Oggi ricorre l'86esimo anniversario della nascita del famoso Andy Warhol Artista americano, designer, scultore, produttore, regista, scrittore, editore di riviste, fondatore dell'ideologia “homouniversale” e autore di opere che sono già diventate sinonimo del concetto di pop art commerciale. Andy Warhol ha reso l'arte accessibile alle masse affinché le persone imparassero a vedere la bellezza delle cose quotidiane e a capire che tutto ciò che le circonda è bello nella sua essenza. In occasione del compleanno del geniale provocatore, abbiamo ricordato 10 delle sue opere più famose.
1. Dittico di Marilyn
Dittico di Marilyn, 1962
La tela è stata dipinta subito dopo la morte di Marilyn Monroe. Andy Warhol ha combinato due dipinti: cinquanta ritratti dell'attrice, replicati in colori approssimativi, esattamente uguali, ma in bianco e nero. Sulla seconda tela la maggior parte dei ritratti sono poco visibili o sfocati. Così, l'artista è riuscita a mostrare l'immagine della morte che perseguitava Marilyn e ad enfatizzare il contrasto con la sua vita. Il dipinto è ora a Londra, alla Tate Gallery.
2. Una lattina di zuppa Campbell
Lattina per zuppa Campbell, 1962
Questo dipinto, secondo l'artista, era suo miglior lavoro. Tutto è iniziato con una foto, poi è nata un'intera serie. Esprime il desiderio di Warhol di rivelare l'essenza superficiale delle cose e di far capire a tutti che un ferro da stiro o un aspirapolvere sono belli quanto verdi colline o un prato fiorito. Warhol spiegava la sua passione per la pittura quotidiana in modo molto semplice: "Lavoro con ciò che mi piace". E gli piacevano davvero le zuppe Campbell: le mangiava direttamente dalla lattina. Questo dipinto fu venduto per 24 milioni di dollari dopo la morte di Warhol. L'autore stesso una volta, senza sospettare nulla, ne ha venduti di simili per 100 dollari.
3. Pistola
Pistola, 1981-1982
Il 3 giugno 1968, Andy Warhol sopravvisse a un attentato alla sua vita: ne ricevette tre ferite da proiettile nello stomaco. Un incontro ravvicinato con la morte ha ispirato l'innovatore della pop art a creare diversi dipinti, tra cui la famosa "Pistola" - una copia del revolver con cui è stato quasi colpito. Su uno sfondo rosso c'è l'immagine stampata di una rivoltella in bianco e nero soluzioni di colore. Oggi questo lavoro è stimato in 6-7 milioni di dollari.
4. Banane
Banana, 1967
Warhol era un produttore Gruppo di velluto Metropolitana. Il suo contributo principale è stata la realizzazione della copertina album di debutto I Velvet Underground e Nico. Fu su di esso che furono raffigurate per la prima volta la famosa banana gialla brillante, la firma dell'artista e la scritta "Sbuccia lentamente e guarda". E le prime edizioni dell'album erano dotate di una banana gialla incollata sulle buste, strappandola si poteva trovare un altro frutto - questa volta Colore rosa e pulito.
5. 200 banconote da un dollaro
200 banconote da un dollaro, 1962
Warhol disse: “Ho chiesto a molti dei miei amici di suggerirmi temi per il mio lavoro. Alla fine, un amico ha posto la domanda giusta: “Ascolta, cosa ami di più?” È così che ho iniziato a prelevare denaro!” Andy Warhol, in quanto promotore di tutto ciò che ha carattere di massa, non poteva ignorare una cosa così familiare agli americani come la banconota da un dollaro. È stato in questa immagine che ha rivelato al massimo il tema dello spirituale e beni materiali. Nella foto non c'è altro che denaro. Quest'opera è però tra le più costose: è stata venduta per 43,8 milioni di dollari. Così Warhol dimostrò la sua idea principale“L’arte è un profitto se si vende bene.”
6. Otto Elvis
Otto Elvis, 1963
La palma tra le opere più costose di Warhol appartiene alla tela "Eight Elvises", a cui l'artista ha ispirato il re del rock and roll prematuramente scomparso. Questi pochi Presley valgono 108,1 milioni di dollari. L'artista voleva non solo ricordare Elvis, ma anche riflettere il suo tema preferito nell'arte: il tema della fragilità della fama, della ripetizione monotona di immagini identiche e della paura della morte. Warhol dipinse il dipinto nel suo colore preferito: l'argento.
7. Bottiglie verdi di Coca-Cola
Bottiglie verdi di Coca-Cola, 1962
Cosa potrebbe essere più semplice: raffigurare semplicemente una bottiglia famosa? Ma questo era l'intero segreto dell'arte di Andy Warhol: dovrebbe essere comprensibile a tutti, e tutti bevono Coca-Cola: dal presidente al lavoratore comune. L'artista ha scommesso non sull'elitarismo, ma sull'attrazione di massa, e aveva ragione. “La cosa sorprendente di questo Paese è che ha dato i natali nuova tradizione consumo: i ricchi acquistano esattamente gli stessi prodotti dei poveri. Il Presidente beve Coca-Cola, Liz Taylor beve Coca-Cola e, pensa, anche tu bevi Coca-Cola”, ha detto.
8. Lenin Rosso
Lenin Rosso, 1987
Dalle celebrità, che Andy Warhol dipingeva molto spesso, l'artista è passato ai politici. Uno dei suoi lavori successivi divenne il dipinto “Red Lenin”, che fino a poco tempo fa apparteneva a Boris Berezovsky. Ancor prima della sua morte, l'oligarca vendette l'opera d'arte e il “Lenin Rosso” fu battuto per quasi 202mila dollari a un collezionista privato. Inizialmente la riproduzione serigrafata di Warhol era stimata in 45-75mila dollari.
9. Regina Elisabetta II
La regina Elisabetta II, 1985
Le immagini di 100 x 80 centimetri di Elisabetta II erano basate su una fotografia della regina del 1975 scattata dal fotografo Peter Grujon e furono incluse nella collezione Reigning Queens di Warhol. Comprendeva anche i suoi ritratti della regina Beatrice dei Paesi Bassi, Margherita II di Danimarca e Ntombi Twala dello Swaziland. Regina britannica raffigurato nelle opere dell’artista con indosso la tiara Vladimir, che un tempo apparteneva ai rappresentanti della casa imperiale russa dei Romanov. Recentemente, Elisabetta II ha acquistato quattro suoi ritratti di Andy Warhol per la Royal Collection.
10. Che Guevara
Che Guevara, 1968
Poche persone lo sanno versione conosciuta Il poster di "Heroic Guerrilla" di Che Guevara non è quello di Andy Warhol. Il fatto è che il suo compagno Gerard Malanga ha creato quest'opera nello stile di Warhol, spacciando l'opera per un disegno di quest'ultimo a scopo di lucro. Ma la truffa di Gerard venne rivelata e lo attendeva la prigione. Quindi Warhol salvò la situazione: accettò di riconoscere il falso come opera sua a condizione che tutti i proventi della vendita andassero a lui.
Ideologo della pop art Andy Warhol morì nel 1987, ma il suo lavoro continua a vivere. Di tanto in tanto musei più grandi Mostre di “nuove” opere dell'artista si tengono in tutto il mondo. Ad esempio, proprio ora, nel 2013, il collezionista Daniel Blau ha scoperto per la prima volta circa 300 disegni di Warhol risalenti agli anni '50 precedentemente sconosciuti.
La scoperta di Blau corona la sua ricerca sull'opera di Warhol, che prosegue da più di vent'anni. Diverse centinaia dei primi disegni dell'artista offrono un'opportunità unica per ricostruirne la formazione identità aziendale Warhol. Si sta già rivolgendo a temi e immagini caratteristici della creatività “matura”, nonostante il fatto che i frammenti del taccuino dell'artista sembrino molto meno scioccanti e rumorosi delle sue opere più famose.
"Proprio quando pensi di conoscere abbastanza bene l'artista, ecco che arriva un'altra sorpresa. Questi disegni mi hanno mostrato da cosa è cresciuto Warhol", dice lo stesso Blau. I migliori disegni incluso in un libro curato da un collezionista intitolato Da Silverpoint a Silverscreen. Arriverà sugli scaffali nei prossimi giorni; e i residenti della Louisiana possono ammirare opere uniche Warhol ad una mostra che è già stata inaugurata al Museo d'Arte Moderna di lì.
Come notano i critici, a differenza dipinti famosi Warhol in stile pop art, il suo primi disegni segnato dall'influenza dei grandi artisti europei inizio del 20° secolo. In alcune opere si possono vedere accenni a Egon Schiele e Gustav Klimt, che, secondo Blau, aiuteranno a “riscoprire Warhol per un pubblico europeo”. Ma qui compaiono anche temi specificamente warholiani, ad esempio l'interesse per le star della cultura pop come l'attore James Dean.
I lettori abituali del sito spesso imparano qualcosa di nuovo su Andy Warhol. Artista scandaloso Di tanto in tanto diventa oggetto di cronaca: sia per la serie di lattine di zuppa di Campbell ispirate a Warhol, sia per quello che il pittore ha portato ai banditori nel 2012. I disegni scoperti da Daniel Blau dimostrano ancora una volta che l'interesse per il lavoro di Warhol è naturale: non è diventato dal nulla uno degli artisti più influenti della generazione, lui, come dice il collezionista, “ha lavorato sodo e attraverso il duro lavoro ha raggiunto il suo obiettivo”. status, come qualsiasi altro pittore."
Dolly Parton, 1985. Serigrafia © Andy Warhol
All'inizio degli anni '60, in una delle mostre al Metropolitan Museum of Art, il suo direttore Thomas Howing tenne un discorso in cui formulò lo stato d'animo generale che regnava nella società in quel momento: “C'era una volta questa vecchia idea che gli intellettuali non sapere cosa succede negli altri." mondo - il mondo della cultura popolare... Ora tutti sono diventati parte della stessa cultura." Ironicamente, i primi artisti pop furono gli inglesi Eduardo Paolozzi e Richard Hamilton, ma grande famaè andato agli americani più provocatori: Jasper Johns, Robert Rauschenberg e Andy Warhol.
immagini cultura popolare, la negazione della serietà dell'arte e l'uso o la riproduzione di oggetti reali e banali è solo una definizione superficiale di pop art, in altre parole arte popolare(Arte popolare). Ogni autore ha descritto e presentato questa direzione a modo suo. Per Warhol, la pop art “riguarda l’amore per le cose”. E sebbene Andy non si sia mai definito un fotografo, nel 1980 fece un’affermazione davvero inaspettata: “Non credo nell’arte, ma credo nella fotografia”.
Gli artisti della pop art usavano spesso la fotografia nel loro lavoro, e come componente funziona e come fonte. Tuttavia, solo di Warhol si può dire con certezza che la fotografia sia varie manifestazioni- dai ritagli di giornale, alle famose cartoline delle star, scatti fotografici e polaroid fino ai documentari nei nightclub e ai viaggi - è inseparabile dal suo lavoro.
All'inizio degli anni '60, Warhol creò la sua famosa serie, realizzata utilizzando la serigrafia, che sfruttava due motivi principali: ritratti di "eroi" popolari (il cinema - Marilyn Monroe, Liz Taylor, Warren Beatty; politici - Jackie Kennedy, Mao Zedong e molti altri) e immagini di morte (incidenti automobilistici e aerei, sedie elettriche, intossicazioni alimentari, suicidio, fungo nucleare, ecc.). Un'immagine ripetuta ripetutamente, isolata da altre simili ad essa, è stata trasformata in un'opera che assomiglia ad una struttura a griglia. Queste immagini deliberatamente distaccate diffuse non facevano altro che rafforzare la banalità e l'ordinarietà delle immagini della cultura di massa presenti in esse. "Quando vedi immagine spaventosa ancora e ancora, smette di impressionare", ha detto Warhol a proposito della sua serie di disastri.
Warhol prese in prestito immagini da ritagli di giornale, manifesti pubblicitari e dalla sua collezione di fotografie di star del cinema, che furono ingrandite e trasferite su seta. "129 Killed in Plane Crash" imita apertamente una pagina del New York Mirror, da cui è stata tratta l'immagine originale; la fonte della "Sedia elettrica" fotografie d'archivio dall'esecuzione della coppia di spie Rosenberg, ritrovata appositamente da Warhol negli archivi di New York biblioteca pubblica. Il prototipo e il materiale per la serie di fotografie in bianco e nero “13 Most Wanted People” era un opuscolo dell'FBI con le descrizioni di 13 criminali ricercati. Le loro fotografie frontali e di profilo furono scattate sulla facciata del Padiglione di New York per l'Esposizione Mondiale del 1964, ma furono presto rimosse. Nello stesso anno, Warhol creò la serigrafia "Un americano, o ritratto di Watson Powell". immagine collettiva"tipico americano", basato anche su fotografie di un modello specifico.
L'idea di replica e produzione (in senso industriale) dell'arte, che tanto occupava Warhol, fu incarnata nella sua “Factory”. Lo studio ha funzionato come impresa commerciale, producendo fino a 80 serigrafie al giorno, mettendo in circolazione opere d'arte. Il desiderio di Warhol di dipingere “come una macchina” avrebbe dovuto portare alla tecnicizzazione del processo, all’anonimato dell’opera e alla sua assimilazione a un normale prodotto di produzione. In questo caso, la questione della paternità e dell'equivalenza di una particolare opera si è rivelata secondaria. Il processo di creazione "automatica" dell'immagine ricorda la teoria dadaista della scrittura "automatica". L'artista lo sognava “il più possibile più persone Eravamo impegnati nella serigrafia: nessuno deve indovinare se la foto che ha davanti è mia o di qualcun altro”.
All'inizio degli anni '60, Warhol inventò il modo ideale per realizzare pienamente questa idea: fotografare i suoi modelli nelle normali cabine fotografiche cittadine. Questa idea gli venne quando la rivista Harper’s Bazaar gli ordinò delle illustrazioni sul tema “nuovi volti nell’arte”; poi, con lo stesso spirito, furono realizzate per Time delle opere sul tema “ adolescenti moderni" Le fotografie nelle cabine fotografiche diventano la fonte di immagini per la realizzazione di serigrafie di numerosi ritratti e autoritratti tra il 1963 e il 1966. I clienti, infatti, si sono scattati le proprie fotografie, improvvisando in ogni modo possibile durante lo shooting. Le “strisce” fotografiche finite venivano poi consegnate a Warhol, sulla base delle quali creava i suoi “prodotti d’arte”. Di per sé, queste fotografie “a strisce” ricordano sicuramente sia le fotografie in movimento del XIX secolo che i primi sforzi cinematografici di Warhol, come Empire. Uno dei primi modelli per questi ritratti furono l'amica dell'artista Ethel Scull e la futura famosa gallerista Holly Solomon. Entrambi hanno lasciato prove impressionanti del “modo di lavorare” di Warhol sui ritratti. Warhol preferiva i distributori automatici vicino alla sua fabbrica, ad esempio all'angolo tra Broadway e 42nd Street. Ethel Scull ricorda i pratici "tutorial" di Warhol: "Proveremo a scattare una foto colori chiari e in quelle buie ti metterò in una cabina e dovrai guardare la luce rossa. Continua descrivendo:
“Mi sono alzato e ho guardato il semaforo rosso e avevo paura di muovermi. Andy è entrato e mi ha scosso, poi finalmente mi sono rilassato. "Giocare e sorridere, mi costa soldi", ha detto. Siamo corsi da uno stand all'altro, mi ha fatto delle foto e le fotografie finite si stavano asciugando ovunque. Quando sono uscito, ha detto: "Bene, vuoi guardarli?" Mi è piaciuto così tanto che ora penso che farò solo foto lì. Quando il ritratto fu pronto, fu consegnato in più parti, e Bob gli disse: "Come vorresti... potresti aiutarci a farlo bene?" Ha detto: “Uh, no. Quella persona è venuta apposta per ritirarlo, lascialo fare come meglio crede”. - “Ma Andy, questo è il tuo ritratto.” - "Non importa".
E così si è seduto in biblioteca e noi eravamo impegnati con il ritratto. Poi, ovviamente, finalmente è uscito e ha dato uno sguardo critico a ciò che avevamo raccolto. "Beh, pensavo che questo sarebbe stato qui, e questo sarebbe stato laggiù." Quando tutto finì, disse: “No, davvero, non importa. Tutto è semplicemente fantastico."
Nudo maschile, 1987 © Andy Warhol
Warhol ritrae tutti i suoi modelli come se stessero giocando, creando insieme al fotografo la propria immagine, presentandosi al mondo non come sono, ma come vogliono essere visti dagli altri.
Incarnare le fantasie dei suoi modelli, creare ogni tipo di finzione era il credo fondamentale di Warhol. Non lo ha tradito nemmeno nei suoi autoritratti, cosa che ha fatto ovunque vita creativa. E anche la sua confessione: “Se vuoi sapere tutto di Andy, guarda i miei film, i miei quadri. Questo è tutto ciò che sono. Non c’è nient’altro” – non dovresti davvero fidarti. Come scrive Robert Rosemblum nel suo saggio, “Anche nei suoi primi autoritratti, Warhol si presentava come una celebrità perseguitata dai paparazzi”. Così, in un autoritratto del 1963 commissionato da Florence Baron con una macchina fotografica, Warhol sceglie varie pose spettacolari e, come una celebrità, nasconde gli occhi sotto gli occhiali da sole.
Sperimentare con il suo aspetto è parte integrante dei suoi autoritratti. Così, in uno di essi (1964), replicato mediante serigrafia, Warhol ripete chiaramente l'iconografia dei ritratti di casi criminali. I ritratti e gli autoritratti dell'artista sono una sorta di teatro per se stesso e per gli altri. In questo Warhol ricorda molto Rembrandt. Warhol, come Rembrandt, ha sperimentato principalmente con il viso, dandogli un'espressione o l'altra, giocando con le espressioni facciali. L'artista, come un attore, ha interpretato determinati ruoli, mescolando il suo vero sé con un'immagine inventata e desiderata.
Negli anni '70 Warhol realizzava principalmente ritratti su ordinazione utilizzando lo stesso metodo di serigrafia. Solo che ora utilizza come base le fotografie scattate con una Polaroid SX-70 Big Shot. La fotografia Polaroid ha attratto l'artista con la sua velocità, semplicità e capacità di creare un'immagine apparentemente piatta. Il servizio fotografico iniziava e procedeva sempre allo stesso modo: la modella, solitamente una celebrity, veniva invitata in studio per il pranzo. Mick Jagger, la principessa Carolina di Monaco, John Richardson, Francis Bacon, Candy Spelling, Liza Minnelli, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Robert Mapplethorpe e molti altri hanno posato per lui come modelli. Successivamente è stato effettuato il trucco, la cui parte integrante importante è stata l'applicazione di uno strato generoso di cipria su viso e collo. In modo simile, Warhol copriva i difetti del suo volto, facendolo allo stesso tempo sembrare una maschera. Sullo sfondo di un muro bianco vuoto, la modella ha assunto una posa attraente, Warhol ha scattato diverse fotografie per poi selezionarne solo una come base per l'opera, ognuna delle quali è stata anche dipinta in un modo speciale. Il risultato è stato ambiguo, ma impressionante: invece del ritratto di un personaggio specifico, è apparsa l'immagine di un poster collettivo di una stella. L’artista però amava concentrarsi sui dettagli che più caratterizzano il personaggio, ad esempio gli occhi e la fronte di Lichtenstein, le labbra di Minnelli.
A differenza dei ritratti su commissione, molte delle polaroid di autoritratti di Warhol non erano serigrafate. Si trattava di fotografie personali e sperimentali rimaste nel suo archivio. Nel 1979, la Polaroid Corporation invitò l'artista a realizzare diversi ritratti con una nuova macchina fotografica direttamente nel loro studio. La fotocamera ha permesso di scattare immagini a colori in 60 secondi. Quel giorno Warhol scattò dieci ritratti, quattro dei quali erano suoi. Sono tutti estremamente diversi avvicinamento, e la testa di Warhol non rientra interamente nello spazio dell’inquadratura. In uno, lo sguardo è bruscamente alzato verso l'alto, nell'altro la testa e lo sguardo sono umilmente abbassati. Qui troviamo una giustapposizione contraddittoria tra il primo piano ravvicinato, che rivela senza pietà tutti i difetti della pelle, e l'inganno deliberato, la teatralità, leggibile nella sua interpretazione con giri della testa e sguardo lontano dalla telecamera.
Una teatralità “rivelatrice” è insita in una serie di autoritratti con una parrucca del 1980–1981, realizzati in collaborazione con Christopher Makos. Questo è l'appello di Warhol famosa fotografia Man Ray, in cui Marcel Duchamp è presentato nelle sembianze del suo alter ego femminile Roz Salavy. Anche Robert Mapplethorpe affrontò questo tema nel 1980, realizzando il suo autoritratto come donna in pelliccia. In contrasto con questi ritratti e autoritratti, Warhol nasconde a malapena i suoi lineamenti maschili con il trucco. Per Warhol, indossare numerose parrucche da cartone animato, che ricordano l'acconciatura di Marilyn Monroe, o quella di Jane Fonda, significa guardare se stesso in un aspetto diverso, possibile, immaginario. Ma anche qui mostra le sue innumerevoli maschere piuttosto che se stesso alla ricerca della propria identità. Dopotutto, sotto questa parrucca ce ne sarà ancora un'altra: quella d'argento, dalla quale Warhol non si separò mai in pubblico. Così, il suo volto in un autoritratto serigrafato del 1986 nei colori blu, rosso, verde, realizzato sulla base di una fotografia Polaroid, con le sue espressioni facciali pietrificate ricorda qualcosa di simile a una maschera mortuaria.
Warhol aveva bisogno delle Polaroid anche per realizzare opere più “personali” dedicate al nudo. corpo maschile e l'erotismo omosessuale. Le immagini più straordinarie vengono create nella sua serie di torsi, che si riferiscono non solo al tema dell'antichità, ma anche ai predecessori e ai contemporanei fotografici, ad esempio Robert Mapplethorpe. Alla fine degli anni '70, Warhol si interessò alla fotografia documentaria, i cui eroi erano abitanti delle stelle discoteche, viste della città ed edifici. E sebbene molti critici vedessero in Warhol solo “ posto vuoto con una firma sonora", il significato della sua figura nella cultura degli anni '60 e '80 può essere formulato dalle parole della canzone del gruppo rock Velvet-Underground da lui creato: "Sarò il tuo specchio".
Portfolio con foto di discoteche, riunioni
artista, anni '80 © Andy Warhol
Questo Lezione di Photoshop ti presenterà molto destinazione ben nota V belle arti come la Pop Art.
Accanto alla pop art c'è il nome di Andy Warhol, che fu artista, fotografo, regista ed editore.
Fu lui che, a metà del XX secolo, creò dipinti collage unici da cose completamente inaspettate: da immagini lattine ai collage glamour con Elvis Presley e Marilyn Monroe.
Questo stile divenne incredibilmente popolare all'epoca, dando luogo a innumerevoli imitazioni del lavoro di questo artista.
Perché creare immagini in stile Pop Art è molto semplice, soprattutto se conosci Photoshop.
La tecnica di cui vogliamo parlarvi prevede che prima venga realizzato uno stencil in bianco e nero sulla base del disegno originale. E poi parti di questo disegno sono dipinte con colori molto vivaci in diverse varianti.
Qualsiasi ritratto può essere trasformato in un disegno pop art, ma una foto con confini chiari è particolarmente adatta a questo.
È consigliabile che la persona nella foto guardi direttamente nell'obiettivo della fotocamera.
1. Di seguito è riportato il processo per eliminare un ragazzo dal suo background originale e inserirlo in uno nuovo. Per noi è importante che il ragazzo e lo sfondo siano posizionati su livelli diversi.
Per rimuovere rapidamente sfondo semplice usa lo strumento - bacchetta magica, se lo sfondo è multicolore, utilizza lo strumento Penna
2. Molto probabilmente hai già notato che le immagini pop art sono famose per il loro contrasto molto elevato.
I passaggi seguenti rimuoveranno molto piccole parti, quindi non devi stare troppo attento mentre lavori.
Posiziona il livello di sfondo luminoso direttamente sotto il livello di lavoro (con il ragazzo).
3. Per creare un'immagine ad alto contrasto, assicurati innanzitutto di essere sul livello del ragazzo ritagliato e seleziona Immagine > Regolazione > Soglia.
Regola il cursore in modo che l'immagine contenga abbastanza ombre da preservare tutte le forme e le caratteristiche principali.
4. Seleziona approssimativamente ciascuna parte dell'immagine che colorerai in seguito.
Premi Alt + Ctrl + J per copiare ciascuna parte strato separato. Dai un nome a ogni nuovo livello. Cambia la modalità di fusione di ciascun livello in Moltiplica e fai clic su OK.
5. Attiva ciascun livello nella palette Livelli uno per uno.
Per ognuno, premi Ctrl + clic sulla finestra del livello e vai al menu Modifica> Riempi.
Cliccando sulla linea Usa, apparirà una finestra dove potrai selezionare la linea Colore. Grazie a ciò, apparirà una tavolozza di colori, dove potrai scegliere un colore brillante e saturo secondo i tuoi gusti per dipingere su qualsiasi parte dell'immagine.
6. Nella finestra "Stile livello" (Stile livello, appare se si fa doppio clic sul livello), selezionare lo stile Sovrapposizione colore (riempimento colore) e modificare la modalità di fusione in Colore. Seleziona un colore brillante e fai clic su OK.
7. Quando ripeti questi passaggi per ogni singola sezione dell'immagine, vedrai che davanti a te c'è un vero capolavoro in stile pop art.
8. Salva questo file in formato Photoshop (.psd) e crea copie dei livelli in cui hai colorato. Nel pannello dei livelli, ogni area è dipinta di un determinato colore. Ora puoi cambiare molto facilmente il colore dell'area usando la funzione Tonalità/Saturazione (Ctrl + U).
Alla fine, puoi combinare tutte le opzioni in un'unica grande immagine.
Questa combinazione varie opzioni della stessa immagine è molto tipico dello stile della Pop Art degli anni '60.
Se hai mai visto i dipinti di Andy Warhol, non li dimenticherai mai. Da qualche parte negli scaffali profondi della tua memoria subconscia rimarranno ricordi di questi insoliti, molto dipinti luminosi. Ma non tutti quelli che hanno visto i suoi quadri sanno chi è Andy Warhol.
Quindi, proviamo ad immergerci mondo fantastico L'artista e anche, se non per svelare la sua personalità, almeno sente le membrane inquietanti della sua anima.
È banale parlare di dove è nato, ha studiato e ha vissuto. Ma almeno brevi informazioni necessario. Contano tre paesi artista straordinario il nostro: America, Slovacchia, Ucraina. Ma forse una cosa si può dire a colpo sicuro: patrimonio creativo Andy Warhol non appartiene a un paese specifico, ma al mondo.
Andy (Andrey Vargola) è nato a Pistburg da una famiglia di ruteni dei Carpazi. Sua madre Yulia Vargola aveva allora 36 anni. Il padre del futuro artista ha lavorato lì società di costruzioni. Andy lo era figlio più piccolo, la famiglia aveva anche due figli maggiori. Tra i 4 e gli 8 anni, Andy ha sofferto una serie di malattie gravi, tra cui la malattia più grave era la Danza di San Vito. Per questo motivo, soffrendo di attacchi più spesso in estate, Andy era costretto a trascorrere le sue giornate a letto, giocando con le bambole ritagliate e ascoltando la radio. Sua madre ha disegnato vari quadri per Andy, cosa che ha instillato in suo figlio il gusto per il disegno. Un po' più tardi, da propri guadagni Julia ha comprato a suo figlio un piccolo proiettore cinematografico con il quale poteva guardare le storie per immagini direttamente sul muro della sua stanza.
Così è stato durante l'infanzia potenziale creativo Andy iniziò a svilupparsi lentamente. All'età di nove anni, il ragazzo iniziò a frequentare corsi gratuiti abilità artistica. Dopo essersi diplomato, il giovane è entrato al Carnegie Institute of Technology nel dipartimento di disegno e design. Lì lo studente aveva un attivo posizione di vita- partecipato alle feste orchestre sinfoniche, era interessato al balletto.
La creatività dell'artista è postmoderna, sfrenata, libera.
"Il Re Nudo", moda e cinema
Qual è il segreto della creatività di Warhol? Perché questi presumibilmente sono fermi? dipinti semplici conosciuto in tutto il mondo? Il suo lavoro: audace, scioccante, coglie l'attimo, contiene strati, sotterranei, tridimensionali, creati nello stile del film. Esiste una teoria del genere: disegna qualcosa di folle, incomprensibile e diventerai famoso. Questo è il principio del “re nudo”, quando nessuno capisce il sottotesto, il “messaggio” incorporato nell’opera. E a causa di malintesi è considerato sublime, incredibile, un capolavoro. Questo è tipico del “Quadrato Nero” di Malevich. Ma questo principio non si applica all’opera di Warhol.
Andy viveva per la moda, la cultura pop e il cinema. Anche in gioventù, l'artista ha creato schizzi di scarpe futuristiche e molto luminose con i tacchi. Queste erano idee di design. Il punto forte erano le linee curve, dalle quali gli intenditori riconoscevano effettivamente lo "stile Warhol" nel design. La moda era la sua passione. Forse l'artista ha persino percepito la realtà che lo circonda attraverso gli occhiali subconsci di occhiali alla moda. Era omosessuale e non lo nascondeva. Pertanto, comprendi Tendenze di moda era ancora più facile. Era incorporato nei suoi cromosomi, nella sua anima.
Anche la cinematografia costituiva un aspetto importante della sua essenza. Il cinema è diventato un mezzo per comprendere il mondo, comprendere la realtà. Andy aveva il dito sul polso della vita. Ciò è dimostrato dai suoi dipinti: “La sedia elettrica”, “Racist Riots”, “Kens Soup” e molti altri dipinti che riflettono la realtà attuale. Ha presentato gli eventi in fotografie con un'insolita combinazione di colori e linee sfocate. Non nel modo in cui lo vedevano tutti. L'artista, per così dire, cattura la nostra attenzione, ci fa riflettere sui fenomeni quotidiani e cerca di capirli in modo diverso. E forse inorridire. La sedia elettrica, l'intolleranza razziale, gli alimenti trasformati: tutto era tipico dell'allora società americana. E gente semplice non prestavano più molta attenzione a questo, erano preoccupati Propria vita, propri problemi. Andy ha fatto appello al cuore di tutti e non è stato difficile riconoscere il suo “messaggio”. Ha creato un enorme arte d'élite contemporaneamente.
Pop star oneste e “colorate”.
Ma ancora di più dipinti famosi I ritratti di Andy sono di pop star, realizzati utilizzando la sua consueta tecnica di “colorazione fotografica”. Le più famose di questa serie sono le immagini di Marilyn Monroe ed Elvis Presley. L'artista sembra guardare nell'anima delle persone che raffigura. E se guardi da vicino, puoi sentire la tragedia della personalità di Marilyn Monroe. Dai colori vivaci e dalla faccia rosa, sembra infelice. La verità è nascosta negli occhi. Guardano da sotto le ciglia, in qualche modo imbarazzati e confusi. Forse Merlino non ha mai trovato il senso della vita. E questa polvere, vernice eccessiva sul viso è solo una maschera dietro la quale si nasconde la vera essenza della stella, che nessuno voleva vedere. Lo stesso con la foto di Elvis. È realizzato in toni più scuri, in grigio. Spesso l'immagine è cancellata per metà. Il cantante ha puntato una pistola contro lo spettatore, con il volto distorto. Forse Elvis vuole difendersi?
15 fotogrammi di un ritratto “dal vivo”.
Non sorprende che con una tale percezione del mondo l'artista abbia creato film. E anche questo film ha stupito il mondo! Ad esempio, i ritratti di persone. Andy ha filmato una persona immobile per tre minuti, quindi l'ha modificata in modo che ci fossero 15 fotogrammi al secondo. L'immagine si è rivelata lenta, in qualche modo surreale. In questo modo si può comprendere la persona; questi erano ritratti “viventi”. Oppure uno scatto monotono per 8 ore. C'era tutto: il colore, il movimento delle nuvole, lo spazio, perfino un aereo che passava. Ma la telecamera non si è mossa. Abbiamo semplicemente osservato un pezzo di mondo, come esattamente in questo luogo inizia la mattina, passa il giorno e cade il crepuscolo. Questi erano gli incantesimi della realtà. Non tutti sono riusciti a capire questo film, è un vero e proprio capolavoro. Ma ora Andy viene paragonato agli impressionisti. Quando anche Monet “giocava con i colori” quando dipingeva la facciata della cattedrale di Rouen. Ha scritto la struttura in periodi diversi giorno. E ogni volta l'immagine risultava diversa.
Andy Warhol non è solo un artista, è lui stesso l'arte. Non aveva paura degli esperimenti, delle idee folli e non aveva paura di mostrarsi al mondo. L'artista non è solo l'incarnazione del postmodernismo, ha fatto molto per lo sviluppo di questa direzione. E lasciamo che qualcuno dica che il suo lavoro è anormale, immorale, poco interessante. Ma coloro che non hanno paura di rompere gli stereotipi e gettare nuove basi per l’arte di solito rimangono nella memoria di generazioni. Standard, stereotipato, corretto non è arte, è solo un surrogato che il realismo socialista ci ha imposto. Non ci sono limiti al potenziale umano, perché tutti traiamo ispirazione dalle vaste profondità dello spazio, con le quali siamo effettivamente connessi. L’“inconscio collettivo” esiste in ognuno di noi, ma non tutti riescono a sentire appieno questa voce.