Associazione Creativa di Artisti “Il Mondo dell'Arte. Enciclopedia scolastica Associazione creativa mondo dell'arte che vi è inclusa

Associazione Artistica Russa. Formata alla fine del 1890. (ufficialmente nel 1900) sulla base di un circolo di giovani artisti e amanti dell'arte, guidati da A. N. Benois e S. P. Diaghilev. Come unione espositiva sotto gli auspici della rivista Mir ... ... Enciclopedia dell'arte

Associazione (1898 1924) di artisti, creata a San Pietroburgo da A.N. Benois e S.P. Djagilev. I rappresentanti del mondo dell'arte rifiutarono sia l'accademismo che la tendenziosità degli Erranti; affidandosi alla poetica del simbolismo, spesso entravano nel mondo del passato ... Enciclopedia moderna

"Il mondo dell'arte"- "WORLD OF ART", associazione (1898 1924) di artisti, creata a San Pietroburgo da A.N. Benois e S.P. Djagilev. I rappresentanti del "Mondo dell'Arte" rifiutavano sia l'accademismo che la tendenziosità degli Erranti; basandosi sulla poetica del simbolismo, spesso ... ... Dizionario Enciclopedico Illustrato

E. E. Lansere. Navi del tempo di Pietro I. Tempera. 1911. Galleria Tretyakov. Mosca. "World of Art", associazione artistica russa. Formata alla fine del 1890. (ufficialmente nel 1900) sulla base di una cerchia di giovani artisti e amanti dell'arte... Enciclopedia dell'arte

- (1898-1904; 1910-1924), un'associazione di artisti e personaggi della cultura di San Pietroburgo (A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. Ya. Golovin, I. Ya. Bilibin, Z. E. Serebryakova, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, ... ... Enciclopedia dell'arte

- "World of Art", associazione artistica russa. Formata alla fine del 1890. (ufficialmente nel 1900) a San Pietroburgo sulla base di un circolo di giovani artisti e amanti dell'arte, guidati da A. N. Benois e S. P. Diaghilev. Come unione espositiva sotto ... ... Grande enciclopedia sovietica

"Il mondo dell'arte"- "Mondo dell'Arte", associazione artistica. Formata alla fine del 1890. (lo statuto fu approvato nel 1900) sulla base di un circolo di giovani artisti, storici dell'arte e amanti dell'arte ("società di autoeducazione"), guidato da A. N. Benois e ... ... Libro di riferimento enciclopedico "San Pietroburgo"

Un'associazione di artisti russi che si opponevano alla tendenziosità, alla partigianeria e all'antiestetismo dei loro contemporanei "capi dell'opinione pubblica", i dettami del gusto dell'accademismo e dell'itinerismo. Ha preso forma alla fine del 1890 a San Pietroburgo sulla base di un cerchio ... ... storia russa

1) associazione artistica. Formata alla fine del 1890. (lo statuto fu approvato nel 1900) sulla base di un circolo di giovani artisti, storici dell'arte e amanti dell'arte (la “società di autoeducazione”), guidato da A. N. Benois e S. P. Diaghilev. Come … San Pietroburgo (enciclopedia)

"Il mondo dell'arte"- MONDO DELL'ARTE art. durante l'età dell'argento. È esistito dal 1898 al 1927 in modo intermittente, assumendo diverse organizzazioni. forme: rivista, mostra, sugli artisti. Il 1 ° periodo di M.I. Dizionario enciclopedico umanitario russo

Libri

• Mondo dell'Arte. 1898-1927, G. B. Romanov, Questa pubblicazione è dedicata al periodo di 30 anni nella storia dell'associazione "World of Art". La pubblicazione contiene ritratti, biografie e opere di artisti. Nel preparare questa enciclopedia per... Categoria: Storia dell'arte russa Editore: Global View, Orchestra di San Pietroburgo,
• Mondo dell'Arte. Associazione artistica del primo Novecento, Vsevolod Petrov, `World of Art`, associazione artistica russa. Formata alla fine del 1890. (ufficialmente nel 1900) a San Pietroburgo sulla base di un circolo di giovani artisti e amanti dell'arte, guidati da A. N. ... Categoria: Storia e teoria delle arti Editore:

Alla fine del XIX secolo, la vita artistica in Russia era molto vivace. La società ha mostrato un crescente interesse per numerose mostre d'arte e aste, per articoli e periodici dedicati alle belle arti. Non solo Mosca e San Pietroburgo, ma anche molti giornali e riviste provinciali avevano corrispondenti intestazioni permanenti. Sorsero vari tipi di associazioni artistiche, ponendosi vari compiti, ma principalmente di natura educativa, che fu influenzata dalle tradizioni degli Erranti.

In queste condizioni, l'idea di Diaghilev di unire le giovani forze artistiche di San Pietroburgo e Mosca, la cui esigenza era da tempo sentita nell'arte russa, fu accolta favorevolmente.

Nel 1898, Diaghilev per la prima volta ottenne la loro esibizione congiunta all'Esposizione di artisti russi e finlandesi. Vi hanno partecipato Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lansere, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Ryabushkin, Serov, Somov e altri.

Nello stesso 1898, Diaghilev riuscì a convincere i noti personaggi e amanti dell'arte S. I. Mamontov e M. K. Tenisheva a finanziare una rivista d'arte mensile. Presto fu pubblicato a San Pietroburgo un doppio numero della rivista "World of Art", a cura di Sergei Pavlovich Diaghilev.

È stata la prima rivista d'arte il cui carattere e direzione sono stati determinati dagli stessi artisti. I redattori hanno informato i lettori che la rivista avrebbe preso in considerazione le opere di maestri russi e stranieri "di tutte le epoche della storia dell'arte, nella misura in cui le suddette opere sono di interesse e significato per la coscienza artistica moderna".

L'anno seguente, nel 1899, ebbe luogo la Prima Esposizione Internazionale della rivista "Il Mondo dell'Arte". Presentava oltre 350 opere e comprendeva quarantadue artisti europei, tra cui P. de Chavannes. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Esposizione

ha permesso ad artisti e spettatori russi di conoscere varie aree dell'arte occidentale.

Grazie alla comparsa della rivista "World of Art" e alle mostre del 1898-1899, emerse una cerchia di giovani artisti che simpatizzavano con la direzione della rivista.

Nel 1900 Diaghilev riuscì a unire molti di loro nella comunità creativa "World of Art". Questa "squadra brillante" (un'espressione di A.P. Ostroumova-Lebedeva) era composta da artisti straordinari che arrivarono all'arte negli anni 1890, vale a dire: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky. K. Korovin, Lansere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Zionglinsky, Yakunchikova e Yaremich.

Inoltre, Repin, V. ed E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin hanno preso parte ad alcune delle allora mostre del World of Art.

Dal 1900 al 1903 si tennero tre mostre del "Mondo dell'Arte". Organizzando queste mostre, Diaghilev si è concentrato sui giovani artisti russi. Erano pietroburghesi: Bakst, Benois. Somov, Lansere e moscoviti - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin e altri. Erano i moscoviti su cui Diaghilev riponeva le sue più grandi speranze. Ha scritto: "... tutta la nostra arte attuale e tutto ciò da cui possiamo aspettarci il futuro, è a Mosca". Pertanto, ha cercato in tutti i modi di attirare artisti di Mosca alle mostre del mondo dell'arte, cosa che non sempre ha avuto successo.

Le mostre World of Art hanno introdotto a fondo la società russa alle opere di famosi maestri russi e artisti emergenti che non hanno ancora ottenuto il riconoscimento, come Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lansere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan.

Non è necessario coprire in dettaglio le attività del mondo dell'arte qui, poiché recentemente sono apparse pubblicazioni ad esso dedicate. Va detto di alcune delle sue caratteristiche generali, sono state enfatizzate dallo stesso mondo delle arti e da molti contemporanei.

L'associazione "World of Art" non è stata un fenomeno accidentale nell'arte russa, ma storicamente condizionata. Tale, ad esempio, era l'opinione di I. E. Grabar: “Se non fosse per Diaghilev<...>, un'arte di questo ordine doveva emergere.

Riguardo alla questione della continuità della cultura artistica, Diaghilev disse nel 1906: “Tutto il presente e il futuro dell'arte plastica russa ... si nutrirà in un modo o nell'altro degli stessi precetti che il mondo dell'arte ha tratto da un attento studio dei grandi maestri russi fin dai tempi di Pietro”.

UN. Benois ha scritto che tutto ciò che è stato fatto dal mondo dell'arte "non significava affatto" che "avessero rotto con tutto il passato". Al contrario, sosteneva Benois, il nucleo stesso del "Mondo dell'arte" "era alla base del rinnovamento di molte tradizioni, sia tecniche che ideologiche, dell'arte russa e internazionale". E inoltre: “... ci consideravamo in larga misura rappresentanti delle stesse ricerche e degli stessi metodi creativi che apprezzavamo nei ritrattisti del XVIII secolo, e in Kiprensky, e in Venetsianov, e anche in Fedotov come in maestri eccezionali direttamente la generazione che ci ha preceduto - in Kramskoy, Repin, Surikov.

V. E. Makovsky, un noto vagabondo, in un'intervista a un giornalista, ha dichiarato: “Abbiamo svolto il nostro lavoro<...>Siamo costantemente citati come esempio dall'Unione degli artisti russi e dal mondo dell'arte, dove si suppone che ora siano concentrate tutte le migliori forze della pittura russa. Ma chi sono, queste forze migliori, se non i nostri stessi figli?<...>Perché ci hanno lasciato? Sì, perché si sono sentiti stretti e hanno deciso di fondare la loro nuova società».

Nell'opera del Mondo dell'Arte, questa continuità delle migliori tradizioni degli Erranti si manifestò durante la rivoluzione del 1905. La maggior parte degli artisti del "Mondo dell'arte" si è unita alla lotta contro lo zarismo, prendendo parte attiva alla pubblicazione di pubblicazioni di satira politica.

"World of Art" ha svolto un ruolo significativo, e talvolta anche decisivo, nel destino creativo di molti artisti. I. E. Grabar, ad esempio, solo dopo aver incontrato i membri del comitato della mostra World of Art, Diaghilev, Benois e Serov, "ha creduto in se stesso e ha iniziato a lavorare". Anche sullo stesso Serov, non senza ragione, hanno affermato che "l'attiva simpatia del circolo "World of Art" ha miracolosamente ispirato e rafforzato il suo lavoro"

K. S. Petrov-Vodkin scrisse nel 1923 nelle sue memorie sul mondo dell'arte: “Qual è il fascino di Diaghilev, Benois, Somov, Bakst, Dobuzhinsky? Tali costellazioni di gruppi umani sorgono ai confini delle svolte storiche. Sanno molto e portano con sé questi valori del passato. Sanno estrarre le cose dalla polvere della storia e, facendole rivivere, dar loro un suono moderno... “The World of Art” ha svolto brillantemente il suo ruolo storico.” E in un altro luogo delle stesse memorie: “Quando ricordi come vent'anni fa, tra il miasma della decadenza, tra il cattivo gusto storico, l'oscurità e la fanghiglia della pittura, Sergey Diaghilev ei suoi compagni equipaggiarono la loro nave, come allora noi, giovani uomini, hanno preso le ali insieme a loro, soffocando nell'oscurantismo che ci circonda - ricorda tutto questo, dì: sì, bravi ragazzi, ci avete portato al presente sulle vostre spalle.

N. K. Roerich ha affermato che è stato il "mondo dell'arte" a "alzare la bandiera per le nuove conquiste dell'arte".

Ricordando il lontano 1900 sul pendio della sua vita, A.P. Ostroumova-Lebedeva ha scritto: “Gli studenti di World Art hanno scelto e invitato giovani artisti nella loro società quando hanno notato in loro, oltre al talento, un atteggiamento sincero e serio nei confronti dell'arte e del loro lavoro<...>Il mondo dell'arte proponeva con insistenza il principio del "mestiere nell'arte", ovvero desiderava che gli artisti realizzassero dipinti con una conoscenza completa e dettagliata dei materiali con cui lavoravano e portassero la tecnica alla perfezione<...>Inoltre, tutti hanno parlato della necessità di aumentare la cultura e il gusto tra gli artisti e non hanno mai negato i temi nei dipinti e, quindi, non hanno privato le belle arti delle sue proprietà intrinseche di agitazione e propaganda. La conclusione di Ostroumova-Lebedeva è stata molto precisa: “È semplicemente impossibile distruggere il significato della società del “Mondo dell'Arte” e negarlo, ad esempio, come fanno i critici d'arte nel nostro paese a causa del principio “l'arte per l'arte ”.

K.F. Yuon ha osservato: "The World of Art" indicava la terra vergine incontaminata di diversi mezzi di espressione artistica. Ha incoraggiato tutto ciò che è terreno e nazionale...”. Nel 1922, A. M. Gorky definì questa concentrazione di notevoli talenti come "un'intera tendenza che fece rivivere l'arte russa".

Il "mondo dell'arte" cessò di esistere nel 1903, ma continuò a esercitare un'enorme attrazione per i contemporanei. Nel 1910, la società World of Art riapparve a San Pietroburgo, ma Diaghilev non prese più parte ai suoi lavori. L'attività artistica di Diaghilev ha preso una direzione diversa.

Nel 1905, nel Palazzo Tauride di San Pietroburgo, organizzò una grande mostra storico-artistica di ritratti russi. Non limitandosi alle opere dei palazzi e dei musei della capitale, Diaghilev ha girato le province, rivelando un totale di circa 4.000 ritratti. Ci sono stati molti reperti interessanti e inaspettati alla mostra. La ritrattistica russa appariva insolitamente significativa e ricca. V. E. Borisov-Musatov scrisse in quei giorni a V. A. Serov: “Per questo lavoro [vol. e. sistemazione della mostra] Diaghilev è un genio, e il suo nome storico diventerebbe immortale. Il suo significato è in qualche modo poco compreso e mi dispiace sinceramente per lui che sia stato in qualche modo lasciato solo. Le fotografie scattate su iniziativa di Diaghilev dalla maggior parte delle mostre (i negativi sono conservati nel TG) ora consentono di conoscere molti capolavori dell'arte russa che morirono o scomparvero durante i turbolenti eventi della rivoluzione del 1905, guerre civili e mondiali (ad esempio, il destino di diciotto opere di D. G. Levitsky, che, tra le altre sue opere, furono esposte alla Tauride Exhibition).

Nella primavera del 1905, personalità della cultura a Mosca decisero di onorare Diaghilev in segno di gratitudine per aver curato la rivista "World of Art" e aver organizzato una mostra storica e artistica. Rispondendo ai saluti, Diaghilev ha dichiarato: “... è stato dopo questi avidi vagabondaggi [Diaghilev significa viaggi in Russia che ha intrapreso, raccogliendo opere per l'Esposizione storica e artistica] che mi sono convinto particolarmente che era giunto il momento per i risultati. L'ho osservato non solo nelle immagini brillanti degli antenati, così ovviamente lontani da noi, ma soprattutto nei discendenti che vivono la loro vita. La fine della vita è qui<...>Siamo testimoni del più grande momento storico di risultati e fini in nome di una cultura nuova, sconosciuta, che nascerà per noi, ma ci travolgerà anche. E quindi, senza paura e incredulità, alzo un bicchiere alle mura in rovina di bei palazzi, così come ai nuovi testamenti di una nuova estetica”

Capitolo 3. Artisti - organizzatori e figure del "Mondo dell'Arte"

I membri principali dell'associazione "World of Art", che hanno formato il concetto di "World of Art", erano: Alexander Nikolaevich Benois, Konstantin Andreevich Somov e Lev Samoilovich Bakst. Sono stati loro a determinare l'ideologia e la direzione del lavoro dell'associazione. In futuro, molti artisti diversi hanno partecipato alle mostre del mondo dell'arte.
Passiamo al lavoro dei maestri, le figure principali del "Mondo dell'Arte".
I gusti artistici di Alexander Benois si sono formati sotto l'influenza dell'atmosfera creativa della famiglia, che formava la cerchia dei suoi interessi. Davanti a noi c'è il famoso ritratto di Alexandre Benois di Bakst

Benois è mostrato come artista, storico dell'arte e conoscitore della cultura del XVIII secolo. Benois è seduto su una poltrona con un libro tra le mani, qui nella stanza vediamo un ritratto dell'imperatrice Elisabetta Petrovna. Le tele rivolte al muro indicano che abbiamo di fronte un pittore.
Alexandre Benois nasce il 3 maggio 1870 in una nota famiglia di artisti e architetti. Suo padre, Nikolai Leontyevich Benois, era un architetto, e anche suo nonno materno, Albert Katarinovich Cavos, era un architetto. Ha ricostruito il Teatro Mariinsky di San Pietroburgo dopo l'incendio del 1853. Bisnonno materno - Il veneziano Katarino Cavos era un compositore, scrittore di opere, balletti, vaudeville. All'inizio del 1800 entrò in servizio nei teatri imperiali di San Pietroburgo. Il fratello di Alexander Nikolayevich - Albert - era un acquerellista, un altro fratello - Leonty - un architetto, costruttore di chiese ortodosse in Russia, Polonia e Germania. "La casa Benois vicino a Nikola Morsky", dove viveva la famiglia Benois, era ben nota a San Pietroburgo. È sopravvissuto fino ad oggi. La casa era piena di opere d'arte: dipinti, incisioni, oggetti d'antiquariato. Al contrario, da essa sorge la cattedrale navale Nikolsky, costruita al tempo dell'imperatrice Elisabetta Petrovna dall'architetto Savva Ivanovich Chevakinsky. Il bell'aspetto della cattedrale in stile barocco è rimasto per sempre nella memoria di Alexander Benois e ha risposto al suo amore per l'arte del XVIII secolo. Gli amici hanno ricordato il grande dono pedagogico di Alexander Benois. Possedendo un eccellente stile letterario e una profonda conoscenza della storia dell'arte, iniziò in gioventù a pubblicare articoli critici su questioni artistiche e nel 1893 prese parte alla pubblicazione del libro del ricercatore tedesco Richard Muther "The History of Painting in the 19th Century", per il quale ha scritto un'ampia sezione sulla pittura russa. Dopo essersi laureato alla Facoltà di Giurisprudenza, Benois, come Diaghilev, successivamente non ha esercitato la professione legale, ma si è dedicato all'arte.
Tempo preferito di Alexandre Benois - XVIII secolo, Versailles degli ultimi anni della vita di Luigi XIV. L'artista ha raffigurato eleganti cortigiani e il vecchio re nel parco di Versailles, dove il re "camminava con qualsiasi tempo", scene intime, come fare il bagno ai marchesi.

L'artista ha mostrato la vita di corte passata alla storia, un tempo magnifica, immersa nel lusso, e triste negli ultimi anni di vita del Re. La composizione dei vasti spazi del parco ha parlato all'artista non tanto della grandezza del re, ma sul genio creativo dell'architetto che ha creato questo splendore. Nel dipinto "The King's Walk" l'azione si svolge nel parco di Versailles.

I vicoli deserti che si estendono in lontananza sottolineano la solitudine del re tra il piccolo seguito che lo accompagna. L'artista ha trasmesso lo stato d'animo inafferrabile della tristezza, l'atmosfera di un'era che svanisce.In un altro dipinto sullo stesso tema, la processione senza fretta del re e dei cortigiani davanti a fontane e statue è percepita come uno spettacolo teatrale, e le figure in bronzo di amorevoli amorini in piscina sembrano più vivi di queste tristi maschere.

Il dipinto "Il giardino veneziano" è vicino all'atmosfera, dove le figure mascherate sembrano essere un sogno, le ombre e le statue sono animate e sembrano parlare tra loro. In questa interpretazione della conclusione c'è un certo pensiero: la vita è transitoria, l'arte è eterna.

Le opere di Benois riflettevano anche i tempi di Pietro il Grande, davanti al quale si inchinavano le figure del "Mondo dell'Arte". Davanti a noi - "Pietro I durante una passeggiata nel giardino estivo".

Il re sul viale del giardino davanti alla fontana, tra la variegata ed elegante folla di cortigiani, attira l'attenzione con la sua alta statura e il volto soddisfatto e allegro.

Erudito insuperabile in materia di vita dei secoli passati, Benoit conosceva i costumi, i costumi e gli interni fino alle sottigliezze. I soggetti che ha scelto non trattavano grandi questioni storiche; l'artista ha creato fantasie per momenti privati ​​​​della vita, cercando di trasmettere lo spirito dell'epoca. Interessante a questo proposito il suo dipinto "Parade under Paul I".

Giornata invernale nuvolosa. Attraverso la griglia di neve che cade è visibile il castello rosa Mikhailovsky, la cui ala destra non è ancora stata completata. I soldati stanno marciando sulla piazza d'armi davanti al castello. L'imperatore, impegnato nella sua attività preferita - l'esercitazione dei soldati - è raffigurato al centro su un cavallo bianco. Dietro di lui ci sono il suo seguito e i suoi figli. Un ufficiale, simile a Paolo I, fa rapporto allo zar. Nelle profondità vediamo strane figure di soldati che non partecipano alla marcia. Li rincorrono e raccolgono i cappelli a tre punte caduti. Infatti, sotto Paolo I, c'era un distaccamento speciale che doveva assicurarsi che i tricorpi caduti non rimanessero a terra, e raccoglierli. La soluzione generale dell'immagine, che presenta un paesaggio aspro con un castello, con neve che cade all'infinito, con soldati in marcia e il re - tutto ciò crea un'immagine espressiva di San Pietroburgo durante il regno di Paolo I.

Benois è stato anche un notevole illustratore e decoratore teatrale. Fino ad ora, le sue illustrazioni per The Queen of Spades e The Bronze Horseman di A. S. Pushkin rimangono insuperate. In una delle illustrazioni per La regina di picche - "Hermann all'ingresso della contessa" - l'artista ha creato un'immagine espressiva, trasmettendo la tesa attesa dell'eroe durante la partenza della carrozza della contessa al crepuscolo. Il disegno "Nella casa da gioco" mostra l'atmosfera cupa di questa istituzione, dove sta per scoppiare una tragedia.Benoit si dedicò all'illustrazione di The Bronze Horseman nel 1905 e non lasciò questo lavoro, migliorandolo, fino alla pubblicazione del libro nel 1922. L'artista ha mostrato le notti bianche, seguendo i versi del poeta "Scrivo, leggo senza lampada", un'inondazione e un momento particolarmente impressionante: un'enorme sagoma nera del Cavaliere, che appare da dietro l'angolo e corre da lui per paura del povero Eugene - "dietro di lui ovunque c'è il Cavaliere di rame con cui galoppava con un pesante calpestio". Nel 1904, Benois pubblicò un eccellente libro per bambini - "ABC". Se ai nostri tempi questo libro non rimanesse solo un valore antico, ma fosse ampiamente conosciuto, porterebbe molta gioia sia ai bambini che ai lettori adulti. Il libro è stato ripubblicato nel 1990. Disegni pieni di fantasie e ricordi d'infanzia dell'autore stesso, impressioni dai giocattoli che riempivano la sua casa, dalle visite a teatro, dove durante lo spettacolo il diavolo è saltato fuori dal portello sul palco e ha agito come un "nero" in luminoso vestiti: tutto questo è stato ricordato e riflesso per sempre in " ABC.
Pieni di conforto e calore speciale sono i disegni raffiguranti "dacia" e "nonno", e il nano, apparso dalla torta all'ammirazione di gentiluomini e signore con parrucche incipriate e abiti eleganti, ci porta direttamente nel XVIII secolo amato da l'autore.

Nella storia dell'arte teatrale e decorativa, il design dei balletti di Alexandre Benois del "Padiglione dell'Armida" di N. N. Tcherepnin sul tema del XVIII secolo e la "Petrushka" di I. F. Stravinsky sul tema di una rappresentazione di una farsa russa sono rimasti un fenomeno indimenticabile. Il balletto "Pavilion of Armida" porta lo spettatore in una fiaba con gli eroi che prendono vita raffigurati sull'arazzo. Questo balletto immerge lo spettatore nel mondo di cavalieri, gentiluomini e dame. Il balletto "Petrushka" è andato in scena a Parigi, nelle "Stagioni russe", e ci rivolgeremo più avanti.

Benois era una persona dai molti talenti. Ha lasciato molte opere come critico d'arte e storico dell'arte russa e dell'Europa occidentale, ha studiato monumenti poco studiati e il lavoro di maestri dimenticati. Sopra menzionata la sua partecipazione all'edizione tedesca del libro di Richard Muther "The History of Painting in the 19th Century". Pochi anni dopo, nel 1901 e nel 1902, due volumi della ricerca di Benoit sull'arte russa uscirono di stampa in un'edizione russa, che fece una "impressione sbalorditiva" sul pubblico russo. Successivamente, Benois pubblicò diversi libri sulla storia dell'arte dell'Europa occidentale.Alexander Benois fu la prima figura della cultura russa del suo tempo, che attirò l'attenzione dei suoi contemporanei sulla bellezza dell'architettura di San Pietroburgo. Dopo A. S. Pushkin, nessuno ricordava la bellezza di San Pietroburgo. Sotto l'influenza degli scrittori del XIX secolo, la capitale era percepita solo come una città fredda, di proprietà statale, ostile a un piccolo uomo. Gli artisti del "Mondo dell'arte" hanno catturato nei loro dipinti le creazioni immortali degli architetti di San Pietroburgo, hanno scoperto la bellezza e l'armonia degli insiemi di giardini e parchi di Tsarskoe Selo, Peterhof, Pavlovsk, Oranienbaum. E in questa materia - prima di tutto, il merito di Benois Konstantin Andreevich Somov, un artista eccezionale del "Mondo dell'arte", è nato il 18 novembre 1869.

Davanti a noi c'è il suo autoritratto. L'artista si è presentato in una posa rilassata, sul divano. Un modo ampio di scrivere e un'interpretazione realistica delle immagini contraddistinguevano le opere di Somov, allievo di Repin, allo stesso modo venivano dipinti i ritratti dei genitori. Il padre dell'artista, Andrey Ivanovich Somov, era il curatore dell'Hermitage. Ha notevolmente arricchito la collezione del museo con opere di pittura tedesca.

La madre dell'artista, Nadezhda Konstantinovna, ha cantato magnificamente. Somov era anche una persona musicalmente dotata, un pianista e cantante di talento. Sua sorella, Anna Andreevna, nel matrimonio di Mikhailov, era impegnata nel ricamo artistico. Somov aveva un altro fratello, Alexander, che morì prematuramente. Somov era molto legato ai suoi genitori, amava teneramente sua sorella e suo fratello, prestava molta attenzione ai suoi figli orfani.

Dopo essersi diplomato al ginnasio Karl Ivanovich May, dove Somov ha studiato con Alexander Benois e Dmitry Filosofov, ha frequentato per qualche tempo i corsi all'Accademia delle Arti. I primi lavori di Somov sono paesaggi e ritratti di persone a lui vicine. Nei paesaggi del 1890, raffigurava con grande sentimento soffici cespugli con fogliame svolazzante, luce solare che penetrava attraverso i rami degli alberi, fitti cespugli di erba. Tali sono le opere: "The Road to Sekerino", "Garden" e altre.

Somov ha creato una nuova direzione nell'arte russa, una nuova comprensione della pittura storica. Questa qualità si manifestava già nei dipinti degli anni Novanta dell'Ottocento. Le cose principali nelle sue opere non sono eventi noti, non la psicologia dei personaggi, ma l'umore, il trasferimento dello “spirito dell'epoca”. Già nel primo periodo della creatività, Somov è stato in grado di trasmettere un'atmosfera storica speciale. I suoi dipinti e disegni hanno fatto rivivere i tempi passati del XVIII e dell'inizio del XIX secolo, Somov ha lavorato a lungo e con attenzione sui suoi dipinti e disegni ed è sempre stato insoddisfatto di se stesso. Benoit ha ricordato: "Spesso si siede per ore (senza alcuna esagerazione) su una riga qualsiasi". Anche Dobuzhinsky, un partecipante alle mostre World of Art, ha ricordato questa caratteristica di Somov: “Ha lavorato, come Serov, molto duramente e lentamente, riconoscendo solo i colori migliori /…/ Avevo un vero amore per la sua arte, sembrava per me allora qualcosa di veramente prezioso, e la sua influenza su di me non fu inferiore a quella di Benoit, ma completamente diversa /... / La libertà e l'abilità della sua pittura, dove non c'era un pezzo che non fosse fatto con sentimento, mi affascinava. E, cosa più importante, la straordinaria intimità del suo lavoro, il mistero delle sue immagini, il senso dell'umorismo triste e la sua storia d'amore allora "Hoffmanniana" mi hanno profondamente turbato e hanno aperto uno strano mondo vicino ai miei vaghi stati d'animo /... / Era piccolo in di statura, all'epoca abbastanza piena, si tagliava i capelli a “riccio” e portava i baffi, vestiva con molto gusto, ma modestamente, e in tutti i suoi modi, andatura e tutto ciò che compone l'aspetto esteriore di una persona, c'era una grazia straordinaria. Aveva un modo di ridere particolarmente dolce e la risata più sincera e allegra /.../ Ci siamo incontrati insolitamente presto e sinceramente, e Kostya è diventato uno dei miei amici più cari e cari per tutta la vita giardini e boschetti: tutte queste erano le trame e personaggi delle opere di Somov. Uno dei motivi del suo lavoro sono le giovani donne che dormono in interni accoglienti, di cui vedi un esempio.

Un bouquet di lillà magistralmente dipinto porta un aroma soffocante nell'elegante stanza della signora e provoca un rossore luminoso sul suo viso I dipinti di Somov sono permeati di un allegro lirismo particolare o di una leggera presa in giro, come si può vedere, ad esempio, nell'interpretazione delle opere “The Mocked Kiss”, dove un signore dei cespugli fa capolino dietro una coppia che si bacia, o “pista di pattinaggio”.

È costruito come un trittico, ogni scena ha il suo episodio divertente... La sottile penetrazione nell'atmosfera della vita quotidiana dell'inizio del XIX secolo si distingue per l'acquerello “Walk after the rain”.

Qui prevale uno stato d'animo leggero e calmo. È introdotto da colori gioiosi e squillanti verde-oro di alberi, erba e fiori bagnati dalla pioggia. C'è un arcobaleno nel cielo, apparso per la prima volta a Somov. Esalta la purezza e la freschezza della natura dopo una recente pioggia. Nel vicolo del parco, davanti alle statue, su una panchina a motivi geometrici, siede una giovane donna con un ombrello, in un abito colorato e un cappello decorato con fiori, mezzo girato verso lo spettatore. Qui, una bambina vestita d'oro sta giocando sull'erba. Due giovani che le si sono avvicinati stanno parlando con una signora. Come in altri disegni, Somov interpreta la natura in modo gentile e generalizzato e le figure in modo più dettagliato. Il periodo preferito dell'artista - il XVIII e l'inizio del XIX secolo - riproduce in modo sottile e poetico Somov era un notevole ritrattista, il cui lavoro i ricercatori hanno messo alla pari con le opere di Levitsky e Kramskoy. Ha creato una galleria di ritratti, piccola di numero, ma significativa nei suoi meriti pittoreschi, degli attori della "Silver Age": si tratta di artisti, poeti, signore della società, parenti e amici.Somov ha portato la sua comprensione dell'immagine nei ritratti . Unico in questo senso è il ritratto di Anna Karlovna Benois, moglie dell'amico di Somov, Alexander Benois.

Si distingueva per un carattere allegro e allegro, era una giovane donna vivace, energica, civettuola. Nel ritratto vediamo una donna pensierosa, un po' distaccata dal mondo esterno, immersa in se stessa, con un abito di fine Settecento. È raffigurata nel parco, che viene risolto come uno sfondo lontano. L'artista ha scelto la tecnica del pastello per questo ritratto, nonostante il ritratto sia piuttosto grande e le opere a pastello di un formato così grande non si trovano più nel patrimonio creativo di Somov. Qui, questa tecnica ha un significato ideologico: il pastello ti permette di percepire gli oggetti come attraverso una leggera foschia, che corrisponde alla premura dell'eroina e all'intera atmosfera dell'immagine Somov ha creato un'immagine profonda e tragica di un contemporaneo nel dipinto "La signora in blu".

È noto che qui è rappresentata la sua compagna di studi all'Accademia, l'artista Elizaveta Mikhailovna Martynova. Ha vissuto una vita breve: è morta per una malattia polmonare. Le sue speranze di felicità, successo e riconoscimento non si sono avverate. "Lady in Blue" è diventata una sorta di simbolo dell'epoca. L'artista ha presentato nella foto una giovane donna in abito antico, sullo sfondo del verde del parco, con un libro in mano. Il suo sguardo, diretto allo spettatore, è pieno di tristezza e dolore. Il ricco colore blu dell'abito contrasta con il colletto di pizzo bianco e sottolinea il pallore di un bel viso. L'artista ha dato un significato simbolico alle esperienze personali di E. M. Martynova, creando un'immagine generalizzata.
Un'altra "immagine dell'epoca" è stata catturata da Somov nel ritratto dell'artista Anna Petrovna Ostroumova - (dal 1905 - Ostroumova-Lebedeva).

Somov ha lavorato al ritratto per molto tempo, durante l'inverno 1900-1901. Ci furono settantatré sessioni, ciascuna della durata di quattro ore. Anna Petrovna ha ricordato di aver "parlato, riso, fatto roteare", ma l'immagine si è rivelata "una figura sognante e triste". Somov "non ha eliminato nulla dal compito originale". Ha rivelato l'essenza spirituale della modella, la sua serietà e premura, nonostante il fatto che la stessa Anna Petrovna scherzasse e ridesse durante le sessioni, perché aveva un carattere allegro. Ma Somov ha creato un'immagine spiritualizzata generalizzata della personalità creativa del suo tempo. Il ritratto è realizzato in colori scuri con variazioni di toni blu intenso, rosa e viola I paesaggi di Somov sono stati spesso esposti in mostre: si tratta di cottage estivi vicino a San Pietroburgo, Martyshkino, dove viveva la sua famiglia in estate, strade, terreni coltivabili , un cortile contadino, ecc. Il tema principale del suo lavoro è rimasto, come quello di Benois, il XVIII secolo. Cavalieri e dame in parrucche e crinoline, mascherate con arlecchini e aquilegie, date d'amore, lettere misteriose, scene di commedie italiane sono le trame caratteristiche dei dipinti di Somov.

L'artista ha lavorato anche in porcellana, creando immagini simili, come "Lady che si toglie la maschera". Allo stesso tempo, il lavoro di Somov contiene un promemoria dei momenti della vita che passano velocemente, che sono simboleggiati dall'arcobaleno e dai fuochi d'artificio che si trovano spesso nei suoi dipinti.Somov amava quel mondo ormai lontano a cui dedicava il suo lavoro, e il il talento dell'artista ha portato un fascino unico e penetrante alla sua arte. Sono queste qualità che contraddistinguono il dipinto "Arlecchino e la signora" del 1921.

Il tema degli "arlecchini", feste italiane, "arlecchini e dame" è stato sviluppato dall'artista in diversi anni, in varie versioni e con diverse tecniche: guazzo, acquerello, olio su tela. Davanti a noi c'è una di queste immagini. In primo piano, come su un palcoscenico teatrale, danzano di fronte allo spettatore una dama e un signore vestiti da arlecchino. Danzano nella cornice di un arco fatto di rami, dipinti con sottigliezza di gioielli. Nelle profondità, tra gli alberi, le coppie in mascherata volteggiano e i fuochi d'artificio si librano nel cielo scuro. Il lussureggiante bouquet di rose che adorna il palco sembra emanare un forte profumo e parla di bellezza eterna e immutabile. L'artista ha creato il suo fantastico mondo di celebrazione della vita, del divertimento e della bellezza. Ma in tutto questo c'è una nota di tristezza: che questo mondo ha preso vita solo nell'immaginazione dell'artista. Il terzo più grande rappresentante del "World of Art" era Lev Samoilovich Bakst (Rosenberg).

Veniva da una ricca famiglia ebrea. Bakst nacque il 27 aprile 1866 nella città di Grodno, ma la famiglia si trasferì presto a San Pietroburgo, dove il futuro artista si interessò al teatro e organizzò "giochi teatrali" a casa con le sorelle e il fratello minore. Informazioni interessanti sulle impressioni infantili di Bakst sono riportate dal suo biografo N.A. Borisovskaya, riferendosi allo storico del teatro Andrei Levinson, al quale Bakst raccontava di sé: “I primi anni della sua vita furono colpiti dagli incontri con suo nonno (nel 1891 Bakst adottò il suo cognome ). L'anziano Bakst, "un parigino del secondo impero", un epicureo, un uomo laico, amico del duca di Morny (un diplomatico francese e autore di vaudeville, allevato da Alphonse Daudet nel romanzo "Nabob" sotto il nome di Conte More), ha vissuto la sua vita a San Pietroburgo, immerso nei ricordi. La raffinatezza delle vecchie stanze, il lusso degli arredi della sua casa erano per Bakst quasi l'unica impressione artistica della prima infanzia, e lo stesso nonno - un vecchio straordinario, pieno di mistero e fascino - è stato conservato nella sua memoria come il incarnazione del buon gusto.

In palestra, il futuro artista è diventato dipendente dal disegno. Lo scultore Mark Matveyevich Antokolsky ha consigliato al giovane di entrare all'Accademia delle arti. La prima volta non è entrato, ma dopo lezioni private su un programma speciale, il tentativo è stato un successo. A quei tempi gli artisti, anche i più famosi, non sempre si diplomavano in questo istituto scolastico. Ad esempio, Viktor Vasnetsov, Vrubel, Benois, Serov e Somov hanno lasciato le mura dell'Accademia per vari motivi. Anche Bakst lasciò l'Accademia prima di ricevere il diploma. Il suo dipinto "Compianto su Cristo" è stato realizzato in un genere, nuovo per l'epoca, in modo realistico, e il Consiglio Accademico lo ha criticato.

A questo punto, il padre di Bakst era morto e la famiglia aveva bisogno di assistenza finanziaria. Bakst ha lavorato a lungo sull'illustrazione di varie riviste e libri per bambini per aiutare la famiglia. Presto conobbe i fratelli Albert e Alexandre Benois e iniziò a frequentare il circolo Benois, di cui sopra. Nel 1893 Bakst partì per Parigi, dove continuò i suoi studi negli studi privati ​​​​di artisti francesi, in particolare Jean-Louis Gerome, autore di opere accademiche da salotto, e l'artista finlandese Albert Edelfelt, famoso maestro di ritratti spettacolari, paesaggi, dipinti storici e di genere.

Lev Bakst ha iniziato la sua carriera come ritrattista. I ritratti da lui realizzati negli anni 1890 e all'inizio del XX secolo si sono affermati saldamente nella storia dell'arte. L'abilità artistica insita nel personaggio di Bakst si rifletteva nell'autoritratto presentato del 1893. Il tradizionale berretto di velluto e la camicetta ampia dell'artista sottolineano il suo aspetto creativo, ma allo stesso tempo viene rivelata la cosa principale: rapidità, volontà, forza di carattere... Un anno prima della morte di Levitan, Bakst ha dipinto il suo ritratto grafico. Il volto espressivo di Levitan fa una forte impressione con lo sguardo profondo e triste dei suoi grandi occhi.

Bakst ha creato ritratti di artisti, poeti, musicisti - personalità creative della sua cerchia ristretta. Abbiamo già parlato del famoso ritratto di S. P. Diaghilev. Un po 'prima - nel 1902 - Bakst dipinse un ritratto di una signora sconosciuta chiamata “Cena. Signora con le arance.

Si ritiene che la moglie di Benois, Anna Karlovna, sia stata il prototipo. Ma davanti a noi non c'è un ritratto specifico, ma piuttosto un'immagine generalizzata di una donna in stile Art Nouveau. L'immagine è dominata dalla graziosa sagoma di una signora in abito nero, con un cappello nero che ricorda un'enorme farfalla, su uno sfondo quasi incolore con una sfumatura verdastra, in contrasto con le macchie arancioni delle arance. Questa combinazione di colori conferisce raffinatezza e decoratività all'immagine. E non solo la combinazione di colori. La soluzione enfaticamente lineare della silhouette della signora contrasta con il lussureggiante strascico del suo vestito e le pieghe generalizzate, come con noncuranza, scritte della tovaglia. Decoratività, contrasto, un certo mistero dell'immagine: tutte queste qualità sono inerenti allo stile Art Nouveau.

C'è anche uno spettacolare ritratto della poetessa Zinaida Gippius, moglie dello scrittore Dmitry Sergeevich Merezhkovsky, che ha partecipato alla rivista con i suoi studi letterari. La sua figura sembrava essere "un'incarnazione vivente del modernismo artistico professato dalla rivista". La lingua tagliente di Zinaida Gippius e l'improvvisazione poetica hanno portato una nota giocosa alle collezioni. Quindi, una delle sue battute poetiche caratterizza il ruolo di Diaghilev negli affari dell'associazione:

Napoleone governava il popolo
E il tremore era grande davanti a lui,
Onore da eroe! Non possiamo infrangere la legge!
E senza supervisione, siamo tutti infelici.

Pollaio - viene dato un solo gallo,
Governa, moltiplicando i suoi vassalli.
E nella mandria c'è Napoleone: un ariete.
E nel mondo dell'arte c'è: Seryozha.

Successivamente, durante il periodo delle famose "stagioni russe" di Diaghilev, Bakst divenne famoso come eccezionale decoratore teatrale della sua epoca. Era già sulla buona strada per questo successo mondiale a San Pietroburgo. È stato detto sopra che Bakst, mentre era ancora un membro del circolo Benois, fu portato via dall'antica Grecia, e da allora il tema antico è diventato il protagonista della sua arte. Nel 1902 disegnò Ippolito di Euripide e nel 1904 Edipo a Colono di Sofocle per produzioni al Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo. “In Ippolita l'azione si svolgeva nelle sale reali e davanti al tempio. I personaggi principali - una giovane regina innamorata del figliastro e un bellissimo giovane - hanno ispirato l'artista a creare magnifici abiti colorati. Ma in "Edipo" i personaggi sono Edipo, accecato e sottoposto all'esilio volontario, che vaga con una guida: sua figlia Antigone. Creare stracci da mendicante è un compito difficile per Bakst, amante del lusso. Ha preso l'anima nei vestiti per l'antico coro. Squisiti costumi in bianco e nero con elementi d'argento sembravano fantastici sullo sfondo di un ricco fogliame verde.

Nel 1903, il balletto Fairy of Dolls fu messo in scena con grande successo sul palcoscenico del Teatro Hermitage, i costumi e le scene per lo spettacolo furono realizzati secondo gli schizzi di Bakst. "Il successo della produzione dell'Hermitage di The Doll Fairy è stato così grande che è stato immediatamente trasferito sul palcoscenico del Teatro Mariinsky", dove è durato per ventidue anni. Bakst ha progettato la performance nello stile del 1850, che è piaciuto particolarmente al pubblico, Bakst ha preso parte al design della rivista World of Art, creando vignette e copricapo in cui prevaleva il tema antico. Il francobollo creato da Bakst - il simbolo del "Mondo dell'Arte" - sotto forma di un'aquila forte ma solitaria seduta con orgoglio in cima, ha guadagnato una fama particolare. Grandi punti di luce e ombra creano contrasto e contribuiscono alla monumentalità dell'immagine dell'aquila, corrispondente al significato del "Mondo dell'arte" nella vita artistica.L'opera più grande e monumentale di Bakst in questi anni è stata "Elysium" - un sipario per il teatro drammatico Vera Fedorovna Komissarzhevskaya, realizzato nel 1906.

Il paradiso è raffigurato sul sipario. "Là, invisibili ai mortali, vivono per sempre gli eroi benedetti, che hanno ricevuto l'immortalità dagli dei." Il sipario è davvero enorme - più di dieci metri di altezza e circa sette - di larghezza. L'intero spazio della tela è occupato da alberi sempreverdi, contro i quali brillano fiori luminosi in lussuosi vasi e colonne di marmo bianco. Tra questa magnificenza, si distinguono appena piccole figure di persone cadute in questi paradisi "per grazia speciale degli dei". Tuttavia, questo "paradiso" fa un'impressione cupa: il verde degli alberi giganti è troppo scuro, le figure delle persone perse lì sono troppo piccole, nelle cui pose si avverte l'ansia. Apparentemente, l'artista ha ricordato il fatalismo degli antichi greci, l'incostanza dei loro dei.

Nel 1907, insieme a V. A. Serov, Bakst fece un viaggio in Grecia; raccontò le sue impressioni nel libro Serov and I in Greece, pubblicato nel 1923. I paesaggi della Grecia visti dagli artisti hanno fatto un'impressione forte e inaspettata con i loro colori e successivamente sono serviti sia a Bakst che a Serov per opere su un tema antico. Bakst ha scritto: “... Che Grecia inaspettata! File di scogliere sabbiose-rossastre sono tagliate da linee orizzontali giallo scuro di fortezze, dove - da lontano giocattolo - minuscoli soldati marciano in colonne. In alto, branchi sparsi di uliveti grigio cenere; ancora più in alto - ancora scogliere nude - selvagge, classiche, punteggiate, come una pelle di leopardo, con macchie marroni scure irregolari. Successivamente, nelle scene e nei costumi per i balletti del 1911-1912 su temi antichi per le Stagioni russe di Diaghilev e un pannello decorativo sul tema della storia di Long "Daphnis and Chloe", scrittore del II-III secolo, e altre opere ( saranno discussi di seguito) Bakst ha creato l'atmosfera della mitica Grecia. Anche un viaggio in Grecia ha avuto un impatto sul lavoro di Serov. Ha combinato le impressioni di paesaggi greci e disegni su vasi antichi nei dipinti "Odysseus and Navzikaya" e "The Rape of Europe", conferendo alle immagini la spigolosità e la generalità insite nello stile Art Nouveau.Il fascino di Bakst per l'antica Grecia ha dato vita l'opera simbolica "Terror antiquus" ("Antique horror").

Bakst ha iniziato questa foto anche prima del suo viaggio in Grecia, ma il viaggio lo ha arricchito di nuove impressioni. Completò i lavori nel 1908. L'immagine raffigura la morte della mitica Atlantide, che può essere associata all'idea della morte del mondo, dell'imminente catastrofe sociale, che molti rappresentanti dell'intellighenzia creativa avevano previsto all'inizio del XX secolo. Un grande dipinto quasi quadrato di Bakst raffigura “un panorama di un arcipelago roccioso inghiottito dal mare profondo, piccole figure umane si precipitano inorridite, e strutture e statue di secoli diversi si ergono orgogliosamente sopra di loro, al centro, come simbolo di eterna imperitura bellezza, è l'arcaica Afrodite con un sorriso misterioso sul volto, labbra di pietra e una colomba blu in mano. La tela, ispirata alla storia della morte di Atlantide, così come ad altre ipotesi semi-scientifiche-semi-fantastiche che invadevano attivamente la letteratura e l'arte del primo Novecento, rifletteva indirettamente la percezione di grandiosi sconvolgimenti sociali da parte dell'artista, che ha affermato il significato duraturo dei valori culturali lasciati in eredità alle generazioni future. Si può solo aggiungere al testo sopra del ricercatore che l'idea della morte del mondo (o della morte di Atlantide) non contraddice l'interpretazione dell'artista non solo della "bellezza imperitura", ma, che ci sembra particolarmente significativo, del potere dell'amore che tutto conquista, incarnato - e non a caso - nell'immagine della dea l'amore di Afrodite.In futuro, tutta l'attività creativa di Bakst fu collegata alle Stagioni russe di Diaghilev, per le quali creò il famosi bozzetti di costumi e scenografie che sono rimasti per sempre nella storia del balletto. Questo lavoro sarà discusso di seguito Benois, Somov e Bakst sono i principali e più tipici rappresentanti del "Mondo dell'arte", il cui lavoro incarnava in modo particolarmente vivido l'orientamento artistico e ideologico dell'associazione. Presto, nel 1900, furono raggiunti da Evgeny Evgenievich Lansere e Anna Petrovna Ostroumova (dal 1905 - Ostroumova-Lebedeva); nel 1902 - Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky. Lansere, il nipote di Benoit, aveva solo cinque anni meno di suo zio. Figlio del famoso scultore Yevgeny Aleksandrovich Lansere e sorella maggiore di Alexander Benois, Ekaterina Nikolaevna, è cresciuto in un ambiente creativo e, non senza l'influenza del mondo dell'arte, ha fatto del XVIII secolo il suo tema principale. Ma allo stesso tempo, come ricordava Dobuzhinsky, “era raramente da Diaghilev, sembrava in qualche modo non nel“ tono ”dell'intera atmosfera - /... / Mi piaceva e la cordialità, simile a Benois, la modestia speciale e allo stesso tempo "apertura" e una certa nobiltà. E in apparenza era così: snello, con un bel viso lungo, dal profilo affilato e occhi limpidi. Il fatto che dipingesse con le sue mani coraggiose e forti - la sua linea forte, come se fosse di ferro - mi ha colpito moltissimo.

Dipinti di Lansere dedicati all'era di Pietro il Grande e vedute della vecchia San Pietroburgo - “Pietroburgo all'inizio del XVIII secolo. The Building of the Twelve Colleges”, “Boat of Peter I”, “Walk on the Pier”, “Old Nikolsky Market in St. Petersburg”, “Ships of Peter the Great” trasmettono perfettamente l'atmosfera di San Pietroburgo in costruzione, i suoi cittadini e anche il tempo con forti venti e giornate nuvolose. L'immagine di San Pietroburgo del primo quarto del XVIII secolo, creata dall'artista nel disegno per la cartolina della Comunità di Sant'Eugenia - "Il vecchio palazzo d'inverno a metà del XVIII secolo" è una penetrazione speciale nell'era petrina: il ponte sul Canale d'Inverno apre una vista dell'antico Palazzo d'Inverno di Pietro. Lansere con grande sentimento, autenticamente, porta lo spettatore nel mondo reale di un'epoca passata. Nel dipinto "Imperatrice Elizaveta Petrovna a Tsarskoye Selo" Lansere ha creato un'immagine maestosa dell'imperatrice che lascia il palazzo nel parco con il suo numeroso seguito.

Il talento di Lansere ci convince dell'indiscutibile realtà di ciò che sta accadendo, come se l'artista vedesse questa scena con i propri occhi. Pittore e disegnatore, ha lavorato come illustratore, artista teatrale, interior designer. Ha anche decorato la rivista World of Art con vignette, copricapo e finali e ha creato il suo simbolo del mondo dell'arte: l'immagine del cavallo alato Pegaso che sorvola le distese della terra. Le abilità grafiche di Lansere si sono sviluppate in linea con i risultati del mondo dell'arte. L'abilità di tutti gli artisti del "Mondo dell'Arte" si è manifestata anche nel design del libro. Il desiderio di allineare il disegno alla pagina del libro, di subordinarlo al piano del foglio: questa era una nuova comprensione delle leggi dell'illustrazione. Se Benois e Dobuzhinsky includevano motivi del XVIII o dell'inizio del XIX secolo nelle loro vignette e screensaver, Somov - ornamenti floreali e Bakst passava da motivi antichi, allora Lansere si rivolse anche a immagini fantastiche: draghi, favolosi serpenti. si interessò a illustrare la storia di Leo Tolstoy "Hadji Murad" La storia è stata pubblicata dopo la morte dello scrittore. Lansere si è recato nel Caucaso per vedere i luoghi in cui si sono svolti gli eventi descritti nella storia e rappresentare fedelmente l'azione. "Pertanto, la prima fase del lavoro sulle illustrazioni era quasi scientifica, di natura esplorativa", scrive il ricercatore. "Lanceray ha raccolto materiale iconografico, studiato /.../ memorie." L'azione della storia si svolge non solo nel Caucaso, ma anche a San Pietroburgo, che ha determinato lo stilista dei disegni. Le illustrazioni sul tema del Caucaso sono risolte in modo pittoresco ed emotivo, come, ad esempio, nel disegno "Hadji Murad discende dalle montagne", e l'artista ha raffigurato la veduta di San Pietroburgo - Piazza del Palazzo - in modo chiaro modo grafico, corrispondente all'architettura che incornicia la piazza. In futuro, Lansere ha lavorato principalmente come illustratore e artista teatrale, Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky è diventato anche il rappresentante più importante del mondo dell'arte, nonostante sia entrato a far parte dell'associazione poco dopo.

Dobuzhinsky è nato a Novgorod, nella famiglia di un generale. La sua infanzia è trascorsa a San Pietroburgo. Ha studiato all'università presso la Facoltà di Giurisprudenza, poi, per diversi anni, in una scuola d'arte privata a Monaco. Al suo ritorno a San Pietroburgo, Dobuzhinsky è entrato nel Ministero delle Ferrovie, che non ha interferito con la sua pittura. La sua vecchia conoscenza dai suoi studi a Monaco, Igor Emmanuilovich Grabar, lo presentò a Diaghilev e Benois. "La mia conoscenza personale con il circolo World of Art è avvenuta quando la rivista era già in piena fioritura, nel terzo anno della sua esistenza", ha ricordato Dobuzhinsky. - /.../ Lo stesso giorno, Grabar mi ha portato sia da Diaghilev che da Benois. Benois a quel tempo era impegnato a redigere la rivista Artistic Treasures of Russia e, sebbene fosse "l'anima" del mondo dell'arte, visitava Diaghilev relativamente raramente, e l'ho incontrato nella redazione della sua rivista. L'appartamento di Diaghilev, dove si trovava la redazione, era un tipico appartamento "padronale" di San Pietroburgo, con grandi finestre che si affacciavano sulla Fontanka. Il martedì teneva riunioni del personale. Ho iniziato a frequentare queste riunioni settimanalmente. Era affollato e molto vivace. In sala da pranzo, al tavolo da tè con le asciugatrici, accanto al samovar, la tata Dunya, ... (immortalata da Bakst nello stesso ritratto con Diaghilev), era al comando, che dava alla sala da pranzo un dolcissimo e inaspettato conforto . Tutti le strinsero la mano. Questi incontri erano solo incontri amichevoli, e in questi martedì si parlava meno della rivista stessa. È stato fatto da qualche parte "dietro le quinte" e, per così dire, a casa: lo stesso Diaghilev e Filosofov hanno fatto tutto il lavoro, per molto tempo non c'è stato un segretario (poi è apparso solo un modesto studente Grishkovsky). Bakst proprio lì, da Diaghilev, nella stanza sul retro era anche impegnato in "lavori sporchi": ritoccava fotografie per cliché, faceva persino le sue iscrizioni a motivi geometrici per la rivista, ecc. In una piccola stanza vicino al davanti c'era un magazzino di riviste problemi con cui giocherellava il cameriere di Diaghilev: il nerastro Vasily Zuykov, che volava per San Pietroburgo con ogni sorta di incarico editoriale. Vediamo che i ricordi di Dobuzhinsky dell'atmosfera prevalente nella redazione sono continuati dalla storia di un altro partecipante a riunioni e riunioni nell'appartamento di Diaghilev, lo scrittore P.P. Pertsov, citato sopra. E questa atmosfera, satura di creatività ed energia, ha radunato persone così diverse e ha contribuito alla nascita di una rivista unica e allo sviluppo della creatività di tutti i leader dell'associazione.A proposito della sua conoscenza con Benoit, Dobuzhinsky dice: “Sullo stesso memorabile giorno di novembre del 1902, Grabar, prima di portarmi a Diaghilev, mi presentò ad Alexander / N / Nikolaevich / Benois. Questo primo incontro avvenne nella redazione della rivista Artistic Treasures of Russia, che allora era diretta da Benois /.../ A Benois, pensavo di incontrare una persona arrogante, ironica, come me lo immaginavo dal suo modo velenoso e intelligente articoli critici, o un importante "intenditore d'arte" che mi schiaccerà immediatamente con il suo apprendimento. Invece, ho visto in Benois la cordialità e l'attenzione più dolci e allegre, che mi hanno stupito e affascinato, e tutte le mie preoccupazioni sono subito svanite. Benoit era allora sulla trentina, ma sembrava piuttosto antiquato, spalle curve, anche un po' "giocava come un nonno", aveva una bella testa calva, barba, pince-nez con coulisse, ed era piuttosto largo (come Serov). Tutto questo era per me inaspettato, volevo ingenuamente, conoscendolo dai suoi quadri, che nel suo aspetto ci fosse una corrispondenza con l'età elegante che amava ritrarre! Ma questa ridicola "delusione" è durata solo il primo momento. Benois sapeva molto poco di me, solo quello che Grabar poteva dirgli, e ha visto solo alcune delle mie opere. Ma mi parlava da pari nei nostri gusti comuni, e la sua sicurezza mi faceva sembrare "suo" per lui e soprattutto mi avvicinava immediatamente a lui. Mi ha subito dato il primo ordine: fare una vignetta su una rivista e disegnare alcune iscrizioni. Molto presto ho iniziato a visitare Benois nel suo piccolo appartamento in via Ofitserskaya, dove sono rimasto affascinato dal suo straordinario comfort e dal nepotismo dolce e caloroso prevalente /... / Lui stesso era un vero "magazzino" di conoscenza e comunicazione con lui , l'interlocutore più intelligente e affascinante, è stata la mia vera "università d'arte" /.../ Benois mi ha davvero introdotto nel XVIII secolo, che un tempo ha avuto un effetto molto forte sulla mia immaginazione. Il talento di Dobuzhinsky si è manifestato, come altri artisti del "Mondo dell'Arte", in diverse forme: è conosciuto come illustratore, pittore e decoratore teatrale. M. V. Dobuzhinsky, come A. N. Benois e A. P. Ostroumova-Lebedeva, ha catturato l'architettura di San Pietroburgo, mentre il suo interesse principale era nell'area non del fronte, ma della moderna povera San Pietroburgo con le sue case basse, cortili, periferia.

Dobuzhinsky possiede un'opera su un tema retrospettivo, permeata di sottile ironia e piena di fascino particolare - "Provincia degli anni Trenta dell'Ottocento".

L'immagine ci riporta ai tempi di Pushkin e Gogol. Soprattutto, Dobuzhinsky ha lavorato come illustratore e artista teatrale. Dobuzhinsky ha illustrato le opere di M. Yu. Lermontov, F. M. Dostoevsky, G. Kh. Andersen e molti altri. Era anche un maestro dei ritratti grafici a matita, inchiostro o acquerello, schizzi e caricature. Tra le sue opere di questo genere è particolarmente famoso il ritratto dello scrittore e critico d'arte Konstantin Alexandrovich Syunnerberg, chiamato da Grabar "L'uomo con gli occhiali".

Syunnerberg era un amico di Dobuzhinsky e poiché poche persone conoscono questa persona ai nostri tempi, forniamo informazioni su di lui dal libro "Memorie" dell'artista stesso. “Era una persona estremamente istruita e un vero “europeo” (svedese di sangue). Una certa eleganza interiore e aristocrazia erano attraenti in lui, ma in apparenza poteva sembrare un "biscotto" e un "uomo in una custodia". Era magro, quasi magro, portava una barba ben curata, era pulito fino al disgusto e aveva mani incredibilmente belle. Era tutto "abbottonato", per così dire, anche i suoi occhiali con lenti bluastre erano come il suo "scudo", e quando se li toglieva sembrava una persona completamente diversa /... / Era sempre interessante parlare con lui, entrambi eravamo interessati alla poesia moderna (lui stesso scriveva poesie), e le nostre conversazioni a casa sua erano particolarmente affascinanti /.../ Konstantin Alexandrovich era sposato con una dolcissima, bella, piena di ardente Varvara Mikhailovna, che mia moglie si è presto incontrata e si è affezionata. Il loro appartamento non era lontano dal nostro, e spesso andavamo l'un l'altro /…/ Ero sempre attratto dall'ampia vista dalla finestra di questo appartamento su orti con creste verdeggianti, su cataste nere di legna da ardere, una specie di cortile e staccionate infinite e ai muri di lontane case colorate con dietro i camini delle fabbriche. E ho dipinto questa veduta molte volte, e su questo sfondo, qualche anno dopo, ho fatto di lui un grande ritratto generazionale. Il ritratto è stato dipinto nel 1905-1906, nel momento più inquietante, quando l'artista ha risposto con la sua partecipazione a riviste rivoluzionarie alla sparatoria di una manifestazione operaia nel gennaio 1905. L'ansia si avverte nel ritratto, che riflette lo stato d'animo dell'artista stesso: una partecipante costante alle mostre del mondo dell'arte, Anna Petrovna Ostroumova-Lebedeva, è nata a San Pietroburgo, nella famiglia di un compagno procuratore capo, San . Sinodo.

Ricordiamo che posizioniamo il suo ritratto di Serov. Anna Petrovna ha studiato all'Accademia delle arti sotto I. E. Repin e l'incisore V. V. Mate. “C'era in lei una combinazione molto strana di graziosa fragilità, che colpiva la sua testa un po' dolorosamente brutta inclinata di lato, e allo stesso tempo una sorta di durezza interna. Questo è stato espresso in quel ritratto di Somov. La forza era anche in quello che faceva: non per niente si dedicava a un'attività così poco femminile, l'incisione su legno, la cui stessa tecnica non ammette alcuna approssimazione o informe. Allo stesso tempo, questa sua arte era così lontana da qualsiasi aridità. Ha ripreso i temi di Pietroburgo prima di me", ha scritto Dobuzhinsky, "ed è stata in grado di trasmettere i suoi paesaggi con una speciale intimità". Ostroumova-Lebedeva divenne un famoso incisore. Per diversi anni ha vissuto all'estero, a Parigi ha comunicato con Somov e Benois, è diventata membro del World of Art. Le sue opere dedicate ai famosi complessi di palazzi e parchi di Pavlovsk e Tsarskoye Selo e, naturalmente, San Pietroburgo hanno guadagnato fama. Ha catturato l'arco di "New Holland" - un misterioso vecchio angolo di San Pietroburgo, e uno dei luoghi più belli della capitale - le colonne di Exchange che si affacciano sulla fortezza e molto altro ancora.

Le attività del "World of Art" hanno attirato molti, soprattutto giovani artisti. Questi includono Valentin Alexandrovich Serov. Figlio di un famoso compositore, Alexander Nikolaevich Serov, è nato a San Pietroburgo. Negli anni Ottanta dell'Ottocento studiò con P. P. Chistyakov all'Accademia delle arti, che non ritenne necessario terminare. Serov era un membro del Consiglio dell'Accademia delle arti e della Galleria Tretyakov. Già alla fine degli anni Novanta dell'Ottocento si avvicina agli artisti del "Mondo dell'Arte" e, forse, non senza la loro influenza, si rivolge al teatro e alla pittura storica sul tema del Settecento. Dobuzhinsky ha ricordato Serov: “Alle riunioni si sedeva sempre da parte, ascoltava e, senza lasciar andare le sigarette, disegnava qualcosa in un album. Ha anche realizzato caricature malvagie e molto simili dei presenti, in particolare Bakst, con il quale era particolarmente amichevole. Accanto a lui, sembrava vestito in modo casual, era tozzo, con uno sguardo insolitamente acuto da sotto le sopracciglia. Per lo più, in questa compagnia rumorosa, taceva, ma una sua osservazione, sempre acuta, o divertiva tutti o suscitava una seria attenzione. Tutti apprezzavano molto l'opinione di Serov e lo consideravano un'autorità indiscutibile, giudicava tutto con calma ed era un vero e proprio "centro di contenzione" comune. Benois una volta lo definì "la coscienza del mondo dell'arte". A poco a poco mi sono “abituata” a lui, e ho capito l'amore che tutti avevano per lui, oltre che per la sua arte. Serov è riuscito a svolgere un ruolo cruciale nel destino della rivista. Nel 1900 dipinse un ritratto dell'imperatore Nicola II.

“Le sessioni sono durate molto a lungo, poiché Serov faceva uno schizzo, lo cancellava e la volta successiva scriveva di nuovo, finché il lavoro non lo soddisfaceva. Quindi il ritratto di Nicola II è stato realizzato per l'ultima volta, a quanto pare, alla trentacinquesima sessione circa. Involontariamente, l'artista e il suo modello hanno iniziato a parlarsi. A proposito, ricordo un estratto di queste conversazioni, raccontato da Serov in redazione, - scrive lo scrittore P.P. Pertsov, - parlavano di finanze. "Non capisco niente di finanza", ha detto Serov. "Anch'io", ha confessato il suo interlocutore. Durante le lunghe ore di queste sessioni, Serov ha avuto il tempo di parlare della rivista, dei suoi compiti e della situazione critica. Il risultato fu la nomina di un sussidio da fondi "propri" di 30.000 rubli all'anno. Ciò ha permesso di pubblicare la rivista in modo squisito come è stata pubblicata.

Nel 1902 si unì all'associazione anche il giovane artista Nikolai Konstantinovich Roerich. L'interesse principale di Roerich risiedeva nel campo della Rus' pagana e cristiana e nella cultura dell'antica India, allo studio del quale dedicò molti anni. Roerich partecipò per la prima volta alla mostra di Mosca "World of Art" nel 1902 e successivamente partecipò ad altre mostre, e progettò anche diverse esibizioni nell'impresa di Diaghilev. Dopo aver lasciato la Russia nel 1918, Roerich visse e lavorò in America, dove fondò diverse istituzioni educative, e dalla fine degli anni '20, completate le sue famose spedizioni in India, Mongolia e Tibet, rimase per sempre in India. Roerich era associato alle attività educative "World of Art" "La rivista" World of Art "è diventata una nuova tappa nella storia della critica d'arte e nello studio della storia dell'arte in Russia", osserva la ricerca. – In effetti, la gamma di problemi che tocca è così ampia, la sua attività di breve durata è così energica che qualsiasi ricercatore di cultura non solo all'inizio del secolo, ma anche del tempo successivo, rivolgendosi alla storia della pittura, musica o critica d'arte, non sarà in grado di evitare un fenomeno come "The World arts".

La rivista ha presentato al pubblico il lavoro di artisti moderni, contribuendo così alla diffusione della conoscenza della vita artistica contemporanea. Numeri separati furono dedicati a Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1899, n. 1), Ilya Efimovich Repin (1899, n. 10), Elena Dmitrievna Polenova (1899, n. 18), Konstantin Alekseevich Korovin (1899, n. 21–22) , Valentin Aleksandrovich Serov ( 1900, n. 1–2), Mikhail Vasilyevich Nesterov (1900, n. 3–4), Isaac Ilyich Levitan (1901, n. 1), Mikhail Alexandrovich Vrubel (1903, n. 10–11) . Nel maggio 1899, il pubblico celebrò ampiamente il centenario della nascita di A. S. Pushkin. A quel tempo, il poema "Ruslan e Lyudmila" con acquerelli di A. N. Benois e un'edizione in tre volumi delle opere di A. S. Pushkin, illustrato da V. A. Serov, M. A. Vrubel, V. M. Vasnetsov e membri del "World of Art" - K. A. Somov e A. N. Benois. Un numero speciale della rivista "World of Art" è stato dedicato ad A. S. Pushkin con articoli di Diaghilev sui disegni per le opere del poeta Le pagine della rivista contenevano fotografie di monumenti dell'antica architettura russa, utensili in legno e oggetti di arte applicata realizzati di Elena Dmitrievna Polenova e Viktor Mikhailovich Vasnetsov nel vecchio stile russo. Di particolare importanza erano le riproduzioni di dipinti di artisti del XVIII secolo, che Stasov considerava solo imitatori dei maestri dell'Europa occidentale. In sostanza, il mondo dell'arte ha aperto al pubblico un intero secolo di storia della cultura russa, quasi dimenticato alla fine del XIX secolo. La rivista ha introdotto i lettori all'arte dell'Europa occidentale del Medioevo e dei tempi moderni. Molti numeri contenevano anche articoli non solo sulla vita artistica, ma anche musicale, appunti mostre straniere... Per discutere la composizione del prossimo numero della rivista, gli amici si sono riuniti nell'appartamento di Diaghilev all'11, Fontanka Embankment, dove ha vissuto dall'inverno del 1900-1901. Diaghilev era la figura centrale del "Mondo dell'Arte". Alexandre Benois ha ricordato: “Era l'unico tra gli artisti che non ha creato nulla di artistico, e ha persino abbandonato la composizione e il canto; ma noi, artisti, non cessammo di considerarlo nostro, perché, come noi dipingevamo quadri e scenografie, componevamo balletti e opere, scrivevamo articoli e libri, così lui, con la stessa ispirazione, con lo stesso ardore, componeva una rivista, mostre allestite, spettacoli organizzati "di importanza mondiale". Il lavoro editoriale è stato accompagnato dall'organizzazione di mostre. Tutte le opere per la mostra sono state scelte dallo stesso Diaghilev. A volte capitava che l'artista non volesse esporre nulla, ritenendolo infruttuoso, ma Diaghilev insisteva e l'artista si arrendeva. E poi si è scoperto che era l'immagine "rifiutata" che ha avuto successo ed è entrata in una grande collezione. E a volte è successo il contrario: Diaghilev non avrebbe mai accettato di portare il dipinto in mostra, nonostante il desiderio dell'artista. Ostroumova-Lebedeva: ha ricordato: “Sergey Pavlovich era inesauribile di energia, incredibile perseveranza e perseveranza e, soprattutto, aveva la capacità di far lavorare le persone con entusiasmo, con entusiasmo, poiché lui stesso ha dato un esempio di piena dedizione a se stesso per raggiungere l'obiettivo prefissato. C'era una grande corsa alla mostra, Diaghilev, come un turbine, si precipita attraverso di essa, tenendo il passo ovunque. Di notte non si sdraia, ma, tolta la giacca, porta le foto insieme agli operai, stappa le scatole, le appende, le appende - sudando, ma allegramente, contagiando di entusiasmo tutti intorno a lui. Gli operai di Artel gli obbedivano implicitamente, e quando si rivolgeva loro con una parola giocosa, sorridevano ampiamente, dal fondo della bocca, e talvolta ridevano ad alta voce. E tutto era puntuale. Sergei Pavlovich è uscito di casa la mattina, ha fatto il bagno e, vestito elegantemente come un dandy, è stato il primo ad aprire la mostra. Il lavoro notturno non lo riguardava. I suoi capelli scuri e lisci erano divisi con molta cura. Una ciocca di capelli bianchi le risaltava davanti alla fronte. Un viso pieno e rubicondo con grandi occhi castani brillava di intelligenza, soddisfazione personale, energia. Era persistente e affascinante quando voleva ottenere qualcosa da qualcuno, e quasi sempre ci riusciva. Il 28 gennaio 1900 si tenne presso il Museo della Scuola del Barone A. L. Stieglitz la 2a mostra del "Mondo dell'Arte". In questa mostra sono stati presentati solo artisti russi: membri del World of Art e partecipanti a mostre precedenti: Benois, Vrubel, Serov, Somov, Levitan. Sono state esposte anche opere di artisti del XVIII e dell'inizio del XIX secolo: Borovikovsky, Bryullov e Kiprensky. Pertanto, gli organizzatori della mostra hanno sottolineato il significato duraturo dell'arte di questi pittori per la storia della cultura russa.

Nel novembre dello stesso anno, su richiesta di Serov, i membri del World of Art organizzarono un'altra mostra con lo stesso nome nelle sale dell'Accademia delle arti. Era caritatevole a favore degli studenti bisognosi. Le mostre World of Art sono sempre state un evento significativo nella vita di San Pietroburgo. Erano attesi con impazienza, preparati con entusiasmo e molto discussi. Il design stesso di queste mostre non era simile ai famosi "Mobile", "Primavera" e altri, dove i dipinti erano appesi monotonamente alle pareti e le opere scultoree, come aggiunta, si trovavano negli angoli della sala. Nell'organizzare mostre, Diaghilev ha mostrato grande gusto e ingegnosità. I quadri venivano collocati su appositi supporti, le sale erano accuratamente addobbate con fiori. Per ogni artista sono stati selezionati uno sfondo speciale, cornici speciali.

Il 5 gennaio 1901 si aprì nella Sala Tiziano dell'Accademia delle Arti la 3a mostra del Mondo dell'Arte. Diaghilev lo ha progettato in un modo insolito: ha diviso la sala in una serie di accoglienti stanze bianche, dove i soffitti erano ricoperti di mussola bianca e davanti ai dipinti c'erano dei fiori. C'era anche una mostra postuma di opere di I. I. Levitan, morto nel luglio 1900 all'età di trentanove anni. Alla mostra sono state esposte sessantacinque delle sue opere. Nel IV volume della rivista "World of Art" per il 1900, Diaghilev ha inserito un articolo dedicato alla memoria dell'artista scomparso così presto. Diaghilev ha ricordato: “La figura di Levitan si erge con speciale maestosità e commozione / .... / nessuno prima di lui in tutta la pittura russa ha saputo esprimere sulla tela tutto il fascino infinito di quelle varie sensazioni che ognuno di noi ha vissuto con tanta beatitudine in una fresca mattinata o nei raggi della calda serata in un miserabile villaggio della Russia settentrionale. Inoltre, Diaghilev scrive della "comprensione di Pushkin della natura russa in tutto il suo lavoro", che "tutti i paesaggisti di Mosca caddero sotto l'incantesimo del suo talento". fenomeni della vita artistica della Russia ". Nel dicembre 1901, a Mosca, diversi San I pittori di Pietroburgo e Mosca, tra i quali c'erano partecipanti al World of Art, hanno aperto una mostra chiamata "36". Gli iniziatori di questa associazione espositiva furono i moscoviti: Apollinary Mikhailovich Vasnetsov, Vasily Vasilyevich Perepletchikov e altri, principalmente pittori di paesaggi, diplomati alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Decisero di opporsi sia agli Erranti che al Mondo dell'Arte, poiché a molti non piaceva la "dittatura" di Diaghilev, e la posizione ineguale dei giovani ebbe luogo nell'Associazione degli Erranti. Ma questa associazione non è durata a lungo: solo due anni. Dopo aver organizzato una seconda mostra nel dicembre dell'anno successivo, 1902, cessò di esistere. Alla prima mostra hanno partecipato Benois, Somov e Lansere. Ma non hanno partecipato alla seconda mostra. Dopo la chiusura della seconda mostra "36" nel febbraio 1903, i moscoviti si unirono al mondo dell'arte in una nuova associazione: l '"Unione degli artisti russi". Questa organizzazione era composta da pittori di Mosca e membri del "Mondo dell'Arte". Le mostre Soyuz si sono svolte in molte città della Russia e all'estero. In breve, la storia dell '"Unione" è la seguente: le mostre congiunte con il "Mondo dell'Arte" sono continuate fino al 1908. Poi i pietroburghesi si separarono dai moscoviti a causa delle critiche reciproche, e dal 1910 la loro storia ha preso strade diverse.

Nel frattempo sono continuate le mostre del World of Art, che Diaghilev ha continuato a organizzare. Il 9 marzo 1902, nelle sale del Passaggio, ebbe luogo la 4a mostra. Quindi Sergei Pavlovich decise di trasferirla a Mosca, e nel novembre dello stesso anno fu inaugurata la mostra a Mosca, nelle sale della Scuola Stroganov. Alla mostra di Mosca del mondo dell'arte sono state esposte nuove opere di Serov, Somov, Vrubel. Per la prima volta ha partecipato alla mostra "The World of Art", come già accennato, Roerich, la cui opera "The City is being built" (dalla vita degli antichi slavi) è stata acquisita dalla Galleria Tretyakov. Alla stessa mostra hanno partecipato pittori di Mosca tra i "36" - Alexander Yakovlevich Golovin, Leonid Osipovich Pasternak, Igor Emmanuilovich Grabar. La mostra World of Art a Mosca è stata un enorme successo Domande per il 3° capitolo: Artisti - organizzatori e figure del mondo dell'arte.

1. Nomina gli artisti - organizzatori e figure principali dell'associazione "World of Art".
2. Per cosa è famosa la famiglia Benois?
3. Qual è stato il primo libro pubblicato da A. N. Benois?
4. Quale epoca storica amava ritrarre A. N. Benois?
5. Nomina i dipinti di A. N. Benois della vita di Luigi XIV.
6. Parlaci dei dipinti di A. N. Benois dedicati a Pietro I.
7. Come si chiamava il dipinto di A. N. Benois su Paolo I?
8. Quali opere di A. S. Pushkin sono state illustrate da A. N. Benois?
9. Cosa ricordi del libro di A. N. Benois "ABC"?
10. Quali spettacoli ha progettato A. N. Benois?
11. Chi è stato il primo a prestare attenzione alla bellezza dell'architettura di San Pietroburgo e dei suoi sobborghi, e come si è manifestato?
12. In quale famiglia è nato K. A. Somov? Chi era suo padre?
13. Quale talento ha distinto K. A. Somov e sua madre?
14. Qual è stata la nuova comprensione della pittura storica nell'opera di K. A. Somov? Descrivi il più caratteristico dei suoi dipinti.
15. Quali sono le caratteristiche dei ritratti di K. A. Somov? Nomina i ritratti più famosi.
16. Dove ha studiato L. S. Bakst dopo aver lasciato l'Accademia delle arti?
17. Nomina le opere più famose di L. S. Bakst.
18. Quali sono i notevoli ritratti di A. N. Benois e S. P. Diaghilev di L. S. Bakst?
19. Parlaci dei tratti caratteristici dell'Art Nouveau nel dipinto di L. S. Bakst “Dinner. Signora con le arance.
20. In che modo il viaggio in Grecia ha influito sul lavoro di L. S. Bakst?
21. Descrivi il dipinto di L. S. Bakst "Terror antiquus".
22. Nomina i dipinti di E. E. Lansere caratteristici del "Mondo dell'arte".
23. In quali tipi di arte ha lavorato M. V. Dobuzhinsky?
24. Quali novità hanno apportato gli artisti del mondo dell'arte al design del libro?
25. Parlaci delle opere di A.P. Ostroumova-Lebedeva. Che tecnica ha usato?
26. Come si chiamavano le mostre congiunte del mondo dell'arte con i moscoviti? Quanto sono durati?

CORSO DI LAVORO

nella disciplina "Culturologia"

sul tema: "Associazione" World of Art ""

introduzione

1. La storia della rivista e il ruolo di Diaghilev nella sua creazione

2. Principi della pubblicazione della rivista e del suo concetto

3. Il ruolo e il significato della rivista nella vita culturale della Russia

Conclusione

Nella vita culturale della Russia, la svolta tra i due secoli del XIX e XX secolo è stata segnata dalla fondazione della rivista "World of Art". I primi a prendere fiducia in se stessi per uscire dal quadro dell'arte privata al grande pubblico non furono critici e poeti, ma artisti, musicisti e persone innamorate dell'opera, del teatro e del balletto. Furono loro a fondare prima l'associazione e poi la prima rivista modernista russa. Si sono dati il ​​​​compito di "curare la pittura russa, ripulirla e, soprattutto, portarla in Occidente, glorificarla in Occidente".

Lo scopo del lavoro del corso è studiare in dettaglio le attività della rivista modernista "World of Art". Per raggiungere l'obiettivo, sono stati fissati i seguenti compiti: considerare in dettaglio la creazione dell'associazione di artisti "World of Art" e della rivista "World of Art"; studiare il concetto di rivista ei principi della sua pubblicazione; analizzare il ruolo e il significato della rivista "World of Art" nella vita culturale della Russia.

Alla fine del XIX secolo, la vita artistica in Russia era molto vivace. La società ha mostrato un crescente interesse per numerose mostre d'arte e aste, per articoli e periodici dedicati alle belle arti. Non solo Mosca e San Pietroburgo, ma anche molti giornali e riviste provinciali avevano corrispondenti intestazioni permanenti. Sorsero vari tipi di associazioni artistiche, ponendosi vari compiti, ma principalmente di natura educativa, che fu influenzata dalle tradizioni degli Erranti. Una di queste associazioni era il "World of Art" (1898-1904), che in tempi diversi includeva quasi tutti i principali artisti russi: L. Bakst, A. Benois, M. Vrubel, A. Golovin, M. Dobuzhinsky , K. Korovin, E. Lansere, I. Levitan, M. Nesterov, V. Serov, K. Somov e altri, tutti molto diversi tra loro, uniti dalla protesta contro l'arte ufficiale promossa dall'Accademia e il naturalismo degli Erranti .

La nascita dell'associazione "World of Art" è stata preceduta da un piccolo "circolo di autoeducazione" familiare nell'appartamento di A. Benois, dove si sono riuniti i suoi amici della palestra privata di K. May: D. Filosofov, V. Nouvel, e poi L. Bakst, S. Diaghilev, E. Lansere, A. Nurok, K. Somov. Lo slogan del circolo era "l'arte per l'arte", nel senso che la creatività artistica ha in sé il valore più alto e non ha bisogno di prescrizioni ideologiche dall'esterno. Allo stesso tempo, questa associazione non rappresentava alcun movimento, direzione o scuola artistica. Era composto da individui brillanti, ognuno andava per la sua strada.

L'arte del "Mondo dell'Arte" è nata "sul bordo di sottili piume di grafici e poeti". L'atmosfera del nuovo romanticismo, penetrata in Russia dall'Europa, ha provocato i capricci delle vignette delle riviste allora alla moda dei simbolisti di Mosca "Scales", "Golden Fleece". Il design delle recinzioni a motivi geometrici di San Pietroburgo era collegato alle aspirazioni degli artisti del circolo Abramtsevo I. Bilibin, M. Vrubel, V. Vasnetsov, S. Malyutin per creare uno "stile nazionale russo".

Dal punto di vista del metodo artistico, se parliamo della cosa più importante nel lavoro degli artisti "tipici" del mondo dell'arte, sono più sintetici che analisti, grafici che pittori. Nella grafica di World of Art, il disegno segue spesso uno schema precomposto, e la macchia di colore è delineata per enfatizzarne al massimo il carattere “sintetico”, decorativo. Da qui razionalità, ironia, gioco, decorativismo. Il disegno, la pittura e persino la scultura obbediscono al principio grafico-decorativo. Questo spiega anche l'attrazione per la sintesi di vari tipi e generi d'arte: la combinazione in una composizione di un paesaggio, natura morta, ritratto o "studio storico"; l'inclusione della pittura, della scultura, del rilievo nell'architettura, il desiderio di utilizzare nuovi materiali, l '"uscita" per la grafica del libro e il teatro musicale. Tuttavia, il desiderio di "sintesi artistica", generalmente caratteristico del periodo moderno, che, a quanto pare, avrebbe dovuto portare alla creazione di un "grande stile", divenne nel modo più paradossale la ragione della limitata creatività del Mondo dell'Arte. Questi artisti “ridussero il concetto del pittorico interpretandolo come sensazione decorativa della realtà... ecco una contraddizione che portò a una profonda crisi, al rapido disfacimento di una direzione così luminosa ed energica... Dall'intensa attività di un'era brillante, sono rimaste molte belle opere ... Ma completamente non c'erano opere del tutto significative ... "

Ci soffermeremo più in dettaglio sulla biografia di Benois, come uno degli organizzatori e ispiratori dell'associazione, e successivamente sulla rivista "World of Art".

Pittore e grafico da cavalletto, illustratore e disegnatore di libri, maestro di scenografie teatrali, regista, autore di libretti di balletto, Benois è stato allo stesso tempo un eccezionale storico dell'arte russa e dell'Europa occidentale, un teorico e un acuto pubblicista, un critico perspicace, un grande figura museale, incomparabile conoscitore di teatro, musica e coreografia. . La caratteristica principale del suo carattere dovrebbe essere definita un amore divorante per l'arte; la versatilità della conoscenza serviva solo come espressione di questo amore. In tutte le sue attività, nella scienza, nella critica d'arte, in ogni movimento del suo pensiero, Benois è sempre rimasto un artista. I contemporanei vedevano in lui l'incarnazione vivente dello spirito artistico.

Alexander Nikolaevich Benois - figlio di Nikolai Leontyevich Benois, accademico e architetto, e musicista Kamilla Albertovna (nata Kavos) - nacque il 3 maggio 1870. Per nascita e educazione, Benois apparteneva all'intellighenzia artistica di San Pietroburgo. Per generazioni l'arte è stata una professione ereditaria nella sua famiglia. Il bisnonno materno di Benois KA Cavos era un compositore e direttore d'orchestra, suo nonno era un architetto che costruì molto a San Pietroburgo e Mosca; il padre dell'artista era anche un importante architetto, il fratello maggiore era famoso come acquerellista. La coscienza del giovane Benois si è sviluppata in un'atmosfera di impressioni artistiche e interessi artistici.

I gusti e le opinioni artistiche del giovane Benois si sono formati in opposizione alla sua famiglia, che aderiva a visioni "accademiche" conservatrici. La decisione di diventare artista è maturata molto presto in lui; ma dopo un breve soggiorno all'Accademia delle arti, che portò solo delusioni, Benois preferì laurearsi in giurisprudenza all'Università di San Pietroburgo e seguire da solo una formazione artistica professionale, secondo il suo programma.

Il duro lavoro quotidiano, il costante allenamento al disegno dalla natura, l'esercizio della fantasia nel lavorare sulle composizioni, unito a uno studio approfondito della storia dell'arte, hanno conferito all'artista un'abilità sicura che non è inferiore all'abilità dei suoi coetanei che hanno studiato a l'Accademia. Con la stessa perseveranza, Benois si è preparato per il lavoro di storico dell'arte, studiando l'Hermitage, studiando letteratura speciale, viaggiando in città storiche e musei in Germania, Italia e Francia.

Lo studio autonomo della pittura (principalmente acquerello) non fu vano e nel 1893 Benois apparve per la prima volta come paesaggista alla mostra della "Società degli acquerelli" russa.

Un anno dopo, ha fatto il suo debutto come storico dell'arte, pubblicando in tedesco un saggio sull'arte russa nel libro di Muther The History of Painting in the 19th Century, pubblicato a Monaco. (Le traduzioni russe del saggio di Benois furono pubblicate nello stesso anno sulle riviste Artist e Russian Art Archive.) Si parlò subito di lui come di un critico d'arte di talento che capovolse le idee consolidate sullo sviluppo dell'arte russa.

Dichiarandosi subito praticante e teorico dell'arte allo stesso tempo, Benois mantenne questa duplice unità negli anni successivi, il suo talento e la sua energia bastarono a tutto.

Nel 1895–1899 Alexander Benois era il curatore della collezione di dipinti e disegni moderni europei e russi della principessa M. K. Tenisheva; nel 1896 organizzò un piccolo dipartimento russo per la mostra della Secessione a Monaco; nello stesso anno compie il suo primo viaggio a Parigi; dipinse vedute di Versailles, iniziando la sua serie sui temi di Versailles, tanto amati da lui per tutta la vita.

La serie di acquerelli "Le ultime passeggiate di Luigi XIV" (1897–1898, Museo Russo e altre collezioni), creata sulla base delle impressioni dei viaggi in Francia, fu la sua prima opera seria di pittura, nella quale si dimostrò un artista originale Questa serie per molto tempo ha approvato per lui la gloria del "cantante di Versailles e Louis".

Motivando l'emergere di The World of Art, Benois ha scritto: “Siamo stati guidati non tanto da considerazioni di ordine “ideologico”, ma da considerazioni di necessità pratica. Un certo numero di giovani artisti non sapeva dove andare. O non erano affatto accettati per grandi mostre - accademiche, itineranti e acquerelli, oppure venivano accettati solo con il rifiuto di tutto ciò in cui gli artisti stessi vedevano l'espressione più chiara delle loro ricerche ... Ed è per questo che Vrubel è finito dopo a Bakst, e Somov poi con Malyavin. Ai "non riconosciuti" si sono aggiunti quelli dei "riconosciuti" che si sentivano a disagio nei gruppi approvati. Principalmente Levitan, Korovin e, con nostra grande gioia, Serov si sono avvicinati a noi. Ancora una volta, ideologicamente e in tutta la loro cultura, appartenevano a una cerchia diversa, erano l'ultima progenie del realismo, non senza una "colorazione errante". Ma erano legati a noi dal loro odio per tutto ciò che è stantio, stabilito, morto.

Durante il suo lungo viaggio come artista, critico e storico dell'arte, Benois è rimasto fedele all'alta comprensione della tradizione classica e dei criteri estetici nell'arte, ha difeso il valore intrinseco della creatività artistica e della raffinata cultura basata su forti tradizioni. È anche importante che tutte le poliedriche attività di Benois fossero, infatti, dedicate a un unico obiettivo: la glorificazione dell'arte russa.

Associazione artistica "Il mondo dell'arte"

World of Art (1898-1924) un'associazione artistica costituita in Russia alla fine degli anni 1890. Con lo stesso nome fu pubblicata una rivista, pubblicata dal 1898 dai membri del gruppo. I fondatori del "Mondo dell'arte" furono l'artista di San Pietroburgo A. N. Benois e la figura teatrale S. P. Diaghilev. Si dichiarò a gran voce organizzando la "Mostra di artisti russi e finlandesi" nel 1898 presso il Museo della Scuola centrale di disegno tecnico del barone A. L. Stieglitz. Il periodo classico nella vita dell'associazione cade nel 1900-1904. a quel tempo, il gruppo era caratterizzato da una speciale unità di principi estetici e ideologici. Gli artisti hanno organizzato mostre sotto gli auspici della rivista World of Art. Dopo il 1904 l'associazione si espanse e perse la sua unità ideologica. Nel 19041910. la maggior parte dei membri del "World of Art" faceva parte dell'Unione degli artisti russi. Dopo la rivoluzione, molti dei suoi leader furono costretti a emigrare. L'associazione cessò effettivamente di esistere nel 1924. Gli artisti del World of Art consideravano il principio estetico nell'arte una priorità e si battevano per la modernità e il simbolismo, opponendosi alle idee degli Erranti. L'arte, secondo loro, dovrebbe esprimere la personalità dell'artista.

Artisti inclusi nell'associazione:

Bakst, Lev Samoilovich

Roerich, Nicholas Konstantinovich

Dobuzhinsky, Mstislav Valerianovich

Lansere, Evgeny Evgenievich

Mitrokhin, Dmitry Isidorovich

Ostroumova-Lebedeva, Anna Petrovna

Camere, Vladimir Yakovlevich

Yakovlev, Alexander Evgenievich

Somov, Konstantin Andreevich

Zionglinsky, Jan Frantsevich

Purwit, Guglielmo

Syunnerberg, Konstantin Aleksandrovich, critico

"Ritratto di gruppo dei membri dell'associazione "World of Art"". 19161920.B. M. Kustodiev.

ritratto - Diaghilev Sergei Petrovich (1872 1925)

Sergei Diaghilev nacque il 19 (31) marzo 1872 a Selishchi, provincia di Novgorod, nella famiglia di un nobile militare ereditario Pavel Pavlovich Diaghilev. Sua madre morì pochi mesi dopo la nascita di Sergei, e fu allevato dalla matrigna Elena, figlia di V. A. Panaev. Da bambino, Sergei viveva a San Pietroburgo, poi a Perm, dove prestava servizio suo padre. Il fratello del padre, Ivan Pavlovich Diaghilev, era un filantropo e fondatore di un circolo musicale. A Perm, all'angolo tra le strade Sibirskaya e Pushkin (ex Bolshaya Yamskaya), è stata conservata la casa ancestrale di Sergei Diaghilev, dove ora si trova la palestra a lui intitolata. La villa nello stile del tardo classicismo russo fu costruita negli anni '50 del XIX secolo secondo il progetto dell'architetto R. O. Karvovsky. Per tre decenni la casa è appartenuta a una numerosa e amichevole famiglia Diaghilev. Nella casa, chiamata dai contemporanei "Perm Athens", si riuniva il giovedì l'intellighenzia cittadina. Qui hanno suonato musica, cantato, suonato in casa. Dopo essersi diplomato al ginnasio di Perm nel 1890, tornò a San Pietroburgo ed entrò nella facoltà di giurisprudenza dell'università, mentre studiava musica con N. A. Rimsky-Korsakov al Conservatorio di San Pietroburgo. Nel 1896 Diaghilev si laureò all'università, ma invece di esercitare la professione legale iniziò la carriera di artista. Pochi anni dopo aver conseguito il diploma, creò, insieme ad A. N. Benois, l'associazione World of Art, diresse l'omonima rivista (dal 1898 al 1904) e scrisse egli stesso articoli di critica d'arte. Organizzò mostre che suscitarono un'ampia risposta: nel 1897, l'Esposizione degli acquerelli inglesi e tedeschi, presentando al pubblico russo alcuni dei maggiori maestri di questi paesi e le tendenze moderne nelle belle arti, poi l'Esposizione degli artisti scandinavi nelle sale della Society for the Encouragement of Arts, la Mostra di artisti russi e finlandesi nel Museo Stieglitz (1898) gli stessi World of Art considerarono la loro prima esibizione (Dyagilev riuscì ad attrarre a partecipare alla mostra, oltre al gruppo principale di il circolo amichevole iniziale da cui nacque l'associazione World of Art, altri importanti rappresentanti della giovane arte Vrubel, Serov, Levitan, ecc.), Mostra storica e artistica di ritratti russi a San Pietroburgo (1905); Una mostra di arte russa al Salon d'Automne di Parigi con opere di Benois, Grabar, Kuznetsov, Malyavin, Repin, Serov, Yavlensky (1906) e altri.

Benois Alexander Nikolaevich (1870 1960)

Alexander Nikolaevich Benois (21 aprile (3 maggio), 1870 9 febbraio 1960) Artista russo, storico dell'arte, critico d'arte, fondatore e principale ideologo dell'associazione World of Art. Nato il 21 aprile (3 maggio) 1870 a San Pietroburgo, nella famiglia dell'architetto russo Nikolai Leontyevich Benois e Camilla Albertovna Benois (figlia dell'architetto A.K. Kavos). Si è diplomato al prestigioso 2 ° ginnasio di San Pietroburgo. Per qualche tempo ha studiato all'Accademia delle arti, ha studiato anche belle arti da solo e sotto la guida del fratello maggiore Albert. Nel 1894 iniziò la sua carriera di teorico e storico dell'arte, scrivendo un capitolo sugli artisti russi per la collezione tedesca Storia della pittura del XIX secolo. Nel 1896-1898 e nel 1905-1907 lavorò in Francia. Divenne uno degli organizzatori e degli ideologi dell'associazione artistica "World of Art", fondò l'omonima rivista. Nel 1916-1918, l'artista creò illustrazioni per il poema di A. S. Pushkin "The Bronze Horseman". Nel 1918 Benois diresse la Pinacoteca dell'Hermitage e ne pubblicò il nuovo catalogo. Ha continuato a lavorare come artista di libri e teatro, in particolare ha lavorato alla progettazione di spettacoli BDT. Nel 1925 partecipa all'Esposizione Internazionale di Arti Decorative Moderne e Industriali di Parigi. Nel 1926 Benois lasciò l'URSS senza tornare da un viaggio d'affari all'estero. Ha vissuto a Parigi, ha lavorato principalmente su schizzi di scenografie e costumi teatrali. Alexander Benois ha svolto un ruolo significativo nelle produzioni dell'impresa di balletto di S. Diaghilev "Ballets Russes", come artista e autore regista di spettacoli. Benois morì il 9 febbraio 1960 a Parigi.

Ritratto di Benois

"Autoritratto", 1896

- Seconda serie Versailles (1906), Compreso:

Le prime opere retrospettive di Benoit sono legate al suo lavoro a Versailles. Nel 1897-1898 c'è una serie di piccoli dipinti realizzati ad acquerello e tempera e uniti da un tema comune: "Le ultime passeggiate di Luigi XIV". La seconda serie Versailles di Benois, creata nel 1905-1906, è molto più ampia delle "Ultime passeggiate di Luigi XIV" ed è più diversificata per contenuto e tecnica. Comprende schizzi dalla natura dipinti nel parco di Versailles, dipinti storici e di genere retrospettivi, "fantasie" originali su temi architettonici e paesaggistici, immagini di spettacoli teatrali di corte a Versailles. La serie comprende opere a olio, tempera, gouache e acquarello, disegni a sanguigna e seppia. Queste opere possono essere definite solo condizionatamente una "serie", poiché sono collegate tra loro solo da una certa unità di umore che prevaleva nel momento in cui Benoit, nelle sue parole, era "ubriaco di Versailles" e "completamente trasferito nel passato", cercando di dimenticare la tragica realtà russa nel 1905. Qui l'artista cerca di fornire allo spettatore quante più informazioni concrete possibili sull'epoca, sulle forme dell'architettura, sui costumi, trascurando in qualche modo il compito di ricreare figurativamente e poeticamente il passato. Tuttavia, la stessa serie comprende opere che sono tra le opere di maggior successo di Benois, che godono meritatamente di grande popolarità: "Parade under Paul I" (1907, State Russian Museum); Art Gallery of Armenia, Yerevan), "Petersburg Street under Peter I " (1910, collezione privata a Mosca) e "Pietro I durante una passeggiata nel giardino estivo" (1910, Museo statale russo). In queste opere si può notare un cambiamento nel principio stesso del pensiero storico dell'artista. Infine, non i monumenti dell'arte antica, non le cose e i costumi, ma le persone, cadono al centro dei suoi interessi. Le scene storiche e quotidiane a più figure dipinte da Benois ricreano l'aspetto di una vita passata, vista come attraverso gli occhi di un contemporaneo.

- "Passeggiata del Re" (TG)

48x62

Carta su tela, acquerello, gouache, vernice bronzo, vernice argento, matita di grafite, penna, pennello.

Galleria Statale Tretyakov. Mosca.

Nel dipinto Walk of the King, Alexandre Benois porta lo spettatore nel brillante parco di Versailles dai tempi di Luigi XIV. Descrivendo le passeggiate del re, l'autore non ha ignorato nulla: né le vedute del parco con l'architettura del giardino (erano dipinte dal vero), né le rappresentazioni teatrali, molto di moda nell'antichità, né le scene quotidiane disegnate dopo uno studio approfondito del materiale storico. King's Walk è un'opera molto efficace. Lo spettatore incontra Luigi XIV, camminando intorno alla sua idea. È autunno a Versailles: gli alberi e gli arbusti hanno perso le foglie, i loro rami spogli sembrano solitari nel cielo grigio. L'acqua è calma. Sembra che nulla possa turbare il tranquillo laghetto, nel cui specchio si riflettono sia il gruppo scultoreo della fontana che il decoroso corteo del monarca e del suo entourage. Sullo sfondo di un paesaggio autunnale, l'artista raffigura una solenne processione del monarca con i suoi cortigiani. La modellazione piana di figure in marcia sembra trasformarle in fantasmi di un'epoca passata. Tra il seguito di corte è difficile trovare lo stesso Luigi XIV. Il Re Sole non è importante per l'artista. Benois è molto più preoccupato per l'atmosfera dell'epoca, il respiro del parco di Versailles dai tempi del suo proprietario incoronato. Quest'opera è inclusa nel secondo ciclo di dipinti che resuscitano scene della vita di Versailles dell'era del "Re Sole". "Versailles" di Benois è una sorta di elegia paesaggistica, un mondo meraviglioso, presentato agli occhi di una persona moderna sotto forma di un palcoscenico desertico con uno scenario fatiscente di uno spettacolo a lungo suonato. Precedentemente magnifico, pieno di suoni e colori, questo mondo ora sembra un po' spettrale, avvolto nel silenzio del cimitero. Non è un caso che Benois raffiguri il parco di Versailles in autunno e nell'ora del luminoso crepuscolo serale in The King's Walk, quando l'"architettura" senza foglie di un normale giardino alla francese sullo sfondo di un cielo luminoso si trasforma in un trasparente, effimero edificio. Il vecchio re, parlando con la dama di compagnia, accompagnato dai cortigiani che marciano a intervalli precisi dietro e davanti a loro, come le cifre di un vecchio orologio a orologeria al suono leggero di un minuetto dimenticato, scivola lungo il bordo del serbatoio. La natura teatrale di questa fantasia retrospettiva è sottilmente rivelata dall'artista stesso: fa rivivere le figurine di vivaci amorini che abitano la fontana, raffigurano comicamente un pubblico rumoroso, liberamente posizionato ai piedi del palco e che fissa lo spettacolo di marionette interpretato da persone .

- "Bagno della Marchesa"

1906

Paesaggio storico pittoresco russo

51x47,5

cartone, guazzo

Il dipinto "Il bagno della marchesa" raffigura un angolo appartato del parco di Versailles nascosto tra una fitta vegetazione. I raggi del sole, penetrando in questo riparo ombreggiato, illuminano la superficie dell'acqua e la tenda da bagno. Quasi simmetrica nella composizione, costruita secondo la prospettiva frontale, l'immagine dà l'impressione di una bellezza irreprensibile del disegno e del colore. I volumi di forme geometriche chiare sono elaborati con cura (orizzontali leggeri - il terreno, pendii verso l'acqua e verticali - le pareti illuminate dei boschetti, le colonne del gazebo). L'elegante padiglione in marmo bianco illuminato dal sole, che vediamo nel varco degli alberi, è raffigurato nella parte superiore del quadro, direttamente sopra la testa della marchesa. Maschere decorative, da cui si riversano leggeri getti d'acqua nella vasca, spezzano l'orizzontalità della parete bianca della vasca. E anche l'abbigliamento leggero della marchesa, gettato sulla panca (quasi in coincidenza con il punto di fuga delle linee che si addentrano nel profondo) è elemento compositivo necessario in questo disegno meditato. Il centro compositivo non è, ovviamente, una panchina con i vestiti, sebbene si trovi nel centro geometrico, ma l'intero complesso complesso di un "quadrilatero" con un asse verticale centrale, dove si affaccia il gazebo soleggiato sopra la testa della marchesa come una decorazione preziosa, come una corona. La testa della tenda da sole integra organicamente questo complesso schema simmetrico di orizzontali, verticali e diagonali. In un parco rigorosamente pensato e progettato, anche i suoi abitanti completano la sua perfezione solo con la loro presenza. Sono solo un elemento della composizione, sottolineandone la bellezza e la magnificenza.

I Miriskussniki vengono spesso rimproverati per la mancanza di "pittura" nei loro dipinti. Possiamo dire in risposta a questo che il Bagno della Marchesa è un trionfo di verde con una varietà delle sue sfumature. L'artista ammira semplicemente la bellezza e il tripudio della vegetazione fresca. Il primo piano dell'immagine è scritto in modo generalizzato. Luce soffusa, sfondando il fogliame, illuminava le discese ai bagni d'acqua, acqua scura, scritta attraverso colori blu-grigio e ricchi di blu-verde. Il piano distante è elaborato in modo più dettagliato: il fogliame degli alberi è scritto con cura e maestria, foglia per foglia, l'effetto moiré del fogliame sui boschetti è costituito dai punti più piccoli, dai tratti colorati. All'ombra, vediamo verdi freddi sia tenui che luminosi di diverse sfumature. Il fogliame lussuoso e illuminato dal sole al centro è scritto con piccoli tratti bluastri freddi e verde caldo. L'artista sembra immergere il verde in raggi di luce, esplorando la natura del colore verde. Ombre blu intenso, terra grigio-viola, un vestito viola con un disegno blu, una sciarpa gialla, un cappello con fiori blu intorno al nastro, puntini bianchi di fiori sul pendio verde e gocce di rosso sull'acconciatura della marchesa, sulla testa di una donna di colore non permettono all'opera di diventare verde monocromatica. Bagno della marchesa" - un paesaggio storico.

- Illustrazioni per la poesia di A.S. Pushkin "Il cavaliere di bronzo" (1904-22.), Compreso:

Nei primi decenni del ventesimo secolo furono realizzati i disegni di Alexander Nikolayevich Benois (1870 1960) per The Bronze Horseman, i migliori che siano stati creati nell'intera storia dell'illustrazione di Pushkin. Benoist iniziò a lavorare a The Bronze Horseman nel 1903. Nei successivi 20 anni, ha creato un ciclo di disegni, introduzioni e finali, oltre a un numero enorme di opzioni e schizzi. La prima edizione di queste illustrazioni, preparate per un'edizione tascabile, fu realizzata nel 1903 a Roma e San Pietroburgo. Diaghilev li stampò in un formato diverso nel primo numero della rivista "World of Art" per il 1904. Il primo ciclo di illustrazioni consisteva in 32 disegni realizzati con inchiostro e acquerello. Nel 1905, AN Benois, mentre si trovava a Versailles, rielaborò sei delle sue precedenti illustrazioni e completò il frontespizio per Il cavaliere di bronzo. Nei nuovi disegni per Il cavaliere di bronzo, il tema della persecuzione dell'omino da parte del Cavaliere diventa quello principale: il cavaliere nero sul fuggitivo non è tanto il capolavoro di Falcone quanto la personificazione della forza crudele, del potere. E San Pietroburgo non è quella che affascina con la sua perfezione artistica e la portata delle idee costruttive, ma una città cupa - un ammasso di case cupe, centri commerciali, recinzioni. L'ansia e l'ansia che hanno attanagliato l'artista durante questo periodo si trasformano qui in un vero grido sul destino di una persona in Russia. Nel 1916, 1921-1922, il ciclo fu rivisto per la terza volta e integrato con nuovi disegni.

- Scena di inseguimento (frontespizio)

Schizzo del frontespizio per la poesia di A. S. Pushkin "Il cavaliere di bronzo", 1905

grafica del libro

23,7 x 17,6

carta, acquerello

Museo tutto russo di A.S. Pushkin, San Pietroburgo

Nel 1905, AN Benois, mentre si trovava a Versailles, rielaborò sei delle sue precedenti illustrazioni e completò il frontespizio (frontespizio una pagina con un'immagine che forma una diffusione con la prima pagina del frontespizio, e questa immagine stessa). . Nei nuovi disegni per Il cavaliere di bronzo, il tema della persecuzione dell'omino da parte del Cavaliere diventa quello principale: il cavaliere nero sul fuggitivo non è tanto il capolavoro di Falcone quanto la personificazione della forza crudele, del potere. E San Pietroburgo non è quella che affascina con la sua perfezione artistica e la portata delle idee costruttive, ma una città cupa - un ammasso di case cupe, centri commerciali, recinzioni. L'ansia e l'ansia che hanno attanagliato l'artista durante questo periodo si trasformano qui in un vero grido sul destino di una persona in Russia. A sinistra in primo piano c'è la figura di Evgenij in corsa, a destra c'è il cavaliere che lo insegue. Sullo sfondo un paesaggio cittadino. La luna è visibile attraverso le nuvole a destra. Un'enorme ombra della figura di un cavaliere cade sul marciapiede. Quando ha lavorato a The Bronze Horseman, ha determinato la più alta ascesa del lavoro di Benois di questi anni.

Somov Konstantin Andreevich (1869 1939)

Konstantin Andreevich Somov (30 novembre 1869, San Pietroburgo 6 maggio 1939, Parigi) Pittore e grafico russo, maestro del ritratto e del paesaggio, illustratore, uno dei fondatori della società World of Art e dell'omonima rivista . Konstantin Somov è nato nella famiglia di Andrei Ivanovich Somov, noto personaggio museale e curatore dell'Hermitage. Anche in palestra, Somov ha incontrato A. Benois, V. Nouvel, D. Filosofov, con i quali ha successivamente partecipato alla creazione della società World of Art. Somov ha preso parte attiva alla progettazione della rivista "World of Art", così come il periodico "Art Treasures of Russia" (19011907), pubblicato sotto la direzione di A. Benois, ha creato illustrazioni per "Count Nulin" di A. Pushkin (1899), romanzi "The Nose" e "Nevsky Prospekt" (1901) di N. Gogol, dipinse le copertine delle raccolte di poesie di K. Balmont "The Firebird. Flauto slavo”, V. Ivanov “Cor Ardens”, frontespizio del libro di A. Blok “Teatro”, ecc. La prima mostra personale di dipinti, schizzi e disegni (162 opere) si tenne a San Pietroburgo nel 1903; 95 opere sono state esposte ad Amburgo e Berlino nello stesso anno. Insieme alla pittura e alla grafica di paesaggi e ritratti, Somov ha lavorato nel campo delle piccole arti plastiche, creando squisite composizioni in porcellana "Count Nulin" (1899), "Lovers" (1905), ecc. membro dell'Accademia delle Arti. Nel 1918, la casa editrice di Golike e Vilborg (San Pietroburgo) pubblicò l'edizione più famosa e completa con i disegni e le illustrazioni erotiche di Somov: "The Marquise's Book", dove l'artista creò non solo tutti gli elementi del design del libro, ma anche testi selezionati in francese. Nel 1918 divenne professore presso i laboratori educativi statali di arte libera di Pietrogrado; ha lavorato alla scuola di E. N. Zvantseva. Nel 1919, la sua mostra personale per l'anniversario ebbe luogo alla Galleria Tretyakov. Nel 1923 Somov lasciò la Russia per l'America come rappresentante della "Mostra russa"; nel gennaio 1924, in una mostra a New York, a Somov furono presentate 38 opere. Non è tornato in Russia. Dal 1925 risiede in Francia; Morì improvvisamente il 6 maggio 1939 a Parigi.

Ritratto di Somov

"Autoritratto", 1895

"Autoritratto", 1898

46 x 32,6

Acquarello, matita, pastello, carta su cartoncino

"Autoritratto", 1909

45,5 x 31

Acquarello, guazzo, carta

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

- La signora in blu. Ritratto dell'artista Elizaveta Martynova (1897-1900, Galleria Statale Tretyakov)

L'artista è da tempo amico di Elizaveta Mikhailovna Martynova, ha studiato con lei all'Accademia delle arti. Nel 1897 K. Somov iniziò a lavorare al ritratto di E.M. Martynova, con un piano dettagliato. L'artista aveva davanti a sé un modello molto interessante, ed era preoccupato dall'idea di un quadro-ritratto in cui catturare un'immagine profondamente poetica. Una giovane donna con un vestito gonfio e pesantemente scollato, con un volume di poesie nella mano abbassata, è raffigurata in piedi contro un muro verde di arbusti ricoperti di vegetazione. MANGIARE. L'artista trasferisce Martynova nel mondo del passato, la veste con un vecchio abito, colloca la modella sullo sfondo di un condizionale parco decorativo. Il cielo serale con nuvole rosa chiaro, gli alberi di un vecchio parco, l'oscura distesa di uno stagno: tutto questo ha un colore squisito, ma, come un vero "Mondo dell'arte", K. Somov stilizza il paesaggio. Guardando questa donna sola e desiderosa, lo spettatore non la percepisce come una persona di un altro mondo, passato e lontano. Questa è una donna della fine del XIX secolo. Tutto in lei è caratteristico: sia fragilità dolorosa, sia una sensazione di dolorosa malinconia, tristezza nei suoi grandi occhi e una linea densa di labbra tristemente compresse. Sullo sfondo del cielo che respira eccitazione, la fragile figura di E.M. Martynova è piena di grazia e femminilità speciali, nonostante il collo sottile, le spalle sottili e inclinate, la tristezza nascosta e il dolore. Nel frattempo, nella vita di E.M. Tutti conoscevano Martynova come una giovane donna allegra e allegra. MANGIARE. Martynova sognava un grande futuro, voleva realizzarsi nella vera arte e disprezzava la vanità della vita. Ed è successo così che all'età di 30 anni è morta di tubercolosi polmonare, senza avere il tempo di realizzare ciò che aveva pianificato. Nonostante lo splendore del ritratto, in esso risuona una nota piena di sentimento nascosta. E fa sentire allo spettatore lo stato d'animo dell'eroina, intriso di quella simpatia per lei, di cui era pieno l'artista stesso. "Lady in Blue" apparve alla mostra "World of Arts" nel 1900 (a causa della partenza dell'artista per Parigi e della malattia della modella, questo quadro fu dipinto per tre anni) con il nome "Ritratto", e tre anni dopo fu acquisito dalla Galleria Tretyakov.

- "Sera" (1902, Galleria Statale Tretyakov)

142,3 x 205,3

Tela, olio

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Il poeta Valery Bryusov definì Somov "l'autore di squisiti racconti". Dopotutto, i racconti di Somov sono teatrali in tutto e per tutto. In "Evening", viene riproposta una scena inventata da Somov dalla vita in giardino del 18 ° secolo. La "realtà" di Somov appare stilisticamente compiuta nel dipinto "Sera" (1902): qui tutto corrisponde a un unico ritmo armonico e cerimoniale: ripetizioni di arcate, alternanza di piani di boschetti che si allontanano, movimenti lenti, quasi rituali, delle dame. Anche la natura qui è un'opera d'arte, con i tratti di uno stile ispirato al '700. Ma soprattutto è il mondo "Somovsky", un mondo incantato, stranamente statico, di un cielo dorato e di sculture dorate, dove uomo, natura e arte sono in armoniosa unità foglie, proietta riflessi sugli abiti e sui volti delle persone, addolcendo i sonori colori smeraldo e scarlatto degli abiti. È un piacere guardare i delicati dettagli di servizi igienici, anelli, nastri, scarpe con tacchi rossi. Nel dipinto "Evening" non c'è una vera monumentalità. Il mondo Somovsky porta la natura effimera dello scenario, quindi le grandi dimensioni della tela sembrano essere accidentali. Questa è una miniatura ingrandita. Il talento intimo e da camera di Somov gravita sempre verso il miniaturismo. I contemporanei percepivano "Sera" come un'opposizione alla realtà: "Un'epoca che ci sembra ingenua, con muscoli deboli, senza locomotive a vapore lente, striscianti (rispetto alla nostra), ma come può dominare la natura, sedurre la natura, quasi facendone un continuazione del suo costume". Le retrospettive di Somov hanno spesso una connotazione fantasticamente fittizia; le fantasie hanno quasi sempre una connotazione retrospettiva.

- "Arlecchino e la signora" (1912, Galleria Statale Tretyakov)

1912 1921

62,2 x 47,5

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Il concetto artistico di Somov acquista qui una completezza speciale. L'intera costruzione dell'immagine è francamente paragonata a un palcoscenico teatrale. I due personaggi principali si trovano in primo piano, al centro dell'immagine, di fronte allo spettatore, come gli attori della commedia Marivaux, che guidano il dialogo. Le figure in profondità sono come personaggi secondari. Gli alberi, illuminati dalla falsa luce dei fuochi d'artificio, come faretti teatrali, la piscina, di cui è visibile una parte in primo piano, fanno ricordare la buca dell'orchestra. Anche il punto di vista dei personaggi dal basso verso l'alto sembra essere lo sguardo dello spettatore dalla sala del teatro. L'artista ammira questa mascherata eterogenea, dove il ricurvo Arlecchino nel suo vestito di toppe rosse, gialle e blu abbraccia timidamente una signora in robron, che si è tolta la maschera, dove le rose rosse bruciano luminose e festosi fuochi d'artificio si disperdono nel cielo con le stelle. Per Somov, questo mondo ingannevole di fantasmi con la loro fugace esistenza è più vivo della realtà stessa.

Una serie di ritratti grafici, incl. ¶

- "Ritratto di A. Blok" (1907, Galleria Statale Tretyakov.)

"Ritratto di Alexander Alexandrovich Blok", 1907

38x30

Carta, grafite e matite colorate, gouache

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Nel 1907, Somov crea immagini di L. A. Blok. In essi si possono vedere tracce dello studio più attento del ritratto a matita francese (con l'uso della sanguigna) della fine del XVI e soprattutto del XVII secolo, sebbene i ritratti di Somov non siano affatto un'imitazione diretta. Le tradizioni del ritratto a matita francese sono tradotte da Somov oltre il riconoscimento. La natura dell'immagine è completamente diversa. Nei ritratti di Blok e Lansere (entrambi nella Galleria Statale Tretyakov), Somov cerca la massima concisione. Ora c'è un'immagine all'altezza delle spalle nel ritratto di Blok. Tutti i dettagli irrilevanti vengono scartati. Somov delinea con parsimonia solo la silhouette delle spalle e quei dettagli del costume che sono inseparabili dall'aspetto dei colletti rovesciati raffigurati che Blok indossava sempre. In contrasto con il laconismo nella rappresentazione della figura e del costume, il volto della persona ritratta è elaborato con cura e l'artista introduce alcuni accenti di colore nella loro resa, che suonano particolarmente espressivi nel ritratto di Blok. L'artista trasmette con matite colorate l'aspetto freddo, "invernale" degli occhi grigio-blu di Blok, il rosa delle labbra semiaperte, con l'imbiancatura - una piega verticale che taglia una fronte liscia. Il viso di Blok, incorniciato da un berretto di folti capelli ricci, ricorda una maschera congelata. Il ritratto ha colpito i contemporanei con la sua somiglianza. Molti di loro hanno anche notato nella vita la "cerea immobilità dei lineamenti" inerente a Blok. Somov, nel suo ritratto, ha elevato a un assoluto questa morte dei lineamenti e ha così privato l'immagine di Blok di quella versatilità, ricchezza spirituale che costituivano l'essenza della sua personalità. Lo stesso Blok ha ammesso che, sebbene il ritratto gli piacesse, lo "appesantiva".

Bakst Lev Samoilovich (Leib-Khaim Izrailevich Rosenberg, 1866-1924)

Per entrare come volontario all'Accademia delle arti, L. S. Bakst ha dovuto superare la resistenza di suo padre, un piccolo imprenditore. Studiò per quattro anni (1883-87), ma rimase deluso dalla preparazione accademica e lasciò la scuola. Inizia a dipingere da solo, studia la tecnica dell'acquerello, guadagnandosi da vivere illustrando libri e riviste per bambini. Nel 1889 l'artista espose per la prima volta le sue opere adottando uno pseudonimo, il nome abbreviato della nonna materna (Baxter). 1893-99 trascorse a Parigi, visitando spesso San Pietroburgo, e lavorò duramente alla ricerca del proprio stile. Essendosi avvicinato ad A. N. Benois, K. A. Somov e S. P. Diaghilev, Bakst divenne uno degli iniziatori della creazione dell'associazione "World of Art" (1898). La fama di Bakst è stata portata dai suoi lavori grafici per la rivista "World of Art". Ha continuato a dedicarsi all'arte del cavalletto: ha eseguito eccellenti ritratti grafici di I. I. Levitan, F. A. Malyavin (1899), A. Bely (1905) e Z. N. Gippius (1906) e pittoreschi ritratti di V. V. Rozanov ( 1901), S. P. Diaghilev con una tata (1906). Il suo dipinto "Dinner" (1902), che divenne una sorta di manifesto dell'Art Nouveau nell'arte russa, provocò feroci controversie tra i critici. Successivamente, una forte impressione sul pubblico è stata fatta dal suo dipinto "Ancient Horror" (1906-08), che incarna l'idea simbolista dell'inevitabilità del destino. Entro la fine del 1900. si limitò a lavorare in teatro, facendo occasionalmente eccezioni per ritratti grafici di persone a lui vicine, e passò alla storia proprio come eccezionale artista teatrale dell'era moderna. Debuttò a teatro nel 1902, disegnando la pantomima "Il cuore della marchesa". Poi fu messo in scena il balletto "The Doll Fairy" (1903), che ebbe successo soprattutto per la sua scenografia. Ha disegnato molte altre esibizioni, realizzato costumi separati per artisti, in particolare per A.P. Pavlova nel famoso "Swan" di M. M. Fokin (1907). Ma il vero talento di Bakst si è dispiegato negli spettacoli di balletto delle stagioni russe, e poi nel balletto russo di S. P. Diaghilev. "Cleopatra" (1909), "Scheherazade" e "Carnival" (1910), "Vision of the Rose" e "Narcissus" (1911), "Blue God", "Daphnis and Chloe" e "Afternoon of a Faun" ( 1912), "Games" (1913) ha stupito il pubblico occidentale stanco con la fantasia decorativa, la ricchezza e il potere del colore, e le tecniche di progettazione sviluppate da Bakst hanno segnato l'inizio di una nuova era nella scenografia del balletto. Il nome di Bakst, l'artista di punta delle "stagioni russe", tuonava insieme ai nomi dei migliori interpreti e famosi coreografi. Su di lui piovvero anche ordini interessanti da altri teatri. In tutti questi anni Bakst ha vissuto in Europa, tornando solo occasionalmente in patria. Continuò a collaborare con la compagnia di Diaghilev, ma gradualmente crebbero contraddizioni tra lui e S. P. Diaghilev, e nel 1918 Bakst lasciò la compagnia. Ha lavorato instancabilmente, ma non è più riuscito a creare nulla di fondamentalmente nuovo. La morte per edema polmonare ha superato Bakst al momento della sua fama, sebbene iniziasse a svanire, ma comunque brillante.

Ritratto dell'artista

"Autoritratto", 1893

34x21

Olio su cartone

Museo Statale Russo, San Pietroburgo, Russia

- "Elysium" (1906, Galleria Statale Tretyakov)

Pannello decorativo, 1906.

158 x 40

Acquarello, gouache, carta su cartoncino

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

- "Ancient (Antique) Horror" (1908, Museo Russo)

250x270 olio su tela

Museo Statale Russo, San Pietroburgo

"Ancient Horror" un dipinto di Leon Bakst raffigurante la morte di un'antica civiltà (forse Atlantide) in un disastro naturale. Nella visione pagana del mondo, l '"antico orrore" è l'orrore della vita nel mondo sotto il dominio di un destino cupo e disumano, l'orrore dell'impotenza di una persona da esso resa schiava e irrimediabilmente sottomessa (Fatum); così come l'orrore del caos come abisso di non esistenza, la cui immersione è disastrosa. Per antico orrore intendeva l'orrore del destino. Voleva dimostrare che non solo tutto ciò che è umano, ma anche tutto ciò che è venerato dal divino, era percepito dagli antichi come relativo e transitorio. Una grande tela di formato quasi quadrato è occupata da un panorama del paesaggio, scritto da un punto di vista elevato. Il paesaggio è illuminato da un lampo. Lo spazio principale della tela è occupato dal mare in tempesta, che distrugge le navi e sbatte contro le mura delle fortezze. In primo piano c'è la figura di una statua arcaica in taglio generazionale. Il contrasto del volto calmo e sorridente della statua è particolarmente sorprendente rispetto alla violenza degli elementi alle sue spalle. L'artista porta lo spettatore a un'altezza invisibile da cui questa prospettiva panoramica è solo possibile, dispiegandosi da qualche parte nelle profondità sotto i nostri piedi. Più vicino allo spettatore c'è una collina che porta una colossale statua dell'arcaica Afrodite cipriota; ma la collina, e il piede, e gli stessi piedi dell'idolo sono fuori della tela: come libera dal destino della terra, la dea sorge, vicino a noi, proprio sull'oscurità del mare profondo. La statua femminile raffigurata è una sorta di kore arcaica, che sorride con un enigmatico sorriso arcaico e tiene tra le mani un uccello azzurro (o una colomba, simbolo di Afrodite). Tradizionalmente, è consuetudine chiamare la statua raffigurata da Bakst Afrodite, sebbene non sia stato ancora stabilito quali dee fossero raffigurate dalla corteccia. Il prototipo della statua era una statua trovata durante gli scavi sull'Acropoli. La moglie di Bakst ha posato per la mano non conservata. Il paesaggio dell'isola che si svolge alle spalle della dea è la vista dall'Acropoli ateniese. Ai piedi delle montagne sul lato destro dell'immagine, in primo piano, ci sono edifici, secondo Pruzhan, la Porta dei Leoni micenea ei resti del palazzo di Tirinto. Si tratta di edifici appartenenti al primo periodo cretese-miceneo della storia greca. A sinistra, un gruppo di persone in fuga terrorizzata tra gli edifici tipici della Grecia classica molto probabilmente, si tratta dell'Acropoli con i suoi propilei e le enormi statue. Dietro l'Acropoli c'è una valle illuminata dai fulmini, ricoperta di olive argentee.

Decorazione di balletti, incl. ¶

"Schizzo del costume di Cleopatra per Ida Rubinstein per il balletto "Cleopatra" sulla musica di A.S. Arensky"

1909

28 x 21

Matita, acquarello

"Scheherazade" (1910, musica di Rimsky-Korsakov)

"Progettazione della scenografia per il balletto "Scheherazade" sulla musica di N.A. Rimsky-Korsakov", 1910

110×130

Tela, olio

Collezione di Nikita e Nina Lobanov-Rostovsky, Londra

"Costume per l'Uva sultanina per il balletto "Scheherazade""

1910

29,5 x 23

Acquerello, matita

Collezione di Nikita e Nina Lobanov-Rostovsky, Londra

Dobuzhinsky Mstislav Valerianovich (1875 1957)

M. V. Dobuzhinsky era figlio di un ufficiale di artiglieria. Dopo il primo anno della facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo, Dobuzhinsky tentò di entrare all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, ma non fu accettato e studiò in studi privati ​​​​fino al 1899. Tornato a San Pietroburgo nel 1901, si avvicinò a l'associazione World of Art e divenne uno dei suoi rappresentanti più importanti. Dobuzhinsky ha fatto il suo debutto nella grafica: disegni su riviste e libri, paesaggi urbani, in cui è riuscito a trasmettere in modo impressionante la sua percezione di San Pietroburgo come città. Il tema della città diventa subito uno dei principali nel suo lavoro. Dobuzhinsky era impegnato sia nella grafica da cavalletto che nella pittura, ha insegnato con successo - in varie istituzioni educative. Presto il Moscow Art Theatre lo invitò a mettere in scena un'opera teatrale di I. S. Turgenev "Un mese in campagna" (1909). Il grande successo delle scenografie da lui eseguite segnò l'inizio di una stretta collaborazione tra l'artista e il rinomato teatro. L'apice di questa collaborazione è stato lo scenario dell'opera teatrale "Nikolai Stavrogin" (1913) basata sul romanzo "Demoni" di F. M. Dostoevskij. L'acuta espressività e il raro laconicismo fecero di quest'opera innovativa un fenomeno che anticipava le future scoperte della scenografia domestica. Una solida percezione degli eventi in corso nella Russia post-rivoluzionaria costrinse Dobuzhinsky ad accettare la cittadinanza lituana nel 1925 ea trasferirsi a Kaunas. Nel 1939, Dobuzhinsky andò negli Stati Uniti per lavorare con l'attore e regista M. A. Cechov nella commedia "Demons", ma a causa dello scoppio della seconda guerra mondiale, non tornò mai più in Lituania. Gli ultimi anni della sua vita si sono rivelati i più difficili per lui: non poteva e non voleva adattarsi allo stile di vita americano a lui estraneo e ai costumi del mercato dell'arte americano. Spesso incontrava difficoltà finanziarie, viveva da solo, comunicava solo con una ristretta cerchia di emigranti russi e cercava di sfruttare ogni occasione per uscire almeno per un po 'in Europa.

Ritratto dell'artista

Auto ritratto. 1901

55x42

Tela, olio

Museo Statale Russo

L'opera, realizzata nella scuola di Monaco di Sandor Hollossy, è strettamente legata alle composizioni simboliste di Eugène Carrière, che amava immergere i suoi personaggi in un ambiente denso ed emotivamente attivo. La misteriosa foschia che circonda la modella, la vibrante luce "colorata" sul volto e sulla figura, sembra esaltare l'espressione nettamente energica ed enigmatica degli occhi in ombra. Ciò conferisce all'immagine di un giovane internamente indipendente e freddo le caratteristiche di una sorta di demonismo.

- "Provincia del 1830" (1907-1909, Museo Russo)

60 x 83,5

Cartone, matita, acquerello, calce

Museo Statale Russo, San Pietroburgo

"Province of the 1830s" cattura lo sguardo dell'artista, toccato dal flusso della vita quotidiana in una città russa più di mezzo secolo fa. Lo "strappo" dell'immagine con il posizionamento deliberato del pilastro quasi al centro della composizione contribuisce alla percezione di ciò che sta accadendo come un fotogramma del film visto per caso. L'assenza del protagonista e l'assenza di trama dell'immagine è una sorta di gioco dell'artista con le vane aspettative dello spettatore. Case storte, cupole di antiche chiese e un poliziotto che dorme al suo posto: questa è la vista della piazza principale della città. La vanità delle signore, apparentemente affrettandosi dalla modista per vestiti nuovi, è scritta da Dobuzhinsky quasi in caricatura. L'opera è permeata dall'atmosfera di innocua gentilezza dell'artista. La colorazione brillante dell'opera la fa sembrare una cartolina così popolare all'inizio del secolo. Nel 1907 risale il dipinto "Provincia russa degli anni '30 dell'Ottocento" (acquerello, matita grafica, Museo statale russo). Raffigura una piazza sonnacchiosa di una cittadina di provincia con una galleria di negozi, un guardiano sonnecchiante appoggiato alla sua ascia, un maiale bruno che si strofina contro un lampione, qualche passante e un'immancabile pozzanghera al centro. I ricordi di Gogol sono innegabili. Ma la pittura di Dobuzhinsky è priva di qualsiasi sarcasmo: l'elegante grafica dell'artista qui nobilita tutto ciò che tocca. Sotto la matita e il pennello di Dobuzhinsky, la bellezza delle proporzioni del Gostiny Dvor stile Impero, il tailleur stiloso degli anni '30 con cappello a “cestino” su una donna dello shopping che attraversa la piazza, la sagoma slanciata del campanile viene a la parte anteriore. Il sottile stilismo di Dobuzhinsky trionfa su un'altra vittoria.

- "Casa a San Pietroburgo" (1905, Galleria Statale Tretyakov)

37 x 49

Pastello, guazzo, carta su cartoncino

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

- "Uomo con gli occhiali" (Ritratto dello scrittore Konstantin Syunnerberg, 1905-1906, Galleria Statale Tretyakov)

Ritratto del critico d'arte e poeta Konstantin Sunnerberg

1905

63,3 x 99,6

Carboncino, acquarello, carta su cartoncino

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Non essendo un ritrattista, Dobuzhinsky ha creato una delle immagini-simboli più capienti che incarna un'intera generazione di intellettuali urbani. Il dipinto "L'uomo con gli occhiali" (1905-1906) raffigura il poeta e critico d'arte K. A. Syunnerberg, che recitava sotto lo pseudonimo di Konst. Erberg. L'uomo è strettamente chiuso nel rigido guscio di un vestito rispettabile, i suoi occhi, schermati dal mondo da occhiali, sono quasi invisibili. L'intera figura, come priva di una terza dimensione, è appiattita, schiacciata in uno spazio impensabilmente angusto. La persona è, per così dire, esposta, posta tra due vetri - una specie di bizzarra fauna di una città fantastica - San Pietroburgo, visibile fuori dalla finestra, che rivela allo spettatore un altro suo volto - un misto di multipiano , urbanistica multicamino e cortili provinciali.

Lanceray Evgeny Evgenievich (1875 1946)

Artista russo e sovietico. Laureato al primo ginnasio di San Pietroburgo. Dal 1892 studiò alla Scuola di disegno della Società per l'incoraggiamento delle arti, San Pietroburgo, dove frequentò le classi di Ya. F. Zionglinsky, N. S. Samokish, E. K. Lipgart. Dal 1895 al 1898 Lansere viaggiò molto in Europa e si affinò nelle accademie francesi di F. Calarossi e R. Julien. Dal 1899 è membro dell'associazione World of Art. Nel 1905 partì per l'Estremo Oriente. Nel 19071908 divenne uno dei fondatori del "Teatro antico", un fenomeno a breve termine, ma interessante e notevole nella vita culturale della Russia all'inizio del secolo. Lansere ha continuato a lavorare con il teatro nel 1913-1914. 1912-1915 direttore artistico di una fabbrica di porcellane e laboratori di incisione su vetro a San Pietroburgo e Ekaterinburg. 1914-1915 corrispondente militare sul fronte caucasico durante la prima guerra mondiale. Trascorso 19171919 in Daghestan. Nel 1919 collaborò come artista nell'Ufficio di informazione e propaganda dell'Esercito volontario di A. I. Denikin (OSVAG). Nel 1920 si trasferì a Rostov-on-Don, poi a Nakhichevan-on-Don e Tiflis. Dal 1920 è stato disegnatore presso il Museo Etnografico, ha partecipato a spedizioni etnografiche con l'Istituto Archeologico Caucasico. Dal 1922 - Professore dell'Accademia delle arti della Georgia, Istituto di architettura di Mosca. Nel 1927 fu inviato a Parigi per sei mesi dall'Accademia delle Arti della Georgia. Nel 1934 si trasferì definitivamente da Tiflis a Mosca. Dal 1934 al 1938 insegnò all'Accademia delle arti tutta russa di Leningrado. SUO. Lansere morì il 13 settembre 1946.

Ritratto dell'artista

- "Imperatrice Elizaveta Petrovna a Carskoe Selo" (1905, Galleria Statale Tretyakov)

43,5 x 62

Gouache, carta su cartone

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Evgeny Evgenyevich Lansere è un artista versatile. Autore di dipinti e pannelli monumentali che decorano le stazioni della metropolitana di Mosca, la stazione ferroviaria di Kazansky, l'hotel Moskva, paesaggi, dipinti sul tema della storia russa del XVIII secolo, è stato anche un meraviglioso illustratore di opere classiche della letteratura russa (" Dubrovsky" e "Shot" A S. Pushkin, "Hadji Murad" di L. N. Tolstoy), creatore di taglienti vignette politiche su riviste satiriche nel 1905, artista teatrale e decorativo. Il quadro qui riprodotto è una delle opere da cavalletto più interessanti e significative dell'artista e testimonia la comprensione stessa della pittura storica nell'arte del primo Novecento. Così, l'atmosfera dell'epoca si rivela qui attraverso le immagini dell'arte incarnate nell'architettura e negli insiemi del parco, i costumi e le acconciature delle persone, attraverso il paesaggio, che mostrano la vita di corte, i rituali. Il tema delle processioni reali divenne particolarmente preferito. Lansere raffigura l'uscita solenne dalla corte di Elisabetta Petrovna nella sua residenza di campagna. Come sul palcoscenico del teatro, una processione passa davanti allo spettatore. Una robusta imperatrice nuota regalmente maestosamente, vestita con abiti intrecciati di straordinaria bellezza. Questo è seguito da signore e signori in abiti magnifici e parrucche incipriate. Nei loro volti, pose e gesti, l'artista rivela caratteri e tipi diversi. Vediamo cortigiani ora umiliati e timidi, poi altezzosi e rigidi. Nell'esibizione di Elisabetta e della sua corte non si può non notare l'ironia dell'artista e anche qualche grottesco. Lansere contrappone le persone da lui raffigurate alla nobile austerità della statua in marmo bianco e alla vera grandezza incarnata nella magnifica architettura del palazzo Rastrelli e nella bellezza del parco regolare.

Ostroumova-Lebedeva Anna Petrovna (1871-1955)

AP Ostroumova-Lebedeva era la figlia di un importante funzionario PI Ostroumov. Mentre era ancora una studentessa delle superiori, iniziò a frequentare la scuola elementare al CUTR. Poi ha studiato alla scuola stessa, dove si è interessata alla tecnica dell'incisione, e all'Accademia delle arti, dove ha studiato pittura nella bottega di I. E. Repin. Nel 1898-99. lavorò a Parigi perfezionandosi nella pittura (con J. Whistler) e nell'incisione. L'anno 1900 si rivelò un punto di svolta nel suo destino, l'artista fece il suo debutto con le sue incisioni alla mostra World of Art (con la quale in seguito legò saldamente il suo lavoro), poi ricevette il secondo premio per le incisioni all'OPH concorso e si diploma all'Accademia delle Arti con il titolo di artista, presentando 14 incisioni. Ostroumova-Lebedeva ha svolto il ruolo principale nella rinascita delle xilografie da cavalletto in Russia come forma indipendente di creatività - dopo una lunga esistenza come tecnica di riproduzione; il merito dell'artista nella rinascita dell'incisione a colori è particolarmente grande. I metodi originali di generalizzazione della forma e del colore da lei sviluppati furono adottati e utilizzati da molti altri artisti. Il tema principale delle sue incisioni era Pietroburgo, all'immagine di cui ha dedicato diversi decenni di instancabile lavoro. Le sue incisioni a colori e in bianco e nero - entrambe da cavalletto, combinate in cicli ("Petersburg", 1908-10; "Pavlovsk", 1922-23, ecc.), Ed eseguite per i libri di V. Ya. Kurbatov "Petersburg " ( 1912); Riprodotte molte volte e per motivi diversi, sono diventate da tempo libri di testo e godono di eccezionale popolarità. A modo loro, le opere create dall'artista basate sulle impressioni di frequenti viaggi - sia all'estero (Italia, Francia, Spagna, Olanda) che in giro per il paese (Baku, Crimea) sono state interessanti ed eccezionali. Alcuni di loro sono stati eseguiti in incisione, e alcuni - in acquerello. Pittrice dotata e ben addestrata, Ostroumova-Lebedeva non poteva lavorare con i colori ad olio perché il loro odore le provocava attacchi d'asma. Ma padroneggiava perfettamente la tecnica difficile e capricciosa della pittura con gli acquerelli e vi si dedicò per tutta la vita, creando paesaggi e ritratti eccellenti ("Ritratto dell'artista I.V. Ershov", 1923; "Ritratto di Andrei Bely", 1924; "Ritratto dell'artista E.S. Kruglikova", 1925, ecc.). Trascorse la guerra Ostroumov-Lebedeva nella Leningrado assediata, senza lasciare il suo lavoro preferito e completando il lavoro sul terzo volume di Note autobiografiche. Gli ultimi anni della vita dell'artista sono stati oscurati dall'imminente cecità, ma finché è stato possibile ha continuato a lavorare.

Una serie di incisioni e disegni "Vedute di San Pietroburgo e dei suoi sobborghi", incl. ¶

Durante tutta la sua vita creativa matura, la grafica di A.P. Ostroumova-Lebedeva è stata dominata dal tema di San Pietroburgo, a partire dalle vedute di Pavlovsk nel 1900 fino alla metà degli anni '40, quando, già gravemente malata, ha completato una serie del suo St. alla fortezza di notte. In totale, secondo i suoi stessi calcoli, ha realizzato 85 opere dedicate alla grande città. L'immagine di San Pietroburgo a Ostroumova-Lebedeva si è formata in quasi mezzo secolo. Tuttavia, le sue caratteristiche principali sono state trovate dall'artista negli anni più gioiosi e sereni durante il primo decennio del Novecento. Fu allora che nelle sue opere sorse una combinazione di lirismo tagliente, lucido, persino aspro con stabilità e monumentalità potenti, prospettiva geometrica e verificata e astringenza della libertà emotiva,

- "Neva attraverso le colonne della Borsa" (1908)

Come le gambe dei giganti, le colonne d'angolo della Borsa si ergono sullo Sputo dell'isola Vasilyevsky, e la prospettiva dell'altra sponda della Neva, l'ala dell'Ammiragliato e la magnifica parabola del Palazzo dello Stato Maggiore sulla Piazza del Palazzo vanno lontano nel la distanza. Non meno sorprendente è la prospettiva del verde scuro e potente del parco, che diventa il limite dello spazio architettonico, convergendo in lontananza verso il Palazzo Yelagin appena distinguibile. Impensabilmente squisito è un frammento del reticolo del Giardino d'Estate, che scende all'abbigliamento granitico della Moika, che entra nella Neva. Qui ogni linea non è casuale, cameristica e monumentale allo stesso tempo, qui il genio dell'architetto si unisce alla squisita visione di un artista attento alla bellezza. Sopra l'oscuro canale Kryukov, il cielo del tramonto si spegne e dall'acqua si erge la sagoma del campanile della cattedrale navale di San Nicola, famosa per la sua magnifica armonia.