Malo je vjerovatno da će Yayoi Kusama moći da odgovori šta je činilo osnovu njene karijere kao umjetnice. Ima 87 godina, njena umjetnost je priznata u cijelom svijetu. Velike izložbe njenih radova uskoro će biti održane u SAD-u i Japanu, ali još nije sve ispričala svijetu. “Još uvijek je na putu. Kreiraću ovo u budućnosti“, kaže Kusama. Nazivaju je najuspješnijom umjetnicom u Japanu. Osim toga, ona je i najskuplji živi umjetnik: 2014. godine njena slika "Bijelo br. 28" prodata je za 7,1 milion dolara.
Kusama živi u Tokiju i dobrovoljno je u psihijatrijskoj bolnici skoro četrdeset godina. Jednom dnevno ostavlja zidove da farba. Ustaje u tri sata ujutro, ne može da zaspi i želi da dobro iskoristi vrijeme na poslu. “Sada sam star, ali i dalje ću stvarati više posla i bolje raditi. Više nego što sam radio u prošlosti. Um mi je pun slika”, kaže ona.
(Ukupno 17 fotografija)
Yayoi Kusama na izložbi svojih radova u Londonu 1985. Fotografija: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Od devet do šest, Kusama radi u svom trospratnom studiju iz udobnosti svojih invalidskih kolica. Može hodati, ali je preslaba. Žena radi na platnu položenom na stolove ili pričvršćenom na podu. Atelje je pun novih slika, svetlih radova išaranih sitnim mrljama. Umjetnica to naziva "samoutišavanjem" - beskrajnim ponavljanjem koje prigušuje buku u njenoj glavi.
Prije dodjele nagrada Praemium Imperiale Art Awards 2006. u Tokiju. Fotografija: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Nova galerija se uskoro otvara preko puta, a još jedan muzej njene umjetnosti je u izgradnji sjeverno od Tokija. Osim toga, otvaraju se dvije velike izložbe njenih radova. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, retrospektiva njene 65-godišnje karijere, otvorena je u Hirshhorn muzeju u Washingtonu 23. februara i traje do 14. maja, nakon čega će putovati u Sijetl, Los Anđeles, Toronto i Klivlend. Izložba obuhvata 60 slika Kusame.
Njen grašak pokriva sve, od Louis Vuitton haljina do autobusa u njenom rodnom gradu. Kusamino djelo se redovno prodaje za milione dolara i nalazi se širom svijeta - od New Yorka do Amsterdama. Izložbe radova japanskog umjetnika toliko su popularne da su potrebne mjere za sprječavanje stampeda i nereda. Na primjer, na izložbi Hirschhorn ulaznice se prodaju na određeno vrijeme kako bi se na neki način regulisao protok posjetitelja.
Prezentacija zajedničkog dizajna Louis Vuittona i Yayoi Kusama u New Yorku 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Ali Kusami još uvijek treba vanjsko odobrenje. Na pitanje u intervjuu da li je pre više decenija postigla svoj cilj da postane bogata i poznata, iznenađeno je rekla: „Kada sam bila mala, bilo mi je veoma teško da ubedim majku da želim da postanem umetnica. Da li je zaista istina da sam bogat i poznat?"
Kusama je rođen u Matsumotu, u planinama centralnog Japana, 1929. godine u bogatoj i konzervativnoj porodici koja je prodavala sadnice. Ali to nije bio sretan dom. Njena majka je prezirala svog muža koji je varao i poslala malu Kusamu da ga špijunira. Djevojčica je viđala oca sa drugim ženama, što je kod nje izazvalo doživotnu odbojnost prema seksu.
Izlog Louis Vuitton dizajnirao je Kusama 2012. godine. Fotografija: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Kao dijete počela je doživljavati vizualne i slušne halucinacije. Prvi put kada je videla bundevu, zamislila je da joj govori. Buduća umjetnica se nosila s vizijama stvarajući ponavljajuće obrasce kako bi utopila misli u svojoj glavi. Već u tako mladoj dobi umjetnost je za nju postala svojevrsna terapija, koju će kasnije nazvati "umjetnička medicina".
Rad Yayoi Kusame izložen u Muzeju moderne umjetnosti Whitney 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Kusamina majka se oštro protivila želji svoje kćerke da postane umjetnica i insistirala je da djevojčica slijedi tradicionalni put. „Nije mi dozvolila da crtam. Želela je da se udam - rekla je umetnica u intervjuu. Ona je bacila moj rad. Hteo sam da se bacim pod voz. Svaki dan sam se svađao sa svojom majkom i zbog toga mi je um bio oštećen.
1948. godine, nakon završetka rata, Kusama je otišao u Kjoto da uči tradicionalno japansko slikarstvo nihonga sa strogim pravilima. Mrzela je ovu umjetnost.
Jedan od eksponata izložbe Yayoi Kusame u Whitney Museum of Modern Art 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Kada je Kusama živjela u Matsumotu, pronašla je knjigu Georgije O'Keeffe i bila je zadivljena njenim slikama. Djevojka je otišla u američku ambasadu u Tokiju da pronađe članak o O'Keeffeu u imeniku i sazna njenu adresu. Kusama joj je napisala pismo i poslala neke crteže, a na njeno iznenađenje, američka umetnica joj je odgovorila.
“Nisam mogao vjerovati svojoj sreći! Bila je toliko ljubazna da je odgovorila na iznenadni izliv osećanja skromne japanske devojke koju nikada u životu nije srela niti je čula za nju”, napisala je umetnica u svojoj autobiografiji Infinity Net.
Yayoi Kusama u izlogu koji je dizajnirala za Louis Vuitton u New Yorku 2012. godine. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
Uprkos O'Keeffeovim upozorenjima da mladi umjetnici u SAD-u teško prolaze, a da ne spominjemo mlade neudate djevojke iz Japana, Kusama je bila nezaustavljiva. Godine 1957. uspjela je dobiti pasoš i vizu. Ušivala je dolare u svoje haljine kako bi zaobišla strogu poslijeratnu deviznu kontrolu.
Prva stanica bio je Seattle, gdje je održala izložbu u maloj galeriji. Zatim je Kusama otišla u Njujork, gde je bila gorko razočarana. “Za razliku od poslijeratnog Matsumota, New York je u svakom pogledu bio zlo i nasilno mjesto. Za mene je to bilo previše stresno i ubrzo sam zaglibio u neurozu. Da stvar bude gora, Kusama se našla u potpunom siromaštvu. Stara vrata su joj služila kao krevet, a ona je iz kanti za smeće vadila riblje glave i pokvareno povrće kako bi od njih napravila supu.
Instalacija Infinity Mirror Room - Love Forever ("Soba sa ogledalima beskonačnosti - ljubav zauvek"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Ova teška situacija navela je Kusamu da se još više uživi u svoj posao. Počela je da stvara svoje prve slike u seriji Infinity Web, pokrivajući ogromna platna (jedno od njih je dostizalo 10 metara visine) očaravajućim talasima malih petlji kojima se činilo da nikad kraja. Sama umjetnica ih je opisala na sljedeći način: "Bijele mreže koje obavijaju crne tačke tihe smrti na pozadini beznadnog mraka ništavila."
Instalacija Yayoi Kusama na otvaranju nove zgrade Muzeja savremene umetnosti Garaže u Centralnom parku kulture i kulture Gorkog u Moskvi 2015. Fotografija: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
Ovo opsesivno-kompulzivno ponavljanje pomoglo je da se otjera neuroza, ali nije uvijek spašavalo. Kusama je stalno patila od napada psihoze i završila je u njujorškoj bolnici. Ambiciozna i odlučna, i srećno preuzimajući ulogu egzotične Azijke u kimonu, pridružila se gomili uticajnih ljudi u umetnosti i komunicirala sa etabliranim umetnicima kao što su Mark Rothko i Andy Warhol. Kusama je kasnije rekla da je Vorhol oponašao njen rad.
Kusama je ubrzo stekao određeni stepen slave i izlagao u prepunim galerijama. Osim toga, slava umjetnika postala je skandalozna.
Šezdesetih godina prošlog veka, kada je Kusama bila opsednuta tačkama, počela je da organizuje dešavanja u Njujorku: provocirala je ljude da se skinu goli na mestima kao što su Central Park i Bruklinski most, i slikala njihova tela tačkama.
Pregledano na Art Basel Hong Kong 2013. Fotografija: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Decenijama pre pojave pokreta Occupy Wall Street, Kusama je organizovala događaj u finansijskoj četvrti Njujorka, rekavši da želi da "uništi muškarce sa Volstrita tačkama". Otprilike u isto vrijeme počela je prekrivati razne predmete - stolicu, čamac, kočiju - ispupčenjima faličnog izgleda. “Počeo sam da stvaram penise da izliječim svoju seksualnu averziju”, napisao je umjetnik, opisujući kako je ovaj kreativni proces postepeno pretvorio užas u nešto poznato.
Instalacija Prolazeće zime u galeriji Tate u Londonu. Fotografija: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama nikada nije bila udata, iako je, dok je živela u Njujorku, deset godina imala vezu nalik braku sa umetnikom Džozefom Kornelom. "Nisam volela seks, a on je bio impotentan, tako da smo bili veoma dobri jedno za drugo", rekla je ona u intervjuu za Art Magazine.
Kusama je postajala sve poznatija po svojim nestašlucima: ponudila je da spava s američkim predsjednikom Richardom Nixonom ako on okonča Vijetnamski rat. "Hajde da se ukrasimo tačkama", napisala mu je u pismu. Interesovanje direktno za njenu umjetnost je izblijedilo, pala je u nemilost i ponovo su počeli problemi s novcem.
Yayoi Kusama tokom retrospektive njenog rada u Whitney Museum of Modern Art u New Yorku 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Vijesti o Kusaminim eskapadama stigle su do Japana. Počeli su je nazivati "nacionalnom katastrofom", a njena majka je rekla da bi bilo bolje da joj je kćerka umrla od bolesti u djetinjstvu. Početkom 1970-ih, osiromašeni i propali Kusama vratio se u Japan. Prijavljena je u psihijatrijsku bolnicu, gdje i danas živi, i potonula u umjetnički mrak.
Godine 1989. Centar za savremenu umjetnost u New Yorku je bio domaćin retrospektivi njenog rada. Ovo je bio početak sporog, ali oživljavanja interesovanja za Kusaminu umjetnost. Ogledala je ispunila bundevama za instalaciju koja je predstavljena na Venecijanskom bijenalu 1993. godine, a 1998. imala je veliku izložbu u MoMa muzeju moderne umjetnosti u New Yorku. Tu je jednom priredila hepening.
Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
U posljednjih nekoliko godina, Yayoi Kusama je postao međunarodni fenomen. Savremena galerija Tate u Londonu i Whitney Museum u New Yorku održali su velike retrospektive koje su privukle ogromne publike i učinile njen kultni uzorak točkica veoma prepoznatljivim.
Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Umjetnica neće prestati raditi, ali je počela razmišljati o svojoj smrtnosti. “Ne znam koliko dugo mogu preživjeti čak i nakon smrti. Postoji buduća generacija koja ide mojim stopama. Biće mi čast ako ljudi uživaju u gledanju mojih radova i ako su dirnuti mojom umjetnošću.”
Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Uprkos komercijalizaciji svoje umetnosti, Kusama razmišlja o grobu u Macumotou - ne u porodičnom trezoru, već je naslijedila od svojih roditelja - i kako ga ne pretvoriti u svetilište. „Ali još ne umirem. Mislim da ću živjeti još 20 godina”, kaže ona.
Na izložbi Moja vječna duša u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, februar 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Ima veoma bogatu istoriju; njegova tradicija je opsežna, sa jedinstvenom pozicijom Japana u svijetu koja u velikoj mjeri utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Dobro poznata činjenica da je Japan vekovima bio prilično izolovan nije samo zbog geografije, već i zbog dominantne japanske kulturne sklonosti izolaciji koja je obilježila historiju zemlje. Tokom vekova onoga što bismo mogli nazvati "japanskom civilizacijom", kultura i umetnost su se razvijale odvojeno od onih u ostatku sveta. A to je čak i primjetno u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, Nihonga slike su među glavnim elementima japanske slikarske prakse. Zasniva se na preko hiljadu godina tradicije, a slike se obično stvaraju kistovima na vašem (japanski papir) ili egini (svila).
Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo su bili pod utjecajem stranih umjetničkih praksi. Prvo, to je bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i kinesko slikarstvo i kineska umjetnička tradicija koja je bila posebno utjecajna na nekoliko načina. Od 17. veka, japansko slikarstvo je takođe bilo pod uticajem zapadne tradicije. Konkretno, tokom predratnog perioda, koji je trajao od 1868. do 1945. godine, japansko slikarstvo je bilo pod uticajem impresionizma i evropskog romantizma. Istovremeno, novi evropski umjetnički pokreti također su bili pod značajnim utjecajem japanskih umjetničkih tehnika. U istoriji umetnosti ovaj uticaj se naziva „japanizmom“, a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umetnike povezane sa modernizmom.
Duga istorija japanskog slikarstva može se posmatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju delove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i slikarske metode, kao i religiozno slikarstvo, ostavili su značajan trag u estetici japanskih slika; slikanje pejzaža vodenim tušem u tradiciji kineskog književnog slikarstva još je jedan važan element prepoznat u mnogim poznatim japanskim slikama; slikanje životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, nešto je što se obično povezuje sa japanskim kompozicijama, kao i pejzaži i prizori iz svakodnevnog života. Konačno, drevne ideje o lepoti iz filozofije i kulture starog Japana imale su veliki uticaj na japansko slikarstvo. Wabi, što znači prolazna i surova ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) još uvijek utječu na ideale u praksi japanskog slikarstva.
Konačno, ako se fokusiramo na izbor deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. Dominirao je japanskom umetnošću od 17. do 19. veka, a umetnici koji pripadaju ovom žanru stvarali su drvoreze i slike na temu lepih devojaka, kabuki glumaca i sumo rvača, kao i scene iz istorije i narodnih priča, scene sa putovanja i pejzaže, floru i fauna, pa čak i erotika.
Uvijek je teško napraviti listu najboljih slika iz umjetničke tradicije. Mnogi nevjerovatni radovi bit će isključeni; međutim, ova lista sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika na svijetu. Ovaj članak će predstaviti samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.
Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu istoriju. Tokom vekova, japanski umetnici su razvili veliki broj jedinstvenih tehnika i stilova koji su najvredniji doprinos Japana svetu umetnosti. Jedna od ovih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtanje tušem", kombinujući kaligrafiju i slikanje tušem kako bi se stvorila rijetka ljepota kompozicija naslikanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, a složena, hrabra, ali prigušena, nesumnjivo odražavajući duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički sveštenici su u Japan doneli blok tvrdog mastila i bambusovu četku iz Kine u šestom veku, a tokom proteklih 14 vekova Japan je razvio bogato nasleđe slikanja tušem.
Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 japanskih slikarskih remek-djela
1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"
Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je San ribarske žene. Naslikao ju je 1814. godine poznati umjetnik Hokusai. Po strogim definicijama, ovo nevjerovatno Hokusaijevo djelo ne može se smatrati slikom, jer je riječ o ukiyo-e drvorezu iz Mladih borova (Kinoe no Komatsu), koji je trotomna knjiga šunga. Kompozicija prikazuje mladog ama ronioca seksualno isprepletenog s parom hobotnica. Ova slika bila je veoma uticajna u 19. i 20. veku. Djelo je utjecalo na kasnije umjetnike kao što su Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec"
Tessai Tomioka je pseudonim poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u Bunjing tradiciji i jednim od prvih velikih umjetnika Nihonga stila. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je procvjetala tokom kasnog Edo perioda među umjetnicima koji su sebe smatrali literatima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući Tessaiu, razvio je svoj stil i tehniku, ali su svi bili veliki obožavatelji kineske umjetnosti i kulture.
3. Fujishima Takeji "Izlazak sunca nad Istočnim morem"
Fujishima Takeji je bio japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu joge (zapadnjački stil) s kraja 19. i početka 20. stoljeća. Godine 1905. otputovao je u Francusku, gdje je bio pod utjecajem francuskih pokreta tog vremena, posebno impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici Izlazak sunca nad Istočnim morem iz 1932. godine.
4. Kitagawa Utamaro "Deset tipova ženskih lica, kolekcija dominirajućih ljepotica"
Kitagawa Utamaro je bio istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753. i umro 1806. Daleko je najpoznatiji po seriji pod nazivom Deset tipova ženskih lica. Zbirka vladajućih lepotica, velikih ljubavnih tema klasične poezije" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži odvojene gravure "Gola ljubav" i "Zamišljena ljubav"). Jedan je od najznačajnijih umjetnika koji pripadaju žanru ukiyo-e drvoreza.
5. Kawanabe Kyosai "Tigar"
Kawanabe Kyosai je bio jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika Edo perioda. Na njegovu umjetnost utjecao je Tohaku, Kano slikar iz 16. stoljeća koji je bio jedini slikar svog vremena koji je slikao ekrane u potpunosti mastilom na osjetljivoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturista, proizveo je neke od najpoznatijih slika u japanskoj istoriji umjetnosti 19. stoljeća. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i mastilo.
6. Hiroši Jošida Fudži sa jezera Kavaguči
Hiroshi Yoshida je poznat kao jedna od glavnih ličnosti stila šin-hanga (šin-hanga je umetnički pokret u Japanu početkom 20. veka, tokom perioda Taisho i Showa, koji je oživeo tradicionalnu umetnost ukijo-e , koji se ukorijenio u periodima Edo i Meiji (XVII - XIX vijek)). Bio je obučen u tradiciji zapadnog slikarstva ulja, koja je usvojena u Japanu tokom Meiji perioda.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami je vjerovatno najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već inspirira nove generacije umjetnika ne samo u Japanu već i šire. Murakamijeva umjetnost uključuje niz medija i obično se opisuje kao super-ravna. Njegov rad je poznat po upotrebi boja, uključujući motive japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "slatki", "psihedelični" ili "satirični".
8. Yayoi Kusama "Pumpkin"
Yaoi Kusama je također jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika. Radi u različitim medijima, uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, umjetnost performansa, umjetnost okoliša i instalaciju, od kojih većina pokazuje njen tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorak. Jedna od najpoznatijih serija ovog velikog umjetnika je serija Pumpkin. Nasuprot mrežici prikazana je pravilna tikva u jarko žutoj boji. Zajedno, svi ovi elementi čine vizuelni jezik koji je nepogrešiv za stil umetnika, a razvijan je i usavršavan decenijama mukotrpne izrade i reprodukcije.
9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"
Tenmyoya Hisashi je savremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Učestvovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, što je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. stvara i svoj novi stil, butouha, koji svojim slikama pokazuje čvrst stav prema autoritativnom umjetničkom sistemu. "Japanski duh br. 14" nastao je kao dio umjetničke sheme "BASARA", koja se u japanskoj kulturi tumači kao buntovno ponašanje niže aristokracije tokom perioda Zaraćenih država, kako bi se vlastima lišila mogućnosti da postignu ideal životnog stila oblačeći se u bujnu i luksuznu odjeću i ponašajući se slobodno, volje koja nije odgovarala njihovoj društvenoj klasi.
10. Katsushika Hokusai "The Great Wave Off Kanagawa"
Konačno, Veliki talas od Kanagave je verovatno najprepoznatljivija japanska slika ikada naslikana. Ovo je zapravo najpoznatije umjetničko djelo nastalo u Japanu. Prikazuje ogromne valove koji prijete čamcima uz obalu prefekture Kanagava. Iako se ponekad pogrešno smatra cunamijem, val, kao što naziv slike govori, najvjerovatnije jednostavno ima anomalno veliku visinu. Slika je napravljena u ukiyo-e tradiciji.
Od: ,
Svaka zemlja ima svoje heroje savremene umjetnosti, čija su imena poznata, čije izložbe okupljaju mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija su djela raspoređena po privatnim kolekcijama.
U ovom članku ćemo vas upoznati s najpopularnijim suvremenim umjetnicima u Japanu.
Keiko Tanabe
Rođena u Kjotu, Keiko je pobjeđivala na mnogim likovnim konkursima kao dijete, ali njeno visoko obrazovanje uopće nije bilo u umjetnosti. Radila je u odeljenju za međunarodne odnose japanske samoupravne trgovinske organizacije u Tokiju, velikoj advokatskoj firmi u San Francisku i privatnoj konsultantskoj firmi u San Dijegu, a mnogo je putovala. Počevši od 2003. godine napustila je posao i nakon što je naučila osnove akvarela u San Diegu, posvetila se isključivo umjetnosti.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
Japanski umetnik Ikenaga Yasunari slika portrete savremenih žena u drevnoj japanskoj tradiciji slikarstva, koristeći Menso četkicu, mineralne pigmente, čađu, mastilo i lan kao osnovu. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali zahvaljujući stilu Nihonga, postoji osjećaj da su nam došli iz davnih vremena.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki je umjetnik realista koji je do savršenstva savladao tehniku akvarela. Abe se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne crta poznate prizore, preferirajući subjektivne kompozicije koje odražavaju unutarnja stanja osobe koja ih gleda.
Hiroko Sakai
Karijera umjetnika Hiroko Sakaija započela je ranih 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirala na Univerzitetu Seinan Gakuin i Nihon francuskoj školi za dizajn interijera u dizajnu i vizualizaciji, osnovala je "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." i uspješno vodi ovaj studio 5 godina. Mnogi njeni radovi krase predvorja bolnica, kancelarije velikih korporacija i neke opštinske zgrade u Japanu. Nakon preseljenja u Sjedinjene Države, Hiroko je počeo da slika u ulju.
Riusuke Fukahori
Trodimenzionalna djela Ryuusukija Fukahorija su poput holograma. Napravljene su od više slojeva akrilne boje i tečnosti prozirne smole, što sve, zajedno sa tradicionalnim tehnikama kao što su senčenje, omekšavanje ivica, kontrola transparentnosti, omogućavaju Ryusukiju da kreira skulpturalne slike i doda dubinu i realizam radu.
Natsuki Otani
Natsuki Otani je talentovani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu je kao osnovu svog rada odabrao win-win temu - crta mačke. Njegove slike su popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku slagalica.
Tetsuya Mishima
Većina slika savremenog japanskog umjetnika Mishime rađena je u ulju. Slikarstvom se profesionalno bavi od 90-ih godina, ima nekoliko samostalnih izložbi i veliki broj kolektivnih izložbi, japanskih i stranih.
Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju istoriju pretrpeo je veliki broj promena. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a originalni japanski principi su ostali. Uz nevjerovatnu istoriju Japana, slika je spremna predstaviti i mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.
drevni japan
Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijem istorijskom periodu zemlje, čak i prije Krista. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., pojavile su se razne geometrijske figure koje su rađene na grnčariji uz pomoć štapića. Takav nalaz arheologa kao ukras na bronzanim zvonima pripada kasnijem vremenu.
Nešto kasnije, već 300. godine nove ere. e. pojavljuju se slike na stijenama koje su mnogo raznovrsnije od geometrijskog ornamenta. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Pronađeni su unutar kripta, a vjerovatno su ljudi koji su na njima naslikani sahranjeni u ovim grobljima.
U 7. veku nove ere. e. Japan usvaja pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odatle potiču i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.
edo
Edo je daleko od prve, a ne posljednje slike, ali upravo je ona donijela mnogo novih stvari u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crno-sivim tonovima. Sotasu se smatra najistaknutijim umjetnikom ovog stila. Stvarao je klasične slike, ali su njegovi likovi bili vrlo živopisni. Kasnije je prešao na prirodu, a većina pejzaža je rađena na pozadini pozlate.
Drugo, tokom Edo perioda pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila je moderne evropske i kineske tehnike, koje su bile isprepletene sa tradicionalnim japanskim stilovima.
I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici prvo u potpunosti oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.
Period modernizacije
Edo period zamjenjuje Meiji, a sada je japansko slikarstvo prinuđeno da uđe u novu fazu razvoja. U to vrijeme žanrovi poput vesterna i sličnih postaju popularni širom svijeta, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje stvari. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u to vrijeme situacija je bila značajno drugačija od onoga što se dogodilo u drugim zemljama. Ovdje se naglo rasplamsava konkurencija između evropskih i domaćih tehničara.
Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji obećavaju da će unaprijediti svoje vještine u zapadnim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Evropi i Americi.
Ali to je bilo tek na početku perioda. Činjenica je da su poznati kritičari prilično oštro kritizirali zapadnu umjetnost. Kako bi se izbjegla velika pomutnja oko ovog pitanja, europski stilovi i tehnike počeli su biti zabranjeni na izložbama, njihovo izlaganje je prestalo, kao i njihova popularnost.
Pojava evropskih stilova
Zatim dolazi Taisho period. U to vrijeme mladi umjetnici koji su otišli da studiraju u stranim školama vraćaju se u domovinu. Naravno, oni sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su veoma slični evropskim. Pojavljuju se impresionizam i postimpresionizam.
U ovoj fazi formiraju se mnoge škole u kojima se oživljavaju drevni japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se riješiti zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili i ljubitelji klasike i ljubitelji modernog europskog slikarstva.
Neke škole finansira država, zahvaljujući čemu su očuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci su, s druge strane, prisiljeni slijediti primjer potrošača koji žele nešto novo, umorni su od klasike.
WWII painting
Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvijao se zasebno i nezavisno. Ali nije moglo ovako zauvek.
Vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i ugledne ličnosti privlače mnoge umjetnike. Neki od njih, još na početku rata, počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali počinju ovaj proces samo po nalogu nadležnih.
Shodno tome, japanska likovna umjetnost tokom Drugog svjetskog rata nije se mogla posebno razvijati. Stoga se za slikanje može nazvati stagnirajućim.
Eternal Suibokuga
Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". To određuje stil i tehniku ove umjetnosti. Došao je iz Kine, ali su Japanci odlučili da mu daju svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štaviše, u početku su crtali slike, a kasnije su trenirali koncentraciju dok su ih gledali. Monasi su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve što se naziva monohromatskim.
Slikanje japanskim tušem, unatoč širokoj raznolikosti slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Zasnovan je na samo 4 parcele:
- Krizantema.
- Orhideja.
- Grana šljive.
- Bambus.
Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.
Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štaviše, danas možete sresti majstore ove škole ne samo u Japanu, već je rasprostranjena i daleko izvan njenih granica.
Moderni period
Krajem Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljani imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu dočarati savremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Evropske i američke ideje su uspješno usvojene, ali takvo stanje nije dugo trajalo. Mnogi majstori počeli su se postepeno udaljavati od njih prema japanskim školama.
Oduvijek je ostao moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvođenja ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.
Nemoguće je ne spomenuti moderne moderne subkulture poput animea i sličnih stilova. Mnogi umjetnici pokušavaju brisati granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom, ovakvo stanje je posljedica trgovine. Klasika i tradicionalni žanrovi se zapravo ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.
Zaključak
Japansko slikarstvo je nesumnjivo riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična država ostala jedina koja nije pratila zapadne trendove, nije se prilagođavala modi. Uprkos mnogim udarcima u vrijeme pojave novih tehnika, japanski umjetnici su i dalje uspjeli odbraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerovatno se zbog toga u moderno doba slike rađene u klasičnim stilovima visoko cijene na izložbama.