L'arte moderna è chiamata tutti i tipi di correnti artistiche istituita alla fine del XX secolo. Nel dopoguerra è stata una sorta di sfogo che ha insegnato ancora una volta a sognare e inventare nuove realtà della vita.
Stanchi delle catene delle dure regole del passato, i giovani artisti hanno deciso di infrangere le vecchie norme artistiche. Hanno cercato di creare nuove pratiche precedentemente sconosciute. Opponendosi al modernismo, si sono rivolti a nuovi modi di rivelare le loro storie. L'artista e il concetto alla base della sua creazione sono diventati molto più importanti del risultato finale. attività creativa. Il desiderio di allontanarsi dal quadro eretto ha portato all'emergere di nuovi generi.
Cominciarono a sorgere controversie tra gli artisti sul significato dell'arte e sui modi di esprimerla. Cos'è l'arte? Con quali mezzi si può raggiungere la vera arte? Concettualisti e minimalisti hanno trovato la risposta da soli nella frase: "Se l'arte può essere tutto, allora non può essere niente". Per loro, una partenza dal solito mezzi visivi ha portato a varie azioni, avvenimenti e spettacoli. Qual è la particolarità arte contemporanea nel 21° secolo? Questo è ciò di cui parleremo nell'articolo.
La grafica tridimensionale nell'arte del XXI secolo
L'arte del 21° secolo nella grafica 3D è famosa. Con lo sviluppo informatica gli artisti hanno avuto accesso a nuovi mezzi per creare la loro arte. L'essenza della grafica tridimensionale è creare immagini modellando oggetti nello spazio tridimensionale. Se consideriamo la maggior parte delle forme d'arte moderna del 21° secolo, la creazione di immagini tridimensionali sarà la più tradizionale. La grafica 3D ha molti lati, in letteralmente questa parola. Viene utilizzato durante la creazione di programmi, giochi, immagini e video su un computer. Ma può anche essere visto proprio sotto i tuoi piedi, sul marciapiede.
La grafica tridimensionale si è spostata nelle strade diversi decenni fa e da allora è rimasta una delle forme più importanti di street art. Molti artisti disegnano immagini tridimensionali sui loro "quadri" che possono stupire con il loro realismo. Edgar Muller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner e molti altri artisti contemporanei oggi creano arte che può sorprendere chiunque.
Arte di strada del 21° secolo
In precedenza, l'occupazione era la sorte delle persone benestanti. Per secoli è stato nascosto dalle mura di istituzioni speciali, dove l'accesso ai non iniziati era chiuso. Ovviamente, la sua forza grandiosa non poteva languire per sempre all'interno di edifici soffocanti. Fu allora che uscì - nelle strade grigie e cupe. Scelto per cambiare la tua storia per sempre. Anche se all'inizio non è stato così facile.
Non tutti erano contenti della sua nascita. Molti lo consideravano il risultato di una brutta esperienza. Alcuni si sono persino rifiutati di prestare attenzione alla sua esistenza. Nel frattempo, l'idea ha continuato a crescere e svilupparsi.
Gli artisti di strada hanno affrontato difficoltà lungo la strada. Con tutta la sua varietà di forme, arte di strada a volte era difficile distinguerlo dal vandalismo.
Tutto è iniziato negli anni '70 del secolo scorso a New York. A quel tempo, la street art era agli inizi. E Julio 204 e Taki 183 hanno sostenuto la sua vita, lasciando delle iscrizioni luoghi differenti della loro area, dopo aver ampliato il territorio di distribuzione. Altri ragazzi hanno deciso di competere con loro. Fu allora che iniziò il più interessante. Entusiasmo e voglia di mettersi in mostra sfociarono in una battaglia di creatività. Tutti erano desiderosi di scoprire per sé e per gli altri un modo più originale per lasciare il segno.
Nel 1981 la street art riesce ad attraversare l'oceano. In questo è stato aiutato da un artista di strada dalla Francia BlekleRat. È considerato uno dei primi artisti di graffiti a Parigi. È anche chiamato il padre dei graffiti con gli stencil. Il suo tocco distintivo sono i disegni di topi, che si riferiscono al nome del loro creatore. L'autore ha notato che dopo aver riorganizzato le lettere nella parola rat (ratto), si ottiene l'arte (arte). Blek una volta ha osservato: "Il topo è l'unico animale libero a Parigi che va ovunque, proprio come l'arte di strada".
L'artista di strada più famoso è Banksy, che chiama BlekleRat il suo maestro principale. Il lavoro di attualità di questo talentuoso britannico è in grado di mettere a tacere tutti. Nei suoi disegni, realizzati con gli stampini, denuncia società moderna con i suoi vizi. Banksy tende ad essere tradizionale, permettendoti di lasciare un'impressione ancora maggiore sul pubblico. Un fatto interessante è che fino ad ora l'identità di Banksy è avvolta nel mistero. Nessuno è ancora riuscito a risolvere l'enigma della personalità dell'artista.
Nel frattempo, la street art sta rapidamente guadagnando slancio. Un tempo relegata a correnti marginali, la street art è salita al palcoscenico delle aste. Le opere degli artisti vengono vendute per somme favolose da chi un tempo si rifiutava di parlarne. Cos'è, la forza vivificante dell'arte o le tendenze tradizionali?
Forme
Ad oggi, ci sono diverse manifestazioni piuttosto interessanti dell'arte contemporanea. Panoramica delle forme più insolite dell'arte contemporanea verrà portato alla vostra attenzione di seguito.
Pronto
Il termine readymade deriva dall'inglese, che significa "pronto". In sostanza, l'obiettivo questa direzione non è la creazione di qualcosa di materiale. L'idea principale qui è che a seconda dell'ambiente di un oggetto, la percezione di una persona e dell'oggetto stesso cambia. L'antenato della corrente è Marcel Duchamp. La sua opera più famosa è "Fontana", che è un orinatoio con autografo e data.
Anamorfosi
Le anamorfosi sono chiamate la tecnica per creare immagini in modo tale che sia possibile vederle completamente solo sotto certo angolo. Uno di rappresentanti di spicco di questa tendenza è il francese Bernard Pras. Crea installazioni utilizzando qualsiasi cosa gli capiti a portata di mano. Grazie alla sua abilità, riesce a creare opere straordinarie, che però può essere visto solo da una certa angolazione.
Fluidi biologici nell'art
Una delle correnti più controverse nell'arte moderna del XXI secolo è il disegno, dipinto con fluidi umani. Spesso i seguaci di questa forma d'arte moderna usano sangue e urina. Il colore dei dipinti in questo caso assume spesso un aspetto cupo e spaventoso. Herman Nitsch, ad esempio, utilizza sangue animale e urina. L'autore spiega l'uso di tali materiali inaspettati infanzia difficile che è venuto durante la seconda guerra mondiale.
Dipinto del XX-XXI secolo
Una breve storia della pittura contiene informazioni che sono diventate la fine del XX secolo Punto di partenza per molti iconici artisti contemporanei. In pesante anni del dopoguerra Il campo ha attraversato una rinascita. Gli artisti hanno cercato di scoprire nuove sfaccettature delle loro capacità.
Suprematismo
Kazimir Malevich è considerato il creatore del suprematismo. Essendo il principale teorico, ha proclamato il suprematismo come un modo per purificare l'arte da tutto ciò che è superfluo. Rifiutando i soliti modi di trasmettere l'immagine, gli artisti hanno cercato di liberare l'arte dal non artistico. Il lavoro più importante in questo genere funge da famoso "Quadrato nero" di Malevich.
Pop Art
La pop art ha le sue origini negli Stati Uniti. Negli anni del dopoguerra, la società ha vissuto cambiamenti globali. La gente ora potrebbe permettersi di più. Il consumo è diventato parte essenziale vita. Le persone iniziarono ad essere erette in un culto e i prodotti di consumo in simboli. Jasper Johns, Andy Warhol e altri seguaci della corrente hanno cercato di utilizzare questi simboli nei loro dipinti.
Futurismo
Il futurismo è stato scoperto nel 1910. L'idea principale di questa tendenza era il desiderio di un nuovo, la distruzione del quadro del passato. Gli artisti hanno rappresentato questo desiderio con l'aiuto di una tecnica speciale. Tratti netti, influssi, connessioni e intersezioni sono segni di futurismo. Maggior parte noti rappresentanti Futurismo sono Marinetti, Severini, Carrà.
Arte Contemporanea in Russia nel XXI secolo
L'arte contemporanea in Russia (21 ° secolo) è fluita dolcemente dall'arte sotterranea e "non ufficiale" dell'URSS. I giovani artisti degli anni '90 cercavano nuovi modi per realizzare le loro ambizioni artistiche nuovo paese. In questo momento è nato l'azionismo di Mosca. I suoi seguaci hanno sfidato il passato e la sua ideologia. Distruzione dei confini (direttamente e figuratamente parole) ha permesso di rappresentare la relazione nuove generazioni alla situazione del paese. L'arte contemporanea del 21° secolo è diventata espressiva, spaventosa, scioccante. Quello da cui la società ha chiuso per così tanto tempo. Azioni di Anatoly Osmolovsky ("Mayakovsky - Osmolovsky", "Against Everyone", "Barricade on Bolshaya Nikitskaya"), il movimento ETI ("ETI-text"), Oleg Kulik ("Piglet fa regali", "Mad Dog or the Last Taboo custodito da un solitario Cerberus"), Avdey Ter-Oganyan ("Pop Art") ha cambiato per sempre la storia dell'arte contemporanea.
Nuova generazione
Slava ATGM è un artista contemporaneo di Ekaterinburg. Alcuni dei suoi lavori potrebbero ricordare il lavoro di Banksy. Tuttavia, le opere di Slava portano idee e sentimenti familiari solo a un cittadino russo. Una delle sue opere più importanti è la campagna "Land of Opportunities". L'artista ha creato un'iscrizione fatta di stampelle sull'edificio di un ospedale abbandonato a Ekaterinburg. Slava ha acquistato le stampelle dagli abitanti della città, che una volta le usavano. L'artista ha annunciato l'azione sulla pagina in rete sociale, integrato da un appello ai concittadini.
Musei di arte moderna
Forse, una volta l'arte moderna del XXI secolo sembrava essere un ambiente marginale, ma oggi tutto più persone cercare di entrare in un nuovo campo dell'arte. Tutto più musei aprire le porte a nuovi mezzi di espressione. New York detiene il record per l'arte contemporanea. Ci sono anche due musei che sono tra i migliori al mondo.
Il primo è il MoMA, che è un deposito di dipinti di Matisse, Dalì, Warhol. Il secondo è un museo L'insolita architettura dell'edificio è adiacente alle creazioni di Picasso, Marc Chagall, Kandinsky e molti altri.
L'Europa è famosa anche per i suoi magnifici musei di arte contemporanea del XXI secolo. Il museo KIASMA di Helsinki ti permette di toccare con mano gli oggetti della mostra. Il centro della capitale della Francia colpisce per l'architettura insolita e le opere di artisti contemporanei. Lo Stedelijkmuseum di Amsterdam rimane tra le sue mura collezione più grande dipinti di Malevich. nella capitale della Gran Bretagna ha un numero enorme di oggetti d'arte moderna. Museo di Vienna La Galleria d'Arte Contemporanea ha opere di Andy Warhol e altri talentuosi artisti contemporanei.
L'arte moderna del 21 ° secolo (pittura) - misteriosa, incomprensibile, ammaliante, ha cambiato per sempre il vettore di sviluppo non solo di una sfera separata, ma dell'intera vita dell'umanità. Riflette e crea la modernità allo stesso tempo. In continua evoluzione, l'arte della modernità consente a una persona che ha costantemente fretta di fermarsi un momento. Fai una pausa per ricordare i sentimenti nel profondo. Fermati per riprendere il ritmo e precipitarti nel vortice di eventi e affari.
La percezione dell'arte è in gran parte soggettiva. Anche coloro che non sono forti nelle sottigliezze possono ancora farsi un'opinione sull'opera in termini di impressione che ha fatto. Ma in Ultimamente non sono più le immagini stesse a sorprendere, ma il modo in cui vengono create. Alcuni di loro sono così originali e ambigui che a volte anche le parole non bastano per trasmettere l'atteggiamento nei confronti di ciò che sta accadendo.
Parlando dei modi in cui gli artisti creano le loro opere, hai mai sentito parlare di microbi? Ad esempio, la designer inglese Natsai Audrey Chieza tinge abiti e tessuti utilizzando batteri. Un giorno ha notato che i batteri dello streptococco, moltiplicandosi in una provetta, creano colori molto interessanti che sarebbero belli sui tessuti. Se utilizzato come terreno fertile per i batteri sotto forma di erbe come origano e salvia, si ottengono colori e motivi unici. Ma questo metodo non è il massimo in modo strano creare. L'artista di Shanghai Hong Yi crea ritratti utilizzando le macchie lasciate dalle tazze di caffè. palloni da calcio e persino calzini.
La soggettività ci fa guardare a tali creazioni e percepire una creatività così insolita. E che dire del lavoro di Casey Jenkins, che ha passato 28 giorni a lavorare a maglia con l'aiuto di una vagina? Il modo in cui un artista vuole esprimersi dipende solo dalla sua immaginazione, ma fortunatamente non tutte le forme d'arte sono così estreme.
Steve Spazuk - fuliggine di candela
1. Un fumatore è un metodo unico, inventato negli anni '30 del secolo scorso, che consente di creare immagini su tela con l'aiuto della fuliggine di una candela o di una lampada a cherosene. Il disegno è portato alla perfezione con matite e pennelli. Anche Dali era un sostenitore di questo metodo.
2. Negli ultimi 15 anni, Spazuk ne ha creati diversi composizioni complesse completamente fatto di fuliggine, comprese le immagini più piccole di uccelli, insetti e figure danzanti, che ha finalizzato con piume, fiori e fuoco.
Val Thompson - vernice e cenere
3. L'arte è spesso associata a momenti piacevoli della vita, ma molti artisti trovano la loro espressione nell'arte quando c'è tristezza o dolore nei loro cuori. In alcune case puoi vedere ritratti di parenti defunti, in altre - urne con le ceneri del defunto. L'artista di Sunderland Val Thompson ha deciso di mescolare vernice e cenere per creare dipinti che simboleggiano l'incarnazione finale di una persona deceduta. Dopo aver creato una volta un'immagine del genere, si è resa conto che a parte lei, nessuno è impegnato in questo tipo di arte e alla gente piace il suo lavoro. Val ha avviato la sua attività chiamata Ash2Art e vende i suoi dipinti per $ 1.150.
Honoré Fragonard - corpi imbalsamati
4. A 20 minuti di auto dal Louvre di Parigi si trova il Museo dei profumi Fragonard, che ostenta le anomalie anatomiche dei corpi umani. Fu fondato nel XVIII secolo dal professore di anatomia Honoré Fragonard. Il museo - questo era il luogo in cui era impegnato in una creatività insolita - ha imbalsamato i corpi. È diventato l'autore di un metodo unico con cui ha creato famosa collezione corpi con pelle scorticata e muscoli scoperti. Fragonard ha ricevuto corpi per esperimenti dopo le esecuzioni, dalle scuole di medicina e persino da nuove tombe. Dopo l'imbalsamazione, lo scienziato ha rimosso gli organi e li ha sistemati nei corpi come voleva creare una certa immagine o composizione. Poteva scambiare organi tra corpi e persino inserire organi animali negli umani e viceversa.
5. Alla fine, Fragonard con l'aiuto dei colori ha evidenziato le arterie e le vene. Così, ha creato 700 immagini, ma solo 20 di esse possono essere viste oggi nella mostra. Un tempo Fargonar insegnava in una scuola di veterinaria, ma fu licenziato per comportamento straordinario e strano.
Milo Muar - arte del corpo
6. La performance oggi è considerata una manifestazione moderna dell'arte e sta diventando molto popolare. Impiega un famoso artista e modello svedese come Milo Muar. Usa il suo corpo come una tela. Nel 2014 ha visitato la mostra Art Basel a Basilea. L'artista è andata lì in autobus e sulla via del ritorno è rimasta in fila per un po 'prima di salire sull'autobus. Perché ti stiamo dicendo tutto questo, chiedi? Il fatto è che era completamente nuda e tutti i vestiti sul suo corpo erano semplicemente firmati, compreso un reggiseno e una giacca.
7. Ma questo caso non è paragonabile a quanto accaduto all'artista in una mostra a Colonia lo scorso agosto. Milo, nell'ambito del suo progetto intitolato “PlopEgg Painting Performance – a Birth of a Picture”, ha scalato una collina e, simulando il parto, ha rilasciato uova piene di vernice dalla sua vagina direttamente sulla tela. Quindi la tela è stata piegata e spiegata di nuovo per creare un motivo simmetrico.
Hananuma Masakishi - legno, coda di rondine e colla
8. Masakishi, artista originario della Cina, vissuto alla fine del XIX secolo. Quando ha saputo che stava morendo di tubercolosi, ha deciso di lasciare alla sua ragazza un regalo prezioso: la sua scultura da enorme quantità elementi di legno scuro, che sono collegati tramite una parte speciale chiamata coda di rondine, e colla. Sul corpo, l'artista ha praticato dei fori microscopici per inserire i capelli che ha preso dalla sua testa. Masakashi ha rimosso tutti i suoi denti per impiantarli nella statua. Ha dato occhiali e vestiti alla sua statua. Dopo che la statua è stata esposta nel museo, il pubblico non è riuscito a distinguere dove fosse il vero Masakashi e dove fosse la sua statua, erano così simili. L'artista morì 10 anni dopo. Durante il terremoto della California del 1996, la statua è stata danneggiata ed è ora conservata a Londra.
Mark Quinn - scultura di sangue
9. Lo scultore inglese Mark Quinn, un maestro dell'oltraggio, ha esposto una grande statua di un'artista incinta, la disabile Alison Lapper, a Trafalgar Square a Londra. Mark ha anche immortalato l'attrice Kate Moss in una delle pose yoga nella scultura (nessuno sa perché abbia scelto la posa in cui la testa di Moss era avvolta attorno alle sue gambe e braccia). Moss Mark ha realizzato un'altra statua in oro 18 carati. Inoltre, ha creato una serie di 9 sculture su come il feto si sviluppa all'interno del grembo materno. Come parte del progetto "I", Mark ha creato un'immagine scultorea della sua testa da 5 litri del suo stesso sangue, che ha raccolto per 5 mesi. Ogni cinque anni, lo scultore fa una nuova mostra e chiama questa serie "Quinn's Life Diary". Lo scultore spera che prima della sua morte realizzerà una, l'ultima, di tutte le teste.
Millie Brown - dipingere con il vomito
10. Sembra disgustoso, ma c'è un artista specializzato proprio in questo modo di esprimersi. Millie Brown, 27 anni, trova poco interessanti e noiosi i metodi tradizionali usati dagli artisti. Così ha imparato a indurre il vomito secondo necessità. Dopo aver ingoiato il latte colorato, lo fa ruttare e crea le sue tele. Prima di "disegnare", l'artista non mangia per due giorni in modo che il suo stomaco sia completamente vuoto. Tra una performance e l'altra, l'artista si prende una pausa di un mese. Metodo unico Millie era interessata a Lady Gaga e l'ha girata nel suo video. Uno dei dipinti di Millie, Nexus Vomitus, è stato venduto per 2.400 dollari nel 2011.
Vincent Castilla - dipinti dipinti con il sangue
11. Castilla è nato a New York e dipinge principalmente con ossido di ferro. Suona bene finché non ti rendi conto che è sangue umano. Non rapina tombe, non rapisce persone, dipinge quadri con il proprio sangue. Tutte le sue opere sono accomunate da un tema legato ai temi della nascita e della vita di una persona, quindi, a suo avviso, il sangue è proprio il materiale che lo aiuterà a esprimere i suoi piani. L'artista prima disegna con una matita e poi usa il sangue. Chiamando i suoi dipinti "emorragie", Castilla è uno dei pochi artisti il cui lavoro è esposto in Svizzera all'H.R. Gigante.
Lani Beloso - sangue mestruale
12. Lani Beloso ha creato il suo dipinto intitolato "Period Fragment" usando il sangue mestruale. Quando l'artista hawaiana si è resa conto che i medici chiamavano la sua condizione menorragia, cioè mestruazioni pesanti, ha deciso di raccogliere il sangue e usarlo a fin di bene. Prima, durante le mestruazioni, l'artista si è seduta sopra la tela e il sangue è colato giù, creando immagini, poi ha deciso di raccogliere semplicemente il sangue, creare dipinti e ricoprirli di resina. Pertanto, l'artista ha creato 13 dipinti in ordine cronologico. Ha definito questa serie una sorta di purificazione.
Laina Victor - oro
13. Layna si oppone all'uso di qualsiasi fluido prodotto dal corpo umano per creare opere d'arte. L'artista di 28 anni crea opere dorate in stile moderno che riecheggia il Medioevo. La sua ossessione per l'oro ha portato Victor a rinunciare alla sua carriera cinematografica e concentrarsi sulla creazione di arte.
14. L'artista usa fogli d'oro piuttosto che vernice dorata. Sì, è molto costoso, ma Victor dice che il lavoro deve essere perfetto. Espone le sue opere a Dubai e in Nigeria.
Coloro che credono che l'arte contemporanea non sia altro che macchie non sistematiche su tele o mostre con letti sfatti come mostre saranno molto sorpresi di vedere le seguenti opere, perché artisti contemporanei, scultori e altri creatori spesso creano veri e propri capolavori. Sono audaci, sono premurosi e sono molto originali! Guarda tu stesso, non è fantastico?
1. Torta al cubo di Rubik
2. Dipinto di una storia russa in una foto - "I guai non vengono da soli"
3. L'artista invita i visitatori coraggiosi a stare sotto 300 forconi appuntiti appesi al soffitto.
4. Opera della nuova mostra del famoso street artist Banksy
5. Enorme nave fatta di barchette di carta
"L'acqua nel cervello" di Claire Morgan.
6. Opere d'arte dallo sporco sulle auto
Fonte 7Grande piatto da chef a base di razioni dell'esercito
Lo chef Chuck George, il direttore della fotografia Jimmy Plum e il fotografo Henry Hargues hanno collaborato per creare queste curiose installazioni.
Cervello di maiale con patate stufate e manzo con salsa rossa.
Prugne, marmellata di mele e formaggio fuso.
8. Cosa succede se aggiungi dei colori ai famosi loghi sportivi?
9 Bacio in ceramica
10. Installazione "Persone che vedo ma non so"
Migliaia di figurine in metallo in miniatura dell'autore Zadok Ben-David.
11. Deliziosi graffiti
12. Lattine di birra accartocciate in ceramica
13. Installazione interamente composta da libri
14. Torte in miniatura
L'arte esiste da quando esiste l'uomo. Ma gli artisti antichi coinvolti in arte rock, riusciva a malapena a immaginare quali strane forme possa assumere l'arte moderna.
1. Anamorfosi
L'anamorfosi è una tecnica per creare immagini che possono essere viste e comprese completamente solo guardandole da una certa angolazione o da un certo luogo. In alcuni casi, l'immagine corretta può essere vista solo guardando un'immagine speculare del dipinto. Uno dei primi esempi di anamorfosi fu dimostrato da Leonardo da Vinci nel XV secolo. Altri esempi storici di questa forma d'arte apparvero durante il Rinascimento.
Nel corso dei secoli, questa tecnica si è evoluta. Tutto è iniziato con immagini tridimensionali ottenute su carta comune, e gradualmente è arrivato alla street art, quando gli artisti imitano vari buchi nei muri o crepe nel terreno.
E il più interessante esempio moderno- stampa anamorfica. Un giorno, gli studenti Joseph Egan e Hunter Thompson, studenti di graphic design, hanno applicato sui muri dei corridoi del loro college dei testi distorti, che potevano essere letti solo guardandoli da un certo punto.
2. Fotorealismo
Dagli anni '60, il movimento fotorealista ha cercato di creare il massimo immagini realistiche, che erano quasi indistinguibili da foto reali. Copiare i più piccoli dettagli, fissato dalla fotocamera, gli artisti fotorealisti hanno cercato di creare un "quadro del quadro della vita".
Un altro movimento noto come superrealismo (o iperrealismo) comprende non solo la pittura ma anche la scultura. Anche questo movimento è sotto forte influenza pop art moderna cultura. Ma mentre nella pop art cercano di rimuovere le immagini quotidiane dal contesto, il fotorealismo, al contrario, si concentra su immagini ordinarie, Vita di ogni giorno ricreato con la massima accuratezza possibile.
Gli artisti fotorealisti più famosi includono Richard Estes, Audrey Flack, Chuck Close e lo scultore Dway Hanson. Il movimento è molto controverso tra i critici, che ritengono che l'abilità meccanica prevalga chiaramente sullo stile e sulle idee in esso contenute.
3. Disegnare su macchine sporche
Attingendo allo sporco che si è accumulato molto tempo fa macchina lavata, è anche considerata un'arte, i cui migliori rappresentanti si sforzano di raffigurare iscrizioni un po 'più banali come "lavami".
52 anni Grafico con il nome di Scott Wade è diventato molto famoso per i suoi fantastici disegni, che ha creato usando lo sporco sui finestrini delle auto.
E l'artista ha cominciato usando come tela uno spesso strato di polvere sulle strade del Texas, sulle strade ha disegnato varie caricature, e le ha create con le sue stesse dita, chiodi e rametti.
4. Uso di fluidi corporei nell'art
Può sembrare strano, ma ci sono molti artisti che usano i fluidi corporei nel loro lavoro. Potresti averlo già letto da qualche parte, ma molto probabilmente era solo la punta di questo disgustoso iceberg.
Ad esempio, l'artista austriaco Hermann Nitsch usa la propria urina e un gran numero di sangue animale. Dipendenze simili sorsero in lui da bambino, che caddero sul Secondo guerra mondiale, e queste alleanze sono state controverse nel corso degli anni, ci sono state persino diverse cause legali.
Un altro artista brasiliano di nome Vinicius Quesada lavora con il proprio sangue e non usa sangue animale. I suoi dipinti, con dolorose sfumature di rosso, giallo e verde, trasmettono un'atmosfera molto cupa e surreale.
5. Disegno in parti proprio corpo
Non solo gli artisti che utilizzano fluidi corporei sono in aumento. Sta guadagnando popolarità anche l'uso di parti del proprio corpo come pennelli. Prendi Tim Patch. È meglio conosciuto con lo pseudonimo di "Pricasso", che prese in onore del grande Artista spagnolo Pablo Picasso. È anche noto per aver usato il proprio pene come pennello. Questo australiano di 65 anni non ama limitarsi a nulla, quindi oltre al pene usa anche i glutei e lo scroto per disegnare. Patch fa questo lavoro insolito da più di 10 anni. E la sua popolarità sta crescendo di anno in anno.
E Kira Ain Warseji usa i propri seni per dipingere ritratti astratti. Sebbene sia spesso criticata, rimane comunque un'artista a tutti gli effetti che lavora quotidianamente (dipinge anche senza usare il seno).
6. Invertire le immagini 3D
Mentre l'anamorfosi cerca di far sembrare gli oggetti 2D come 3D, il 3D inverso cerca di far sembrare un oggetto 3D come un disegno 2D.
L'artista più notevole in quest'area è Alexa Meade di Los Angeles. Nel suo lavoro, Meade utilizza colori acrilici atossici, con i quali fa sembrare i suoi assistenti come dipinti bidimensionali inanimati. Mead ha iniziato a sviluppare questa tecnica nel 2008 ed è stata presentata al pubblico nel 2009.
Il lavoro di Mead è solitamente una persona seduta contro un muro, e dipinta in modo tale che lo spettatore abbia l'illusione che davanti a lui ci sia una normale tela con ritratto ordinario. Potrebbero essere necessarie diverse ore per creare un'opera del genere.
Un'altra figura significativa in questo campo è Cynthia Greig, artista e fotografa con base a Detroit. A differenza di Mid, Greig non usa persone nel suo lavoro, ma ordinarie articoli casalinghi. Li copre con carboncino e vernice bianca per farli sembrare piatti dall'esterno.
7. Ombre nell'arte
Le ombre sono intrinsecamente fugaci, quindi è difficile dire quando le persone hanno iniziato a usarle per creare arte. Ma i moderni "artisti delle ombre" hanno raggiunto vette senza precedenti nell'uso delle ombre. Gli artisti utilizzano un attento posizionamento di vari oggetti per creare bellissime immagini in ombra di persone, oggetti o parole.
Gli artisti più importanti in quest'area sono Kumi Yamashita e Fred Erdekens.
Naturalmente, le ombre hanno una reputazione alquanto inquietante e molti "artisti delle ombre" usano temi di orrore, devastazione e degrado urbano nelle loro opere. Tim Noble e Sue Webster sono famosi per questo. Il loro lavoro più famoso si chiama Dirty White Trash, in cui un mucchio di spazzatura getta un'ombra su due persone che bevono e fumano. In un'altra opera, si vede l'ombra di un uccello, forse l'ombra di un corvo, che becca un paio di teste mozzate impalate su pali.
8 Graffiti inversi
Come dipingere su auto sporche, i "graffiti inversi" implicano la creazione di un dipinto rimuovendo lo sporco in eccesso, piuttosto che aggiungendo vernice. Gli artisti usano spesso potenti rondelle per rimuovere lo sporco dai muri e nel processo creare belle immagini. Tutto è iniziato con l'artista Paul "Muse" Curtis, che ha dipinto il suo primo quadro su una parete annerita dalla nicotina di un ristorante dove lavava i piatti.
Un altro artista degno di nota è Ben Long dal Regno Unito, che pratica una versione in qualche modo semplificata di "graffiti al contrario" usando il proprio dito per rimuovere la sporcizia dagli scarichi delle auto sui muri. I suoi disegni durano sorprendentemente a lungo, fino a sei mesi, a patto che non vengano spazzati via dalla pioggia o distrutti da vandali.
9. Illusioni di body art
Letteralmente tutti sono stati impegnati a disegnare sul corpo per molti secoli. Anche gli antichi egizi e maya si cimentarono in questo. Tuttavia, l'illusion body art porta questa antica pratica a un livello completamente nuovo. nuovo livello. Come suggerisce il nome, l'illusione della body art implica l'uso del corpo umano come una tela, ma sulla tela questo crea qualcosa che può ingannare l'osservatore. Le illusioni sul corpo possono variare da persone dipinte come animali o macchine a immagini di buchi o ferite aperte nel corpo.
10. Dipingere con la luce
Stranamente, i primissimi praticanti del light painting non lo percepivano come arte. Frank e Lillian Gilbreth hanno affrontato il problema dell'aumento dell'efficienza dei lavoratori dell'industria. Nel 1914, la coppia iniziò a usare la luce e una macchina fotografica per registrare alcuni movimenti delle persone. Studiando i modelli di luce risultanti, speravano di trovare modi per rendere il lavoro del personale più facile e semplice.
E nell'arte, questo metodo iniziò ad essere utilizzato nel 1935, quando l'artista surrealista Man Ray usò una macchina fotografica con un otturatore aperto per scattare foto di se stesso in piedi in flussi di luce. Per molto tempo nessuno ha indovinato che tipo di riccioli chiari sono raffigurati nella foto. E solo nel 2009 è diventato chiaro che non si trattava di un insieme di riccioli di luce casuali, ma di un'immagine speculare della firma dell'artista.
Gli artisti del passato difficilmente potevano immaginare quali strane forme avrebbe assunto l'arte contemporanea.
E questo ha assunto le seguenti forme:
1. Anamorfosi. Questo tipo di arte moderna implica una tecnica di rappresentazione che può essere pienamente compresa guardandola solo con determinato luogo o con una certa angolazione. Alcuni dipinti possono essere visti solo guardandoli allo specchio. Questa forma d'arte apparve durante il periodo di Leonardo da Vinci (XV secolo).
Nel corso dei secoli si è sviluppata l'anamorfosi forma moderna sembra arte di strada. Con questo tipo di disegni, gli artisti imitano davvero le crepe nel terreno o i buchi nei muri.
Opera di Istvan Oros
2. Fotorealismo. Questo tipo di arte è nato negli anni '60 del secolo scorso e gli artisti hanno cercato di riprodurlo immagini realistiche, che non differirebbe dalla fotografia. I più piccoli dettagli catturati dalla fotocamera hanno creato "l'immagine dell'immagine della vita". I critici sono ambivalenti sul fotorealismo, alcuni di loro ritengono che la produzione meccanica di oggetti d'arte prevalga piuttosto sulle idee e sullo stile.
3. Disegni su macchine sporche. I professionisti di questo tipo di arte non cercano di raffigurare una banale scritta "lavami" su un'auto sporca. Gli specialisti usano pennelli e pennelli speciali per il loro lavoro. In quest'area, il 52esimo Scott Wade (grafico) è considerato il maestro principale. Ha creato molti disegni originali e sorprendenti usando nient'altro che lo sporco sui finestrini delle auto. A proposito, ha iniziato usando uno strato di polvere sulle strade del Texas come tela. Lì ha disegnato caricature usando piccoli rami e le sue stesse dita.
Oggi, Wade è invitato a promuovere i suoi prodotti da grandi aziende e mostre d'arte.
Il lavoro di Scott Wade
4. L'uso di fluidi corporei per la produzione di opere d'arte. Questo è naturalmente strano, ma molti artisti usano i loro fluidi corporei nel loro lavoro. Qualunque persona istruita ne ha sentito parlare, ma al 100% ciò di cui ha sentito parlare è solo "la punta di uno spiacevole iceberg".
Ad esempio, Hermann Nitsch, un artista austriaco, usa la sua urina o il sangue del bestiame per il suo lavoro. Queste dipendenze sono apparse durante la seconda guerra mondiale, quando era bambino. E ora, a causa della sua dipendenza da aspetto insolito arte, è stato assicurato alla giustizia più volte.
L'artista brasiliano Vinicius Quesada usa solo il proprio sangue nelle sue opere, senza ricorrere al sangue degli animali. I suoi dipinti hanno una sfumatura malaticcia di verde, giallo e rosso e si esprimono in un'atmosfera surreale molto cupa.
Hermann Nitsch e il suo lavoro
5. Dipinti con il mio corpo. Nell'arte contemporanea, non sono popolari solo gli artisti che usano i propri fluidi corporei per produrre dipinti. Abbastanza famosi e richiesti sono i maestri che scrivono opere con il proprio corpo.
Kira Ain Warseji crea ritratti astratti usando i suoi seni. È stata criticata parecchio per questo. Tuttavia, questa donna è un'artista a tutti gli effetti che lavora secondo lo schema classico, utilizzando colori e pennelli.
Ce n'è dell'altro strani artisti che, invece di un pennello, usano parti del corpo del tutto non destinate a questo scopo. Ad esempio, Ani K. - disegna con la lingua e Stephen Marmer ( insegnante di scuola) - disegna i glutei.
"Ani K al lavoro"
6. Immagine 3D. al massimo artista famoso in questa zona c'è un maestro di Los Angeles Mead Alexa. Il suo lavoro utilizza non tossico colori acrilici, così, gli assistenti diventano come dipinti bidimensionali inanimati. Mead ha presentato la sua tecnica al pubblico nel 2009. Un'altra figura significativa nel campo è l'artista e fotografa di Detroit Cynthia Greig. Nelle sue opere d'arte utilizza oggetti domestici ordinari e pratici, piuttosto che persone. Li copre con vernice bianca o carbone. Da questo, le cose dal lato sembrano piatte e bidimensionali.
Una delle opere di Alexa Meade
7. Arte e ombre. Non si sa esattamente quando l'umanità iniziò a usare l'ombra per le opere d'arte. Ma, nonostante tutto, gli artisti contemporanei hanno raggiunto vette senza precedenti. I maestri usano le ombre per posizionare vari oggetti e persino per creare immagini d'ombra di parole, oggetti e persone.
L'arte delle ombre ha una reputazione leggermente inquietante, tuttavia, ciò non impedisce agli "artisti delle ombre" di utilizzare questo stile per sviluppare temi di devastazione, declino, orrore.
L'opera dell'artista Teodosio Aurea
8. "Graffiti al contrario". Questa forma d'arte prevede la creazione di dipinti rimuovendo lo sporco, ma senza aggiungere vernice. Molto spesso gli artisti usano le lavatrici, rimuovendo lo sporco dalle facciate delle case, mentre creano bellissime opere arte. Questo tipo l'arte dal pubblico è considerata piuttosto controversa, motivo per cui le persone che si dedicano ai "graffiti al contrario" hanno quasi sempre scontri con la polizia.
Il lavoro dell'artista Moose
9. Illusioni di body art. L'umanità è stata impegnata a disegnare sul corpo letteralmente sin dal suo inizio. Sia i Maya che gli antichi egizi praticavano la body art. Questo tipo di arte comporta l'utilizzo del corpo umano come tela su cui creare un'opera d'arte capace di angoli diversi ingannare l'osservatore. Le illusioni sul corpo possono sembrare una ferita, un'auto o un animale. Maestro giapponese Hikaru Cho è diventato famoso per aver attinto corpo umano personaggi dei cartoni animati.
Opera di Hikaru Cho
10. Disegnare con la luce. Il disegno con la luce iniziò ad essere utilizzato nel 1914, per scopi pratici: durante la produzione, le autorità registravano il movimento dei lavoratori. Dopo aver analizzato i dati, i dipendenti si sono licenziati o hanno cercato modi per trovare un modo più semplice per il personale di lavorare.
Nel 1935, l'artista surrealista Man Ray usò una macchina fotografica con otturatore aperto per fotografarsi in piedi in flussi di luce. Per molto tempo nessuno poteva indovinare che tipo di riccioli di luce fossero visualizzati nella foto. Solo nel 2009, grazie a progresso tecnico divenne chiaro che questi non erano riccioli casuali, ma un'immagine speculare della firma dell'artista stesso.