Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który powstał we Francji ok XIX-XX wiek, będący artystyczną próbą uchwycenia jakiegoś momentu życia w całej jego zmienności i mobilności. Obrazy impresjonistów są jak dobrze wyprana fotografia, ożywiająca w fantazji kontynuację widzianej historii. W tym artykule przyjrzymy się 10 najbardziej znanych impresjonistów pokój. Na szczęście, utalentowani artyści znacznie więcej niż dziesięć, dwadzieścia, a nawet sto, więc skupmy się na tych nazwiskach, które zdecydowanie musisz znać.
Aby nie urazić ani artystów, ani ich wielbicieli, listę podano w rosyjskim porządku alfabetycznym.
1. Alfreda Sisleya
Ten francuski malarz Pochodzenie angielskie uważany za najbardziej słynny pejzażysta drugi połowa XIX wieku wiek. Jego kolekcja zawiera ponad 900 obrazów, z których najbardziej znane to „Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Trawniki na wiosnę” i wiele innych.
2. Van Gogha
Znany na całym świecie smutna historia wokół ucha (swoją drogą nie odciął mu całego ucha, a jedynie płatek), Wang Gon zyskał popularność dopiero po jego śmierci. I w ciągu swojego życia udało mu się sprzedać jeden obraz na 4 miesiące przed śmiercią. Mówią, że był zarówno przedsiębiorcą, jak i księdzem, ale często się w tym odnalazł szpitale psychiatryczne z powodu depresji, więc cała buntowniczość jego istnienia zaowocowała dziełami legendarnymi.
3. Kamil Pissarro
Pissarro urodził się na wyspie św. Tomasza, w rodzinie burżuazyjnych Żydów i był jednym z nielicznych impresjonistów, których rodzice wspierali jego pasję i wkrótce wysłali go na studia do Paryża. Przede wszystkim artysta lubił naturę, przedstawiał ją we wszystkich kolorach, a mówiąc ściślej, Pissarro miał szczególny talent do dobierania miękkości kolorów, zgodności, po czym na obrazach zdawało się pojawiać powietrze.
4. Claude Monet
Od dzieciństwa chłopiec zdecydował, że pomimo zakazów rodzinnych zostanie artystą. Po samodzielnej przeprowadzce do Paryża Claude Monet pogrążył się w szarej codzienności ciężkiego życia: dwa lata służby w siłach zbrojnych w Algierii, spory sądowe z wierzycielami z powodu biedy i choroby. Można jednak odnieść wrażenie, że trudności nie przytłaczały, a raczej zainspirowały artystę do stworzenia takich jasne zdjęcia, jak „Impresja, wschód słońca”, „Domy parlamentu w Londynie”, „Most do Europy”, „Jesień w Argenteuil”, „Nad brzegiem Trouville” i wiele innych.
5. Konstantin Korowin
Miło wiedzieć, że wśród Francuzów, rodziców impresjonizmu, z dumą można umieścić naszego rodaka – Konstantina Korovina. Pasjonująca miłość do natury pomogła mu intuicyjnie nadać statycznemu obrazowi niewyobrażalną żywotność, dzięki połączeniu odpowiednich kolorów, szerokości pociągnięć, wyborowi tematu. Nie sposób przejść obojętnie obok jego obrazów „Molo w Gurzufie”, „Ryby, wino i owoce”, „ Jesienny krajobraz», « Noc księżycowa. Zima” oraz cykl jego prac poświęcony Paryżowi.
6. Paul Gauguin
Do 26 roku życia Paul Gauguin nawet nie myślał o malarstwie. Był przedsiębiorcą i miał duża rodzina. Kiedy jednak po raz pierwszy zobaczyłem obrazy Camille'a Pissarro, zdecydowałem, że na pewno zacznę malować. Z biegiem czasu styl artysty zmienił się, ale najsłynniejsze obrazy impresjonistyczne to „Ogród w śniegu”, „Na klifie”, „Na plaży w Dieppe”, „Akt”, „Palmy na Martynice” i inne.
7. Paul Cezanne
Cezanne, w przeciwieństwie do większości swoich kolegów, zasłynął już za życia. Udało mu się zorganizować własną wystawę i czerpać z niej znaczne dochody. O jego obrazach wiedzieli dużo – on jak nikt inny nauczył się łączyć grę światła i cienia, kładł duży nacisk na regularne i nieregularne kształty geometryczne, surowość tematu jego obrazów harmonizowała z romantyzmem.
8. Pierre Auguste Renoir
Do 20 roku życia Renoir pracował jako dekorator-fan dla swojego starszego brata, dopiero potem przeniósł się do Paryża, gdzie poznał Moneta, Basila i Sisleya. Ta znajomość pomogła mu w przyszłości pójść drogą impresjonizmu i zyskać na niej sławę. Renoir znany jest jako autor portretu sentymentalnego, do jego najwybitniejszych dzieł należą „Na tarasie”, „Spacer”, „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Loża”, „Alfred Sisley i jego żona”, „ Na huśtawce”, „Żaba” i wiele innych.
9. Edgara Degasa
Jeśli nie słyszałeś nic o Błękitnych Tancerzach, Próbach Baletowych, Szkoła baletowa„I„ Absynt ”- pospiesz się, aby dowiedzieć się więcej o twórczości Edgara Degasa. Dobór oryginalnych kolorów, niepowtarzalne motywy obrazów, wrażenie ruchu obrazu – to wszystko i wiele więcej sprawiło, że Degas był jednym z najbardziej znany artysta pokój.
10. Edouarda Maneta
Nie myl Maneta z Monetem – jest ich dwóch różni ludzie którzy pracowali w tym samym czasie i w tym samym kierunku artystycznym. Maneta zawsze pociągały codzienne sceny, niezwykły wygląd i typy, jakby przez przypadek „łapał” chwile, uchwycone później przez wieki. Wśród znane obrazy Manet: „Olympia”, „Obiad na trawie”, „Bar w Folies Bergere”, „Flecista”, „Nana” i inne.
Jeśli będziesz miał choćby najmniejszą okazję zobaczyć na żywo obrazy tych mistrzów, na zawsze zakochasz się w impresjonizmie!
Aleksandra Skripkina,
„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”
Henriego Kahnweilera
19 wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś bezprecedensowego. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnimi tradycjami. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szeroką, „niechlujną” kreskę.
I całkowicie porzucili zwykłe obrazy. Portretowanie wszystkich. Oraz damy łatwej cnoty i panowie o wątpliwej reputacji.
Opinia publiczna nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Wyśmiewano ich i karcono. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.
Ale opór został przełamany. A niektórzy impresjoniści dożyli swego triumfu. To prawda, że byli już po 40. roku życia. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Niektórzy na uznanie czekali dopiero u schyłku życia, jak Camille Pissarro. Niektórzy nie dożyli go, jak Alfred Sisley.
Jakiego rewolucjonizmu dokonał każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna potrzebowała tak dużo czasu, aby je zaakceptować? Oto 7 najbardziej znanych Francuscy impresjoniści. O czym wie cały świat.
1. Edouard Manet (1832 – 1883)
Edwarda Maneta. Autoportret z paletą. 1878 Prywatna kolekcjaManet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją do zmian.
Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. On był towarzyska. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.
Ale na uznanie czekał bardzo długo. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie. Albo w najgorszym przypadku martwa natura. Aby pięknie wyglądać w jadalni. Manet chciał namalować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.
W rezultacie powstało „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam o łatwych cnotach. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.
Edwarda Maneta. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż Porównaj jego Lunchon the Grass z Romans in Decline Thomasa Couture. Malarstwo Couture wywołało sensację. Artysta natychmiast zyskał sławę.
„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Kobietom w ciąży poważnie nie zalecano patrzenia na nią.
Thomasa Couture. Rzymianie w swoim upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru W malarstwie Couture dostrzegamy wszystkie atrybuty akademizmu ( tradycyjne malarstwo 16-19 wieków). Kolumny i posągi. Ludzie o wyglądzie apollińskim. Tradycyjne stonowane kolory. Maniery póz i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innego człowieka.
Inny format ma „Śniadanie na trawie” Maneta. Przed nim nikt tak łatwo nie przedstawiał kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu mężczyzn tamtych czasów spędzało w ten sposób swój wolny czas. Prawdziwe życie prawdziwi ludzie.
Kiedyś napisałem do szanowanej pani. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była zawiedziona. Zostawiła go we łzach.
Edwarda Maneta. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikimedia.commons.org Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tzw. naturalnego koloru. Jeśli postrzegał szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.
To oczywiście rozzłościło publiczność. Przecież nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się błękitem wody Maneta – żartowali.
Edwarda Maneta. Argenteuil. Muzeum 1874 sztuki piękne w Tournai, Belgia. Wikipedia.org Ale fakt pozostaje faktem. Manet radykalnie zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty. Kto pisze jak mu się podoba. Zapominając o wzorach i tradycjach.
Wszelkie innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie zyskał dopiero pod koniec życia. Kiedy już tego nie potrzebował. Umierał boleśnie nieuleczalna choroba.
2. Claude Monet (1840 – 1926)
Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Zbiory prywatne Claude Monet można nazwać chrześcijańskim impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje długie życie.
Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne pociągnięcia. Wstrząsy powietrza.
Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. metmuseum.org Monet malował nie tylko przyrodę. Odnosił sukcesy także w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .
Na tym zdjęciu jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany poprzez rozmyty obraz.
Zwróć uwagę, jak odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.
Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa Przed nami zamrożony moment w tętniącym życiem Paryżu. Żadnej inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór pociągnięć pędzla. Taki brak fabuły i efekt stop-klatki - główna cecha impresjonizm.
W połowie lat 80. artyści rozczarowali się impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale brak fabuły przygnębił wielu.
Tylko Monet nadal nie ustępował. Przesadny impresjonizm. Który przerodził się w serię obrazów.
Dziesiątki razy przedstawiał ten sam krajobraz. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Aby pokazać, jak temperatura i światło mogą zmienić ten sam gatunek nie do poznania.
W ten sposób pojawiły się niezliczone stogi siana.
Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891. Po prawej: Stogi siana (efekt śniegu), 1891.
Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary ani czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejna ich cecha.
Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobyt materialny. Po 40. zapomniał już o biedzie. Kupił dom i piękny ogród. I tworzył dla własnej przyjemności długie lata.
O sobie ikoniczne malarstwo przeczytaj mistrza w artykule
3. August Renoir (1841 – 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impresjonizm to najbardziej pozytywne malarstwo. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.
W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nawet czarna farba nie użył go. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalne rzeczy w Renoirze wyglądają pięknie.
W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej ważne. Na jego obrazach przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.
Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, USA. Wikimedia.commons.org W Renoirze nie znajdziesz żadnej głębi. Był bardzo szczęśliwy, że dołączył do impresjonistów. Kto całkowicie odmówił działek.
Jak sam powiedział, wreszcie ma okazję pisać kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj żadnych historii na ich temat.
Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolką w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis w Madrycie. arteuam.com Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i bardziej naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. A męskie rozmowy go męczyły. Nic dziwnego, że Renoir słynie z aktów.
Modelka na obrazie „Akt w światło słoneczne” wydaje się pojawiać na kolorowym abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nie ma nic wtórnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.
Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał szczotkę do dłoni sznurem. I narysował.
Podobnie jak Monet czekał na uznanie po 40 latach. I widziałem moje obrazy w Luwrze, obok moich dzieł znani mistrzowie.
Przeczytaj o jednym z najbardziej urokliwych portretów Renoira w artykule
4. Edgar Degas (1834 – 1917)
Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana w Lizbonie, Portugalia. Cultured.com Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu ( na dworze). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.
Wręcz przeciwnie, lubił jasną linię. Ma mnóstwo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.
Ale wciąż jest zawsze stawiany w rzędzie z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.
Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. To wszystko są główne atrybuty jego obrazów.
Zatrzymał moment życia, nie pozwalając mu dojść do siebie. Wystarczy spojrzeć na jego „Orkiestrę Operową”.
Edgara Degasa. Orkiestra operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest do nas tyłem. I dalej tło baletnice na scenie nie zmieściły się w „ramie”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.
Dlatego też tancerze, których tak bardzo kochał, nie zawsze są przedstawiani piękne pozy. Czasami po prostu rozciągają się.
Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To jest po prostu efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatki.
Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermut, USA Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Jednak choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy nie był żonaty. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.
Brak prawdziwe historie w jego życie osobiste dodał swoim obrazom subtelnego i intensywnego erotyzmu.
Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org Należy pamiętać, że na obrazie „Gwiazda baletu” przedstawiona jest tylko sama baletnica. Jej kolegów zza kulis trudno rozpoznać. Tylko kilka nóg.
Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. To jest przyjęcie. Koncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, stanie się nieczytelna.
O innych obrazach mistrza przeczytacie w artykule.
5. Berthe Morisot (1841 – 1895)
Edwarda Maneta. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu. Bertha Morisot rzadko stawiana jest w pierwszym rzędzie obok wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że nie jest to zasłużone. To w jej twórczości znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli lubisz impresjonizm, pokochasz jej twórczość całym sercem.
Morisot działał szybko i energicznie. Przeniesienie wrażenia na płótno. Wygląda na to, że postacie zaraz rozpłyną się w przestrzeni.
Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabraya w Montpellier we Francji. Podobnie jak Degas często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelki. Dłoni dziewczyny na obrazie „Lato” nie możemy rozróżnić.
Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „nieostrożnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o wyjściu za mąż. Po czym zapomniano o wszelkich hobby.
Dlatego Bertha przez długi czas odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który szanował jej zawód. Eugene Manet był bratem artysty Edouarda Maneta. Posłusznie tęsknił za sztalugami i farbami swojej żony.
Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Ale nadal było to w XIX wieku. Nie, nie nosiłem spodni Morisot. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchu.
Nie mogła sama chodzić do parku i pracować. Bez towarzystwa bliskiej Ci osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy to ludzie z krąg rodzinny. Mąż, córka, krewni.
Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Muzeum Narodowe Walia, Cardiff. Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc. Nie sprzedając prawie żadnego ze swoich dzieł za życia. W akcie zgonu w rubryce „zawód” widniała myślnik. Nie do pomyślenia było, aby kobietę nazywano artystką. Nawet jeśli rzeczywiście nią była.
O obrazach mistrza przeczytacie w artykule
6. Kamil Pissarro (1830 – 1903)
Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikipedia.org Kamila Pissarro. Bezkonfliktowy, rozsądny. Wielu postrzegało go jako nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.
Był wiernym zwolennikiem impresjonizmu. Będąc w wielkiej potrzebie, mając pięcioro dzieci i żonę, nadal ciężko pracował w tym samym stylu. I ani razu się nie przełączyłem malowanie salonu. Aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.
Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze. Które chętnie kupowano. Ale prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Kiedy w końcu mógł zapomnieć o swojej potrzebie.
Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.
Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk przyrody. Które pojawią się na chwilę i znikną. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.
Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Szerokie bulwary, tętniący życiem i kolorowy tłum. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie nawiązuje do serii obrazów Claude'a Moneta.
Impresjonizm (z francuskiego „ wrażenie„ – impresja) to kierunek w sztuce (literaturze, malarstwie, architekturze), który pojawił się na przełomie XIX i XX wieku we Francji i szybko rozpowszechnił się w innych krajach świata. Zwolennicy nowego kierunku, którzy wierzyli, że akademik, tradycyjne techniki na przykład w malarstwie czy architekturze, nie jest w stanie w pełni oddać pełni i najdrobniejsze szczegóły otaczającego świata, przestawiło się na stosowanie zupełnie nowych technik i metod, przede wszystkim w malarstwie, później w literaturze i muzyce. Umożliwiły najżywsze i najbardziej naturalne zobrazowanie całej mobilności i zmienności prawdziwego świata, przekazując nie jego fotograficzny wygląd, ale przez pryzmat wrażeń i emocji autorów związanych z tym, co widzieli.
Za autora terminu „impresjonizm” uważa się francuskiego krytyka i dziennikarza Louisa Leroya, który pod wrażeniem wizyty na wystawie grupy młodych artystów „Salon Odrzuconych” w 1874 roku w Paryżu wzywa ich do jego felietonowi impresjoniści, swego rodzaju „impresjoniści”, a stwierdzenie to ma charakter nieco lekceważący i ironiczny. Podstawą nazwy tego terminu był obraz Claude’a Moneta „Impresja” oglądany przez krytyka. Wschodzące słońce" I choć początkowo wiele obrazów na tej wystawie spotkało się z ostrą krytyką i odrzuceniem, później kierunek ten zyskał szersze uznanie społeczne i stał się popularny na całym świecie.
Impresjonizm w malarstwie
(Claude Monet „Łodzie na plaży”)
Nowego stylu, sposobu i techniki przedstawiania nie wymyślili francuscy artyści impresjoniści Pusta przestrzeń, opiera się na doświadczeniach i osiągnięciach najzdolniejszych malarzy renesansu: Rubensa, Velazqueza, El Greco, Goyi. Od nich impresjoniści przejęli takie metody żywszego i wyrazistszego przekazywania otaczającego świata lub wyrazistości warunków pogodowych, jak stosowanie tonów pośrednich, stosowanie technik jasnych lub przeciwnie, matowych pociągnięć, dużych lub małych, charakteryzujących się abstrakcyjność. Zwolennicy nowego kierunku w malarstwie albo całkowicie porzucili tradycyjny akademicki sposób rysowania, albo całkowicie na nowo przerobili metody i metody przedstawiania, wprowadzając takie innowacje jak:
- Przedmioty, przedmioty czy postacie były przedstawiane bez konturu, zastępowano go małymi i kontrastującymi kresami;
- Do mieszania kolorów nie zastosowano palety, wybrano kolory, które uzupełniają się i nie wymagają łączenia. Czasami farbę wyciskano na płótno bezpośrednio z metalowej tuby, tworząc czysty, błyszczący kolor z efektem pociągnięcia pędzla;
- Praktyczny brak czerni;
- Płótna malowane były przeważnie w plenerze, z natury, aby w sposób obrazniejszy i wyrazisty przekazać emocje i wrażenia z tego, co zobaczyli;
- Stosowanie farb o dużej sile krycia;
- Nakładanie świeżych pociągnięć bezpośrednio na jeszcze mokrą powierzchnię płótna;
- Tworzenie pętli obrazy w celu badania zmian światła i cienia („Stogi siana” Claude’a Moneta);
- Brak przedstawienia palących kwestii społecznych, filozoficznych lub religijnych, wydarzeń historycznych lub znaczących. Dzieła impresjonistów są wypełnione pozytywne emocje, nie ma miejsca na mrok i ciężkie myśli, jest tylko lekkość, radość i piękno każdej chwili, szczerość uczuć i szczerość emocji.
(Edouard Manet „Czytanie”)
I choć nie wszyscy artyści tego ruchu zachowywali szczególną precyzję w wykonywaniu wszystkich precyzyjnych cech stylu impresjonistycznego (Edouard Manet pozycjonował się jako odrębny artysta i nigdy nie brał udziału w wspólne wystawy(w sumie było ich 8 od 1874 do 1886). Edgar Degas tworzył wyłącznie we własnym warsztacie) nie przeszkodziło mu to w tworzeniu arcydzieł Dzieła wizualne, nadal przechowywany w najlepsze muzea i kolekcjach prywatnych na całym świecie.
Rosyjscy malarze impresjoniści
Będąc pod wrażeniem kreatywne pomysły Francuscy impresjoniści, rosyjscy artyści końca XIX i początku XX wieku stworzyli własne oryginalne arcydzieła sztuki piękne, znane później pod ogólną nazwą „rosyjski impresjonizm”.
(V. A. Serov „Dziewczyna z brzoskwiniami”)
Za jego najwybitniejszych przedstawicieli uważa się Konstantina Korowina („Portret dziewczyny z chóru”, 1883, „Północną sielankę” 1886), Walentina Sierow („ Otwórz okno. Liliowy”, 1886, „Dziewczyna z brzoskwiniami”, 1887), Arkhip Kuindzhi („Północ”, 1879, „Dniepr o poranku” 1881), Abram Arkhipov („Morze Północne”, „Krajobraz. Gabinet z domem z bali”) , „późny” impresjonista Igor Grabar („Aleja Brzozowa”, 1940, „Pejzaż zimowy”, 1954).
(Borisow-Musatow „Jesienna piosenka”)
Metody i sposób przedstawiania właściwe impresjonizmowi miały miejsce w twórczości tak wybitnych rosyjskich artystów jak Borysow-Musatow, Bogdanow Belski, Nilus. Klasyczne kanony francuskiego impresjonizmu w malarstwie rosyjskich artystów uległy pewnym zmianom, w wyniku czego kierunek ten nabrał wyjątkowej specyfiki narodowej.
Zagraniczni impresjoniści
Za jedno z pierwszych dzieł wykonanych w stylu impresjonizmu uważa się obraz Edouarda Maneta „Obiad na trawie”, który został wystawiony publiczności w 1860 roku w paryskim „Salonie odrzuconych”, gdzie płótna, które nie przeszły wybór paryskiego Salonu Sztuki mógłby zostać rozebrany. Obraz, namalowany w stylu radykalnie odbiegającym od tradycyjnego sposobu przedstawiania, wzbudził wiele krytycznych komentarzy i zjednoczył wokół artysty zwolenników nowego nurtu artystycznego.
(Edouard Manet „W tawernie ojca Lathuile”)
Do najsłynniejszych artystów impresjonistów należą Edouard Manet („Bar w Folies-Bergere”, „Muzyka w Tuileries”, „Śniadanie na trawie”, „U ojca Lathuile’a”, „Argenteuil”), Claude Monet („Pole maków w Argenteuil”, „Spacer na klif w Pourville”, „Kobiety w ogrodzie”, „Dama z parasolką”, „Boulevard des Capucines”, cykl prac „Lilie wodne”, „Impresja. Wschodzące słońce”), Alfred Sisley („Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Wiosenne trawniki”), Pierre Auguste Renoir („Śniadanie wioślarzy”, „Bal w Moulin de la Galette”, „Taniec na wsi”, „Parasole”, „Taniec w Bougival”, „Dziewczyny przy fortepianie”), Camille Pizarro („Nocny bulwar Montmartre”, „Żniwa w Eragny”, „Odpoczynek żniwiarzy” , „Ogród w Pontoise”, „Wejście do wioski Voisin”), Edgar Degas („ Klasa taneczna”, „Próba”, „Koncert w Ambassador Cafe”, „Orkiestra Operowa”, „Tancerze w błękicie”, „Miłośnicy absyntu”), Georges Seurat („Niedzielne popołudnie”, „Kanan”, „Modele natury”) i inni .
(Paul Cezanne „Pierrot i Arlekin”")
Czterech artystów w latach 90. XIX wieku stworzyło nowy kierunek w sztuce oparty na impresjonizmie i nazwało siebie postimpresjonistami (Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri de Toulouse-Lautrec). Ich twórczość charakteryzuje się przenoszeniem nie ulotnych wrażeń i wrażeń z otaczającego ich świata, lecz poznaniem prawdziwej istoty rzeczy, która kryje się pod ich powłoka zewnętrzna. Większość z nich znane prace: Paul Gauguin („Psotny żart”, „La Orana Maria”, „Walka Jakuba z aniołem”, „ Żółty Chrystus„), Paul Cezanne („Pierrot i Arlekin”, „ Duzi kąpiący się”, „Dama w błękicie”), Vincenta van Gogha ( Noc Gwiazd”, „Słoneczniki”, „Irysy”), Henri de Toulouse-Lautrec („Praczka”, „Toaleta”, „Szkolenie taneczne w Moulin Rouge”).
Impresjonizm w rzeźbie
(Auguste Rodin „Myśliciel”)
Impresjonizm nie rozwinął się jako odrębny kierunek w architekturze, w niektórych można odnaleźć jego indywidualne cechy i cechy kompozycje rzeźbiarskie i pomniki. rzeźba ten styl nadaje swobodną plastyczność miękkim formom, tworzą niesamowitą grę światła na powierzchni figur i dają poczucie niekompletności; postacie rzeźbiarskie często ukazywane są w momencie ruchu. Do pracy w w tym kierunku obejmują rzeźby znanych Rzeźbiarz francuski Auguste Rodin (Pocałunek, Myśliciel, Poeta i muza, Romeo i Julia, Wieczna wiosna), Włoski artysta oraz rzeźbiarz Medardo Rosso (figury wykonane z gliny i gipsu wypełnione woskiem dla uzyskania niepowtarzalnego efektu świetlnego: „Odźwierny i swat”, „Złoty wiek”, „Macierzyństwo”), rosyjski geniusz samorodkowy Paweł Trubeckoj (popiersie z brązu Lwa Tołstoja, pomnik Aleksandra III w Petersburgu).
Impresjonizm to ruch głównie w malarstwo francuskie, charakteryzuje się chęcią przekazania ulotnych wrażeń, bogactwa kolorów, niuansów psychologicznych, mobilności i zmienności atmosfery otaczającego świata za pomocą środków sztuki.
Odważne pociągnięcia, jasne kolory, codzienne scenyżycie, szczere pozy i, co najważniejsze, dokładny opis światła... Tylko niewielki ułamek cech jednego z najpopularniejszych kierunki artystyczne. we Francji w połowa XIX wiek. Przed jego pojawieniem się autorzy zwykle tworzyli w swoich pracowniach martwe natury, portrety, a nawet pejzaże.
Po raz pierwszy w historii sztuki artyści przyjęli zasadę, że nie malują w pracowni, ale pod na wolnym powietrzu: nad brzegiem rzeki, na polu, w lesie. Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, stworzyli impresjoniści nowa metoda obraz.
PARKETERY, GUSTAVE CAIBOTT
Jeden z pierwszych obrazów przedstawiających miejską klasę robotniczą. Caillebotte ilustruje ciągłe zainteresowanie Życie codzienne. Zwróć uwagę, jak trafnie artysta uchwycił światło wpadające przez okno i cienie. Obraz jest równie realistyczny jak fotografia, a mimo to został odrzucony przez najbardziej prestiżowych wystawy sztuki i salony: przedstawienia półnagich mężczyzn z klasy robotniczej uznano za „wulgarny temat”.
Zaledwie rok temu określenie „rosyjski impresjonizm” brzmiało w uszach przeciętnego obywatela naszego rozległego kraju. Każdy wykształcona osoba wie o świetle, jasnym i szybkim francuski impresjonizm, potrafi odróżnić Moneta od Maneta i rozpoznać słoneczniki Van Gogha spośród wszystkich martwych natur. Ktoś słyszał coś o amerykańskiej gałęzi rozwoju tego kierunku malarstwa - bardziej miejskich pejzaży Hassama i portretów Chase'a w porównaniu do francuskich. Ale badacze wciąż spierają się o istnienie rosyjskiego impresjonizmu.
Konstanty Korowin
Historia rosyjskiego impresjonizmu rozpoczęła się od obrazu „Portret chórzystki” Konstantina Korovina, a także od niezrozumienia i potępienia opinii publicznej. Widząc to dzieło po raz pierwszy, I. E. Repin nie od razu uwierzył, że dzieło to wykonał rosyjski malarz: „Hiszpan! Widzę. Pisze odważnie i soczyście. Wspaniały. Ale to tylko malowanie dla samego malowania. Hiszpan jednak z temperamentem...” Sam Konstantin Aleksiejewicz zaczął ponownie malować swoje płótna w sposób impresjonistyczny lata studenckie, nie znając malarstwa Cezanne'a, Moneta i Renoira, na długo przed wyjazdem do Francji. Dopiero dzięki doświadczonemu oku Polenowa Korowin dowiedział się, że posługuje się ówczesną francuską techniką, do której doszedł intuicyjnie. Jednocześnie rosyjski artysta zdradza tematy, których używa w swoich obrazach - uznane arcydzieło„Północna sielanka”, napisana w 1892 roku i przechowywana Galeria Trietiakowska, pokazuje nam miłość Korovina do rosyjskich tradycji i folkloru. Tę miłość zaszczepił artyście „krąg Mamontowa” - społeczność twórczej inteligencji, w skład której wchodzili Repin, Polenow, Wasniecow, Vrubel i wielu innych przyjaciół znany filantrop Savva Mamontow. W Abramcewie, gdzie znajdował się majątek Mamontowa i gdzie gromadzili się członkowie Klub Artystyczny Korovin miał szczęście spotkać i współpracować z Valentinem Serowem. Dzięki tej znajomości twórczość już utalentowanego artysty Sierowa nabrała cech lekkiego, jasnego i szybkiego impresjonizmu, co widzimy w jednym z jego wczesna praca- "Otwórz okno. Liliowy".
Portret chórzystki, 1883
Północna idylla, 1886
Czeremcha, 1912
Gurzuf 2, 1915
Molo w Gurzuf, 1914
Paryż, 1933
Walenty Sierow
Malarstwo Sierowa jest przesiąknięte cechą właściwą tylko rosyjskiemu impresjonizmowi - jego obrazy odzwierciedlają nie tylko wrażenie tego, co widział artysta, ale także stan jego duszy w ten moment. Na przykład na obrazie „Plac św. Marka w Wenecji” namalowanym we Włoszech, dokąd Sierow udał się w 1887 r. z powodu poważnej choroby, panuje zimna pogoda. odcienie szarości, co daje nam wyobrażenie o kondycji artysty. Ale pomimo dość ponurej palety obraz jest standardowym dziełem impresjonistycznym, ponieważ Sierowowi udało się uchwycić prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać Twoje ulotne wrażenia. W liście do swojej narzeczonej z Wenecji Sierow napisał: „W ten wiek Piszą wszystko, co trudne, nic radosnego. Chcę, chcę, rzeczy satysfakcjonujących i będę pisać tylko rzeczy satysfakcjonujące.
Otwórz okno. Liliowy, 1886
Plac Świętego Marka w Wenecji, 1887
Dziewczyna z brzoskwiniami (Portret V. S. Mamontowej)
Koronacja. Bierzmowanie Mikołaja II w katedrze Wniebowzięcia, 1896
Dziewczyna oświetlona przez słońce, 1888
Kąpiel konia, 1905
Aleksander Gierasimow
Jednym z uczniów Korovina i Sierowa, który przyjął ich ekspresyjne malowanie pędzlem, jasną paletę i szkicowy styl malarstwa, był Aleksander Michajłowicz Gerasimow. Twórczość artysty rozkwitła w czasie rewolucji, co nie mogło nie znaleźć odzwierciedlenia w tematach jego obrazów. Pomimo tego, że Gierasimow oddał swój pędzel na służbę partii i zasłynął dzięki wybitnym portretom Lenina i Stalina, nadal pracował nad bliskimi mu impresjonistycznymi pejzażami. Praca Aleksandra Michajłowicza „Po deszczu” ukazuje nam artystę jako mistrza przekazywania powietrza i światła na obrazie, co Gierasimow zawdzięcza wpływowi swoich wybitnych mentorów.
Artyści w daczy Stalina, 1951
Stalin i Woroszyłow na Kremlu, lata 50. XX wieku
Po deszczu. Mokry taras, 1935
Martwa natura. Bukiet polny, 1952
Igor Grabar
W rozmowie o późnym rosyjskim impresjonizmie nie można nie zwrócić się do twórczości wielkiego artysty Igora Emmanuilovicha Grabara, który przyjął wiele technik malarze francuscy drugiej połowie XIX wieku dzięki licznym podróżom po Europie. Używając technik klasycznych impresjonistów, Grabar w swoich obrazach przedstawia absolutnie rosyjski motywy krajobrazowe I codzienne historie. Podczas gdy Monet maluje kwitnące ogrody Giverny'ego i Degasa piękne baletnice, Grabar przedstawia surową rosyjską zimę w tych samych pastelowych kolorach i życie na wsi. Przede wszystkim Grabar uwielbiał przedstawiać szron na swoich płótnach i poświęcił mu cały zbiór prac, składający się z ponad stu małych, wielobarwnych szkiców tworzonych o różnych porach dnia i przy różnej pogodzie. Trudność w pracy nad takimi rysunkami polegała na tym, że farba zamarzała na mrozie, więc musieliśmy pracować szybko. Ale to właśnie pozwoliło artyście odtworzyć „ten moment” i przekazać swoje wrażenia z niego, co jest główną ideą klasycznego impresjonizmu. Styl malarstwa Igora Emmanuilovicha często nazywany jest impresjonizmem naukowym, ponieważ dawał bardzo ważneświatło i powietrze na płótnach i stworzył wiele badań nad transmisją kolorów. Jemu też zawdzięczamy chronologiczny układ obrazów Galerii Trietiakowskiej, której był dyrektorem w latach 1920-1925.
Aleja Brzozowa, 1940 rok
Pejzaż zimowy, 1954
Szron, 1905
Gruszki na niebieskim obrusie, 1915
Narożnik osiedla (Promień słońca), 1901 r
Jurij Pimenow
Zupełnie nieklasyczny, ale mimo to rozwinął się impresjonizm Czas sowiecki, wybitnego przedstawiciela czyli Jurij Iwanowicz Pimenow, który po pracy w stylu ekspresjonizmu zaczął malować „ulotne wrażenie w kolorach łóżka”. Jeden z najbardziej znane prace Pimenov staje się obrazem „Nowa Moskwa” z lat 30. XX wieku - lekkim, ciepłym, jakby namalowanym zwiewnymi pociągnięciami Renoira. Ale jednocześnie fabuła tego dzieła jest całkowicie niezgodna z jedną z głównych idei impresjonizmu - odmową wykorzystywania tematów społecznych i politycznych. „Nowa Moskwa” Pimenowa doskonale to odzwierciedla zmiana społeczna w życiu miasta, które zawsze inspirowały artystę. „Pimenow kocha Moskwę, jej nowość, jej mieszkańców. Malarz hojnie daje widzowi to uczucie” – pisze w 1973 roku artysta i badacz Igor Dołgopołow. I rzeczywiście, patrząc na obrazy Jurija Iwanowicza, jesteśmy przepojeni miłością Życie sowieckie, nowe dzielnice, liryczne parapety i urbanistyka uchwycone w technice impresjonizmu.
Twórczość Pimenowa po raz kolejny udowadnia, że wszystko „rosyjskie” przywiezione z innych krajów ma swoją szczególną i niepowtarzalną ścieżkę rozwoju. Podobnie jest z francuskim impresjonizmem Imperium Rosyjskie a Związek Radziecki wchłonął cechy rosyjskiego światopoglądu, charakter narodowy i życie codzienne. Impresjonizm jako sposób przekazywania jedynie postrzegania rzeczywistości w czysta forma pozostał obcy sztuce rosyjskiej, ponieważ każdy obraz rosyjskich artystów jest pełen znaczenia, świadomości, stanu zmiennej rosyjskiej duszy, a nie tylko ulotnego wrażenia. Dlatego w najbliższy weekend, kiedy Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu ponownie zaprezentuje wystawę główną Moskalom i gościom stolicy, każdy znajdzie coś dla siebie wśród zmysłowych portretów Sierowa, urbanistyki Pimenowa i nietypowych dla Kustodiewa krajobrazów.
Nowa Moskwa
Parapetówka liryczna, 1965
Pokój kostiumowy Teatr Bolszoj, 1972
Wczesny poranek w Moskwie, 1961
Paryż. Rue Saint-Dominique. 1958
Stewardessa, 1964
Być może dla większości nazwiska Korovin, Serow, Gierasimow i Pimenow nadal nie są kojarzone z konkretnym stylem sztuki, ale Muzeum Rosyjskiego Impresjonizmu, otwarte w maju 2016 roku w Moskwie, mimo wszystko zgromadziło prace tych artystów pod jednym dachem.