Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła zapadną w pamięć nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.
Wojciecha Babskiego
Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na manifestacji emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.
Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.
Warrena Changa
Warren Chang to współczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., uzyskując tytuł licencjata sztuk pięknych w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta.
Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz i obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa ma swoje korzenie w twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, wnętrza pracowni, klas i domów. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.
Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym był Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma zaszczyt otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, wykłada także (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie wyciągniętym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.
Wczesne malarstwo Bruniego zakorzenione jest w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Obiekty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.
Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dlatego już od najmłodszych lat działalność artystyczna cieszyła się pełnym wsparciem obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i pracująca na pół etatu artystka Cathy Gaggliardi namówiła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rosina.
Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć studia w School of Fine Arts, której metodyka opiera się na twórczości Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwydatniania cech i mankamentów ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.
Kompozycje fabularne jego obrazów przeznaczone są do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się poszerzył i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały bytu poprzez malarstwo.
Alyssa Monks
Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zainteresowała się już jako dziecko. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.
Następnie kontynuowała naukę w ramach programu magisterskiego w New York Academy of Art na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i w instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.
„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi przez nie wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.
Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie dociskani są do szyby okna kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na osławiony męski wygląd nagiej kobiety. Grube warstwy farby miesza się ze sobą, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.
Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i poczułem, że muszę uczynić moje obrazy jak najbardziej realistycznymi. „Wyznawałem” realizm, dopóki nie zaczął się on rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, na którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.
Antonia Finelliego
Włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.
Rysunki ołówkiem” Strażnik czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej doczesności i związanej z nią rygorystycznej analizie tego świata, której głównym elementem jest przemijanie czasu i ślady, jakie zostawia on na skórze.
Finelli maluje portrety osób w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezwzględności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować rzeczywiste skutki upływu czasu w człowieku.
Flaminię Carloni
Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Uzyskał dyplom z historii sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom specjalisty konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.
Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się już w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobnej techniki nauczyła się w pracach artysty Pascala Torui. Flaminia inspirowana jest wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: street artem, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.
Denis Czernow
Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku przebywał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.
Regularnie uczestniczy w wystawach sztuki, obecnie odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.
Denis posługuje się szeroką gamą technik graficznych i malarskich. Rysunki ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.
Malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Zawiera różne formy, gatunki i różnorodną treść.
Malarstwo japońskie jest najstarszą formą sztuki. Zawiera różne formy, gatunki i różnorodną treść. Sztuka elegancka przedstawia światu obrazy będące ekranami, malowidłami ściennymi, zwojami jedwabiu lub papieru, wachlarzami, obrazami sztalugowymi i rycinami.
Malarstwo japońskie wyróżnia się szeroką gamą gatunków i stylów. Wiodące miejsce w malarstwie japońskim, a także w literaturze, zajmuje przyroda. Przedstawiana jest jako strażniczka boskiej zasady. Malarstwo japońskie wywodzi się ze sztuki chińskiej, więc jego gatunki są bardzo podobne do tych z Niebiańskiego Imperium. Obecnie wielu japońskich artystów woli studiować w Chinach.
Malarstwo w Japonii ma w swojej historii kilka etapów. Każdy z nich ma swoją własną charakterystykę i cechy szczególne.
Za początkową fazę rozwoju uważa się okres od połowy VII do końca VIII wieku, zwany Nara. W tym okresie została namalowana świątynia Horyuji, która jest doskonałym dowodem wpływu tradycji indyjskiej i chińskiej na kulturę Japonii.
Kolejny okres w rozwoju malarstwa japońskiego nazywa się hej. Słynie z aktywnego rozkwitu malarstwa świątynnego i przykładów świeckiej sztuki obrazowej. W tym okresie powstawały ilustracje do powieści i opowiadań mających zabawiać szlachetnych dżentelmenów.
Okres Kamakura(obejmuje okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku), który zajmował okres od końca XII wieku do pierwszej połowy XIV wieku, charakteryzuje się zmianą stylów , poszukiwanie nowych sposobów przedstawiania życia. Nastrój malarstwa japońskiego zmienia się dramatycznie. Wcześniej obrazy emanowały optymistyczną, lekką i radosną atmosferą. W tym okresie poczyniono duży krok w stronę realistycznego obrazu, a także nadania mu charakteru niemal militarnego. Charakterystycznymi tematami malarstwa są sceny batalistyczne z mitów i historii, sceny religijne z tradycji buddyjskiej. Wizerunek portretów ważnych mężów stanu jest powszechny.
Podczas Muromachi(okres od pierwszej połowy XIV do drugiej połowy XVI wieku) na pierwszy plan wysuwa się nurt, który gloryfikował malarstwo japońskie na całym świecie. Filozofia buddyzmu zen wywarła znaczący wpływ na malarstwo, dzięki czemu sztuka pejzażu zyskała na popularności. Technika monochromatyczna zyskała szczególną elegancję. W tym okresie malarstwo japońskie pozostawało pod wpływem Chin. Najsławniejszy artysta z Japonii W tym czasie Toyo Oda, specjalizujący się w malarstwie pejzaży, stworzył pierwsze obrazy podczas podróży po Państwie Środka. Kierunek wypracował już w domu.
Powyższy nurt był aktywnie rozwijany i uzupełniany w dwóch kolejnych okresach rozwoju malarstwa japońskiego - Monoyama I edo. Bardziej wyrafinowaną opcją była technika monochromatyczna. Starannie opracowane i pomalowane detale. Artyści nie bali się eksperymentów i zaczęli stosować techniki stosowane dotychczas w malarstwie na zwojach i ekranach, w malarstwie ściennym. Pejzaże i sceny zbiorowe zaczęto uzupełniać opowieściami psychologicznymi, ukazującymi bohatera w momencie silnego stresu emocjonalnego. Oprócz tradycyjnego malarstwa w Japonii aktywnie rozpowszechniło się drzeworytnictwo. Dzieli się na dwa rodzaje: ryt teatralny i ryt pisma codziennego. Najbardziej znanym mistrzem grafik teatralnych jest Choshusai Syaraku. Grawerowanie życia codziennego było aktywnie rozwijane w twórczości Suzuki Harunobu i Kitagawy Utamaro.
Hokusai, XVIII-wieczny japoński artysta, stworzył oszałamiającą gamę dzieł sztuki. Hokusai dobrze pracował do późnej starości, niezmiennie twierdząc, że „wszystko, co zrobił przed 70. rokiem życia, nie było warte uwagi i nie było warte uwagi”.
Prawdopodobnie najsłynniejszy japoński artysta na świecie. Zawsze wyróżniał się na tle innych współczesnych artystów swoim zainteresowaniem życiem codziennym. Zamiast przedstawiać efektowne gejsze i bohaterskich samurajów, Hokusai malował robotników, rybaków, miejskie sceny rodzajowe, które nie były jeszcze przedmiotem zainteresowania sztuki japońskiej. Przyjął także europejskie podejście do kompozycji.
Oto krótka lista kluczowych terminów, które pomogą Ci trochę poruszać się po twórczości Hokusai.
1 Ukiyo-e to grafiki i obrazy popularne w Japonii od XVII do XIX wieku. Trend w sztukach wizualnych Japonii, który rozwinął się od okresu Edo. Termin ten pochodzi od słowa „ukiyo”, które oznacza „zmieniający się świat”. Wickie jest aluzją do hedonistycznych radości rozwijającej się klasy kupieckiej. W tym kierunku Hokusai jest najbardziej znanym artystą.
Hokusai przez całe życie używał co najmniej trzydziestu pseudonimów. Mimo że używanie pseudonimów było powszechną praktyką wśród ówczesnych artystów japońskich, pod względem liczby pseudonimów znacznie przewyższał innych znaczących autorów. Pseudonimy Hokusai są często używane do periodyzacji etapów jego twórczości.
2 Okres Edo to okres pomiędzy 1603 a 1868 rokiem w historii Japonii, kiedy odnotowano rozwój gospodarczy oraz nowe zainteresowanie sztuką i kulturą.
3 Shunrō to pierwszy z pseudonimów Hokusai.
4 Shunga dosłownie oznacza „obraz wiosny”, a „wiosna” to japoński slang określający seks. Są to zatem ryciny o charakterze erotycznym. Tworzyli je najbardziej szanowani artyści, w tym Hokusai.
5 Surimono. Ostatnie „surimono” – jak nazywano te wykonane na zamówienie nadruki – odniosło ogromny sukces. W przeciwieństwie do wydruków ukiyo-e, które były przeznaczone dla masowego odbiorcy, surimono rzadko było sprzedawane ogółowi społeczeństwa.
6 Góra Fuji to symetryczna góra, która jest najwyższą w Japonii. Przez lata zainspirowała wielu artystów i poetów, w tym Hokusai, który wyprodukował serię ukiyo-e „Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji”. Seria ta obejmuje najsłynniejsze grafiki Hokusai.
7 Japonizm wywarł trwały wpływ, jaki Hokusai wywarł na kolejne pokolenia zachodnich artystów. Japonizm to styl inspirowany jaskrawymi kolorami nadruków ukiyo-e, brakiem perspektywy i eksperymentami kompozycyjnymi.
Witajcie drodzy czytelnicy – poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści wyróżniają się niepowtarzalnym stylem, doskonalonym przez pokolenia mistrzów. Dziś porozmawiamy o najwybitniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od czasów starożytnych po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Krainy Wschodzącego Słońca.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarstwa w Japonii kojarzona jest przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Do pierwszych przykładów należą znalezione podczas wykopalisk fragmenty dzwonów, naczyń i przedmiotów gospodarstwa domowego z brązu. Wiele z nich malowano naturalnymi farbami, a badania sugerują, że wyroby te powstały wcześniej niż 300 rok p.n.e.
Nowy etap w rozwoju sztuki rozpoczął się wraz z przybyciem do Japonii. Na emakimono – specjalnych zwojach papieru – naniesiono wizerunki bóstw buddyjskiego panteonu, sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Dominację tematów religijnych w malarstwie można prześledzić już w średniowiecznej Japonii, a mianowicie od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki do dziś niestety nie zachowały się.
W okresie 15-18 wieków rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Wyznaczyli wektor dalszego rozwoju sztuk pięknych.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Napięty Shubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xubong studiował techniki pisania i twórczość chińskich artystów śpiewanych. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e to styl artystyczny oparty na rysunku tuszem, co oznacza jeden kolor.
Shubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki kolejne talenty, w tym przyszłych sławnych malarzy, takich jak Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Shubuna nosi tytuł „Czytanie w gaju bambusowym”.
„Czytanie w gaju bambusowym” autorstwa Tense Shubuna
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Został twórcą szkoły nazwanej jego imieniem – Hasegawa. Początkowo starał się kierować kanonami szkoły Kano, stopniowo jednak w jego twórczości zaczęto prześledzić jego indywidualny „pismo”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawą pracy były proste, zwięzłe, ale realistyczne krajobrazy o nieskomplikowanych nazwach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- Sosny i rośliny kwitnące.
Sosny, Hasegawa Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, całkowicie poświęcił się malarstwu i założył gatunek rimpa. Unikał obrazów stereotypowych, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w szczególności w formie jasnych abstrakcji. Jego pędzle należą do obrazu:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushima”;
- „Chryzantemy”.
Fale Matsushima – Korin Ogata
Młodszy brat – Ogata Kenzan – miał wiele pseudonimów. Przynajmniej zajmował się malarstwem, ale bardziej zasłynął jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik garncarskich. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, tworzył m.in. talerze w formie kwadratu.
Malarstwo własne nie wyróżniało się przepychem – to też była jego osobliwość. Lubił umieszczać kaligrafię na produktach takich jak zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tworzył w stylu ukiyo-e – rodzaju drzeworytu, czyli malarstwa rytowniczego. Przez cały czas twórczości zmienił około 30 nazwisk. Najbardziej znanym dziełem jest Wielka fala u wybrzeży Kanagawy, dzięki której zasłynął poza granicami swojej ojczyzny.
„Wielka fala w Kanagawie” Hokusai Katsushika
Szczególnie ciężko Hokusai zaczął pracować po 60 latach, co przyniosło dobre rezultaty. Van Gogh, Monet, Renoir znali jego twórczość i w pewnym stopniu wpłynęła ona na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodził się, mieszkał, pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai, inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki portretował naturę, jest niemal tak samo uderzający, jak liczba samych dzieł.
Edo to dawna nazwa Tokio.
Oto kilka liczb dotyczących jego twórczości, które reprezentuje cykl obrazów:
- 5,5 tys. - liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków na Edo;
- „36 widoków na Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido” .
Malarstwo Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh napisał kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Malarz, rzeźbiarz, projektant mody, zasłynął już pod koniec XX wieku. W swojej twórczości podąża za trendami mody z elementami klasyki, a inspiracje czerpie z kreskówek anime i mangi.
Malarstwo Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego zaliczana jest do subkultury, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś nowoczesny twórca współpracował z domami mody „Marc Jacobs” i „Louis Vuitton”.
Tycho Asima
Współpracownik poprzedniego artysty, tworzy współczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulic megamiast i stworzeń jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często widać dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do mediów papierowych. Przenoszone są na skórę, tworzywa sztuczne.
W 2006 roku w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii kobieta stworzyła około 20 łukowych konstrukcji, które w dzień i w nocy odzwierciedlały piękno przyrody wioski i miasta. Jedna z nich ozdobiła stację metra.
Hej, Arakawo
Młodego człowieka nie można nazwać artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest iście japońska i dotyczy przyjacielskich relacji oraz pracy całego zespołu.
Ei Arakawa często uczestniczy w różnych biennale, m.in. w Wenecji, jest wystawiany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnej malarce Ikenadze Yasunari udało się połączyć dwie pozornie nieprzystające do siebie rzeczy: życie współczesnych dziewcząt w formie portretu i tradycyjne techniki Japonii wywodzące się ze starożytności. W swojej twórczości malarz wykorzystuje specjalne pędzle, farby z naturalnym pigmentem, tusz i węgiel drzewny. Zamiast zwykłego lnu - tkanina lniana.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania ukazanej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, jakby powróciły one do nas z przeszłości.
Seria obrazów przedstawiających złożoność życia krokodyla, która ostatnio zyskała popularność w społeczności internetowej, stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Malarstwo japońskie powstało około III wieku p.n.e. i od tego czasu bardzo się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, później w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, jednak nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W dobie New Age mistrzowie pędzla nabierali coraz większej indywidualności, tworzyli różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuki wizualne nie ograniczają się do tradycyjnego malarstwa - wykorzystywane są instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Dziękuję bardzo za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł był dla Państwa przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule opisać wszystkich artystów od starożytności po współczesność. Niech to zatem będzie pierwszy krok w kierunku poznania malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy wspólnie studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
Sztuka i projektowanie
2904
01.02.18 09:02
Dzisiejsza scena artystyczna w Japonii jest bardzo różnorodna i prowokacyjna: patrząc na twórczość mistrzów z Krainy Wschodzącego Słońca, pomyślisz, że wylądowałeś na innej planecie! Jest domem dla innowatorów, którzy zmienili krajobraz branży w skali globalnej. Oto lista 10 współczesnych japońskich artystów i ich dzieł, od niesamowitych stworzeń Takashiego Murakamiego (który dzisiaj obchodzi urodziny) po kolorowy wszechświat Kusama.
Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści
Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyk
Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami to jeden z najbardziej znanych współczesnych artystów Japonii, zajmujący się malarstwem, wielkoformatowymi rzeźbami i modą. Styl Murakamiego jest inspirowany mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, który wspiera japońskie tradycje artystyczne i powojenną kulturę kraju. Murakami wypromował wielu swoich rówieśników, niektórych z nich także dzisiaj poznamy. „Subkulturowe” prace Takashiego Murakamiego prezentowane są na rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny film Mój samotny kowboj (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze znanymi na całym świecie markami Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.
Tycho Asima i jej surrealistyczny wszechświat
Chiho Ashima, członkini firmy producenckiej Kaikai Kiki i ruchu Superflat (oba założone przez Takashiego Murakamiego), znana jest ze swoich fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych popowych stworzeń. Artystka tworzy surrealistyczne sny zamieszkałe przez demony, duchy, młode piękności ukazane na tle dziwacznej przyrody. Jej prace są przeważnie wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze, plastiku. W 2006 roku ten współczesny japoński artysta brał udział w Art on the Underground w Londynie. Stworzyła dla platformy 17 kolejnych łuków – magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dziennego w nocny, z miejskiego na wiejski. Ten cud rozkwitł na stacji metra Gloucester Road.
Chiharu Shima i Nieskończone wątki
Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje nad wielkoformatowymi instalacjami wizualnymi dla konkretnych obiektów. Urodziła się w Osace, ale obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Głównymi tematami jej prac są zapomnienie i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja lęku. Najsłynniejsze dzieła Chiharu Shioty to nieprzeniknione pajęczyny czarnej nici oplatające wiele przedmiotów gospodarstwa domowego i osobistych, takich jak stare krzesła, suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota połączyła ponad 300 podarowanych jej butów i botków nitkami czerwonej włóczki i powiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlin Art Week w 2016 roku i wywołała sensację.
Hej Arakawa: wszędzie, nie gdziekolwiek
Inspiracją Ei Arakawy są stany zmian, okresy niestabilności, elementy ryzyka, a jego instalacje często symbolizują motywy przyjaźni i pracy zespołowej. Credo współczesnego japońskiego artysty określa performatywne nieokreślone „wszędzie, ale nigdzie”. Jego dzieła pojawiają się w nieoczekiwanych miejscach. W 2013 roku prace Arakawy były wystawiane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie japońskiej sztuki współczesnej w Mori Art Museum (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) powstała we współpracy z nowojorską artystką Carissą Rodriguez i była prezentowana na Biennale w Whitney. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występujący w duecie United Brothers, zaoferowali gościom Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” korzeniami daikon z Fukushimy.
Koki Tanaka: Związek i powtórzenie
W 2015 roku Koki Tanaka została Artystką Roku. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektów i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jego instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów wideo przedstawiających obiekty zmieniające tę przestrzeń w platformę wymiany dzieł sztuki. Instalacje Kokiego Tanaki (nie mylić z jego pełnym imiennikiem aktorem) ilustrują relacje między obiektami i akcjami, np. wideo zawiera zapis prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (nóż krojący warzywa, nalewanie piwa do szklanki, otwarcie parasola). Nie dzieje się nic istotnego, ale obsesyjna powtarzalność i dbałość o najdrobniejsze szczegóły sprawiają, że widz docenia przyziemność.
Mariko Mori i opływowe kształty
Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc filmy, zdjęcia, obiekty. Ma minimalistyczną, futurystyczną wizję i eleganckie, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w twórczości Maury'ego jest zestawienie zachodniej legendy z zachodnią kulturą. W 2010 roku Mariko założyła Fau Foundation, edukacyjną, kulturalną organizację non-profit, dla której stworzyła serię swoich instalacji artystycznych upamiętniających sześć zamieszkałych kontynentów. Ostatnio stała instalacja Fundacji „Pierścień: Jeden z naturą” została przeniesiona nad malowniczy wodospad w Resende niedaleko Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: Synteza dźwięku i wideo
Ryoji Ikeda to artysta nowych mediów i kompozytor, którego twórczość związana jest głównie z dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od dźwięków sinusoidalnych po hałasy wykorzystujące częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego zapierające dech w piersiach instalacje obejmują generowane komputerowo dźwięki, które wizualnie przekształcane są w projekcje wideo lub cyfrowe szablony. Obiekty sztuki audiowizualnej Ikedy wykorzystują skalę, światło, cień, głośność, elektroniczne dźwięki i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów oświetlających obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Urządzenie konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kod kreskowy oraz wzorce binarne zer i jedynek.
Liczniki Tatsuo Miyajima i LED
Współczesny japoński rzeźbiarz i montażysta Tatsuo Miyajima wykorzystuje w swojej sztuce obwody elektryczne, filmy, komputery i inne gadżety. Główne koncepcje Miyajimy inspirowane są ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego konfiguracji migają w sposób ciągły, powtarzając cyfry od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, ale unikając ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracach Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Nie tak dawno obiekt Strzałka czasu Miyajimy został pokazany na inauguracyjnej wystawie „Niekompletne myśli widoczne w Nowym Jorku”.
Nara Yoshimoto i złe dzieci
Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki przedstawiające dzieci i psy. Tematy te odzwierciedlają dziecięce poczucie nudy i frustracji oraz dziką niezależność, która jest naturalna dla małych dzieci. Estetyka twórczości Yoshimoto nawiązuje do tradycyjnych ilustracji książkowych, jest mieszanką niespokojnego napięcia i zamiłowania artysty do punk rocka. W 2011 roku w Asian Society Museum w Nowym Jorku odbyła się pierwsza indywidualna wystawa Yoshitomo zatytułowana „Yoshitomo Nara: Nothing's Fool”, obejmująca 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty. Eksponaty były ściśle związane ze światowymi subkulturami młodzieżowymi, ich wyobcowaniem i protestem .
Yayoi Kusama i przestrzeń, która rośnie dziwacznymi formami
Niesamowita twórcza biografia Yayoi Kusamy obejmuje siedem dekad. W tym czasie niesamowitej Japonce udało się studiować malarstwo, grafikę, kolaż, rzeźbę, kino, grawerowanie, sztukę ochrony środowiska, instalację, a także literaturę, modę i projektowanie mody. Kusama rozwinęła bardzo charakterystyczny styl sztuki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje ukazane w twórczości 88-letniej Kusamy – kiedy świat zdaje się być pokryty narastającymi dziwacznymi formami – są efektem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pokoje z kolorowymi kropkami i „niekończącymi się” lustrami odbijającymi ich nawarstwienia są rozpoznawalne, nie da się ich pomylić z niczym innym.
