Sadržaj članka
AMERICAN PAINTING. Prva djela američkog slikarstva koja su došla do nas datiraju iz 16. stoljeća; ovo su skice koje su napravili učesnici istraživačkih ekspedicija. Međutim, profesionalni umjetnici pojavili su se u Americi tek početkom 18. stoljeća; jedini stabilan izvor prihoda za njih je bio portret; ovaj žanr je nastavio da zauzima vodeću poziciju u američkom slikarstvu sve do početka 19. veka.
Kolonijalni period.
Prva grupa portreta, rađenih tehnikom uljanog slikarstva, datira iz druge polovine 17. stoljeća; U to vrijeme život doseljenika je bio relativno miran, život se stabilizirao i pojavile su se mogućnosti za bavljenje umjetnošću. Od ovih radova najpoznatiji je portret Gospođa Frik i ćerka Meri(1671–1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), koju je naslikao nepoznati engleski umjetnik. Do 1730-ih, gradovi na istočnoj obali već su imali nekoliko umjetnika koji su radili na moderniji i realističniji način: Henrietta Johnston u Charlestonu (1705), Justus Englehardt Kuhn u Annapolisu (1708), Gustav Hesselius u Philadelphiji (1712), John Watson u Perth Amboy u New Jerseyu (1714), Peter Pelham (1726) i John Smibert (1728) u Bostonu. Slikarstvo potonje dvojice imalo je značajan uticaj na rad Džona Singltona Koplija (1738–1815), koji se smatra prvim velikim američkim umetnikom. Iz gravura iz zbirke Pelham, mladi Copley je stekao razumijevanje o engleskom ceremonijalnom portretu i slikarstvu Godfrija Knellera, vodećeg engleskog majstora koji se u ovom žanru bavio početkom 18. stoljeća. Na slici Dječak sa vjevericom(1765, Boston, Muzej likovnih umjetnosti) Copley je stvorio prekrasan realistički portret, nježan i iznenađujuće precizan u prenošenju teksture predmeta. Kada je Copley poslao ovo djelo u London 1765. godine, Joshua Reynolds mu je savjetovao da nastavi studije u Engleskoj. Međutim, Copley je ostao u Americi do 1774. i nastavio slikati portrete, pažljivo razrađujući sve detalje i nijanse u njima. Zatim je otputovao u Evropu i nastanio se u Londonu 1775. godine; U njegovom stilu, manirizmu i osobinama idealizacije karakteristične za englesko slikarstvo tog vremena. Među najboljim radovima koje je Copley napravio u Engleskoj su veliki svečani portreti koji podsjećaju na rad Benjamina Westa, uključujući sliku Brooke Watson i ajkula(1778, Boston, Muzej likovnih umjetnosti).
Rat za nezavisnost i početak 19. veka.
Za razliku od Copleya i Westa, koji su trajno ostali u Londonu, slikar portreta Gilbert Stuart (1755–1828) vratio se u Ameriku 1792. godine, stvarajući karijeru u Londonu i Dablinu. Ubrzo je postao vodeći majstor ovog žanra u mladoj republici; Stewart je slikao portrete gotovo svih istaknutih političkih i javnih ličnosti u Americi. Njegovi radovi su izvedeni na živahan, slobodan, skiciran način, veoma različit od stila američkih radova Copleya.
Benjamin West je rado primao mlade američke umjetnike u svoj londonski studio; njegovi učenici su bili Charles Wilson Peale (1741–1827) i Samuel F. B. Morse (1791–1872). Peale je postao osnivač dinastije slikara i porodičnog umetničkog preduzeća u Filadelfiji. Slikao je portrete, bavio se naučnim istraživanjem i otvorio Muzej prirodne istorije i slikarstva u Filadelfiji (1786). Od njegovih sedamnaestero djece, mnoga su postala umjetnici i prirodnjaci. Morse, poznatiji kao izumitelj telegrafa, naslikao je nekoliko prekrasnih portreta i jednu od najgrandioznijih slika u cijelom američkom slikarstvu - Galerija Louvre. U ovom radu je oko 37 platna reprodukovano u minijaturi sa neverovatnom preciznošću. Ovo djelo, kao i sve Morseove aktivnosti, imalo je za cilj upoznavanje mlade nacije sa velikom evropskom kulturom.
Washington Alston (1779–1843) bio je jedan od prvih američkih umjetnika koji je odao počast romantizmu; Tokom svojih dugih putovanja po Evropi, slikao je morske oluje, poetske italijanske scene i sentimentalne portrete.
Početkom 19. vijeka. Otvorene su prve američke umjetničke akademije koje studentima pružaju stručno usavršavanje i direktno učestvuju u organizaciji izložbi: Pennsylvania Academy of Arts u Filadelfiji (1805.) i Nacionalna akademija za crtanje u New Yorku (1825.), čiji je prvi predsjednik bio S. R. Morse . Tokom 1820-ih i 1830-ih, John Trumbull (1756–1843) i John Vanderlyn (1775–1852) naslikali su ogromne kompozicije tema iz američke istorije koje su ukrašavale zidove Rotonde Kapitola u Washingtonu.
1830-ih, pejzaž je postao dominantan žanr američkog slikarstva. Thomas Cole (1801–1848) naslikao je netaknutu prirodu sjevera (New York). Tvrdio je da su planine pogođene vremenskim prilikama i svijetle jesenje šume prikladnije teme za američke umjetnike nego slikovite evropske ruševine. Cole je također naslikao nekoliko pejzaža prožetih etičkim i religijskim značenjem; među njima su četiri velike slike Životni put(1842, Washington, Nacionalna galerija) - alegorijske kompozicije koje prikazuju čamac koji ide niz rijeku, u kojem sjedi dječak, zatim mladić, zatim muškarac i na kraju starac. Mnogi pejzažni slikari slijedili su Coleov primjer i u svojim radovima prikazali američku prirodu; često se kombinuju u jednu grupu koja se zove „Škola reke Hudson” (što nije tačno, pošto su radili po celoj zemlji i pisali u različitim stilovima).
Od američkih žanrovskih slikara najpoznatiji su William Sidney Mount (1807–1868), koji je slikao prizore iz života farmera Long Islanda i George Caleb Bingham (1811–1879), čije su slike posvećene životu ribara iz banke Misurija i izbori u malim provincijskim gradovima.
Prije građanskog rata, najpopularniji umjetnik bio je Frederick Edwin Church (1826–1900), Coleov učenik. Slikao je uglavnom radove velikog formata i ponekad koristio pretjerano naturalističke motive kako bi privukao i zapanjio javnost. Church je putovao na najegzotičnija i najopasnija mjesta, prikupljajući materijal za prikaz južnoameričkih vulkana i santi leda sjevernih mora; jedno od njegovih najpoznatijih radova je slika Nijagarini vodopadi (1857, Washington, Galerija Corcoran).
1860-ih, ogromna platna Alberta Bierstadta (1830–1902) izazvala su široko rasprostranjeno divljenje ljepoti Stjenovitih planina, s njihovim čistim jezerima, šumama i vrhovima nalik na kule.
Poslijeratni period i prijelaz stoljeća.
Nakon građanskog rata u Evropi je postalo moderno studirati slikarstvo. U Diseldorfu, Minhenu, a posebno u Parizu, moglo se dobiti mnogo fundamentalnije obrazovanje nego u Americi. James McNeill Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) i John Singer Sargent (1856–1925) studirali su u Parizu, a živjeli i radili u Francuskoj i Engleskoj. Whistler je bio blizak francuskim impresionistima; na svojim slikama posebnu pažnju posvećuje kombinacijama boja i ekspresivnoj, sažetoj kompoziciji. Mary Cassatt je, na poziv Edgara Degasa, učestvovala na izložbama impresionista od 1879. do 1886. Sargent je slikao portrete najistaknutijih ljudi Starog i Novog svijeta na hrabar, impulzivan, skiciran način.
Suprotna strana stilskog spektra impresionizmu u umjetnosti kasnog 19. stoljeća. okupirali su ga umjetnici realisti koji su slikali iluzionističke mrtve prirode: William Michael Harnett (1848–1892), John Frederic Peto (1854–1907) i John Haberl (1856–1933).
Dva velika umjetnika s kraja 19. i početka 20. stoljeća, Winslow Homer (1836–1910) i Thomas Eakins (1844–1916), nisu pripadali nijednom od umjetničkih pokreta koji su bili moderni u to vrijeme. Homer je započeo svoju kreativnu karijeru 1860-ih ilustrirajući njujorške časopise; već 1890-ih imao je reputaciju poznatog umjetnika. Njegove rane slike su prizori seoskog života zasićeni jarkom sunčevom svjetlošću. Kasnije se Homer počeo okretati složenijim i dramatičnijim slikama i temama: na slici golfska struja(1899, Metropolitan) prikazuje očaj crnog mornara koji leži na palubi čamca u olujnom moru prepunom ajkula. Tokom svog života, Thomas Eakins je bio izložen teškim kritikama zbog pretjeranog objektivizma i direktnosti. Sada su njegovi radovi visoko cijenjeni zbog svojih strogih i jasnih crteža; njegovi kistovi uključuju slike sportista i iskrene portretne slike prožete simpatijom.
Dvadeseti vek.
Početkom stoljeća najviše su se cijenile imitacije francuskog impresionizma. Ukus javnosti izazvala je grupa od osam umjetnika: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953) , A. B. Davies (1862–1928), Maurice Prendergast (1859–1924) i Ernest Lawson (1873–1939). Kritičari su ih nazvali školom "kante za smeće" zbog njihove sklonosti prikazivanju sirotinjskih četvrti i drugih prozaičnih tema.
Godine 1913. na tzv. “Armory Show” je izložio radove majstora iz različitih oblasti postimpresionizma. Američki umjetnici bili su podijeljeni: neki od njih su se okrenuli istraživanju mogućnosti boje i formalne apstrakcije, drugi su ostali u krilu realističke tradicije. U drugu grupu spadali su Charles Burchfield (1893–1967), Reginald Marsh (1898–1954), Edward Hopper (1882–1967), Fairfield Porter (1907–1975), Andrew Wyeth (r. 1917) i drugi. Slike Ivana Olbrighta (1897–1983), Georgea Tookera (r. 1920) i Petera Blooma (1906–1992) napisane su u stilu „magijskog realizma“ (sličnost s prirodom u njihovim radovima je preuveličana, a stvarnost je više podsjeća na san ili halucinaciju). Drugi umjetnici, kao što su Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) i Georgia O'Keeffe (1887–1986), kombinirali su elemente realizma, kubizma i ekspresionizma u svojim djela i drugi pokreti evropske umjetnosti. Pomorski pogledi Johna Marina (1870–1953) i Marsdena Hartleya (1877–1943) su bliski ekspresionizmu. Slike ptica i životinja na slikama Mauricea Gravesa (r. 1910) još uvijek zadržavaju povezanost sa vidljivim svijetom, iako su oblici u njegovim djelima uvelike izobličeni i dovedeni do gotovo ekstremnih simboličkih oznaka.
Nakon Drugog svjetskog rata, neobjektivno slikarstvo postalo je vodeći pravac u američkoj umjetnosti. Glavna pažnja sada je bila posvećena samoj slikovnoj površini; na njega se gledalo kao na arenu za interakciju linija, masa i mrlja u boji. Najznačajnije mjesto ovih godina zauzima apstraktni ekspresionizam. To je postao prvi pokret u slikarstvu koji je nastao u Sjedinjenim Državama i imao međunarodni značaj. Vođe ovog pokreta bili su Arshile Gorky (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) i Franz Kline (1910–1962). Jedno od najzanimljivijih otkrića apstraktnog ekspresionizma bila je umjetnička metoda Jacksona Pollocka, koji je kapao ili bacao boju na platno kako bi stvorio složen lavirint dinamičnih linearnih oblika. Ostali umjetnici ovog pokreta -
Ako mislite da su svi veliki umjetnici u prošlosti, onda nemate pojma koliko griješite. U ovom članku ćete naučiti o najpoznatijim i najtalentovanijim umjetnicima našeg vremena. I, vjerujte, njihova djela će vam ostati u sjećanju ništa manje od djela maestra iz prošlih vremena.
Wojciech Babski
Wojciech Babski je savremeni poljski umjetnik. Završio je studije na Šleskom politehničkom institutu, ali se povezao sa. U posljednje vrijeme slika uglavnom žene. Fokusira se na izražavanje emocija, nastoji postići što veći učinak jednostavnim sredstvima.
Voli boje, ali često koristi nijanse crne i sive kako bi postigao najbolji utisak. Ne plašite se eksperimentisanja sa različitim novim tehnikama. U posljednje vrijeme sve je popularniji u inostranstvu, uglavnom u Velikoj Britaniji, gdje uspješno prodaje svoja djela koja se već nalaze u mnogim privatnim kolekcijama. Osim umjetnosti, zanimaju ga kosmologija i filozofija. Sluša jazz. Trenutno živi i radi u Katowicama.
Warren Chang
Warren Chang je savremeni američki umjetnik. Rođen 1957. godine i odrastao u Montereyu u Kaliforniji, diplomirao je sa odlikom na Art Center College of Design u Pasadeni 1981. godine, gdje je dobio BFA. U naredne dvije decenije radio je kao ilustrator za različite kompanije u Kaliforniji i New Yorku prije nego što je započeo karijeru profesionalnog umjetnika 2009. godine.
Njegove realistične slike mogu se podijeliti u dvije glavne kategorije: biografske unutrašnje slike i slike koje prikazuju ljude na djelu. Njegovo interesovanje za ovaj stil slikanja datira još od rada umetnika iz 16. veka Johanesa Vermera, a proteže se na subjekte, autoportrete, portrete članova porodice, prijatelja, studenata, enterijere studija, učionice i domove. Njegov cilj je da stvori raspoloženje i emocije u svojim realističnim slikama kroz manipulaciju svjetlom i korištenje prigušenih boja.
Chang je postao poznat nakon prelaska na tradicionalnu likovnu umjetnost. U proteklih 12 godina stekao je brojne nagrade i priznanja, od kojih je najprestižnija Master Signature od Uljnih slikara Amerike, najveće zajednice slikanja ulja u Sjedinjenim Državama. Samo jedna osoba od 50 ima priliku da dobije ovu nagradu. Voren trenutno živi u Montereyu i radi u svom studiju, a takođe predaje (poznat kao talentovani učitelj) na Akademiji umetnosti u San Francisku.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni je italijanski umjetnik. Rođen u Blairu, 15. oktobra 1955. godine. Diplomirao je scenografiju na Institutu za umjetnost u Spoletu. Kao umjetnik, samouk je, jer je samostalno „sagradio kuću znanja“ na temeljima postavljenim u školi. Počeo je slikati uljem sa 19 godina. Trenutno živi i radi u Umbriji.
Brunijeve rane slike su ukorijenjene u nadrealizmu, ali s vremenom se počinje fokusirati na blizinu lirskog romantizma i simbolizma, pojačavajući ovu kombinaciju izuzetnom sofisticiranošću i čistoćom svojih likova. Animirani i neživi objekti dobijaju jednako dostojanstvo i izgledaju gotovo hiperrealistično, ali se u isto vrijeme ne skrivaju iza zavjese, već vam omogućavaju da vidite suštinu svoje duše. Svestranost i sofisticiranost, senzualnost i usamljenost, promišljenost i plodnost duh su Aurelija Brunija, hranjenog sjajem umjetnosti i harmonijom muzike.
Aleksander Balos
Alkasander Balos je savremeni poljski umjetnik specijaliziran za slikarstvo ulja. Rođen 1970. u Glivicama, Poljska, ali od 1989. živi i radi u SAD-u, u mjestu Shasta, Kalifornija.
U djetinjstvu je učio umjetnost pod vodstvom oca Jana, samoukog umjetnika i vajara, pa je od malih nogu umjetničko djelovanje dobilo punu podršku oba roditelja. Godine 1989, u dobi od osamnaest godina, Balos je napustio Poljsku i otišao u Sjedinjene Države, gdje je njegova učiteljica i honorarna umjetnica Cathy Gaggliardi ohrabrila Alkasandera da se upiše u umjetničku školu. Balos je potom dobio punu stipendiju na Univerzitetu Milwaukee, Wisconsin, gdje je studirao slikarstvo kod profesora filozofije Harryja Rosina.
Nakon što je 1995. godine diplomirao, Balos se preselio u Čikago da bi studirao na Školi lepih umetnosti, čije su metode zasnovane na delu Jacques-Louis Davida. Figurativni realizam i portret činili su većinu Balosovog rada 90-ih i ranih 2000-ih. Danas Balos koristi ljudsku figuru kako bi istakao karakteristike i nedostatke ljudske egzistencije, ne nudeći nikakva rješenja.
Predmetne kompozicije njegovih slika zamišljene su da ih posmatrač samostalno tumači, tek tada slike dobijaju svoje pravo vremensko i subjektivno značenje. Godine 2005. umjetnik se preselio u Sjevernu Kaliforniju, od tada se tematika njegovog rada značajno proširila i sada uključuje slobodnije slikarske metode, uključujući apstrakciju i različite multimedijalne stilove koji pomažu u izražavanju ideja i ideala postojanja kroz slikarstvo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks je savremena američka umjetnica. Rođen 1977. u Ridgewoodu, New Jersey. Slikarstvo sam počeo da se zanimam još kao dete. Studirala je na The New School u New Yorku i Montclair State University, a diplomirala je na Bostonskom koledžu 1999. godine sa diplomom. Istovremeno je studirala slikarstvo na Akademiji Lorenzo de Mediči u Firenci.
Zatim je nastavila studije na master studijama na Akademiji umetnosti u Njujorku, na odseku figurativne umetnosti, diplomirala 2001. Diplomirala je na koledžu Fullerton 2006. Neko vrijeme je predavala na univerzitetima i obrazovnim institucijama širom zemlje, predavajući slikarstvo na Akademiji umjetnosti u New Yorku, kao i na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.
“Koristeći filtere poput stakla, vinila, vode i pare, iskrivljujem ljudsko tijelo. Ovi filteri vam omogućavaju da kreirate velike površine apstraktnog dizajna, kroz koje proviruju ostrva boja - delovi ljudskog tela.
Moje slike mijenjaju moderni pogled na već ustaljene, tradicionalne poze i gestove kupaćih žena. Oni bi pažljivom gledaocu mogli reći mnogo o takvim naizgled samorazumljivim stvarima kao što su prednosti plivanja, plesa i tako dalje. Moji likovi se pritiskaju na staklo na prozoru tuš kabine, izobličujući vlastita tijela, shvaćajući da time utiču na ozloglašeni muški pogled na golu ženu. Debeli slojevi boje se miješaju da imitiraju staklo, paru, vodu i meso izdaleka. Međutim, izbliza, nevjerovatna fizička svojstva uljane boje postaju očigledna. Eksperimentirajući sa slojevima boje i boja, pronalazim tačku u kojoj apstraktni potezi kistom postaju nešto drugo.
Kada sam tek počeo da slikam ljudsko telo, odmah sam bio fasciniran, pa čak i opsednut njime i verovao sam da svoje slike moram da učinim što realnijim. Realizam sam „ispovedao“ sve dok nije počeo da se raspliće i otkriva kontradiktornosti u sebi. Sada istražujem mogućnosti i potencijal stila slikarstva u kojem se susreću reprezentativno slikarstvo i apstrakcija – ako oba stila mogu koegzistirati u istom trenutku, to ću i učiniti.”
Antonio Finelli
Italijanski umjetnik – “ Time Observer” – Antonio Finelli rođen je 23. februara 1985. godine. Trenutno živi i radi u Italiji između Rima i Campobassa. Radovi su mu izlagani u nekoliko galerija u Italiji i inostranstvu: Rimu, Firenci, Novari, Đenovi, Palermu, Istanbulu, Ankari, Njujorku, a nalaze se iu privatnim i javnim kolekcijama.
Crteži olovkom" Time Observer“Antonio Finelli nas vodi na vječno putovanje kroz unutrašnji svijet ljudske temporalnosti i prateće skrupulozne analize ovoga svijeta, čiji je glavni element prolazak kroz vrijeme i tragovi koje ostavlja na koži.
Finelli slika portrete ljudi bilo koje dobi, pola i nacionalnosti, čiji izrazi lica ukazuju na prolazak kroz vrijeme, a umjetnik se nada da će na telima svojih likova pronaći dokaze nemilosrdnosti vremena. Antonio svoje radove definiše jednim, opštim naslovom: “Autoportret”, jer u svojim crtežima olovkom ne samo da prikazuje osobu, već omogućava gledaocu da sagleda stvarne rezultate protoka vremena unutar osobe.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni je 37-godišnja italijanska umjetnica, kćerka diplomate. Ima troje djece. Dvanaest godina je živela u Rimu, a tri godine u Engleskoj i Francuskoj. Diplomirala je istoriju umjetnosti na Umjetničkoj školi BD. Tada je dobila diplomu restauratorice umjetnosti. Prije nego što je pronašla svoj poziv i potpuno se posvetila slikarstvu, radila je kao novinarka, koloristkinja, dizajnerica i glumica.
Flaminijina strast za slikanjem nastala je u detinjstvu. Njen glavni medij je ulje jer voli da se “coiffer la pate” i igra sa materijalom. Sličnu tehniku prepoznala je u djelima umjetnika Pascal Torua. Flaminia je inspirisana velikim majstorima slikarstva kao što su Balthus, Hopper i François Legrand, kao i raznim umjetničkim pokretima: uličnom umjetnošću, kineskim realizmom, nadrealizmom i renesansnim realizmom. Njen omiljeni umetnik je Caravaggio. Njen san je otkriti terapeutsku moć umjetnosti.
Denis Chernov
Denis Černov je talentovani ukrajinski umetnik, rođen 1978. godine u Sambiru, oblast Lavov, Ukrajina. Nakon što je 1998. godine završio umjetničku školu u Harkovu, ostao je u Harkovu, gdje trenutno živi i radi. Studirao je i na Harkovskoj državnoj akademiji za dizajn i umjetnost, odsjek grafičke umjetnosti, diplomirao 2004.
Redovno učestvuje na umjetničkim izložbama, a trenutno ih je bilo više od šezdeset, kako u Ukrajini, tako iu inostranstvu. Većina radova Denisa Černova čuva se u privatnim kolekcijama u Ukrajini, Rusiji, Italiji, Engleskoj, Španiji, Grčkoj, Francuskoj, SAD, Kanadi i Japanu. Neka dela su prodata na Christie's.
Denis radi u širokom spektru grafičkih i slikarskih tehnika. Crteži olovkom jedan su od njegovih najomiljenijih slikarskih metoda; lista tema u njegovim crtežima olovkom je također vrlo raznolika; slika pejzaže, portrete, aktove, žanrovske kompozicije, ilustracije knjiga, književne i povijesne rekonstrukcije i fantazije.
Američki umjetnici su vrlo raznoliki. Neki su bili očigledno kosmopoliti, poput Sardženta. Amerikanac porijeklom, ali je skoro cijeli svoj odrasli život proživio u Londonu i Parizu.
Među njima ima i autentičnih Amerikanaca koji su prikazali živote samo svojih sunarodnika, poput Rockwella.
A ima i umjetnika koji nisu sa ovog svijeta, poput Pollocka. Ili oni čija je umjetnost postala proizvod potrošačkog društva. Ovo je, naravno, o Warholu.
Međutim, svi su oni Amerikanci. Slobodoljubiv, odvažan, bistar. U nastavku pročitajte o njih sedam.
1. James Whistler (1834-1903)
James Whistler. Auto portret. 1872. Institut umjetnosti u Detroitu, SAD. Whistler se teško može nazvati pravim Amerikancem. Odrastajući, živio je u Evropi. A djetinjstvo je proveo... u Rusiji. Njegov otac je izgradio željeznicu u Sankt Peterburgu.
Tamo se dječak Džejms zaljubio u umjetnost, posjećujući Ermitaž i Peterhof zahvaljujući vezama svog oca (u to vrijeme to su još bile palate zatvorene za javnost).
Po čemu je Whistler poznat? U kojem god stilu pisao, od realizma do tonalizma*, gotovo odmah se može prepoznati po dvije karakteristike. Neobične boje i muzička imena.
Neki od njegovih portreta su imitacija starih majstora. Kao, na primjer, njegov čuveni portret “Majka umjetnika”.
James Whistler. Umjetnikova majka. Aranžman u sivoj i crnoj boji. 1871 Umjetnik je stvorio nevjerovatan rad koristeći boje u rasponu od svijetlo sive do tamno sive. I malo žuto.
Ali to ne znači da je Whistler volio takve boje. Bio je izuzetna osoba. Lako se mogao pojaviti u društvu noseći žute čarape i svijetli kišobran. A to je bilo kada su se muškarci obukli isključivo u crno i sivo.
Ima i mnogo lakša djela od “Majka”. Na primjer, “Simfonija u bijelom”. Ovako je sliku nazvao jedan od novinara na izložbi. Whistleru se svidjela ova ideja. Od tada je skoro sva svoja dela muzički naslovio.
James Whistler. Symphony in White # 1. 1862 National Gallery Washington, USA Ali tada, 1862., publici se Simfonija nije dopala. Opet, zbog Whistlerove neobične sheme boja. Ljudi su mislili da je čudno slikati ženu u bijelo na bijeloj pozadini.
Na slici vidimo Whistlerovu crvenokosu ljubavnicu. Sasvim u duhu prerafaelita. Uostalom, u to vrijeme umjetnik je bio prijatelj s jednim od glavnih osnivača prerafaelizma, Gabrielom Rossettijem. Ljepota, ljiljani, neobični elementi (vučja koža). Sve je kako treba.
Ali Whistler se brzo udaljio od prerafaelizma. Pošto mu nije bila važna vanjska ljepota, već raspoloženje i emocije. I stvorio je novi pravac - tonalizam.
Njegovi pejzažni nokturni u stilu tonalizma istinski su poput muzike. Jednobojna, viskozna.
Sam Whistler je rekao da muzički naslovi pomažu u fokusiranju na samu sliku, linije i boje. Istovremeno, bez razmišljanja o mjestu i ljudima koji su prikazani.
James Whistler. Nokturno u plavoj i srebrnoj boji: Chelsea. 1871. Galerija Tate, London 
Mary Cassat. Spava beba. Pastel, papir. 1910 Dallas Museum of Art, SAD Ali do kraja je ostala vjerna svom stilu. Impresionizam. Soft pastel. Majke sa decom.
Zbog slikanja, Cassatt je napustila majčinstvo. Ali njena ženstvena strana sve se više manifestirala u tako nježnim djelima kao što je "Djete koje spava". Šteta što ju je konzervativno društvo svojevremeno suočilo s takvim izborom.
3. John Sargent (1856-1925)
John Sargent. Auto portret. 1892. Metropolitan muzej umjetnosti, New York Džon Sardžent je bio siguran da će celog života biti slikar portreta. Moja karijera je išla dobro. Aristokrate su stajale u redu po narudžbi od njega.
Ali jednog dana, prema mišljenju društva, umjetnik je prešao granicu. Sada nam je teško da shvatimo šta je toliko neprihvatljivo u filmu “Madame X”.
Istina, u originalnoj verziji heroina je spustila jedan od remena. Sargent ju je "odgajao", ali to nije pomoglo stvarima. Narudžbe su presušile.
John Sargent. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art, New York Kakvu je opscenu stvar javnost vidjela? I činjenica da je Sargent portretirao manekenku u preterano samouverenoj pozi. Štaviše, prozirna koža i ružičasto uho vrlo su elokventni.
Slika kao da govori da ova žena sa povećanom seksualnošću nije nesklona prihvatanju napredovanja drugih muškaraca. Štaviše, biti u braku.
Nažalost, savremenici nisu vidjeli remek-djelo iza ovog skandala. Tamna haljina, svijetla koža, dinamična poza - jednostavna kombinacija koju mogu pronaći samo najtalentiraniji majstori.
Ali svaki oblak ima srebrnu postavu. Sargent je zauzvrat dobio slobodu. Počeo sam više eksperimentirati s impresionizmom. Pišite djeci u neposrednim situacijama. Tako je nastao rad „Karanfil, ljiljan, ljiljan, ruža”.
Sargent je želio snimiti određeni trenutak sumraka. Stoga sam radio samo 2 minute dnevno kada je osvjetljenje bilo prikladno. Radilo ljeti i jeseni. A kad je cvijeće uvelo, zamijenila sam ga umjetnim.
John Sargent. Karanfil, ljiljan, ljiljan, ruža. 1885-1886 Galerija Tate, London Poslednjih decenija, Sargent je razvio takav ukus za slobodom da je u potpunosti počeo da napušta portrete. Iako mu je reputacija već vraćena. Čak je i grubo otpustio jednu klijenticu, rekavši da bi više volio da joj ofarba kapiju nego lice.
John Sargent. Bijeli brodovi. 1908 Brooklyn Museum, SAD Savremenici su se odnosili prema Sargentu sa ironijom. Smatrajući ga zastarjelim u doba modernizma. Ali vrijeme je sve stavilo na svoje mjesto.
Sada njegova djela ne vrijede ništa manje od djela najpoznatijih modernista. Pa, o ljubavi javnosti nema šta da se kaže. Izložbe sa njegovim radovima su uvek rasprodate.
4. Norman Rockwell (1894-1978)
Norman Rockwell. Auto portret. Ilustracija za izdanje The Saturday Evening Posta od 13. februara 1960. godine. Teško je zamisliti popularnijeg umjetnika tokom njegovog života od Normana Rockwella. Uz njegove ilustracije stasalo je nekoliko generacija Amerikanaca. Volim ih svom dušom.
Na kraju krajeva, Rockwell je portretirao obične Amerikance. Ali u isto vrijeme prikazuju svoje živote sa najpozitivnije strane. Rockwell nije želio da prikaže ni zle očeve ni ravnodušne majke. I sa njim nećete sresti nesrećnu decu.
Norman Rockwell. Cijela porodica na odmoru i sa odmora. Ilustracija u časopisu Evening Saturday Post, 30. avgusta 1947. Muzej Normana Rockwella u Stockbridgeu, Massachusetts, SAD Njegovi radovi su puni humora, bogatih boja i vrlo vješto uhvaćenih izraza lica iz života.
Ali iluzija je da je Rockwellu posao bio lak. Da bi napravio jednu sliku, mogao bi prvo snimiti do stotinu fotografija svojih subjekata kako bi uhvatio prave geste.
Rokvelova dela imala su ogroman uticaj na umove miliona Amerikanaca. Uostalom, često je progovarao kroz svoje slike.
Tokom Drugog svetskog rata odlučio je da pokaže za šta se bore vojnici njegove zemlje. Napravivši i sliku “Sloboda od želje”. U obliku Dana zahvalnosti, kada se svi članovi porodice, uhranjeni i zadovoljni, raduju porodičnom prazniku.
Norman Rockwell. Sloboda od oskudice. 1943 Norman Rockwell Museum u Stockbridgeu, Massachusetts, SAD Nakon 50 godina u Saturday Evening Postu, Rockwell je otišao u demokratskiji časopis Look, gdje je mogao izraziti svoje stavove o društvenim pitanjima.
Najupečatljivije djelo tih godina je “Problem s kojim živimo”.
Norman Rockwell. Problem sa kojim živimo. 1964 Norman Rockwell Museum, Stockbridge, SAD Ovo je istinita priča o crnkinji koja je išla u bijelu školu. Od kada je donesen zakon da se ljudi (a samim tim i obrazovne institucije) više ne razdvajaju po rasama.
Ali ljutnji građana nije bilo granice. Na putu do škole djevojčicu je čuvala policija. Ovo je „rutinski“ trenutak koji je Rockwell pokazao.
Ako želite da upoznate život Amerikanaca u malo ulepšanom svetlu (kako su i sami želeli da ga vide), svakako pogledajte Rockwellove slike.
Možda je od svih slikara predstavljenih u ovom članku Rockwell najameričkiji umjetnik.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrew Wyeth. Auto portret. 1945. Nacionalna akademija za dizajn, New York Za razliku od Rockwella, Wyeth nije bio tako pozitivan. Samotnjak po prirodi, nije pokušavao ništa da uljepša. Naprotiv, prikazivao je najobičnije pejzaže i neupadljive stvari. Samo pšenično polje, samo drvena kuća. Ali čak je uspeo da nazre nešto magično u njima.
Njegovo najpoznatije djelo je "Christina's World". Wyeth je prikazao sudbinu jedne žene, njegove susjede. Paralizovana od detinjstva, puzala je po svojoj farmi.
Dakle, na ovoj slici nema ničeg romantičnog, kao što bi se na prvi pogled moglo učiniti. Ako bolje pogledate, žena je bolno mršava. A znajući da su noge junakinje paralizovane, sa tugom shvatate koliko je još daleko od kuće.
Na prvi pogled, Wyeth je napisao najobičniju stvar. Ovdje je stari prozor stare kuće. Otrcana zavjesa koja se već počela pretvarati u komadiće. Šuma je mračna ispred prozora.
Ali u svemu tome ima neke misterije. Neki drugi pogled.
Andrew Wyeth. Vjetar s mora. 1947 Nacionalna galerija Washington, SAD Ovako djeca znaju kako gledati na svijet otvorenog uma. Wyatt izgleda na isti način. I mi smo s njim.
Sve Wyethove poslove vodila je njegova žena. Bila je dobar organizator. Ona je bila ta koja je kontaktirala muzeje i kolekcionare.
Bilo je malo romantike u njihovoj vezi. Morala se pojaviti muza. I postala je jednostavna, ali izvanrednog izgleda, Helga. Upravo to vidimo u brojnim poslovima.
Andrew Wyeth. Pletenice (iz serije "Helga"). 1979 Privatna kolekcija Čini se da vidimo samo fotografsku sliku žene. Ali iz nekog razloga teško se otrgnuti od nje. Njen izgled je previše komplikovan, ramena su napeta. Kao da smo zajedno sa njom iznutra napeti. Pokušavam pronaći objašnjenje za ovu napetost.
Oslikavajući stvarnost u svakom detalju, Wyeth ju je magično obdario emocijama koje čovjeka ne mogu ostaviti ravnodušnim.
Umjetnik dugo nije bio prepoznat. Svojim realizmom, iako magičnim, nije se uklapao u modernističke trendove 20. veka.
Kada su muzejski radnici kupili njegova djela, pokušali su to učiniti tiho, bez privlačenja pažnje. Izložbe su se retko organizovale. Ali na zavist modernista, uvijek su imali zapanjujuće uspjehe. Ljudi su dolazili u masama. I još uvijek dolaze.
6. Jackson Pollock (1912-1956)
Jackson Pollock. 1950. Fotografija Hansa Namuta Jackson Pollock se ne može zanemariti. Prešao je određenu granicu u umjetnosti, nakon koje slika više nije mogla biti ista. Pokazao je da je u umjetnosti općenito moguće bez granica. Kad sam položio platno na pod i poprskao ga bojom.
A ovaj američki umjetnik počeo je s apstraktnom umjetnošću, u kojoj se još uvijek može pratiti figurativno. U njegovom djelu iz 40-ih godina, “Stenografska figura”, vidimo obrise i lica i ruku. Pa čak i simbole koje razumijemo u obliku križeva i nula.
Jackson Pollock. Stenografija. 1942 Muzej moderne umjetnosti u New Yorku (MOMA) Njegov rad je bio hvaljen, ali ljudi nisu žurili da ga kupe. Bio je siromašan kao crkveni miš. I pio je besramno. Uprkos srećnom braku. Supruga se divila njegovom talentu i činila sve za uspjeh svog muža.
Ali Pollock je u početku bio slomljena ličnost. Od mladosti je iz njegovih postupaka bilo jasno da je rana smrt njegova sudbina.
Ova slomljenost će na kraju dovesti do njegove smrti u 44. godini. Ali imat će vremena da napravi revoluciju u umjetnosti i postane poznat.
Jackson Pollock. Jesenji ritam (broj 30). 1950. Metropolitan muzej umjetnosti u New Yorku, SAD I to je učinio u periodu od dvije godine trezvenosti. Uspeo je da plodno radi 1950-1952. Dugo je eksperimentisao dok nije došao do tehnike kapanja.
Položivši ogromno platno na pod svoje štale, hodao je oko njega, kao da je na samoj slici. I poprskana ili jednostavno izlivena boja.
Ljudi su od njega počeli voljno kupovati ove neobične slike zbog njihove nevjerovatne originalnosti i novosti.
Jackson Pollock. Plavi stubovi. 1952 Nacionalna galerija Australije, Canberra Pollocka je preplavila slava i pao je u depresiju, ne znajući kuda dalje. Smrtonosna mješavina alkohola i depresije nije mu ostavljala nikakve šanse za preživljavanje. Jednog dana je sjeo za volan jako pijan. Zadnji put.
7. Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhole. 1979. Fotografija Arthura Tressa Samo u zemlji s takvim kultom potrošnje kao u Americi mogao bi se roditi pop art. A njen glavni inicijator bio je, naravno, Andy Warhol.
Postao je poznat po tome što je uzimao najobičnije stvari i pretvarao ih u umjetničko djelo. Ovo se dogodilo sa konzervom Campbellove supe.
Izbor nije bio slučajan. Vorholova majka je svog sina hranila ovom supom svaki dan više od 20 godina. Čak i kada se preselio u Njujork i poveo majku sa sobom.
Andy Warhole. Campbellove konzerve supe. Polimer, ručna štampa. 32 slike 50x40 svaka. 1962 Muzej moderne umjetnosti u New Yorku (MOMA) Nakon ovog eksperimenta, Warhol se zainteresirao za sitotisak. Od tada je slikao pop zvijezde i farbao ih u različite boje.
Tako se pojavila njegova slavna slika Marilyn Monroe.
Proizvedeno je bezbroj takvih Marilyn kiselih cvjetova. Warhol je stavio umjetnost na tok. Kako bi trebalo biti u potrošačkom društvu.
Andy Warhole. Marilyn Monroe. Sitotisak, papir. 1967 Muzej moderne umjetnosti u New Yorku (MOMA) Oslikana lica je Warhol izmislio s razlogom. I opet, ne bez uticaja majke. Kao dijete, tokom dugotrajne bolesti sina, vukla mu je pakete bojanki.
Ovaj hobi iz djetinjstva prerastao je u ono što je postalo njegova vizit karta i učinilo ga basnoslovno bogatim.
Slikao je ne samo pop zvijezde, već i remek djela svojih prethodnika. I ja sam dobio.
Venera je, kao i Merilin, uradila mnogo. Ekskluzivnost umjetničkog djela Warhol je "izbrisao" u prah. Zašto je umetnik ovo uradio?
Za popularizaciju starih remek-djela? Ili, obrnuto, pokušati ih obezvrijediti? Ovekovečiti pop zvezde? Ili smrt začiniti ironijom?
Andy Warhole. Venus Botticelli. Sitotiska, akril, platno. 122x183 cm 1982 E. Warhol muzej u Pittsburghu, SAD Njegovi obojeni radovi Madone, Elvisa Presleya ili Lenjina ponekad su prepoznatljiviji od originalnih fotografija.
Ali malo je vjerovatno da će remek-djela biti zasjenjena. Ipak, iskonska "Venera" ostaje neprocenjiva.
Vorhol je bio strastveni ljubitelj zabave, privlačeći mnoge izopćenike. Narkomani, propali glumci ili samo neuravnotežene ličnosti. Jedan od njih ga je jednom upucao.
Warhol je preživio. Ali 20 godina kasnije, od posljedica rane koju je jednom zadobio, umro je sam u svom stanu.
US melting pot
Unatoč kratkoj povijesti američke umjetnosti, raspon je širok. Među američkim umjetnicima su impresionisti (Sargent), magični realisti (Wyeth), apstraktni ekspresionisti (Pollock) i pioniri pop arta (Warhol).
Pa, Amerikanci vole slobodu izbora u svemu. Stotine denominacija. Stotine nacija. Stotine umjetničkih pravaca. Zato je on melting pot Sjedinjenih Američkih Država.
U kontaktu sa
Slika Dejvida Hoknija "Portret umetnika (bazen sa dve figure)" prodata je na Christie's aukciji u Njujorku za rekordnih 90 miliona 315,5 hiljada dolara.
David Hockney (rođen 9. jula 1937.) je engleski umjetnik, grafičar i fotograf koji je veći dio svog života proveo u Sjedinjenim Državama. Istaknuti predstavnik pop-arta 1960-ih, smatra se jednim od najuticajnijih umetnika 20. veka.
81-godišnji David Hockney postao je najskuplji živući umjetnik. Aukcijska kuća procijenila je sliku na 80 miliona dolara. Ovo je skoro tri puta više od Hockneyjevog prethodnog rekorda - u maju ove godine njegovo djelo "Pacific Coast Highway and Santa Monica" (1990) prodato je za 28,5 miliona dolara na Sotheby'su.
“Bazen s dvije figure” postao je najskuplje djelo živog autora prodato na aukciji, a Hockney je postao najskuplji živući umjetnik.
Prethodno je ovu titulu nosio 63-godišnji američki umjetnik Jeff Koons, čiji je “Balloon Dog (narandžasti)” od nehrđajućeg čelika prodat na Christie's aukciji 2013. za 58 miliona dolara.
- Američki ulični umjetnik Ron English “Slave Labor” za 730 hiljada dolara i obećao je da će ga ofarbati potpuno u bijelo.
- Biserni privezak sa dijamantima Marije Antoanete (1755-1793), kraljice Francuske.
- Aukcijska kuća Christie's prodata je za 432,5 hiljada dolara