Treść artykułu
MALARSTWO AMERYKAŃSKIE. Pierwsze dzieła malarstwa amerykańskiego, które do nas dotarły, pochodzą z XVI wieku; są to szkice wykonane przez uczestników wypraw badawczych. Jednak profesjonalni artyści pojawili się w Ameryce dopiero na początku XVIII wieku; jedynym stabilnym źródłem dochodu był dla nich portret; gatunek ten zajmował wiodącą pozycję w malarstwie amerykańskim aż do początku XIX wieku.
Okres kolonialny.
Pierwsza grupa portretów, wykonana w technice malarstwa olejnego, pochodzi z drugiej połowy XVII wieku; W tym czasie życie osadników było w miarę spokojne, życie się ustabilizowało i pojawiły się możliwości uprawiania sztuki. Spośród tych dzieł najbardziej znany jest portret Pani Frick i córka Mary(1671–1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), namalowany przez nieznanego angielskiego artystę. W latach trzydziestych XVIII wieku w miastach na wschodnim wybrzeżu było już kilku artystów tworzących w bardziej nowoczesny i realistyczny sposób: Henrietta Johnston w Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn w Annapolis (1708), Gustav Hesselius w Filadelfii (1712), John Watson w Perth Amboy w New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) i John Smibert (1728) w Bostonie. Malarstwo tych dwóch ostatnich wywarło znaczący wpływ na twórczość Johna Singletona Copleya (1738–1815), uznawanego za pierwszego większego artystę amerykańskiego. Dzięki rycinom z kolekcji Pelham młody Copley zapoznał się z angielskim portretem ceremonialnym i malarstwem Godfreya Knellera, czołowego angielskiego mistrza pracującego w tym gatunku na początku XVIII wieku. Na obrazie Chłopiec z wiewiórką(1765, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych) Copley stworzył wspaniały realistyczny portret, delikatny i zaskakująco dokładny w oddawaniu faktury przedmiotów. Kiedy Copley wysłał tę pracę do Londynu w 1765 roku, Joshua Reynolds poradził mu, aby kontynuował studia w Anglii. Jednak Copley pozostał w Ameryce do 1774 roku i nadal malował portrety, dokładnie opracowując w nich wszystkie szczegóły i niuanse. Następnie odbył podróż do Europy i w 1775 r. osiadł w Londynie; W jego stylu pojawił się manieryzm i cechy idealizacji charakterystyczne dla ówczesnego malarstwa angielskiego. Do najwspanialszych dzieł Copleya wyprodukowanych w Anglii należą duże portrety ceremonialne przypominające twórczość Benjamina Westa, w tym obraz Brooke Watson i rekin(1778, Boston, Muzeum Sztuk Pięknych).
Wojna o niepodległość i początek XIX wieku.
W przeciwieństwie do Copleya i Westa, którzy pozostali na stałe w Londynie, portrecista Gilbert Stuart (1755–1828) wrócił do Ameryki w 1792 r., robiąc karierę w Londynie i Dublinie. Wkrótce stał się czołowym mistrzem tego gatunku w młodej republice; Stewart malował portrety prawie wszystkich prominentnych osobistości politycznych i publicznych w Ameryce. Jego prace wykonane są w sposób żywy, swobodny, szkicowy, bardzo odmienny od stylu amerykańskich dzieł Copleya.
Benjamin West chętnie przyjmował do swojej londyńskiej pracowni młodych amerykańskich artystów; do jego uczniów należeli Charles Wilson Peale (1741–1827) i Samuel FB Morse (1791–1872). Peale został założycielem dynastii malarzy i rodzinnego przedsiębiorstwa artystycznego w Filadelfii. Malował portrety, zajmował się badaniami naukowymi, otworzył Muzeum Historii Naturalnej i Malarstwa w Filadelfii (1786). Spośród jego siedemnastu dzieci wiele zostało artystami i przyrodnikami. Morse, lepiej znany jako wynalazca telegrafu, namalował kilka pięknych portretów i jeden z najwspanialszych obrazów w całym malarstwie amerykańskim - Galeria Luwr. W tej pracy około 37 płócien zostało odtworzonych w miniaturze z niesamowitą dokładnością. Dzieło to, jak wszystkie działania Morse'a, miało na celu wprowadzenie młodego narodu w wielką kulturę europejską.
Washington Alston (1779–1843) był jednym z pierwszych artystów amerykańskich, który złożył hołd romantyzmowi; Podczas długich podróży po Europie malował burze morskie, poetyckie sceny włoskie i sentymentalne portrety.
Na początku XIX wieku. Powstały pierwsze amerykańskie akademie artystyczne, zapewniające studentom kształcenie zawodowe i biorące bezpośredni udział w organizowaniu wystaw: Pennsylvania Academy of Arts w Filadelfii (1805) i National Academy of Drawing w Nowym Jorku (1825), której pierwszym prezesem był S. R. Morse . W latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku John Trumbull (1756–1843) i John Vanderlyn (1775–1852) namalowali ogromne kompozycje przedstawiające tematy z historii Ameryki, które zdobiły ściany Rotundy Kapitolu w Waszyngtonie.
W latach trzydziestych XIX wieku krajobraz stał się dominującym gatunkiem malarstwa amerykańskiego. Thomas Cole (1801–1848) namalował dziewiczą przyrodę północy (Nowy Jork). Twierdził, że zniszczone przez pogodę góry i jasne jesienne lasy są bardziej odpowiednimi tematami dla amerykańskich artystów niż malownicze europejskie ruiny. Cole namalował także kilka pejzaży przesiąkniętych znaczeniem etycznym i religijnym; wśród nich są cztery duże obrazy Ścieżka życia(1842, Waszyngton, National Gallery) - alegoryczne kompozycje przedstawiające łódź płynącą w dół rzeki, w której siedzi chłopiec, potem młody mężczyzna, potem mężczyzna, a na końcu starzec. Wielu malarzy krajobrazu poszło za przykładem Cole'a i w swoich pracach przedstawiało amerykańską naturę; często łączy się ich w jedną grupę zwaną „szkołą rzeki Hudson” (co nie jest prawdą, gdyż pracowali na terenie całego kraju i pisali w różnych stylach).
Wśród amerykańskich malarzy gatunkowych najbardziej znani to William Sidney Mount (1807–1868), który malował sceny z życia rolników z Long Island, oraz George Caleb Bingham (1811–1879), którego obrazy poświęcone są życiu rybaków z Long Island brzegi Missouri i wybory w małych prowincjonalnych miasteczkach.
Przed wojną secesyjną najpopularniejszym artystą był Frederick Edwin Church (1826–1900), uczeń Cole'a. Malował głównie prace wielkoformatowe, czasami stosował motywy nazbyt naturalistyczne, aby przyciągnąć i oszołomić publiczność. Church podróżował do najbardziej egzotycznych i niebezpiecznych miejsc, zbierając materiały przedstawiające wulkany Ameryki Południowej i góry lodowe mórz północnych; jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest obraz Wodospad Niagara (1857, Waszyngton, Corcoran Gallery).
W latach sześćdziesiątych XIX wieku ogromne płótna Alberta Bierstadta (1830–1902) wzbudziły powszechny podziw dla piękna Gór Skalistych z ich czystymi jeziorami, lasami i przypominającymi wieże szczytami.
Okres powojenny i przełom wieków.
Po wojnie domowej modne stało się studiowanie malarstwa w Europie. W Düsseldorfie, Monachium, a zwłaszcza Paryżu można było zdobyć znacznie bardziej podstawowe wykształcenie niż w Ameryce. James McNeil Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) i John Singer Sargent (1856–1925) studiowali w Paryżu, mieszkali i pracowali we Francji i Anglii. Whistler był blisko francuskich impresjonistów; w swoich obrazach szczególną wagę przywiązywał do zestawień kolorystycznych i wyrazistej, lakonicznej kompozycji. Mary Cassatt na zaproszenie Edgara Degasa brała udział w wystawach impresjonistów od 1879 do 1886 roku. Sargent malował portrety najwybitniejszych osobistości Starego i Nowego Świata w sposób odważny, porywczy, szkicowy.
Przeciwna strona spektrum stylistycznego impresjonizmu w sztuce końca XIX wieku. zajmowane przez artystów realistów, którzy malowali iluzjonistyczne martwe natury: Williama Michaela Harnetta (1848–1892), Johna Fredericka Peto (1854–1907) i Johna Haeberla (1856–1933).
Dwóch najważniejszych artystów końca XIX i początku XX w., Winslow Homer (1836–1910) i Thomas Eakins (1844–1916), nie należeli do żadnego z modnych wówczas ruchów artystycznych. Homer rozpoczął karierę twórczą w latach sześćdziesiątych XIX wieku od ilustrowania nowojorskich magazynów; już w latach 90. XIX w. cieszył się opinią znanego artysty. Jego wczesne obrazy przedstawiają sceny z życia na wsi nasycone jasnym światłem słonecznym. Później Homer zaczął zwracać się ku bardziej złożonym i dramatycznym obrazom i motywom: na zdjęciu Prąd Zatokowy(1899, Metropolitan) przedstawia rozpacz czarnego marynarza leżącego na pokładzie łodzi na wzburzonym morzu pełnym rekinów. Za życia Thomas Eakins był obiektem ostrej krytyki za nadmierny obiektywizm i bezpośredniość. Obecnie jego prace są wysoko cenione za surowe i jasne rysunki; na jego pędzlach znajdują się wizerunki sportowców i szczere portrety przepojone współczuciem.
XX wiek.
Na początku stulecia najbardziej ceniono naśladownictwo francuskiego impresjonizmu. Gustowi społecznemu rzuciła wyzwanie grupa ośmiu artystów: Robert Henry (1865–1929), W. J. Glackens (1870–1938), John Sloan (1871–1951), J. B. Lax (1867–1933), Everett Shinn (1876–1953) , AB Davies (1862–1928), Maurice Prendergast (1859–1924) i Ernest Lawson (1873–1939). Krytycy nazywali ich szkołą „śmietników” ze względu na ich upodobanie do przedstawiania slumsów i innych prozaicznych tematów.
W 1913 roku na tzw „Armory Show” prezentował prace mistrzów różnych dziedzin postimpresjonizmu. Artyści amerykańscy byli podzieleni: niektórzy zwrócili się w stronę eksploracji możliwości koloru i abstrakcji formalnej, inni pozostali w łonie tradycji realistycznej. Do drugiej grupy należeli Charles Burchfield (1893–1967), Reginald Marsh (1898–1954), Edward Hopper (1882–1967), Fairfield Porter (1907–1975), Andrew Wyeth (ur. 1917) i inni. Obrazy Ivana Albrighta (1897–1983), George’a Tookera (ur. 1920) i Petera Blooma (1906–1992) utrzymane są w stylu „realizmu magicznego” (podobieństwo do natury w ich dziełach jest przesadzone, a rzeczywistość bardziej przypomina sen lub halucynację). Inni artyści, jak Charles Sheeler (1883–1965), Charles Demuth (1883–1935), Lionel Feininger (1871–1956) i Georgia O'Keeffe (1887–1986), łączyli w swoich pracach elementy realizmu, kubizmu i ekspresjonizmu. dzieła i inne kierunki sztuki europejskiej. Morskie widoki Johna Marina (1870–1953) i Marsdena Hartleya (1877–1943) są bliskie ekspresjonizmowi. Wizerunki ptaków i zwierząt na obrazach Maurice’a Gravesa (ur. 1910) wciąż zachowują związek ze światem widzialnym, choć formy w jego pracach są mocno zniekształcone i doprowadzone do wręcz skrajnych określeń symbolicznych.
Po II wojnie światowej malarstwo nieobiektywne stało się wiodącym kierunkiem w sztuce amerykańskiej. Główną uwagę zwrócono teraz na samą powierzchnię malarską; postrzegano go jako arenę interakcji linii, mas i plam koloru. W tych latach najważniejsze miejsce zajmował ekspresjonizm abstrakcyjny. Był to pierwszy ruch w malarstwie, który powstał w Stanach Zjednoczonych i miał znaczenie międzynarodowe. Przywódcami tego ruchu byli Arshile Gorky (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) i Franz Kline (1910–1962). Jednym z najciekawszych odkryć abstrakcyjnego ekspresjonizmu była metoda artystyczna Jacksona Pollocka, który kapał lub rzucał farbę na płótno, tworząc skomplikowany labirynt dynamicznych form liniowych. Inni artyści tego ruchu -
Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła pozostaną w Waszej pamięci nie mniej głęboko, niż dzieła mistrzów minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył studia na Politechnice Śląskiej, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na wyrażaniu emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z różnymi nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang to współczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., gdzie uzyskał tytuł BFA. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę profesjonalnego artysty.
Jego obrazy realistyczne można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi przy pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa sięga twórczości XVI-wiecznego artysty Johannesa Vermeera i obejmuje tematy, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, wnętrza pracowni, sale lekcyjne i domy. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki piękne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Warren obecnie mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, a także wykłada (znany jako utalentowany nauczyciel) w Akademii Sztuki w San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Uzyskał dyplom ze scenografii w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne obrazy Bruniego zakorzenione są w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty animowane i nieożywione zyskują jednakową dostojność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za kurtyną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasander Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w Shasta w Kalifornii.
Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dlatego od najmłodszych lat działalność artystyczna cieszyła się pełnym wsparciem obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i pracująca na pół etatu artystka Cathy Gaggliardi namówiła Alkasandera do zapisania się do szkoły plastycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee w stanie Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć studia w School of Fine Arts, której metody opierają się na twórczości Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwypuklenia cech i wad ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Tematyka kompozycji jego obrazów przeznaczona jest do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy obrazy nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego prac znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały istnienia poprzez malarstwo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodzony w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zacząłem się interesować już jako dziecko. Studiowała w The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo de' Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała studia w ramach studiów magisterskich w New York Academy of Art na wydziale Sztuki Figuratywnej, które ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i placówkach oświatowych w całym kraju, ucząc malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.
„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie przyciskają się do szyby okna prysznica, zniekształcając własne ciała, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Miesza się grube warstwy farby, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska widoczne są niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję punkt, w którym abstrakcyjne pociągnięcia pędzlem stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i wierzyłem, że muszę malować jak najbardziej realistycznie. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się on rozwikłać i ujawnić same w sobie sprzeczności. Obecnie badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antonia Finelliego
Włoski artysta – „ Obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem” Obserwator czasu„Antonio Finelli zabiera nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej doczesności i związaną z nią skrupulatną analizę tego świata, której głównym elementem jest przemijanie czasu i ślady, jakie pozostawia on na skórze.
Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezlitosności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym, ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminię Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Przez dwanaście lat mieszkała w Rzymie, a przez trzy lata w Anglii i Francji. Ukończyła historię sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „uczesać la pate” i bawić się materiałem. Podobną technikę rozpoznała w twórczości artysty Pascala Torui. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: sztuką uliczną, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku pozostał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, obecnie odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis posługuje się szeroką gamą technik graficznych i malarskich. Do jego ulubionych technik malarskich należy rysunek ołówkiem; lista tematów jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna; maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Amerykańscy artyści są bardzo różnorodni. Niektórzy byli wyraźnie kosmopolityczni, jak Sargent. Amerykanin z pochodzenia, ale prawie całe swoje dorosłe życie spędził w Londynie i Paryżu.
Są wśród nich także autentyczni Amerykanie, którzy portretowali życie wyłącznie swoich rodaków, jak Rockwell.
Są też artyści nie z tego świata, jak Pollock. Albo tych, których sztuka stała się wytworem społeczeństwa konsumpcyjnego. Mowa oczywiście o Warholu.
Jednak wszyscy oni są Amerykanami. Kochający wolność, odważny, bystry. Przeczytaj o siedmiu z nich poniżej.
1. James Whistler (1834-1903)
Jamesa Whistlera. Autoportret. 1872 Instytut Sztuki w Detroit, USA. Whistlera trudno nazwać prawdziwym Amerykaninem. Dorastając, mieszkał w Europie. A dzieciństwo spędził... w Rosji. Jego ojciec zbudował linię kolejową w Petersburgu.
To właśnie tam chłopiec James zakochał się w sztuce, odwiedzając dzięki koneksjom ojca Ermitaż i Peterhof (wówczas były to jeszcze pałace zamknięte dla zwiedzających).
Z czego słynie Whistler? Niezależnie od stylu, w jakim pisze, od realizmu po tonalizm*, można go niemal natychmiast rozpoznać po dwóch cechach. Niezwykłe kolory i nazwy muzyczne.
Część jego portretów jest imitacją dawnych mistrzów. Jak na przykład jego słynny portret „Matka artysty”.
Jamesa Whistlera. Matka artysty. Aranżacja w odcieniach szarości i czerni. 1871 Artysta stworzył niesamowite dzieło, używając kolorów od jasnoszarego do ciemnoszarego. I trochę żółtego.
Nie oznacza to jednak, że Whistler uwielbiał takie kolory. Był niezwykłą osobą. Z łatwością mógł pojawić się w towarzystwie w żółtych skarpetkach i niosąc jasny parasol. I to wtedy mężczyźni ubierali się wyłącznie na czarno i szaro.
Ma też na swoim koncie utwory znacznie lżejsze od „Matki”. Na przykład „Symfonia w bieli”. Tak nazwał obraz jeden z dziennikarzy obecnych na wystawie. Whistlerowi spodobał się ten pomysł. Od tego czasu zatytułował muzycznie prawie wszystkie swoje dzieła.
Jamesa Whistlera. Symfonia w bieli nr 1. 1862 National Gallery Waszyngton, USA Ale wtedy, w 1862 roku, Symfonia nie spodobała się publiczności. Ponownie, ze względu na osobliwą kolorystykę Whistlera. Ludzie uważali, że to dziwne malować kobietę na biało na białym tle.
Na zdjęciu widzimy rudowłosą kochankę Whistlera. Całkiem w duchu prerafaelitów. Przecież w tym czasie artysta przyjaźnił się z jednym z głównych twórców prerafaelizmu, Gabrielem Rossettim. Piękno, lilie, niezwykłe elementy (skóra wilka). Wszystko jest tak jak powinno być.
Ale Whistler szybko odszedł od prerafaelizmu. Ponieważ nie było dla niego ważne piękno zewnętrzne, ale nastrój i emocje. I stworzył nowy kierunek - tonalizm.
Jego nokturny pejzażowe w stylu tonalizmu są naprawdę jak muzyka. Monochromatyczny, lepki.
Sam Whistler powiedział, że tytuły muzyczne pomagają skupić się na samym obrazie, liniach i kolorach. Jednocześnie bez myślenia o miejscu i osobach, które są ukazane.
Jamesa Whistlera. Nokturn w kolorze niebieskim i srebrnym: Chelsea. 1871 Galeria Tate w Londynie 
Mary Cassat. Śpiące dziecko. Pastel, papier. 1910 Muzeum Sztuki w Dallas, USA Do końca pozostała jednak wierna swojemu stylowi. Impresjonizm. Miękki pastel. Matki z dziećmi.
Na rzecz malarstwa Cassatt porzucił macierzyństwo. Ale jej kobieca strona coraz częściej ujawniała się w tak delikatnych dziełach, jak „Śpiące dziecko”. Szkoda, że konserwatywne społeczeństwo kiedyś postawiło ją przed takim wyborem.
3. Jan Sargent (1856-1925)
Johna Sargenta. Autoportret. 1892 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku John Sargent był pewien, że przez całe życie będzie portrecistą. Moja kariera szła dobrze. Arystokraci ustawiali się w kolejce, aby złożyć u niego zamówienie.
Ale pewnego dnia, według społeczeństwa, artysta przekroczył granicę. Trudno nam teraz zrozumieć, co jest tak niedopuszczalnego w filmie „Madame X”.
Co prawda w oryginalnej wersji bohaterka miała opuszczony jeden z pasków. Sargent ją „wychował”, ale to nie pomogło sprawy. Zamówienia wyschły.
Johna Sargenta. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork Jaką nieprzyzwoitą rzecz zobaczyła opinia publiczna? I fakt, że Sargent przedstawił modelkę w pozie zbyt pewnej siebie. Co więcej, przezroczysta skóra i różowe ucho są bardzo wymowne.
Zdjęcie zdaje się mówić, że ta kobieta o zwiększonej seksualności nie ma nic przeciwko akceptowaniu zalotów innych mężczyzn. Co więcej, będąc w związku małżeńskim.
Niestety, współcześni nie widzieli arcydzieła stojącego za tym skandalem. Ciemna sukienka, jasna skóra, dynamiczna poza - proste połączenie, które mogą znaleźć tylko najbardziej utalentowani rzemieślnicy.
Ale każda chmura ma dobrą stronę. Sargent otrzymał w zamian wolność. Zacząłem więcej eksperymentować z impresjonizmem. Pisz do dzieci w sytuacjach natychmiastowych. Tak powstała praca „Goździk, Lilia, Lilia, Róża”.
Sargent chciał uchwycić konkretny moment zmierzchu. Dlatego pracowałem tylko 2 minuty dziennie, gdy oświetlenie było odpowiednie. Pracował latem i jesienią. A kiedy kwiaty zwiędły, zastąpiłam je sztucznymi.
Johna Sargenta. Goździk, lilia, lilia, róża. 1885-1886 Galeria Tate w Londynie W ostatnich dziesięcioleciach Sargent tak upodobał sobie wolność, że zaczął całkowicie porzucać portrety. Chociaż jego reputacja została już przywrócona. Jednej klientce nawet brutalnie odprawił, mówiąc, że chętniej pomalowałby jej bramę niż twarz.
Johna Sargenta. Białe statki. 1908 Muzeum Brooklyńskie, USA Współcześni traktowali Sargenta z ironią. Uważane za przestarzałe w dobie modernizmu. Ale czas postawił wszystko na swoim miejscu.
Teraz jego dzieła są warte nie mniej niż dzieła najsłynniejszych modernistów. Cóż, nie ma nic do powiedzenia na temat miłości publiczności. Wystawy z jego pracami są zawsze wyprzedane.
4. Norman Rockwell (1894-1978)
Normana Rockwella. Autoportret. Ilustracja do wydania The Saturday Evening Post z 13 lutego 1960 roku. Trudno sobie wyobrazić bardziej popularnego artystę za jego życia niż Norman Rockwell. Na jego ilustracjach wychowało się kilka pokoleń Amerykanów. Kochając ich całą duszą.
W końcu Rockwell portretował zwykłych Amerykanów. Ale jednocześnie pokazując swoje życie od jak najbardziej pozytywnej strony. Rockwell nie chciał pokazywać ani złych ojców, ani obojętnych matek. I nie spotkasz z nim żadnych nieszczęśliwych dzieci.
Normana Rockwella. Cała rodzina na wakacjach i z wakacji. Ilustracja w magazynie „Evening Saturday Post” z 30 sierpnia 1947 r. Muzeum Normana Rockwella w Stockbridge, Massachusetts, USA Jego prace są pełne humoru, bogatej kolorystyki i bardzo umiejętnie uchwyconej mimiki życia.
Ale to złudzenie, że praca była dla Rockwella łatwa. Aby stworzyć jeden obraz, mógł najpierw wykonać nawet sto zdjęć swoich bohaterów, aby uchwycić właściwe gesty.
Prace Rockwella wywarły ogromny wpływ na umysły milionów Amerykanów. Przecież często wypowiadał się poprzez swoje obrazy.
Podczas II wojny światowej postanowił pokazać, o co walczą żołnierze jego kraju. Stworzył także obraz „Wolność od pragnień”. W formie Święta Dziękczynienia, podczas którego wszyscy członkowie rodziny, dobrze odżywieni i usatysfakcjonowani, cieszą się rodzinnym świętem.
Normana Rockwella. Wolność od pragnienia. 1943 Muzeum Normana Rockwella w Stockbridge, Massachusetts, USA Po 50 latach pracy w „Saturday Evening Post” Rockwell odszedł do bardziej demokratycznego magazynu „Look”, w którym mógł wyrażać swoje poglądy na kwestie społeczne.
Najbardziej uderzającym dziełem tamtych lat jest „Problem, z którym żyjemy”.
Normana Rockwella. Problem, z którym żyjemy. 1964 Muzeum Normana Rockwella, Stockbridge, USA To prawdziwa historia czarnej dziewczyny, która chodziła do białej szkoły. Od czasu uchwalenia prawa, które stanowi, że ludzie (a tym samym instytucje edukacyjne) nie powinny być już rozdzielane ze względu na rasę.
Ale złość mieszkańców miasta nie miała granic. W drodze do szkoły dziewczynka była pilnowana przez policję. To jest „rutynowy” moment, który pokazał Rockwell.
Jeśli chcesz poznać życie Amerykanów w nieco upiększonym świetle (tak jak oni sami chcieli je zobaczyć), koniecznie obejrzyj obrazy Rockwella.
Być może ze wszystkich malarzy przedstawionych w tym artykule Rockwell jest najbardziej amerykańskim artystą.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrzej Wyeth. Autoportret. 1945 Narodowa Akademia Projektowania w Nowym Jorku W przeciwieństwie do Rockwella Wyeth nie był tak pozytywny. Samotnik z natury, nie próbował niczego upiększać. Wręcz przeciwnie, przedstawiał najzwyklejsze krajobrazy i rzeczy niezwykłe. Tylko pole pszenicy, tylko drewniany dom. Ale udało mu się nawet dostrzec w nich coś magicznego.
Jego najsłynniejszym dziełem jest „Świat Christiny”. Wyeth pokazał losy jednej kobiety, swojej sąsiadki. Sparaliżowana od dzieciństwa, czołgała się po gospodarstwie.
Zatem na tym zdjęciu nie ma nic romantycznego, jak mogłoby się wydawać na pierwszy rzut oka. Jeśli przyjrzysz się uważnie, kobieta jest boleśnie chuda. A wiedząc, że bohaterka ma sparaliżowane nogi, ze smutkiem rozumie się, jak daleko jej jeszcze do domu.
Na pierwszy rzut oka Wyeth napisał najzwyklejszą rzecz. Oto stare okno starego domu. Podniszczona zasłona, która już zaczęła zamieniać się w strzępy. Za oknem las jest ciemny.
Ale jest w tym wszystkim pewna tajemnica. Inne spojrzenie.
Andrzej Wyeth. Wiatr od morza. 1947 Galeria Narodowa Waszyngton, USA Dzięki temu dzieci wiedzą, jak patrzeć na świat z otwartym umysłem. Wyatt wygląda tak samo. I jesteśmy z nim.
Wszystkimi sprawami Wyetha zajmowała się jego żona. Była dobrą organizatorką. To ona kontaktowała się z muzeami i kolekcjonerami.
W ich związku było niewiele romantyzmu. Muza musiała się pojawić. I stała się prostą, ale o niezwykłym wyglądzie Helgą. Dokładnie to widzimy w wielu miejscach pracy.
Andrzej Wyeth. Warkocze (z serii „Helga”). 1979 Zbiory prywatne Wydawać by się mogło, że widzimy jedynie fotograficzny obraz kobiety. Ale z jakiegoś powodu trudno się od niej oderwać. Jej wygląd jest zbyt skomplikowany, a ramiona napięte. To tak, jakbyśmy byli razem z nią wewnętrznie napięci. Próbuję znaleźć wyjaśnienie tego napięcia.
Odwzorowując rzeczywistość w każdym szczególe, Wyeth w magiczny sposób obdarzył ją emocjami, które nie pozostawiają nikogo obojętnym.
Artysta długo nie był rozpoznawany. Swoim realizmem, choć magicznym, nie wpisywał się w modernistyczne trendy XX wieku.
Kiedy muzealnicy kupowali jego dzieła, starali się to zrobić po cichu, bez zwracania na siebie uwagi. Wystawy organizowano rzadko. Ale ku zazdrości modernistów zawsze odnosiły one ogromny sukces. Ludzie przybywali tłumnie. I wciąż przychodzą.
6. Jackson Pollock (1912-1956)
Jacksona Pollocka. Zdjęcie z 1950 r.: Hans Namuth Jacksona Pollocka nie można zignorować. Przekroczył w sztuce pewną granicę, po której malarstwo nie mogło już być takie samo. Pokazał, że w sztuce w ogóle można obejść się bez granic. Kiedy położyłem płótno na podłodze i spryskałem je farbą.
A ten amerykański artysta zaczął od sztuki abstrakcyjnej, w której wciąż można było prześledzić figuratywność. W jego pracy z lat 40. „Figura stenograficzna” widzimy zarysy zarówno twarzy, jak i dłoni. A nawet symbole, które rozumiemy w postaci krzyżyków i zer.
Jacksona Pollocka. Skrócona figura. 1942 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA) Jego dzieło było chwalone, ale ludziom nie spieszyło się z zakupem. Był biedny jak mysz kościelna. I pił bezwstydnie. Pomimo szczęśliwego małżeństwa. Żona podziwiała jego talent i robiła wszystko, aby mąż osiągnął sukces.
Ale Pollock początkowo miał złamaną osobowość. Od młodości z jego działań jasno wynikało, że jego przeznaczeniem była przedwczesna śmierć.
To załamanie ostatecznie doprowadzi do jego śmierci w wieku 44 lat. Ale będzie miał czas, aby dokonać rewolucji w sztuce i zyskać sławę.
Jacksona Pollocka. Rytm jesieni (numer 30). 1950 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, USA I zrobił to w ciągu dwóch lat trzeźwości. Mógł owocnie pracować w latach 1950-1952. Eksperymentował długo, aż doszedł do techniki kroplowej.
Rozłożył na podłodze swojej stodoły ogromne płótno i spacerował po nim, jakby był w samym obrazie. I spryskał lub po prostu wylał farbę.
Ludzie zaczęli chętnie kupować od niego te niezwykłe obrazy ze względu na ich niesamowitą oryginalność i nowatorstwo.
Jacksona Pollocka. Niebieskie filary. 1952 Galeria Narodowa Australii, Canberra Pollock był przytłoczony sławą i popadł w depresję, nie rozumiejąc, gdzie dalej się poruszać. Śmiertelna mieszanka alkoholu i depresji nie pozostawiła mu szans na przeżycie. Któregoś dnia wsiadł za kierownicę bardzo pijany. Ostatni raz.
7. Andy Warhol (1928-1987)
Andy’ego Warhole’a. Zdjęcie z 1979 r.: Arthur Tress Pop-art mógł narodzić się tylko w kraju o takim kulcie konsumpcji jak w Ameryce. A jego głównym inicjatorem był oczywiście Andy Warhol.
Zasłynął z tego, że najzwyklejsze rzeczy zamieniał w dzieło sztuki. Tak właśnie stało się z puszką zupy Campbell.
Wybór nie był przypadkowy. Matka Warhola karmiła syna tą zupą codziennie przez ponad 20 lat. Nawet gdy przeprowadził się do Nowego Jorku i zabrał ze sobą matkę.
Andy’ego Warhole’a. Puszki z zupą Campbell. Polimer, druk ręczny. 32 obrazy o wymiarach 50x40 każdy. 1962 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA) Po tym eksperymencie Warhol zainteresował się sitodrukiem. Od tego czasu robił zdjęcia gwiazd popu i malował je w różnych kolorach.
Tak pojawiła się jego słynna malowana Marilyn Monroe.
Wyprodukowano niezliczoną ilość takich kwaśnych kwiatów Marilyn. Warhol wprowadził sztukę na rynek. Tak jak powinno być w społeczeństwie konsumpcyjnym.
Andy’ego Warhole’a. Marilyn Monroe. Sitodruk, papier. 1967 Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA) Warhol nie wymyślił pomalowanych twarzy znikąd. I znowu nie obyło się bez wpływu matki. Jako dziecko, w czasie przewlekłej choroby syna, przynosiła mu paczki kolorowanek.
To hobby z dzieciństwa stało się jego wizytówką i uczyniło go bajecznie bogatym.
Malował nie tylko gwiazdy popu, ale także arcydzieła swoich poprzedników. Ja też to dostałem.
„Wenus”, podobnie jak Marilyn, zrobiła wiele. Ekskluzywność dzieła sztuki została przez Warhola „wymazana” na proszek. Dlaczego artysta to zrobił?
Popularyzować stare arcydzieła? Lub odwrotnie, spróbować je zdewaluować? Unieśmiertelnić gwiazdy popu? A może urozmaicić śmierć ironią?
Andy’ego Warhole’a. Wenus Botticellego. Sitodruk, akryl, płótno. 122x183 cm 1982. Muzeum E. Warhola w Pittsburghu, USA Jego kolorowe dzieła Madonny, Elvisa Presleya czy Lenina są czasami bardziej rozpoznawalne niż oryginalne fotografie.
Ale arcydzieła nie zostały przyćmione. Mimo to dziewicza „Wenus” pozostaje bezcenna.
Warhol był zapalonym imprezowiczem, przyciągającym wielu marginalizowanych ludzi. Narkomani, nieudani aktorzy lub po prostu niezrównoważone jednostki. Jeden z nich strzelił do niego raz.
Warhol przeżył. Jednak 20 lat później, w wyniku odniesionych kiedyś ran, zmarł samotnie w swoim mieszkaniu.
Tygiel amerykański
Pomimo krótkiej historii sztuki amerykańskiej, asortyment jest szeroki. Wśród artystów amerykańskich można wymienić impresjonistów (Sargent), realistów magicznych (Wyeth), ekspresjonistów abstrakcyjnych (Pollock) i pionierów pop-artu (Warhol).
Cóż, Amerykanie kochają wolność wyboru we wszystkim. Setki wyznań. Setki narodów. Setki stylów artystycznych. Dlatego jest to tygiel Stanów Zjednoczonych Ameryki.
W kontakcie z
Obraz „Portret artysty (basen z dwiema postaciami)” Davida Hockneya został sprzedany na aukcji Christie’s w Nowym Jorku za rekordową kwotę 90 mln 315,5 tys. dolarów.
David Hockney (ur. 9 lipca 1937) to angielski artysta, grafik i fotograf, który większość życia spędził w Stanach Zjednoczonych. Wybitny przedstawiciel pop-artu lat 60. XX wieku, uznawany za jednego z najbardziej wpływowych artystów XX wieku.
81-letni David Hockney stał się najdroższym żyjącym artystą. Dom aukcyjny wycenił obraz na 80 milionów dolarów, pisze BBC. To prawie trzykrotnie więcej niż poprzedni rekord Hockneya – w maju tego roku jego praca „Pacific Coast Highway and Santa Monica” (1990) została sprzedana w Sotheby’s za 28,5 miliona dolarów.
„Basen z dwiema figurami” stał się najdroższym dziełem żyjącego autora sprzedanym na aukcji, a Hockney najdroższym żyjącym artystą.
Wcześniej tytuł ten należał do 63-letniego amerykańskiego artysty Jeffa Koonsa, którego wykonany ze stali nierdzewnej „Balloon Dog (Orange)” został sprzedany na aukcji Christie's w 2013 roku za 58 milionów dolarów.
- Amerykański artysta uliczny Ron English „Slave Labor” za 730 tysięcy dolarów i obiecał pomalować go całkowicie na biało.
- Perłowa zawieszka z diamentami przedstawiająca królową Francję Marię Antoninę (1755-1793).
- Dom aukcyjny Christie's został sprzedany za 432,5 tys. dolarów