Czy lubisz malarstwo japońskie? Jak dużo wiesz o znanych japońskich artystach? Przyjrzyjmy się w tym artykule najsłynniejszym japońskim artystom, którzy stworzyli swoje dzieła w stylu ukiyo-e (浮世絵). Ten styl malarstwa rozwijał się od okresu Edo. Hieroglify piszące ten styl 浮世絵 dosłownie oznaczają „obrazy (obrazy) zmieniającego się świata”, możesz przeczytać więcej o tym kierunku malarstwa
Hisikawy Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Uważany jest za twórcę gatunku ukiyo-e, choć w rzeczywistości jest dopiero pierwszym mistrzem, o którego życiu zachowały się informacje biograficzne. Moronobu urodził się w rodzinie mistrza farbowania tkanin i haftu złotymi i srebrnymi nićmi i od dawna związany jest z rodzinnym rzemiosłem, dlatego znakiem rozpoznawczym jego twórczości są pięknie zdobione stroje piękności, dające wspaniały efekt artystyczny .
Po przeprowadzce do Edo najpierw samodzielnie uczył się technik malarskich, a następnie kontynuował je artysta Kambun.
Do nas dotarły głównie albumy Moronobu, w których przedstawia tematy historyczne i literackie oraz książki z wzorami kimon. Mistrz zajmował się także gatunkiem shunga, a wśród pojedynczych dzieł zachowało się kilka przedstawiających piękne kobiety. 
(鳥居清長, 1752-1815). Uznany pod koniec XVIII w. mistrz Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosił pseudonim Torii Kiyonaga, który przyjął po odziedziczeniu szkoły ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu po jej śmierci.
Kiyonaga urodził się w rodzinie księgarza Shirakoyi Ishibei. Największą sławę przyniósł mu gatunek bijinga, choć zaczynał od yakusha-e. Fabuła rycin z gatunku bijinga została zaczerpnięta z życia codziennego: spacerów, świątecznych procesji, wyjść na łono natury. Wśród wielu prac artysty znalazła się seria „Konkurs modnych piękności z zabawnych dzielnic” przedstawiająca Minami, jedną z „zabawnych dzielnic” na południu Edo, „12 portretów południowych piękności”, „10 rodzajów herbaciarni” wyróżniać się. Charakterystyczną cechą mistrza było szczegółowe badanie widoku tła i zastosowanie technik pochodzących z Zachodu do przedstawiania światła i przestrzeni.
Kiyonaga zyskała swoją początkową sławę dzięki wznowieniu w 1782 roku serii „Models of Fashion: Models New as Spring Foliage”, zapoczątkowanej przez Koryusai w latach siedemdziesiątych XVIII wieku dla wydawcy Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Na tego wybitnego mistrza ukiyo-e znaczący wpływ wywarli Torii Kiyonaga i wydawca Tsutai Juzaburo. W wyniku wieloletniej współpracy z tym ostatnim ukazało się wiele albumów, książek z ilustracjami i cykl rycin.
Pomimo tego, że Utamaro czerpał historie z życia prostych rzemieślników i dążył do ukazywania natury („Księga owadów”), sława przyszła mu jako twórca dzieł poświęconych gejszom z dzielnicy Yoshiwara („Rocznik Yoshiwara Green Houses” ).
Utamaro osiągnął wysoki poziom w wyrażaniu stanów umysłu na papierze. Po raz pierwszy w drzeworytach japońskich zaczęto stosować kompozycje skrzyniowe.
To właśnie twórczość Utamaro wywarła wpływ na francuskich impresjonistów i przyczyniła się do zainteresowania Europejczyków grafiką japońską.
(葛飾北斎, 1760-1849). Prawdziwe imię Hokusai to Tokitaro. Prawdopodobnie najbardziej znany mistrz ukiyo-e na całym świecie. W całej swojej twórczości posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami. Dość często historycy używają pseudonimów, aby okresyzować jego twórczość.
Początkowo Hokusai pracował jako rzeźbiarz, którego praca była ograniczona intencją artysty. Fakt ten zaważył na Hokusai i zaczął szukać siebie jako niezależnego artysty.
W 1778 roku został uczniem w pracowni Katsukawy Shunsho, który specjalizował się w drukach yakusha-e. Hokusai był zarówno utalentowanym, jak i bardzo pilnym uczniem, który zawsze okazywał szacunek nauczycielowi i dlatego cieszył się szczególną przychylnością Shunsho. Tym samym pierwsze niezależne dzieła Hokusai utrzymały się w gatunku yakusha-e w formie dyptyków i tryptyków, a popularność ucznia dogoniła popularność nauczyciela. W tym czasie młody mistrz rozwinął już swój talent na tyle, że w obrębie jednej szkoły zrobiło się tłoczno, a po śmierci nauczyciela Hokusai opuścił pracownię i studiował kierunki innych szkół: Kano, Sotatsu (inaczej Koetsu), Rinpa, Tosa.
W tym okresie artysta przeżywa znaczne trudności finansowe. Ale jednocześnie ma miejsce jego formacja na mistrza, który odrzuca utarty wizerunek, jakiego domagało się społeczeństwo, i szuka własnego stylu.
W 1795 roku ukazały się ilustracje do antologii poetyckiej Keka Edo Murasaki. Następnie Hokusai namalował obrazy surimono, które natychmiast stały się popularne i wielu artystów zaczęło je naśladować.
Od tego okresu Tokitaro zaczął podpisywać swoje dzieła imieniem Hokusai, chociaż niektóre jego dzieła publikowane były pod pseudonimami Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.
W 1800 roku mistrz zaczął nazywać siebie Gakejin Hokusai, co oznacza „Malowanie Szalonego Hokusai”.
Do znanych serii ilustracji należy „36 widoków na górę Fuji”, w tym „Zwycięski wiatr. Clear Day” lub „Red Fuji” i „The Great Wave off Kanagawa”, „100 Views of Mount Fuji”, wydany w trzech albumach, „Hokusai Manga” (北斎漫画), zwany „encyklopedią Japończyków” . Artysta zainwestował w „Mangę” wszystkie swoje poglądy na twórczość, filozofię. „Manga” jest najważniejszym źródłem do studiowania życia w Japonii w tamtym czasie, ponieważ obejmuje wiele aspektów kulturowych. W sumie za życia artysty ukazało się dwanaście numerów, a po jego śmierci – kolejne trzy:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (po śmierci artysty)
Sztuka Hokusai wywarła wpływ na takie ruchy europejskie, jak secesja i francuski impresjonizm.
(河鍋暁斎, 1831-1889). Używał pseudonimów Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, uczył się w szkole Kano.
W przeciwieństwie do Hokusai, Kyosai był raczej bezczelny, co spowodowało, że pokłócił się z artystą Tsuboyamą Tozanem. Po szkole został samodzielnym mistrzem, chociaż czasami odwiedzał ją przez kolejne pięć lat. Malował wówczas kyogę, tzw. „szalone obrazy”.
Wśród wybitnych rycin wyróżnia się „Sto obrazów Kyosai”. Jako ilustrator Kyosai współpracuje z innymi artystami przy tworzeniu ilustracji do opowiadań i powieści.
Pod koniec XIX wieku Europejczycy często odwiedzali Japonię. Część z nich artysta znał, a kilka jego prac znajduje się obecnie w British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Pracował pod pseudonimem Ando Hiroshige (安藤広重) i jest znany z subtelnego przedstawienia naturalnych motywów i zjawisk naturalnych. Pierwszy obraz „Góra Fuji w śniegu”, który obecnie znajduje się w Muzeum Suntory w Tokio, napisał w wieku dziesięciu lat. Fabuła wczesnych dzieł opierała się na prawdziwych wydarzeniach rozgrywających się na ulicach. Jego słynne cykle: „100 widoków na Edo”, „36 widoków na górę Fuji”, „53 stacje Tokaido”, „69 stacji Kimokaido”, „100 słynnych widoków na Edo”. Duży wpływ na Moneta i rosyjskiego artystę Bilibina wywarły 53 stacje drogi Tokaido namalowane po podróży Wschodnią Drogą Nadmorską oraz 100 widoków Edo. Z serii 25 rycin kacho-ga najsłynniejszym arkuszem jest „Wróble nad ośnieżoną kamelią”.
(歌川国貞, znany również jako Utagawa Toyokuni III (jap.三代歌川豊国)). Jeden z najwybitniejszych artystów ukiyo-e.
Szczególną uwagę poświęcił aktorom kabuki i samemu teatrowi – stanowi to około 60% wszystkich prac. Znane są także prace z gatunku bijinga oraz portrety zapaśników sumo. Wiadomo, że stworzył od 20 do 25 tysięcy opowiadań, które obejmowały 35-40 tysięcy arkuszy. Rzadko zajmował się krajobrazami i wojownikami. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798-1861) Urodzony w rodzinie farbiarza jedwabiu. Kuniyoshi zaczął uczyć się rysować w wieku dziesięciu lat, mieszkając w rodzinie artysty Kuninao. Następnie kontynuował naukę u Katsukawy Shun'ei, a w wieku 13 lat wstąpił do warsztatu Tokuyoni. W pierwszych latach życia młodego artysty sprawy nie układają się dobrze. Jednak po otrzymaniu zamówienia od wydawcy Kagayi Kitibei na pięć egzemplarzy serii 108 Suikoden Heroes wszystko nabrało tempa. Tworzy resztę bohaterów tej serii, a następnie przystępuje do różnych zajęć, by po piętnastu latach dorównać Utagawie Hiroshige i Utagawie Kunisadzie.
Po wprowadzeniu w 1842 roku zakazu wizerunków scen teatralnych, aktorów, gejsz i kurtyzan, Kuniyoshi pisze cykl „kot”, wykonuje ryciny z serii edukacyjnej dla gospodyń domowych i dzieci, przedstawia bohaterów narodowych w cyklach „Tradycje, moralność i przyzwoitość” oraz koniec 1840-X - początek lat 50. XIX w., po złagodzeniu zakazów, artysta powraca do tematu kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Znany z twórczości z gatunku licytacji. Do jego najlepszych dzieł należą portrety typu okubi-e („duże głowy”), które są uważane za przykłady kunsztu epoki Bunsei (1818-1830), kiedy gatunek ukiyo-e podupadał. Artysta napisał wiele lirycznych i erotycznych surimono, a także cykl pejzaży „Sześćdziesiąt dziewięć stacji Kisokaido”, których nie był w stanie ukończyć, a Hiroshige go ukończył.
Nowością w przedstawieniu bijingi była zmysłowość, jakiej nie posiadali wcześniej inni artyści. Z jego dzieł możemy zrozumieć modę tamtych czasów. Opublikował także biografie Czterdziestu siedmiu Roninów i napisał kilka innych książek, w tym The History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e ruiko), która zawiera biografie artystów. W Notatkach bezimiennego starszego opisał siebie jako zdeprawowanego pijaka i byłego właściciela burdelu w Nezu, który doszczętnie spłonął w latach trzydziestych XIX wieku.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770) Prawdziwe imię artysty to Hozumi Jirobei. Jest pionierem druku polichromowanego ukiyo-e. Uczył się w szkole Kano i studiował malarstwo. Następnie pod wpływem Shigenagi Nishimury i Toriya Kiyomitsu jego pasją stało się drzeworytnictwo. Od początku XVIII wieku wykonywano dwu- lub trzykolorowe ryciny, a Harunobu zaczął malować obrazy w dziesięciu kolorach, używając trzech desek i łącząc trzy kolory - żółty, niebieski i czerwony.
Wyróżniał się przedstawieniem scen ulicznych i obrazów z gatunku shunga. A od lat sześćdziesiątych XVIII wieku był jednym z pierwszych, którzy zaczęli portretować aktorów teatru kabuki. Jego twórczość wywarła wpływ na E. Maneta i E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Jego prawdziwe imię to Matao Ohara. Przedstawione sceny z wojen rosyjsko-japońskich i chińsko-japońskich. Jednak wraz z pojawieniem się fotografii jego prace zaczęły się słabo sprzedawać, a on zaczął zarabiać na życie, ucząc w szkole sztuk pięknych w Tokio. W 1926 roku Ernest Felloza, kustosz sztuki japońskiej w Muzeum Bostońskim, namówił Oharę do powrotu do malarstwa, a artysta zaczął przedstawiać ptaki i kwiaty, a jego prace dobrze sprzedawały się za granicą. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Wyróżniał się na tle innych artystów swoją ekscentrycznością i stylem życia, który polegał na przyjaźni z wieloma osobistościami kultury i religii tamtych czasów. Przedstawione zwierzęta, kwiaty i ptaki w bardzo egzotyczny sposób. Był bardzo sławny i przyjmował zamówienia na malowanie parawanów i malowideł świątynnych.
(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z najważniejszych przedstawicieli wczesnego okresu ukiyo-e. Pomimo wielkiego wpływu swojego nauczyciela Hisikawy Monorobu, stał się założycielem gatunku yakusha-e w przedstawianiu plakatów i plakatów oraz wynalazł własny styl. Aktorzy byli przedstawiani w specjalnych pozach jako odważni bohaterowie i byli malowani 
szlachetny pomarańczowy kolor, a złoczyńcy zostali narysowani w niebieskich kolorach. Aby przedstawić pasję, artysta wymyślił specjalny rodzaj wzoru mimizugaki - są to kręte linie z naprzemiennymi cienkimi i grubymi pociągnięciami, połączone z groteskowym obrazem mięśni kończyn.
Torii Kiyonobu jest założycielką dynastii artystów Torii. Jego uczniami byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.
Kto jest Twoim ulubionym artystą ukiyo-e?
Język japoński różni się od innych języków europejskich swoją strukturą, co może powodować pewne trudności w nauce. Jednak nie martw się! Specjalnie dla Ciebie przygotowaliśmy kurs „”, na który możesz zapisać się już teraz!
Witajcie drodzy czytelnicy – poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści wyróżniają się niepowtarzalnym stylem, doskonalonym przez pokolenia mistrzów. Dziś porozmawiamy o najwybitniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od czasów starożytnych po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Krainy Wschodzącego Słońca.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarstwa w Japonii kojarzona jest przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Do pierwszych przykładów należą znalezione podczas wykopalisk fragmenty dzwonów, naczyń i przedmiotów gospodarstwa domowego z brązu. Wiele z nich malowano naturalnymi farbami, a badania sugerują, że wyroby te powstały wcześniej niż 300 rok p.n.e.
Nowy etap w rozwoju sztuki rozpoczął się wraz z przybyciem do Japonii. Na emakimono – specjalnych zwojach papieru – naniesiono wizerunki bóstw buddyjskiego panteonu, sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Dominację tematów religijnych w malarstwie można prześledzić już w średniowiecznej Japonii, a mianowicie od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki do dziś niestety nie zachowały się.
W okresie 15-18 wieków rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Wyznaczyli wektor dalszego rozwoju sztuk pięknych.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Napięty Shubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xubong studiował techniki pisania i twórczość chińskich artystów śpiewanych. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e to styl artystyczny oparty na rysunku tuszem, co oznacza jeden kolor.
Shubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki kolejne talenty, w tym przyszłych sławnych malarzy, takich jak Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Shubuna nosi tytuł „Czytanie w gaju bambusowym”.
„Czytanie w gaju bambusowym” autorstwa Tense Shubuna
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Został twórcą szkoły nazwanej jego imieniem – Hasegawa. Początkowo starał się kierować kanonami szkoły Kano, stopniowo jednak w jego twórczości zaczęto prześledzić jego indywidualny „pismo”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawą pracy były proste, zwięzłe, ale realistyczne krajobrazy o nieskomplikowanych nazwach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- Sosny i rośliny kwitnące.
Sosny, Hasegawa Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, całkowicie poświęcił się malarstwu i założył gatunek rimpa. Unikał obrazów stereotypowych, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w szczególności w formie jasnych abstrakcji. Jego pędzle należą do obrazu:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushima”;
- „Chryzantemy”.
Fale Matsushima – Korin Ogata
Młodszy brat – Ogata Kenzan – miał wiele pseudonimów. Przynajmniej zajmował się malarstwem, ale bardziej zasłynął jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik garncarskich. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, tworzył m.in. talerze w formie kwadratu.
Malarstwo własne nie wyróżniało się przepychem – to też była jego osobliwość. Lubił umieszczać kaligrafię na produktach takich jak zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tworzył w stylu ukiyo-e – rodzaju drzeworytu, czyli malarstwa rytowniczego. Przez cały czas twórczości zmienił około 30 nazwisk. Najbardziej znanym dziełem jest Wielka fala u wybrzeży Kanagawy, dzięki której zasłynął poza granicami swojej ojczyzny.
„Wielka fala w Kanagawie” Hokusai Katsushika
Szczególnie ciężko Hokusai zaczął pracować po 60 latach, co przyniosło dobre rezultaty. Van Gogh, Monet, Renoir znali jego twórczość i w pewnym stopniu wpłynęła ona na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodził się, mieszkał, pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai, inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki portretował naturę, jest niemal tak samo uderzający, jak liczba samych dzieł.
Edo to dawna nazwa Tokio.
Oto kilka liczb dotyczących jego twórczości, które reprezentuje cykl obrazów:
- 5,5 tys. - liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków na Edo;
- „36 widoków na Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido” .
Malarstwo Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh napisał kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Malarz, rzeźbiarz, projektant mody, zasłynął już pod koniec XX wieku. W swojej twórczości podąża za trendami mody z elementami klasyki, a inspiracje czerpie z kreskówek anime i mangi.
Malarstwo Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego zaliczana jest do subkultury, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś nowoczesny twórca współpracował z domami mody „Marc Jacobs” i „Louis Vuitton”.
Tycho Asima
Współpracownik poprzedniego artysty, tworzy współczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulic megamiast i stworzeń jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często widać dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do mediów papierowych. Przenoszone są na skórę, tworzywa sztuczne.
W 2006 roku w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii kobieta stworzyła około 20 łukowych konstrukcji, które w dzień i w nocy odzwierciedlały piękno przyrody wioski i miasta. Jedna z nich ozdobiła stację metra.
Hej, Arakawo
Młodego człowieka nie można nazwać artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest iście japońska i dotyczy przyjacielskich relacji oraz pracy całego zespołu.
Ei Arakawa często uczestniczy w różnych biennale, m.in. w Wenecji, jest wystawiany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnej malarce Ikenadze Yasunari udało się połączyć dwie pozornie nieprzystające do siebie rzeczy: życie współczesnych dziewcząt w formie portretu i tradycyjne techniki Japonii wywodzące się ze starożytności. Malarz w swojej twórczości wykorzystuje specjalne pędzle, farby z naturalnym pigmentem, tusz i węgiel drzewny. Zamiast zwykłego lnu - tkanina lniana.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania ukazanej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, jakby powróciły one do nas z przeszłości.
Seria obrazów przedstawiających złożoność życia krokodyla, która ostatnio zyskała popularność w społeczności internetowej, stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Malarstwo japońskie powstało około III wieku p.n.e. i od tego czasu bardzo się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, później w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, jednak nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W dobie New Age mistrzowie pędzla nabierali coraz większej indywidualności, tworzyli różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuki wizualne nie ograniczają się do tradycyjnego malarstwa - wykorzystywane są instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Dziękuję bardzo za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł był dla Państwa przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule opisać wszystkich artystów od starożytności po współczesność. Niech to zatem będzie pierwszy krok w kierunku poznania malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy wspólnie studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
Hokusai, XVIII-wieczny japoński artysta, stworzył oszałamiającą gamę dzieł sztuki. Hokusai dobrze pracował do późnej starości, niezmiennie twierdząc, że „wszystko, co zrobił przed 70. rokiem życia, nie było warte uwagi i nie było warte uwagi”.
Prawdopodobnie najsłynniejszy japoński artysta na świecie. Zawsze wyróżniał się na tle innych współczesnych artystów swoim zainteresowaniem życiem codziennym. Zamiast przedstawiać efektowne gejsze i bohaterskich samurajów, Hokusai malował robotników, rybaków, miejskie sceny rodzajowe, które nie były jeszcze przedmiotem zainteresowania sztuki japońskiej. Przyjął także europejskie podejście do kompozycji.
Oto krótka lista kluczowych terminów, które pomogą Ci trochę poruszać się po twórczości Hokusai.
1 Ukiyo-e to grafiki i obrazy popularne w Japonii od XVII do XIX wieku. Trend w sztukach wizualnych Japonii, który rozwinął się od okresu Edo. Termin ten pochodzi od słowa „ukiyo”, które oznacza „zmieniający się świat”. Wickie jest aluzją do hedonistycznych radości rozwijającej się klasy kupieckiej. W tym kierunku Hokusai jest najbardziej znanym artystą.
Hokusai przez całe życie używał co najmniej trzydziestu pseudonimów. Mimo że używanie pseudonimów było powszechną praktyką wśród ówczesnych artystów japońskich, pod względem liczby pseudonimów znacznie przewyższał innych znaczących autorów. Pseudonimy Hokusai są często używane do periodyzacji etapów jego twórczości.
2 Okres Edo to okres pomiędzy 1603 a 1868 rokiem w historii Japonii, kiedy odnotowano rozwój gospodarczy oraz nowe zainteresowanie sztuką i kulturą.
3 Shunrō to pierwszy z pseudonimów Hokusai.
4 Shunga dosłownie oznacza „obraz wiosny”, a „wiosna” to japoński slang określający seks. Są to zatem ryciny o charakterze erotycznym. Tworzyli je najbardziej szanowani artyści, w tym Hokusai.
5 Surimono. Ostatnie „surimono” – jak nazywano te wykonane na zamówienie nadruki – odniosło ogromny sukces. W przeciwieństwie do wydruków ukiyo-e, które były przeznaczone dla masowego odbiorcy, surimono rzadko było sprzedawane ogółowi społeczeństwa.
6 Góra Fuji to symetryczna góra, która jest najwyższą w Japonii. Przez lata zainspirowała wielu artystów i poetów, w tym Hokusai, który wyprodukował serię ukiyo-e „Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji”. Seria ta obejmuje najsłynniejsze grafiki Hokusai.
7 Japonizm wywarł trwały wpływ, jaki Hokusai wywarł na kolejne pokolenia zachodnich artystów. Japonizm to styl inspirowany jaskrawymi kolorami nadruków ukiyo-e, brakiem perspektywy i eksperymentami kompozycyjnymi.
Malarstwo japońskie to absolutnie wyjątkowy kierunek w sztuce światowej. Istniał od czasów starożytnych, ale zgodnie z tradycją nie stracił na popularności i zdolności zaskakiwania.
Uwaga na tradycje
Wschód to nie tylko krajobrazy, góry i wschodzące słońce. To także ludzie, którzy stworzyli jego historię. To właśnie ci ludzie od wielu wieków podtrzymują tradycję malarstwa japońskiego, rozwijając i pomnażając swoją sztukę. Ci, którzy wnieśli znaczący wkład w historię japońskich artystów. To dzięki nim nowożytni zachowali wszystkie kanony tradycyjnego malarstwa japońskiego.
Styl malarski
W przeciwieństwie do Europy japońscy artyści woleli malować bliżej grafiki niż malarstwa. W takich obrazach nie ma charakterystycznych dla impresjonistów szorstkich, nieostrożnych pociągnięć oleju. Jaka jest graficzna natura takich dzieł sztuki, jak japońskie drzewa, skały, zwierzęta i ptaki - wszystko na tych obrazach jest narysowane tak wyraźnie, jak to możliwe, mocnymi i pewnymi liniami atramentu. Wszystkie obiekty w kompozycji muszą mieć kontur. Wypełnianie wnętrza konturu odbywa się zwykle akwarelą. Kolor zostaje wypłukany, dodane są inne odcienie, a gdzieś zostaje kolor papieru. Dekoracyjność jest właśnie tym, co wyróżnia malarstwo japońskie na tle sztuki całego świata.
Kontrasty w malarstwie
Kontrast to kolejna charakterystyczna technika stosowana przez japońskich artystów. Może to być różnica w odcieniu, kolorze lub kontraście ciepłych i zimnych odcieni.
Artysta sięga po technikę, gdy chce podkreślić jakiś element tematu. Może to być żyła na roślinie, pojedynczy płatek lub pień drzewa na tle nieba. Następnie przedstawiana jest jasna, oświetlona część obiektu i cień pod nim (lub odwrotnie).
Przejścia i kolory
Podczas rysowania obrazów japońskich często stosuje się przejścia. Są różne: na przykład z jednego koloru na drugi. Na płatkach lilii wodnych, piwonii można zauważyć przejście od jasnego odcienia do bogatego, jasnego odcienia jakiegoś koloru.
Przejścia są również stosowane w obrazie powierzchni wody, nieba. Bardzo pięknie prezentuje się płynne przejście od zachodu słońca do ciemnego, pogłębiającego się zmierzchu. W rysowaniu chmur stosuje się również przejścia z różnych odcieni i odbić.
Główne motywy malarstwa japońskiego
W sztuce wszystko jest powiązane z prawdziwym życiem, z uczuciami i emocjami osób, które są w nie zaangażowane. Podobnie jak w literaturze, muzyce i innych przejawach twórczości, w malarstwie istnieje kilka odwiecznych tematów. Są to wątki historyczne, wizerunki ludzi i przyrody.
Japońskie krajobrazy są różnorodne. Często na obrazach pojawiają się wizerunki stawów – ulubionego tematu wnętrz Japończyków. Ozdobny staw, w pobliżu kilka lilii wodnych i bambus – tak wygląda typowy obraz z XVII-XVIII wieku.
Zwierzęta w malarstwie japońskim
Zwierzęta są także powracającym elementem malarstwa azjatyckiego. Tradycyjnie jest to przyczajony tygrys lub kot domowy. Ogólnie rzecz biorąc, Azjaci bardzo lubią i dlatego ich przedstawiciele znajdują się we wszystkich formach sztuki orientalnej.
Świat fauny to kolejny temat, po którym pojawia się malarstwo japońskie. Ptaki - żurawie, papugi ozdobne, luksusowe pawie, jaskółki, niepozorne wróble, a nawet koguty - wszystkie można znaleźć na rysunkach orientalnych mistrzów.
Ryby to równie gorący temat dla japońskich artystów. Koi to japońska wersja złotej rybki. Te stworzenia żyją w Azji we wszystkich stawach, nawet w małych parkach i ogrodach. Karp Koi to rodzaj tradycji, która należy wyłącznie do Japonii. Ryby te symbolizują walkę, determinację, osiągnięcie celu. Nic dziwnego, że są przedstawiane jako pływające z prądem, zawsze z ozdobnymi grzbietami fal.
Malarstwo japońskie: przedstawianie ludzi
Tematem szczególnym są ludzie w malarstwie japońskim. Artyści przedstawiali gejsze, cesarzy, wojowników i starców.
Gejsze są przedstawiane w otoczeniu kwiatów, zawsze ubrane w wyszukane szaty z wieloma fałdami i elementami.
Mędrców przedstawiono siedzących lub wyjaśniających coś swoim uczniom. Wizerunek starego naukowca jest symbolem historii, kultury i filozofii Azji.
Wojownik był przedstawiany jako potężny, czasem onieśmielający. Długie były szczegółowo narysowane i wyglądały jak drut.
Zwykle wszystkie szczegóły zbroi są uszlachetniane tuszem. Często nadzy wojownicy są ozdobieni tatuażami przedstawiającymi orientalnego smoka. Jest symbolem siły i potęgi militarnej Japonii.
Władcy byli portretowani dla rodzin cesarskich. Piękne szaty, ozdoby we włosach mężczyzn – takich dzieł sztuki jest mnóstwo.
krajobrazy
Tradycyjny japoński krajobraz - góry. Malarzom azjatyckim udało się przedstawić różnorodne krajobrazy: ten sam szczyt potrafią przedstawić w różnych kolorach, z różną atmosferą. Jedyne, co pozostaje niezmienne, to obowiązkowa obecność kwiatów. Zwykle wraz z górami artysta przedstawia na pierwszym planie jakąś roślinę i szczegółowo ją rysuje. Góry i kwiaty wiśni wyglądają pięknie. A jeśli narysujesz opadające płatki - obraz podziwia smutne piękno. Kontrast w atmosferze obrazu to kolejna niezwykła cecha kultury japońskiej.
Hieroglify
Często kompozycję obrazu w malarstwie japońskim łączy się z literami. Hieroglify ułożone są tak, aby kompozycyjnie prezentowały się pięknie. Zwykle są rysowane po lewej lub prawej stronie obrazu. Hieroglify mogą wskazywać, co jest przedstawione na obrazie, jego imię lub nazwisko artysty.
Japonia jest jednym z najbogatszych krajów pod względem historii i kultury. Na całym świecie zwyczajowo uważa się Japończyków za ludzi pedantycznych, którzy odnajdują estetykę w absolutnie wszystkich przejawach życia. Dlatego obrazy japońskie są zawsze bardzo harmonijne pod względem koloru i tonu: jeśli występują wtrącenia jakiegoś jasnego koloru, to tylko w centrach semantycznych. Na przykładzie obrazów artystów azjatyckich można przestudiować teorię koloru, prawidłowe przeniesienie formy za pomocą grafiki i kompozycję. Technika wykonania malarstwa japońskiego jest na tyle wysoka, że może służyć jako przykład pracy z akwarelami i wykonywania „prania” prac graficznych.
Który obejmuje wiele technik i stylów. W swojej historii przeszedł wiele zmian. Dodano nowe tradycje i gatunki, a oryginalne japońskie zasady pozostały. Oprócz niesamowitej historii Japonii obraz jest także gotowy na ukazanie wielu unikalnych i ciekawych faktów.
starożytna Japonia
Pierwsze style pojawiają się w najstarszym okresie historycznym kraju, jeszcze przed Chrystusem. mi. W tamtych czasach sztuka była dość prymitywna. Po pierwsze, w 300 r. p.n.e. e. pojawiły się różne figury geometryczne, które wykonano na ceramice za pomocą patyków. Takie znalezisko archeologów jako ozdoba na dzwonach z brązu należy do czasów późniejszych.
Nieco później, już w 300 r. n.e. e. pojawiają się malowidła naskalne, które są znacznie bardziej różnorodne niż ornament geometryczny. Są to już pełnoprawne obrazy z obrazami. Znaleziono je wewnątrz krypt i prawdopodobnie na tych cmentarzach pochowano osoby, które są na nich namalowane.
W VII wieku n.e. mi. Japonia przyjmuje scenariusz pochodzący z Chin. Mniej więcej w tym samym czasie pochodzą stąd pierwsze obrazy. Malarstwo jawi się wówczas jako odrębna dziedzina sztuki.
edo
Edo nie jest pierwszym i nie ostatnim obrazem, ale to ona wniosła do kultury wiele nowości. Po pierwsze, do zwykłej techniki, wykonanej w odcieniach czerni i szarości, dodano jasność i blask. Sotasu uważany jest za najwybitniejszego artystę tego stylu. Tworzył klasyczne obrazy, ale jego postacie były bardzo kolorowe. Później przeszedł w stronę natury i większość pejzaży wykonał na tle złoceń.
Po drugie, w okresie Edo pojawiła się egzotyka, gatunek namban. Wykorzystano w nim nowoczesne techniki europejskie i chińskie, które przeplatały się z tradycyjnymi stylami japońskimi.
I po trzecie, pojawia się szkoła Nang. Artyści najpierw całkowicie naśladują, a nawet kopiują w nim dzieła chińskich mistrzów. Następnie pojawia się nowa gałąź, która nazywa się bunjing.
Okres modernizacji
Okres Edo zastępuje Meiji, a teraz malarstwo japońskie jest zmuszone wejść w nowy etap rozwoju. W tym czasie na całym świecie popularne stały się gatunki takie jak western i tym podobne, więc modernizacja sztuki stała się powszechnym stanem rzeczy. Jednak w Japonii, kraju, w którym wszyscy ludzie szanują tradycje, w tym czasie sytuacja znacznie różniła się od tego, co działo się w innych krajach. Tutaj konkurencja między europejskimi i lokalnymi technikami gwałtownie zaostrza się.
Rząd na tym etapie preferuje młodych artystów, którzy wykazują duże nadzieje na doskonalenie swoich umiejętności w zachodnich stylach. Dlatego wysyłają je do szkół w Europie i Ameryce.
Ale to było dopiero na początku okresu. Faktem jest, że znani krytycy dość mocno krytykowali sztukę zachodnią. Aby uniknąć wielkiego zamieszania wokół tej kwestii, zaczęto zakazywać wystaw europejskich stylów i technik, zaprzestano ich ekspozycji, a także ich popularności.
Pojawienie się stylów europejskich
Potem nadchodzi okres Taisho. W tym czasie do ojczyzny wracają młodzi artyści, którzy wyjechali na studia do zagranicznych szkół. Naturalnie przynoszą ze sobą nowe style malarstwa japońskiego, które są bardzo podobne do europejskich. Pojawia się impresjonizm i postimpresjonizm.
Na tym etapie powstaje wiele szkół, w których odradza się starożytne style japońskie. Nie da się jednak całkowicie pozbyć się tendencji zachodnich. Dlatego konieczne jest połączenie kilku technik, aby zadowolić zarówno miłośników klasyki, jak i fanów współczesnego malarstwa europejskiego.
Część szkół jest finansowana przez państwo, dzięki czemu zachowało się wiele tradycji narodowych. Prywatni handlowcy z kolei zmuszeni są pójść w ślady konsumentów, którzy chcą czegoś nowego, mają już dość klasyki.
Malarstwo II wojny światowej
Po rozpoczęciu wojny malarstwo japońskie przez jakiś czas pozostawało z dala od wydarzeń. Rozwijał się oddzielnie i niezależnie. Ale nie mogło to trwać wiecznie.
Z biegiem czasu, gdy sytuacja polityczna w kraju się pogarsza, wysokie i szanowane osobistości przyciągają wielu artystów. Część z nich już na początku wojny zaczęła tworzyć w stylu patriotycznym. Pozostali rozpoczynają ten proces jedynie na polecenie władz.
W związku z tym japońskie sztuki piękne podczas drugiej wojny światowej nie mogły się szczególnie rozwinąć. Dlatego w przypadku malowania można go nazwać stagnacją.
Wieczna Suibokuga
Japońskie malarstwo sumi-e, czyli suibokuga, oznacza „rysowanie tuszem”. To determinuje styl i technikę tej sztuki. Pochodzi z Chin, ale Japończycy postanowili nadać mu własną nazwę. I początkowo technika ta nie miała żadnej strony estetycznej. Był używany przez mnichów do samodoskonalenia podczas studiowania zen. Ponadto najpierw rysowały obrazki, a później ćwiczyły koncentrację podczas ich oglądania. Mnisi wierzyli, że surowe linie, niewyraźne odcienie i cienie pomagają ulepszyć - wszystko to nazywa się monochromatyką.
Japońskie malarstwo tuszem, pomimo dużej różnorodności obrazów i technik, nie jest tak skomplikowane, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Opiera się tylko na 4 działkach:
- Chryzantema.
- Orchidea.
- Gałąź śliwki.
- Bambus.
Mała ilość działek nie sprzyja szybkiemu rozwojowi technologii. Niektórzy mistrzowie wierzą, że nauka trwa całe życie.
Pomimo tego, że sumi-e pojawiło się dawno temu, jest zawsze poszukiwane. Co więcej, dziś można spotkać mistrzów tej szkoły nie tylko w Japonii, ale jest ona również szeroko rozpowszechniona daleko poza jej granicami.
Okres nowożytny
Pod koniec drugiej wojny światowej sztuka w Japonii kwitła tylko w dużych miastach, mieszkańcy wsi i wieśniacy mieli dość zmartwień. Artyści w większości próbowali odwrócić się plecami od strat wojennych i przedstawić na płótnie współczesne życie miejskie ze wszystkimi jego ozdobnikami i cechami. Idee europejskie i amerykańskie zostały pomyślnie przyjęte, ale stan ten nie trwał długo. Wielu mistrzów zaczęło stopniowo odchodzić od nich w stronę szkół japońskich.
Tradycyjny styl zawsze był modny. Dlatego współczesne malarstwo japońskie może różnić się jedynie techniką wykonania lub materiałami użytymi w procesie. Ale większość artystów nie postrzega dobrze różnych innowacji.
Nie sposób nie wspomnieć o modnych współczesnych subkulturach, takich jak anime i podobne style. Wielu artystów próbuje zatrzeć granicę między klasyką a tym, co jest dziś popularne. W przeważającej części taki stan rzeczy wynika z handlu. Klasyki i tradycyjnych gatunków tak naprawdę się nie kupuje, dlatego nieopłacalna jest praca jako artysta w swoim ulubionym gatunku, trzeba dostosować się do mody.
Wniosek
Nie ma wątpliwości, że malarstwo japońskie jest skarbnicą sztuk pięknych. Być może był to kraj, który jako jedyny nie podążał za zachodnimi trendami, nie dostosowywał się do mody. Pomimo wielu ciosów w momencie pojawienia się nowych technik, japońskim artystom udało się jednak obronić narodowe tradycje w wielu gatunkach. Zapewne dlatego w czasach współczesnych obrazy wykonane w stylu klasycznym cieszą się dużym uznaniem na wystawach.