che cercano di fare i giovani artisti russi: le loro opere sono estremamente attuali.
Per fare questo, in un certo numero di casi usano questioni sociali acute, motivi visivi di attualità e tecniche artistiche, mescolando tipi e generi d'arte in uno spirito postmoderno. Come il disegno a stencil sulla superficie della tela, come nei graffiti, o le tecniche di arte digitale nella pittura. Tuttavia, nonostante tutto il loro postmodernismo e il loro acuto orientamento sociale, gli autori chiaramente non dimenticano che queste opere dovrebbero anche essere piacevoli alla vista e adattarsi al design degli interni moderni. Quindi - levigatezza e un tocco di lucentezza, riverenze verso il realismo (fotorealismo). E, naturalmente, consideriamo gli acquirenti come un enorme vantaggio il fatto che la nostra valutazione di giovani artisti sia ancora riuscita a fare a meno dei nudi romanticamente zuccherati che vengono venduti in maniera massiccia alle aste (fortunatamente, principalmente nelle aste interne) e ancora più entusiasti post sui blog.
Un'altra cosa che salta all'occhio è il grande divario tra il primo e il secondo risultato. L'innovativa digital art da record di Oleg Dou stacca dal secondo classificato - dipinto di Veronika Smirnova - ben 20mila dollari. A proposito, se infrangessimo la regola "un artista - una foto" - e l'ambasciatore russo del programma Adobe Photoshop (nell'aprile 2012, il lavoro di Oleg Dow ha onorato la copertina della versione Photoshop CS6) occuperebbe altri sette posti in la nostra valutazione con le sue opere. Perché non Liu Chunxi? Ma il nostro Dow è anche di due anni più giovane.
Sorprendentemente, quasi la metà dei record nella nostra top 20 proviene dal 2011-2013. Cioè, questi non sono alcuni "casi di tempi passati" pre-crisi, ma piuttosto un processo commerciale vivente.
È anche degno di nota il fatto che solo sei opere tra le prime 20 classificate abbiano ricevuto il massimo dei voti nelle nostre aste nazionali - alla "Sezione aurea" di Kiev e al VLADEY di Mosca e all'asta della "Galleria d'arte russa". Tutto il resto ha raccolto denaro nelle aste estere, il più delle volte da Phillips, che però appartiene anche a proprietari russi. E il punto qui non è solo che non c'è nessun profeta nel suo paese. E non solo nel fatto che in Russia l'acquisto di opere di giovani artisti è ancora percepito quasi come un'eccentricità. E anche che l'infrastruttura delle aste nazionali, che lavora con l'arte contemporanea, sta appena iniziando a prendere forma. La stessa asta VLADEY ha recentemente tenuto solo la sua prima asta, e i veterani del mercato delle aste di Mosca con l'arte contemporanea (soprattutto l'arte del 21 ° secolo) non funzionano: il pubblico degli acquirenti è piccolo e non si possono guadagnare buone commissioni su articoli poco costosi. Ma nel prossimo futuro questa nicchia di arte contemporanea a prezzi accessibili sarà attaccata da altri formati commerciali: nuove piattaforme elettroniche che hanno alle spalle una forte reputazione offline. In particolare, l'altro giorno la struttura di Sergei Gridchin (il titolare della residenza d'arte Gridchinhall) ha annunciato il lancio a settembre di una nuova piattaforma elettronica Artlet.com - subito con mille opere di quasi 200 artisti contemporanei. Non entreranno nella nostra valutazione (non esiste un principio di asta), ma dobbiamo andare tutti, non dama.
Sito editoriale
Attenzione! Tutti i materiali del sito e il database dei risultati delle aste del sito, comprese le informazioni di riferimento illustrate sulle opere vendute alle aste, sono destinati all'uso esclusivamente ai sensi dell'art. 1274 del codice civile della Federazione Russa. Non è consentito l'utilizzo a fini commerciali o in violazione delle norme stabilite dal Codice Civile della Federazione Russa. il sito non è responsabile del contenuto dei materiali inviati da terzi. In caso di violazione dei diritti di terzi, l'amministrazione del sito si riserva il diritto di rimuoverli dal sito e dal database in base alla richiesta dell'ente autorizzato.