Icona sulla facciata della Galleria Tretyakov. Cinque icone bizantine per cui vale la pena andare alla Galleria Tretyakov. Vladimir Icona della Madre di Dio

12.06.2019

Fin dall’inizio della sua attività di collezionista, il fondatore del museo, P.M. Tretyakov, aveva intenzione di creare un “museo d’arte (popolare) accessibile al pubblico”, la cui collezione riflettesse il “movimento in avanti dell’arte russa”, in parole dello stesso Pavel Mikhailovich. Ha dedicato tutta la sua vita alla realizzazione di questo sogno.

Pavel Mikhailovich acquistò le prime icone nel 1890. La sua collezione consisteva di soli sessantadue monumenti, ma secondo lo scienziato e storico russo Nikolai Petrovich Likhachev (1862-1936), la collezione di P. M. Tretyakov era considerata “preziosa e istruttiva”.

A quel tempo, a Mosca e San Pietroburgo erano conosciuti collezionisti privati e collezionisti di icone: I.L. Silin, N.M. Postnikov, E.E. Egorov, S.A. Egorov e altri. Tretyakov ha acquisito icone da alcuni di loro. Secondo la giusta osservazione del famoso artista e scienziato d'arte, direttore della Galleria Tretyakov Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960), Tretyakov differiva dagli altri collezionisti in quanto "è stato il primo tra i collezionisti a selezionare le icone non in base ai loro soggetti, ma secondo il loro significato artistico e fu il primo ad ammettere apertamente la loro autentica e grande arte, lasciando in eredità di aggiungere la loro collezione di icone alla Galleria.”

Il Salvatore è al potere

La volontà fu soddisfatta nel 1904: le icone acquistate da P.M. Tretyakov, è stato incluso per la prima volta nella mostra della galleria. È stato organizzato da Ilya Semenovich Ostroukhov (1858-1929) - un artista, membro del Consiglio della Galleria, nonché un famoso collezionista di icone e dipinti (dopo la sua morte, nel 1929, la collezione entrò nella collezione della Galleria). Per allestire una nuova sala delle icone, invitò gli scienziati Nikodim Pavlovich Kondakov (1844-1925) e Nikolai Petrovich Likhachev, che svilupparono il concetto, furono in grado di sistematizzare e raggruppare scientificamente i monumenti per la prima volta e pubblicare un catalogo.

Pittore di icone sconosciuto, fine del XIV secolo Rito della Deesis ("Vysotsky")
1387-1395
Legno, tempera
148×93

Il nome e la datazione dell'ordine sono collegati agli eventi della vita del suo cliente, l'abate del monastero Serpukhov Vysotsky Afanasy il Vecchio.

L'ideatore di questa mostra è stato il famoso artista russo Viktor Mikhailovich Vasnetsov (1848-1926). Sulla base dei suoi schizzi, i laboratori di Abramtsevo realizzarono teche che imitavano le custodie per icone: in esse venivano presentate tutte le icone raccolte da Tretyakov. A quel tempo non esisteva una simile esposizione di icone in nessun museo d'arte russo. (Va notato che alcune icone furono esposte nel 1862 nel Museo Rumyantsev di Mosca e nel 1890 nel Museo Storico, ma le icone furono esposte allora come oggetti dell'antichità della chiesa e non come opere d'arte. Non furono restaurate, erano scuri, sporchi, con perdita dello strato pittorico).

Andrej Rublev
Il Salvatore è al potere
1408

È interessante notare che l'apertura della sala dell'antica pittura di icone russe nella Galleria ebbe luogo nei primi anni del XX secolo, il periodo in cui iniziarono i lavori di restauro in Russia, quando iniziò lo studio scientifico professionale dell'antica arte russa.

Nel 1918, nonostante i tragici eventi post-rivoluzionari, fu organizzata la “Commissione per la conservazione e la divulgazione dei monumenti della pittura antica in Russia”. Questa commissione era guidata dall'allora direttore della Galleria Tretyakov I.E. Grabar. La commissione ha iniziato a identificare sistematicamente i monumenti antichi e le attività di spedizione ed espositive.
Negli anni 1929-30, dopo il restauro delle mostre, per decisione dell'allora governo si decise di trasformare la Galleria Tretyakov, il più grande museo d'arte russa, in un centro per lo studio del patrimonio culturale del periodo antico della nostra storia . In quegli anni, il nostro museo ricevette molti monumenti dell'antica arte russa da varie fonti, compresi musei riformati e collezioni private. Queste ricevute costituivano sostanzialmente l'attuale collezione di arte antica russa conservata nella Galleria.

~~~~
“Immagine” in greco è icona. Nel tentativo di enfatizzare lo scopo e la natura della pittura nel mondo ortodosso bizantino, il termine “pittura di icone” viene spesso applicato ad essa nella sua interezza, e non solo alle icone stesse.
La pittura di icone ha avuto un ruolo importante nell'antica Rus', dove è diventata una delle principali forme d'arte. Le prime icone russe antiche avevano le tradizioni, come già accennato, della pittura di icone bizantine, ma molto presto in Russia sorsero centri distintivi e scuole di pittura di icone: Mosca, Pskov, Novgorod, Tver, principati della Russia centrale, “lettere settentrionali” , ecc. Apparvero anche i loro santi russi e le loro festività russe (Protezione della Vergine Maria, ecc.), che si riflettono chiaramente nella pittura di icone. Il linguaggio artistico dell'icona è da tempo comprensibile a chiunque nella Rus'; l'icona era un libro per gli analfabeti.
Tra le belle arti della Rus' di Kiev, il primo posto appartiene alla "pittura" monumentale. I maestri russi, ovviamente, adottarono il sistema di dipingere le chiese dei bizantini e l'arte popolare influenzò l'antica pittura russa. I dipinti della chiesa avrebbero dovuto trasmettere i principi fondamentali della dottrina cristiana e servire come una sorta di “vangelo” per gli analfabeti”. Per seguire rigorosamente il canone che vietava la pittura dal vero, i pittori di icone utilizzavano come campioni icone antiche o originali iconografici, esplicativi, che contenevano una descrizione verbale di ciascun soggetto iconografico ("Il profeta Daniele il Giovane ha i capelli ricci, S. George, con cappello, vestiti con sfumature azzurre, top cinabro", ecc.), o viso, ad es. illustrativo (il trotto è una rappresentazione grafica della trama).
~~~~

A metà degli anni '30 nella Galleria furono creati un dipartimento scientifico di arte antica russa e un laboratorio di restauro. È stata aperta una nuova mostra, in cui sono stati osservati i principi dell'esposizione storica e artistica dei monumenti, sono stati presentati i principali centri, fasi e direzioni della pittura di icone del XII-XVII secolo.
Numerose icone di valore, talvolta molto antiche, sono arrivate alla Galleria in seguito alle spedizioni nelle regioni centrali e settentrionali della Russia condotte dai dipendenti della Galleria negli anni '60 e '70.

Ora la collezione è composta da più di seimila unità di stoccaggio. Si tratta di icone, frammenti di affreschi e mosaici, sculture, piccole arti plastiche, oggetti d'arte applicata, copie di affreschi.

Nella Rus' pre-petrina, quasi tutta la pittura era di natura esclusivamente religiosa. E possiamo giustamente chiamare tutta la pittura iconografia. Tutto il desiderio di bellezza, la brama di bellezza, l'impulso e l'aspirazione all'altezza, al regno dello spirito verso Dio, hanno trovato la loro risoluzione nelle icone della chiesa. Nella maestria nel creare queste immagini sacre, i rappresentanti più talentuosi del talentuoso popolo russo hanno raggiunto vere e proprie vette di fama mondiale.

Pittore di icone sconosciuto, metà del XVI secolo
"Beato l'esercito del re celeste..." (Chiesa Militante)
Metà del XVI secolo
legno, tempera
143,5 x 395,5

L'icona è stata realizzata per la Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca, dove si trovava in una speciale teca vicino alla residenza reale. Il nome è preso in prestito dagli inni liturgici di Octoechos dedicati ai martiri. Il contenuto dell'icona riecheggia i canti dell'Octoechos e di altri libri liturgici, che glorificano i martiri che hanno sacrificato la loro vita per amore della vera fede e hanno ricevuto la beatitudine celeste come ricompensa. L'idea dell'icona è anche collegata a specifici eventi storici: la maggior parte dei ricercatori ritiene che sia stata eseguita in ricordo della cattura di Kazan da parte delle truppe russe nel 1551. Guidati dall'Arcangelo Michele su un cavallo alato, i guerrieri si muovono in tre file dalla città in fiamme (apparentemente si intende Kazan) alla Città Celeste incoronata da tende (Gerusalemme Celeste), in piedi sulla montagna. I vincitori vengono accolti dalla Madre di Dio e dal Cristo Bambino e dagli angeli con le corone che volano verso l'esercito.
A giudicare da numerose prove storiche, i contemporanei vedevano nella campagna di Kazan di Ivan il Terribile, piuttosto, una lotta per l'istituzione e la diffusione della fede ortodossa. Non è un caso che al centro dell'esercito l'icona raffigura San Costantino il Grande, uguale agli Apostoli, in abiti imperiali, con in mano una croce. Apparentemente, nell'immagine di Costantino sull'icona, lo stesso Ivan il Terribile avrebbe dovuto essere simbolicamente presente, percepito come il successore della sua opera. Il tema della diffusione e dell'affermazione della vera fede è stato ulteriormente enfatizzato dalla presenza sull'icona dei primi santi russi Vladimir, Boris e Gleb (sono raffigurati quasi immediatamente dopo Costantino). La natura multi-figura e narrativa della composizione, il formato insolito della tavola sono dovuti al fatto che, in sostanza, questa non è più un'immagine completamente iconografica, ma piuttosto un'allegoria storico-ecclesiastica che glorifica l'esercito e lo stato ortodossi vittoriosi , eseguito nelle forme tradizionali di scrittura di icone.
~~~~

Il periodo di massimo splendore della pittura di icone russa in quanto tale avvenne proprio nell'era pre-petrina. Esperto nel processo
Nel suo sviluppo, con diversi miglioramenti luminosi e sorprendenti nella forma e un'incarnazione magistrale dei compiti religiosi e teologici che devono affrontare, la pittura di icone russa dopo l'era di Pietro il Grande cadde in declino, continuamente degradata, trasformandosi infine in opere artigianali di artigiani. All'inizio del XX secolo, gli artisti di talento Nesterov, Vasnetsov e altri cercarono di far uscire la pittura di icone russa dalla posizione stagnante in cui si trovava, ma una serie di ragioni oggettive e soggettive non consentirono una vera rinascita di quest'arte sacra. si sono verificati e non hanno creato nulla che potesse stare in un posto accanto alle creazioni immortali della pittura spirituale della Russia pre-petrina.

Nei suoi stessi compiti, nel suo stesso scopo, la pittura di icone è fondamentalmente diversa dalla ritrattistica mondana apparentemente vicina e simile. Se un ritratto presuppone necessariamente l'esistenza di una certa natura, che l'artista riproduce fedelmente, cercando di non rifuggire dalla somiglianza del ritratto, allora il pittore di icone, il cui compito è riprodurre un'immagine sacra o qualche pensiero teologico specifico, vestito nei più incarnazione intelligibile per chi prega, può, secondo il suo talento, comprendendo, in una certa misura, eludere gli “originali iconografici” approvati dalla pratica ecclesiale e dare la propria soluzione al compito che lo ha affrontato.

Pittore di icone sconosciuto, inizi del XIII secolo Deesis: Salvatore, Madre di Dio, Giovanni Battista
Primo terzo del XIII secolo. Legno, tempera. 61 x 146

Da qui diventa chiara l'importanza che le antiche regole della chiesa attribuivano alla personalità e al comportamento del pittore di icone mentre lavorava sull'icona. Così, nella famosa raccolta di risoluzioni del Consiglio del 1551, conosciuta come “Stoglav”, si richiede che il pittore di icone sia “umile, mite, riverente; Visse nel digiuno e nella preghiera, mantenendo la purezza spirituale e fisica con ogni timore”. Nella stessa “Stoglava” ritroveremo una certa esigenza dell'indispensabile aderenza agli antichi “originali iconografici”, affinché le sacre immagini riproposte non rompano con le tradizioni consolidate fin dall'antichità e siano immediatamente familiari e comprensibili ad ogni fedele. .

L'icona raffigura la miracolosa trasfigurazione di Cristo sul monte Tabor davanti ai suoi discepoli: gli apostoli Pietro, Giacomo, Giovanni, l'apparizione dei profeti Elia e Mosè e la loro conversazione con Cristo. La composizione è complicata da scene dell'ascesa di Cristo con gli apostoli al monte Tabor e della loro discesa dalla montagna, nonché da immagini di profeti portati dagli angeli. L'icona può presumibilmente essere considerata opera di Teofane il Greco o della sua bottega.

Il principio fondamentale che risiede nell'opera del pittore di icone è la sincera ispirazione religiosa; l'artista sa di trovarsi di fronte al compito di creare per le masse dei credenti un'immagine, un'icona destinata alla preghiera.

Dalla Cattedrale dell'Annunciazione al Cremlino di Mosca, dove arrivò nel 1591 (?) dalla Cattedrale dell'Assunzione a Kolomna. Secondo una leggenda inaffidabile, l'icona fu presentata dai cosacchi del Don al principe Dmitry Ivanovich prima della battaglia di Kulikovo nel 1380 (prefazione al libro inserto del monastero di Donskoy, compilato nel 1692). Ivan il Terribile pregò davanti a lei il 3 luglio 1552, partendo per la sua campagna a Kazan, e nel 1598 il patriarca Giobbe le diede il nome del regno di Boris Godunov. Poiché le copie dell'icona della Madonna del Don sono associate a Mosca, è molto probabile che sia stata realizzata negli anni '90 del XIV secolo, quando Teofane si trasferì con la sua bottega da Novgorod e Nizhny Novgorod a Mosca. l'icona (dopo la preghiera dello zar Fyodor Ivanovich davanti ad essa) associata alla salvezza di Mosca dall'incursione dei tartari di Crimea da parte di Khan Kazy-Girey nel 1591. In ricordo di questo evento, a Mosca fu fondato il monastero Donskoy, per il quale è stata realizzata una copia esatta dell'originale. Una delle icone miracolose più venerate in Russia. Si riferisce alla tipologia iconografica “Tenerezza”.

La pittura di icone russa sviluppò il suo stile specifico e ben definito nel XIV secolo. Questa sarà la cosiddetta scuola di Novgorod. I ricercatori vedono qui una corrispondenza diretta con gli albori artistici di Bisanzio durante l'era dei Paleologi, i cui maestri lavorarono nella Rus'; uno di questi è il famoso Teofane il Greco, che dipinse tra il 1378 e il 1405. alcune cattedrali di Novgorod e Mosca, fu insegnante del brillante maestro russo dei secoli XIV-XV. Andrej Rublev.

Andrey Rublev.Trinità.

L’icona “Trinità” di Andrei Rublev entrò nella collezione della Galleria statale Tretyakov nel 1929. Proveniva dalla Riserva-Museo storico e artistico di Zagorsk, che ora è chiamato Museo Sergiev Posad. L’icona della “Trinità” di Rublev fu sdoganata tra i primissimi monumenti alla nascita dei lavori di restauro in Russia, durante l’Età dell’Argento. Ci sono ancora molti segreti noti ai maestri di oggi che non erano conosciuti; le icone venerate, soprattutto venerate, venivano coperte quasi ogni secolo, registrate di nuovo, coperte con un nuovo strato di vernice. Nel settore del restauro esiste un termine del genere: la divulgazione del primo strato dell'autore dagli strati pittorici successivi. L'icona della “Trinità” fu ripulita nel 1904, ma non appena l'icona ritornò nell'iconostasi della Cattedrale della Trinità, si oscurò di nuovo rapidamente e dovette essere riaperta. Ed è stato finalmente rivelato nella Galleria Tretyakov da Ivan Andreevich Baranov. Allora sapevano già che si trattava di Andrei Rublev, poiché gli inventari erano conservati, si sapeva che l'icona era stata commissionata dal successore di Sergio di Radonezh, Nikon di Radonezh, in lode dell'anziano Sergio. L'icona non può essere esposta alle mostre perché il suo stato di conservazione è piuttosto fragile.

La forza della “Trinità” di Rublev sta nelle sue aspirazioni nobili e umane. I suoi meravigliosi colori sono dolci e delicati. L'intera struttura del dipinto è altamente poetica e di una bellezza incantevole.

“Trinità” significa un numero infinito di cose, porta con sé un significato simbolico molto profondo, porta con sé l'esperienza e l'interpretazione di dogmi cristiani secolari, un'esperienza secolare di vita spirituale cristiana.
~~~~

Rublev e i suoi seguaci appartengono alla scuola di Mosca. La sua opera è il passo successivo rispetto a Teofane il Greco, le cui opere sono tipiche della scuola di Novgorod e della sua varietà, della più arcaica scuola di Pskov.

La scuola di Novgorod è caratterizzata da figure di santi grandi e massicce, con le grandi dimensioni delle icone stesse. Erano destinati a templi vasti e maestosi, generosamente eretti dalla ricca e pia popolazione del "signore del grande Novgorod". Il tono delle icone è rossastro, marrone scuro, bluastro. Il paesaggio - montagne a gradoni e l'architettura degli edifici - portici e colonne - sono in gran parte vicini alla vera natura del territorio di Alessandria e delle zone adiacenti, dove si sono svolti eventi della vita dei santi e dei martiri raffigurati sulle icone.

Pittore di icone sconosciuto, scuola di Novgorod
Patria con santi selezionati.
Inizio del XV secolo
legno, tempera
113×88

L'icona proviene dalla collezione privata di M.P. Botkin a San Pietroburgo. Questo è un tipo relativamente raro di immagine della Trinità nell'arte ortodossa, che rappresenta Dio Padre sotto forma di vecchio, Dio Figlio sotto forma di giovane o bambino e lo Spirito Santo sotto forma di colomba ( nell'arte russa questa è la più antica immagine di questo tipo giunta fino a noi). Sul trono c'è un vecchio vestito di bianco con l'aureola a forma di croce: con la mano destra benedice e con la sinistra tiene un cartiglio. In ginocchio c'è il giovane Cristo, che tiene tra le mani una sfera con una colomba. Sopra la parte posteriore del trono sono raffigurati simmetricamente due serafini a sei ali, e vicino ai piedi ci sono dei “troni” a forma di ruote rosse con occhi e ali. Ai lati del trono, sulle torri “pilastri”, ci sono gli stiliti Daniele e Simeone in vesti monastiche marroni. In basso a destra si trova il giovane apostolo (Tommaso o Filippo) con un cartiglio. Il vecchio vestito di bianco con l'aureola della croce rappresenta un tipo iconografico speciale basato sulla visione dell'Antico Testamento del profeta Daniele (Dan. 7).

Pittore di icone sconosciuto, XIV-inizi XV secolo
Nikola con la sua vita.
Fine XIV - inizio XV secolo
Legno, tempera
151×106

Secondo la leggenda, fu portato da Costantinopoli a Mosca nel XIV secolo dal metropolita Pimen e collocato nell'altare della Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca. Tali icone erano particolarmente apprezzate dai maestri russi. Hodegetria tradotto dal greco significa guida.

Anche il tipo di volti dei santi e della Madre di Dio non è russo: oblungo, “bizantizzato”. Questo dettaglio caratteristico più tardi, nella scuola di Mosca, assunse sempre più una connotazione slava, trasformandosi infine in volti rotondi tipicamente russi nelle opere del geniale “isografo reale” del XVII secolo Simon Ushakov e della sua scuola.

Proviene dalla chiesa dell'Arcangelo Michele a Ovchinniki a Zamoskvorechye. Ricevuto nel 1932 dal Museo Centrale dello Stato Russo.
Di conseguenza si può senza dubbio notare anche il concetto stesso di divinità e di santità che entrambe queste scuole hanno posto in essere.Sul retro c'è l'iscrizione: Nell'estate del 7160 (1652), questa icona fu copiata dal più icona miracolosa della Santissima Theotokos di Vladimir e su misura, e scrisse il pittore di icone sovrano Siman Fedorov. Concepito il 19 giugno (ulteriormente illeggibile).

La rigogliosa e brillante Bisanzio, la cui capitale Costantinopoli, secondo la testimonianza di tutti gli storici e memoriali, era la città più ricca del mondo, e i suoi imperatori si consideravano rappresentanti terreni di Dio Onnipotente, esigendo un culto quasi divino. Naturalmente, con l'aiuto delle icone hanno cercato di rafforzare la loro autorità e potere. I santi della scuola bizantina, per la maggior parte, sono proprio come i loro riflessi, che in seguito si trasferirono sui muri delle cattedrali e dei monasteri di Novgorod: severi, punitivi severi, maestosi. In questo senso saranno caratteristici gli stupefacenti affreschi di Teofane il Greco, che (tralasciando tutte le differenze di epoche e tecniche) somigliano involontariamente alle figure severamente inquiete degli affreschi romani di Michelangelo.

A metà del XVII secolo, il famoso “isografo reale” Simon Ushakov divenne famoso in Russia, personificando la nuova scuola di Mosca, riflettendo lo sfarzo e la ricchezza della vita della corte reale di Mosca e della nobiltà boiardo, che si era stabilizzata dopo il tempo di problemi e interventi stranieri.

Le opere di questo maestro si distinguono per le linee particolarmente morbide e arrotondate. Il maestro si sforza di esprimere non tanto e non solo la bellezza spirituale interiore, ma la bellezza esteriore e, diremmo addirittura, la “bellezza” delle sue immagini.

I ricercatori, non senza ragione, vedono nell'opera di questa scuola l'influenza occidentale e, prima di tutto, "maestri italianizzanti olandesi della seconda metà del XVI secolo".

Porte Reali
Metà del XV secolo

Se le opere di Ushakov e dei suoi compagni erano destinate principalmente alle chiese, allora il bisogno dei ricchi di una bella icona “misurata” per la preghiera domestica è stato soddisfatto dalla scuola Stroganov, i cui maestri più famosi: la famiglia Borozdin, Istoma Savin , Pervusha, Prokopiy Chirin, pienamente rappresentati nella galleria, nel loro credo artistico sono abbastanza vicini alla scuola di Ushakov. Non c'è da stupirsi che la maggior parte di loro abbia lavorato con grande successo a Mosca.

Pittore di icone sconosciuto del XII secolo. Il Salvatore non fatto da mano d'uomo. (a destra)
Seconda metà del XII secolo.Legno, tempera.77 x 71

L'icona portatile a doppia faccia si trovava nella Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca, dove molto probabilmente fu portata da Novgorod a metà del XVI secolo. Alcuni ricercatori ritengono che potrebbe essere stato eseguito per la Chiesa della Sacra Immagine in via Dobryninskaya a Novgorod (c'è notizia della cronaca della ristrutturazione di questo tempio nel 1191). La tradizione della chiesa ortodossa attribuisce la creazione dell'immagine originale non fatta da mani a Cristo stesso e considera questa icona come prova dell'Incarnazione, della venuta del Figlio di Dio nel mondo in forma umana. Lo scopo principale dell'Incarnazione era la salvezza umana, ottenuta attraverso un sacrificio espiatorio. L'immagine simbolica del sacrificio espiatorio del Salvatore è rappresentata da una composizione sul retro, che raffigura la Croce del Calvario, coronata da una corona, e gli arcangeli Michele e Gabriele, che portano gli strumenti delle passioni: una lancia, un bastone e un bastone. spugna. La croce è eretta sul Golgota con una grotta contenente il teschio di Adamo (questo dettaglio è preso in prestito dall'iconografia della Crocifissione), e sopra di essa si trovano serafini, cherubini e immagini allegoriche del Sole e della Luna.

Tabernacolo. Sono riuscita a scattare una foto. Ecco come appare. Il contenuto è impressionante!
Devi vedere!

La mostra “Capolavori di Bisanzio” è un grande e raro evento da non perdere. Per la prima volta un'intera collezione di icone bizantine fu portata a Mosca. Ciò è particolarmente prezioso perché non è così facile farsi un'idea seria della pittura di icone bizantine da diverse opere situate nel Museo Pushkin.

È noto che tutta l'antica pittura di icone russa deriva dalla tradizione bizantina e che molti artisti bizantini hanno lavorato in Rus'. Ci sono ancora controversie su molte icone pre-mongole su chi le abbia dipinte: pittori di icone greche che lavoravano nella Rus', o i loro talentuosi studenti russi. Molti sanno che contemporaneamente ad Andrei Rublev, il pittore di icone bizantino Teofane il Greco lavorava come suo collega più anziano e probabilmente insegnante. E lui, a quanto pare, non era affatto l'unico dei grandi artisti greci che lavorarono nella Rus' a cavallo tra il XIV e il XV secolo.

E quindi, per noi, l'icona bizantina è praticamente indistinguibile da quella russa. Sfortunatamente, fino alla metà del XV secolo la scienza non ha mai sviluppato criteri formali precisi per determinare la “russità” quando si parla di arte. Ma questa differenza esiste, e puoi vederla con i tuoi occhi alla mostra alla Galleria Tretyakov, perché diversi veri capolavori della pittura di icone greche ci sono arrivati dal “Museo Bizantino e Cristiano” di Atene e da alcune altre collezioni.

Vorrei ringraziare ancora una volta le persone che hanno organizzato questa mostra, e prima di tutto l'ideatrice e curatrice del progetto, la ricercatrice presso la Galleria Tretyakov Elena Mikhailovna Saenkova, la direttrice del dipartimento di arte antica russa Natalya Nikolaevna Sharedega, e il l'intero dipartimento di arte antica russa, che ha preso parte attiva alla preparazione di questa mostra unica.

Resurrezione di Lazzaro (XII secolo)

La prima icona sul display. Di piccole dimensioni, posto al centro della sala in una teca. L'icona fa parte di un tyabl (o epistilium) - una trave di legno dipinta o una grande tavola, che nella tradizione bizantina veniva posta sul soffitto delle barriere di marmo dell'altare. Queste cappelle furono la base della futura alta iconostasi, sorta a cavallo tra il XIV e il XV secolo.

Nel XII secolo, le 12 grandi festività (il cosiddetto Dodekaorton) venivano solitamente scritte sull'epistilio, e la Deesis era spesso posta al centro. L’icona che vediamo alla mostra è un frammento di tale epistilio con una scena della “Resurrezione di Lazzaro”. È importante sapere da dove viene questo epistilio: dal Monte Athos. Apparentemente, nel 19 ° secolo fu segato a pezzi, che finirono in posti completamente diversi. Negli ultimi anni, i ricercatori sono stati in grado di scoprirne diverse parti.

La resurrezione di Lazzaro. XII secolo. Legno, tempera. Museo Bizantino e Cristiano, Atene

La Resurrezione di Lazzaro si trova nel Museo Bizantino di Atene. Un'altra parte, con l'immagine della Trasfigurazione del Signore, è finita nell'Ermitage di Stato, la terza - con la scena dell'Ultima Cena - si trova nel monastero di Vatopedi sull'Athos.

L'icona, non essendo un'opera di Costantinopoli o metropolitana, dimostra il livello più alto raggiunto dalla pittura di icone bizantina nel XII secolo. A giudicare dallo stile, l'icona risale alla prima metà di questo secolo e, con un'alta probabilità, fu dipinta proprio sul Monte Athos per esigenze monastiche. Nella pittura non vediamo l'oro, che è sempre stato un materiale costoso.

Il tradizionale sfondo dorato di Bisanzio è qui sostituito dal rosso. In una situazione in cui il maestro non aveva l'oro a sua disposizione, usò un sostituto simbolico dell'oro: il colore rosso.

Ecco quindi uno dei primi esempi di icone bizantine a sfondo rosso: le origini di una tradizione che si sviluppò nella Rus' nei secoli XIII-XIV.

Madonna col Bambino (inizio XIII secolo)

Questa icona è interessante non solo per la sua decisione stilistica, che non si adatta perfettamente alla tradizione puramente bizantina. Si ritiene che l'icona sia stata dipinta a Cipro, ma forse un maestro italiano ha preso parte alla sua creazione. Stilisticamente è molto simile alle icone dell'Italia meridionale, che per secoli fu nell'orbita dell'influenza politica, culturale e religiosa di Bisanzio.

Tuttavia, non si può escludere nemmeno l'origine cipriota, perché all'inizio del XIII secolo a Cipro esistevano stili stilistici completamente diversi e accanto a quelli greci lavoravano anche maestri occidentali. È del tutto possibile che lo stile speciale di questa icona sia il risultato dell'interazione e di una peculiare influenza occidentale, che si esprime, prima di tutto, nella violazione della naturale plasticità della figura, che i Greci di solito non consentivano, e l'espressione deliberata del design, così come i dettagli decorativi.

L'iconografia di questa icona è curiosa. Il Bambino è mostrato con indosso una lunga camicia blu e bianca con larghe strisce che vanno dalle spalle ai bordi, mentre le gambe del Bambino sono nude. La lunga camicia è ricoperta da uno strano mantello, più simile a un drappeggio. Secondo l'autore dell'icona, davanti a noi c'è una specie di sudario, in cui è avvolto il corpo del Bambino.

Secondo me queste vesti hanno un significato simbolico e sono legate al tema del sacerdozio. Il Cristo Bambino è rappresentato anche come Sommo Sacerdote. A questa idea sono collegate le larghe strisce clave che vanno dalla spalla al bordo inferiore - un'importante caratteristica distintiva della cotta vescovile. L'accostamento delle vesti bianco-azzurre e dorate è apparentemente legato al tema delle coperture del trono dell'altare.

Come sapete, il Trono sia nella chiesa bizantina che in quella russa ha due coperture principali. L'indumento inferiore è un sudario, una copertura di lino, che è posta sul Trono, e sopra è steso il prezioso indio, spesso realizzato in tessuto prezioso, decorato con ricami d'oro, a simboleggiare la gloria celeste e la dignità reale. Nelle interpretazioni liturgiche bizantine, in particolare, nelle famose interpretazioni di Simeone di Salonicco dell'inizio del XV secolo, incontriamo proprio questa comprensione di due veli: la Sindone funebre e le vesti del Signore celeste.

Un altro dettaglio molto caratteristico di questa iconografia è che le gambe del Bambino sono nude fino alle ginocchia e la Madre di Dio gli preme il tallone destro con la mano. Questa enfasi sul tallone del Bambino è presente in numerose iconografie della Theotokos ed è associata al tema del Sacrificio e dell'Eucaristia. Vediamo qui un'eco con il tema del Salmo 23 e con la cosiddetta promessa edenica secondo cui il figlio della donna schiaccerà la testa del tentatore, e il tentatore stesso schiaccerà il calcagno di questo figlio (cfr Gen 3,15).

Pertanto, il tallone nudo è sia un'allusione al sacrificio di Cristo che alla prossima Salvezza - l'incarnazione dell'alta "dialettica" spirituale del noto inno pasquale "Calpestare la morte".

Icona in rilievo di San Giorgio (metà del XIII secolo)

Le icone in rilievo, insolite per noi, sono ben note a Bisanzio. A proposito, San Giorgio veniva spesso raffigurato in rilievo. Le icone bizantine erano fatte d'oro e d'argento, e ce n'erano parecchie (lo sappiamo dagli inventari dei monasteri bizantini giunti fino a noi). Molte di queste straordinarie icone sono sopravvissute e possono essere viste nel tesoro della Basilica di San Marco a Venezia, dove furono portate come bottino della Quarta Crociata.

Le icone in rilievo in legno sono un tentativo di sostituire i gioielli con materiali più economici. Ciò che mi ha attratto del legno è stata la possibilità della sensuale tangibilità di un'immagine scultorea. Sebbene la scultura come tecnica iconografica non fosse molto diffusa a Bisanzio, dobbiamo ricordare che le strade di Costantinopoli, prima della sua distruzione da parte dei crociati nel XIII secolo, erano fiancheggiate da statue antiche. E i bizantini avevano immagini scultoree, come si suol dire, "nel sangue".

L'icona a figura intera mostra San Giorgio in preghiera, che si rivolge a Cristo, come se volasse dal cielo, nell'angolo in alto a destra del centro di questa icona. A margine c'è un ciclo di vita dettagliato. Sopra l'immagine sono raffigurati due arcangeli che affiancano l'immagine non conservata del “Trono Preparato (Etymasia)”. Introduce nell'icona una dimensione temporale molto importante, ricordando l'imminente Seconda Venuta.

Cioè, non stiamo parlando del tempo reale, e nemmeno della dimensione storica dell'antica storia cristiana, ma del cosiddetto tempo iconico o liturgico, in cui passato, presente e futuro si intrecciano in un unico insieme.

In questa icona, come in molte altre icone della metà del XIII secolo, sono visibili alcune caratteristiche occidentali. Durante quest'epoca, la maggior parte dell'Impero bizantino fu occupata dai crociati. Si può presumere che la persona che ha ordinato l'icona potesse essere collegata a questo ambiente. Ciò è evidenziato dallo scudo di Giorgio, molto non bizantino e non greco, che ricorda molto gli scudi con gli stemmi dei cavalieri occidentali. I bordi dello scudo sono circondati da un peculiare ornamento, nel quale è facile riconoscere un'imitazione della scrittura araba cufica; in quest'epoca era particolarmente apprezzata ed era considerata un segno del sacro.

Nella parte inferiore sinistra, ai piedi di San Giorgio, è presente una statuina femminile in vesti ricche, ma molto rigorose, che cade in preghiera ai piedi del santo. Si tratta del cliente sconosciuto di questa icona, apparentemente lo stesso nome di una delle due sante donne raffigurate sul retro dell'icona (una è firmata con il nome "Marina", la seconda martire in abiti regali è un'immagine di Santa Maria. Caterina o Sant'Irene).

San Giorgio è il santo patrono dei guerrieri e, tenendo conto di ciò, si può supporre che l'icona commissionata da una moglie sconosciuta sia un'immagine votiva con una preghiera per il marito, che in questo momento molto turbolento sta combattendo da qualche parte e ha bisogno del il patrocinio più diretto del principale guerriero dal grado dei martiri.

Icona della Madre di Dio con Bambino e sul retro la Crocifissione (XIV secolo)

L'icona artisticamente più notevole di questa mostra è la grande icona della Madre di Dio con il Bambino con la Crocifissione sul retro. Questo è un capolavoro della pittura di Costantinopoli, molto probabilmente dipinto da un artista eccezionale, si potrebbe addirittura dire, un grande artista nella prima metà del XIV secolo, il periodo di massimo splendore del cosiddetto “Rinascimento paleologo”.

Durante quest'epoca apparvero i famosi mosaici e affreschi del Monastero di Chora a Costantinopoli, noto a molti con il nome turco Kahrie-Jami. Sfortunatamente, l'icona ha sofferto molto, apparentemente a causa di una distruzione deliberata: sono sopravvissuti letteralmente alcuni frammenti dell'immagine della Madre di Dio con il Bambino. Sfortunatamente, vediamo per lo più aggiunte tardive. La scena della crocifissione è molto meglio conservata. Ma anche qui qualcuno ha distrutto di proposito i volti.

Ma anche ciò che è sopravvissuto parla della mano di un artista eccezionale. E non solo un grande maestro, ma un uomo dal talento straordinario che si è posto obiettivi spirituali speciali.

Rimuove tutte le cose inutili dalla scena della Crocifissione, concentrando l'attenzione sulle tre figure principali, in cui, da un lato, si può leggere la base antica che non è mai scomparsa nell'arte bizantina: una straordinaria plasticità scultorea, che però si trasforma energia spirituale. Ad esempio, le figure della Madre di Dio e di Giovanni Evangelista sembrano scritte sul confine tra il reale e il soprannaturale, ma questa linea non viene oltrepassata.

La figura della Madre di Dio, avvolta in vesti, era dipinta in lapislazzuli, una vernice molto costosa che valeva letteralmente tanto oro quanto pesava. Lungo il bordo della maforia è presente una bordura dorata con lunghe nappe. L'interpretazione bizantina di questo dettaglio non è sopravvissuta. Tuttavia, in uno dei miei lavori ho suggerito che sia collegato anche all’idea del sacerdozio. Perché le stesse nappe lungo il bordo della veste, integrate anche da campanelli d'oro, erano una caratteristica importante delle vesti del sommo sacerdote dell'Antico Testamento nel tempio di Gerusalemme. L'artista ricorda con molta delicatezza questo legame interiore della Madre di Dio, che sacrifica suo Figlio, con il tema del sacerdozio.

Il monte Golgota è rappresentato come una piccola collina; dietro di essa è visibile la bassa cinta muraria di Gerusalemme, che su altre icone è molto più imponente. Ma qui l'artista sembra mostrare la scena della Crocifissione ad altezza d'uccello. E quindi, il muro di Gerusalemme appare in profondità, e tutta l'attenzione, a causa dell'angolazione scelta, si concentra sulla figura principale di Cristo e sulle figure incorniciate di Giovanni Evangelista e della Madre di Dio, creando l'immagine di un sublime azione spaziale.

La componente spaziale è di fondamentale importanza per comprendere il disegno dell'intera icona bifacciale, che solitamente è un'immagine processionale, percepita nello spazio e nel movimento. La combinazione di due immagini - la Madre di Dio Odigitria da un lato e la Crocifissione - ha il suo alto prototipo. Queste stesse due immagini erano su entrambi i lati del palladio bizantino: l'icona di Odigitria di Costantinopoli.

Molto probabilmente questa icona di origine sconosciuta riproduceva il tema di Odigitria di Costantinopoli. È possibile che ciò possa essere collegato all'azione miracolosa principale che accadeva ogni martedì a Odigitria di Costantinopoli, quando veniva portata sulla piazza di fronte al monastero di Odigon, e lì avveniva un miracolo settimanale: l'icona cominciò a volare dentro un cerchio nel quadrato e ruotare attorno al suo asse. Ne abbiamo prove da molte persone - rappresentanti di diverse nazioni: latini, spagnoli e russi, che hanno assistito a questa straordinaria azione.

I due lati dell'icona alla mostra di Mosca ci ricordano che i due lati dell'icona di Costantinopoli formavano una duplice unità indissolubile dell'Incarnazione e del Sacrificio Redentore.

Icona della Madonna Cardiotissa (XV secolo)

L'icona è stata scelta dagli ideatori della mostra come quella centrale. Ecco un caso raro per la tradizione bizantina in cui conosciamo il nome dell'artista. Ha firmato questa icona, sul margine inferiore è scritto in greco: "Mano di un angelo". Si tratta del famoso Angelos Akotantos, artista della prima metà del XV secolo, di cui rimane un numero abbastanza elevato di icone. Sappiamo di più su di lui che su altri maestri bizantini. Sono sopravvissuti numerosi documenti, compreso il suo testamento, che scrisse nel 1436. Non ebbe bisogno di testamento; morì molto più tardi, ma il documento fu conservato.

L'iscrizione greca sull'icona "Madre di Dio Kardiotissa" non è una caratteristica del tipo iconografico, ma piuttosto un epiteto - una caratteristica dell'immagine. Penso che anche chi non ha familiarità con l'iconografia bizantina possa intuire di cosa stiamo parlando: tutti conosciamo la parola cardiologia. Cardiotissa – cardiaco.

Icona della Madonna Cardiotissa (XV secolo)

Particolarmente interessante dal punto di vista iconografico è la posa del Bambino, che da un lato abbraccia la Madre di Dio e dall'altro sembra ribaltarsi all'indietro. E se la Madre di Dio ci guarda, allora il Bambino guarda il Cielo, come se fosse lontano da Lei. Una posa strana, che a volte nella tradizione russa veniva chiamata Salto. Cioè, sull'icona sembra esserci un bambino che gioca, ma gioca in modo piuttosto strano e molto diverso da quello di un bambino. È in questa posa del corpo capovolto che c'è un'indicazione, un accenno trasparente al tema della Discesa dalla Croce e, di conseguenza, alla sofferenza dell'Uomo-Dio al momento della Crocifissione.

Qui incontriamo il grande dramma bizantino, quando tragedia e trionfo si uniscono in uno, una vacanza: questo è allo stesso tempo il dolore più grande e allo stesso tempo una meravigliosa vittoria, la salvezza dell'umanità. Il Bambino che Gioca prevede il Suo prossimo sacrificio. E la Madre di Dio, soffrendo, accetta il piano divino.

Questa icona racchiude la profondità infinita della tradizione bizantina, ma se guardiamo da vicino, vedremo cambiamenti che porteranno molto presto a una nuova comprensione dell'icona. L'icona è stata dipinta a Creta, che a quel tempo apparteneva ai veneziani. Dopo la caduta di Costantinopoli divenne il centro principale della pittura di icone in tutto il mondo greco.

In questa icona dell'eccezionale maestro Angelos vediamo come egli sia sul punto di trasformare un'immagine unica in una sorta di cliché per le riproduzioni standard. Le immagini dei vuoti di luce stanno già diventando in qualche modo meccanicistiche; sembrano una griglia rigida posata su una base di plastica vivente, qualcosa che gli artisti del passato non hanno mai permesso.

Icona della Madonna Cardiotissa (XV secolo), frammento

Davanti a noi c'è un'immagine eccezionale, ma in un certo senso già borderline, che si trova al confine tra Bisanzio e post-Bisanzio, quando le immagini viventi si trasformano gradualmente in repliche fredde e alquanto senz'anima. Sappiamo cosa accadde a Creta meno di 50 anni dopo la pittura di questa icona. Sono giunti fino a noi i contratti tra i veneziani e i principali pittori di icone dell'isola. Secondo uno di questi contratti del 1499, tre laboratori di pittura di icone dovevano produrre 700 icone della Madre di Dio in 40 giorni. In generale, è chiaro che sta iniziando una sorta di industria artistica, il servizio spirituale attraverso la creazione di immagini sacre si sta trasformando in un mestiere per il mercato, per il quale vengono dipinte migliaia di icone.

La bellissima icona di Angelos Akotanthos rappresenta una sorprendente pietra miliare nel secolare processo di svalutazione dei valori bizantini, di cui siamo tutti eredi. Tanto più preziosa e importante diventa la conoscenza della vera Bisanzio, l'opportunità di vederla con i nostri occhi, che ci è stata fornita dall'unica “mostra di capolavori” nella Galleria Tretyakov.

Giornate di visite gratuite al museo

Ogni mercoledì l’ingresso alla mostra permanente “Arte del 20° secolo” e alle mostre temporanee a (Krymsky Val, 10) è gratuito per i visitatori senza visita guidata (ad eccezione della mostra “Ilya Repin” e del progetto “Avanguardia in tre dimensioni: Goncharova e Malevich”).

Il diritto di accesso gratuito alle mostre nell'edificio principale in Lavrushinsky Lane, nell'edificio dell'ingegneria, nella nuova Galleria Tretyakov, nella casa-museo di V.M. Vasnetsov, appartamento-museo di A.M. Vasnetsov è previsto nei seguenti giorni per alcune categorie di cittadini:

Prima e seconda domenica di ogni mese:

per gli studenti degli istituti di istruzione superiore della Federazione Russa, indipendentemente dal tipo di studio (compresi cittadini stranieri-studenti delle università russe, dottorandi, aggiunti, residenti, assistenti in tirocinio) su presentazione della tessera dello studente (non si applica alle persone che presentano carte dello studente “studente-tirocinante”);

per studenti di istituti di istruzione specializzata secondaria e secondaria (dai 18 anni) (cittadini della Russia e dei paesi della CSI). Gli studenti in possesso della tessera ISIC la prima e la seconda domenica di ogni mese hanno diritto all'ingresso gratuito alla mostra “Arte del XX secolo” presso la Nuova Galleria Tretyakov.

ogni sabato - per i membri di famiglie numerose (cittadini della Russia e dei paesi della CSI).

Si prega di notare che le condizioni per l'ingresso gratuito alle mostre temporanee possono variare. Controlla le pagine della mostra per maggiori informazioni.

Attenzione! Al botteghino della Galleria vengono forniti i biglietti d'ingresso del valore nominale “gratuito” (previa presentazione degli appositi documenti – per i visitatori sopra indicati). In questo caso, tutti i servizi della Galleria, compresi i servizi escursionistici, vengono pagati secondo la procedura stabilita.

Visitare il museo nei giorni festivi

Cari visitatori!

Si prega di prestare attenzione agli orari di apertura della Galleria Tretyakov nei giorni festivi. La visita è a pagamento.

Si prega di notare che l'ingresso con i biglietti elettronici avviene in base all'ordine di arrivo. Puoi familiarizzare con le regole per la restituzione dei biglietti elettronici su.

Congratulazioni per le prossime vacanze e vi aspettiamo nelle sale della Galleria Tretyakov!

Diritto a visite preferenziali La Galleria, salvo i casi previsti da separata ordinanza della Direzione della Galleria, viene fornita previa presentazione di documenti attestanti il diritto alle visite preferenziali a:

pensionati (cittadini della Russia e dei paesi della CSI),
titolari a pieno titolo dell'Ordine della Gloria,
studenti di istituti di istruzione specializzata secondaria e secondaria (dai 18 anni),
studenti di istituti di istruzione superiore della Russia, nonché studenti stranieri che studiano nelle università russe (ad eccezione degli studenti stagisti),
membri di famiglie numerose (cittadini della Russia e dei paesi della CSI).

I visitatori delle categorie di cittadini sopra indicate acquistano un biglietto scontato.

Visita gratuita, giusto Le mostre principali e temporanee della Galleria, salvo i casi previsti da separata ordinanza della direzione della Galleria, sono previste alle seguenti categorie di cittadini previa presentazione di documenti attestanti il diritto all'ingresso gratuito:

persone di età inferiore a 18 anni;
studenti delle facoltà specializzate nel campo delle belle arti presso istituti di istruzione secondaria specializzata e superiore in Russia, indipendentemente dalla forma di studio (così come studenti stranieri che studiano nelle università russe). La clausola non si applica a chi presenta la tessera dello studente “studente in tirocinio” (se sulla tessera dello studente non è presente l'indicazione della facoltà, dovrà essere presentato un certificato dell'istituto scolastico con l'indicazione obbligatoria della facoltà);
veterani e disabili della Grande Guerra Patriottica, combattenti, ex prigionieri minorenni dei campi di concentramento, ghetti e altri luoghi di detenzione forzata creati dai nazisti e dai loro alleati durante la Seconda Guerra Mondiale, cittadini illegalmente repressi e riabilitati (cittadini della Russia e dei paesi paesi della CSI);
coscritti della Federazione Russa;
Eroi dell'Unione Sovietica, Eroi della Federazione Russa, Cavalieri a pieno titolo dell'Ordine della Gloria (cittadini della Russia e dei paesi della CSI);
disabili dei gruppi I e II, partecipanti alla liquidazione delle conseguenze del disastro nella centrale nucleare di Chernobyl (cittadini della Russia e dei paesi della CSI);
un accompagnatore con disabilità del gruppo I (cittadini della Russia e dei paesi della CSI);
un bambino disabile accompagnatore (cittadini della Russia e dei paesi della CSI);
artisti, architetti, designer - membri delle pertinenti unioni creative della Russia e delle sue entità costitutive, critici d'arte - membri dell'Associazione dei critici d'arte della Russia e delle sue entità costitutive, membri e dipendenti dell'Accademia russa delle arti;
membri del Consiglio Internazionale dei Musei (ICOM);
dipendenti dei musei del sistema del Ministero della Cultura della Federazione Russa e dei competenti Dipartimenti della Cultura, dipendenti del Ministero della Cultura della Federazione Russa e dei ministeri della Cultura delle entità costituenti della Federazione Russa;
volontari del museo - ingresso alla mostra “Arte del 20° secolo” (Krymsky Val, 10) e all'Appartamento-Museo di A.M. Vasnetsova (cittadini russi);
guide-traduttori in possesso di una tessera di accreditamento dell'Associazione delle guide-traduttori e tour manager della Russia, compresi quelli che accompagnano un gruppo di turisti stranieri;
un insegnante di un istituto scolastico e uno accompagnatore di un gruppo di studenti degli istituti di istruzione secondaria e secondaria specializzata (con voucher o abbonamento per l'escursione); un insegnante di un istituto scolastico che ha l'accreditamento statale delle attività educative quando conduce una sessione di formazione concordata e ha un badge speciale (cittadini della Russia e dei paesi della CSI);
quello che accompagna un gruppo di studenti o un gruppo di coscritti (se dotati di pacchetto escursioni, abbonamento e durante un periodo di formazione) (cittadini russi).

I visitatori delle categorie di cittadini sopra indicate ricevono un biglietto d'ingresso “gratuito”.

Si prega di notare che le condizioni per l'ingresso scontato alle mostre temporanee possono variare. Controlla le pagine della mostra per maggiori informazioni.

La mostra “Capolavori di Bisanzio” è stata inaugurata alla Galleria Tretyakov. Ti diremo le cose principali che devi sapere per godertelo, comprese ottime notizie sull'acquisto dei biglietti.

COSA ABBIAMO PORTATO: 18 opere d'arte, di cui 12 icone.

Nonostante il numero piuttosto esiguo di opere (la mostra occupava solo una sala), il progetto giustifica pienamente il suo nome “Capolavori di Bisanzio”. Quasi ogni mostra qui è davvero un capolavoro. Innanzitutto è impressionante la loro antichità: qui possiamo vedere oggetti risalenti alla fine del X fino all'inizio del XVI secolo. In secondo luogo, sono tutti molto belli e, come si suol dire, eccellenti a livello artistico. Sopravvissuti alla caduta di Costantinopoli nel 1453 e al crollo dell'Impero bizantino, preservati con cura durante il dominio ottomano sulla Grecia e sulle vicine terre ortodosse, ora non sono solo oggetti di culto o opere di pittura, ma anche prove delle tragedie della storia.

Un tipico esempio è l'icona della Crocifissione del XIV secolo (con Odigitria sul retro), uno dei migliori esempi di arte bizantina dell'era paleologa. Scrittura elegante e delicata, gradevole alla vista l'armonia dell'oro e dell'azzurro - e allo stesso tempo i volti dei santi sono barbaramente distrutti.

DOVE: Il Museo Bizantino e Cristiano di Atene ha condiviso le sue mostre con Mosca.

Sfortunatamente, è noto solo agli intenditori e i turisti che vengono ad Atene per l'arte antica spesso se ne dimenticano. Tuttavia, questo è uno dei musei più interessanti della città. Fondato nel 1914, era originariamente situato in una piccola villa appartenuta alla moglie mondana di un ufficiale napoleonico, la duchessa di Piacenza. Entro la fine del XX secolo, il palazzo, che sorgeva al centro di un lussuoso parco, cessò chiaramente di ospitare tutte le vaste collezioni del Museo Bizantino. Per le Olimpiadi del 2004, il museo è stato aperto dopo la ricostruzione: tre piani sotterranei erano situati sotto i prati e le aiuole del parco, in profondità nel terreno, mentre il palazzo è rimasto intatto in superficie. Il colossale spazio sotterraneo è letteralmente pieno di arte sacra dei periodi bizantino e post-bizantino. E i suoi visitatori probabilmente non si accorgeranno che alcune cose sono volate a Mosca.

Tuttavia, l’assenza del famoso “San Giorgio” del XIII secolo dalla mostra permanente colpirà chiaramente gli occhi dei visitatori del museo di Atene. Questa insolita icona è realizzata utilizzando la tecnica del rilievo. Gli artisti ortodossi di solito non lo facevano, ma quest'opera fu creata durante le Crociate, sotto l'influenza dei maestri dell'Europa occidentale. Ma la cornice è familiare, canonica: realizzata con francobolli.

Un altro pezzo importante della mostra, tra l'altro, collocato dai curatori nel punto più spettacolare della sala è l'icona di grandi dimensioni “Nostra Signora Cardiotissa”. Questo epiteto è tradotto dal greco come “Affettuoso” ed è una variante dell'iconografia di “Glycophilus” (“Dolce bacio”). Guardando il capolavoro, capisci che questo canone di immagini ha ricevuto soprannomi così teneri per un motivo: il Bambino si allunga così affettuosamente verso la Madre, le preme la guancia così dolcemente, che quasi dimentichi che davanti a noi c'è un oggetto di culto e non uno schizzo dal vero. È stato conservato anche il nome del pittore di icone (questo non è molto comune nella Rus', ma i maestri greci spesso firmavano le loro opere). Angelos Akotantos visse e lavorò a Creta, che a quel tempo era sotto il dominio della Repubblica di Venezia. È considerato uno dei più importanti artisti greci del XV secolo.

Probabilmente, l'icona proviene dalle officine di Costantinopoli della fine del XIV e dell'inizio del XV secolo, che interesserà tutti i possessori del nome popolare "Marina" in Russia. Il fatto è che Santa Marina d'Antiochia è raffigurata abbastanza raramente nell'arte tradizionale ortodossa. L'icona tardo paleologa, in cui la santa appare vestita con una maforia rosso vivo e tiene in mano un crocifisso (simbolo del martirio), proviene dalla chiesa di San Gerasimo ad Argostoli sull'isola di Cefalonia ed è una delle più antiche immagini sopravvissute del grande martire.

ALTRI INCONTRI: Oltre a questo museo, alla mostra di Mosca hanno preso parte collezionisti privati greci. Capisci, vedere cose da tali collezioni è un'opportunità unica.

Dalla collezione di E. Velimesis - H. Margaritis proviene una piccola ma squisita icona “Giovanni Battista Angelo del deserto” del XVI secolo. Questa trama è familiare anche alla pittura di icone russa: Giovanni Battista è raffigurato con le ali, la sua testa mozzata giace su un piatto ai suoi piedi e dall'altro lato un'ascia è conficcata tra gli alberi. Tuttavia, la finezza e l'armonia della scrittura suggeriranno che questa bellezza proviene da quelle terre dove la tradizione della pittura di icone stabilita nei laboratori di pittura di icone bizantini non è scomparsa da secoli.

Dal Museo Benaki di Atene, fondato nel 1930 dal miliardario Emmanuel Benakis, proviene il pezzo più antico della mostra: una croce processionale d'argento creata alla fine del X secolo. Questo pezzo double-face presenta delicate incisioni di Cristo e santi. Oltre a Giovanni Crisostomo, Basilio Magno e altri santi popolari, sulla croce è raffigurato un raro santo: Sisinio. Dall'iscrizione sul manico si sa che era il santo patrono del cliente di questa croce.

POSTO: la mostra si trovava nell'edificio principale della Galleria Tretyakov nella stanza n. 38 (di solito appesa lì Malyavin e l'Unione degli artisti russi). I curatori della mostra sottolineano in particolare che nelle sale vicine si trova una mostra permanente di antica arte russa. E, dopo aver apprezzato la mostra di Atene, vale la pena fare due passi e vedere cosa stavano facendo contemporaneamente nell'angolo settentrionale delle terre ortodosse.

BIGLIETTI: non è necessario acquistare in anticipo. La mostra si svolge in una sala situata all'interno dell'esposizione permanente, e per accedervi basta acquistare un regolare biglietto d'ingresso al museo. Buone notizie per chi è stanco di essere assediato dal sito di vendita online dei biglietti per la mostra dei capolavori provenienti dal Vaticano nel vicino Palazzo dell'Ingegneria (recentemente prorogata fino al 1 marzo).