“La sua arte puramente personale rifletteva il volto del secolo. In esso, come a fuoco, si riuniva tutto ciò che precedeva quel momento della cultura e tutto ciò che poi costituiva il “presente” (A. Benois).
Il vero nome dell'artista è Alessandro Mariano Di Vanni Di Amedeo Filipepi. È nato in una famiglia semplice: suo padre era un conciatore di pelli, ma è stato allevato dal fratello maggiore Antonio, che era un meraviglioso gioielliere. Per la sua rotondità venne soprannominato “Botticello” (botte), soprannome che trasmise a Sandro. Ma c'è un'opinione secondo cui Botticelli ha ricevuto questo soprannome per le caratteristiche della sua figura. Tuttavia, questo non ha nulla a che fare con il suo lavoro.
Sandro Botticelli (1445-1510)- famoso artista italiano del primo Rinascimento, rappresentante della scuola fiorentina. La prima cosa che attira la tua attenzione quando guardi i dipinti di Botticelli è la loro spiritualità e la loro colorazione sottile. Si ritiene che Botticelli abbia creato circa 50 dipinti.
Sandro studiò come tutti i bambini del suo tempo, per poi diventare apprendista nel laboratorio orafo del fratello Antonio. Ma non vi rimase a lungo e intorno al 1464 divenne apprendista Filippo Lippi, uno dei famosi artisti di quel tempo.
L'influenza di Filippo Lippi
L'opera di Filippo Lippi ha avuto una grandissima influenza su Botticelli e, osservando attentamente i dipinti di questi artisti, questa influenza è evidente. Ad esempio, un giro di tre quarti del viso, un motivo decorativo di drappeggi e mani, un debole per i dettagli e il lirismo delle immagini create. Ma la cosa principale è il colore. Sembra brillare dolcemente. Qui, per confronto, ci sono dipinti di F. Lippi e S. Botticelli.
F.Lippi. Altare del Noviziato. Uffizi (Firenze)
S. Botticelli “Madonna col Bambino e due angeli” (1465-1470)
Fatto interessante: prima Botticelli fu allievo di Lippi, poi il figlio di Lippi divenne allievo di Botticelli.
Gli artisti collaborarono fino al 1467, poi le loro strade si divisero: Filippo andò a Spoleto, Botticelli rimase a Firenze e vi aprì la sua bottega nel 1470.
Opere su temi religiosi e mitologici (primi lavori)
Botticelli era vicino alla corte Medici e circoli umanisti di Firenze. E questo era di grande importanza, perché... I Medici, una famiglia oligarchica, erano conosciuti come mecenati dei più importanti artisti e architetti del Rinascimento. Rappresentanti di questa famiglia dal XIII al XVIII secolo. divennero più volte signori di Firenze.
Dalle opere di S. Botticelli della seconda metà del XV secolo. Vorrei evidenziarne alcuni.
S. Botticelli. Dittico sulla storia di Giuditta
Giuditta- un personaggio dell'Antico Testamento, una vedova ebrea che salvò la sua città natale dall'invasione degli Assiri. Giuditta è considerata un simbolo della lotta degli ebrei contro i loro oppressori, un simbolo di patriottismo. Quando le truppe assire assediarono la sua città natale, si travestì e andò nell'accampamento nemico, dove attirò l'attenzione del comandante. Quando si addormentò, lei gli tagliò la testa con una spada affilata, passò con calma oltre i guerrieri addormentati e tornò nella sua città natale salvata.
Il dittico è composto da 2 dipinti: “Il ritorno di Giuditta” e “Il ritrovamento del corpo di Oloferne”.
È la scena del ritorno di Giuditta che Botticelli raffigura in questo dipinto.
S. Botticelli “Il ritorno di Giuditta” (1472-1473)
Judith è accompagnata dalla sua cameriera. La ragazza tiene in mano un'enorme spada, il suo volto è concentrato e triste, i suoi piedi sono nudi, cammina verso casa con passo deciso: l'ancella a malapena riesce a tenere il passo del suo passo veloce, tenendo con la mano il cesto in cui si trova la testa del re Oloferne.
Botticelli non mostra Giuditta come una ragazza bella e seducente (come l'hanno ritratta molti artisti), preferisce il momento eroico della vita di Giuditta.
S. Botticelli “San Sebastiano” (1474)
Sebastiano (Sebastiano)- Legionario romano, santo cristiano, venerato come martire. Era il capo della guardia pretoriana sotto gli imperatori Diocleziano e Massimiano. Professava segretamente il cristianesimo. Due dei suoi amici (i fratelli Marco e Markellino) furono condannati a morte per la loro fede in Cristo. I parenti e le mogli dei condannati li pregarono di rinunciare alla loro fede e di salvare le loro vite, e ad un certo punto Marco e Marcellino iniziarono a esitare, ma Sebastiano venne a sostenere i condannati; il suo discorso ispirò i fratelli e li convinse a rimanere fedeli al cristianesimo. Coloro che ascoltarono Sebastiano videro sette angeli e un Giovane, che benedissero Sebastiano e dissero: "Sarai sempre con me".
Sebastiano fu arrestato e interrogato, dopodiché l'imperatore Diocleziano ordinò che fosse portato fuori città, legato e trafitto con frecce. Pensandolo morto, i carnefici lo lasciarono disteso da solo, ma nessuno dei suoi organi vitali venne danneggiato dalle frecce, e le sue ferite, benché profonde, non furono mortali. Una vedova di nome Irina venne di notte a seppellirlo, ma scoprì che era vivo e lo portò fuori. Molti cristiani convinsero Sebastiano a fuggire da Roma, ma egli rifiutò e si presentò davanti all'imperatore con una nuova prova della sua fede. Per ordine di Diocleziano fu lapidato e il suo corpo fu gettato nella Grande Cloaca. Il santo apparve in sogno alla cristiana Lukina e le ordinò di prendere il suo corpo e seppellirlo nelle catacombe, e la donna adempì questo comando.
Nel dipinto di Botticelli Sebastiano è calmo, non ha paura della morte; sembra che le frecce trafitte nel suo corpo non infastidiscano affatto l'eroe. Ha portato avanti la sua fede con pazienza e umiltà attraverso tutte le sue sofferenze.
S. Botticelli “Adorazione dei Magi” (1475 ca.). Galleria degli Uffizi (Firenze)
Nell'immagine dei Magi, Botticelli raffigurò tre membri della famiglia Medici: Cosimo il Vecchio, inginocchiato davanti alla Vergine Maria, e i suoi figli Piero di Cosimo (il Mago inginocchiato in veste rossa al centro dell'immagine) e Giovanni di Cosimo accanto a lui. Quando il quadro fu dipinto, tutti e tre erano già morti; Firenze era governata dal nipote di Cosimo, Lorenzo de’ Medici. Nel dipinto è raffigurato anche lui insieme al fratello Giuliano.
L'autoritratto dello stesso Botticelli è realizzato sotto forma di un giovane biondo in una veste gialla sul bordo destro dell'immagine.
D. Vasari ha parlato di questo dipinto nel modo seguente: “È impossibile descrivere tutta la bellezza che Sandro ha messo nell'immagine delle teste girate nelle posizioni più diverse - a volte di fronte, a volte di profilo, a volte semigirate, a volte inchinato, o qualcos'altro." Altrimenti, è anche impossibile descrivere tutta la diversità nelle espressioni facciali dei giovani e dei vecchi con tutte le deviazioni da cui si può giudicare la perfezione della loro abilità, perché anche nel seguito di i tre re ha introdotto così tanti tratti distintivi che è facile capire chi serve l'uno e l'uno serve l'altro. Davvero quest’opera è un miracolo più grande, ed è stata portata a una tale perfezione nel colore, nel disegno e nella composizione che ogni artista ne rimane stupito fino ad oggi”.
In questo momento Botticelli dipinse meravigliosi ritratti.
S. Botticelli “Ritratto di ignoto con medaglia di Cosimo de’ Medici il Vecchio” (1475 ca.). Uffizi (Firenze)
Il quadro è dipinto su tavola di legno con tempera. Fu utilizzata una tecnica unica nel Rinascimento: nella tavola fu ricavata una nicchia rotonda nella quale fu inserita una pastilla, copia di una medaglia fusa in onore di Cosimo de' Medici intorno al 1465, modellata in gesso e ricoperta di vernice dorata.
L'innovazione dell'artista sta nel fatto di aver raffigurato il giovane quasi di fronte (prima si rappresentava il petto rigorosamente di profilo), con le braccia ben disegnate (prima non si faceva) e con un paesaggio sullo sfondo (prima il lo sfondo era neutro).
S. Botticelli “Ritratto di giovane donna” (1476-1480). Galleria di Berlino
Botticelli crea questo ritratto secondo i principi di F. Lippi, il suo maestro: ritorna a un profilo rigoroso con una silhouette elegante e una cornice rigida, nicchia o finestra. Il ritratto è idealizzato, vicino a un'immagine collettiva.
Chi era il modello? È difficile dare una risposta. E le ipotesi sono le seguenti: Simonetta Vespucci (amore segreto e modella di Botticelli e amante di Giuliano Medici); madre o moglie di Lorenzo de' Medici (il Magnifico).
A Roma (1481-1482)
A questo punto Botticelli era diventato un artista molto famoso non solo a Firenze, ma anche oltre i suoi confini. I suoi ordini erano molto numerosi. Anche papa Sisto IV, che costruì la cappella nel suo palazzo romano, volle che fosse dipinta da Sandro Botticelli. Nel 1481 Botticelli venne a Roma. Insieme al Ghirlandaio, al Rosselli e al Perugino, decorò con affreschi le pareti della cappella papale in Vaticano, detta Cappella Sistina. Otterrà fama mondiale dopo nel 1508-1512. il soffitto e la parete dell'altare saranno dipinti da Michelangelo.
Botticelli realizzò tre affreschi per la cappella: “La punizione di Cora, Dafne e Abirone”, “La tentazione di Cristo” e “La chiamata di Mosè”, oltre a 11 ritratti papali.
S. Botticelli “La tentazione di Cristo” (1482)
Nella parte superiore dell'affresco sono raffigurati tre episodi del Vangelo: la tentazione di Cristo. A sinistra, il diavolo, travestito da eremita, convince Gesù digiunante a trasformare le pietre in pane e soddisfare la sua fame. Al centro, il diavolo cerca di costringere Gesù a saltare dalla cima del Tempio di Gerusalemme per mettere alla prova la promessa di Dio di protezione angelica. A destra, il diavolo in cima alla montagna promette a Gesù ricchezze terrene e potere sul mondo se rifiuterà Dio e adorerà lui, il diavolo. Gesù scaccia il diavolo e gli angeli vengono a servire il Figlio di Dio.
In primo piano, un giovane guarito dalla lebbra si reca dal sommo sacerdote del Tempio per dichiarargli la sua purificazione. Nelle sue mani c'è una coppa sacrificale e un aspersore. Il sommo sacerdote simboleggia Mosè, che portò la legge, e il giovane rappresenta Gesù, che versò il suo sangue e diede la sua vita per il bene dell'umanità, e in seguito fu resuscitato.
Alcune figure in primo piano sono ritratti di contemporanei dell'autore.
Dipinti di Botticelli di temi secolari
L'opera più famosa e misteriosa di Botticelli è la “Primavera” (“Primavera”).
S. Botticelli “La Primavera” (1482). Galleria degli Uffizi (Firenze)
Il dipinto raffigura una radura in un aranceto, tutto cosparso di fiori. I fiori, secondo i botanici, sono riprodotti con accuratezza fotografica, ma tra questi non ci sono solo fiori primaverili, ma anche fiori estivi e persino invernali.
Tre personaggi del primo gruppo: il dio del vento dell'ovest Zefiro, insegue Clori, raffigurata nel momento della trasformazione in Flora - i fiori stanno già volando fuori dalla sua bocca; la stessa dea dei fiori, Flora, sparge rose con mano generosa.
Il gruppo centrale è formato unicamente da Venere, la dea dei giardini e dell'amore. Sopra Venere c'è Cupido, bendato, che punta una freccia al centro di Harita.
A sinistra di Venere c'è un gruppo di tre Harita che danzano tenendosi per mano.
L'ultimo gruppo è formato da Mercurio con i suoi attributi: elmo, sandali alati. Botticelli lo raffigurò come una guardia del giardino con una spada.
Tutti i personaggi toccano appena il suolo, sembrano galleggiare sopra di esso.
Ci sono molte interpretazioni del dipinto. Possono essere suddivisi in filosofici, mitologici, religiosi, storici ed esotici.
Intorno al 1485 Botticelli creò un altro famoso dipinto, “La nascita di Venere”.
S. Botticelli “Nascita di Venere” (1482). Uffizi (Firenze)
Si ritiene che la modella di Venere fosse Simonetta Vespucci.
L'immagine illustra il mito della nascita di Venere (greco: Afrodite. Leggi nell'articolo "Dei dell'Olimpo"). Una dea nuda nuota verso la riva nel guscio di una conchiglia, spinta dal vento. Sul lato sinistro del dipinto, Zefiro (il vento dell'ovest), tra le braccia della moglie Clori (Flora romana), soffia su una conchiglia, creando un vento carico di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle grazie.
La posa di Venere mostra chiaramente l'influenza della scultura greca classica. Le proporzioni del corpo si basano sul canone di armonia e bellezza.
L'opera di Sandro Botticelli si distingue per una speciale melodiosità della linea in ciascuno dei suoi dipinti, un senso di ritmo e armonia, ma sono particolarmente chiaramente espressi nella sua “Primavera” e “Nascita di Venere”. L'artista non ha mai utilizzato la tecnica dello stencil, quindi i suoi dipinti entusiasmano anche lo spettatore moderno.
Dipinti religiosi di S. Botticelli del 1480
Le opere religiose di Botticelli di questo periodo sono le più alte conquiste creative del pittore.
"Madonna Magnificata"(1481-1485) divenne famoso durante la vita dell'artista. Il dipinto raffigura l'Incoronazione della Madre di Dio da parte di due angeli nelle sembianze di giovani. Altri tre angeli tengono davanti a sé un libro aperto, nel quale Maria scrive una dossologia che inizia con le parole: Magnificat anima mea Dominum (“L'anima mia magnifica il Signore”). Sul grembo di Maria c'è il bambino Gesù e nella mano sinistra tiene una melagrana, simbolo della misericordia di Dio.
Opere tarde di Sandro Botticelli
Negli anni Novanta del Quattrocento l'artista si trovava in uno stato morale difficile. La morte di Lorenzo il Magnifico, la presa di Firenze da parte delle truppe francesi e le visioni apocalittiche di Savonarola, con le quali Botticelli simpatizzava, ebbero un forte impatto sulla sua coscienza. I suoi dipinti di questo periodo sono pieni di drammaticità, malinconia e disperazione ("Abbandonato", "Lutto di Cristo", "Calunnia", ecc.).
S. Botticelli “Abbandonato” (1495 circa). Roma, collezione Pallavicini
La giovane donna solitaria è raffigurata in grande dolore e confusione. Una figura accovacciata sullo sfondo di un muro bianco - e non c'è nient'altro in questa immagine straordinaria e strana, anche per Sandro. Chi è questa donna? Il suo viso potrebbe spiegarci qualcosa, ma il suo viso semplicemente non è visibile. Gli abiti indossati suggeriscono un viaggio lungo, solitario e senza speranza. Le magliette sono sparse sui gradini come cadaveri... “Abbandonato” ha così tanti significati che il suo vero significato è più ampio di qualsiasi trama specifica.
S. Botticelli “Compianto di Cristo” (1495)
Tre Marie e Giovanni il Teologo si inchinarono con dolore davanti al corpo senza vita di Cristo. Per tutto il giorno rimasero sulla croce, osservando il suo tormento e la sua morte. Giuseppe di Arimatea andò da Pilato e chiese il corpo di Gesù. Allora Pilato ordinò che il corpo fosse consegnato. Giuseppe è raffigurato con una corona di spine in mano. Prendendo il corpo, Joseph lo avvolse in un sudario pulito e lo depose nella sua nuova bara, che scolpì nella roccia - nella bara che Joseph, anticipando la propria morte, preparò per se stesso.
Botticelli ha posizionato tutte le figure molto vicine tra loro e ai bordi del quadro. Sembrano formare una croce e un'unità sul corpo di Cristo.
Giovanni il Teologo si aggrappò alla Vergine Maria, perché Cristo lasciò in eredità al suo amato discepolo di trattarla come una madre. Maria Maddalena abbraccia i piedi, e Maria, la madre di Giacomo il Giovane, capo di Cristo...
Botticelli morì il 17 maggio 1510. Fu sepolto nel cimitero della Chiesa di Ognissanti a Firenze.
L'opera di Botticelli incarna vividamente le caratteristiche della sublime poesia, raffinatezza, raffinatezza, spiritualità e bellezza. Questo è uno degli artisti più emotivi e lirici del Rinascimento.
Dipinti tardi di Sandro Botticelli
A Firenze in quel momento focoso, rivoluzionario
sermoni di fra Girolamo Savonarola. E mentre nelle piazze delle città
bruciarono le “vanità” (utensili preziosi, vesti e opere lussuose
arte su temi della mitologia pagana), i cuori si infiammarono
Fiorentini e divampò una rivoluzione, più spirituale che sociale,
colpendo innanzitutto quelle menti sensibilissime e sofisticate,
che fossero gli artefici dell'intellettualismo elitario del tempo di Lorenzo.
Rivalutazione dei valori, calo dell'interesse per la speculazione illusoria
costruzioni, un sincero bisogno di rinnovamento, un desiderio ancora
acquisire forti, veri fondamenti morali e spirituali erano segni
profonda discordia interna vissuta da molti fiorentini (in
compreso Botticelli) già negli ultimi anni di vita del Magnifico e
raggiungendo il suo culmine il 9 novembre 1494, nella festa del Salvatore e in quel giorno
cacciata dei Medici.
Lamento di Cristo. 1495 Milano. Museo Poldi
Pezzoli
Botticelli, che viveva sotto lo stesso tetto con il fratello Simone,
convinto "pianoni" (lett. "piagnucolone" - così venivano chiamati i seguaci
Savonarola), fu fortemente influenzato da Fra Girolamo, dal quale non poté fare a meno
lasciare un segno profondo nella sua pittura. Questo è eloquente
testimoniano due immagini d'altare "Compianto di Cristo" di Monaco
L'Antica Pinacoteca e il Museo Poldi Pezzoli a Milano. I dipinti sono datati
intorno al 1495 ed erano rispettivamente nella chiesa di San Paolino e
Santa Maria Maggiore.
Allinea="centro" border="0" altezza="600px;" larghezza="700px;">
Posizione nella bara. Sandro Botticell. 1495-1500
Monaco. Vecchia Pinikoteca.
I discorsi accusatori di fra Girolamo Savonarola non se ne sono andati
Botticelli indifferente; i temi religiosi divennero predominanti nella sua
arte. Nel 1489-1490 scrisse "L'Annunciazione" per
Monaci cistercensi (ora alla Galleria degli Uffizi).
Annunciazione. Sandro Botticelli.
Nel 1495 l'artista completò l'ultima delle sue opere per
I Medici, avendo scritto diverse opere per il lato della Villa del Trebbio
rami di questa famiglia, detta poi "dei Popolani". Nel 1501
l'artista ha creato "Mystical Christmas". Per la prima volta ha firmato il suo
dipingere e metterci una data.
"Natale mistico" Sandro Botticelli.
Al centro del dramma di Botticell, profondamente personale,
che ha lasciato un'impronta in tutta la sua arte: la polarità di due mondi. CON
Da un lato questa è la cultura umanistica che si è sviluppata attorno ai Medici
la cultura con i suoi motivi cavallereschi e pagani; con un altro -
lo spirito riformista e ascetico di Savonarola, per il quale il cristianesimo
determinato non solo la sua etica personale, ma anche i principi civili e
vita politica, affinché l’azione di questo “Cristo, il re
Fiorentino" (l'iscrizione che i seguaci del Savonarola vollero fare
sopra l'ingresso del Palazzo della Signoria) era per intero
l'opposto del governo magnifico e tirannico dei Medici.
Nei dipinti successivi di Botticelli non c'è più timida tristezza, ma
un grido di disperazione, come, ad esempio, nelle sue due Lamentazioni di Cristo (in
Milano e Monaco di Baviera), colmo di profondo dolore. Qui le linee delle figure sono simili
onde che si alzano senza pietà.
Nel quadro "Abbandonato"(Roma) vediamo
una figura femminile seduta sola sui gradini di pietra, con il cui dolore
Botticelli potrebbe identificarsi con il proprio dolore.
Il vero nome di Sandro Botticelli è Alessandro di Mariano Filipepi. È difficile nominare un artista rinascimentale il cui nome sarebbe più associato alla storia di Firenze. Nacque nella famiglia del conciatore Mariano Vanni Filipepi. Dopo la morte del padre, il capofamiglia divenne il fratello maggiore, un ricco uomo d'affari di borsa, soprannominato Botticelli (botte), questo soprannome gli rimase impresso sia per la sua eccessiva passione per il vino, sia per la sua obesità.
A quindici o sedici anni, un ragazzo dotato entra nella bottega del famoso Filippi Lippi. Dopo aver padroneggiato la tecnica dell'affresco, Alessandro Botticelli (il soprannome di suo fratello divenne una sorta di pseudonimo per l'artista) entrò nel laboratorio d'arte più famoso di Firenze, Andrea Verrocchio. Nel 1469, Sandro Botticelli fu presentato all'eminente statista della Repubblica fiorentina, Tomaso Soderini, che unì l'artista alla famiglia Medici.
Fin dalla giovinezza, la mancanza di privilegi forniti dalla ricchezza e dalla nobiltà ha insegnato a Sandro a fare affidamento solo sulla propria energia e talento in ogni cosa. Le strade di Firenze con la loro meravigliosa architettura e templi con statue e affreschi dei fondatori del Rinascimento, Giotto e Masaccio, divennero una vera scuola per la “testa scardinata” - il giovane Sandro.
Un pittore che cerca libertà e creatività non le trova nei tradizionali soggetti religiosi, ma dove è “sopraffatto dall’amore e dalla passione”. Appassionato e capace di compiacere, trova ben presto il suo ideale nell'immagine di un'adolescente che esplora con curiosità il mondo. Botticelli era considerato un cantante di raffinata femminilità. L'artista conferisce a tutte le sue Madonne, come sorelle, lo stesso volto pieno di sentimento, pensante, affascinante e irregolare.
L'artista fonde insieme le sue osservazioni della vita con impressioni di poesia antica e moderna. Grazie al genere mitologico, la pittura italiana diventa secolare e, uscendo dai muri delle chiese, entra nelle case come fonte quotidiana di piacere della bellezza.
Per la famiglia Medici Botticelli completò le sue commesse più famose e più grandi. Sandro non lasciò mai Firenze a lungo. Un'eccezione è il suo viaggio a Roma alla corte papale nel 1481-1482 per dipingere come parte di un gruppo di artisti nella biblioteca della Cappella Sistina. Tornato, continua a lavorare a Firenze. In questo momento furono scritte le sue opere più famose: Primavera, La nascita di Venere.
La crisi politica di Firenze, scoppiata dopo la morte di Lorenzo il Magnifico e l’ascesa al potere spirituale della città del predicatore militante Savonarola, non poteva che influenzare l’opera dell’artista. Avendo perso il suo appoggio morale nella famiglia Medici, persona profondamente religiosa e sospettosa, cadde in dipendenza spirituale da un esaltato predicatore religioso e intollerante. I motivi secolari sono quasi completamente scomparsi dall’opera del maestro. La bellezza e l'armonia del mondo, che tanto emozionavano l'artista, non toccavano più la sua immaginazione.
Le sue opere su temi religiosi sono aride e sovraccariche di dettagli, e il linguaggio artistico è diventato più arcaico. L'esecuzione di Savonarola nel 1498 provocò a Botticelli una profonda crisi mentale.
Negli ultimi anni della sua vita smise del tutto di scrivere, ritenendo questa attività peccaminosa e vana.
Simonetta era una delle donne più belle di Firenze. Era sposata, ma molti giovani di famiglie ricche sognavano la bellezza e le mostravano un'attenzione speciale. Il fratello del sovrano di Firenze, Lorenzo Medici, Giuliano, l'amava. Secondo indiscrezioni Simonetta avrebbe ricambiato il giovane bello e molto gentile. Il marito, il signor Vespucci, data la nobiltà e l'influenza della famiglia Medici, fu costretto a sopportare questa situazione. Ma il popolo fiorentino, grazie alla bellezza di Simonetta e alla sua sincerità, amava moltissimo la ragazza.
Una giovane donna sta in piedi, rivolta verso di noi di profilo, il suo volto ben visibile sullo sfondo del muro. La donna sta dritta e severa, con un pieno senso della propria dignità, e i suoi occhi guardano in lontananza con decisione e leggermente severa. A questo giovane fiorentino dagli occhi chiari non si può negare la bellezza, il fascino, il fascino. La curva del suo lungo collo e la linea morbida delle spalle inclinate affascinano con la loro femminilità.
Il destino è stato duro nei confronti di Simonetta: muore di una grave malattia nel fiore degli anni, all'età di 23 anni.
Il dipinto “Primavera” introduce lo spettatore in un giardino incantato e magico, dove gli eroi degli antichi miti sognano e danzano.
Tutte le idee sulle stagioni vengono spostate qui. Sui rami degli alberi ci sono grandi frutti arancioni. E accanto ai regali succosi dell'estate italiana, il primo verde della primavera. In questo giardino il tempo si è fermato per catturare in un attimo l'eterna bellezza della poesia, dell'amore, dell'armonia.
Nel mezzo di un prato fiorito si trova Venere, la dea dell'amore e della bellezza; qui viene presentata come una giovane ragazza elegante. La sua figura sottile e graziosamente curva si staglia come un punto luminoso sullo sfondo della massa oscura del cespuglio, e i rami piegati su di lei formano una linea semicircolare - una sorta di arco di trionfo creato in onore della regina di questa vacanza primaverile, che firma con un gesto di benedizione della mano. Cupido aleggia sopra Venere - un piccolo dio giocoso, ha una benda sugli occhi e, non vedendo nulla davanti a sé, lancia a caso una freccia infuocata nello spazio, progettata per accendere il cuore di qualcuno con amore. Alla destra di Venere danzano le sue compagne, le Tre Grazie, creature bionde in abiti bianchi trasparenti che non nascondono la forma dei loro corpi, ma la ammorbidiscono leggermente con pieghe stravaganti e vorticose.
Vicino alle grazie danzanti sta il messaggero degli dei, Mercurio; è facilmente riconoscibile dal suo tradizionale bastone caduceo, con il quale, secondo la mitologia, poteva fare generosamente doni alle persone, e dai suoi sandali alati, che gli davano la capacità di essere trasportato da un luogo all'altro alla velocità della luce. L'elmo del cavaliere viene messo sui suoi riccioli scuri, un mantello rosso viene gettato sulla spalla destra e sopra il mantello su una fionda c'è una spada con una lama affilata e una magnifica impugnatura. Guardando in alto, Mercurio solleva il caduceo sopra la testa. Cosa significa il suo gesto? Quale dono ha portato al regno della primavera? Forse disperde le nuvole con la sua bacchetta affinché nemmeno una goccia turbi il giardino incantato nella sua fioritura.
Dalle profondità della boscaglia, oltre gli alberi pendenti, vola il dio del vento Zefiro, incarnando il principio elementale della natura. Questa è una creatura insolita con pelle bluastra, ali e capelli blu, che indossa un mantello dello stesso colore. Sta inseguendo la giovane ninfa dei campi, Chloe. Guardando indietro verso il suo inseguitore, quasi cade in avanti, ma le mani del vento violento riescono ad afferrarla e trattenerla. Dal soffio di Zefiro compaiono fiori sulle labbra della ninfa; quando cadono si mescolano a quelli di cui è cosparsa Flora.
C'è una ghirlanda sulla testa della dea della fertilità, una ghirlanda di fiori sul collo, un ramo di rose al posto della cintura e tutti i suoi vestiti sono intrecciati con fiori colorati. Flora è l'unica tra tutti i personaggi che va dritta verso lo spettatore, sembra che ci guardi, ma non ci vede, è immersa in se stessa.
In questa premurosa composizione melodica, dove il fragile fascino del nuovo tipo di Botticelli risuona in modo diverso nelle immagini squisitamente trasparenti delle Grazie danzanti, Venere e Flora, l'artista offre a pensatori e governanti la sua versione di un ordine mondiale saggio ed equo, dove la bellezza e l'amore regna.
Dea della fertilità - Flora.
La primavera stessa!
Un'immagine straordinaria che crea un'atmosfera di sogno e leggera tristezza. L'artista ha raffigurato per la prima volta la dea nuda dell'amore e della bellezza Venere dell'antico mito. Una bellissima dea, nata dalla schiuma del mare, sotto i venti che soffiano, in piedi in un'enorme conchiglia, scivola lungo la superficie del mare fino alla riva. Una ninfa si affretta verso di lei, preparandosi a gettare sulle spalle della dea un velo ornato di fiori. Persa nei suoi pensieri, Venere sta con la testa chinata e la mano che sostiene i capelli che scorrono lungo il suo corpo. Il suo viso magro e spirituale è pieno di quella tristezza ultraterrena nascosta. Il mantello blu-lilla di Zefiro e i delicati fiori rosa, che cadono sotto i venti che soffiano, creano una combinazione di colori ricca e unica. L'artista gioca con il flusso sfuggente dei sentimenti nel quadro, fa sì che tutta la natura - il mare, gli alberi, i venti e l'aria - echeggi i contorni melodiosi del corpo e i ritmi contagiosi dei movimenti della sua dea dai capelli d'oro.
Attraverso il tempestoso Egeo, la culla fluttuò attraverso il grembo di Teti tra le acque spumeggianti.
Sorge la creazione di un orizzonte diverso, con un volto diverso dalle persone
In una posa adorabile, con l'aria animata, è una giovane vergine. Attrae
Marshmallow innamorato affonda sulla riva e i cieli si rallegrano del loro volo.
Direbbero: il vero mare è qui, e la conchiglia schiumata è come gli esseri viventi,
E puoi vedere che gli occhi della dea brillano; Davanti a lei con un sorriso c'è il cielo e la poesia.
Lì, vestita di bianco, Ora cammina lungo la riva, il vento scompiglia i loro capelli dorati.
Potevi vedere come è uscita dall'acqua, tenendole la mano destra
I suoi capelli, l'altro che gli copre il capezzolo, fiori ed erbe ai suoi piedi
La sabbia era ricoperta di fresca vegetazione.
(Dalla poesia "Giostra" di Angelo Poliziano)
Bella Venere
Botticelli interpreta il mito del formidabile dio della guerra Marte e della sua amante - la dea della bellezza Venere - nello spirito di un elegante idillio, che avrebbe dovuto piacere a Lorenzo il Magnifico, sovrano di Firenze, e al suo entourage.
Marte nudo, liberato dalla sua armatura e dalle sue armi, dorme, disteso su un mantello rosa e appoggiato al suo guscio. Appoggiata a un cuscino scarlatto, Venere si alza, fissando lo sguardo sul suo amante. Cespugli di mirto chiudono la scena a destra e a sinistra, sono visibili solo piccoli squarci di cielo tra le figure di piccoli satiri che giocano con le armi di Marte. Queste creature dai piedi caprini, con orecchie lunghe e affilate e piccole corna, si divertono intorno ai loro amanti. Uno si arrampicò nel guscio, l'altro indossò un elmo sovradimensionato, nel quale affondò la testa, e afferrò l'enorme lancia di Marte, aiutando il terzo satiro a trascinarla; il quarto pose all'orecchio di Marte una conchiglia dorata ritorta, come se gli sussurrasse sogni d'amore e ricordi di battaglie.
Venere possiede davvero il dio della guerra, è per lei che sono state lasciate le armi, che sono diventate inutili per Marte e si sono trasformate in un oggetto di divertimento per i piccoli satiri.
Venere qui è una donna amorevole, che custodisce il sonno del suo amante. La posa della dea è calma e, allo stesso tempo, c'è qualcosa di fragile nel suo piccolo viso pallido e nelle mani troppo sottili, e il suo sguardo è pieno di tristezza e tristezza quasi impercettibili. Venere incarna non tanto la gioia dell'amore quanto la sua ansia. Il caratteristico lirismo di Botticelli lo ha aiutato a creare un'immagine femminile poetica. Il movimento della dea emana una grazia sorprendente; è sdraiata, con la gamba nuda distesa, che fa capolino da sotto gli abiti trasparenti. L'abito bianco, rifinito con ricami dorati, enfatizza le proporzioni aggraziate del corpo snello e allungato e migliora l'impressione di purezza e sobrietà dell'aspetto della dea dell'amore.
La posizione di Marte indica un'ansia che non lo abbandona nemmeno nel sonno. La testa è fortemente respinta all'indietro. Su un viso energico, il gioco di luci e ombre mette in risalto la bocca semiaperta e una piega profonda e netta che attraversa la fronte.
Il dipinto è stato dipinto su una tavola di legno di 69 x 173,5 cm; potrebbe servire come decorazione per la testiera. È stato realizzato in onore del fidanzamento di uno dei rappresentanti della famiglia Vespucci.
Il dipinto è stato dipinto durante il periodo di punta del talento dell’artista. Il piccolo dipinto mostra di fronte un giovane con modesti abiti marroni e un berretto rosso. Per il ritratto italiano del XV secolo si trattò quasi di una rivoluzione: fino a quel momento chiunque ordinasse il proprio ritratto veniva raffigurato di profilo o, dalla seconda metà del secolo, di tre quarti. Dalla foto si affaccia un viso giovane, gradevole e aperto. Il giovane ha grandi occhi castani, un naso ben definito, labbra carnose e morbide. Bellissimi capelli ricci escono da sotto il berretto rosso, incorniciando il viso.
L'uso di tecniche miste (l'artista ha utilizzato sia tempera che colori ad olio) ha permesso di rendere i contorni più morbidi e le transizioni chiaro-scuro più sature di colore.
Botticelli, come tutti gli artisti del Rinascimento, dipinse molte volte la Madonna col Bambino, in una varietà di soggetti e pose. Ma si distinguono tutti per la loro speciale femminilità e morbidezza. Il bambino si aggrappò a sua madre con tenerezza. Va detto che, a differenza delle icone ortodosse, in cui le immagini sono realizzate in modo piatto, come a sottolineare l'incorporeità della Madre di Dio, nei dipinti dell'Europa occidentale le Madonne sembrano vive, molto terrene.
"Decameron" - dal greco "dieci" e "giorno". Questo è un libro composto dalle storie di un gruppo di giovani nobili fiorentini che fuggirono dalla peste per rifugiarsi in una villa di campagna. Stabilitisi in chiesa, raccontano dieci storie per dieci giorni per divertirsi nell'esilio forzato.
Sandro Botticelli, commissionato da Antonio Pacca per il matrimonio di suo figlio, dipinse una serie di dipinti basati su una storia del Decameron - "La storia di Nastagio degli Onesti".
La storia racconta come un giovane ricco e di buona famiglia, Nastagio, si innamorò di una ragazza ancora più di buona famiglia, purtroppo dotata di un carattere rissoso e di un orgoglio esorbitante. Per dimenticare l'orgogliosa donna, lascia la nativa Ravenna e si reca nella vicina città di Chiassi. Una volta, mentre camminava con un amico attraverso la foresta, sentì forti urla e il pianto di una donna. E poi ho visto con orrore come una bella ragazza nuda correva attraverso la foresta, e dietro di lei un cavaliere galoppava su un cavallo con una spada in mano, minacciando di morte la ragazza, e i cani stavano strappando la ragazza da entrambi i lati. ..
Nastagio si spaventò, ma, dispiaciuto per la ragazza, vinse la paura e si precipitò ad aiutarla e, afferrando tra le mani un ramo dell'albero, si avvicinò al cavaliere. Il cavaliere gridò: "Non disturbarmi, Nastagio! Lasciami fare quello che merita questa donna!" E ha detto che una volta, molto tempo fa, amava moltissimo questa ragazza, ma lei gli causava molto dolore, quindi a causa della sua crudeltà e arroganza si è ucciso. Ma lei non si pentì e presto morì. E poi quelli dall'alto hanno imposto loro la seguente punizione: lui la raggiunge costantemente, la uccide e le toglie il cuore, gettandolo ai cani. Dopo un po', lei striscia via come se nulla fosse successo e l'inseguimento ricomincia. E così ogni giorno, alla stessa ora. Oggi, venerdì, a quest'ora, la raggiunge sempre qui, gli altri giorni - in un altro posto.
Nastagio ci pensò su e capì come dare una lezione alla sua amata. Chiamò tutti i suoi parenti e amici in questa foresta, a quest'ora, venerdì prossimo, e ordinò che fossero apparecchiate e apparecchiate ricche tavolate. Quando arrivarono gli ospiti, piantò la sua amata fanciulla orgogliosa con il viso proprio dove doveva apparire la coppia infelice. E presto ci furono esclamazioni, pianti, e tutto si ripeté... Il cavaliere raccontò tutto agli invitati, come aveva già raccontato Nastagio. Gli ospiti hanno guardato l'esecuzione con stupore e orrore. E la ragazza di Nastagio ci ha pensato e ha capito che la stessa punizione poteva aspettarla. La paura improvvisamente diede origine all'amore per il giovane.
Subito dopo la crudele rappresentazione messa in scena da Nastagio, la ragazza inviò un avvocato con il suo consenso alle nozze. E vissero felici, in amore e armonia.
La composizione è a due cifre. L'Annunciazione è la storia più fantastica di tutte le storie del Vangelo. L'“Annunciazione” – la buona notizia – è per Maria inaspettata e favolosa, così come lo è l'apparizione stessa di un angelo alato davanti a lei. Sembra che ancora un momento, e Maria crollerà ai piedi dell'Arcangelo Gabriele, pronta a piangere anche lei. Il disegno delle figure raffigura una tensione violenta. Tutto ciò che accade ha il carattere di ansia, cupa disperazione. Il dipinto è stato creato durante l'ultimo periodo dell'opera di Botticelli, quando la sua città natale, Firenze, cadde in disgrazia tra i monaci, quando tutta l'Italia era minacciata di morte: tutto ciò gettava un tono cupo sul dipinto.
Attraverso una trama mitologica, Botticelli trasmette in questa immagine l'essenza delle qualità morali delle persone.
Il re Mida siede sul trono, due figure insidiose - Ignoranza e Sospetto - sussurrano sporche calunnie nelle sue orecchie d'asino. Mida ascolta con gli occhi chiusi e di fronte a lui c'è un brutto uomo vestito di nero: questa è Malizia, che guida sempre le azioni di Mida. Accanto a lei c'è Slander, una bellissima ragazza con l'apparenza di pura innocenza. E accanto a lei ci sono due bellissimi compagni costanti di Calunnia: Invidia e Menzogna. Intrecciano fiori e nastri tra i capelli della ragazza affinché la Calunnia sia sempre loro favorevole. La malizia è attratta da Mida dalla Calunnia, che era la favorita del re. Lei stessa, con tutte le sue forze, trascina la Vittima - un giovane sfortunato e seminudo - al tribunale. È facile capire quale sarà il giudizio.
A sinistra, da sole, ci sono altre due figure che qui non sono necessarie: il Pentimento - una vecchia in abiti scuri "funebri" e la Verità - nuda e che sa tutto. Rivolse lo sguardo a Dio e stese la mano verso l'alto.
I Magi sono uomini saggi che, avendo ascoltato la buona notizia della nascita del bambino Cristo, si precipitarono dalla Madre di Dio e dal suo grande figlio con doni e auguri di bontà e longanimità. L'intero spazio è pieno di uomini saggi - in abiti ricchi, con doni - tutti ansiosi di assistere al grande evento: la nascita del futuro Salvatore dell'umanità.
Qui il saggio si inginocchiò davanti alla Madre di Dio e baciò con reverenza l'orlo della veste del piccolo Gesù.
Davanti a noi c'è Giuliano Medici, fratello minore del sovrano di Firenze, Lorenzo il Magnifico. Era alto, snello, bello, agile e forte. Era appassionato di caccia, pesca, cavalli e amava giocare a scacchi. Naturalmente, non poteva eclissare suo fratello nel campo della politica, della diplomazia o della poesia. Ma Giuliano amava moltissimo Lorenzo. La famiglia sognava di nominare Giuliano cardinale, ma questo proposito non si realizzò.
Giuliano condusse uno stile di vita consono alle esigenze del tempo e alla posizione dei Medici. I fiorentini ricordarono a lungo il suo vestito di broccato d'argento, decorato con rubini e perle, quando si esibì in una di queste feste da giovane sedicenne.
Le ragazze più belle di Firenze si innamorarono di lui, ma Giuliano ne accompagnava ovunque solo una: Simonetta Vespucci. Sebbene la ragazza fosse sposata, ciò non le impedì di ricambiare l'affascinante Giuliano. L'amore di Giuliano per Simonetta fu glorificato nella poesia di Poliziano, e la loro morte prematura trasformò la loro relazione in una leggenda romantica.
Come Simonetta, Giuliano morì presto. Ma non per malattia, ma fu ucciso durante un attentato a Firenze da parte dei sostenitori del Papa, la famiglia Pazzi. Proprio nel duomo, tra la folla, durante la funzione, insidiosi assassini attaccarono i patrioti di Firenze, creando una fuga precipitosa. Naturalmente volevano prima di tutto uccidere Lorenzo, ma lui è riuscito a scappare, ma Giuliano è stato sfortunato, è stato ucciso da una mano malvagia e insidiosa.
Nel ritratto, l'artista ha creato un'immagine spiritualizzata di Giuliano Medici, segnata dalla tristezza e dalla rovina. La testa di un giovane dai capelli scuri è girata di profilo e si staglia sullo sfondo della finestra. Il volto del giovane è significativo e bello: una fronte alta e chiara, un naso sottile con una gobba, una bocca sensuale, un mento massiccio. Gli occhi sono coperti da un pesante semicerchio di palpebre, all'ombra del quale lo sguardo tremola appena. L'artista sottolinea il pallore del suo viso, la piega amara delle sue labbra, una leggera ruga che attraversa il ponte del naso: questo accresce l'impressione di tristezza nascosta. permeando l'aspetto di Giuliano. La semplicità della combinazione di colori, composta da rosso, marrone e blu-grigio, corrisponde alla sobrietà generale della composizione e dell'immagine stessa.
Sandro Botticelli (Alessandro Mariano Di Vanni Di Amedeo Filipepi) (1445-1510) - famoso artista italiano del primo Rinascimento.
Botticelli, soprannominato Sandro, nacque a Firenze nella famiglia di un conciatore di pelli. Fu allevato dal fratello maggiore Antonio, orafo soprannominato Botticello (botte), da cui questo soprannome passò a Sandro.
Dal 1465 al 1467 Botticelli lavorò come apprendista nella bottega di Fra Filippo Lippi. I suoi primi lavori sono vicini ai dipinti del suo insegnante, il cui lavoro è pieno di immagini delicate e liriche.
Nel 1470 Botticelli aprì la propria bottega, che si espanse con la crescita della popolarità dell'artista, vi entrarono gli studenti e nel 1472 si unì alla Gilda di San Pietro. Luca.
Nel 1474 Botticelli si reca a Pisa per esaminare gli affreschi del cimitero del Camposanto, dipinge l'affresco dell'Assunzione della Madonna nel Duomo di Pisa, che non fu completato (morì nel 1583).
Nello stesso anno realizza il San Sebastiano (1474, Berlino, Musei statali) per decorare il pilastro della navata centrale della chiesa di Santa Maria Maggiore a Firenze. La sofferenza del santo è più spirituale che fisica. Allo stesso tempo, Botticelli fornisce un'interpretazione anatomicamente accurata del corpo nudo.
"S. Sebastian"
Intorno al 1473
Legno, tempera 195 x 75 cm
Berlino. Galleria d'arte
Probabilmente originariamente collocato in Santa Maria Maggiore a Firenze
"Il ritorno di Giuditta"
1472-1473
Legno, tempera 31 x 24 cm
Firenze. Galleria degli Uffizi
Committente: Rudolfo Sirigatti, parte di dittico, cfr. "Ritrovamento di Oloferne decapitato", anch'esso conservato agli Uffizi.
Nel 1470-1471 Botticelli realizzò quattro dipinti sul tema “Adorazione dei Magi”, cfr. Galleria Nazionale, Londra e Uffizi, Firenze
Divenuto onore grazie a “Sant'Agostino”, Botticelli, su commissione della Bottega della seta, scrisse “Lo sposalizio della Madonna” con un coro di angeli per il monastero di San Marco (Firenze, Uffizi). Due famose composizioni accoppiate “La Storia di Giuditta” (Firenze, Uffizi), anch'esse tra le prime opere del maestro (circa 1470), illustrano il suo dono di narratore, la capacità di coniugare espressione e azione, rivelando l'essenza drammatica della trama. Rivelano anche un cambiamento già iniziato nel colore, che diventa più luminoso e saturo in contrasto con la tavolozza pallida di Filippo Lippi.
Intorno al 1475 l'artista dipinse per Gaspare di Zanobi “L'Adorazione dei Magi”, il suo primo vero capolavoro. Il cliente apparteneva ad una corporazione di cambiavalute ed era in stretti rapporti con la famiglia Medici, signori di fatto della città.
Forse fu Zanobi a introdurre l'artista alla corte medicea, tanto che alcuni personaggi dell'Adorazione dei Magi sono considerati ritratti di personaggi di questa famiglia. Il 26 aprile 1478, durante la congiura di Francesco Pazzi, Giuliano Medici fu ucciso nel duomo della città durante la messa. Suo fratello Lorenzo è riuscito a scappare. Per ordine di Lorenzo, molti dell'entourage di Pazzi furono immediatamente arrestati e impiccati alle finestre di Palazzo Vecchio. Per l'edificazione dei possibili ribelli, Botticelli fu incaricato di dipingere i ritratti dei congiurati sulle pareti del Palazzo.
Sebbene l’ordine fosse di natura così strana, contribuì notevolmente al successo dell’artista. Da quel momento in poi Botticelli cominciò a godere del mecenatismo dei Medici, soprattutto di Lorenzo Pierfrancesco, cugino di Lorenzo il Magnifico, il quale nel 1476, avendo ereditato un'ingente fortuna dal padre, acquistò una magnifica villa a Castello e affidò al maestro la la sua decorazione.
La seconda metà degli anni ’70 e ’80 fu il periodo di massimo splendore creativo dell’artista.
A Castello Botticelli dipinse i suoi due quadri più famosi: “Becna” e “Nascita di Venere”
"Primavera (Primavera)"
Intorno al 1485-1487
Legno, tempera 203 x 314 cm
Firenze. Galleria degli Uffizi
L'esatto disegno della "Primavera" di Botticelli (1482 circa) è sempre stato oggetto di un'infinità di ipotesi, anche se i personaggi qui sono abbastanza identificabili: a destra - Zefiro (il caldo vento dell'ovest) insegue la ninfa, la dea della fiori Flora sparge fiori su tutta la terra; a sinistra tre Grazie, giunte le mani, cominciano a danzare; Mercurio disperde le nubi con la sua verga alata; al centro dell'immagine - Venere e Cupido guardano cosa sta succedendo. Il sottile sottotesto simbolico nell'immagine è in parte leggibile: anche qui sullo sfondo ci sono gli aranci (simbolo del matrimonio), Flora è un'immagine della fioritura e della fruttificazione della natura, Mercurio è il dio del pianeta omonimo , visibili nel cielo nei mesi primaverili, le Grazie sono le ninfe dell'armonia, della bellezza e delle virtù femminili, Venere è la vera regina del mondo, la cui legge è l'amore stesso (Cupido scaglia frecce d'amore).
Forse il dipinto va interpretato alla luce della filosofia neoplatonica. In questo senso, Venere può essere vista come la personificazione del pensiero umanistico, che distingue l'amore sensuale (Zefiro che insegue con insistenza la ninfa) dall'amore spirituale, rappresentato dalle Grazie e da Mercurio.
"Nascita di Venere" 1484-1486
Firenze, Galleria degli Uffizi
La Nascita di Venere, insieme alla Primavera, a Pallade e al Centauro, furono commissionati da Botticelli Lorenzo Pierfrancesco de' Medici per la Villa Castello vicino a Firenze. Tutti e tre i dipinti sono di grande formato e sono innovativi nella storia della pittura, poiché per la prima volta un tema secolare è stato eseguito con la stessa dignità e scala rispettosa che in precedenza era stata assegnata solo alle opere su temi religiosi.
Bella, come un'antica statua in marmo dell'antica Grecia e con il volto della Madonna, la Venere di Botticelli è simbolo di bellezza ideale e spiritualizzata. Emerge dal mare e viene portata a riva su una grande conchiglia dal soffio di Zefiro e Cloe, mentre Ora, la personificazione della primavera, le si avvicina per avvolgerla in una coperta ricamata di fiori. Come notato da alcuni ricercatori, il rapporto tra le pose e i gesti della dea e di Ora ci rimanda all'iconografia del battesimo di Cristo di Giovanni Battista e conferisce alla trama mitologica un significato simbolico. Botticelli dimostra così di conoscere da vicino l'ambiente culturale della sua epoca e, in particolare, il neoplatonismo, che vedeva nei miti antichi una prefigurazione delle idee del cristianesimo. L'ipotesi più plausibile è che tutti e quattro i dipinti siano stati dipinti in occasione di un matrimonio. Sono le opere sopravvissute più notevoli di questo genere di pittura, che glorifica il matrimonio e le virtù legate alla nascita dell'amore nell'anima di una sposa immacolata e bella. Le stesse idee sono al centro di quattro composizioni che illustrano la storia di G. Boccaccio “Nastagio degli Onesti” (situate in diverse collezioni), e due affreschi (Louvre), dipinti intorno al 1486 in occasione del matrimonio del figlio di uno dei suoi più stretti collaboratori dei Medici.
Con una mano che copre leggermente il petto e l'altra sul seno, la posa di Venere ricorda l'antica statua di Venere Pudica (dal latino - modesto, casto, schivo), conosciuta anche come statua di Venere de' Medici ( Medicea), in quanto proveniente dalla collezione Medici. L’abito bianco di Ora, ninfa che qui personifica la primavera, il tempo della fioritura e del rinnovamento, è ricoperto di fiori vivi e ornato di gigli ricamati, con una cintura di rose, come quelle di Flora in “Primavera”; al collo porta una ghirlanda di mirto, dedicata a Venere e simbolo di amore eterno. A destra nella foto ci sono gli aranci in fiore (l'arancio è un simbolo dell'origine divina di Venere e il fiore del matrimonio). Nella foto, un altro attributo di Venere sono i fiori rosa pallido che volano nel vento: secondo il mito, le rose bianche furono arrossate dalle gocce del sangue della dea, che le ferì le gambe mentre cercava il suo amante morto Adone.
Sebbene il dipinto sia tradizionalmente chiamato “La nascita di Venere”, non mostra la nascita stessa. Secondo il mito greco Venere nacque dalla schiuma del mare, formata dalla caduta in mare dell'organo genitale di Urano, reciso da Zeus. Molto probabilmente, Botticelli si è ispirato qui alla poesia contemporanea di A. Poliziano “Danza per il torneo”, in cui si dice che Venere navigò verso la riva su una grande conchiglia.
Dettaglio Venere EUR
"Minerva e il Centauro"
Intorno al 1482-1483
Tempera su tela 207 x 148 cm
Firenze. Galleria degli Uffizi
"Venere e Marte"
Intorno al 1483
Legno, tempera 69 x 173,5 cm
Londra. galleria Nazionale
Il dipinto della "serie" mitologica di Botticelli - "Marte e Venere" (Londra, National Gallery) - potrebbe essere stato commissionato all'artista dalla famiglia Vespucci, vicina ai Medici, poiché proprio sullo spigolo destro sono visibili diverse vespe ("vespa" in italiano - vespa, lei - simbolo araldico della famiglia). La trama del trionfo dell'amore veniva spesso rappresentata nell'arte e tali dipinti venivano spesso regalati in occasione del fidanzamento. Mentre Marte riposa, i piccoli satiri giocano con le sue armi e la sua armatura: ora sono completamente al sicuro. Forse questo dipinto ornava anche la testata del letto matrimoniale o ornava la parete del cassone nuziale. Nell'immagine si vede anche un'allegoria: Venere (pensiero umanistico) ha un effetto benefico sui conflitti e sugli elementi incontrollabili, pacificando la natura aspra (Marte). Inoltre, secondo le visioni umanistiche, l'armonia nasce dall'unione di Venere e Marte: amore e lotta.
Affreschi della Cappella Sistina (1481-1482)
"Decorazione murale"
1481-82
affrescare
Cappella Sistina, Vaticano
Nel dipinto L'Adorazione dei Magi (1475-1478, Firenze, Galleria degli Uffizi), Botticelli, sotto le sembianze dei Magi e del loro seguito, raffigura rappresentanti della famiglia Medici e si mostra in primo piano.
"Adorazione dei Magi"
1481-1482
Legno, tempera 70,2 x 104,2 cm
Washington. Galleria Nazionale d'Arte
"Ritratto di Simoneta Vespucci"
Intorno al 1476-1480
47,5×35 cm
Legno, tempera
Berlino. Galleria d'arte
Identificazione controversa, lavoro svolto nella bottega di Botticelli
Negli anni Novanta del Quattrocento l'artista divenne sempre più pessimista. La morte di Lorenzo il Magnifico (1449-1492), la presa di Firenze da parte delle truppe francesi e le visioni apocalittiche di Savonarola (1452-1498), con cui Botticelli simpatizzava, tutto ciò produsse una rivoluzione nella sua coscienza.
Malinconia e disperazione si leggono nel dipinto Abbandonato (1495 circa, Roma, collezione Pallavicini), basato su un racconto biblico. Mostra una giovane donna sola in grande dolore e confusione.
Abbandonato
1495 g, tempera su tavola,
collezione privata, Roma (Coll.Pallavicini), Italia
Silenzio silenzioso... Forse un attimo fa, l'area davanti alle porte chiuse era piena di movimento. La giovane donna era impaziente e bussò al cancello chiuso. Mi sono precipitato su per le scale. Si stracciò i vestiti. Lei ha urlato. Ha chiamato qualcuno. Un silenzio minaccioso regnava vicino alle massicce mura, costruite con blocchi ciclopici. La disperazione ha vinto. La disperazione prese il sopravvento.
Che percorso terribile deve percorrere un artista per creare “Abandoned” diciassette anni dopo “Spring” - un inno alla gioia della vita. Davvero un simbolo del crollo del destino. Nella sua espressione, struttura compositiva, ritmo e colore, questo dipinto era quasi cinque secoli in anticipo rispetto alla sua epoca. Sembra che il dipinto sia un riflesso dello stato d’animo dell’artista. Le sue esperienze e pensieri. Riassumendo alcuni appunti vecchi di mezzo secolo. La confusione di Botticelli di fronte alla disperazione degli sforzi della sua vita in un momento difficile e tragico...
Il dramma è evidente anche in altri dipinti di Botticelli di questo periodo: Compianto (1495-1500, Monaco, Alte Pinakothek), Calunnia (1495 circa, Firenze, Galleria degli Uffizi), il cui soggetto era la storia dello scrittore romano del 2 ° secolo. AVANTI CRISTO.
"Lamento di Cristo"
1495,
tempera su tavola, 107 x 71 cm,
Museo Poldi Pezzoli, Milano
"Lamento di Cristo"
Circa 1500
Legno, tempera 140 x 207 cm
Monaco. Vecchia Pinacoteca
Dalla Chiesa di San Paolino a Firenze
"Calunnia"
Intorno al 1495
Legno, tempera 62 x 91 cm
Firenze. Galleria degli Uffizi
Diffamazione, 1495 Uffizi, Firenze
La trama è semplice e allegorica: il re Mida, seduto sul trono, viene sussurrato alle sue orecchie d'asino da due figure: immagini allegoriche dell'Ignoranza e del Sospetto. La calunnia - una bella ragazza dall'apparenza innocente - e la sua istigatrice l'invidia trascinano l'accusato dal re. Vicino alla Calunnia, i suoi compagni sono l'Astuzia e l'Inganno, che la sostengono ed esaltano. In lontananza, l'artista raffigura le figure del Pentimento: una vecchia vestita con abiti da lutto e la Verità nuda, che guarda in alto.
Nel 1496 dipinse San Francesco per la camera da letto del monastero di Santa Maria di Monticelli
San Francesco d'Assisi con angeli
intorno al 1475-1480
Galleria Nazionale di Londra
Nel 1492-1500 realizzò un ciclo di illustrazioni per la Divina Commedia di Dante, dove ad ogni canzone è dedicato un disegno. I disegni su grandi fogli di pergamena sono eseguiti con fine linearità (Berlino, Gabinetto delle Incisioni dei Musei Statali; Roma, Biblioteca Apostolica Vaticana).
Ritratto di Dante
1495 g, tempera, tela, 54,7 x 47,5 cm
collezione privata, Ginevra, Svizzera
Dante Alighieri (1265-1321) - Poeta italiano, creatore della lingua letteraria italiana, l'ultimo poeta del Medioevo e allo stesso tempo il primo poeta dei tempi moderni. L'apice dell'opera di Dante è il poema "La Divina Commedia" (1307-21, pubblicato nel 1472) in tre parti (INFERNO, PURGATORIO, PARADISO)
Botticelli realizza questo grandioso ciclo di illustrazioni dal 1492 al 1500. I disegni vengono realizzati con una puntina metallica su grandi fogli di pergamena. Ad ogni canzone è dedicato un disegno. Diversi disegni per “Paradise” non sono finiti, e per la canzone XXX1 “Purgatory” il maestro ha completato due versioni del disegno. La maggior parte delle illustrazioni che Botticelli realizzò per la Divina Commedia furono nascoste alla gente per molti secoli. E solo all'alba dell'attuale millennio furono raccolti e sistematizzati.
Illustrazioni per la Divina Commedia
INFERNO 
Artista: Sandro Botticelli
Illustrazione per La Divina Commedia (Inferno), 1480
Data di completamento: 1480
Stile: Primo Rinascimento
Genere: illustrazione
Tecnica: penna, ago metallico
Materiale: pergamena
Galleria: Biblioteca Apostolica Vaticana
Inferno, Canto XVIII, 1480
Paradiso, Canto VI, 1490
Purgatorio, 1490
Nel 1501 completò il lavoro sulla Natività (Londra, National Gallery) - l'unica opera datata e firmata dallo stesso Botticelli. Il film combina scene della “Natività” e dell’”Adorazione dei Magi”.
"Natale"
1500
Tempera su tela 108,5 x 75 cm
Londra. Galleria Nazionale.
Botticelli “si ritirò dal lavoro e col tempo invecchiò e si impoverì tanto che se non fosse stato ricordato mentre era ancora in vita da Lorenzo de' Medici, per il quale, tra tante altre cose, lavorò molto in un piccolo ospedale di Volterra, e dietro di lui i suoi amici, e tante persone facoltose, estimatrici del suo talento, avrebbe potuto morire di fame.
“Sandro non va al seguito di altri, ma, avendo unito in sé tanto ciò che era disperso, riflette con sorprendente completezza gli ideali del suo tempo. Non solo ci piace, ma ha anche avuto un grande successo tra i suoi contemporanei. La sua arte puramente personale rifletteva il volto del secolo. In esso, come in un punto focale, si riuniva tutto ciò che precedeva quel momento della cultura e tutto ciò che poi costituiva il “presente”.
OK. 1495 Botticelli. Museo Poldi Pezzoli, Milano
“Nella chiesa di Santa Maria Maggiore in Firenze, presso la Cappella Panciatica, è un eccellente Compianto di Cristo scritto da lui con figure piccole.”
Botticelli rivela sempre più il lato oscuro della vita. Visse sotto lo stesso tetto con il fratello Simone, convinto “pianoni” (letteralmente “piagnucolone” - i cosiddetti seguaci di Savonarola), e fu fortemente influenzato da Fra Girolamo, che non poteva non lasciare un segno profondo nella sua pittura .
Ciò si riflette nel suo appello ai soggetti religiosi e nella profondità ed espressione più drammatica dell’interpretazione che l’artista ne fa. Il sentimento della tragedia cresce nella sua anima, raggiungendo il suo culmine nella “Pietà” (questo termine italiano è usato per chiamare la trama “Lutto del Cristo morto”).
Ciò è dimostrato in modo eloquente da due immagini d’altare, “La Deposizione” della Pinacoteca di Monaco e “Il Compianto di Cristo”. L'artista vive il dramma cristiano principalmente come dolore umano, come dolore infinito per una vittima innocente che ha attraversato il percorso della sofferenza e della vergognosa esecuzione sulla croce. Questo sentimento travolge l’anima del maestro, e sebbene il tema del “Lamento” abbia un suo profondo significato dogmatico, è proprio questo sentimento che domina in entrambe le sue composizioni “Pietà”. Il potere dell'esperienza cattura ciascuno dei personaggi e li unisce in un insieme patetico. Il contenuto è trasmesso nel linguaggio della linea e del colore, che ormai aveva subito un netto cambiamento nel lavoro del maestro.
I dipinti risalgono al 1495 circa e si trovavano rispettivamente nelle chiese di San Paolino e Santa Maria Maggiore.