Liczba stylów i trendów jest ogromna, jeśli nie nieskończona. Kluczową cechą, według której można grupować dzieła w style, są wspólne zasady myślenia artystycznego. Zastąpienie jednego sposobu myślenia artystycznego innym (naprzemienność typów kompozycji, sposobów konstrukcji przestrzennej, cech kolorystycznych) nie jest przypadkowe. Historycznie zmieniło się także nasze postrzeganie sztuki.
Budując system stylów w porządku hierarchicznym, będziemy trzymać się tradycji europocentrycznej. Najważniejszym pojęciem w historii sztuki jest pojęcie epoki. Każda epoka charakteryzuje się pewnym „obrazem świata”, na który składają się idee filozoficzne, religijne, polityczne, koncepcje naukowe, psychologiczne cechy światopoglądu, standardy etyczne i moralne, estetyczne kryteria życia, którymi odróżnia się jedna era od drugiej . Są to epoka prymitywna, epoka starożytnego świata, starożytność, średniowiecze, renesans i epoka nowożytna.
Style w sztuce nie mają wyraźnych granic, płynnie przechodzą w siebie i podlegają ciągłemu rozwojowi, mieszaniu się i przeciwstawianiu. W ramach jednego historycznego stylu artystycznego zawsze rodzi się nowy, który z kolei przechodzi w następny. Wiele stylów współistnieje jednocześnie i dlatego nie ma w ogóle „czystych stylów”.
W tej samej epoce historycznej może współistnieć kilka stylów. Na przykład klasycyzm, akademizm i barok w XVII wieku, rokoko i neoklasycyzm w XVIII wieku, romantyzm i akademizm w XIX wieku. Style takie jak klasycyzm i barok nazywane są wielkimi stylami, ponieważ dotyczą wszystkich rodzajów sztuki: architektury, malarstwa, sztuki dekoracyjnej i użytkowej, literatury, muzyki.
Należy rozróżnić: style artystyczne, kierunki, nurty, szkoły i cechy poszczególnych stylów poszczególnych mistrzów. W obrębie jednego stylu może istnieć kilka ruchów artystycznych. Na kierunek artystyczny składają się zarówno cechy charakterystyczne dla danej epoki, jak i unikalne sposoby myślenia artystycznego. Na przykład styl secesyjny obejmuje szereg nurtów z przełomu wieków: postimpresjonizm, symbolizm, fowizm itp. Z drugiej strony pojęcie symboliki jako nurtu artystycznego jest dobrze rozwinięte w literaturze, natomiast w malarstwie jest bardzo niejasne i łączy artystów tak odmiennych stylistycznie, że często interpretuje się ich jedynie jako łączący ich światopogląd.
Poniżej zostaną podane definicje epok, stylów i trendów, które w taki czy inny sposób znajdują odzwierciedlenie we współczesnej sztuce pięknej i dekoracyjnej.
| - styl artystyczny, który rozwinął się w krajach Europy Zachodniej i Środkowej w XII-XV wieku. Był efektem wielowiekowej ewolucji sztuki średniowiecznej, jej najwyższym etapem i jednocześnie pierwszym w historii ogólnoeuropejskim, międzynarodowym stylem artystycznym. Zajmował się wszystkimi dziedzinami sztuki – architekturą, rzeźbą, malarstwem, witrażami, projektowaniem książek, sztuką dekoracyjną i użytkową. Podstawą stylu gotyckiego była architektura, którą charakteryzują ostrołukowe łuki skierowane ku górze, wielokolorowe witraże i wizualna dematerializacja formy. Elementy sztuki gotyckiej często można odnaleźć we współczesnym wystroju wnętrz, zwłaszcza w malowidłach ściennych, rzadziej w malarstwie sztalugowym. Od końca ubiegłego wieku istnieje subkultura gotycka, która wyraźnie objawia się w muzyce, poezji i projektowaniu ubiorów. |
|
| (renesans) - (renesans francuski, włoski Rinascimento) Era w rozwoju kulturowym i ideologicznym wielu krajów Europy Zachodniej i Środkowej, a także niektórych krajów Europy Wschodniej. Główne cechy charakterystyczne kultury renesansu: świecki charakter, humanistyczny światopogląd, odwoływanie się do starożytnego dziedzictwa kulturowego, rodzaj jego „odrodzenia” (stąd nazwa). Kultura renesansu ma specyficzne cechy epoki przejściowej od średniowiecza do czasów nowożytnych, w której przeplatające się stare i nowe tworzą wyjątkowy, jakościowo nowy stop. Trudnym pytaniem są chronologiczne granice renesansu (we Włoszech - 14-16 wieków, w innych krajach - 15-16 wieków), jego rozmieszczenie terytorialne i cechy narodowe. Elementy tego stylu w sztuce współczesnej często wykorzystywane są w malarstwie ściennym, rzadziej w malarstwie sztalugowym. | |
 |
- (z włoskiego maniera - technika, maniera) ruch w sztuce europejskiej XVI wieku. Przedstawiciele manieryzmu odeszli od renesansowego harmonijnego postrzegania świata, humanistycznej koncepcji człowieka jako doskonałego tworu natury. Wnikliwe postrzeganie życia łączyło się z programowym pragnieniem nie podążania za naturą, ale wyrażenia subiektywnej „wewnętrznej idei” obrazu artystycznego zrodzonego w duszy artysty. Najdobitniej objawiło się to we Włoszech. Dla włoskiego manieryzmu lat dwudziestych XVI wieku. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) charakteryzują się dramatyczną ostrością obrazów, tragicznym światopoglądem, złożonością i przesadną ekspresją póz i motywów ruchu, wydłużonymi proporcjami postaci, dysonansami kolorystycznymi oraz światła i cienia. Ostatnio zaczęto go używać przez historyków sztuki do określenia zjawisk w sztuce współczesnej związanych z przemianami stylów historycznych. |
| - historyczny styl artystyczny, który rozpowszechnił się początkowo w środkowych Włoszech. XVI-XVII w., a następnie w XVII-XVIII w. we Francji, Hiszpanii, Flandrii i Niemczech. Szerzej, terminem tym określa się stale odnawiające się tendencje do postawy niespokojnej, romantycznej, myślenia w formach ekspresyjnych, dynamicznych. Wreszcie w każdym czasie, w niemal każdym historycznym stylu artystycznym można odnaleźć swój „okres baroku” jako etap najwyższego rozkwitu twórczego, napięcia emocji, wybuchowości form. | |
| - styl artystyczny w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII - wczesnych lat. XIX w., a w języku rosyjskim XVIII – wczesny. XIX, który jako ideał do naśladowania zwrócił się do dziedzictwa starożytnego. Przejawiało się to w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztuce zdobniczej i użytkowej. Artyści klasyczni uważali starożytność za najwyższe osiągnięcie i uczynili z niej swój standard w sztuce, który starali się naśladować. Z czasem przerodziło się to w akademizm. | |
| - kierunek w sztuce europejskiej i rosyjskiej lat 20.-30. XIX wieku, który zastąpił klasycyzm. Romantycy podkreślali indywidualność, przeciwstawiając idealne piękno klasycyzmu „niedoskonałej” rzeczywistości. Artystów przyciągały jasne, rzadkie, niezwykłe zjawiska, a także obrazy o fantastycznej naturze. W sztuce romantyzmu ważną rolę odgrywa wyostrzona indywidualna percepcja i doświadczenie. Romantyzm uwolnił sztukę od abstrakcyjnych dogmatów klasycyzmu i zwrócił ją ku historii narodowej i obrazom folkloru. | |
 |
- (z łac. sentyment - uczucie) - kierunek w sztuce zachodniej drugiej połowy XVIII wieku, wyrażający rozczarowanie „cywilizacją” opartą na ideałach „rozumu” (ideologia oświeceniowa). S. głosi uczucie, samotniczą refleksję i prostotę wiejskiego życia „małego człowieka”. J. J. Rousseau uważany jest za ideologa S. |
| - kierunek w sztuce, który stara się jak najprawdziwiej i wiarygodnie oddać zarówno formę zewnętrzną, jak i istotę zjawisk i rzeczy. Jak metoda twórcza łączy indywidualne i typowe cechy podczas tworzenia obrazu. Najdłuższy istniejący kierunek, rozwijający się od epoki prymitywnej do współczesności. | |
| - kierunek w europejskiej kulturze artystycznej końca XIX i początku XX wieku. Pojawiająca się jako reakcja na dominację norm burżuazyjnego „zdrowego rozsądku” w sferze humanitarnej (w filozofii, estetyce - pozytywizm, w sztuce - naturalizm), symbolika ukształtowała się przede wszystkim w literaturze francuskiej końca lat 60.-70. XIX wieku i później stało się powszechne w Belgii i Niemczech, Austrii, Norwegii, Rosji. Estetyczne zasady symboliki w dużej mierze nawiązywały do idei romantyzmu, a także do niektórych doktryn filozofii idealistycznej A. Schopenhauera, E. Hartmanna, częściowo F. Nietzschego, do twórczości i teoretyzowania niemieckiego kompozytora R. Wagnera . Symbolika przeciwstawiała żywą rzeczywistość światu wizji i snów. Symbol wygenerowany przez poetycką wnikliwość i wyrażający nieziemski sens zjawisk ukrytych przed potoczną świadomością uznawany był za uniwersalne narzędzie zrozumienia tajemnic istnienia i indywidualnej świadomości. Twórczy artysta był postrzegany jako pośrednik między realnym a nadzmysłowym, wszędzie odnajdujący „znaki” światowej harmonii, proroczo odgadujący znaki przyszłości zarówno we współczesnych zjawiskach, jak i wydarzeniach z przeszłości. | |
| - (z francuskiego impresja - impresja) kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji. Nazwę wprowadził krytyk sztuki L. Leroy, który dyskredytował wystawę artystów w 1874 r., na której prezentowany był m.in. obraz „Wschód słońca” C. Moneta. Wrażenie". Impresjonizm utwierdzał piękno realnego świata, podkreślając świeżość pierwszego wrażenia i zmienność otoczenia. Dominująca dbałość o rozwiązywanie problemów czysto obrazowych ograniczyła tradycyjną koncepcję rysunku jako głównego elementu dzieła sztuki. Impresjonizm wywarł potężny wpływ na sztukę krajów europejskich i Stanów Zjednoczonych, wzbudzając zainteresowanie tematami z życia codziennego. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley itp.) | |
| - ruch w malarstwie (synonim dywizjonizmu), który rozwinął się w ramach neoimpresjonizmu. Neoimpresjonizm narodził się we Francji w 1885 roku i rozprzestrzenił się także na Belgię i Włochy. Neoimpresjoniści starali się zastosować w sztuce najnowsze osiągnięcia optyki, zgodnie z którymi malarstwo wykonane z odrębnych punktów barw podstawowych daje w odbiorze wzrokowym fuzję barw i całą gamę malarstwa. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro). | |
 |
Postimpresjonizm- warunkowa zbiorcza nazwa głównych kierunków malarstwa francuskiego XIX - I ćw. XX wiek Sztuka postimpresjonizmu powstała jako reakcja na impresjonizm, który skupiał się na przekazie chwili, na poczuciu malowniczości i utracie zainteresowania kształtem przedmiotów. Do postimpresjonistów zaliczają się P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh i inni. |
| - styl w sztuce europejskiej i amerykańskiej przełomu XIX i XX wieku. Modernizm na nowo zinterpretował i stylizował cechy sztuki różnych epok oraz wypracował własne techniki artystyczne oparte na zasadach asymetrii, ornamentyki i dekoracyjności. Naturalne formy stają się także przedmiotem nowoczesności. Tłumaczy to nie tylko zainteresowanie motywami roślinnymi w dziełach secesji, ale także ich samą kompozycyjną i plastyczną strukturę – bogactwo krzywoliniowych konturów, płynnych, nierównych konturów x przypominających formy roślinne. Z nowoczesnością ściśle związana jest symbolika, która stanowiła estetyczną i filozoficzną podstawę nowoczesności, opierając się na nowoczesności jako plastycznej realizacji jej idei. Secesja miała różne nazwy w różnych krajach, które w zasadzie były synonimami: Art Nouveau – we Francji, Secesja – w Austrii, Art Nouveau – w Niemczech, Liberty – we Włoszech. |
|
 |
- (od francuskiego modern - modern) ogólna nazwa szeregu ruchów artystycznych pierwszej połowy XX wieku, które charakteryzują się zaprzeczeniem tradycyjnych form i estetyki przeszłości. Modernizm jest bliski awangardy i przeciwieństwem akademizmu. |
| - nazwa łącząca szereg ruchów artystycznych powszechnych w latach 1905-1930. (Fowizm, Kubizm, Futuryzm, Ekspresjonizm, Dadaizm, Surrealizm). Wszystkie te kierunki łączy chęć odnowienia języka sztuki, przemyślenia na nowo jego zadań i uzyskania wolności wypowiedzi artystycznej. | |
 |
- kierunek w sztuce XIX - n.e. XX w., bazując na twórczych lekcjach francuskiego artysty Paula Cezanne’a, który wszelkie formy obrazu sprowadził do najprostszych figur geometrycznych, a kolor do kontrastujących struktur ciepłych i zimnych tonów. Cezanne był jednym z punktów wyjścia kubizmu. W dużym stopniu cezanneizm wpłynął także na rodzimą szkołę malarstwa realistycznego. |
 |
- (od Fauve - Wild) ruch awangardowy w sztuce francuskiej. XX wiek Określenie „dziki” nadane przez współczesną krytykę grupie artystów występujących w 1905 roku w paryskim Salonie Niezależnych miało charakter ironiczny. Do tej grupy należeli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen i inni.Fowiści połączyło pociąg do lakonicznej wyrazistości form i intensywnych rozwiązań kolorystycznych, poszukiwanie impulsów w twórczości pierwotnej, sztuce średniowiecza i Wschodu. |
| - celowe uproszczenie środków wizualnych, naśladownictwo prymitywnych etapów rozwoju sztuki. Termin ten odnosi się do tzw. sztuka naiwna artystów, którzy nie otrzymali specjalnego wykształcenia, ale zaangażowani byli w ogólny proces artystyczny na przełomie XIX i XX wieku. XX wiek. Twórczość tych artystów - N. Pirosmaniego, A. Russo, V. Selivanova i innych - charakteryzuje się swoistą dziecinnością w interpretacji natury, połączeniem uogólnionej formy i drobnej dosłowności w szczegółach. Prymitywizm formy wcale nie przesądza o prymitywności treści. Często służy jako źródło dla profesjonalistów, którzy zapożyczają formy, obrazy i metody ze sztuki ludowej, zasadniczo prymitywnej. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse czerpali inspirację z prymitywizmu. | |
 |
- kierunek w sztuce, który rozwinął się w oparciu o kanony starożytności i renesansu. Było to powszechne w wielu europejskich szkołach artystycznych od XVI do XIX wieku. Akademicyzm przekształcił tradycje klasyczne w system „wiecznych” zasad i przepisów, które krępują poszukiwania twórcze i próbował przeciwstawić niedoskonałą żywą naturę „wysokim”, ulepszonym, nienarodowym i ponadczasowym formom piękna, doprowadzonym do perfekcji. Akademicyzm charakteryzuje się preferowaniem tematów z mitologii starożytnej, tematów biblijnych lub historycznych przed tematami ze współczesnego życia artysty. |
| - (kubizm francuski, od sześcianu - sześcianu) kierunek w sztuce pierwszej ćwierci XX wieku. Plastyczny język kubizmu opierał się na deformacji i dekompozycji obiektów na płaszczyznach geometrycznych, plastycznej zmianie kształtu. Narodziny kubizmu przypadły na lata 1907-1908 – w przededniu I wojny światowej. Niekwestionowanym liderem tego nurtu był poeta i publicysta G. Apollinaire. Ruch ten jako jeden z pierwszych ucieleśniał wiodące kierunki dalszego rozwoju sztuki XX wieku. Jednym z tych nurtów była dominacja koncepcji nad wartością artystyczną obrazu. Za ojców kubizmu uważa się J. Braque i P. Picasso. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris i inni dołączyli do powstającego ruchu. | |
| - ruch w literaturze, malarstwie i kinie, który powstał w 1924 roku we Francji. W znaczący sposób przyczynił się do ukształtowania świadomości współczesnego człowieka. Głównymi postaciami ruchu są Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro i wielu innych artystów z całego świata. Surrealizm wyrażał ideę istnienia poza rzeczywistością, szczególnie ważną rolę odgrywa tutaj absurd, nieświadomość, sny i marzenia. Jedną z charakterystycznych metod surrealistycznego artysty jest odwrót od świadomej twórczości, co czyni go narzędziem wydobywającym na różne sposoby dziwaczne obrazy z podświadomości, przypominające halucynacje. Surrealizm przetrwał kilka kryzysów, przetrwał II wojnę światową i stopniowo, łącząc się z kulturą masową, krzyżując się z transawangardą, wszedł w postmodernizm jako integralna część. | |
 |
- (od łac. futurum - przyszłość) ruch literacko-artystyczny w sztuce lat 1910-tych. Przypisując sobie rolę prototypu sztuki przyszłości, futuryzm jako swój program główny wysunął ideę burzenia stereotypów kulturowych, w zamian za to przepraszając za technologię i urbanizację jako główne znaki teraźniejszości i przyszłości . Ważną ideą artystyczną futuryzmu było poszukiwanie plastycznego wyrazu prędkości ruchu jako głównego znaku tempa współczesnego życia. Rosyjska wersja futuryzmu nazywana była cybofuturyzmem i opierała się na połączeniu plastycznych zasad francuskiego kubizmu z europejskimi ogólnymi zasadami estetycznymi futuryzmu. |
Głowa:
Rysujemy figurę przypominającą jajko odwrócone do góry nogami. Ta figura nazywa się OVOID.
Podziel go w pionie i poziomie dokładnie na pół cienkimi liniami.
Pionowy
linia jest osią symetrii (jest potrzebna, aby prawa i lewa część
okazało się, że są równej wielkości, a elementy obrazu nie są włączone
różne poziomy).
Poziomo - linia, w której znajdują się oczy. Dzielimy go na pięć równych części.
Druga i czwarta część zawierają oczy. Odległość między oczami jest również równa jednemu oku.
Poniższy rysunek pokazuje, jak narysować oko (tęczówka i źrenica będą
nie są całkowicie widoczne – częściowo zasłaniają górną powiekę), ale nam się nie spieszy
aby to zrobić, najpierw dokończmy nasz szkic. 
Podziel część od linii oczu do brody na dwie części - jest to linia, na której będzie znajdować się nos.
Część od linii oka do korony dzielimy na trzy równe części. Górny znak to linia, w której rosną włosy) 
Dzielimy również część od nosa do brody na trzy części. Najwyższym znakiem jest linia warg.
Odległość od górnej powieki do czubka nosa jest równa odległości od górnej krawędzi ucha do dolnej. 
Teraz sprawiamy, że nasze standardowe przygotowanie płacze w trzech strumieniach.
Linie,
narysowany od zewnętrznych krawędzi oczu wskaże nam miejsce, w którym należy narysować szyję.
Linie od wewnętrznych krawędzi oczu to szerokość nosa. Linie narysowane łukiem z
środek źrenic to szerokość ust.
Kiedy pokolorujesz obraz, zwróć uwagę na jego wypukłe części
partie (czoło, policzki, nos i podbródek) staną się jaśniejsze, a oczodoły, kości policzkowe,
kontur twarzy i obszar pod dolną wargą są ciemniejsze.
Kształt twarzy, oczu, brwi, ust, nosa, uszu i
itp. Każda osoba jest inna. Dlatego rysując czyjś portret, spróbuj
zobacz te funkcje i zastosuj je do standardowego przedmiotu obrabianego.
Kolejny przykład tego, jak różne są rysy twarzy każdego człowieka.
Cóż, tutaj widzimy, jak narysować twarz z profilu i pół obrotu - tak zwane „trzy czwarte”
Na
Rysując twarz o pół obrotu, należy wziąć pod uwagę zasady
perspektywa – dalsze oko i dalsza strona wargi będą wydawać się mniejsze.
Przejdźmy do obrazu postacie ludzkie.
Aby jak najdokładniej przedstawić ciało, musisz, podobnie jak przy rysowaniu portretów, poznać kilka tajemnic:
Jednostką miary ludzkiego ciała jest „długość głowy”.
- Średni wzrost człowieka jest 7,5 razy dłuższy od jego głowy.
- Mężczyźni są naturalnie nieco wyżsi od kobiet.
-
Oczywiście zaczynamy rysować ciało od samej głowy, którą będziemy
zmierzyć wszystko. Narysowałeś to? Teraz zmniejszymy jego długość jeszcze siedem razy.
Będzie to rozwój przedstawionej osoby.
- Szerokość ramion równa się dwóm długościom głowy u mężczyzn i półtorej długości u kobiet.
- W miejscu, gdzie kończy się trzecia głowa :), będzie pępek, a ramię będzie zgięte w łokciu.
- Czwarte to miejsce, w którym rosną nogi.
- Piąta - do połowy uda. W tym miejscu kończy się długość ramienia.
- szósty - dół kolana.
-
Możesz mi nie wierzyć, ale długość ramion jest równa długości nóg, długość ramienia mierzona jest od ramienia
do łokcia będzie nieco mniejsza niż długość od łokcia do czubków palców.
- Długość dłoni jest równa wysokości twarzy (uwaga, nie głowy - odległość od brody do czubka czoła), długość stopy jest równa długości głowy.
Wiedząc o tym wszystkim, możesz całkiem wiarygodnie przedstawić postać ludzką.
Zaczerpnięte z grupy poświęconej graffiti na VKontakte.
Kształty ust 
kształt nosa 
Kształty oczu 
Kształty broszur dla kobiet
(c) Książka „Jak narysować głowę i postać ludzką” Jacka Hamma
Proporcje sylwetki dziecka różnią się od
dorosłe proporcje. Im mniej razy długość głowy zakłóca wzrost
dziecko, tym jest młodsze.
Na portrecie dziecięcym wszystko jest trochę inne.
Twarz dziecka jest bardziej zaokrąglona, czoło większe. Jeśli narysujemy poziomo
linia przechodząca przez środek twarzy dziecka, to nie będzie to linia oczu, jak
był na portrecie osoby dorosłej.
Aby nauczyć się rysować osobę nie tylko
stojąc jak filar, chwilowo uprościmy nasz wizerunek. Wyjdźmy
tylko głowa, klatka piersiowa, kręgosłup, miednica i skręcimy to wszystko w całość
ręce i nogi. Najważniejsze jest zachowanie wszystkich proporcji.
Mając tak uproszczoną wersję sylwetki człowieka, z łatwością możemy nadać mu dowolną pozę.
Kiedy już zdecydujemy się na pozę, możemy to zrobić
dodaj mięso do naszego uproszczonego szkieletu. Nie zapominaj, że ciało tak nie jest
kanciasty i nie składa się z prostokątów - staramy się rysować gładkie
linie. Ciało stopniowo zwęża się w talii, a także w kolanach i łokciach.
Aby obraz był bardziej żywy, charakteru i wyrazu należy nadać nie tylko twarzy, ale także pozie.
Ręce:
Palce ze stawami przypominającymi deskę są najszerszymi częściami kości w całym szkielecie.
(c) książka „Anatomia dla artystów: to proste” Christophera Harta
Styl to ogólny kierunek rozwoju sztuki, którego reprezentatywne przykłady łączy znaczenie ideologiczne, technika przekazu i charakterystyczne techniki działania twórczego. Style w malarstwie były ze sobą ściśle powiązane, rozwijały się w powiązane ze sobą kierunki, istniały równolegle, wzbogacając się.
Style i kierunki malarskie ukształtowały się pod wpływem ideologii, rozwoju polityczno-gospodarczego społeczeństwa, religii i tradycji.
Historia rozwoju
Historia rozwoju stylów pokazuje złożoną ewolucję kulturową społeczeństwa.
gotyk
Powstało we Francji w XI – XII wieku. Styl rozwinął się w Europie Zachodniej, a od XIII – XIV w. w Europie Środkowej. Na pochodzenie i ewolucję tego nurtu znaczący wpływ miał Kościół. Średniowiecze było okresem dominacji władzy kościelnej nad świecką, dlatego artyści gotyccy zajmowali się tematyką biblijną. Charakterystycznymi cechami tego stylu są: jasność, pretensjonalność, dynamizm, emocjonalność, przepych, niedbałość o perspektywę. Obraz nie wygląda monolitycznie – przypomina mozaikę kilku akcji ukazanych na płótnie.
Renesans lub odrodzenie
Przybył z Włoch w XIV wieku. Przez około 200 lat kierunek ten dominował i stał się podstawą rozwoju rokoka i renesansu północnego. Charakterystyczne cechy artystyczne obrazów: powrót do tradycji antyku, kult ludzkiego ciała, zainteresowanie szczegółem, idee humanistyczne. Kierunek ten skupiał się nie na religii, ale na świeckiej stronie życia. Inaczej było z renesansem północnym w Holandii i Niemczech – tutaj renesans był postrzegany jako poprzedzająca reformację odnowa duchowości i wiary chrześcijańskiej. Przedstawiciele: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti.
Manieryzm
Kierunki rozwoju malarstwa XVI wieku. Ideologiczne przeciwieństwo renesansu. Artyści odeszli od idei ludzkiej doskonałości i humanizmu w kierunku subiektywizacji sztuki, skupiając się na wewnętrznym znaczeniu zjawisk i przedmiotów. Nazwa stylu pochodzi od włoskiego słowa „manier”, co w pełni oddaje istotę manieryzmu. Przedstawiciele: J. Pontormo, G. Vasari, Brozino, J. Duve.
Barokowy
Bujny, dynamiczny i luksusowy styl malarstwa i kultury, który powstał we Włoszech w XVI wieku. Na przestrzeni 200 lat trend ten rozwinął się we Francji, Niemczech i Hiszpanii. Malarstwo barokowe jest pełne jasnych kolorów, szczególną uwagę przywiązuje się do detali i dekoracji. Obraz nie jest statyczny, jest emocjonalny, dlatego barok uznawany jest za najbardziej intensywny i wyrazisty etap rozwoju malarstwa.
Klasycyzm
Pochodzi z krajów Europy Zachodniej w XVII wieku, a 100 lat później dotarła do krajów Europy Wschodniej. Główną ideą jest powrót do tradycji starożytności. Portrety, pejzaże i martwe natury są łatwe do rozpoznania dzięki dogmatycznemu odwzorowaniu i przestrzeganiu jasnych zasad stylu. Klasycyzm przerodził się w akademizm – styl, który wchłonął najbardziej uderzające cechy starożytności i renesansu. W tym stylu pracowali N. Poussin, J.-L. David i Russian Itinerants.
Romantyzm
Zastąpiony przez klasycyzm w drugiej ćwierci XIX wieku. Cechy artystyczne: chęć przekazania indywidualności, nawet jeśli jest ona niedoskonała, emocjonalność, ekspresja uczuć, fantastyczne obrazy. Sztuka artystów romantycznych zaprzecza normom i regułom klasycznego etapu rozwoju malarstwa. Odradza się zainteresowanie tradycjami ludowymi, legendami i historią narodową. Przedstawiciele: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.
Symbolizm
Kierunek kulturowy końca XIX - XX wieku, jego podstawy ideologiczne czerpano z romantyzmu. Symbol zajął pierwsze miejsce w twórczości, a artysta był mediatorem między rzeczywistością a fantastycznym światem kreatywności.
Realizm
Badania artystyczne, które na pierwszym planie stawiają dokładność oddania kształtów, parametrów i odcieni. Charakteryzuje się naturalnością, precyzją w ucieleśnieniu wewnętrznej esencji i zewnętrznej powłoki. Ten styl jest najbardziej popularny, najbardziej popularny i różnorodny. Jej gałęziami są współczesne trendy – fotografia i hiperrealizm. Przedstawiciele: G. Courbet, T. Rousseau, Artyści wędrowni, J. Breton.
Impresjonizm
Powstała na przełomie XIX i XX wieku. Ojczyzna - Francja. Istotą stylu jest ucieleśnienie magii pierwszego wrażenia na obrazie. Artyści przekazali tę krótką chwilę krótkimi pociągnięciami farby na płótnie. Lepiej jest postrzegać takie obrazy nie z bliskiej odległości. Prace artystów przepełnione są kolorami i światłem. Fazą rozwoju stylu stał się postimpresjonizm - charakteryzuje się większą dbałością o formę i kontury. Artyści: O. Renoir, C. Pissarro, C. Monet, P. Cezanne.
Nowoczesny
Oryginalny, żywy styl, który stał się podstawą powstania wielu malowniczych ruchów XX wieku. Ruch ten skupiał w sobie cechy sztuki wszystkich epok – emocjonalność, zainteresowanie zdobnictwem, plastyczność i dominację gładkich, krzywoliniowych konturów. Podstawą rozwoju stała się symbolika. Modernizm jest niejednoznaczny – rozwijał się w krajach europejskich na różne sposoby i pod różnymi nazwami.
Awangarda
Style artystyczne charakteryzujące się odrzuceniem realizmu, symboliki w przekazywaniu informacji, jasnymi kolorami, indywidualizacją i swobodą twórczego projektowania. Do kategorii awangardy zalicza się: surrealizm, kubizm, fowizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Przedstawiciele: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dali.
Prymitywizm lub styl naiwny
Kierunek charakteryzujący się uproszczonym obrazem rzeczywistości.
Wymienione style stały się kamieniami milowymi w rozwoju malarstwa – wciąż przekształcają się w nowe formy twórczej ekspresji artystów.
Rysowanie człowieka może być najżywszym i najgłębszym przeżyciem w życiu artysty. Dziś przygotowaliśmy dla Was wskazówki od słynnego włoskiego artysty Giovanniego Civardiego z książki „Rysowanie postaci ludzkiej”. Niech ta wiedza stanie się źródłem inspiracji i twórczej stymulacji, pomagając przekazać nastroje i wspomnienia w formie rysunku.
Możesz narysować postać ludzką i portret przy użyciu dowolnych materiałów - od ołówków po akwarele. Ołówek jest najpopularniejszym narzędziem ze względu na niski koszt i wszechstronność. Węgiel drzewny doskonale nadaje się do wykonywania szybkich rysunków z silnym kontrastem tonalnym i jest mniej odpowiedni do tworzenia drobnych szczegółów. W przypadku tuszu zaleca się gruby i gładki papier dobrej jakości. Technika mieszana to jednoczesne połączenie różnych materiałów w jednym rysunku.
Eksperymentuj, aby znaleźć własne techniki, które wydobędą najwięcej ekspresji i spróbuj wykorzystać losowe efekty.
Podstawy anatomii plastycznej
Artyści studiują anatomię, aby w znaczący sposób przedstawić postać ludzką. Aby niezawodnie go odtworzyć, musisz nie tylko zobaczyć, ale także zrozumieć, co rysujesz.
Dzięki znajomości anatomii obraz staje się bardziej przekonujący i żywy niż sama natura.
Ogólnie rzecz biorąc, o kształcie ciała decyduje szkielet jako główna konstrukcja nośna, mięśnie go pokrywające oraz górna warstwa składająca się z tłuszczu. Warto poznać i zapamiętać względne rozmiary kości przegubowych oraz ich proporcje względem siebie i całego szkieletu, gdyż bez tej informacji nie da się „przełożyć” figury na papier i nabyć umiejętności logicznego i spójnego przedstawiania To.
Poniżej znajdują się główne kości czaszki i szyi wraz ze skórą, chrząstką, tłuszczem, mięśniami, włosami i innymi warstwami.
Szkielet tułowia męskiego, zamknięty w konturach ciała, w płaszczyźnie czołowej, bocznej i grzbietowej. Te rysunki pomogą Ci poszerzyć wiedzę na temat kształtu ciała.
Kończyny górne i dolne w różnych płaszczyznach. Podobnie jak na poprzednim rysunku, struktura szkieletowa ukazana jest w obrębie konturów ciała.
Dla artysty ważne jest, aby wziąć pod uwagę trzy główne aspekty mięśnia: jego wygląd (kształt, rozmiar, objętość), położenie (gdzie się znajduje w stosunku do struktury szkieletowej i sąsiadujących mięśni, jak głęboko lub powierzchownie) oraz jego mechanizm (funkcja, kierunek naciągu mięśnia, odpowiadające zmiany kształtu itp.).
Proporcje
Aby rysunek był wiarygodny, należy wziąć pod uwagę proporcje ciała i głowy. Wysokość głowy od czoła do brody jest często przyjmowana jako jednostka miary określająca proporcje ciała. Wysokość standardowej figury wynosi około 7,5-8 głów. Pamiętaj o jeszcze kilku proporcjonalnych zależnościach: głowa mieści się trzykrotnie w całkowitej wysokości tułowia i szyi, długość kończyn górnych również wynosi trzy głowy, a dolnych - trzy i pół.
Pomimo różnic między osobnikami, można je podzielić na trzy główne grupy typów o podobnych cechach w obrębie każdego - ektomorfy, mezomorfy i endomorfy.
Dłonie i stopy
Łatwo zrozumieć, dlaczego dłonie i stopy, wraz z ich budową i różnorodnością możliwych gestów, uważane są za części ciała, które najtrudniej przekonująco odtworzyć, zarówno w rysunku, jak i malarstwie i rzeźbie.
Najlepszym sposobem na jak najdokładniejsze przestudiowanie ich jest narysowanie dłoni i stóp. Będziesz mógł mieć pewność, że powstałe opracowania są całkiem przyzwoite, porównywalne z rysunkami twarzy, a może nawet bardziej wyraziste.
Najpierw wykonuje się szybki (ale staranny) szkic pod pożądanym kątem i pozą, następnie za pomocą jego „geometryzacji” przekazuje się niezbędne informacje anatomiczne i objętość, po czym doprecyzowuje się szczegóły i poszczególne kontury.
Podobnie jak w przypadku głowy i ciała, przyda się wiedza o budowie kości stóp i dłoni.
Narysuj własne dłonie i stopy w różnych pozycjach. Możesz użyć lustra. Weź w dłonie różne przedmioty i przekaż dynamikę i nastrój gestu na rysunku.
Głowa, twarz, portret
Głównym zainteresowaniem artysty zawsze była twarz i sylwetka. Portret nie jest po prostu reprodukcją cech fizycznych w celu rozpoznania konkretnej postaci. To opowieść poprzez mimikę twarzy o jego osobowości, myślach i emocjach.
W artykule szczegółowo opisaliśmy, jak narysować głowę i rysy twarzy.
Szkice mężczyzny w szkicowniku
Szkic to szybki, spontaniczny rysunek z życia, ukończony w krótkim czasie kilkoma informacyjnymi linijkami. Rysowanie w naturalnym środowisku ludzi, którzy nie pozują celowo i prawdopodobnie nie mają pojęcia, że są oglądani i przedstawiani, na początku będzie wydawać się trudne. Ale nie ma prawdziwego powodu do strachu lub zagubienia - jest mało prawdopodobne, że ktokolwiek zwróci uwagę na to, co robisz.
Umiejętność naśladowania nieznajomych w dowolnej pozycji i w każdych okolicznościach jest ważna dla rozwijania umiejętności technicznych i oceny wartości. No i oczywiście regularna praktyka szkicowania wyostrzy dar obserwacji i interpretacji, nauczy patrzeć głębiej i podejmować szybkie, pewne, zrozumiałe i trafne decyzje.
Kilka krótkich wskazówek, jak szkicować z życia:
- Wyrób sobie nawyk noszenia przy sobie ołówka i małego szkicownika – takiego, który z łatwością zmieści się w torbie lub kieszeni – na wypadek, gdyby coś przykuło Twoją uwagę lub wydało się interesujące.
- Warto dążyć do zwiększenia obserwacji i umiejętności izolowania tego, co najważniejsze, a jednocześnie koordynować percepcję wzrokową, ocenę wartości i ruchy rąk podczas rysowania.
- Nie próbuj odzwierciedlać na papierze wszystkiego, co widzisz w prawdziwym życiu. Biorąc pod uwagę ograniczoną ilość czasu i ryzyko, że modelka w każdej chwili zmieni pozę, skup się na tym, co najważniejsze.
- Aby nauczyć się wykorzystywać pamięć do odtwarzania sekwencji podstawowych faz ruchu, będziesz potrzebować maksymalnej koncentracji podczas obserwacji ludzi.
Jeśli nadal denerwujesz się pomysłem odciągnięcia ludzi od życia (pamiętaj, że jeśli ktoś zauważy, co robisz, niektórym może to pochlebić, a innym odejść z niezadowoleniem), rysowanie posągów może pomóc Ci przygotować się psychicznie za to i zyskaj trochę pewności siebie oraz rzeźby w muzeach lub pomniki w miejscach publicznych.
Dowiedz się, czy w muzeum można robić szkice, a jeśli tak, nie wahaj się tam pójść i naszkicować rzeźby pod różnymi kątami.
Tak uczy się rysunku w Paryżu – na dziedzińcu Luwru z rzeźbami.
Etapy rysowania
Jeśli rysujesz całą postać (ubraną lub nagą), możesz najpierw narysować kilka szybkich, jasnych linii, aby obrysować przestrzeń, jaką będzie ona zajmować na kartce papieru (maksymalna wysokość, maksymalna szerokość itp.). Następnie narysuj główne części ciała (głowa, tułów i kończyny) uwzględniając względne proporcje.
Zakończ rysunek znaczącymi konturami, cieniami i szczegółami, których nie można pominąć. W razie potrzeby usuń linie konstrukcyjne.
W książce „Rysowanie postaci ludzkiej” każda sekcja jest analizowana tak szczegółowo, jak to możliwe, znajdują się szczegółowe obrazy ludzkiego szkieletu w różnych płaszczyznach. Szczegółowo opisano, jak narysować postać mężczyzny, kobiety, dziecka, osoby starszej, jak przedstawić akty i osobę w ubraniu.
Kiedy rysujesz twarz, pierwszą rzeczą, którą powinieneś zrobić, jest przygotowanie podstawy. Czy to właśnie robisz? Jeśli tak, jak to wygląda?
Używam koła i linii. Teraz ważne pytanie brzmi: dlaczego?
Dobrze, dobrze. Nadal proste. Linia i okrąg przedstawiają czaszkę podzieloną na pół! „Nieee” – powiesz – „anatomia jest do bani!” Tak masz rację. Ale posłuchaj mnie.
Ważnymi cechami czaszki, które zdecydowanie powinieneś znać, są względne proporcje czaszki i szczęki, a także położenie oczodołów, nosa i zębów. Pamiętaj, że okrąg reprezentuje kulę.
Rysuję poziome linie głównie po to, żeby pokazać, gdzie pójdą brwi, oczy, nos i usta. Ponieważ czaszka jest kulą, linie będą zakrzywione, niezależnie od tego, pod jakim kątem na nie spojrzysz. Zwróć uwagę, w jakim kierunku linie są zakrzywione w tym i innych przykładach.
Bardzo ważne jest, aby zrozumieć, gdzie będą zlokalizowane oczy, nos i zęby, ponieważ determinują one położenie głównych rysów twarzy.
Kliknij na zdjęcie, aby obejrzeć je w pełnym rozmiarze i 100% jakości.
Często stosuję zasadę, która mówi: oczy i nos tworzą trójkąt równoramienny.
ŚWIETNIE. Dlatego na tym etapie warto omówić najważniejsze partie twarzy. Pamiętaj o ich geometrii!
OCZY
Są kuliste. Kula penetruje twoją twarz (romantyczny, wiem).
Przepraszamy, źrenice okazały się małe.
Co sprawia, że oczy są stare, młode, ostrożne, zaskoczone? W jaki sposób brwi mogą pomóc w przekazywaniu różnych emocji?
Aby sprawdzić, czy Twoje oczy tam patrzą, po prostu zdejmij tęczówkę oka. Jeśli uczniowie patrzą tam, gdzie powinni, wszystko jest w porządku! Brawo.
NOS
Nosy są zwykle piramidami, a nozdrza znajdują się na dolnej powierzchni! Linia biegnąca przez środek piramidy odpowiada południkowi na szkicu.
Istnieje ogromna liczba odmian tematu nosa! Weź pod uwagę długość, okrągłość, spiczastość, rozmiar nozdrzy itp. Możesz poszukać innych tutoriali skupiających się szczególnie na nosach!
Kształt ust zależy również od kształtu ust. Im krótsza długość ust (zamknięte, z wydłużonymi wargami), tym wargi będą pełniejsze. Im dłuższe usta (w uśmiechu, podczas krzyku), tym wargi są cieńsze.
Praca z ustami jest dość trudna, ale jest całkiem możliwa. Musisz pamiętać o położeniu zębów w czaszce! I fakt, że usta są połączone z gardłem.
Kształt ust również zależy w dużej mierze od wielu czynników. Konieczne jest rozróżnienie pomiędzy grubymi i cienkimi ustami. Proste i zakrzywione. Pełna góra lub pełny dół. Oh.
Na szczęście to wszystko już wiedziałeś. Przejdźmy teraz do przyjemniejszej części: przenieśmy wszystko na twarz! O tak, możesz nawet nadać swojej twarzy dowolny kształt! Jeśli nie chcesz sobie zawracać głowy, możesz pójść drogą anime i wybijać identyczne twarze, jakby ktoś dał im klapsa łopatą. Ale jeśli szanujesz siebie, prawdopodobnie wiesz, że wszyscy ludzie mają inny kształt twarzy.
Kliknij na zdjęcie, aby obejrzeć je w pełnym rozmiarze i 100% jakości.
Jedyna różnica między cienką a grubą twarzą polega na tym, gdzie odkłada się tłuszcz! Pracując z tłuszczem na twarzy, zwróć uwagę na policzki, szczękę i szyję.
Inne miejsca, na które warto zwrócić uwagę: kości policzkowe, brwi, podbródek i odległość między tymi wszystkimi szczegółami...
Zrobiłeś to! :D Teraz musisz zebrać całą swoją wiedzę i zastosować ją, aby stworzyć żywą, oddychającą twarz. Oznacza to, że musimy dodać kąt i emocje. Nie patrzymy na jeden punkt jak roboty. Cóż, większość z nas.
Kiedy przechylasz głowę, pamiętaj, aby zakrzywić wszystkie linie w kierunku czaszki!
Ta sama zasada dotycząca okręgów i linii obowiązuje, gdy patrzy się na nie od tyłu! Wyobraź sobie, że widzisz je na wylot.
Kiedy głowa obraca się do góry, linie podążają tą samą ścieżką. I odwrotnie, gdy głowa jest pochylona, linie są skierowane w dół. Najbardziej odległe części (czoło i odpowiednio podbródek) podlegają skróceniu perspektywicznemu.
ostatnie komentarze
1. Twarz to przede wszystkim geometria. Nie ma znaczenia, jak fajnie się czujesz, ale jeśli spróbujesz zrobić wszystko losowo, jestem pewien, że skończy się to źle. Więc nie musisz zgadywać! Narysowanie okręgu i kilku linii zajmuje tylko kilka sekund. I nawet nie myśl o szczegółach, dopóki nie zbudujesz dobrej konstrukcji. Upewnij się, że ważne elementy pokrywają się dokładnie z liniami czaszki i twarzy.
2. Unikaj podobnych twarzy.
3. Jeśli nie jesteś pewien proporcji twarzy, przenieś rysunek do Photoshopa i jeśli twarz wygląda normalnie po obróceniu rysunku w poziomie/pionie, to jesteś cholernie fajny.
4. Są różne twarze. Przyjrzyj się na przykład swoim krewnym (swoim lub innym). Przyjrzyj się bliżej, co je łączy, a co różni!