Scene bibliche nella pittura
Completato da uno studente di 6a elementare
palestra n. 587
Nikitin A.A.
San Pietroburgo
Da duemila anni il mondo intero è cresciuto con fiabe e leggende, canti e parabole tratte dalla Bibbia.
La Bibbia ci è giunta attraverso i secoli. L'hanno bandita e bruciata, ma è sopravvissuta. Ci sono voluti 18 secoli per compilare la Bibbia. Ci hanno lavorato più di 30 autori. 66 libri della Bibbia furono scritti in diverse lingue da persone vissute in tempi diversi.
I grandi artisti del mondo raffigurati nei loro dipinti storie bibliche.
Nella storia delle belle arti dei secoli passati, il genio Artista olandese Rembrandt, forse più di chiunque altro, è stato in grado di commuovere profondamente e di rivelare in modo veritiero l'inesauribile ricchezza mondo interiore persona.
I pittori olandesi furono i primi a vedere una persona così com'è nella vita e rifletterono nell'arte vari aspetti della sua esistenza quotidiana. Alcuni di loro si sono avvicinati alla soluzione di un compito più complesso: rifletterne la bellezza e il significato mondo spirituale persona ordinaria
Sembrerebbe che, rivolgendosi a temi biblici ed evangelici, Rembrandt si allontani dalla rappresentazione della società del suo tempo. In effetti, il suo biblico e eroi del Vangelo per molti versi ricorda il suo contemporaneo persone normali, attirando invariabilmente la simpatia dell'artista. Nella sua mente, gli eroi biblici fungono da vivide incarnazioni di meravigliose qualità umane. L'artista vede in loro grandezza spirituale, integrità interiore, severa semplicità e grande nobiltà. Non assomigliano affatto ai borghesi meschini e soddisfatti di sé dei suoi contemporanei. Le vere passioni umane si riflettono sempre più nelle tele dell'artista, sempre più spesso il dramma teatrale, un evento “terribile” sarà sostituito dal vero dramma della vita.
Queste nuove caratteristiche appaiono chiaramente nel dipinto dell’Ermitage “La Deposizione dalla Croce”, dipinto nel 1634.
Notte. Silenzio lamentoso Una folla silenziosa di persone circondava l'enorme croce su cui Cristo fu crocifisso. Sono venuti sul Golgota per rendere l'ultimo omaggio al loro maestro. Alla fredda luce delle torce, viene deposto il suo corpo morto dalla croce.
Uno degli uomini, salendo la scala, tira fuori i chiodi con l'aiuto dei quali Cristo fu crocifisso sulla traversa; altri prendono tra le braccia il suo corpo scivolante; le donne preparano un letto per i resti stendendo a terra un grande panno pesante. Tutto si svolge lentamente, in un silenzio rispettoso e triste. Le esperienze dei presenti sono diverse: alcuni volti esprimono amara disperazione, altri - coraggioso dolore, altri - sgomento e orrore, ma ciascuno persone presenti profondamente permeato del significato dell’evento. Il dolore del vecchio che accetta Cristo morto è sconfinato. Lo tiene con notevole sforzo, ma con molta attenzione, cautela, toccando in modo toccante il corpo senza vita con la guancia. Maria è esausta dal dolore. Non riesce a reggersi in piedi, perde conoscenza, cade tra le braccia delle persone che la circondavano con cura. Il suo viso emaciato è mortalmente pallido, le sue palpebre sono chiuse, la sua mano indebolita, tesa in avanti, si abbassa impotente.
L'immagine cattura con profonda penetrazione, verità della vita. Solo l'esagerazione di alcuni movimenti e gesti ci ricorda gli hobby barocchi di Rembrandt.
Nel corso degli anni '40 Rembrandt affrontò più volte il tema della sacra famiglia. Una delle migliori soluzioni a questo tema è il dipinto dell’Ermitage “La Sacra Famiglia”, realizzato dall’artista nel 1645. La scena gospel offre allo spettatore molte associazioni con la vita popolare quotidiana contemporanea a Rembrandt. Il silenzio e la pace sono disturbati solo dai rumori abituali della vita domestica. Il legno che brucia scoppietta e si sente il suono silenzioso e monotono dell'ascia di un falegname. La stanza è avvolta in una dolce penombra; La luce si riversa dolcemente da diverse fonti, scivolando tremante sul volto di Maria, illuminando la culla, conferendo all'immagine un tocco di spiritualità. Il bambino si mosse leggermente e la donna, obbedendo al sottile istinto materno, si stacca dalla predica, solleva la tenda e guarda il bambino con preoccupazione. Lei è la vera sensibilità, la vera prontezza. In sostanza, la grande umanità e pienezza dell'immagine si creano con un solo sguardo. La luminosa sublimità del momento catturato si riflette anche nel fatto che gli angeli scendono silenziosamente dalla madre e dal ragazzo.
Nel 1660 Rembrandt creò il famoso dipinto “Assur, Haman ed Ester”. La trama del film era basata su un mito biblico noto come “La festa di Ester”. Haman, il primo visir e amico del re persiano Assur, calunniò crudelmente gli ebrei davanti al re, sperando di ottenere il loro sterminio. Allora la regina Ester, venuta dalla Giudea, difese il suo popolo. Dopo aver invitato Assur e Haman alla festa, raccontò della calunnia del visir e il volto traditore dell'uomo che considerava suo amico fu rivelato al re.
L'artista raffigura il momento della festa in cui Ester finì il racconto e regnava un silenzio profondo e doloroso. Triste occhi stupendi regina. Senza guardarsi le mani, Esther spiegazza meccanicamente il fazzoletto. È ancora completamente in balia di ciò che ha vissuto. Le era penosamente difficile pronunciare parole di rimprovero; come il re, credeva al visir e lo trattava come un amico. Assur rimase scioccato da ciò che sentì e amaramente deluso. Il suo grandi occhi riempito di lacrime. Allo stesso tempo, in lui si risveglia una nobile rabbia e stringe con forza lo scettro.
Haman è raffigurato nell'ombra profonda e da solo. Un abisso invisibile lo separava dal re e dalla regina, la coscienza della sventura lo opprime come un peso insopportabile: siede curvo, a testa bassa, con gli occhi chiusi; la mano che tiene la coppa giace impotente sul tavolo, non è oppresso nemmeno dalla paura della morte, ma dalla grave coscienza della solitudine morale. Capisce che Assur ed Esther non lo perdoneranno mai, non importa quanto sia difficile per loro condannare il loro amico.
Se nei dipinti dedicati alla storia di Haman, il risultato del conflitto è una condanna inconciliabile, non importa quanto possa essere difficile per coloro che emettono il verdetto, allora il perdono umano e il profondo pentimento di una persona che ha commesso un amaro errore sono narrato nella celebre opera di Rembrandt “Il Ritorno figliol prodigo"L'opera è stata scritta da Rembrandt nell'anno della sua morte. Dimenticato dai suoi contemporanei, completamente solo, crea la sua ultima geniale creazione.
Ancora una volta una grande tragedia umana. Dopo lunghi vagabondaggi in un mondo ostile e scomodo, il figliol prodigo si rivolge al padre abbandonato con una richiesta di perdono. Pieno di vergogna e pentimento, è in ginocchio, cencioso, con la testa rasata da galeotto, sandali calpestati, mostrando allo spettatore i suoi tacchi ruvidi. Per la prima volta in molti anni, sentendo il calore dell'affetto umano, si aggrappò a suo padre, nascose il viso nel suo petto, cercando di perdersi tra le sue braccia. Il vecchio non esprime né sorpresa né indignazione; Ha perdonato suo figlio molto tempo fa e aspettava questo incontro da molto tempo. Nello sguardo dei suoi occhi bassi si può leggere sia il silenzioso rimprovero che la dolorosa umiltà. Si chinò dolcemente su suo figlio, posandogli le mani deboli e senili sulla schiena. Ancora una volta Rembrandt incarna la sua idea secondo cui le dure prove del destino uniscono le persone. Al di sopra delle delusioni, degli insulti e della vanità ci sono l’amore, la fiducia e la comprensione reciproca.
Tuttavia, in questo incontro c’è più dolore che gioia: tragico errore suo figlio ha lasciato un segno troppo profondo nella vita di entrambi. Non solo il figlio è distrutto, ma anche il padre. Basta prestare attenzione all'espressione del viso, alla testa tristemente chinata, alla figura curva, alle spalle senili cadenti per sentirlo
"Il ritorno del figliol prodigo" è, per così dire, il risultato dei saggi pensieri di Rembrandt sul mondo e sulle persone. Il suo atteggiamento pessimistico nei confronti della realtà negli ultimi anni della sua vita, da un lato, e la sua ininterrotta fiducia nell'uomo e nella sua altezza morale, dall'altro, risuonano con uguale forza in ultimo lavoro artista geniale.
Ci sono poche personalità nella storia dell'arte tanto misteriose e controverse quanto Bruegel. Non scrisse articoli né trattati, non lasciò corrispondenza e, ad eccezione di due o tre persone di mentalità chiusa, non conosceva amici. Bruegel non ha lasciato ritratti di sua moglie, dei suoi figli o dei suoi amici. Si ritiene che a volte si sia ritratto tra i suoi stessi personaggi, ma non ci sono prove di ciò. I suoi ritratti, incisi dai suoi amici, non si somigliano tra loro.
Il concetto rinascimentale di importanza personalità umana non rientrava nei concetti artistici di Bruegel. Nei suoi disegni e dipinti spesso nasconde del tutto i volti, privando le figure di ogni individualità. Una tendenza simile può essere vista nella rappresentazione dei personaggi biblici. Li sposta da qualche parte di lato, li nasconde in mezzo persone normali. È così che vediamo Maria e il Signore nella piazza del paese, Giovanni Battista con Cristo tra la folla di persone, e l '"Adorazione dei Magi" è generalmente nascosta dietro una cortina di nevicata.
L'uomo di Bruegel ha libertà di scelta e si assume la responsabilità delle proprie disgrazie. Una persona è costretta a fare costantemente la scelta tra il bene e il male, tra la fede e l'incredulità, per tutta la sua vita, proprio come i suoi antenati sono stati costretti a fare questa scelta, come fanno molte altre persone oggi. Da qui - un'altra caratteristica delle opere di Bruegel, che le rende simili alle icone, ma che si trova molto raramente nell'arte moderna - la combinazione di strati temporali e spaziali. In dipinti come “Processione al Golgota”, “Censimento a Betlemme”, “Strage degli Innocenti”, “Predica di Giovanni Battista”, “Conversione di Paolo”, “Natività”, l’incisione “Assunzione della Madonna”, personaggi biblici sono presenti tra i contemporanei di Bruegel nella loro vita quotidiana. vita normale, scene bibliche si svolgono sullo sfondo dei paesaggi urbani e rurali fiamminghi: ad esempio, la figura del Salvatore piegato sotto il peso della croce si perde quasi tra le tante altre impressioni di qualsiasi persona raffigurata nel dipinto, e queste persone fanno la loro scelta morale, senza rendersi conto che vedono Dio davanti a loro.
Gli anni della maturità creativa di Bruegel trascorrono durante un periodo di aggravamento delle contraddizioni tra i Paesi Bassi e la monarchia di Filippo II, nelle condizioni di una situazione rivoluzionaria in minacciosa crescita.Il movimento antifeudale si fonde con la lotta di liberazione nazionale contro il dominio della Spagna . Nel 1561-1562, Bruegel creò dipinti uniti da una premonizione di imminenti cataclismi storici, "Il trionfo della morte" (Madrid), "La caduta degli angeli ribelli" (Bruxelles), "La pazza Greta", "La battaglia degli israeliti" con i Filistei”.
Durante la sua vita, Bruegel risiedeva in due città molto ricche: prima Anversa e poi Bruxelles.
Il tasso di crescita di Anversa fu uguale a quello dell'Europa; divenne il nuovo centro finanziario ed economico del mondo occidentale. In questa città “bazar” con il più grande porto marittimo vivevano circa mille stranieri e venivano trattati con sospetto. In una situazione in cui le persone non erano unite né dalla fede né da un’unica chiesa, quando cattolici, protestanti, luterani e anabattisti vivevano nello stesso quartiere, cresceva un sentimento generale di insicurezza e ansia. È così che si è formata una “società multiculturale”, dove sono sorti problemi di comunicazione particolarmente acuti, principalmente per motivi religiosi.
Anversa era un simbolo di pace. Una torre che proietta la sua ombra – contrariamente a tutte le leggi della natura – non sulla terra, ma sul cielo.
Bruegel dipinse La Torre di Babele almeno tre volte. Sono sopravvissute la Torre di Babele (1563) e la “Piccola” Torre di Babele (1563 circa). La gigantesca struttura è stata catturata due volte. Mai prima d'ora gli artisti sono stati in grado di trasmettere in modo così vivido le dimensioni mostruose della torre, la portata della costruzione, superando tutto ciò che era precedentemente noto all'uomo.
Nelle opere successive di Bruegel l'atmosfera di riflessione pessimistica si approfondisce. Nel famoso “I Ciechi” (1568), la parabola evangelica viene utilizzata per incarnare l’idea di un’umanità cieca, che ha perso la volontà di combattere e segue passivamente il destino. Il leader, guidando la catena di storpi ciechi, cade, gli altri, inciampando, lo seguono incontrollabilmente; i loro gesti impotenti sono convulsi, l'impronta di passioni e vizi distruttivi appare nettamente sui loro volti, congelati dall'orrore, trasformandoli in maschere mortali. Il ritmo intermittente e irregolare del movimento delle figure sviluppa il tema della morte imminente. Tuttavia, come prima, la natura serenamente armoniosa dello sfondo appare come un'alternativa contrastante alla vanità umana, con la sua pace idilliaca come se suggerisse una via d'uscita dalla tragica impasse.
I dipinti di Caravaggio (1573-1610) suscitarono accesi dibattiti, poiché colpivano per la loro insolita. Anche il carattere di questo artista era straordinario: sfacciato, beffardo, arrogante.
Tra i dipinti di Caravaggio non ci sono scene festive - come "L'Annunciazione", "Fidanzamento", "Introduzione al tempio", che tanto amavano i maestri del Rinascimento. È attratto dai temi tragici. Sulle sue tele le persone soffrono e sperimentano crudeli torture. Caravaggio osservò queste difficoltà della vita. Nel dipinto "La Crocifissione di San Pietro" vediamo l'esecuzione dell'apostolo, che fu crocifisso sulla croce a testa in giù. "La Conversione di Saulo" mostra la spietata persecuzione dei cristiani, la loro morte sotto il tallone di un cavallo e Il momento di intuizione di Saulo. Sulla strada per Damasco, fu improvvisamente accecato da un raggio celeste e, cadendo da cavallo, udì la voce di Cristo: "Saulo, perché mi perseguiti?" Dopo la sua epifania, Saulo diventa uno dei discepoli più devoti di Cristo: l'apostolo Paolo.
Caravaggio presenta la scena della “Deposizione” come un dramma popolare. Il corpo senza vita di Cristo è sostenuto con cura dai discepoli. La mano congelata del Salvatore pende dalla lapide sopra lo spazio nero della tomba.
Nei dipinti di Caravaggio su temi evangelici colpisce l’aspetto quotidiano dei personaggi, che nelle scene evangeliche mostra la vita della gente comune. I contemporanei di Caravaggio testimoniano: disprezzava tutto ciò che non era copiato dalla vita e l'artista chiamava tali dipinti ninnoli, cose per bambini e bambole.
La pittura di icone apparve nella Rus' nel X secolo, dopo che nel 988 la Rus' adottò la religione bizantina: il cristianesimo. A questo punto, nella stessa Bisanzio, la pittura di icone si era finalmente trasformata in un sistema canonico di immagini rigorosamente legalizzato e riconosciuto. Il culto dell'icona è diventato parte integrante della dottrina e del culto cristiano. Pertanto, la Rus' ha ricevuto l'icona come uno dei “fondamenti” della nuova religione.
Per secoli le icone sono state gli unici oggetti di pittura nella Rus'. Attraverso di loro la gente comune venne introdotta all'arte.
Raffiguranti eventi della vita di Cristo, Maria, gli apostoli, pittori di icone
Hanno trovato motivazioni che hanno toccato l'anima di ogni persona, hanno cercato di esprimere le proprie idee sul bene e sul male.
Seguì il pittore di icone nel suo lavoro certe regole Ad esempio, non è riuscito a inventare la trama da solo. Ma questo non significa che il pittore sia stato privato dell'opportunità di creare. Poteva aggiungere alcuni dettagli, “leggere” la trama della chiesa a modo suo e scegliere combinazioni di colori. Da questi dettagli si può distinguere lo stile di Andrei Rublev dallo stile di Teofane il Greco o Dionisio.
La questione se questa o quell'opera appartenga a Rublev è ora oggetto di vivaci discussioni scientifiche. L'unica opera affidabile dell'artista è l'icona della Trinità. Tutte le altre opere sono più o meno probabilmente attribuite al celebre maestro.
Secondo la dottrina cristiana, Dio, essendo uno essenzialmente, è triplice nelle persone: la prima persona della Trinità è Dio Padre, che ha creato il cielo e la terra, tutto ciò che è visibile e invisibile. La sua seconda persona è Dio Figlio, Gesù Cristo, che prese forma umana e discese dal cielo sulla terra per la salvezza delle persone. La terza persona è Dio Spirito Santo, che dà vita a tutte le cose. È incomprensibile alla mente umana come si esista in tre persone, quindi la dottrina della Trinità è uno dei dogmi principali Religioni cristiane e come tale è oggetto di fede, ma non oggetto di comprensione.
Il vero aspetto della divinità è sconosciuto all'uomo: "nessuno ha visto Dio" (Giovanni 1:18), tuttavia, a volte, come dice la tradizione cristiana, Dio è apparso alle persone, assumendo una forma accessibile all'uomo. La prima persona a vedere Dio fu il vecchio e giusto Abraamo. Dio gli apparve sotto forma di tre angeli. Abramo intuì che, sotto le sembianze di tre sconosciuti, assumesse i tre volti della Trinità. Pieno di gioia, li fece sedere all'ombra della quercia Mamre, ordinò a sua moglie Sarah di cuocere il pane azzimo con la farina migliore e ordinò al servo di macellare il tenero vitello.
È stata questa storia biblica a costituire la base per l'iconografia della Trinità. È raffigurata come tre angeli con bastoni erranti in mano. Gli angeli siedono solennemente a una tavola imbandita di piatti. In lontananza si vedono le Camere di Abramo e la leggendaria Quercia di Mamre. Il pio Abramo e Sara offrono ristoro agli stranieri alati.
Vikon Rublev è colpito dalla straordinaria semplicità, dalla “laconicità” con cui viene riprodotto l'evento biblico. Dalla storia dell'Antico Testamento, l'artista ha scelto solo quei dettagli che danno un'idea di dove e come si è svolta l'azione: la montagna (simbolo del deserto), le camere di Abramo e la quercia di Mamre. È vano cercare tanta audacia nell'avvicinarsi al testo sacro nelle icone precedenti dell'antica pittura russa, che in precedenza seguiva il testo sacro senza ragionamento, ponendosi il compito di dare un'immagine visibile di tutto ciò di cui parlano la Bibbia e il Vangelo. , nella persona di Rublev, trascurò la lettera della Sacra Scrittura e cercò di rivelarla significato filosofico. Da arte illustrativa, la pittura di icone si è trasformata in arte cognitiva.
In Russia nei secoli XIV-XV, la dottrina di una divinità trinitaria, che rappresenta "una forza, un potere, un dominio", divenne un simbolo religioso dell'unità politica del paese. Non è un caso che il motto di Mosca all’inizio del secolo fosse: “Viviamo nella Trinità, ci muoviamo e siamo”. Della stessa idea è intrisa anche la “Trinità” di Rublev, che è diventata, per così dire, un simbolo morale della nuova Rus'.
Quindi, nonostante ciò storie della Bibbia raccontano giorni passati, gli artisti si rivolgono a loro per riflettere la realtà contemporanea attraverso trame conosciute.
Elenco della letteratura utilizzata:
1.
Rose-Marie Hagen R. “Pieter Bruegel il Vecchio”. – “Primavera d’arte”, 2000
2.
Andronov S.A. “Rembrandt. Sull’essenza sociale dell’artista” – Mosca, “La Conoscenza” 1978.
3.
Platonova N.I. “Enciclopedia dell'arte” - “Rosman-Press”, 2002
Lezione di belle arti in 7a elementare
(programma di lavoro basato sul programma B.M Nemenskij).
Frolova L.G., insegnante d'arte, scuola secondaria n. 20 dell'istituto comunale di istruzione di bilancio, villaggio di Suluk.
Tema del trimestre: “Grandi temi della vita”
Bersaglio:
educazione di una personalità emotivamente reattiva basata sulla familiarità con grandi opere d'arte.
Argomento della lezione: Argomenti biblici in belle arti.
Le basi fondamentali della lezione:
Tipo di lezione: combinato.
Progettazione della scheda:
| Parole del vocabolario: Bibbia - il tesoro più importante di spirituale e eredità culturale. Incarna gli ideali di bontà, giustizia, servizio disinteressato all'umanità e fede nel valore della persona umana. Nimbo– simbolo di santità. Vangelo – rivelazione. Pittura religiosa – mosaico, affresco, icona - giunsero in Rus' da Bisanzio insieme all'adozione del cristianesimo. Affrescare – foto sul muro. Icona – "Immagine". Universale - valori morali, come: Bene, Male, Amore, Compassione, Sacrificio. Prospettiva aerea - un cambiamento nel colore, nel contorno e nel grado di illuminazione degli oggetti che si verifica quando la natura si allontana dagli occhi dell’osservatore, come risultato di un aumento dello spazio luce-aria tra l’osservatore e l’oggetto. Magi - maghi, stregoni, stregoni e veggenti che hanno compreso i segreti più intimi dell'universo, che possiedono il segreto della Creazione dell'universo e il segreto del Tempo, il segreto Pietra filosofale, Panacea, il segreto della longevità e dell'immortalità, che possiede potere. |
Argomento della lezione: "Temi biblici nelle belle arti".
| Disegni rappresentativi
|
Lati inversi del tabellone
Incarico di lavoro autonomo:
trasferire lo schizzo sul foglio;
chiarire la composizione.
preparare e portare colori e pennelli per completare il disegno a colori;
facoltativo: preparare un saggio su un'icona o un dipinto su un tema biblico
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Lo scopo della lezione: conoscenza dell'essenza sostanziale delle storie bibliche nelle belle arti come base fondamentale per la formazione dei valori spirituali.
Obiettivi della lezione:
Metasoggetto
sviluppare la capacità di analizzare le storie bibliche attraverso il prisma della percezione della storia moderna.
Personale
coltivare la capacità di orientare le proprie attività di vita verso i valori più alti racchiusi nelle storie bibliche.
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| Attività di contenuto | Risultati per contenuto |
| Conoscenza di concetti semantici, idee concettuali incorporate nelle storie bibliche e riflesse nelle opere d'arte di artisti: Andrei Rublev, Raffaello, Leonardo da Vinci, Rubens, Giotto, Botticelli, ecc. | Conosci i significati idee concettuali, incorporato nelle storie bibliche |
| Compiti per metodo di azione V opera d'arte secondo il piano dell'artista; Capacità di creare uno schizzo di una composizione basata su scene bibliche utilizzando mezzi espressivi; Capacità di analisi e autoanalisi di uno schizzo compositivo (secondo i criteri presentati) | Risultato per metodo di azione Creare uno schizzo di una composizione basata su scene bibliche utilizzando mezzi espressivi; Analizzare e condurre un'autoanalisi dello schizzo completo della composizione (secondo i criteri presentati) |
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Metodi di lezione:
metodo di integrità -(mirato a isolare lezioni generalizzate, il cui compito non è solo la ripetizione, ma la creazione di integrità, unità di quanto studiato nel trimestre).
metodo di unità di percezione e creazione -(visione, ascolto, attività pratiche).
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Campo visivo:
presentazione dell'autore "Temi biblici nelle belle arti" contenente illustrazioni di grandi artisti, film corto“Santissima Theotokos, salvaci”, disegni per bambini, libri (per ogni scrivania): “Nozioni di base della composizione”.
Serie musicale: “Santissima Theotokos, salvaci”
Attrezzatura per le lezioni: lavagna interattiva, proiettore multimediale, matite, carta, acquerello, tempera, pennelli.
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DRAMMATURGIA
/Elementi strutturanti della lezione/
Introduzione (aggiornamento delle conoscenze, risoluzione del problema della lezione) - 8 min.
Climax (uscita sull'argomento della lezione) - 10 min.
Disaccoppiamento (fare lavoro indipendente) - 20 min.
Epilogo (riassumendo la lezione) - 5 min.
Conseguenze (spiegare i compiti) - 2 min.
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Criteri per valutare l'attività degli studenti nella lezione:
La disponibilità dello studente a collaborare con l'insegnante.
Attitudine alle attività educative e creative.
Significato individuale e sociale dei risultati e del prodotto arti visive(la capacità di analizzare il lavoro e valutarlo).
CRAVATTA
Il compito è una soluzione al problema della lezione. Viene effettuato creando una situazione di stato emotivo. Dare stato d'animo emotivo per la lezione suona la musica "Santissima Theotokos, salvaci". Dopo che i bambini entrano in classe, il volume del suono viene ridotto.
Quindi, sotto forma di dialogo, si tiene una conversazione volta ad attivare l'attività cognitiva dei bambini e l'accento è posto sull'esperienza soggettiva esistente degli studenti.
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Insegnante: Ragazzi! Per molti secoli la Bibbia ha attirato l'attenzione dell'umanità. I più grandi artisti, poeti, scrittori, registi del mondo continuano ancora oggi a trarne temi per le loro creazioni.
Nella lezione di oggi parleremo di temi biblici nella pittura e dovrai raffigurarli di più storia interessante dalla Bibbia.
Ma prima faremo conoscenza con la creatività pittori famosi e faremo, per così dire, un giro virtuale (come si dice adesso) nelle gallerie d'arte del mondo per convincerci ancora una volta dell'incorruttibilità di questo libro fantastico, e allo stesso tempo ripetere alcune delle sue storie.
Sai già che le persone leggono la Bibbia fin dai tempi antichi. Non solo ha ispirato il lavoro del contadino, ma ha anche ispirato scrittori, compositori, scultori e artisti. Senza conoscere la Bibbia, non sempre capirai tutto nell'arte dei secoli passati.
“Esperti d'arte” ci aiuteranno a portare a termine i compiti del viaggio, e ognuno di voi potrà diventare “esperto” della Bibbia.
Iniziamo la nostra conoscenza con il mondo della pittura con la pittura di icone.
Davanti a te c'è l'icona russa più antica, la più venerata nella Rus'.
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Insegnante:
In una delle sale della Galleria Tretyakov è appesa una delle icone più famose e celebrate al mondo: "La Trinità", dipinta da Andrei Rublev nel primo quarto del XV secolo. Tre angeli si radunarono attorno al tavolo su cui si trovava la coppa sacrificale per una conversazione tranquilla e senza fretta. I contorni e le pieghe dei loro vestiti sono fragili e senza peso, l'armonia dei colori blu, blu fiordaliso, verde tenue e giallo dorato è pura.
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Insegnante:
Davanti a voi " Icona di Vladimir Madre di Dio" è stata scritta dall'evangelista Luca.
Lettura della poesia di M. A. Voloshin “Nostra Signora di Vladimir” (estratto).
Non sul trono - sulla Sua mano,
Con la mano sinistra, abbracciandoti il collo, -
Occhio a occhio, guancia a guancia,
Richiede incessantemente... Sono senza parole -
Non ci sono forze, né parole sulla lingua...
Ed è preoccupata e triste
Guardando attraverso le onde del futuro
Nelle luminose distanze del mondo,
Dove il tramonto è pieno di fuochi.
E una tale triste eccitazione
Con lineamenti puri da ragazzina, quel Volto
Nella fiamma della preghiera in ogni momento
Come una persona vivente cambia la sua espressione.
Cosa ha affascinato il poeta con l'immagine della Madre di Dio? Cosa sottolinea nel suo aspetto? Che cosa ti senti? Qual è l'essenza della sua immagine?
Risposta alle domande poste:
Il tipo di icona – “Tenerezza” – è uno dei principali tipi di rappresentazione della Madre di Dio nella pittura di icone russa. La Madre di Dio è raffigurata con il Bambino Cristo seduto sulla sua mano e che preme la sua guancia contro la sua guancia. Sulle icone della Madre di Dio non c'è distanza tra Maria (il simbolo e l'ideale del genere umano) e Dio Figlio, il loro amore è illimitato. L’icona simboleggia il sacrificio di Cristo Salvatore sulla croce come la più alta espressione dell’amore di Dio per le persone. Il tipo "Tenerezza" include le icone della Madre di Dio Vladimir, Donskaya, Yaroslavl e altri.
Insegnante:
La Vergine Maria col Bambino è uno dei temi più interessanti nelle opere di molti artisti in tutto il mondo. Nelle loro numerose Madonne incarnavano la loro idea di bellezza femminile terrena. Ma allo stesso tempo, sulle loro tele hanno mostrato la Madre di Dio con il bambino Gesù.
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Insegnante:
Idee sugli ideali più brillanti e sublimi bellezza femminile, ha incarnato l'immagine di sua madre nel suo dipinto “ Madonna Sistina"Il grande artista Raffaello. Il contenuto principale di questa immagine è il tema del luminoso amore materno.
Va ad ascoltare le lodi,
Rivestito di bontà nell'umiltà,
Come una visione celeste
Mostrarmi sulla terra...
VA Zhukovsky.
Il mondo della “Madonna Sistina” è insolitamente complesso, anche se, a prima vista, nulla nella foto fa presagire guai. Eppure, lo spettatore è perseguitato da una sensazione di ansia imminente. La “Madonna Sistina” è entrata da tempo nella nostra coscienza come simbolo dell'amore sacrificale in nome della salvezza dell'umanità. Un coro di angeli dalla voce dolce canta, riempiendo il cielo (sullo sfondo della tela) e lodando Maria. Sisto inginocchiato non distoglie lo sguardo estasiato dalla Madre di Dio, e Santa Barbara abbassò umilmente gli occhi. Sembra che nulla minacci la pace di Maria e di suo figlio. La composizione stupisce per la sua maestosa monumentalità e la sua geniale semplicità. Maria scende lentamente a terra... Ha appena fatto un passo verso le persone. Lo sguardo di Maria è radioso, i suoi occhi sono spalancati e aperti con fiducia. Brillano di tenerezza e gentilezza. Madonna tiene in braccio un bambino, la cosa più preziosa che ha a questo mondo. Lo porta alle persone, sapendo benissimo cosa tragico destino preparato per lui.
Diapositiva: 12 Insegnante: « Madonna Beneit" Leonardo Da Vinci. (Ermitage) Questo dipinto ha un secondo nome: “Madonna con un fiore”. Questo dipinto ha ricevuto il nome “Madonna Benois” dal nome della sua ultima proprietaria, Maria. Aleksandrovna Benois(figlia di un commerciante di Astrakhan Sapozhnikov L.P.), che lo vendette all'Hermitage nel 1914. Questa non è la normale donna fiorentina raffigurata nel dipinto. In primo luogo, sopra le teste della madre e del bambino ci sono degli aloni - simboli di santità; in secondo luogo, nell'immagine l'autore utilizza un quadruplice incrocio: le gambe della madre e del bambino, le loro mani, le loro vedute e il fiore - un fiore crocifero, da cui è attratto il bambino - un simbolo del tormento di Cristo sulla croce. L'immagine è percepita come una scena semplice e spontanea della gioiosa maternità della giovane Maria. Due grandi figure riempiono l'intero spazio del quadro; solo fuori dalla finestra, nel muro scuro, si vede chiaramente il freddo cielo blu. Viene catturato un momento specifico: la madre, lei stessa ancora una ragazza affettuosa e vivace, porge un fiore al bambino, sorridendo, e osserva come il bambino serio esamina attentamente l'oggetto sconosciuto. Il fiore collega tra loro le due figure. Leonardo sperimentò molto alla ricerca di diverse composizioni pittoriche e fu uno dei primi in Italia a passare dalla tempera alla pittura ad olio. "Madonna con un fiore" eseguito proprio in questa tecnica allora ancora rara.
Diapositiva: 13 Insegnante: In ogni secolo ci sono artisti che non solo hanno capito veramente l'arte, ma sono anche riusciti a proiettare questa comprensione nel tempo e nella società: Giotto, Raffaello, Leonardo da Vinci, Botticelli, Rembrandt e molti altri grandi artisti - questa è la cosa principale che li unisce .
Diapositiva: 14
Insegnante:
Sullo schermo Eremo di Stato C'è un dipinto di piccole dimensioni di Rembrandt su un soggetto biblico tradizionale: “L'Adorazione dei Magi.
Diapositiva: 15
Insegnante:
Dipinto dell'artista Giotto di Bondone “Adorazione dei Magi” (1304-1306). Padova. Cappella degli Scrovegni.
Diapositiva: 16
Insegnante:
Dipinto dell'artista Raffaello Santi “Adorazione dei Magi” 1502-1503. Vaticano, Pinacoteca.
Diapositiva: 17
Insegnante:
Il dipinto di Rembrandt "L'Adorazione dei Magi".
Diapositiva: 18
Insegnante:
Dipinto dell’artista Leonardo da Vinci “Adorazione dei Magi” (1472-1477 ).
Uno dei più popolari dipinti su un tema natalizio. Leonardo non l'ha finito. L'Adorazione dei Magi è una tappa importante per il Rinascimento, quasi una svolta. Perché? Il fatto è che Leonardo da Vinci ha utilizzato qui tecniche che consentono allo spettatore di provare un senso di presenza, di sentirsi come se fosse tra i Magi.
Diapositiva: 19
Insegnante:
Il dipinto “L’Adorazione dei Magi” è indicativo dell’opera di Botticelli. Galleria degli Uffizi, Firenze. Intorno al 1475. Legno, tempera. 111x134.
A prima vista non differisce dalle opere di altri artisti sullo stesso argomento. Forse qui c’è solo più solennità e festività, caratteristiche dello stile di Botticelli. La luce diffusa gli permette di modellare sottilmente i volumi, calma la luminosità degli abiti e solo occasionalmente lampeggia con riflessi luminosi su oggetti metallici e ricami dorati. I volti e le figure dei personaggi sono dipinti in modo sorprendentemente fine. Ma se guardi da vicino l'immagine, sorge spontanea la domanda: perché l'artista ha cercato così chiaramente di attirare l'attenzione sulle singole figure? Perché lo ha raffigurato in primo piano? giovanotto, appoggiato ad una spada, fuori luogo nella scena dell'Adorazione? Se consideriamo la struttura della composizione, diventa chiaro che è costruita a forma di triangolo e il suo apice è il gruppo di Maria e il bambino. Ma nello spazio poco profondo del quadro, racchiuso da una roccia e dai resti di muri, lo sguardo dello spettatore viene trasferito da piccole figure centrali ad un gruppo di saggi magnificamente vestiti. Pertanto, il centro semantico della composizione viene spostato e la trama principale viene relegata in secondo piano.
Riflessione(confronto)
Insegnante: Ora ti mostrerò i dipinti di grandi artisti e tu pensi e dimmi, questi dipinti hanno un significato comune?
Risposta alla domanda posta:
Tutti questi artisti si sono rivolti storie del Vangelo nella sua creatività. Come esempio "Adorazione dei Magi"- uno dei personaggi importanti e spesso raffigurati Arte cristiana storie.
Insegnante:
Qual è la differenza tra un'icona e un dipinto?
Risposta alla domanda posta:
Il dipinto è caratterizzato da un'individualità chiaramente espressa dell'autore, uno stile pittorico unico, tecniche compositive specifiche e una combinazione di colori caratteristica.
Icona- una rivelazione di Dio, espressa nel linguaggio delle linee e dei colori, che è donata a tutta la Chiesa, e ad un individuo. La visione del mondo del pittore di icone è la visione del mondo della Chiesa. Un'icona è senza tempo, è un simbolo dell'alterità nel nostro mondo. La paternità del pittore di icone è deliberatamente nascosta, poiché l'icona è una creazione della cattedrale; La pittura di icone non è espressione di sé e il servizio e le emozioni personali non dovrebbero aver luogo.
Un dipinto è un mezzo per comunicare con l'autore, con le sue idee ed esperienze, che possono essere puramente individuali o esprimere sentimenti pubblici caratteristici. Un'icona è un mezzo di comunicazione con Dio e i suoi santi.
- Quindi, la prima differenza. L'icona è caratterizzata da un'accentuata convenzionalità dell'immagine. Non è tanto l'oggetto in sé ad essere raffigurato quanto l'idea dell'oggetto; tutto è soggetto a divulgazione significato interiore. Da qui le proporzioni “deformate”, solitamente allungate delle figure.
La seconda differenza tra lo stile di un'icona e un dipinto realistico è il principio di rappresentazione dello spazio. L'immagine è costruita secondo le leggi della prospettiva diretta.
(basato sul dipinto “Adorazione dei Magi” dell'artista Leonardo sulla soluzione compositiva del dipinto).
Quindi, il gruppo centrale è racchiuso in un triangolo, il cui vertice è il punto di intersezione delle diagonali del quadrato. Leonardo ridusse la soluzione spaziale del primo piano ad una forma piramidale. E qui l'artista ha dovuto affrontare il seguente problema: in relazione alle figure inginocchiate dei Magi sul bordo dell'immagine, Maria e il bambino si trovano più in profondità nello spazio. Secondo le leggi della contrazione prospettica, la Madonna col Bambino dovrebbe essere meno cifre Magi. Ma ciò porterebbe alla perdita di significato del centro semantico della composizione, come avvenne nell’“Adorazione” di Botticelli. È impossibile ridurre la distanza tra i personaggi, altrimenti le figure inginocchiate rimarrebbero anguste nello spazio assegnato.
Leonardo ricorse ad una soluzione inaspettata. Per preservare la monumentalità del gruppo centrale di Maria e del Bambino, l'artista li dipinse più grandi dei Magi. In questo modo ha raggiunto la percezione più completa del gruppo in primo piano e allo stesso tempo una lettura chiara di ciascuno figura separata. Risolvendo questo problema, Leonardo applicò i risultati delle sue ricerche alla binocularità della visione umana, cioè alla capacità di percepire immagini con due occhi contemporaneamente. Queste tecniche, nuove a quel tempo, erano usate con tanta delicatezza che la scena sembrava del tutto naturale e le violazioni proporzionali in essa contenute non erano così evidenti.
CLIMAX
Risultati sull'argomento della lezione, metodi utilizzati: connessioni tra arte e vita, comunicazione con l'arte vivente, motivazione dell'attività cognitiva.
Insegnante: Ora mettiti al lavoro, ma tieni presente che devi completare il tuo lavoro secondo i seguenti criteri:
(Riepilogo della lezione e analisi delle attività dei bambini nella lezione su
seguenti criteri).
Diapositiva: 21
Criteri di valutazione disegno per bambini:
L'atteggiamento del bambino nei confronti della lezione.
Disposizione compositiva del progetto raffigurato sul foglio. L'emergere di un'idea. Trovare una soluzione (schizzi, bozze).
Abilità (attraverso la familiarità con i dipinti degli artisti) nel creare una trama su un tema biblico.
La qualità dei prodotti per bambini è la spontaneità, l'idea.
INTERCHIUSURA
Lavoro indipendente degli studenti - 20 minuti.
Crea uno schizzo di una composizione basata su temi biblici:
Adorazione dei Magi
Immagine della Madre di Dio
Gli studenti si mettono al lavoro. Camminando tra i filari fornisco l'assistenza necessaria, avvertendo possibili errori per coloro che non riescono affatto a far fronte al compito. I ragazzi lavorano utilizzando il libro di testo “Fondamenti di composizione”.
I metodi utilizzati sono: attivazione delle conoscenze esistenti sulle arti decorative e applicate, motivazione dell'attività cognitiva, connessione dell'arte con la vita, trasferimento dell'argomento studiato a un nuovo livello.
Diapositiva: 22
Incarico di lavoro autonomo
fare uno schizzo su un foglio di quaderno;
trasferire lo schizzo sul foglio;
chiarire la composizione.
Diapositiva: 23
Schizzi approssimativi composizioni su temi biblici
EPILOGO
Uscita per la valutazione e l'autovalutazione della fase di lavoro completata
Diapositiva: 24
Riflessione
5 minuti prima della fine della lezione, ai bambini è stato chiesto di utilizzare i criteri presentati per valutare il lavoro educativo e creativo svolto, di tenere una mini-mostra di tutti i lavori risultanti e di analizzare e valutare questi lavori in base all'implementazione dei fasi e la loro sequenza.
Stiamo tenendo una mini mostra nella fase intermedia perché nella prossima lezione completeremo il lavoro sulla storia biblica a colori.
Vengono utilizzati metodi per stimolare un'adeguata autostima.
(2 minuti rimasti alla fine della lezione).
EPILOGO – erogazione e analisi dei compiti.
Diapositiva: 25
Compiti a casa:
preparare e portare colori e pennelli per completare il disegno a colori;
facoltativo - preparare un saggio su un'icona o un dipinto su un tema biblico;
Nella prossima lezione completeremo il lavoro sul racconto biblico a colori.
Diapositiva: 26
Qualcosa del genere, nella prossima lezione, dovrebbe essere completato opere creative studenti.
La lezione si conclude con un cortometraggio musicale “Santissima Theotokos, salvaci”.
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Didascalie delle diapositive:
Tema biblico nelle belle arti Lezione sulle belle arti in 7a elementare secondo il programma di B.M. Nemensky Eseguita da un insegnante di belle arti presso la scuola secondaria MBOU n. 10, Pavlovo, Regione di Nižnij Novgorod Ignatieva Tatyana Nikolaevna
Kramskoy Ivan Nikolaevich Anno di nascita: 27 maggio 1837 Data di morte: 24 marzo 1887 Cristo nel deserto Il tema della tentazione di Cristo interessò Kramskoy all'inizio degli anni '60 dell'Ottocento, quando studiò all'Accademia delle arti e si interessò a il lavoro di Alexander Ivanov. Alla fine dell'inverno 1863-1864, la diciannovenne Ilya Repin visitò l'appartamento di Kramskoy sull'isola Vasilievskij: vide la testa di Cristo scolpita nell'argilla nello studio dell'artista, così come una testa simile dipinta su tela. Kramskoy ha raccontato a Repin del profondo dramma della vita di Cristo, della sua tentazione nel deserto e che tale tentazione si verifica spesso tra la gente comune.
La trama dell'immagine è collegata al digiuno di quaranta giorni di Gesù Cristo nel deserto descritto nel Nuovo Testamento, dove si ritirò dopo il battesimo, e alla tentazione di Cristo da parte del diavolo, avvenuta durante questo digiuno. Secondo l'artista, voleva catturare una situazione drammatica scelta morale, inevitabile nella vita di ogni persona
Cristo era la cosa più importante per Kramskoy ideale morale nella sua vita, la perfezione dell'universo, davanti all'immagine della quale si inchinava l'intero mondo umano. Nel 1869, Kramskoy decise di andare all'estero e vedere con i propri occhi il lavoro degli artisti locali, come i più famosi maestri europei raffiguravano Dio nelle loro tele, visitava spesso Galleria di Dresda e rimase a lungo ad ammirare l'immagine della Madonna Sistina. Tentazione di Cristo Juan de Flandes. 16 ° secolo
Per dieci lunghi anni, Kramskoy ha coltivato il desiderio di dipingere il dipinto “Cristo nel deserto”, ha realizzato molti schizzi, ma tutti non gli andavano bene. Prima versione del dipinto (1867) Testa di Cristo (studio)
Quando il dipinto fu completato, fu esposto alla mostra degli artisti Peredvizhniki. La reazione della società all'immagine è stata diversa, alcuni hanno detto che Cristo nell'immagine appare senza i tratti della santità, altri hanno sostenuto che Dio non può essere raffigurato in situazioni difficili, e solo la parte progressista della società ha reagito positivamente all'immagine, vedendo nell'immagine cambiamenti drammatici nella rappresentazione di Cristo nelle tentazioni che non avevano mai visto prima. L'immagine di Cristo nel dipinto di Kramskoy coincide con i segni di una persona comune che ha un aspetto terreno, l'apparenza di una persona in opposizione a se stessa e al mondo della razza umana.
Nikolai Nikolaevich Ge Nato nel 1831 morto nel 1894 Nikolai Ge lavorò su questa tela nel 1861-1863 in Italia, a Firenze. Era affascinato dalla storia del cristianesimo e dalle storie bibliche. Nel dipinto “L’Ultima Cena”, gli intenditori d’arte ripercorrono l’intera storia: la lotta tra il bene e il male, la tragedia e il tradimento. ultima cena
Il dipinto raffigura l'Ultima Cena - l'ultimo pasto di Gesù Cristo con i suoi dodici discepoli-apostoli, descritto nel Nuovo Testamento, durante il quale predisse che uno di loro - Giuda Iscariota - lo avrebbe tradito.
Detto questo, Gesù fu turbato nello spirito e testimoniò e disse: «In verità, in verità vi dico: uno di voi mi tradirà». 22 Allora i discepoli si guardarono l'un l'altro, chiedendosi di chi stesse parlando. 23 E uno dei suoi discepoli, quello che Gesù amava, era sdraiato al seno di Gesù. 24 Simon Pietro gli fece un segno e gli chiese di chi stesse parlando. 25 Si gettò sul petto di Gesù e gli disse: Signore! chi è questo? 26 Gesù rispose: «È a lui che intingo un pezzo di pane e lo do». E, intinto il pezzo, lo diede a Giuda Simone Iscariota. 27 E dopo questo pezzo Satana entrò in lui. Allora Gesù gli disse: “Qualunque cosa tu stia facendo, falla presto”. 28 Ma nessuno dei presenti capì perché gli avesse detto questo. 29 E poiché Giuda aveva una cassa, alcuni pensavano che Gesù gli dicesse: compra quello che ci occorre per le feste, oppure per donare qualcosa ai poveri. 30 Prese il pezzo e subito uscì; ed era notte. Si ritiene che il "Vangelo preferito" di Ge fosse il Vangelo di Giovanni, in cui gli eventi associati all'Ultima Cena furono descritti come segue
Sul lato destro della tela c'è una sagoma scura di Giuda in partenza. Raffigurato in controluce, sembra contrapposto a chi resta nella stanza illuminata. Questo ha un significato simbolico: “L'atto nero del tradimento è incarnato dalla figura oscura di Giuda, illuminata di spalle. La luce unisce un gruppo di persone che la pensano allo stesso modo.” Dei restanti apostoli, Giovanni sta a sinistra e Pietro a destra, i quali, “inclinandosi leggermente verso il centro, formano una sorta di “arco” sopra Cristo disteso”. Dietro di loro, in fondo alla sala, siedono gli altri apostoli. Gesù Cristo si distingue non solo dal punto di vista compositivo, ma anche dalla sua profonda premurosità, che “contrasta con l’eccitazione di coloro che lo circondano: con Giuda che se ne va con aria di sfida, con Pietro che salta in piedi, con Giovanni che si alza impaurito e i discepoli che parlano ansiosamente”. Sperimenta profondamente il crollo degli ideali e l'amarezza della delusione, rendendosi conto che il suo studente abbandona irrevocabilmente le sue alleanze. L’inazione di Cristo è segno non solo di profonda tristezza e sottomissione al destino, ma anche di “sacrificio consapevole”.
Risorse utilizzate https://ru.wikipedia.org
Lezione n. 22-23 7a elementare
Argomento della lezione: Temi biblici nelle arti visive
Obiettivi: creare le condizioni affinché gli studenti sviluppino la capacità di analizzare le opere di grandi artisti realizzate nel genere religioso e mitologico.
Compiti: introdurre gli studenti ai temi biblici nelle arti visive; parlare del lavoro di autori specifici; sviluppare l'interesse per il patrimonio creativo dei più grandi artisti; sviluppare Abilità creative bambini, la capacità di trovare bellezza, armonia, bellezza nella vita circostante; attivare l’interesse cognitivo per il mondo che ci circonda e l’interesse per il processo di apprendimento.
Materiale e attrezzature dimostrative: presentazione “Soggetti biblici nella pittura”, riproduzioni di dipinti di artisti del genere religioso e mitologico epoche diverse: riproduzioni del dipinto di Raffaello “La Madonna Sistina”, “Il ritorno del figliol prodigo” di Rembrandt, “L'apparizione di Cristo al popolo” di A. Ivanov e “L'apparizione di Cristo a Maria Maddalena”.
Durante le lezioni
IO . Fase organizzativa
Saluto agli studenti. Verifica della preparazione per la lezione.
II . Fase di aggiornamento dell'esperienza soggettiva degli studenti
Insegnante. Ascolta la poesia. Spiega di quale “traccia” parla il poeta. Quale segno vorresti lasciare sulla terra?
Dicono che il talento viene da Dio
Questo è dato, ma questo no...
Ma a tutti viene data una strada
Chi lascerà quale segno?
S. Vikulov.
In questo trimestre facciamo la conoscenza del quadro tematico.
Domande per gli studenti.
Di quale genere abbiamo parlato nell'ultima lezione?
(A proposito dello storico)
Quali altri generi di dipinti tematici conosci?
(Quotidiano, fiabesco-epico, religioso-mitologico)
III . Fase di apprendimento di nuovo materiale
Conversazione introduttiva.
La Bibbia è il tesoro più importante del patrimonio spirituale e culturale. Incarna gli ideali di bontà, giustizia, servizio disinteressato all'umanità e fede nel valore della persona umana.
Bibbia(Greco "libro, composizione") - una raccolta di testi sacri dei cristiani, composta dall'Antico e dal Nuovo Testamento. L'Antico Testamento è stato preso in prestito dal cristianesimo dal giudaismo, l'originale si chiama Tanakh ed è testo sacro per gli ebrei. L'Antico Testamento è composto da 39 libri ed è diviso in tre sezioni nel giudaismo. Questa parte della Bibbia è il Libro Sacro comune al giudaismo e al cristianesimo. La seconda parte della Bibbia cristiana è il Nuovo Testamento, una raccolta di 27 libri cristiani (compresi i 4 Vangeli, gli Atti degli Apostoli, le Epistole degli Apostoli e il libro dell'Apocalisse di Giovanni il Teologo (Apocalisse)), scritti nel I secolo. N. e.
La vita stessa ha suggerito ad artisti, scultori e architetti le immagini per loro più importanti e vitali, le soluzioni artistiche ottimali. Temi biblici hanno permeato l'opera dei più grandi maestri della cultura mondiale: Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rubens, Rembrandt, Giotto, Rublev, Kramskoy, Surikov, Ivanov.
Bibbia Per l'arte europea, per i dipinti, i mosaici ad affresco, i temi biblici fornivano materiale per l'immaginazione, per esprimere il proprio atteggiamento nei confronti del mondo attraverso le trame della Bibbia. IN cavalletto art Europa occidentale E in Russia c'è una ricca gamma di opere brillanti.
Spiegazione dell'argomento della lezione.
Nelle lezioni di oggi e nelle successive parleremo di temi biblici nella pittura e realizzeremo noi stessi dei disegni basati su scene della Bibbia. Per fare ciò, ti è stato affidato il compito di ripetere il materiale studiato in classe. Cultura ortodossa, scegli la trama più interessante per te per ulteriori illustrazioni. Ma prima conosceremo il lavoro di pittori famosi.
Dimostrazione di presentazione.
2a diapositiva. Temi biblici e iconografia.
Temi biblici nella pittura: scene della vita di Cristo, dei suoi discepoli-apostoli, Santi, Profeti, Martiri.
Le icone sono ritratti, volti di santi, angeli, apostoli, Cristo e la Madre di Dio...
3a diapositiva. Esempi dipinti e pittura di icone.
4a diapositiva. Per l’arte europea, per i dipinti, i mosaici ad affresco, i temi biblici fornivano materiale per l’immaginazione, per esprimere il proprio atteggiamento nei confronti del mondo attraverso i soggetti della Bibbia. Nell'arte da cavalletto dell'Europa occidentale e della Russia esiste una ricca gamma di opere brillanti.
I temi biblici dominarono l'arte durante il Rinascimento nei secoli XVII e XVIII. In questi temi, gli artisti moderni trovano analogie con le nostre vite. Attraverso le immagini delle storie bibliche si può esprimere un'ampia varietà di sentimenti umani.
5a diapositiva. Affresco di V. M. Vasnetsov nella Cattedrale di Vladimir “Dio Padre” Uno dei compiti importanti per Vasnetsov era quello di superare il peculiare “scisma” che si era formato dalla fine del XVIII secolo tra il popolo e il clero, da un lato, e l'intellighenzia, dall'altro, nel loro atteggiamento nei confronti della pittura di icone russa.
Secondo Vasnetsov, il tempio era il luogo in cui poteva avvenire la “riunificazione” dell'intellighenzia e del popolo. L'elemento unente per entrambi potrebbe essere l'arte sacra rinnovata, accessibile al pubblico e comprensibile a tutti, che esprime credenze e ideali nazionali.
6a diapositiva. I. Aivazovsky “Caos, creazione del mondo” Uno dei compiti importanti per Vasnetsov era quello di superare il peculiare “scisma” che si era formato dalla fine del XVIII secolo tra il popolo e il clero, da un lato, e il l'intellighenzia, dall'altro, nel loro atteggiamento nei confronti della pittura di icone russa.
Nel corso di due secoli, la tradizionale pittura di icone fu gradualmente sostituita, come un “Medioevo antiquato”, da opere di “scrittura italiana” su temi religiosi eseguite da studenti dell’Accademia delle Arti, non molto diverse da dipinti secolari. Intere antiche iconostasi furono sostituite in questo periodo da lavori realizzati con spirito accademico.
La gente evitava i dipinti sulle pareti del tempio, rispettando, secondo Mikhail Solovyov, l'icona e preferendo pregare davanti a piccole immagini sul leggio create da semplici pittori di icone nello spirito della tradizionale pittura di icone.
7a diapositiva. P. Bruegel “La Torre di Babele” La Torre di Babele di Bruegel corrisponde pienamente alle tradizioni della rappresentazione pittorica di questa parabola biblica: c'è una straordinaria scala di costruzione, presenza enorme quantità persone e attrezzature edili. È noto che nel 1553 G. Bruegel visitò Roma. Nella sua “Torre di Babele” il Colosseo romano con la sua caratteristiche tipiche Architettura romana: colonne sporgenti, gradinate orizzontali e doppie arcate. Sette piani della torre sono già stati costruiti in un modo o nell'altro e l'ottavo piano è in costruzione. La torre è circondata da baracche edili, gru, montacarichi usati all'epoca, scale e impalcature. Ai piedi della torre c'è una città con un porto trafficato. La zona in cui si sta costruendo la Torre di Babele ricorda molto i Paesi Bassi con le sue pianure e il mare. Le persone raffigurate nella foto - operai, scalpellini - sembrano molto piccole e assomigliano alle formiche nella loro diligenza. Molto più grande della figura di Nimrod, il leggendario conquistatore di Babilonia nel II millennio a.C., mentre ispeziona il cantiere. e., tradizionalmente considerato il capo della costruzione della torre, e il suo seguito nell'angolo inferiore sinistro dell'immagine. Il basso inchino in stile orientale degli scalpellini a Nimrod è un omaggio all'origine della parabola.
8a diapositiva. Il Banchetto di Baldassarre di Rembrandt, grandi tele con effetti teatrali, erano popolari nei Paesi Bassi durante la vita di Rembrandt; Il Banchetto di Baldassarre dimostra con quanta abilità l'artista abbia trattato tali temi. Il re babilonese Baldassarre è descritto nel libro dell'Antico Testamento del profeta Daniele. Durante una festa affollata, ordinò di portare piatti d'oro e d'argento, che suo padre Nabucodonosor prese dal santuario del tempio di Gerusalemme. Il re ordinò che i vasi fossero riempiti di vino per i suoi nobili, mogli e concubine. Quando questa bestemmia fu compiuta, una mano misteriosa apparve all'improvviso e scrisse sul muro parole strane: "Mene, mene, tekel, upharsin." Daniele disse al re che intendevano la sua morte; la previsione si avverò quella stessa notte. Il dipinto di Rembrandt esplora lo stupore e la paura, accentuati dal vino che fuoriesce dai vasi sacri, anch'esso simbolico. Sorprende l’iscrizione in ebraico, la cui particolare disposizione delle lettere fa ricordare il vicino di Rembrandt, l’ebreo Manasseh ben Israel, con il quale, come è noto, l’artista mantenne rapporti.
9a diapositiva. Rembrandt “La Sacra Famiglia” Questo dipinto, intriso di sorprendente tenerezza, conferma il dono di Rembrandt di mescolare il divino e il terreno a tal punto che non è più possibile tracciare una linea tra loro. La Madre di Dio interruppe la lettura per raddrizzare il velo sul Bambino, o forse per coprirgli il volto luce luminosa progettato per enfatizzare la Sua grandezza. Maria, piena di tenerezza, si chinò su Gesù, davvero cure materne controllando ancora una volta se va tutto bene con il bambino. Il bambino dorme profondamente in una culla di vimini, ignaro di ciò che sta accadendo intorno. Sullo sfondo, il marito di Maria, Giuseppe, fa il falegname. La madre, il bambino e persino la culla sono tipi puramente olandesi del XVII secolo. Probabilmente potrebbe essere qualsiasi una famiglia normale, se non fosse per gli angeli bambini che volano dal cielo.
10a diapositiva. Rembrandt "Il ritorno del figliol prodigo" La storia del figliol prodigo è una delle storie bibliche più famose. È stato utilizzato da molti artisti. Rembrandt non fece eccezione e si rivolse ripetutamente a lui. Nella Bibbia stiamo parlando del figlio di un uomo ricco, che chiese a suo padre di dargli la sua parte di eredità, lasciò la sua casa e spese i soldi in baldoria e dissolutezza. Il figlio povero e malato torna da suo padre e lui lo saluta con gioia, provocando la rabbia del secondo figlio, che ha trascorso tutta la sua vita tra le doglie. Il padre gli spiega che suo fratello "era morto, ma è tornato in vita". Data esatta L'origine del dipinto non è stata stabilita, ma si ritiene che si tratti di una delle ultime opere di Rembrandt. Quest’opera, infatti, si presenta come un testamento, che riassume le peregrinazioni della vita dell’artista. L’immagine è piena di tenerezza e compassione. Il critico d'arte britannico Kenneth Clarke ha scritto che chiunque l'abbia mai vista sarà d'accordo che di fronte a lui “ il dipinto più grande di tutto ciò che è mai stato creato dalla mano di un artista." La testa del padre è una delle immagini più indimenticabili di Rembrandt. Tutto in lei è compassione e perdono. Le mani adagiate sulle spalle del figliol prodigo trasmettono la profonda tenerezza del padre. Il volto del figliol prodigo, premuto sul petto del padre, ci è nascosto, ma è abbastanza ovvio che esprime sincero pentimento. La figura in piedi a destra è molto probabilmente il figlio maggiore, pieno di virtù. Il suo volto esprime incomprensione e rabbia a malapena trattenuta.
11a diapositiva. Domenico Veneziano “L'Annunciazione” A differenza dei suoi artisti contemporanei della scuola fiorentina, Domenico Veneziano aveva un interesse attivo per i compiti coloristici, utilizzando il colore per esprimere sfumature emotive. Il tono argentato dei suoi dipinti (“L'Annunciazione”, Fitzwilliam Museum, Cambridge) unisce combinazione di colori, crea la sensazione di essere pieni di luce e aria. Le conquiste di Domenico Veneziano furono sviluppate dal suo allievo Piero della Francesca. Domenico Veneziano morì nel 1461 a Firenze.
12a diapositiva. Raffaello "Madonna Sistina". Il mondo della “Madonna Sistina” è insolitamente complesso, anche se, a prima vista, nulla nella foto fa presagire guai. Eppure, lo spettatore è perseguitato da una sensazione di ansia imminente. Un coro di angeli dalla voce dolce canta, riempiendo il cielo (sullo sfondo della tela) e lodando Maria. Sisto inginocchiato non distoglie lo sguardo estasiato dalla Madre di Dio, e Santa Barbara abbassò umilmente gli occhi. Sembra che nulla minacci la pace di Maria e di suo figlio. Ma ombre inquietanti corrono e corrono lungo le pieghe dei vestiti e dei tendaggi. Le nuvole turbinano sotto i piedi della Madonna, lo stesso splendore che circonda lei e il bambino promette una tempesta.
13a diapositiva. A. Ivanov “L'apparizione di Cristo al popolo”
Sulla tela lo spettatore vede persone che provengono dalla collina, così come coloro che hanno già completato le abluzioni e si preparano ad ascoltare il profeta. E dice che devi incontrare un certo ospite che è ancora lontano, ma che presto sarà qui, anche se non tutto è come dovrebbe essere. Rivolgendosi alla folla, tra cui già si trovavano i maestri di questo popolo (farisei, sadducei, ecc.), esclama: "Razza di vipere! Chi vi ha ispirato a fuggire dall'ira futura? Produrre frutti degni di pentimento!" Tutti obbediscono subito alle sue parole e dirigono lo sguardo verso la direzione da cui Egli cammina sulla terra con passo tranquillo ma fermo. A. Ivanov attribuiva particolare importanza all'autenticità e all'espressività del paesaggio. Rimase seduto per diversi mesi nelle malsane paludi del Ponto e nei luoghi deserti d'Italia, trasferì nei suoi schizzi tutto l'entroterra selvaggio intorno a Roma, studiò ogni ciottolo e foglia d'albero. Prima di tutto colpisce
la maestria compositiva con cui Ivanov rivolge una moltitudine di personaggi chiaramente individualizzati verso un unico obiettivo sublime.
Ad una distanza molto favorevole per l'immagine, cammina lungo un duro sentiero roccioso, il cui percorso avrebbe dovuto essere cosparso di fiori. Con passo tranquillo e fermo viene a prendere su di sé i peccati del mondo intero e a morire sulla croce. Come potrebbe un artista nella figura del Salvatore (e a tale distanza) esprimere la sua divina saggezza, grandezza, mitezza di spirito e determinazione nel raggiungere l'impresa?
14a diapositiva. I. Repin "La risurrezione della figlia di Giairo" Un giorno, quando mancava poco tempo prima della competizione, Repin stava tornando da Kramskoy e improvvisamente vide questa scena abbastanza chiaramente. "Ho immaginato lo stato d'animo quando è morta mia sorella Ustya, come ha colpito l'intera famiglia, la casa e le stanze: tutto in qualche modo si è oscurato, si è rimpicciolito dal dolore ed era opprimente." La mattina dopo asciugò tutti i suoi quattro mesi di lavoro con uno straccio. Prese il carbone e ricominciò a scrivere. "La tela cominciò ad attirarmi con il suo tono cupo. La sera il mio dipinto era già così impressionante che io stesso sentii un brivido corrermi lungo la schiena." Per rimanere costantemente nel necessario stato tragico, chiese a suo fratello Vasily, uno studente del conservatorio, di suonargli Beethoven. "La musica mi ha trasportato sulla mia tela, ho goduto di questi suoni all'infinito, mi hanno commosso fino alle lacrime."
15a diapositiva. V. Polenov “Cristo e il peccatore” La trama di questo dipinto era la leggenda di Cristo e del peccatore, descritta nel Vangelo di Giovanni, nel capitolo VIII. Dice:
“Gesù andò al Monte degli Ulivi. La mattina dopo venne di nuovo al tempio e tutto il popolo venne a lui. Si sedette e insegnò loro. Allora gli scribi e i farisei gli condussero una donna sorpresa in adulterio e, ponendola nel mezzo, gli dissero: Maestro! questa donna è stata colta in adulterio; e Mosè ci ha comandato nella legge di lapidare tali persone: Che ne dici? Questo dicevano per tentarlo, per trovare qualcosa di cui accusarlo. Ma Gesù, chinatosi, scriveva col dito per terra, senza prestar loro attenzione. Poiché continuavano a interrogarlo, si prostrò e disse loro: Chi di voi è senza peccato, scagli per primo la pietra contro di lei. E ancora, chinatosi, scriveva per terra. Essi, avendo sentito questo e convinti dalla loro coscienza, cominciarono a partire uno dopo l'altro, dal più anziano all'ultimo; e rimase solo Gesù e la donna in piedi nel mezzo. Gesù, alzandosi e non vedendo nessuno tranne la donna, le disse: donna! dove sono i tuoi accusatori? nessuno ti ha giudicato? Lei rispose: nessuno, Signore! Gesù le disse: «Neppure io ti condanno; va’ e non peccare più”.
Incarnando nell'opera l'idea del perdono, la vittoria del bene sul male, Polenov ha dato Grande importanza nome. Titolo dell'autore: “Chi di voi è senza peccato?” è stato sostituito dalla censura con "Cristo e il peccatore". Il dipinto fu esposto alla XV Mostra itinerante di San Pietroburgo e Mosca, dove fu acquistato da Alessandro III per la sua collezione.
16a diapositiva. N. Kramskoy “Cristo nel deserto” “Il mio Dio è Cristo”, scrisse Kramskoy, “perché Lui stesso ha avuto a che fare con il diavolo. Trae forza da se stesso...». Le tentazioni si impossessano dell'uomo gradualmente, come la ruggine. Ho ceduto una volta, ho ceduto ancora... E arriva la terza tentazione. La tentazione dell’autosufficienza e dell’autocompiacimento. Si chiama "Io stesso!" A volte intere nazioni cadono in questa sventura, quando nessuna persona trova la forza di dire “Non tentare il Signore!” Allora solo la sofferenza sulla croce può salvare le persone...
17a diapositiva. Opera di Leonardo da Vinci "L'Ultima Cena". Leonardo Da Vinci raffigurante una scena L'ultima cena di Cristo con i tuoi studenti. Creato nel 1495-1498 in un monastero domenicano Santa Maria delle Grazie a Milano. Il gesto di Gesù può essere interpretato in due modi. Secondo la Bibbia, Gesù predice che il suo traditore prenderà il cibo insieme a lui. Giuda prende il piatto, senza notare che anche Gesù gli tende la mano destra. Allo stesso tempo, Gesù indica il pane e il vino, che simboleggiano il sacramento.
18a diapositiva. Ge Nikolai Nikolaevich. Ultima cena. Eccezionale ritrattista e pittore di storia, Ge gravitava verso immagini e temi pieni di significato etico e filosofico. “L'Ultima Cena” è la prima opera importante dell'artista, recente studente e poi pensionato dell'Accademia delle Arti. Il contrasto tra Cristo e Giuda, la tragedia del maestro che prevedeva il tradimento del suo allievo (“Uno di voi mi tradirà”), ma era pronto al sacrificio, è alla base drammatico conflitto tele. Fu scritto a Firenze, poi trasportato a San Pietroburgo e suscitò accese polemiche
19a diapositiva. Giotto "Compianto di Cristo". Questo capolavoro di Giotto è il gioiello della Cappella dell'Arena. Il centro della composizione sono due volti vicini: il Cristo morto e sua Madre. È qui che l’occhio dello spettatore viene condotto dal pendio roccioso e dalle opinioni degli altri partecipanti alla scena. La posa della Madre di Dio, chinandosi su Cristo e scrutando incessantemente il volto senza vita del Figlio, è molto espressiva. La tensione emotiva di questa storia “pittoresca” non ha precedenti: non troveremo analoghi nella pittura di quel tempo. Il “paesaggio” qui sembra simbolico. Un pendio di pietra divide diagonalmente l'immagine, sottolineando la profondità della perdita fatale.
Le figure che circondano il corpo di Cristo esprimono varie emozioni con le loro pose e gesti. Vediamo davanti a noi Nicodemo e Giuseppe d'Arimatea che provano stoicamente il dolore, Maria Maddalena singhiozzante aggrappata ai piedi di Cristo, donne che si torcono le mani disperate e piangono la morte del Salvatore degli angeli.
20a diapositiva. A. Ivanov "L'apparizione di Cristo a Maria Maddalena dopo la risurrezione". L'immagine di Gesù nel dipinto è dotata bellezza perfetta: il suo volto e la sua figura ricordano la statua di Cristo di Thorvaldsen, e i suoi vestiti ricordano le pieghe del velo della “Madonna Sistina” di Raffaello. In confronto, l'immagine di Maria Maddalena è più vivace. L’artista è riuscito a trasmettere un sentimento complesso: gioia, dolore, eccitazione sono raffigurati contemporaneamente sul volto di Maria. I capelli dorati che scendono dolcemente sulle spalle, il calore del colore di Tiziano parlano dell'influenza sull'artista Pittura veneziana. È noto che Ivanov, mentre lavorava al film, ha fatto un viaggio nel nord Italia per “studiare il carattere di tutte le scuole”.
IV . Fase di consolidamento di nuove conoscenze.
Così abbiamo conosciuto il lavoro di grandi pittori. Ognuno di loro ha riflesso la storia biblica nell'immagine a modo suo, vivendola profondamente e trasmettendola attraverso la propria anima. E ora devi presentare una delle storie bibliche a modo tuo. Nella prossima lezione inizierai a lavorare. Realizzerai disegni negli album e ora realizzeremo schizzi orali. Il tuo compito è descrivere la composizione che hai scelto in casa, magari utilizzando i reperti che hai visto nei dipinti pittori famosi.
Gli studenti eseguono schizzi orali sull'argomento.
V . Fase di generalizzazione e sistematizzazione della conoscenza
Riassumendo la lezione. Firma la foto.
La nostra lezione era dedicata ai dipinti basati su scene della Bibbia. Mettiamo alla prova le tue conoscenze acquisite nella lezione di oggi. Devi determinare di che tipo di dipinti stiamo parlando. I bambini ricevono cartelli con detti e li attaccano alle immagini.
Il tema principale dell'opera è la tragedia di un uomo che ha sprecato la sua vita
Come risultato delle sue fatiche, l'artista ha creato un'ampia galleria di ritratti di persone di età e personaggi diversi.
L’immagine di Gesù nel dipinto è dotata di bellezza ideale: il suo volto e la sua figura ricordano la statua di Cristo di Thorvaldsen, e i suoi vestiti ricordano le pieghe del velo della “Madonna Sistina” di Raffaello.
L'artista eseguì questa immagine nel 1519 per l'altare della chiesa di San Sisto nella città italiana di Piacenza, su commissione di Papa Giulio II.
L’artista ha dipinto questa tela, secondo le sue parole, “con lacrime e sangue”. Voleva deliberatamente creare la propria immagine di Cristo, non simile alle sue altre immagini.
VI . Fase di riflessione.
Dopo aver tratto le tue conclusioni sulla lezione di oggi, leggi le dichiarazioni di grandi scrittori, filosofi e artisti e dì con quale delle affermazioni sull'arte sei d'accordo.
Le arti ammorbidiscono la morale. (Ovidio)
Lo scopo dell’arte è commuovere i cuori. (Helvetius)
Le vere e proprie opere d'arte immortali rimangono accessibili e recano piacere a tutti i tempi e a tutti i popoli. (Hegel)
Un'opera d'arte è il massimo lavoro più alto spirito umano: dà la vita, migliora l'uomo (N. N. Ge)
L’arte cristiana è sempre un’azione fondata sulla grande idea della redenzione. (O. Mandelstam)
VII . Compiti a casa.
Seleziona le illustrazioni per la Bibbia. Realizza schizzi compositivi.
VIII . Fine organizzata della lezione.
7 ° grado
Lezione - conferenza
5. Andrey Rublev “Trinità”.
Durante le lezioni:
Organizzazione della classe.
Uh. iso.
PC dell'UC:
Uh. ISO:
UC. computer : Conversazione. 10 Comandamenti
Uh. ISO:
Alunno
Uh. iso: « Ultima cena»
Alunno:
Alunno:
Alunno:
Uh. iso
Alunno:
Uh. iso
PC insegnante: sulla trama, sul contenuto.
Uh. ISO:
Uh. computer. (secondo la trama).
L'Apprendista (secondo la trama)
Uh. iso
Uh. iso
Uh. computer
Alunno:
Uh. ISO:
Alunno:
Uh. iso
Uh. computer
Uh. ISO:
Uh. ISO:
Alunno: (sulla vita dell'artista).
Alunno:
Uh. computer
Domanda per i bambini:
Cos'è il “canone”?
Uh. iso
Uh. computer
Alunno: (sulla “Trinità” dell'Antico Testamento).
Alunno: (sulla “Trinità” di Rublev).
Uh. iso
Uh. PC:
Uh. iso
(impara le risposte).
Rosso: gioia, delizia;
Blu – depressione;
Arrivederci!
Anteprima:
7 ° grado
Argomento: “Storie bibliche nelle belle arti”.
Lezione - conferenza
Scopo: Fornire una comprensione del significato della rappresentazione di soggetti biblici come linguaggio speciale nelle belle arti cristiane del Medioevo. Rivelando l'essenza del moderno e dell'eterno relazioni umane e valori.
Funziona in questione sullo schermo:
1. Raffaello Santi “Madonna Sistina”
2. Leonardo da Vinci “L’Ultima Cena”
3. Rembrandt Van Rijn “La Sacra Famiglia”, “L'Adorazione dei Magi”, “La negazione dell'apostolo Perth”, “Il sacrificio di Isacco”, “Il ritorno del figliol prodigo”, “Cristo e la donna rapita nell'adulterio”.
4. Alexander Ivanov "L'apparizione di Cristo al popolo".
5. Andrey Rublev “Trinità”.
Guardare il “Video Dialogo con Dio”.
Durante le lezioni:
Organizzazione della classe.
Uh. iso. Ragazzi, oggi abbiamo preparato materiale straordinario per discutere e conoscere i veri valori umani.
Guardando le tele degli artisti, ascoltando poesia e musica, non sempre ti rendi conto che la Bibbia ti parla, che sono state le sue storie, la sua parola ad ispirare il pennello del pittore e la penna del poeta. E quando i tuoi anziani ti dicono cosa dovresti fare e cosa non dovresti fare ad un uomo onesto, poi a volte loro stessi non si rendono conto che i loro insegnamenti sono presi in prestito dalla Bibbia.
PC dell'UC: Per duemila anni il mondo intero è stato allevato con fiabe e leggende, canzoni e parabole.
La Bibbia ci è giunta attraverso i secoli. È stato bandito, ma è sopravvissuto. Ci sono voluti 18 secoli per compilare la Bibbia. Ci hanno lavorato più di 30 autori. 66 libri della Bibbia furono scritti in diverse lingue da persone vissute in tempi diversi.
Di quali parti è composta la Bibbia?
Uh. ISO: Per l'arte europea, per dipinti, mosaici, affreschi, temi biblici forniva materiale per la fantasia, per esprimere il proprio atteggiamento nei confronti del mondo attraverso le storie della Bibbia.
I temi biblici dominarono l'arte durante il Rinascimento nei secoli XVII e XVIII. Non hanno perso la loro rilevanza oggi.
Attraverso le storie bibliche nelle arti visive si possono esprimere vari sentimenti umani complessi. I grandi artisti del mondo riflettevano scene bibliche nei loro dipinti, educando così i loro contemporanei secondo le leggi della vita prese dai comandamenti dell'Onnipotente.
UC. computer : Conversazione. 10 Comandamenti
Uh. ISO: Uno dei dipinti più importanti del Rinascimento è il dipinto “La Madonna Sistina”, dipinto da Raffaello Santi. (1483 – 1520) nato
Alunno : Nel 1515 - 1519 Raffaello realizzò per la Chiesa di San Sisto a Piacenza l'immagine della Madonna col Bambino, detta “Madonna Sistina”.
Al centro della tela, la Vergine Maria sembra discendere dal cielo, portando in braccio Cristo bambino. San Papa Sisto le indica la strada e Santa Barbara si inginocchia con reverenza davanti a lei.
Sotto, due angeli, dimenticati dei loro giochi, guardano pensierosi. Non noti immediatamente che lo sfondo dell'immagine è in realtà costituito da molti volti: si tratta di una schiera di esseri celesti che guardano ciò che sta accadendo. E questo è ciò che accade: la Vergine Maria scende sulla terra per donare suo Figlio in sacrificio per gli uomini. C'è una lotta nella sua anima: capisce che senza questo sacrificio il mondo non può essere salvato, e allo stesso tempo non può separarsi dal suo amato figlio. L'artista lo ha espresso nel movimento delle sue mani: mano destra abbraccia a sé il Bambino, non volendo separarsi da lui, e con la mano sinistra sembra donarlo al mondo. Nelle sopracciglia leggermente alzate e negli occhi spalancati di Madonna c'è una sfumatura di ansia e l'espressione che appare in una persona quando il suo destino gli viene improvvisamente rivelato. L'espressione facciale del bambino non è infantilmente seria. Conosce anche il suo destino, sa chi è e perché è venuto al mondo. La Vergine Maria nel dipinto di Raffaello è l'incarnazione dell'amore materno, del sacrificio e della misericordia cristiana. Raffaello raggiunge incredibilmente il precario equilibrio tra il fisico e lo spirituale. La figura della Vergine Maria è leggera e pesante allo stesso tempo: ha la staticità di un'icona e allo stesso tempo va avanti, verso le persone.
La perfezione di un dipinto sta nella combinazione dei suoi meriti spirituali e artistici. Ciò lo rese uno dei capolavori più celebrati della pittura mondiale. È conservato a Dresda galleria d'arte in Germania.
Uh. iso: "Ultima cena"
Molti artisti si sono rivolti all'Ultima Cena. Leonardo da Vinci è un genio della mente umana. 1452 – 1519 creò il suo affresco su commissione del duca Louis Moreau, che governava Milano. L'affresco è raffigurato nel refettorio del monastero di Santa Maria delle Grazie.
Leonardo scelse il momento in cui Cristo dice ai suoi discepoli:
Alunno: “In verità vi dico, uno di voi mi tradirà...”
Alunno: “In Leonardo da Vinci, tutte le figure della composizione si trovano sulla stessa linea, di fronte allo spettatore. Cristo è raffigurato senza aureola, aureola, gli apostoli senza i loro attributi, che li caratterizzavano nei dipinti antichi. Esprimono la loro ansia emotiva attraverso il gioco dei loro volti e dei movimenti.
“L’Ultima Cena” è una delle più grandi creazioni di Leonardo, il cui destino si è rivelato molto tragico a causa della barbarie umana. L'intera composizione de “L'Ultima Cena” è permeata del movimento suscitato dalle parole di Cristo. Questa è la più alta intensità di sentimenti nelle relazioni umane. Gesù Cristo è il centro dell'intera composizione, il centro del vortice di passioni che infuriano intorno a lui. Il Cristo di Leonardo è l'ideale della bellezza umana, nulla in lui tradisce la divinità. Il suo viso inesprimibilmente tenero respira un profondo dolore, è grande e tragico, ma rimane umano.
Dal centro di GESÙ Cristo, il movimento si diffonde attraverso le figure degli apostoli in larghezza. Gli Undici Apostoli erano basati su persone comuni che Leonardo incontrò a Milano e dintorni. Il tipo di Cristo è sconosciuto. Il maestro stava cercando Giuda tra i criminali, ma quando il ministro della chiesa espresse insoddisfazione per il ritardo, il punto Leonardo invitò il prete a diventare un modello per scrivere Giuda.
L'affresco dell'Ultima Cena ha avuto un'enorme influenza sulla tecnica pittorica degli artisti delle generazioni successive.
Alunno: (Raccontare il vandalismo dell'affresco)
Uh. iso : Nella storia delle belle arti dei secoli passati, il geniale artista olandese Rembrandt Van Rijn, per quasi 100 anni, forse più di chiunque altro, è stato in grado di commuovere in modo profondo e rivelare in modo veritiero l'inesauribile ricchezza del mondo interiore dell'uomo. Nella sua creazione, gli eroi biblici servono come vivide personificazioni di meravigliose qualità umane. Lo si può vedere dai suoi dipinti “La Sacra Famiglia”.
Alunno: Nel corso degli anni '40 Rembrandt affrontò più volte il tema della sacra famiglia. Una delle migliori soluzioni a questo tema è il dipinto dell’Ermitage “La Sacra Famiglia” realizzato dall’artista nel 1645. Il tema gospel offre agli spettatori molte associazioni con la vita popolare quotidiana, contemporanea a Rembrandt. Il silenzio e la pace sono disturbati solo dai suoni familiari della vita domestica. Il legno che brucia scoppietta e si sente il suono silenzioso e monotono dell'ascia di un falegname. La stanza è avvolta nella penombra, la luce penetra dolcemente da varie fonti, scivolando tremante sul volto di Maria, illuminando la culla, conferendo all'immagine un tocco di spiritualità. Il bambino si mosse leggermente nel sonno e la donna, obbedendo a un sottile istinto materno, alzò lo sguardo dalla lettura. Lo solleva e guarda il bambino con preoccupazione. Lei è la vera sensibilità, la vera prontezza. In sostanza, la grande umanità e pienezza di sentimento del dipinto sono create da un solo sguardo.
La luminosa sublimità del momento catturato si riflette anche nel fatto che gli angeli scendono silenziosamente dalla madre e dal ragazzo.
Uh. iso : Una continuazione del tema è il dipinto di Rembrandt “L’Adorazione dei Magi”.
PC insegnante: sulla trama, sul contenuto.
Domande per gli studenti sul dipinto: Qual è il centro visivo principale? Di che colore è dipinta l'immagine?
Come utilizza l'artista l'effetto luce (silhouette)?
Uh. ISO: Rembrandt ha dedicato molti dei suoi capolavori a temi biblici. Vediamo "La negazione dell'apostolo Pietro". Questo è il momento in cui...
Uh. computer. (secondo la trama).
L'Apprendista (secondo la trama)
Uh. iso (composizione) “Il sacrificio di Isacco”.
Uh. iso : Abbiamo conosciuto lo stile di scrittura di Rembrandt e la struttura compositiva dei suoi dipinti. Per fare un confronto, guarda il dipinto di Bruegel “Processione al Calvario”. L'immagine di una folla di persone in cui l'evento principale è appena visibile. La figura, curva sotto il peso della croce del Salvatore, si perde quasi tra la moltitudine di persone.
Ma torniamo al dipinto di Rembrandt “La Deposizione dalla Croce”.
Uh. computer : della trama, quando hanno rimosso il corpo, dove l'hanno messo.
Alunno: Notte. Silenzio lamentoso. Una folla silenziosa di persone circondava l'enorme croce su cui Cristo fu crocifisso. Sono venuti sul Golgota per rendere l'ultimo omaggio al loro maestro. Alla fredda luce delle torce, viene deposto il suo corpo morto dalla croce. Uno degli uomini, salendo la scala, tira fuori i chiodi con cui Cristo è crocifisso sulla traversa; altri prendono tra le braccia il suo corpo scivolante; le donne preparano un letto per i resti stendendo a terra un panno grande e pesante. Tutto si svolge lentamente, in un rispettoso e triste silenzio. Le esperienze dei riuniti sono diverse: alcuni volti esprimono amara disperazione, altri esprimono coraggioso dolore, altri esprimono stupore, ma ciascuna delle persone presenti è profondamente intrisa del significato degli eventi. Il dolore del vecchio è illimitato. Ricevere Cristo morto. Lo tiene con notevole sforzo, ma con molta attenzione. Toccando con attenzione, in modo toccante la tua guancia al corpo senza vita. Maria è esausta dal dolore. Non riesce a reggersi in piedi, perde conoscenza, cade tra le braccia delle persone che la circondano con cura. Il suo viso emaciato era mortalmente pallido, le sue palpebre erano chiuse, la sua mano indebolita, tesa in avanti, si abbassava impotente. L'immagine affascina con profonda penetrazione e verità della vita.
Uh. ISO: La trama della grande tragedia umana non è meno plausibile. Dopo lunghi vagabondaggi in un mondo ostile e scomodo, il figliol prodigo si rivolge al padre abbandonato con una richiesta di perdono.
Studente: (parabola del figliol prodigo).
Alunno: Il dipinto “Il ritorno del figliol prodigo” raffigura un figlio pieno di vergogna e pentimento. È in ginocchio, cencioso, con la testa rasata da galeotto, indossa sandali logori, mostrando allo spettatore i suoi tacchi ruvidi. Per la prima volta in molti anni, sentendo il calore dell'affetto umano, si aggrappò a suo padre, nascose il viso nel petto, cercando di perdersi tra le braccia di suo padre. Il vecchio non esprime né sorpresa né ammirazione; ha perdonato suo figlio molto tempo fa e aspettava questo incontro da molto tempo. Mezzo cieco al tatto, chinò dolcemente la testa sul figlio, appoggiandogli le vecchie mani sulla schiena. Nello sguardo dei suoi occhi bassi si legge un silenzioso rimprovero e una dolorosa umiltà.
Ancora una volta Rembrandt incarna la sua idea secondo cui le dure prove del destino uniscono le persone. Al di sopra delle delusioni, degli insulti e della vanità ci sono l’amore, la fiducia e la comprensione reciproca. Tuttavia, in questo incontro c'è più dolore che gioia: il tragico errore del figlio ha lasciato un segno troppo profondo nella vita di entrambi. Non solo il figlio è distrutto, ma anche il padre. Basta prestare attenzione all'espressione del viso, alla testa tristemente chinata, alla figura curva, alle spalle senili cadenti per sentirlo.
Uh. iso : Molti artisti del XVII secolo raffigurarono il figliol prodigo durante una baldoria o davanti a un tavolo da gioco, alludendo alla futilità dei piaceri mondani. Ma nessuno è riuscito a vedere e incarnare il significato di questa parabola in un'immagine artistica così profondamente come ha fatto Rembrandt nella sua pittura. Per creare questo capolavoro, ha dovuto affrontare un lungo viaggio in cui ha perso i propri cari, fama, ricchezza e riconoscimento - e ha concluso la sua vita in povertà e oblio. Il suo ultima foto come se il risultato di pensieri saggi sul mondo e sulle persone.
Uh. computer : Ed ecco un'altra storia secondo il comandamento: "Non commettere adulterio". "Cristo e la donna colta in adulterio." L'autore del dipinto è Rembrandt.
Uh. ISO: sulla composizione di questa immagine...(i bambini possono essere coinvolti nella conversazione).
Uh. ISO: Nella diapositiva successiva vediamo il dipinto “L'apparizione di Cristo al popolo” dell'artista russo Alexander Ivanov.
Alunno: (sulla vita dell'artista).
Alunno: (sul dipinto “L'apparizione di Cristo al popolo”).
Uh. computer : Per secoli, le icone sono state gli unici oggetti di pittura nella Rus' e lo sono un genere separato nelle belle arti. La pittura di icone apparve nel X secolo, quando la Rus' adottò una nuova religione da Bisanzio: il cristianesimo.
Domanda per i bambini: - In che anno ha avuto luogo il Battesimo della Rus'? Quali dei venivano adorati prima dell'adozione del cristianesimo?
A questo punto, nella stessa Bisanzio, la pittura di icone era finalmente diventata rigorosamente legalizzata, riconosciuta come un sistema di immagine canonico.
Cos'è il “canone”?
Il culto dell'icona è diventato parte integrante della dottrina e del culto cristiano. Pertanto, la Rus' ha ricevuto l'icona come uno dei “fondamenti” della nuova religione.
Uh. iso : Raffigurando eventi della vita di Cristo, di Maria e degli apostoli, i pittori di icone hanno trovato motivi che toccavano l'anima di ogni persona e hanno cercato di esprimere la loro idea del bene e del male. Il pittore di icone nel suo lavoro non è riuscito a inventare una trama da solo, ma potrebbe aggiungere alcuni dettagli, cambiare relazioni di colore. I pittori di icone più famosi della Rus' sono: Teofane il greco, Dionisio, Andrei Cherny, Andrei Rublev. Consideriamo la famosa "Trinità" di Rublev, che è diventata, per così dire, un simbolo della nuova Rus'.
Uh. computer : C'è la "Trinità" e la "Trinità" dell'Antico Testamento scritte da Andrei Rublev. Andrei Rublev ha scritto "Trinità" sulla base della trama della "Trinità" dell'Antico Testamento, che raffigura Abramo, Sara, un servo che uccide un agnello, la loro casa, una montagna, una quercia mamvriana.
Alunno: (sulla “Trinità” dell'Antico Testamento).
Alunno: (sulla “Trinità” di Rublev).
Uh. iso : Nonostante il fatto che le storie bibliche parlino di giorni passati, gli artisti si rivolgono ad esse per riflettere la realtà contemporanea attraverso trame ben note.
Uh. PC: Siamo obbligati, dobbiamo conoscere tutti i comandamenti di Dio per vivere rettamente, essere più gentili, con pensieri puri nelle nostre anime e agire con le persone come vorresti che facessero lo stesso con te.
E ora, per riflettere, guarda il “Video Dialogo con Dio”.
Uh. iso : Ragazzi, stiamo finendo la nostra conferenza. Sei stato attivo, hai preparato bene i tuoi discorsi, grazie mille per questo e per la lezione in generale. E vorremmo sapere quale conclusione hanno tratto ognuno per se stesso, cosa qualità morali una persona deve avere.
(impara le risposte).
E ora, uscendo dalla lezione, disegna il tuo segno, scegliendo il colore che corrisponde questo momento il tuo umore (ci sono cerchi sul tavolo che indicano il tuo umore) e attaccalo alla lavagna.
Rosso: gioia, delizia;
Blu – depressione;
Verde: ho imparato molte cose nuove e interessanti.
Arrivederci!