Volite li japansko slikarstvo? Koliko znate o poznatim japanskim umjetnicima? Razmotrimo s vama u ovom članku najviše poznati umetnici Japan koji su stvarali svoja djela u ukiyo-e (浮世絵) stilu. Ovaj stil slikarstva razvio se iz perioda Edo. Hijeroglifi koji se koriste za pisanje ovog stila 浮世絵 doslovno znače "slike (slike) svijeta koji se mijenja", možete pročitati više o ovom smjeru slikanja
Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Smatra se osnivačem ukiyo-e žanra, iako je, zapravo, tek prvi majstor o čijem su životu sačuvani biografski podaci. Moronobu je rođen u porodici majstora za bojenje tkanina i vezenje zlata i srebrne niti i dugo se bavi porodičnim zanatom, pa je posebnost njegovog rada lepo ukrašena odeća lepotica, koja daje divan umetnički efekat.
Nakon preseljenja u Edo, prvo je samostalno učio slikarske tehnike, a potom je studije nastavio umjetnik Kambun.
Do nas su uglavnom stigli Moronobuovi albumi u kojima on oslikava istorijske i književnih predmeta i knjige sa uzorcima kimona. Majstor je radio i u žanru šunge, a među pojedinačnim radovima sačuvano je nekoliko lijepih žena. 
(鳥居清長, 1752-1815). Priznat krajem 18. vijeka, majstor Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosio je pseudonim Torii Kiyonaga, koji je preuzeo naslijeđujući Torijevu ukiyo-e školu od Torii Kiyomitsua nakon njegove smrti.
Kiyonaga je rođen u porodici knjižara Shirakoya Ishibeija. Najveću slavu donio mu je žanr bidžinge, iako je počeo sa yakusha-e. Preuzete su teme za gravure u žanru bidžinga Svakodnevni život: šetnje, svečane procesije, izleti u prirodu. Među brojnim radovima umjetnika, serija „Takmičenja modnih ljepotica iz zabavnim kvartovima“, koji prikazuje Minami, jednu od “zabavnih četvrti” na jugu Edoa, “12 portreta južnjačkih ljepotica”, “10 vrsta čajdžinica”. Prepoznatljiva karakteristika Majstor je detaljno proučavao pogled na pozadinu i upotrebu tehnika koje su stigle sa Zapada za prikaz svjetlosti i prostora.
Kijonaga je stekao početnu slavu 1782. nastavkom serije „Modni uzorci: modeli novi kao prolećno lišće“, koju je Korjusai započeo 1770-ih za izdavača Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Na ovog izvanrednog ukiyo-e majstora značajno su utjecali Torii Kiyonaga i izdavač Tsutaya Juzaburo. Kao rezultat dugogodišnje saradnje sa ovim poslednjim, objavljeni su brojni albumi, knjige sa ilustracijama i serije gravura.
Uprkos činjenici da je Utamaro uzimao teme iz života jednostavnih zanatlija i nastojao da prikaže prirodu („Knjiga insekata“), slava mu je došla kao umetnik radova posvećenih gejšama iz četvrti Yoshiwara („Yoshiwara Green Houses Yearbook ”).
Utamaro je stigao visoki nivo u izražavanju mentalnih stanja na papiru. Po prvi put u japanskim drvorezima počeo je koristiti kompozicije poprsja.
Utamarova kreativnost je ta koja je utjecala Francuski impresionisti i doprinijelo evropskom interesovanju za japanske grafike.
(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusaijevo pravo ime je Tokitaro. Vjerovatno najpoznatiji ukiyo-e majstor širom svijeta. Tokom svoje karijere koristio je preko trideset pseudonima. Istoričari često koriste pseudonime za periodizaciju njegovog rada.
U početku je Hokusai radio kao rezbar, čiji je rad bio ograničen umjetnikovim namjerama. Ova činjenica je teško opteretila Hokusaija i on je počeo da traži sebe kao nezavisnog umetnika.
Godine 1778. postao je šegrt u studiju Katsukawa Shunsho, koji se specijalizirao za yakusha-e printeve. Hokusai je bio i talentovan i veoma marljiv student, koji je uvek pokazivao poštovanje prema učitelju, i stoga je uživao posebnu naklonost Šunšoa. Dakle, prvi samostalan rad Hokusai su bili u žanru yakusha-e u obliku diptiha i triptiha, a popularnost učenika bila je jednaka popularnosti učitelja. U to vrijeme, mladi majstor je već toliko razvio svoj talenat da se osjećao skučeno unutar jedne škole, a nakon smrti svog učitelja, Hokusai je napustio studio i proučavao smjerove drugih škola: Kano, Sotatsu (inače Koetsu), Rimpa, Toša.
U ovom periodu umjetnik doživljava značajna iskustva finansijske poteškoće. Ali u isto vrijeme dolazi do njegovog formiranja kao majstora, koji odbija uobičajenu sliku koju je društvo zahtijevalo i traži svoju sopstveni stil.
Godine 1795. svjetlo dana ugledale su ilustracije za poetsku antologiju “Keka Edo Murasaki”. Tada je Hokusai naslikao surimono slike, koje su odmah počele steći popularnost, a mnogi umjetnici su ih počeli oponašati.
Od tog perioda, Tokitaro počinje svoje radove potpisivati imenom Hokusai, iako su neka od njegovih djela objavljena pod pseudonimima Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
Godine 1800. majstor je sebe počeo zvati Gakejin Hokusai, što je značilo "Ludi Hokusai slikarstva".
Poznata serija ilustracija uključuje “36 pogleda na planinu Fudži”, od kojih su najznačajnije “Victory Wind”. Vedar dan" ili "Crveni Fuji" i " Veliki talas in Kanagawa”, “100 Views of Mount Fuji”, objavljen u tri albuma, “Hokusai’s Manga” (北斎漫画), koji se naziva “enciklopedijom japanskog naroda”. Umjetnik je u “Mangu” unio sve svoje poglede na kreativnost i filozofiju. "Manga" je najvažniji izvor za proučavanje života Japana u to vrijeme, jer uključuje mnoge kulturne aspekte. Za umjetnikovog života objavljeno je ukupno dvanaest brojeva, a nakon njegove smrti još tri:
* 1815. - II, III
* 1817. - VI, VII
* 1849 - XIII (nakon smrti umjetnika)
Hokusaijeva umjetnost je utjecala na to evropske destinacije, poput secesije i francuskog impresionizma.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). Koristio je pseudonime Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin i studirao u školi Kano.
Za razliku od Hokusaija, Kyosai je bio prilično drzak, što je izazvalo njegov razdor sa umjetnikom Tsuboyamom Tozanom. Nakon škole postaje samostalni majstor, iako je ponekad pohađao školu i po pet godina. U to vrijeme je slikao kyogu, takozvane "lude slike".
Među izuzetnim graviranim radovima je Sto slika Kyosaija. Kao ilustrator, Kyosai stvara slike za kratke priče i romane u suradnji s drugim umjetnicima.
Krajem 19. vijeka Evropljani su često posjećivali Japan. Umjetnik je bio upoznat s nekima od njih, a nekoliko njegovih radova danas se nalazi u Britanskom muzeju.
(歌川広重, 1797-1858). Radio je pod pseudonimom Ando Hiroshige (安藤広重) i poznat je po suptilnom prikazivanju prirodnih motiva i prirodne pojave. Svoju prvu sliku, „Mount Fuji u snijegu“, naslikao je sa deset godina, a sada se čuva u muzeju Suntory u Tokiju. Subjekti rani radovi bili zasnovani na stvarni događaji dešava na ulicama. Njegovi poznati ciklusi: “100 pogleda na Edo”, “36 pogleda na planinu Fudži”, “53 tokaido stanice”, “69 kimokaido stanica”, “100 poznate vrste Edo." Monet i ruski umetnik Bilibin su bili pod uticajem veliki uticaj“53 stanice Tokaido Road-a”, napisane nakon putovanja duž East Coast Road-a, kao i “100 pogleda na Edo”. Iz serije u kate-ga žanru od 25 gravura, najpoznatiji je list „Vrapci nad snijegom prekrivenom kamelijom“.
(歌川国貞, također poznat kao Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jedan od najistaknutijih ukiyo-e umjetnika.
plaćeno Posebna pažnja kabuki glumcima i samom pozorištu - ovo je oko 60% svih radova. Poznata su i djela u žanru bidžinga i portreti sumo rvača. Poznato je da je stvorio od 20 do 25 hiljada parcela, koje su uključivale 35-40 hiljada listova. Retko se okretao pejzažima i ratnicima. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798. - 1861.). Rođen u porodici farbača svile. Kuniyoshi je počeo da uči da crta sa deset godina dok je živeo u porodici umetnika Kuninao. Zatim je nastavio da uči kod Katsukawa Shun'eija, a sa 13 godina je ušao u radionicu Tokuyoni da uči. Prve godine mladi umetnik stvari ne idu dobro. Ali nakon što je od izdavača Kagaya Kichibeia dobio narudžbu za pet otisaka za seriju 108 Suikoden Heroes, stvari su krenule nabolje. On kreira ostale likove u seriji, a zatim prelazi na druge razne poslove, a petnaest godina kasnije stoji u rangu sa Utagawom Hiroshigeom i Utagawom Kunisadom.
Nakon zabrane slika iz 1842 pozorišne scene, glumci, gejše i kurtizane, Kuniyoshi piše svoju seriju "mačka", radi gravure iz edukativne serije za domaćice i djecu, prikazuje nacionalni heroji u seriji “Tradicije, moral i pristojnost”, a krajem 1840-ih - početkom 1850-ih, nakon ublažavanja zabrana, umjetnik se vratio temi kabukija.
(渓斎英泉, 1790-1848). Poznat po svojim radovima u žanru bidžinga. U njegovom najbolji radovi uključuje portrete tipa okubi-e ("velike glave"), koji se smatraju primjerima zanatstva iz ere Bunsei (1818-1830), kada je žanr ukiyo-e bio u opadanju. Umjetnik je naslikao mnogo lirskih i erotskih surimona, kao i ciklus pejzaža „Šezdeset devet stanica Kisokaida“, koje nije uspio dovršiti, a završio ga je Hirošige.
Novost u prikazu bidžinge leži u senzualnosti kakva do sada nije viđena kod drugih umjetnika. Iz njegovih radova možemo razumjeti modu tog vremena. Takođe je objavio biografije „Četrdeset i sedam Ronina” i napisao nekoliko drugih knjiga, uključujući „Istoriju Ukijo-e štampe” (Ukiyo-e ruiko), koja sadrži biografije umetnika. A u Bilješkama bezimenog starca opisao je sebe kao pokvarenog pijanca i bivšeg vlasnika javne kuće u Nedzuu, koja je izgorjela do temelja 1830-ih.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Pravo ime umjetnika je Hozumi Jirobei. On je pronalazač ukiyo-e polihromne štampe. Pohađao je školu Kano i studirao slikarstvo. Zatim, pod uticajem Shigenage Nišimure i Torii Kiyomitsua, štampanje na drvetu postaje njegov hobi. Od početka 18. veka rađene su grafike u dve ili tri boje, a Harunobu je počeo da slika u deset boja, koristeći tri ploče i kombinujući tri boje - žutu, plavu i crvenu.
isticao se na slici ulične scene i slike u žanru šunga. A od 1760-ih, bio je jedan od prvih koji je glumio Kabuki glumce. Njegovi radovi su uticali na E. Maneta i E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Njegovo pravo ime je Matao Ohara. Prikazane scene iz rusko-japanskog i kinesko-japanskog rata. Međutim, nakon što se fotografija pojavila, njegovi radovi počeli su se slabo prodavati, te je počeo zarađivati za život predavajući u školi likovne umjetnosti u Tokiju. Godine 1926. Ernest Felloza, kustos japanske umjetnosti u Bostonski muzej, ubedio je Ohara da se vrati slikarstvu, a umetnik je počeo da prikazuje ptice i cveće, a njegovi radovi su se dobro prodavali u inostranstvu. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Među ostalim umjetnicima isticao se po svojoj ekscentričnosti i načinu života, koji se sastojao od prijateljstva sa mnogim kulturnim i vjerske ličnosti tog vremena. Prikazivao je životinje, cvijeće i ptice u vrlo egzotična forma. Bio je veoma poznat i primao je narudžbine za oslikavanje paravana i hramskih slika.
(鳥居清信, 1664-1729). Jedan od najvažnijih predstavnika rani period ukiyo-e. Uprkos velikom uticaju svog učitelja Hišikave Monorobua, postao je osnivač yakusha-e žanra u prikazivanju postera i postera i izmislio sopstveni stil. Glumci su prikazani u posebnim pozama kao hrabri heroji i slikani 
plemenito narandžasta boja, a zlikovci su uvučeni plave boje. Da bi prikazao strast, umjetnik je izmislio poseban tip Mimizugaki crteži su vijugave linije s naizmjeničnim tankim i debelim potezima i u kombinaciji s grotesknom slikom mišića udova.
Torii Kiyonobu je osnivač Torii dinastije umjetnika. Njegovi učenici su bili Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I i Torii Kiyomitsu.
Ko je vaš omiljeni ukiyo-e umjetnik?
Japanski jezik se po svojoj strukturi razlikuje od bilo kojeg evropskog jezika, što može uzrokovati određene poteškoće u učenju. Međutim, ne brinite! Posebno za Vas ste razvili kurs „“, na koji se možete prijaviti odmah!
Zdravo, dragi čitaoci– tragači za znanjem i istinom!
Japanski umjetnici su drugačiji jedinstven stil, koje su brusile čitave generacije majstora. Danas ćemo govoriti o najistaknutijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovim slikama, od antičkih do modernih vremena.
Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.
Rođenje umjetnosti
Drevna slikarska umjetnost u Japanu prvenstveno je povezana s posebnostima pisanja i stoga je izgrađena na temeljima kaligrafije. Prvi uzorci uključuju fragmente bronzanih zvona, posuđa i kućnih predmeta pronađenih tokom iskopavanja. Mnogi od njih su obojeni prirodnim bojama, a istraživanja daju razloga vjerovati da su proizvodi napravljeni prije 300. godine prije Krista.
Novi krug razvoja umjetnosti započeo je dolaskom u Japan. Slike božanstava budističkog panteona, scene iz života Učitelja i njegovih sljedbenika nanesene su na emakimono - posebne papirne svitke.
Preovlađivanje religioznih tema u slikarstvu vidi se u srednjovekovnog Japana, naime, od X do XV vijeka. Imena umjetnika tog doba, nažalost, nisu preživjela do danas.
U periodu 15.-18. stoljeća počinje novo vrijeme koje karakterizira pojava umjetnika sa razvijenim individualni stil. Označili su vektor dalji razvoj vizualna umjetnost.
Svijetli predstavnici prošlosti
Napeti Xubun (početak 15. stoljeća)
Da bi postao izvanredan majstor, Xiubun je proučavao tehnike pisanja kineskih Song umjetnika i njihova djela. Potom je postao jedan od osnivača slikarstva u Japanu i tvorac sumi-ea.
Sumi-e – umetnički stil, koji se zasniva na crtanju tušem, što znači jednu boju.
Xubun je mnogo uradio novi stil ukorijenio se u umjetničkim krugovima, podučavao je umjetnosti i druge talente, uključujući buduće poznatih slikara, na primjer Sesshu.
Najviše popularno slikarstvo Syubuna se zove "Čitanje u gaju bambusa".
"Čitanje u gaju bambusa" Tense Xubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Postao je tvorac škole nazvane po sebi - Hasegawa. U početku je pokušavao slijediti kanone Kano škole, ali postepeno se u njegovim djelima počeo pratiti njegov individualni "rukopis". Tohaku je bio vođen Sesshu grafikom.
Osnova rada bila je jednostavna, koncizna, ali realističnim pejzažima sa jednostavnim imenima:
- "Borovi";
- "Javor";
- "Borovi i cvjetnice."
"Pines" Hasegawa Tohakua
Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Braća su bili vrsni zanatlije 18. veka. Najstariji, Ogata Korin, u potpunosti se posvetio slikarstvu i utemeljio žanr rimpa. Izbjegavao je stereotipne slike, preferirajući impresionistički žanr.
Ogata Korin slikala je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svijetlih apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slikama:
- "Cvijet šljive crveno-bijeli";
- "Talasi Matsushime";
- "Hrizanteme".
"Talasi Matsushima" Ogata Korin
Mlađi brat, Ogata Kenzan, imao je mnogo pseudonima. Iako se bavio slikarstvom, više je bio poznat kao divan keramičar.
Ogata Kenzan je savladao mnoge tehnike izrade keramike. Odlikovao ga je nestandardni pristup, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.
Njegovo vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je bila i njegova posebnost. Voleo je da primenjuje kaligrafiju poput svitka ili odlomke iz poezije na svoje predmete. Ponekad su radili zajedno sa svojim bratom.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Stvarao je u stilu ukiyo-e - svojevrsni drvorez, drugim riječima, graviranje. Tokom cijele svoje karijere promijenio je oko 30 imena. Poznati rad– “Veliki talas u Kanagavi”, zahvaljujući kojem je postao poznat i van domovine.
"Veliki talas od Kanagave" Hokusai Katsushika
Hokusai je posebno naporno počeo da radi nakon 60. godine, što je donelo dobro voće. Van Gogh, Monet, Renoir i in u određenoj mjeri uticalo je na rad evropskih majstora.
Ando Hirošige (1791-1858)
Jedan od najveći umetnici 19. vijek. Rođen je, živio i radio u Edou, nastavio Hokusaijev rad i bio inspirisan njegovim radovima. Način na koji je prikazao prirodu je gotovo jednako impresivan kao i broj samih djela.
Edo – bivše ime Tokyo.
Evo nekoliko figura o njegovom radu, koje su predstavljene nizom slika:
- 5,5 hiljada – broj svih gravura;
- “100 pogleda na Edo;
- "36 pogleda na Fudži";
- "69 stanica Kisokaida";
- "53 Tokaido stanice."
Slika Ando Hiroshige
Zanimljivo je da je eminentni Van Gogh naslikao nekoliko kopija svojih gravura.
Modernost
Takashi Murakami
Umetnik, vajar, dizajner odeće, stekao je ime već krajem 20. veka. U kreativnosti se pridržava modni trendovi sa klasičnim elementima, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtanih filmova.
Slika Takashi Murakamija
Radovi Takashi Murakamija smatraju se supkulturom, ali su u isto vrijeme nevjerovatno popularni. Na primjer, 2008. godine jedno njegovo djelo je kupljeno na aukciji za više od 15 miliona dolara. U moje vreme savremeni kreator radio zajedno sa modnim kućama Marc Jacobs i Louis Vuitton.
Tiha Ašima
Koleginica prethodnog umjetnika, stvara moderne nadrealne slike. Prikazuju poglede na gradove, ulice megalopolisa i stvorenja kao iz drugog svemira - duhove, zli duhovi, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često se može uočiti netaknuta, ponekad čak i zastrašujuća priroda.
Njene slike dostižu velike veličine i rijetko su ograničene na papirne medije. Prebacuju se na kožu i plastične materijale.
Godine 2006., u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila oko 20 lučnih struktura koje su danonoćno odražavale ljepotu prirode sela i grada. Jedan od njih je ukrasio metro stanicu.
Hej Arakawa
Mladić se ne može nazvati samo umjetnikom u klasičnom smislu te riječi – on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi su istinski japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, kao i rada cijelog tima.
Hei Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, na primjer u Veneciji, i izlaže u muzeju savremena umetnost u svojoj domovini, zasluženo prima razne nagrade.
Ikenaga Yasunari
Savremeni slikar Ikenaga Yasunari uspeo je da spoji dve naizgled nespojive stvari: živote modernih devojaka u portretnoj formi i tradicionalne tehnike Japan dolazi iz antičkih vremena. U svom radu slikar koristi posebne kistove, prirodne pigmentirane boje, tuš i ugalj. Umjesto uobičajenog lana - lanena tkanina.
Slika Ikenage Yasunarija
Slična tehnika kontrastiranja prikazanog doba i izgled Heroine odaju utisak da su nam se vratile iz prošlosti.
Popularno u U poslednje vreme u online zajednici, seriju slika o složenosti života krokodila napravio je i japanski karikaturist Keigo.
Zaključak
dakle, japansko slikarstvo nastao oko 3. veka pre nove ere, i od tada se dosta promenio. Prve slike su primijenjene na keramiku, zatim su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.
U modernoj eri, majstori četkice su nabavili sve velika individualnost, kreirano različitim pravcima, škole. Današnja likovna umjetnost nije ograničena na tradicionalno slikarstvo– koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture i posebne strukture.
Hvala vam puno na pažnji, dragi čitaoci! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, te priče o životu i stvaralaštvu najsjajniji predstavnici umjetnost nam je omogućila da ih bolje upoznamo.
Naravno, teško je u jednom članku govoriti o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga neka ovo bude prvi korak ka razumijevanju japanskog slikarstva.
I pridružite nam se - pretplatite se na blog - zajedno ćemo proučavati budizam i istočnjačku kulturu!
Hokusai, japanski umjetnik iz 18. stoljeća, stvorio je vrtoglav broj umetničko delo. Hokusai je radio do starosti, neprestano tvrdeći da „sve što je uradio pre 70. godine nije bilo vredno truda i pažnje“.
Možda najpoznatiji japanski umjetnik na svijetu, uvijek se izdvajao od svojih kolega savremenika po interesovanju za svakodnevni život. Umjesto da prikazuje glamurozne gejše i herojske samuraje, Hokusai je slikao radnike, ribare i urbane žanrovske scene, koje još nisu bile predmet interesovanja japanske umjetnosti. Takođe je zauzeo evropski pristup kompoziciji.
Evo kratka lista ključni pojmovi koji će vam pomoći da se malo snađete u Hokusaijevom radu.
1 Ukiyo-e su grafike i slike popularne u Japanu od 1600-ih do 1800-ih. Pokret u japanskoj likovnoj umjetnosti koji se razvio od Edo perioda. Ovaj izraz dolazi od riječi "ukiego", što znači " mijenja svijet". Uikiyo je aluzija na hedonističke radosti rastuće trgovačke klase. U tom pravcu, Hokusai je najpoznatiji umjetnik.
Hokusai je tokom svog života koristio najmanje trideset pseudonima. Iako je upotreba pseudonima bila uobičajena praksa među Japanski umjetnici Tada je po broju pseudonima znatno nadmašio ostale značajne autore. Hokusaijevi pseudonimi se često koriste za periodizaciju faza njegovog rada.
2 Period Edo je vrijeme između 1603. i 1868. godine Japanska istorija, zatim je zabilježen ekonomski rast i novo interesovanje za umjetnost i kulturu.
3 Shunrō je prvi Hokusaijev pseudonim.
4 Shunga doslovno znači "slika proljeća", a "proljeće" je japanski žargon za seks. Dakle, radi se o gravurama erotske prirode. Stvorili su ih većina cenjenih umetnika, uključujući Hokusaija.
5 Surimono. Najnoviji "surimono", kako su se zvali ovi prilagođeni otisci, doživjeli su ogroman uspjeh. Za razliku od ukiyo-e printova, koji su bili namijenjeni masovnoj publici, surimono se rijetko prodavao široj javnosti.
6 Planina Fuji je simetrična planina koja je najviša u Japanu. Tokom godina inspirisao je mnoge umjetnike i pjesnike, uključujući Hokusaija, koji je objavio ukiyo-e seriju Trideset šest pogleda na planinu Fuji. Ova serija uključuje Hokusaijeve najpoznatije grafike.
7 Japanizam - trajni uticaj koji je Hokusai imao na naredne generacije Zapadni umjetnici. Japonisme je stil inspiriran živim bojama ukiyo-e printova, nedostatkom perspektive i kompozicionim eksperimentiranjem.
Japansko slikarstvo je apsolutno jedinstven pokret u svjetskoj umjetnosti. Postoji od davnina, ali kao tradicija nije izgubila svoju popularnost i sposobnost da iznenadi.
Pažnja na tradicije
Istok nisu samo pejzaži, planine i izlazeće sunce. To su i ljudi koji su kreirali njegovu priču. Upravo ti ljudi podržavaju tradiciju japanskog slikarstva dugi niz stoljeća, razvijajući i unapređujući svoju umjetnost. Oni koji su dali značajan doprinos istoriji su japanski umetnici. Zahvaljujući njima, moderni su zadržali sve kanone tradicionalnog japanskog slikarstva.
Način izvođenja slika
Za razliku od Evrope, japanski umetnici su radije slikali bliže grafici nego slikarstvu. Na takvim slikama nećete naći grube, nemarne uljane poteze koji su tako karakteristični za impresioniste. Kakva je grafička priroda takve umjetnosti kao što su japansko drveće, stijene, životinje i ptice - sve je na ovim slikama nacrtano što je moguće jasnije, čvrstim i sigurnim linijama mastila. Svi objekti u kompoziciji moraju imati obris. Ispunjavanje unutar konture se obično vrši akvarelima. Boja se ispere, dodaju se druge nijanse, a negdje se ostavi boja papira. Dekorativnost je upravo ono što razlikuje japanske slike od umjetnosti cijelog svijeta.
Kontrasti u slikarstvu
Kontrast je još jedna karakteristična tehnika koju koriste japanski umjetnici. To može biti razlika u tonu, boji ili kontrastu toplih i hladnih nijansi.
Umetnik pribegava ovoj tehnici kada želi da istakne neki element subjekta. Ovo može biti vena na biljci, posebna latica ili stablo na nebu. Zatim se prikazuju svijetli, osvijetljeni dio objekta i sjena ispod njega (ili obrnuto).
Prijelazi i rješenja boja
Prilikom slikanja japanskih slika često se koriste prijelazi. Mogu biti različite: na primjer, od jedne boje do druge. Na laticama lokvanja i božura možete primijetiti prijelaz iz svijetle nijanse u bogatu, svijetlu boju.
Prijelazi se također koriste na slici vodena površina, nebo. Lagani prijelaz od zalaska sunca u tamni, produbljivi sumrak izgleda vrlo lijepo. Prilikom crtanja oblaka koriste se i prijelazi iz različite nijanse i reflekse.
Osnovni motivi japanskog slikarstva
U umjetnosti je sve međusobno povezano pravi zivot, sa osjećajima i emocijama onih koji su u to uključeni. Kao iu književnosti, muzici i drugim manifestacijama kreativnosti, u slikarstvu ih ima nekoliko vječne teme. To su historijske teme, slike ljudi i prirode.
Japanski pejzaži dolaze u mnogo varijanti. Često se na slikama nalaze slike ribnjaka - omiljeni komad namještaja za Japance. Ukrasni ribnjak, nekoliko lokvanja i bambus u blizini - ovako izgleda tipična slika 17.-18.
Životinje u japanskom slikarstvu
Životinje su također čest element u azijskom slikarstvu. Tradicionalno je to tigar koji šulja ili domaća mačka. Općenito, Azijci jako vole i stoga se njihovi predstavnici nalaze u svim oblicima orijentalne umjetnosti.
Svet faune je još jedna tema koju prati japansko slikarstvo. Ptice - ždralovi, ukrasni papagaji, luksuzni paunovi, laste, neprimjetni vrapci, pa čak i pijetlovi - sve se to nalaze na crtežima orijentalnih majstora.
Ribe - ništa manje aktuelna tema za japanske umjetnike. Koi šaran je japanska verzija zlatne ribice. Ova stvorenja žive u Aziji u svim ribnjacima, čak iu malim parkovima i baštama. Koi šaran je vrsta tradicije koja posebno pripada Japanu. Ove ribe simboliziraju borbu, odlučnost i postizanje vašeg cilja. Nisu uzalud prikazani kako plutaju tokom, uvijek s ukrasnim valovitim vrhovima.
Japanske slike: prikaz ljudi
Ljudi u japanskom slikarstvu su posebna tema. Umjetnici su prikazivali gejše, careve, ratnike i starješine.
Gejše su prikazane okružene cvijećem, uvijek u raskošnim haljinama s mnogo nabora i elemenata.
Mudraci su prikazani kako sjede ili nešto objašnjavaju svojim učenicima. Slika starog naučnika simbol je istorije, kulture i filozofije Azije.
Ratnik je prikazan kao strašni, ponekad zastrašujući. Duge su bile detaljno nacrtane i izgledale su kao žica.
Obično se svi detalji oklopa razjašnjavaju tintom. Često su goli ratnici ukrašeni tetovažama koje prikazuju istočnog zmaja. Simbol je snage i vojnu moć Japan.
Vladari su prikazivani za carskih porodica. Lijepa odjeća i ukrasi u muškoj kosi ono su čime ovakva umjetnička djela obiluju.
Pejzaži
Tradicionalno japanski pejzaž- planine. Azijski slikari uspjeli su prikazati različite pejzaže: mogu prikazati isti vrh u različite boje, sa drugačijom atmosferom. Jedino što ostaje nepromijenjeno je obavezno prisustvo cvijeća. Obično, zajedno s planinama, umjetnik prikazuje neku biljku u prvom planu i detaljno je crta. Planine i trešnjini cvetovi. A ako slikaju padajuće latice, slika izaziva divljenje zbog svoje tužne ljepote. Kontrast u atmosferi slike još je jedan divan kvalitet japanske kulture.
Hijeroglifi
Često se kompozicija slike u japanskom slikarstvu kombinira s pisanjem. Hijeroglifi su raspoređeni tako da kompozicijski izgledaju lijepo. Obično se crtaju na lijevoj ili desnoj strani slike. Hijeroglifi mogu predstavljati ono što je prikazano na slici, njen naslov ili ime umjetnika.
Japan je jedna od najbogatijih zemalja u istoriji i kulturi. U cijelom svijetu Japanci se općenito smatraju pedantičnim ljudima koji pronalaze estetiku u apsolutno svim manifestacijama života. Stoga su japanske slike uvijek vrlo skladne u boji i tonu: ako ima prskanja neke svijetle boje, to je samo u semantičkim centrima. Koristeći slike azijskih umjetnika kao primjer, možete proučavati teoriju boja, ispravan prikaz oblika pomoću grafike i kompoziciju. Tehnika izvođenja Japanske slike toliko visok da može poslužiti kao primjer za rad sa akvarelima i izvođenje „pranja“ grafičkih radova.
Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz istoriju svog postojanja prolazio je veliki broj promjene. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a originalni japanski principi su ostali. Zajedno sa neverovatna priča Japansko slikarstvo je također spremno predstaviti mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.
Drevni Japan
Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijim istorijski period zemljama, čak i pne. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine pne. e., razne geometrijske figure, koji su izvedeni na grnčariji pomoću štapića. Takvo otkriće arheologa kao što je ornamentika na bronzanim zvonima datira iz kasnijeg vremena.
Nešto kasnije, već 300. godine nove ere. e., pojaviti pećinski crteži, koji su mnogo raznovrsniji geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Pronađeni su u kriptama, a vjerovatno su ljudi koji su na njima naslikani sahranjeni u ovim grobljima.
U 7. veku nove ere e. Japan usvaja pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odatle su potekle prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.
Edo
Edo je daleko od prve, a ne posljednje slike, ali je u kulturu donijela mnogo novih stvari. Prvo, to je svjetlina i šarenilo koje su dodane uobičajenoj tehnici izvedenoj u crnoj i sivih tonova. Većina izuzetan umetnik Ovaj stil se smatra Sotasu. On je stvorio klasične slike, ali su njegovi likovi bili veoma šareni. Kasnije je prešao na prirodu, a većina njegovih pejzaža slikana je na pozlaćenoj pozadini.
Drugo, tokom Edo perioda pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila je moderne evropske i kineske tehnike koje su bile isprepletene sa tradicionalnim japanskim stilovima.
I treće, pojavljuje se Nanga škola. U njemu umjetnici prvo potpuno oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.
Period modernizacije
Edo period ustupa mjesto Meiji, a sada je japansko slikarstvo prisiljeno na to nova faza razvoj. U to vrijeme žanrovi poput vesterna i sličnih postaju popularni širom svijeta, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje stvari. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, dato vrijeme situacija je bila značajno drugačija od onoga što se dešavalo u drugim zemljama. Konkurencija između evropskih i domaćih tehničara je ovde žestoka.
Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji obećavaju da će unaprijediti svoje vještine u zapadnim stilovima. Zato ih šalju u škole u Evropi i Americi.
Ali to je bilo tek na početku perioda. Činjenica je da poznatih kritičara prilično kritikovana zapadna umetnost. Kako bi se izbjegla velika pomutnja oko ovog pitanja, evropski stilovi i tehnike su počeli da se zabranjuju na izložbama, njihovo izlaganje je prestalo, kao i njihova popularnost.
Pojava evropskih stilova
Slijedi period Taisho. U to vrijeme mladi umjetnici koji su odlazili da studiraju stranim školama, vrate se u svoju domovinu. Naravno, oni sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su veoma slični evropskim. Pojavljuju se impresionizam i postimpresionizam.
U ovoj fazi se formiraju mnoge škole u kojima se oživljavaju drevni japanski stilovi. Ali nemoguće je potpuno se riješiti zapadnih tendencija. Stoga moramo kombinovati nekoliko tehnika kako bismo zadovoljili i ljubitelje klasike i ljubitelje modernog evropskog slikarstva.
Neke škole finansira država, zahvaljujući čemu je moguće očuvati mnoge nacionalne tradicije. Privatnici su primorani slijediti primjer potrošača koji su htjeli nešto novo, umorni su od klasike.
Slika iz Drugog svetskog rata
Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvija se zasebno i nezavisno. Ali ovo nije moglo trajati zauvijek.
Vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i ugledne ličnosti privlače mnoge umjetnike. Neki od njih počeli su stvarati u patriotskim stilovima još na početku rata. Ostali započinju ovaj proces samo po nalogu nadležnih.
Shodno tome, japanska likovna umjetnost nije se mogla posebno razviti tokom Drugog svjetskog rata. Stoga se za slikanje može nazvati stagnirajućim.
Eternal Suibokuga
Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, doslovno znači "slikanje mastilom". To određuje stil i tehniku ove umetnosti. Došao je iz Kine, ali su Japanci odlučili da ga nazovu svojim. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štaviše, prvo su crtali slike, a zatim su trenirali koncentraciju dok su ih gledali. Monasi su vjerovali da stroge linije, zamagljeni tonovi i sjene - sve što se naziva monohromatskim - pomažu u poboljšanju.
Slikanje japanskim tušem uprkos velika raznolikost slika i tehnika nije tako komplikovana kao što se na prvi pogled čini. Zasnovan je na samo 4 parcele:
- Krizantema.
- Orhideja.
- Grana šljive.
- Bambus.
Mali broj zapleta ne čini savladavanje tehnike brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.
Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štaviše, danas možete sresti majstore ove škole ne samo u Japanu, ona je rasprostranjena daleko izvan njenih granica.
Moderni period
Nakon završetka Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu doživjela je procvat samo u glavni gradovi, seljani i seljani su imali dovoljno brige. Umjetnici su se uglavnom trudili da se odmaknu od ratnih gubitaka i oslikaju moderni život na platnu. gradski život sa svim svojim ukrasima i karakteristikama. evropski i američke ideje, ali ovakvo stanje nije dugo trajalo. Mnogi majstori počeli su se postepeno udaljavati od njih prema japanskim školama.
Tradicionalni stil je uvijek ostao moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvođenja ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.
Nemoguće je ne spomenuti moderno moderne subkulture, kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju zabrisati granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom, ovakvo stanje je posljedica trgovine. Klasika i tradicionalni žanrovi se praktički ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.
Zaključak
Japansko slikarstvo je nesumnjivo riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična zemlja jedina koja nije pratila zapadne trendove i nije se prilagođavala modi. Uprkos mnogim udarcima tokom pojave novih tehnika, japanski umetnici su i dalje bili u stanju da se brane nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerovatno su zato slike rađene u klasičnim stilovima danas visoko cijenjene na izložbama.