Sviluppo della pittura russa. Sviluppo della pittura nei secoli XIII - XV

09.03.2019

STORIA DELL'ARTE RUSSA
PITTURA

La storia della pittura russa si divide nettamente in due periodi principali. Nel primo periodo, durato fino al XVIII secolo, la pittura russa mantenne sempre un carattere strettamente religioso e si concentrò quasi esclusivamente sulla pittura di icone, artisticamente estremamente poco sviluppata. Nel secondo periodo, la pittura russa perde il suo carattere esclusivamente religioso, diventa secolare, avanza gradualmente nel suo sviluppo e assimila quasi il grado di perfezione raggiunto dalla pittura dell'Europa occidentale. fine del 19° secolo secolo.
La storia dell'antica pittura russa inizia con l'era dell'adozione del cristianesimo da parte della Russia, dalla fine del X secolo, quando i primi esempi di pittura ci furono portati da Bisanzio. L'arte nella Rus' dall'XI al XV secolo era prevalentemente di natura bizantina. I pittori di icone e i maestri dei musei erano inizialmente immigrati dalla Grecia, greci e imparentati slavi, e alcuni studenti russi. Nell'XI secolo incontriamo il nome del primo pittore di icone russo: Sant'Alimpio di Pechersk, che studiò con maestri greci. Ma i campioni portati dai maestri di Bisanzio non erano né numerosi né di alto valore artistico, poiché l'arte bizantina stessa cominciò a declinare notevolmente a partire dall'XI secolo. Quando riprodotti in Rus', questi campioni erano ancora soggetti a danni e distorsioni. La piccola popolazione della Rus', sparsa su vasti spazi separati da foreste e paludi, accettando lentamente gli inizi dell'illuminazione politica e religiosa, si distingueva per l'estrema povertà e la lentezza nello sviluppo estetico. Le migliori persone erano impegnati nel duro lavoro di creare una vita statale tra le masse disperse, convertendole al cristianesimo e, naturalmente, potevano dedicare poco tempo allo svago mentale e all'arte, quando la vita richiedeva un lavoro più difficile e importante.
Di conseguenza, con la predominanza degli interessi religiosi, poteva apparire solo l'arte religiosa, e l'arte sacra portata da Bisanzio poteva diffondersi solo geograficamente, senza migliorare e non sempre rimanendo al livello di perfezione delle immagini.
Il periodo di fioritura dell'arte bizantina nella Rus' risale all'XI e al XII secolo. I suoi monumenti sono gli affreschi e i mosaici di Kiev. Poi quest'arte cade quando i rapporti con Bisanzio diventano difficili e inizia l'era dei pogrom tartari.
Dopo la rovina di Kiev, l'arte sacra trova casa a Vladimir, Suzdal, Rostov, Pskov e Novgorod. Meno colpita dalle invasioni, Novgorod sta diventando un centro artistico nella Rus', dove non solo sono conservati gli inizi dello stile bizantino, ma si stanno anche facendo tentativi per coltivare, in una certa misura, un'arte sacra indipendente. I rapporti con i tedeschi, rivitalizzando la vita pubblica, danno origine qui a movimenti nei campi della mente, dell'artigianato e dell'arte. Ma l'influenza occidentale, indubbiamente riflessa nell'arte di Novgorod, non poteva soffocare quella principale bizantina, poiché non era sistematica e costante, e poiché i prodotti venivano portati a Novgorod da artisti in visita provenienti da luoghi che non si distinguevano per una vita artistica sviluppata .
Centri d'arte a Kiev, Rostov, Suzdal, Vladimir, con la loro breve durata ruolo storico, non ha avuto il tempo di sviluppare nulla di indipendente. Novgorod e Pskov persero la loro indipendenza verso la metà del XVI secolo, proprio quando sembrava possibile, sulla base delle leggende bizantine, iniziare lo sviluppo della propria arte indipendente. Mosca fino al XVI secolo, impegnata nel lavoro politico, non aveva né il tempo né i mezzi per farlo sviluppo artistico: i migliori dipinti del XV e XVI secolo furono realizzati dai pittori di icone di Pskov e Novgorod. Pertanto, Mosca nel XVI secolo non doveva continuare, ma quasi iniziare, l'attività artistica nella Rus', e l'arte nel XVI secolo a Mosca non era affatto meglio di questo, che troviamo nei mosaici e negli affreschi di Kiev, Vladimir e Novgorod.
Ma fu nel XVI secolo, a causa dell'aumento delle esigenze, che il numero dei maestri aumentò in modo significativo e la pittura di icone dai Greci e dai loro allievi diretti, monaci e clero, passò nelle mani di laici, paesani e cittadini, ed è diventato un mestiere. Per proteggere l'arte sacra dai danni, Stoglav pose la pittura di icone sotto la diretta giurisdizione e supervisione delle autorità ecclesiastiche, e poiché l'arte non progrediva né in Rus', né a Bisanzio, né sul Monte Athos, prescrisse invece lavoro indipendente, copiando i migliori campioni dell'antica Grecia. Così, nel XVI secolo, quando in Europa occidentale l'arte ha preso il sopravvento e nelle opere di Raffaello, Albrecht Dürer, Holbein, Michel Angelo e altri maestri, sulla base di un attento studio delle antichità e della natura, ha raggiunto un alto grado di sviluppo - l'arte in Rus' è stata separata dalla natura da la prescrizione della copiatura. Proibendo l'indipendenza e subordinandola alla vigilanza monastica, l'arte fu privata della libertà e acquisì un carattere puramente ecclesiastico, senza alcuna mescolanza di elementi secolari.
La pittura di icone russa ha guadagnato (in termini di religione) nella conservazione inviolabile delle tradizioni cristiane, ma ha perso molto in termini di arte. L'artista si trasformò in un copista-artigiano. Più la pittura di icone diventava parte dei bisogni del popolo russo, più diventava nazionale, più la dimensione delle icone si riduceva, più si avvicinavano alla miniatura. Colossali affreschi e mosaici del maestoso stile bizantino furono ora sostituiti da icone di piccole dimensioni dipinte in modo intricato con dozzine e centinaia di piccole figure. Questa riduzione delle dimensioni fu una conseguenza necessaria della diffusione del cristianesimo nelle remote regioni della Rus'. Piccole chiese di legno, piccole stanze superiori e cappelle di case ricche, dove amavano assemblare un'intera iconostasi della chiesa su una piccola parete, avevano bisogno di piccole icone. E i campioni stessi, da cui copiarono i pittori di icone russi, non potevano essere di grandi dimensioni, poiché furono trasferiti prima dalla Grecia e poi dai centri antica vita russa alle remote periferie.
Tutto ciò costrinse a ridurne le dimensioni e ad abituare l'occhio alla scrittura in miniatura, che divenne dominante nella pittura di icone russa del XVI e XVII secolo. Questa lettera in miniatura, che nascondeva difetti nel disegno, nel raggruppamento e nell'espressione, era conveniente per la pittura di icone russa, che era limitata nei mezzi artistici e molto adatta per l'espressione visiva di idee religiose e insegnamenti teologici. Icone così sfaccettate come "Io credo", che spiegano la preghiera sui loro volti, sostituivano la scrittura per gli analfabeti, insegnavano come un libro e corrispondevano pienamente alla direzione religiosa dei bisogni del popolo russo, il quale, in assenza di quasi ogni estetica sviluppo, ricercato nell'icona non piacere artistico, ma edificazione religiosa, benefici per l'anima.
Fino al XV secolo nella Rus' esisteva una sola scuola: quella greca o Korsun. Fu supportata da maestri greci in visita che dipingevano icone, tuttavia, solo leggermente meglio, tecnicamente, dei loro studenti russi. Le miniature russe del XV secolo differiscono poco da quelle greche successive, ma a volte mostrano una certa familiarità con lo stile romanico, indicando l'influenza occidentale. Questa influenza si fece strada attraverso Novgorod e la Lituania e si intensificò a partire dal XV secolo. Dalla caduta di Costantinopoli e dalla diffusione dei libri stampati occidentali con incisioni e politipi nella Rus' nel XVI secolo, la scuola di pittura di icone di Korsun iniziò a cambiare. A Novgorod e Pskov, sotto l'influenza dell'Occidente, si sta creando una scuola, un po' diversa dalla scuola conservatrice di San Pietroburgo. Sergio di Radonezh, da cui proveniva il famoso pittore di icone Andrei Rublev. Nel XVI secolo, la scuola Stroganov ebbe origine da Ustyug, in cui fiorì la pittura in miniatura, caratterizzata dalla sua massima abilità artistica.
Mosca non riuscì a formare le proprie scuole di pittura di icone fino al XVII secolo. Essendo il centro della terra russa, reclutò maestri da diverse città e monasteri nella sua scuola reale. Tutte queste scuole, con totale limitazione dell'arbitrarietà personale, erano determinate non dal carattere personale dei maestri, ma da circostanze casuali - più o meno taglia larga icone, la loro rifinitura più o meno accurata, ecc.
L'icona era destinata alla preghiera e, come la preghiera, non doveva essere soggetta a modifiche secondo l'arbitrarietà personale. Pertanto, le scuole russe di pittura di icone differivano non nella direzione, ma nelle tecniche artigianali, conosciute tra i pittori di icone come “poshibov”. I vari tagli non disturbano la monotonia dello stile bizantino generale. Limitata dal prologo e dal calendario, l'immaginazione del pittore di icone russo, che non conosceva né racconti, né romanzi, né drammi spirituali - che ebbero un effetto così potente sul lavoro degli artisti occidentali - rimase per secoli in un certo circolo di monotonia ripetendo soggetti iconografici della Bibbia e della vita dei santi. I nostri pittori di icone, con reverente timore, non hanno osato modificare le immagini lasciate in eredità dall'antichità e hanno seguito rigorosamente ciò che indicano gli "originali", dove hanno raccolto, in un sistema attentamente studiato, tutte le informazioni necessarie per un pittore di icone, sia tecnico e teologico.
Sforzandosi esclusivamente di esprimere idee religiose, rinunciando alla realtà, il pittore di icone russo non ha ritenuto necessario ricorrere allo studio della natura. Cresciuto in senso ascetico, evita la nudità, tutto troppo tenero e rilassante. Senza studiare la natura, senza avere familiarità con il mondo antico, il pittore di icone russo non si è avvalso dell'aiuto della scultura, che ha aiutato molto la pittura occidentale e che non esisteva nell'antica Rus'. E quegli elementi plastici che, secondo la leggenda, erano inclusi nella nostra pittura di icone dell'arte bizantina, come, ad esempio, posizionare figure su uno sfondo monocolore, come bassorilievi, accumulare immagini che differivano nel tempo su un piano , contribuì, dato il sottosviluppo dell'arte russa, solo al radicamento del cattivo gusto e degli errori. Come risultato di tutto ciò, la pittura di icone russa si distingueva per il disegno irregolare, la prospettiva errata e la mancanza di colore e chiaroscuro.
Quest'arte non sviluppata, artisticamente rozza, ha però un prezzo e un grande significato in campo religioso. Nelle opere dell'iconografia russa vediamo come l'arte debole, inesperta nei mezzi tecnici, si sforza coraggiosamente di raggiungere obiettivi elevati, di esprimere la ricchezza di idee.
Nonostante la goffaggine di molte figure, con evidenti errori contro natura, le immagini respirano un'autentica nobiltà di carattere, che è stata loro trasmessa dal pittore di icone, intriso della coscienza della santità delle persone che raffigura. Questi santi sono ideali artistici in cui il backgammon russo ha espresso i suoi concetti dignità umana e ai quali si rivolgeva nella preghiera, come modelli e guide della sua vita. Le figure degli uomini sono più varie e meglio sviluppate rispetto a quelle delle donne, che sono meno diffuse e monotone. Tra le figure maschili, le migliori sono facce austere, senili o mature, personaggi ben sviluppati, volti con barba e contorni netti. Meno riuscite sono le figure giovanili e infantili.
Grazie alla secolare leadership della chiesa, la pittura di icone russa ha preservato sacro le antiche tradizioni cristiane, la fedeltà dei tipi iconografici e il desiderio di riprodurre idealmente i soggetti, senza metterli in ombra introducendo inezie inutili dalla realtà. I volti severi degli asceti altruisti, l'assenza di tenerezza e le tentazioni della bellezza femminile sono pienamente coerenti e contribuiscono allo stato d'animo riverente dell'adoratore. Questa è l'originalità e l'originalità della pittura russa.
Ma tipo fedeltà, chiarezza storie tradizionali e la pia espressione può essere pienamente raggiunta solo quando l'artista dispone del mezzo principale per esprimerla: la conoscenza della natura. I pittori di icone russi non lo sapevano, e questo era il lato debole della pittura di icone russa.
A metà XVII secolo La stessa pittura di icone russa ha riconosciuto il suo lato debole e ha mostrato un deciso desiderio di miglioramento. Lo zar Alessio Mikhailovich non si accontentò dei pittori di icone russi, ma convocò maestri occidentali, formati in culture completamente diverse, per decorare le stanze del suo palazzo. principi artistici, che seppe dipingere paesaggi, prospettive e ritratti dal vero in uno stile pittorico completamente diverso dalla pittura di icone. Il miglior rappresentante della pittura di icone russa del XVII secolo, il pittore di icone reale Simon Ushakov, cercò di trasferire questa tecnica e il colore della vita perfezionato in Occidente nella pittura di icone, per fonderla con la tradizione bizantina.
Questo nuovo stile di pittura di icone è noto come Fryazhsky. Vi si trasferirono le scuole Stroganov e Tsarskaya. I maestri russi si precipitarono avidamente alle incisioni straniere, iniziarono a rifarle a modo loro e, a quanto pare, iniziarono a migliorare nella tecnica e nel gusto: il colore divenne più ricco, più colorato, il pennello divenne più audace. Dalla scuola di Ushakov, che oltre alle icone sviluppava anche soggetti mitologici, provenivano abili incisori che, in numerose copie, iniziarono a diffondere tra i russi uno stile nuovo e più elegante. Così, insieme alla pittura spirituale - pittura di icone, emerse la pittura secolare, che iniziò a introdurre un gusto più elegante portato dall'Occidente, allevato dallo studio della natura e delle antichità.
Da questo momento, dalla fine del XVII secolo, inizia il secondo periodo della storia della pittura russa, il cui interesse si concentra principalmente sull'educazione e sul graduale sviluppo della pittura russa. vita sociale. I primi solidi inizi per instillare questa pittura secolare furono posti da Peter, che decise con decisione il compito di assimilare l'arte occidentale da parte dello stesso popolo russo attraverso i viaggi all'estero e la sua scuola.
Ma né i talentuosi russi che studiarono in Italia e in Olanda, i fratelli Nikitin, Zakharov, Matveev, né gli artisti stranieri che furono commissionati, né il corso di disegno e incisione aperto all'Accademia delle Scienze sotto Caterina I, secondo il progetto di Pietro , potrebbe dare buoni frutti, poiché il terreno per la crescita di un'arte nuova e secolare non era preparato. Una società che non aveva uno sviluppo estetico, non comprendeva i bisogni artistici, era estranea agli impiantati Arte europea e limitò la sua richiesta ai ritratti e alle miniature più familiari. Più utili furono i maestri incisori educati con i magri fondi dell'Accademia delle Scienze, che ne realizzarono numerose copie dipinti famosi ha introdotto la società ad opere dal gusto elegante, contribuendo a risvegliare l'interesse per l'arte secolare.
Durante il regno di Elisabetta, il desiderio di lusso e di comodità, incoraggiato dallo straordinario splendore della Corte, si sviluppò nelle classi superiori e diede origine a nuove esigenze estetiche.
Seguendo la moda portata dall'Occidente, i nobili iniziarono, insieme ai ritratti, a ordinare paralumi e dipinti della mitologia classica per decorare le loro stanze. Le composizioni in stile francese sono diventate un'aggiunta preferita e necessaria a qualsiasi celebrazione. A causa della mancanza di russi, e talvolta a causa della preferenza per tutto ciò che è straniero, tutto questo è stato fatto da stranieri congedati. Di questi, solo Giuseppe Valeriani, dopo i suoi 14 anni di attività, lasciò diversi valenti studenti russi che avanzarono durante il regno di Caterina II. Il resto rimase una colonia, artificialmente attaccata alla Corte e all’aristocrazia e fece ben poco per affermare l’arte occidentale in Russia.
Un passo decisivo verso il rafforzamento di quest'arte fu compiuto nel 1757, quando, secondo il progetto di I. Shuvalov, fu fondata un'Accademia delle Arti separata e indipendente delle "tre arti più nobili", dove artisti famosi, alcuni membri delle Accademie parigine che posero il fondamento per il corretto insegnamento dell’arte.
Ben consolidata sotto la guida di Kokorinov e Losenko, l'Accademia sotto Caterina II ricevette una struttura più solida. Secondo il progetto di Betsky, ha aperto una scuola educativa chiusa con l'obiettivo di preparare gli studenti artisticamente sviluppati per l'Accademia fin dalla prima infanzia. Allo stesso scopo di instillare il gusto negli artisti, l'Accademia adottò l'abitudine di inviare all'estero i migliori studenti per perfezionarsi. È chiaro che questa Accademia, che avrebbe dovuto instillare e preservare con cura l'arte in Russia, creata secondo il modello francese, animata non dai bisogni della società, ma dal desiderio del potere governativo, viveva per molto tempo imitazione e non aveva base nazionale. Gli artisti che produce continuarono a lavorare per lungo tempo su committenza della Corte e dei nobili. I principali tipi di pittura di quest’epoca erano la pittura storica e il paesaggio eroico convenzionale nello stile di Poussin e Claude Lorrain. Ma, tra le incolori imitazioni dei modelli francesi, già alla fine del XVIII e all'inizio del XIX secolo, si possono notare alcune caratteristiche della scuola di pittura russa.
Nei dipinti storici di Kozlov, Sokolov, Akimov e Ugryumov, il disegno corretto ereditato da Losenko è saldamente conservato. Nei paesaggi di Semyon Shchedrin, Alekseev, Martynov, Matveev compaiono i primi deboli tentativi di trasferire la realtà russa circostante nel quadro, ma nella colorazione delle solite convenzioni. Un desiderio tangibile di veridicità si trova nei migliori ritrattisti dello stesso tempo: Levitsky, Rokotov, Antropov, Borovikovsky e Kiprensky.
Fino alla metà del XIX secolo la corrente principale della pittura russa proveniva ancora da una fonte dell’Europa occidentale. Continuarono a cercare di imitare sia i francesi che gli italiani e soprattutto i bolognesi. Così apparvero i Poussin russi, i Caracci, i Raphaeli, i Guido-Reni. I dipinti di Egorov, Shebuev, Andrei Ivanov, distinti per il loro design classicamente rigoroso, le forme antiche, la profonda deliberazione, la composizione maestosa e l'esecuzione fluida e magistrale, hanno dimostrato che questi artisti hanno ricevuto una buona educazione formale e hanno padroneggiato lo stile prevalente. Ma queste stesse immagini mostravano freddezza, artificiosità, mancanza di fresca creatività e indipendenza. La ragione di queste ultime carenze risiede sia nello stile prevalente che nell'organizzazione dell'educazione accademica, mirata allo sviluppo formale e all'imitazione. A ciò si aggiunge la posizione speciale dell'arte nella società russa.
Sotto Alessandro I e all'inizio del regno di Nicola I, solo la corte e l'aristocrazia fornivano sostegno e mecenatismo alla pittura russa. Questo sostegno e mecenatismo costrinsero i pittori ad adattarsi ai gusti dei loro mecenati. Ritratti decorati, immagini fredde per chiese, dipinti storici, paralumi allegorici, dipinti di battaglie panegiriche: questo è ciò con cui gli artisti russi erano impegnati, creando laboriosamente i loro dipinti freddi, ufficiali ed eclettici che non avevano il loro aspetto con un disegno secco convenzionale. I primi tentativi di sfondare quest'arte arida, di dare vita al disegno copiando la natura vivente senza tecniche memorizzate - questi primi passi verso l'indipendenza - furono fatti da Varnek, Basin, Bruni.
Ma solo il talentuoso Karl Bryullov è riuscito a sfondare e dargli vita. Con il suo dipinto colossale, ampiamente dipinto e spettacolare “L'ultimo giorno di Pompei”, ha immediatamente rotto la monotonia monotona e noiosa, la fredda calma del classicismo, ha introdotto il senso del colore e ha lanciato un appello a tentativi di creatività indipendente. Bryullov ha portato l'interesse per l'arte nella società, la vitalità e il romanticismo nell'arte. I suoi acquerelli e, soprattutto, i ritratti furono i precursori del realismo. La strada verso il realismo è stata aperta dal profondo e serio A. Ivanov, che ha dedicato gran parte della sua vita alla creazione dell '"Apparizione di Cristo al popolo" per incarnare l'evento con una realtà possibile, e Sylvester Shchedrin, che nei suoi paesaggi abbandonò le convenzioni di Poussin e l'energico seguace di Shchedrin - Lebedev.
Nel secondo quarto dell'Ottocento il numero degli artisti aumentò notevolmente, l'interesse per la pittura aumentò notevolmente e da una sfera ristretta, cortese e aristocratica, cominciò a diffondersi più ampiamente nella società. Le mostre d'arte iniziarono ad attrarre tutti numero maggiore visitatori. Nella società iniziarono ad apparire dilettanti che acquistavano con entusiasmo dipinti di artisti nazionali e li mettevano persino nelle gallerie. La necessità di educazione artistica si sviluppò così tanto che la società stessa iniziò ad aiutare l'Accademia. Nelle province sorsero numerose scuole private di disegno e pittura, a Mosca fu formato un corso d'arte e a San Pietroburgo fu costituita una società per incoraggiare gli artisti, che fece molto per sostenere l'arte e diffondere l'educazione e l'arte. Il circolo di dilettanti, che nel 1833 fondò un corso d'arte, si espanse presto nella Society of Art Lovers, sotto la quale nel 1843 il corso d'arte si trasformò in una scuola di pittura e scultura (poi architettura), dalla quale nacquero numerosi artisti di talento. L'imperatore Nicola I sostenne e patrocinò attivamente la pittura russa. Nel 1825, nell'Ermitage, aperto al pubblico, tra le altre scuole, apparve un dipartimento di pittura russa, sebbene non ricco di dipinti, ma Nicola I acquistò molti dipinti di artisti russi per il suo palazzo. Tutto ciò ha accelerato l'emergere dell'arte nazionale russa.
Da molto tempo ormai, sotto la principale corrente artistica ufficiale, ha fatto irruzione, espandendosi gradualmente, un flusso vivente di realismo e nazionalismo. Scalata spirito nazionale, lo sviluppo dell'autocoscienza, iniziato dai tempi di Alessandro I, la maturità dell'arte, la liberazione dall'imitazione, in cui passa sempre il primo periodo dell'esistenza di ogni arte, si manifestò nel fatto che i pittori iniziarono a realizzare tentativi di rappresentare la loro realtà immediata, di avvicinarsi alle persone. Il principale pioniere del nazionalismo e del realismo, dopo Orlovsky, che fu il primo a compiere tentativi audaci ma superficiali in questa direzione, non fu un membro dell'Accademia veneziana, che all'inizio del XIX secolo si rivolse coraggiosamente a un tipo di pittura bassa a quel tempo - al genere, la rappresentazione della vita contadina. Senza voler esprimere pensieri profondi, Venetsianov cercava la bellezza nella realtà circostante e si accontentava semplicemente di trasmettere la natura. Questo trasferimento coscienzioso della natura era necessario e di grande importanza, poiché ha favorito la capacità di vedere e comprendere la realtà così com'è, senza abbellimenti, e ha così aperto la strada a una direzione nazionale-reale.
Venetsianov ebbe molti studenti, ma pochi seguirono le sue orme. Questi ultimi, non distinti da un forte talento, non potevano far avanzare la pittura di genere, soprattutto in un momento in cui K. Bryullov tuonava. I pittori storici del periodo Bryullov - Basin, Shamshin, Nef, Moller, Flavitsky - erano impegnati con dipinti freddi, spettacolari, melodrammatici e dipinti magistralmente. Sauerweid, Kotzebue, Villewald dipinsero dipinti di battaglie panegiriche. Ma, insieme ai ritratti abbelliti, i veri ritratti di Bryullov, Tyranov, Zaryanko iniziarono ad apparire nelle mostre della fine degli anni Trenta dell'Ottocento; insieme a vedute di Costantinopoli e immagini della vita italiana - immagini della vita russa. I generi di Sternberg, Chernyshev, Sokolov, sviluppati con l'obiettivo di ostentare la vittoria sulle difficoltà tecniche, hanno mostrato una comprensione della vita russa. Dopo i film di genere talentuosi e umoristici di Fedotov, negli anni '60 il genere aveva guadagnato l'attenzione: Timm, Andr. Popov e Trutovsky hanno inventato dipinti della riflessiva realtà russa. Questa nuova direzione in ulteriore sviluppo è andata oltre l'Accademia, che si è tenuta lontana da questo movimento. Era fermamente convinta che il collegamento tra arte e vita fosse una bestemmia, che il disegno, la tecnologia e gli ideali universali eterni costituissero l'unico compito dell'artista.
Con l'ascesa al trono di Alessandro II, la tendenza emergente del paese reale ricevette uno sviluppo diffuso. Ciò è stato facilitato dall'aumento coscienza pubblica, completa libertà artistica, ora non vincolata dalla leadership del governo, cambiamenti nell'organizzazione dell'educazione artistica all'Accademia. Invece degli studenti della scuola di Betsky, che stava uccidendo l’indipendenza, l’Accademia era piena di giovani provenienti da diverse parti della Rus’, vicini alla vita, permeati di autocoscienza nazionale, più consapevoli e artisticamente educati, più indipendenti.
Non riuscivano a venire a patti con le convenzioni programmi classici L'Accademia e, tra i 13, con Kramskoy a capo, lasciarono l'Accademia nel 1863. Nel 1872 formarono una "società mostre itineranti", che divenne il centro principale della scuola nazionale russa. Quasi tutti i talenti eccezionali degli anni '70 e '80 vi aderirono. Le mostre, viaggiando ogni anno nelle città più significative della Russia, hanno contribuito allo sviluppo dell'educazione artistica e dell'interesse della società russa .
L'aumento e l'espansione della comprensione e dei bisogni artistici si riflette nell'emergere di molte società artistiche, scuole, numerose gallerie private (Galleria Tretyakov) e musei non solo nelle capitali, ma anche nelle province, nell'introduzione al disegno scolastico educazione, nella collezione del congresso d'arte di Mosca nell'anno 1894.
Tutto ciò, in connessione con la comparsa di numerose opere brillanti di artisti russi, dimostra che l'arte ha messo radici sul suolo russo ed è diventata nazionale. La nuova arte nazionale russa era nettamente diversa in quanto rifletteva chiaramente e fortemente le principali tendenze del russo vita pubblica. Ciò è più chiaramente evidente nel campo del genere. Dopo la prima galassia di pittori di genere degli anni '50, che raffiguravano scene allegre, negli anni '60 apparvero pittori di genere con una direzione socialmente tendenziosa.
La pittura e, soprattutto, il genere si sentivano chiamati ad agire educativamente, a lottare, a predicare, a denunciare. Il più grande rappresentante di questo movimento letterario nella pittura era Perov, dietro di lui c'erano Pukirev, Korzukhin, Pryanishnikov, Savitsky, Zhuravlev, Myasoedov, Yaroshenko e in parte M. Klodt. Questa galassia ha seguito la letteratura accusatoria, utilizzando disegni ben appresi alla vecchia scuola per esprimere idee. La direzione letteraria si rifletteva nella predominanza di idee, contenuti e nell'indebolimento di elementi puramente pittorici: plasticità e colore.
Quando l'eccitazione passò e i sentimenti si placarono, il dipinto cominciò a perdere il suo tono istruttivo. La direzione tendenziosa cominciò a ritirarsi in secondo piano e fu sostituita da una nuova generazione di artisti di genere, in cui gli istinti plastici pittorici di forma e colore, il desiderio di non trasmettere un'idea, ma di trasmettere uno stato d'animo, iniziarono a parlare molto fortemente. Questi sono Arkhipov, Baksheev, Bogdanov-Belsky, Kasatkin, Pasternak, Tvorozhnikov, ecc. I seguaci di questa tendenza a volte cercano l'atmosfera e il colore anche a scapito dell'idea e del design.
All'incrocio tra l'una e l'altra generazione si trovano i più importanti pittori di genere: Volkov, osservatore sottile e versatile e pittore vivace. Anche la pittura di battaglia ha acquisito un carattere di genere e tendenzioso: V. V. Vereshchagin, raffigurando con tutta verità gli orrori disumani della guerra , predica la pace con i suoi dipinti. L'ultima generazione di pittori di battaglie - Samokish, Kivshenko, Kovalevskij - si occupa principalmente del lato quotidiano della vita militare, dei suoi tipi.
La pittura religiosa ha seguito lo stesso percorso di genere e tendenza reale, più tardi rispetto ad altri tipi di pittura ha adottato una direzione nazionale. L'espressione estrema della tendenza letteraria in materia pittura religiosa C'era il dipinto di Ge "L'Ultima Cena".

Nella seconda metà del XVIII secolo, nell'arte russa si formò lo stile del classicismo, caratterizzato dal rigore del disegno e dalla coerenza nella composizione. certe regole, convenzione sui colori, uso di scene della Bibbia, storia antica e mitologia. L'originalità del classicismo russo sta nel fatto che i suoi maestri si sono rivolti non solo all'antichità, ma anche all'antichità storia nativa che hanno lottato per la semplicità, la naturalezza e l'umanità. Il classicismo come direzione nella cultura artistica russa fu completamente affermato tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. Questo periodo del periodo di massimo splendore del classicismo nella storia della pittura russa è solitamente chiamato alto classicismo. Caratteristica dei pittori di questo tempo era un'affermazione romantica della bellezza dell'unico, individuale, insolito, ma il risultato più alto di questa epoca arti visive in Russia, non si può considerare un dipinto storico, ma un ritratto (A. Argunov, A. Antropov, F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky, O. Kiprensky).

O.A. Kiprensky (1782-1836) scoprì non solo nuove qualità umane, ma anche nuove possibilità per la pittura. Ciascuno dei suoi ritratti ha una sua struttura pittorica speciale. Alcuni sono costruiti su un netto contrasto di luci e ombre. In altri, il mezzo pittorico principale è una sottile gradazione di colori vicini tra loro. I dipinti di K. P. Bryullov (1799-1852) sono caratterizzati dalla fusione del classicismo accademico con il romanticismo, la novità dei soggetti, l'efficacia teatrale della plastica e dell'illuminazione, la complessità della composizione, il brillante virtuosismo del pennello. Il dipinto “L’ultimo giorno di Pompei” (1830-1833) era ampiamente conosciuto. La sublime bellezza dell'uomo e l'inevitabilità della sua morte si riflettono nell'immagine in una tragica contraddizione. Un carattere romantico è anche inerente alla maggior parte dei ritratti di Bryullov. Il più grande maestro della pittura storica fu A.A. Ivanov ha dato alla sua pittura il carattere di un servizio sacrificale all'idea ed è riuscito a superare molti dei modelli caratteristici della tecnica accademica.

Nelle sue opere anticipò molte delle ricerche della pittura realistica russa dei decenni successivi.

Una svolta consapevole della nuova pittura russa verso il realismo democratico emerse alla fine degli anni '50, insieme all'illuminazione rivoluzionaria di Chernyshevsky, Dobrolyubov, Saltykov-Shchedrin. Il 9 novembre 1863, 14 diplomati dell'Accademia delle arti, guidati da I. Kramskoy, rifiutarono di dipingere un quadro di laurea sul tema proposto "La festa nel Valhalla" e chiesero di poter scegliere i soggetti stessi. Furono rifiutati e lasciarono con aria di sfida l'Accademia, formando un Artel of Artists indipendente. Il secondo evento fu la creazione nel 1870 della “Associazione delle mostre itineranti”, la cui anima era la stessa I. Kramskoy. I Peredvizhniki erano uniti nel rifiuto dell’“accademismo” con la sua mitologia, i paesaggi decorativi e la pomposa teatralità. Posto leader Le scene di genere (quotidiane) hanno preso il sopravvento sul loro lavoro. I contadini godevano di particolare simpatia per i Vagabondi. A quel tempo - negli anni '60 e '70. XIX secolo - Il lato ideologico dell'arte era valutato più in alto di quello estetico. Forse il più grande tributo all'ideologia fu pagato da V. G. Perov (1834-1882). La prova di ciò sono i suoi dipinti come "L'arrivo del capo per le indagini", "Tea Party a Mytishchi", "Troika", "Vecchi genitori alla tomba del figlio". Perov dipinse numerosi ritratti dei suoi famosi contemporanei (Turgenev, Dostoevskij). La ritrattistica occupava il posto principale nell’opera di Kramskoy. Ha scritto Goncharov, Saltykov-Shchedrin. Ne possiede uno migliori ritratti Lev Tolstoj. Lo sguardo dello scrittore non lascia lo spettatore, non importa da quale punto guardi la tela.

Una delle più opere forti Kramskoy – dipinto “Cristo nel deserto”.

Ma non si può dire che l’Accademia delle Arti non promuova il talento. Le migliori tradizioni dell'accademismo hanno trovato uno sviluppo grandioso dipinti storici G. Semiradsky, opere del defunto V. Smirnov, ("La morte di Nerone"), magnifici dipinti del pittore marino, rappresentante del romanticismo Ivan Aivazovsky. Molti, in realtà, provenivano dalle mura dell'Accademia artisti eccezionali. Questi sono Repin, Surikov, Polenov e Vasnetsov, e più tardi - Serov e Vrubel.

I Peredvizhniki fecero vere e proprie scoperte nella pittura di paesaggio. A.K. Savrasov è riuscito a mostrare la bellezza e il sottile lirismo del semplice paesaggio russo. Il suo dipinto "The Rooks Have Arrived" (1871) ha fatto sì che molti contemporanei guardassero con occhi nuovi natura nativa. Il cantante della foresta russa, l'ampiezza epica della natura russa, divenne I. I. Shishkin (1832-1898). A. I. Kuindzhi (1841-1910) fu attratto dal pittoresco gioco di luce e aria. La misteriosa luce della luna tra nuvole rare, riflessi rossi dell'alba sulle pareti bianche delle capanne ucraine, raggi obliqui del mattino che irrompono nella nebbia e giocano nelle pozzanghere su una strada fangosa: queste e molte altre scoperte pittoresche sono catturate sulle sue tele.

Il russo al suo apice dipinto di paesaggio XIX secolo raggiunto nel lavoro dello studente di Savrasov

I. I. Levitan (1860-1900). Levitan è un maestro dei paesaggi calmi e silenziosi: un uomo timido e vulnerabile, sapeva rilassarsi solo da solo con la natura, intriso dell'atmosfera del suo paesaggio preferito.

La città di provincia di Plyos, sull’alto Volga, è saldamente radicata nell’opera di Levitan. Da queste parti ha realizzato le sue tele: “After the Rain”, “Gloomy Day”.

Lì sono stati dipinti anche pacifici paesaggi serali: "Serata sul Volga", "Sera. Golden Reach", "Evening Bells", "Quiet Abode".

Nella seconda metà del XIX secolo. segna la fioritura creativa di I. E. Repin, V. I. Surikov e V. A. Serov.

I. E. Repin (1844-1930) fu un artista molto versatile. Al suo pennello appartengono numerosi dipinti di genere monumentali. Forse non meno grandioso di “Barge Haul Haulers on the Volga” è il dipinto “Processione religiosa in Provincia di Kursk". "Il cielo azzurro brillante, le nuvole di polvere stradale trafitte dal sole, il bagliore dorato di croci e paramenti, la polizia, la gente comune e gli storpi: tutto si adatta a questa tela: la grandezza, la forza, la debolezza e il dolore della Russia. Molti dei dipinti di Repin toccavano temi rivoluzionari ("Rifiuto della confessione", "Non si aspettavano", "Arresto del propagandista"). Alcune tele di Repin furono scritte in argomenti storici("Ivan il Terribile e suo figlio Ivan", "Cosacchi che compongono una lettera al sultano turco", ecc.). Repin ha creato un'intera galleria di ritratti. Dipinse ritratti di scienziati (Pirogov e Sechenov), scrittori Tolstoj, Turgenev e Garshin, compositori Glinka e Mussorgsky, artisti Kramskoy e Surikov. All'inizio del 20 ° secolo. ha ricevuto un ordine per il dipinto "Incontro cerimoniale Consiglio di Stato". L'artista è riuscito non solo a posizionare una simile composizione sulla tela gran numero presenti, ma anche per conferire caratteristiche psicologiche a molti di loro.

V. I. Surikov (1848-1916) nacque a Krasnoyarsk, nel Famiglia cosacca. Il periodo di massimo splendore del suo lavoro si verificò negli anni '80, quando creò i suoi tre dipinti storici più famosi: “Morning Esecuzione streltsiana", "Menshikov in Berezovo" e "Boyarina Morozova". Surikov conosceva bene la vita e i costumi delle epoche passate e sapeva dare vividi caratteristiche psicologiche. Inoltre, era un eccellente colorista. Basti ricordare la neve abbagliante, fresca e scintillante nel film "Boyaryna Morozova". Se ti avvicini alla tela, la neve sembra “sgretolarsi” in pennellate blu, azzurre e rosa. Questa tecnica pittorica, quando due o tre tratti diversi si fondono a distanza e danno il colore desiderato, era ampiamente utilizzata dagli impressionisti francesi.

V. A. Serov (1865-1911), figlio del compositore, dipinse paesaggi, tele su temi storici e lavorò come artista teatrale. Ma furono soprattutto i suoi ritratti a dargli fama. Nel 1887, il ventiduenne Serov era in vacanza ad Abramtsevo, la dacia del filantropo S.I. Mamontov vicino a Mosca. Un giorno, dopo pranzo, due persone si sono trattenute accidentalmente nella sala da pranzo: Serov e la dodicenne Vera Mamontova. Si sedettero al tavolo su cui c'erano le pesche, e durante la conversazione la ragazza non si accorse di come l'artista iniziò a disegnare il suo ritratto. Il lavoro è durato un mese. All'inizio di settembre è stata completata "La ragazza con le pesche". Nonostante le sue piccole dimensioni, il dipinto, dipinto nei toni del rosa dorato, sembrava molto “spazioso”. C'era molta luce e aria dentro. La ragazza, che si è seduta al tavolo per quello che è sembrato un minuto e ha fissato lo sguardo sullo spettatore, ha incantato con la sua chiarezza e spiritualità.

E l'intera tela era ricoperta da una percezione puramente infantile della vita quotidiana, quando la felicità non riconosce se stessa, ma avanti - Tutta la vita. Il tempo ha collocato “La ragazza con le pesche” tra i migliori ritratti della pittura russa e mondiale.

Il passaggio a temi nazionali ha portato a una fioritura senza precedenti della pittura storica e di battaglia. Veri capolavori in questi generi sono stati creati da V. Surikov, I. Repin, N. Ge, V. Vasnetsov, V. Vereshchagin, F. Roubaud. In questi anni aprono le prime gallerie d'arte nazionali; le opere di artisti russi iniziano ad apparire regolarmente in mostre internazionali e straniere saloni d'arte. Molti dipinti di Repin, Surikov, Levitan, Serov e altri Peredvizhniki finirono nella collezione Tretyakov. P. M. Tretyakov (1832-1898), rappresentante di un'antica famiglia di mercanti di Mosca, era una persona insolita. Magro e alto, con barba folta e con la sua voce tranquilla sembrava più un santo che un mercante. Iniziò a collezionare dipinti di artisti russi nel 1856. Il suo hobby divenne l'attività principale della sua vita. All'inizio degli anni '90. la collezione raggiunse il livello di un museo, assorbendo quasi l'intero patrimonio del collezionista. Successivamente divenne proprietà di Mosca. La Galleria Tretyakov è diventata un museo di pittura, grafica e scultura russa di fama mondiale. Nel 1898, il Museo Russo fu aperto a San Pietroburgo, nel Palazzo Mikhailovsky (la creazione di K. Rossi). Ha ricevuto opere di artisti russi dall'Ermitage, dall'Accademia delle Arti e da alcuni palazzi imperiali. L'apertura di questi due musei sembrava coronare le conquiste della pittura russa del XIX secolo. Alla fine degli anni Novanta dell'Ottocento, i principali maestri lavoravano ancora fruttuosamente realismo critico- I.E. Repin,

V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, V.E. Makovsky, ma in questo momento nell'arte apparve una tendenza diversa. Molti artisti ora cercavano di ritrovare nella vita innanzitutto i suoi lati poetici, quindi anche nell' dipinti di genere includevano il paesaggio. Spesso si rivolgevano all'antica storia russa. Queste tendenze nell'arte possono essere chiaramente viste nelle opere di artisti come A.P. Ryabushkin e M.V. Nesterov.

Un importante artista di questo periodo, B. M. Kustodiev (1878-1927), raffigura fiere con cucchiai multicolori e pile di merci colorate, Maslenitsa russa con cavalcate in troika, scene di vita mercantile.

Nei primi lavori di M. V. Nesterov, i lati lirici del suo talento furono rivelati in modo più completo. Il paesaggio ha sempre avuto un ruolo importante nei suoi dipinti: l'artista ha cercato di trovare gioia nel silenzio della natura eternamente bella. Amava raffigurare betulle dal tronco sottile, fragili steli d'erba e fiori di prato. I suoi eroi sono giovani magri, abitanti di monasteri o anziani gentili che trovano pace e tranquillità nella natura. I dipinti dedicati al destino della donna russa sono pieni di profonda simpatia ("Sulle montagne", 1896, "Grande tonsura", 1897-1898).

Simbolismo, neoclassicismo e modernismo hanno una notevole influenza su M.A. Vrubel, artisti del "Mondo dell'arte" (A. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva.) e "Blue Rose "(S. Sudeikin, N. Krymov, V. Borisov -Musatov). Le attività di questi gruppi erano molto versatili; gli artisti pubblicavano la propria rivista "World of Art" e organizzavano interessanti mostre d'arte con la partecipazione di molti artisti eccezionali.

Negli anni '10 L'avanguardia russa nasce dal desiderio di ricostruire le basi dell'arte, fino al punto di negare l'arte stessa. Tutta la linea artisti e associazioni creative creare nuove scuole e tendenze che hanno avuto un'influenza decisiva sullo sviluppo delle belle arti mondiali: Suprematismo (K. Malevich), stile "improvvisato" e astrattismo (W. Kandinsky), Rayonismo (Larionov), ecc. Tutti i movimenti di avanguardia l'arte dell'avanguardia è caratterizzata dalla sostituzione del contenuto spirituale, pragmatismo, emotività - calcolo sobrio, immaginario artistico - semplice armonizzazione, estetica delle forme, composizione - design, grandi idee- utilitarismo. La nuova arte affascina con la sua libertà sfrenata, affascina e affascina, ma allo stesso tempo testimonia il degrado, la distruzione dell'integrità del contenuto e della forma. L’atmosfera di ironia, gioco, carnevale e mascherata inerente ad alcuni movimenti d’arte d’avanguardia non maschera tanto quanto rivela la profonda discordia interiore nell’anima dell’artista. Il concetto di “avanguardia” unisce convenzionalmente una varietà di movimenti artistici del XX secolo. (costruttivismo, cubismo, orfismo, op art, pop art, purismo, surrealismo, fauvismo). I principali rappresentanti di questo movimento in Russia sono V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, Yakulov, A. Ekster, B. Ender e altri.

Negli anni '10 C'è stato anche un risveglio dell'interesse per la pittura di icone. I principi artistici della pittura di icone furono applicati in modo creativo da singoli artisti russi (V. Vasnetsov, M. Nesterov, K.S. Petrov-Vodkin) e stranieri (A. Matisse), nonché da interi movimenti e scuole d'avanguardia.

Dalla fine degli anni '20 in Russia è stato stabilito il principio del realismo socialista. L'ideologia diventa la principale forza determinante nella creatività artistica. Nonostante la forte influenza dell'ideologia, sono state create vere e proprie opere d'arte di livello mondiale. Il lavoro dei paesaggisti S.V. Gerasimov, V.N. Baksheeva, A.A. Plastov, creatività di P.D. Korina, A.N. Witty-Lebedeva, I. Glazunov, K. Vasilyev, A. Shilov, A. Isacheva ne sono una prova convincente. Dagli anni '60 La rinascita dell'avanguardia russa è alle porte. La parte “consentita” ma non ufficiale dell’arte sovietica negli anni Sessanta. rappresentato dalle opere di maestri dello “stile severo” (T. Salakhov, S. Popkov). Negli anni '70 e '80. la creatività ha ricevuto un riconoscimento Artisti sovietici- R. Bichunas, R. Tordia, D. Zhilinsky, A. Zverev, E. Steinberg, M. Romadin, M. Leis, V. Kalinin e altri, rappresentanti non solo dell '"arte ufficialmente consentita". Il postmodernismo russo degli anni '90 del XX secolo è un esempio della creatività del gruppo "SVOI" (Hyper-Pupper-Kuznetsov V., Veshchev P., Dudnik D., Kotlin M., Maksa-Maksyutina, Menus A., Nosova S., Podobed A., Tkachev M.). Il fatto stesso di unire diversi artisti in un unico organismo vivente, non limitato da confini concettuali o stilistici, corrisponde nel modo più accurato al principio fondamentale del postmodernismo sul parallelismo e l'equivalenza delle tendenze artistiche.

pittura del classicismo dell'arte

“Il dono della visione storica è uno dei fenomeni più rari al mondo, sebbene quasi tutti sentano il nostro misterioso legame mistico con i morti, con gli scomparsi. Approfondire il lungo passato, vivere per qualche tempo nell'interesse di queste persone morte è un grande piacere per tutti... Tuttavia, resuscitare il passato, rappresentarlo con tutta la nitidezza e la certezza della realtà è compito di pochissimi. Ciò richiede più di una conoscenza.

1. Anton Losenko “Vladimir e Rogneda”, 1770

Il fondatore della pittura di genere storica russa è solitamente chiamato Anton Losenko (1737-1773), un artista che studiò in Francia e in Italia, il primo pensionato dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo. La tela “Vladimir e Rogneda” per la prima volta ha presentato l’antichità russa in modo espressivo e conciso. Grazie alle opere di Anton Losenko, i soggetti dell'antica storia russa iniziarono a essere considerati nell'accademia non meno legittimi dei soggetti della storia antica e biblica.

“Ho presentato Vladimir in questo modo: quando, dopo la vittoria e la cattura della città di Polotsk, entra a Rogneda e la vede per la prima volta, motivo per cui la trama del film può essere definita il primo incontro di Vladimir con Rogneda, in quale Vladimir viene presentato come il vincitore, e l'orgoglioso Rogneda come prigioniero. Vladimir a Rognede si sposò contro la sua volontà, ma quando la sposò, deve averla amata. Per questo l'ho presentato come un amante che, vedendo la sua sposa disonorata e privato di tutto, ha dovuto accarezzarla e chiederle scusa, e non come altri concludono, che lui stesso l'ha disonorata e poi l'ha sposata, il che mi sembra molto innaturale, e se così fosse, allora la mia foto rappresenta solo primissimo appuntamento."

Anton Losenko

2. Grigory Ugryumov "L'elezione di Mikhail Feodorovich Romanov al regno il 14 marzo 1613" Non oltre il 1800.

I pittori storici si sono spesso rivolti a eventi della storia russa che hanno avuto un ruolo significativo nello sviluppo dello stato. Questi includono l'elezione di Mikhail Fedorovich Romanov al trono allo Zemsky Sobor del Cremlino, che segnò l'inizio di una nuova dinastia. Il giovane re è raffigurato come un giovane angelico che percepisce la sua elezione come un pesante fardello imposto dal destino. Con un gesto sembra volersi isolare Volontà divina, al quale il sacerdote, alzando la mano, lo indica. Il giovane non guarda nemmeno l’uomo inginocchiato, che gli porge lo scettro e il cappello di Monomakh adagiato sul cuscino. Tutta la scena è di natura teatrale. I personaggi principali sono elevati e ben illuminati. I loro gesti sono pensosamente espressivi. Le persone che riempiono la cattedrale e tendono le mani in preghiera per accettare l'alto rango e porre fine ai disordini nello stato sembrano comparse che sottolineano e accrescono l'importanza dei personaggi principali.

3. Vasily Sazonov “Dmitry Donskoy sul campo di Kulikovo”, 1824

Il programma per accademici, per il quale Vasily Kondratyevich Sazonov ricevette piccole medaglie d'argento e d'oro (1811), si chiamava “Lo zar Giovanni Vasilyevich dà l'acqua portatagli dai soldati con l'elmo a un semplice guerriero che sta svanendo dalla sete, che lui stesso dà da bere”.

Non meno patriottico suonò il programma "Lealtà a Dio e al sovrano dei cittadini russi che, fucilati a Mosca nel 1812, andarono a morte con uno spirito fermo e nobile, non accettando di adempiere al comando di Napoleone", per il quale V. Sazonov ricevette un premio grossa somma nel 1813 una medaglia d'oro e il diritto ad un viaggio di pensionamento all'estero, rinviato al 1818 a causa di eventi militari in Europa. Il viaggio di VK Sazonov ebbe successo: portò dall'Italia copie dei dipinti di Caravaggio e Tiziano. Per loro e per la sua opera originale “Dmitry Donskoy sul campo di Kulikovo”, il pittore ricevette il titolo di accademico nel 1830.

4. Nikolai Ge “Pietro I interroga lo zarevich Alessio a Peterhof”, 1871

© Foto: ru.wikipedia.org "Ho sentito ovunque e in ogni cosa l'influenza e la traccia della riforma di Pietro. Questo sentimento era così forte che involontariamente mi sono interessato a Pietro e, sotto l'influenza di questa passione, ho concepito il mio dipinto "Pietro I e lo zarevich Alessio”" .

Nikolai Ge "Ora è difficile immaginare la scena dell'interrogatorio diversamente che nella tela di Ge."... Chiunque abbia visto queste due figure semplici, per nulla messe in scena in modo spettacolare", ha scritto Saltykov-Shchedrin, "è stato testimone di uno di quei drammi sbalorditivi che non sono mai stati cancellati dalla memoria." L'artista sceglie nuovamente per l'immagine il momento in cui tutto è già stato deciso nel rapporto tra padre e figlio. Pietro, costruendo uno stato rinnovato, sacrifica deliberatamente suo figlio in modo che il governo di Alessio non cada come un "tronco pesante" sotto i piedi della Russia. Fiducioso nella sua giustezza "Peter guarda attentamente la figura pietosa e indifesa di suo figlio. Lo sguardo degli occhi bassi di Alessio tradisce testardaggine e speranza di riportare tutto indietro. Una tovaglia rosso sangue con uno schema chiaro cade a terra, separando per sempre padre e figlio. Il dramma personale nel dipinto di Ge è anche un dramma storico. " .

Vladimir Sklyarenko, critico d'arte

5. Ilya Repin “I cosacchi scrivono una lettera al sultano turco”, 1880-1891

© Foto: ru.wikipedia.org Secondo la leggenda, la lettera fu scritta nel 1676 dall'ataman Kosh Ivan Sirko "con tutto lo Zaporozhye Kosh" in risposta all'ultimatum del Sultano impero ottomano Mehmed (Maometto) IV. La lettera originale non è sopravvissuta, ma negli anni '70 dell'Ottocento un etnografo dilettante di Ekaterinoslav, Yakov Novitsky, trovò una copia realizzata nel XVIII secolo. Lo consegnò famoso storico Dmitry Yavornitsky, che una volta lo lesse come curiosità ai suoi ospiti, tra cui, in particolare, Ilya Repin. L'artista si interessò al soggetto e nel 1880 iniziò la prima serie di schizzi.

"Ho lavorato sull'armonia generale dell'immagine. Che lavoro! Ogni macchia, colore, linea deve esprimere insieme lo stato d'animo generale della trama e deve essere coerente e caratterizzare ogni soggetto dell'immagine. Ho dovuto sacrificare un molto e cambio molto, sia nei colori che nelle personalità... A volte lavoro fino allo sfinimento... mi stanco molto."

Ilya Repin

6. Vasily Surikov “La mattina dell'esecuzione di Streltsy”, 1881

© Foto: ru.wikipedia.org "Dostoevskij diceva che non c'è niente di più fantastico della realtà. Ciò è confermato soprattutto dai dipinti di Surikov. La sua esecuzione degli arcieri nell'accigliata Piazza Rossa, con la sagoma minacciosa di San Basilio alle spalle, con le patetiche candele che tremolano nell'oscurità mattutina, con una processione di persone storpie, che si trascina sotto lo sguardo minaccioso dello zar anticristo, trasmette brillantemente tutto l'orrore soprannaturale dell'inizio della tragedia di Pietro il Grande."

Alessandro Artista Benoît, critico

7. Vasily Perov “Nikita Pustosvyat. Disputa sulla fede", 1881

© Foto: ru.wikipedia.org Vasily Perov ha scelto il tema religioso scisma XVII secolo, che sorse di conseguenza riforme della chiesa Patriarca Nikon. Nikita Pustosvyat (vero nome - Dobrynin Nikita Konstantinovich; il soprannome "Pustosvyat" è stato dato dai sostenitori della chiesa ufficiale), sacerdote di Suzdal, uno degli ideologi dello scisma. Il Concilio della Chiesa del 1666–1667 lo condannò e lo destituì. Nel 1682, gli scismatici approfittarono della rivolta di Streltsy a Mosca e chiesero che la chiesa tornasse alla “vecchia fede”. Al Cremlino si è svolto un “dibattito sulla fede”, dove Nikita Pustosvyat è stato il relatore principale.

Al centro c'è lo stesso Nikita, accanto a lui c'è il monaco Sergio con una petizione, sul pavimento c'è Atanasio, arcivescovo di Kholmogory, sulla cui guancia Nikita “ha impresso una croce”. Sullo sfondo c'è il leader degli Streltsy, il principe I. A. Khovansky. La principessa Sophia si alzò dal trono con rabbia, irritata dall'insolenza degli scismatici. Il giorno successivo, Nikita e i suoi sostenitori furono decapitati con l'accusa di indignazione del popolo.

"Un artista deve essere un poeta, un sognatore e, soprattutto, un lavoratore instancabile... Chiunque voglia essere un artista deve diventare un fanatico assoluto, una persona che vive e si nutre di arte e solo di arte."

Vasilij Perov

8. Konstantin Makovsky “Festa di nozze dei boiardi nel XVII secolo”, 1883

© Foto: ru.wikipedia.org "Konstantin Makovsky, tuttavia, rimarrà, se non artisticamente, almeno storicamente abbastanza esempio interessante. Riflette il lato dell'alta società della vita russa e i gusti dell'alta società degli anni '70 e '80.

La confusione dell'opinione pubblica russa in materia di valutazione opere d'arte si riflette nel modo più chiaro nel fatto che K. Makovsky è stato per molto tempo il preferito di tutti.

Particolarmente curioso è l’entusiasmo sincero e rumoroso per questo nella nostra stampa principale, che ha proclamato “Il banchetto del boiardo” e “La scelta della sposa” come esempi di prima classe della pittura moderna”.

Alexandre Benois, artista, critico

© Foto: ru.wikipedia.org "Una sera a Mosca, nel 1881, ho ascoltato il nuovo pezzo di Rimsky-Korsakov "Revenge". Mi ha fatto un'impressione irresistibile. Questi suoni mi hanno catturato e "ho pensato se sarebbe possibile incarnare nella pittura l'atmosfera che si è creata in me sotto l'influenza di questa musica. Mi sono ricordato dello zar Ivan."

"Ho scritto a raffica, ho sofferto, mi sono preoccupato, ho corretto ciò che era già stato scritto ancora e ancora, l'ho nascosto con dolorosa delusione nelle mie capacità, l'ho estratto di nuovo e sono andato di nuovo all'attacco. Per minuti ho avuto paura. Mi sono allontanato da questo L'immagine si è rivoltata ai miei amici "ha fatto la stessa impressione. Ma qualcosa mi ha spinto a questa immagine e ci ho lavorato di nuovo".

Ilya Repin

10. Vasily Surikov “Boyaryna Morozova”, 1887

© Foto: ru.wikipedia.org "Surikov ha ora creato un dipinto del genere, che, secondo me, è il primo di tutti i nostri dipinti su temi della storia russa. Al di là di questo dipinto c'è la nostra arte, che si assume il compito di rappresentare l'antica storia russa, non è ancora scomparsa."

Vladimir Stasov, critico

"...Il lato tecnico dei dipinti di Surikov non è solo soddisfacente, ma addirittura bello, poiché trasmette pienamente le intenzioni dell'autore, e che, in sostanza, tutti... i difetti sono piuttosto vantaggi piuttosto che difetti. Anche in questo si può sente il suo legame con la tecnica brutta del genio Dostoevskij. Grazie alla mancanza di profondità prospettica in Morozova, Surikov è riuscito a sottolineare l'affollamento tipico e in questo caso simbolico delle strade di Mosca, il carattere un po' provinciale dell'intera scena, che contrasta così mostruosamente con il grido entusiasta personaggio principale. Questo dipinto fu chiamato, pensando di condannarlo per questo, un tappeto, ma in realtà quest'opera, sorprendente nella sua armonia di colori variegati e luminosi, è degno di essere chiamato un bellissimo tappeto per il suo stesso tono, per la sua musica molto colorata, che ci trasporta nell'antica Rus' ancora unica e bella." .

Alexandre Benois, artista, critico

11. Vasily Vereshchagin “Napoleone sulle alture di Borodino”, 1897

© Foto: ru.wikipedia.org “Prima di Vereshchagin, tutti i dipinti di battaglia che potevano essere visti nei nostri palazzi e alle mostre, in sostanza, raffiguravano parate e manovre chic... La natura stessa che circondava queste scene era pettinata e levigata così , come in realtà ciò non sarebbe potuto accadere nemmeno nei giorni più tranquilli e tranquilli, e allo stesso tempo tutti questi dipinti e quadri sono stati sempre eseguiti in quel modo dolce che ci è stato portato ai tempi di Nicola Primo...

Tutti erano così abituati alle immagini della guerra esclusivamente sotto forma di una vacanza divertente, elegante e rosea, una sorta di divertimento con le avventure, che non è mai venuto in mente a nessuno che in realtà non era così che sembravano le cose. Tolstoj nel suo “Sebastopoli” e in “Guerra e pace” distrussero queste illusioni, e Vereshchagin poi ripeté nella pittura ciò che Tolstoj aveva fatto in letteratura. Quando... il pubblico russo ha visto le foto di Vereshchagin, che all'improvviso in modo così semplice, cinico ha denunciato la guerra e l'ha mostrata come una malvagità sporca, disgustosa, cupa e colossale, che il pubblico ha urlato in ogni modo possibile e ha iniziato a odiare e amare un tale temerario con tutte le sue forze.

© Foto: ru.wikipedia.org "Gli ospiti di mezzanotte stanno nuotando. La riva dolcemente digradante del Golfo di Finlandia si estende come una striscia chiara. L'acqua sembra essere satura dell'azzurro del limpido cielo primaverile; il vento la increspa , allontanando strisce e cerchi viola opaco. Uno stormo di gabbiani affondò sulle onde, ondeggiarono con noncuranza e solo sotto la chiglia della barca anteriore balenò le ali: qualcosa di sconosciuto, senza precedenti, allarmò la loro vita pacifica. Un nuovo flusso fa nel suo percorso attraverso l'acqua stagnante, si imbatte nell'antica vita slava, attraverserà foreste e paludi, rotolerà su un ampio campo, farà sorgere generazioni slave - vedranno ospiti rari e sconosciuti, si meraviglieranno della loro attività strettamente militare , secondo la loro usanza d'oltremare. Le torri vanno in una lunga fila! I colori brillanti bruciano al sole. I lati della prua sono elegantemente risvoltati, terminando con una prua alta e snella.

Nicola Roerich

14. Valentin Serov “Pietro I”, 1907

"Pietro cammina spaventosamente, convulsamente, come un automa... Sembra la divinità della roccia, quasi come la morte; il vento gli ronza nelle tempie e gli preme nel petto, negli occhi. I "pulcini" provati e induriti da cui ha lavato e lavato via riesce a malapena a tenere il passo con lui l'ultimo tocco di signorile sibaritismo, che ha trasformato in inservienti e messaggeri Guardando quest'opera, senti che... L'imperatore Pietro I era posseduto da un dio formidabile e terribile , salvatore e punitore, un genio con una forza interiore così gigantesca che il mondo intero dovette sottomettersi a lui e persino gli elementi."

Alexandre Benois, artista, critico

15. Vasily Efanov " Un incontro indimenticabile. Leader del partito e del governo nel Presidium della Conferenza pan-sindacale delle mogli dei dirigenti aziendali e degli operai ingegneri e tecnici dell'industria pesante al Cremlino", 1936-1937

© Foto: www.school.edu.ru L'idea per il dipinto è stata suggerita a Efanov commissario del popolo industria pesante di Grigory Ordzhonikidze, raffigurato nella foto insieme ad altri leader. In quest'opera, Efanov combina per la prima volta elementi popolari nel realismo socialista ritratto di gruppo e un dipinto storico, che compone la composizione come il climax di un palcoscenico teatrale con caratteristici dettagli “messi in scena”: il ritmo delle mani che applaudono, un fiore che cade sulle carte del presidente, una sedia inclinata in modo instabile.

La pittura russa come riflesso della visione del mondo del popolo russo e della sua storia secolare

L'esistenza cosciente e creativa del popolo russo su questa Terra, in questo Universo, in questo mondo dura da più di mille anni. Durante questo periodo, il nostro popolo ha creato un grande stato: è fantastico non solo per i suoi vasti spazi, ma anche per la grandezza dello spirito del popolo russo e le sue conquiste creative. Nella storia della civiltà mondiale ci sono tali concetti: la grande scienza russa, la grande letteratura russa, la grande pittura russa.

La pittura occupa un posto speciale nella creazione dell'immagine di un popolo. Lei è visibile. È chiaro a tutti. Viene percepito direttamente dall'anima umana e diventa una continuazione visibile della sua anima, l'anima dell'intero popolo.

Non tutti i russi pensano che sia stato grazie alle opere del grande scienziato russo I.P. Pavlov che l'umanità si è avvicinata alla risoluzione del mistero del pensiero, che sia stato lo scienziato russo V.I. Vernadsky a rivelare il principio dell'esistenza della mente nell'Universo , e il famoso D.I. Mendeleev non solo determinò la forza della vodka, ma spiegò anche la struttura della materia in quanto tale. E anche ricordando i nomi dei creatori della letteratura russa, non tutti hanno letto i romanzi di F. M. Dostoevskij e L. N. Tolstoj e avranno difficoltà a ricordare la quartina del genio di tutti i tempi A. S. Pushkin, dimenticato da scuola.

Ma probabilmente non c’era villaggio in Russia dove non si potessero trovare riproduzioni dei “Tre eroi” di Vasnetsov, talvolta riprodotte da una mano non molto abile. Oppure "Al mattino pineta» Shishkina. O i suoi “Pini in segale”. Oppure "Cacciatori a riposo" di Perov. O “La moglie del mercante” di Kustodiev.

La pittura russa - dalle miniature delle cronache e dalle stampe popolari ai dipinti drammatici di Repin e Surikov - era un fenomeno onnicomprensivo. “Bambini che fuggono da un temporale” di Makovsky, “Cosacchi che scrivono una lettera al sultano turco” di Repin, “Boyaryna Morozova” e “La traversata delle Alpi di Suvorov” di Surikov, “ Autunno dorato"Levitan e paesaggi di Shishkin, "Bellezza russa" di Kustodiev, "Amazzone" di Bryullov, "La nona onda" di Aivazovsky, contadine di Venetsianov, "Tea Party a Mytishchi" di Perov, eroi fiabeschi ed epici di Vasnetsov , Bilibin, "Demon" di Vrubel, "Holy Rus'" Nesterova, " Matrimonio ineguale"Pukirev, "Mowers" di Myasoedov, "Major's Matchmaking" di Fedotov, ritratti di A. S. Pushkin di Kiprensky e Tropinin, ritratti di V. I. Dal e F. M. Dostoevskij realizzati da Perov, ritratti di zar russi e immagini delle corone dell'artista restauratore Solntseva – tutti questi non sono solo dipinti. Questa è l’anima del popolo russo, il volto della Russia, catturato dal pennello del pittore.

Il libro "Grandi artisti della Russia" non è uno studio storico-artistico, non solo un album di riproduzioni di dipinti di artisti famosi, non una raccolta di brevi biografie di pittori russi con esempi del loro lavoro.

Questo libro ricrea l'immagine della Russia in tutta la sua diversità. Questo libro dovrebbe essere in ogni famiglia, dovrebbe essere guardato insieme ai bambini almeno una volta all'anno per ricordarci visibilmente: chi siamo, cosa siamo e da dove veniamo. Come bisogna rileggere “Guerra e pace” di Tolstoj, “I fratelli Karamazov” di Dostoevskij, “ Anime morte"Gogol, "Eugene Onegin" di Puskin. Questo deve essere fatto per preservare la propria essenza nazionale, per rimanere una persona dello spirito russo, della cultura russa. Il libro "Grandi artisti russi" è destinato a questo scopo. Solo che, a differenza di quanto sopra, non è stato scritto con penna e inchiostro, ma con pennello e colori. Ma non contiene meno significato, pensieri e spirito.

Nel 21° secolo, il nostro Paese, la nostra Patria materiale e spirituale, non è la prima volta nella sua storia che si trova sull’orlo della distruzione. Il lungo giogo mongolo-tartaro ha lasciato un segno speciale nella nostra storia, ma non ha potuto fermare lo sviluppo della Russia. È stato superato e breve Tempo di guai, che ha minacciato il paese di perdere la statualità. Il giogo sovietico di quasi settant'anni ha avuto l'effetto più grave e disastroso sul carattere spirituale, morale e morale del popolo russo, sopravvissuto all'era della distruzione delle basi dell'autocoscienza nazionale. Vent’anni di esistenza post-sovietica hanno portato il paese ancora più vicino all’orlo della distruzione materiale e spirituale. Nessuno sa se la Russia sarà in grado di superare questa degenerazione e decadenza spirituale e morale e rinascere nella sua esistenza creativa o scomparirà dalla faccia di questo pianeta, da questo Universo, come una volta scomparivano Grecia antica E Antica Roma. Ma ciò che è stato creato dalla mano e dallo spirito dell'uomo rimane. E non importa come andrà a finire il destino futuro della Russia, la sua storia e cultura rimarranno uno dei risultati più significativi esistenza umana In questo mondo. Significativo e visibile, grazie, tra le altre cose, al genio e alle opere di artisti russi, grandi pittori e creatori ordinari che hanno ricreato nelle loro tele la storia secolare del popolo russo e dei suoi anima creativa, sforzandosi di comprendere il mistero dell'esistenza umana in questo mondo, in questo Universo, su questa Terra.

V. P. Butromeev

Dal libro Bakhchisaray e i palazzi di Crimea autore Gritsak Elena

Livadia per re e popolo Le attrazioni di Livadia iniziano dalla cima di Mogabi (804 metri), i cui pittoreschi pendii scendono nella valle del fiume “cascata” Uchan-Su. Lo stretto bordo della costa da Yalta a Capo Ai-Todor è dotato di un paesaggio roccioso raro e bellissimo

Dal libro Sull'arte [Volume 2. Arte sovietica russa] autore Lunacharsky Anatoly Vasilievich

Dal libro La morte dell'arte autore Veidle Vladimir Vasilievich

Dal libro Carte di caramelle autore Genio Alexander Alexandrovich

Trinità russa Vasnetsov Viktor VasnetsovBogatyrs.1881–1898 Olio su tela. 295,3 x 446 cm Galleria Statale Tretyakov, Mosca Se fossi un cavallo, il dipinto “Tre eroi” sarebbe per me un'icona. I cavalli di Vasnetsov sono fuori meglio delle persone. I primi occupano più spazio sulla tela rispetto ai secondi e

Dal libro Grandi misteri del mondo dell'arte autore Korovina Elena Anatolyevna

Dal libro Volume 5. Opere di anni diversi autore Malevich Kazimir Severinovich

“Attraverso il percorso secolare dell'arte...”* L'orizzonte è un filo da circo lungo il quale corrono gli artisti, destreggiandosi tra loro. Orizzonte - arena del circo artisti. Attraverso il percorso secolare dell'Arte, si è scoperto che significava qualcosa di grande, la rivelazione di nuove idee

Dal libro Musei di San Pietroburgo. Grande e piccolo autore Pervushina Elena Vladimirovna

Dal libro di Tretyakov autore Anisov Lev Mikhailovich

Capitolo X PROVINCIA RUSSA Il 1 marzo 1881 si verificò un'esplosione in una delle strade di San Pietroburgo. Uno sconosciuto lanciò una bomba contro una carrozza di passaggio che trasportava Alessandro II. L'esplosione della bomba uccise due passanti e ferì un ufficiale del convoglio cosacco. L'Imperatore rimase

Dal libro Tesori dei Monti Riphean autore Lenkovskaja Elena

La superiorità delle armi russe Va detto che la regolamentazione statale, così forte nell'era del classicismo, influenzò anche la produzione di armi decorate. Le armi nella fabbrica Zlatoust sono state realizzate secondo campioni inviati da San Pietroburgo. Fortunatamente, quello della capitale

Dal libro Chi è chi nel mondo dell'arte autore Sitnikov Vitaly Pavlovich

Mosaico russo Ammirando gli enormi vasi nelle sale dell'Ermitage, i tavoli scintillanti e le potenti colonne nel Palazzo d'Inverno o nella Cattedrale di Sant'Isacco, non bisogna sbagliarsi: tutti questi oggetti unici sono realizzati con piccoli pezzi e non con pietra solida Il metodo con cui

Dal libro L'esperienza. 1862-1917 Ricordi autore Nesterov Michail Vasilievich

Dal libro del Maestro della Pittura Storica autore Lyakhova Kristina Alexandrovna

"Cristiani" - "Anima del popolo". 1917 Capodanno 1917 Ho festeggiato con la mia famiglia nella Chiesa della Grande Ascensione a Nikitskaya. Questa bella chiesa fu costruita sul sito di un'antica chiesa del XVII secolo, di cui rimane solo il campanile. La Grande Ascensione è stata creata dal pensiero e dai mezzi

Dal libro Crittografia dell'arte [Raccolta di articoli] autore Petrov Dmitrij

Pittura storica russa Come in Francia, anche in Russia la pittura storica ha goduto di una straordinaria popolarità genere storicoè stato dato dall'Accademia delle arti, fondata a San Pietroburgo nel XVIII secolo. Secondo accademico

Dal libro Arte e vita di MorrisWilliam

L'anima del popolo (Ilya Barabash) L'artista Mikhail Vasilyevich Nesterov considerava questo dipinto l'apice della sua creatività, dicendo: "All'inizio della sua vita - "Il giovane Bartolomeo", verso la fine - "L'anima del popolo" . Ed è vero che chiude il ciclo di riflessioni iniziato con la “vita” di Sergio di Radonež nel lontano 1889

Dal libro di Marc Chagall autore Wilson Jonathan

Dal libro dell'autore

Dall'editore dell'edizione russa Nella casa editrice "Text" in anni diversi Sono stati pubblicati i seguenti libri relativi alla vita e all'opera di Marc Chagall: Marc Chagall su arte e cultura. Benjamin Harshav; Marc Chagall. Il mio mondo. La prima autobiografia di Chagall, ed. Beniamino

L'inizio della storia della pittura russa è considerato l'era dell'adozione del cristianesimo: la fine del X secolo. Con l'ideologia del cristianesimo si diffusero nella Rus' le tradizioni della pittura bizantina, che rimasero dominanti fino al XV secolo. Le immagini musicali (musiyny – realizzate su legno tinto) vengono inizialmente realizzate da maestri in visita dalla Grecia, da cui studiano giovani russi di talento. Uno di questi è Sant'Alimpio di Pechersk, il primo pittore di icone russo.

Il severo controllo delle autorità ecclesiastiche, che consentono solo la copia di modelli greci e reprimono ogni tentativo di deviazione dal canone, ostacola a lungo lo sviluppo dell'arte pittorica. Fino al XV secolo esisteva una sola scuola di pittura: Korsun (greca). Ma nel XV secolo la situazione mutò per la diffusione di quelli europei decorati con politipi e incisioni. A questo periodo risale l'opera di Andrei Rublev, rappresentante della scuola bizantina, autore dei dipinti di Mosca. Cattedrale dell'Annunciazione, cattedrali della Trinità-Sergio Lavra, ecc.

Nel XVII secolo il ritardo della scuola di pittura di icone russa divenne evidente anche alle autorità ecclesiastiche. Il sovrano Alexei Mikhailovich invita i maestri occidentali in grado di dipingere dal vero a dipingere le stanze del palazzo: tale abilità era assolutamente assente nella scuola domestica. Simon Ushakov, pittore di icone reali, cerca di combinare tecniche bizantine ed europee e crea un nuovo stile di pittura di icone: Fryazhsky.
17 ° secolo L'inizio dello sviluppo della pittura secolare
A partire dal XVII secolo, la pittura secolare cominciò a svilupparsi nella Rus', soprattutto durante il regno di Pietro il Grande. In Italia e in Olanda Matveev, Zakharov e i fratelli Nikitin studiano lo stile di scrittura occidentale e aprono corsi di incisione e disegno all'Accademia delle Scienze.

La moda e il desiderio di lusso divennero la ragione della forte domanda di pittura ai tempi di Elisabetta Petrovna. Ma le opere di artisti stranieri sono molto richieste: i pittori russi sono molto indietro in termini di abilità.

Nel 1757 fu fondata a San Pietroburgo l'Accademia delle arti con 5 dipartimenti: pittura, scultura e scultura, incisione, arte della medaglia (produzione di monete e medaglie), architettura. Vi furono accettate persone di tutte le classi e persino donne (con il consenso del padre o del marito): tale era il bisogno di talenti domestici. Tuttavia, la leadership francese dell'insegnamento determinò a lungo i principali tipi di pittura: la pittura di paesaggi storici ed eroici nello stile di Poussin e Claude Lorrain, che divenne la ragione della monotonia e dell'elevata convenzionalità delle immagini.

Ma lo sviluppo, seppure lentamente, sta avvenendo. Nei ritratti migliori artisti quel tempo di Levitsky, Borovikovsky, Rokotov, Kiprensky, la veridicità della natura divenne sempre più chiara. D. G. Levitsky diventa il ritrattista più alla moda dei tempi di Caterina II. Le sue porte anteriori sono molto bel lavoro sono molto richiesti nell’ambiente aristocratico; un esempio caratteristico della maniera di Levitsky è un ritratto a figura intera di Caterina II. Orest Kiprensky è considerato tra i migliori ritrattisti russi. Le sue opere migliori sono il ritratto di Thordvalsen, i dipinti “Sibilla di Tiburtine”, “Ragazza con frutti”, ecc.

Per molto tempo, fino alla prima metà del XIX secolo, la pittura russa rimase prevalentemente imitativa. I pittori copiarono le tecniche e i soggetti dei maestri francesi e italiani (bolognesi). Il motivo era l'istruzione accademica e la domanda secolare che, come le autorità ecclesiastiche, instillavano idee di imitazione.

I primi artisti a fare un passo verso l'indipendenza e la vividezza dell'immagine furono Basin, Warnek, Bruni. Tuttavia, una rottura fondamentale con la tradizione del classicismo è opera di Karl Bryullov, che ha scritto “L’ultimo giorno di Pompei”. Bryullov riuscì a risvegliare l'interesse del pubblico per l'arte vivente e il suo stile di pittura romantico divenne un presagio del realismo russo.

XIX secolo. La formazione della pittura nazionale
La seconda metà dell'Ottocento è caratterizzata da un costante aumento dell'amore e del semplice interesse per l'arte. Si tengono numerose mostre. Appaiono ricchi intenditori, che acquistano dipinti e creano gallerie private. Stanno nascendo le scuole private di disegno.

Nel 1825, all'Ermitage fu organizzato un dipartimento di pittura russa accessibile al pubblico. La rottura con l'accademismo imitativo si esprime in un appello alla vita quotidiana e contadina, trame di realtà semplice. E anche se i dipinti di Venetsianov riguardano più la ricerca della bellezza che la bellezza, sono di grande importanza per la formazione della scuola realistica russa.

Nel 1863, un gruppo di artisti guidati da Kramskoy, condannando la politica dell'Accademia delle arti, lasciò i suoi membri e nel 1872 formarono una "associazione di mostre itineranti", in futuro il centro della scuola nazionale di pittura russa . Nel tempo si uniscono a loro gli artisti più talentuosi e originali.

Durante questi anni, la Galleria Tretyakov e molti musei apparvero non solo in entrambe le capitali, ma anche nelle città di provincia. La direzione dominante diventa socialmente tendenziosa, progettata per rappresentare l'influenza, la lotta, la denuncia e la predicazione. I dipinti di Perov, Pukirev, Pryanishnikov, Korzukhin, Savitsky, Myasoedov, Klodt sono ispirati alle idee della letteratura e del pensiero sociale.

È ora di cambiare

La fine del XIX e l’inizio del XX secolo furono un periodo di cambiamenti rivoluzionari e di aspettative di rinascita della Russia. Durante questo periodo apparvero i famosi "Bogatyrs" di Vasnetsov e "Cosacchi" di Repin, "La traversata delle Alpi di Suvorov" di Surikov. I dipinti esprimono idee patriottiche grandezza nazionale e il pensiero più intimo della sua rinascita.

Ma non solo il rivolgersi alle grandi pagine della storia è caratteristico di un’epoca di grandi cambiamenti. Gli itineranti più giovani - S. Korovin, S. Ivanov, N. Kasatkin e altri - si sono rivolti alla vita dei sordi, creando tele acutamente sociali che erano rivoluzionarie nella loro veridicità.