Odgazuj wszystkie obrazy. Piękne baleriny marki Edgar Degas. Balet z loży operowej

24.02.2019

Nazwa: Edgara Degasa

Wiek: 83 lata

Działalność: malarz, impresjonista

Status rodziny: niezamężny

Edgar Degas: biografia

Perfekcjonista, sięgający w swoich pracach do rozbrajającej harmonii form i kolorów, Hilaire-Germain-Edgard de Gas jest znany światu jako błyskotliwy przedstawiciel ruchu impresjonistycznego. Tej nieważkości i wdzięku, które pokazał światu poprzez płótno, w istocie nie da się ująć w ramach jednego określonego kierunku.

Dzieciństwo i młodość

Przyszły artysta urodził się 19 lipca 1834 roku w rodzinie odnoszącego sukcesy bankiera. Organizatorem neapolitańskiego domu handlowego był ojciec Augusto de Gas. Matka Celestine Musson była córką pośrednika w wymianie bawełny.

Głowa rodziny utrzymywała żonę i dzieci, a Celestyna, jako strażniczka paleniska, dbała o komfort i porządek w domu. Matka zmarła nagle, gdy chłopiec nie miał nawet 13 lat.

Edgar dorósł zdolne dziecko: zainteresował się łaciną i historią. Po ukończeniu Liceum Ludwiga Wielkiego w 1852 roku młody człowiek wstąpił na Uniwersytet Paryski na Wydziale Prawa. Młody człowiek rozumie jednak, że orzecznictwo nie jest jego.

Augusto chciał, aby jego najstarszy syn zdobył wykształcenie i poszedł w jego ślady, dziedzicząc biznes rodzinny. Dowiedziawszy się o zamiarze opuszczenia przez syna uczelni, postanawia nie dominować nad potomstwem, dając Edgarowi wybór.

Otrzymawszy błogosławieństwo ojca, w 1855 roku młody człowiek wstąpił do szkoły sztuki piękne, gdzie mentor Lamott wpaja młodemu człowiekowi miłość do lidera europejskiego akademizmu J.D. Ingres.

Edgar miał szczęście urodzić się w rodzinie arystokratów. Facet nigdy nie doświadczył trudności związanych z brakiem pieniędzy. Podczas gdy inni początkujący artyści zmagali się z głodem i z obawą patrzyli w przyszłość, młody człowiek w 1856 roku postanawia porzucić studia i wyjeżdża na 2 lata do Hiszpanii.

Tam młody człowiek studiuje główne centra kulturalne krajów - Florencja, Neapol, Rzym, inspirowane malarstwem mistrzów renesansu.

Natchniony młody człowiek po powrocie do Paryża otwiera pracownię, tworząc szereg prac o tematyce historycznej.

Edgar odważnie nie idealizuje życia starożytnego, pokazując, w czym mogłoby ono wyglądać nowoczesna interpretacja. Mimo tytanicznych wysiłków i wielkich chęci Degasowi nie udało się połączyć w swojej twórczości starożytności z nowoczesnością.

Znajomość, która miała miejsce w 1862 roku, wywróciła życie Degasa do góry nogami. Artysta stał się bywalcem przytulnej kawiarni „Gerbois”. Tam ambitni impresjoniści dyskutowali nad koncepcjami nowych tematów w malarstwie i własną wizją rzeczywistości.

Pod wpływem tych ludzi pod koniec 1860 roku powstał cykl najważniejszych dzieł - Praczki, Wyścigi konne, Sceny baletowe i Modyści. główne zadanie artysta – pokaz wewnętrzny świat bohater, w spojrzeniu, w ruchu ręki, w obrocie głowy, aby w pełni móc ujawnić osobowość. Dostrzegł, że Degas zasadniczo różni się od impresjonistów świat jako dynamiczny element bytu, nie próbując wyodrębnić z niego choćby kropli inspiracji. Edgar widział ideał w nieustannym życiu metropolii. Pamięć fotograficzna pomagała dostrzec najbardziej nieistotne cechy Paryża.

W przyszłości wspomnienia te pomogły oddać rytm życia miasta, tworząc szczegółowe obrazy ludzi, miejsc i wydarzeń.

Dobrobyt materialny pozwolił Edgarowi na wieczne poszukiwanie siebie. Malarz łamał kanony, eksperymentował ze światłem, formą, kpił z kompozycji – w ogóle robił wszystko, co możliwe i niemożliwe, aby nowa wizja stworzyła efekt świeżości dzieła.

W wyniku twórczych wędrówek twórcy udało się uzyskać dokładne zwietrzenie struktury kompozycyjnej płócien, w którym nie było nic bardziej przypadkowego. Wszystkie elementy podkreślały znaczenie fabuły.

Obraz

Balet był ulubionym przedmiotem mistrza impresjonizmu. Popularność scen baletowych uchwyconych przez Degasa łatwo wytłumaczyć: na swoich płótnach artysta po mistrzowsku ukazuje świat piękna i wdzięku, nie przeciążając obrazów nadmiernym sentymentalizmem.

Motyw baletu pojawia się w twórczości wielu artystów. Do malowania obrazów wszyscy jak jeden korzystali z usług wybitnych modeli. Gra światłocienia, poza wybrana specjalnie do portretu – te niuanse pozbawiły płótno duszy. Degas jako pierwszy odważył się pokazać pracę scenografów bez upiększeń.

Obraz „Niebiescy tancerze” został namalowany ulubioną pastelą artysty. Cztery baletnice w kolorze niebieskim spódniczka baletowa w oczekiwaniu na wyjście na scenę nie znajdują dla siebie miejsca. Codziennie odgrywają role i codziennie się martwią, jak przed debiutem. Patrząc na nie widz mimowolnie wczuwa się w bohaterki, czując te same dreszcze. Asymetria kompozycji i nierówne cięcie krawędzi świadczy o pasji artysty do fotografii.

Oprócz baletu malarz lubił konie. Te pełne wdzięku zwierzęta zdobyły miłość twórcy, gdy był on we Włoszech. Degas był fanem tradycyjnych rzymskich wyścigów konnych. Artystę urzekła naturalna plastyczność koni, a profesjonalne gesty jeźdźców wzbudziły w nim autentyczny zachwyt.

Pierwszy obraz z cyklu „Wyścigi” powstał w 1860 roku i nosi tytuł „Panowie na wyścigach: przed startem”. Płótno to jest kopią stylu i charakteru artysty.

Rozmyci, niewyraźni jeźdźcy gubią się w płaskim krajobrazie. Degas przepisuje tę pracę 20 lat później. W późniejszej wersji tłem stały się niekończące się wzgórza i fabryki.

Twórczość Edgara Degasa „Absinthe”, podejmująca problem alkoholizmu, w pełni oddaje obyczajowość ówczesnej paryskiej bohemy. Poczucie samotności najlepiej przeżywać razem. Utrata nadziei jest tym, co łączy tych odległych, a jednocześnie bliskich ludzi. Wyblakły kolor obrazu potęguje poczucie znikomości własnego istnienia.

Malarz nie chciał upiększać rzeczywistości, dając widzowi możliwość zobaczenia na własne oczy otaczających go realiów.

Jednym z przełomowych dzieł XIX wieku jest Place de la Concorde. W pewnym momencie mistrzowi zabrakło pieniędzy i musiał podjąć się realizacji dowolnego planu. Mistrz był zmuszony przedstawić rodzinę wicehrabiego, a następnie sprzedać mu obraz. Pomogło to artyście zarobić kwotę potrzebną do życia. Obraz przez długi czas był własnością L. Lepika. Aż do początków XX wieku nic nie było wiadomo o jej losach.

Po pewnym czasie w zbiorach wybitnego właściciela odkryto „Plac Zgody”. Galeria Sztuki P. Duran-Ruel. Jednakże dolna część dzieła została odcięta. To właśnie ona zawierała autograf artysty. Brak podpisu utrudniał identyfikację autora. Po długich, daremnych próbach sprzedaży arcydzieła w końcu trafiło w ręce Niemca O. Gerstenberga.

Fabuła dzieła jest prozaiczna. Pomimo wyimaginowanego spokoju, bladości kolorów i gładkości linii, myśl nie leży na powierzchni. Dzieci i dorośli na zdjęciu patrzą w różnych kierunkach. Istnieje odwieczny konflikt pomiędzy ojcami i dziećmi. Odzwierciedlona różnica w poglądach i światopoglądzie pokoleń, jakby w kpinie, nazywana jest „Placem Zgody”.

Degas wiedział, jak zaskoczyć widza, zmuszając go do wczucia się w bohatera przedstawionego na płótnie. „Prasownice” nie były wyjątkiem. Robotnik z butelką wina, zmęczony nudą i monotonią, stał się symbolem robotnika początku XX wieku.

Od razu widać zmęczenie drugiej kobiety. Nie głaszcze - spada z nóg. Nie ma ani siły, ani ochoty nawet podnieść głowy. Przecież wszędzie wokół jest ta sama beznadziejność i sterty bielizny. Mistrz impresjonizmu pozwala zobaczyć Paryż z innej perspektywy.

„Praczki” są surowe i realistyczne. Wielki mistrz traktował człowieka pracy z poczuciem głębokiego humanizmu.

Na obrazie " Klasa taneczna» Degas fenomenalnie łączy dokładny rysunek ze szkicowymi detalami. Artystka skupia się na mimice twarzy tancerzy. Obraz pogrąża się w atmosferze ekscytującego oczekiwania. Dla studentów to bolesne oczekiwanie, dla starszego choreografa – paleta nowych pomysłów. Ale urodzone baletnice nie mają czasu na obce myśli - żyją tańcem, a sekunda bezczynności jest jak śmierć. Klasyczna kolorystyka nadaje płótnu charakter akademicki, ale energia obojętnego ruchu w przestrzeni przywraca widza do świata impresjonizmu.

Życie osobiste

Osoby, które nie znają biografii Degasa, po krótkim zapoznaniu się z jego twórczością, uznają, że Edgar nie stronił od romansów z modelami. Na płótnach kolorysty często pojawiały się wizerunki nagich kobiet, ale niezawodnie wiadomo, że mistrz nie miał bliskich stosunków z żadną z muz.

Miłośnik kapeluszy z szerokim rondem, w których oczach odbijał się smutek całego świata, wolał dumną samotność od hałaśliwych towarzystw. Nietowarzyski artysta nie tolerował zwiększonej uwagi poświęcanej swojej osobie.

Ze względu na taki bezstronny tryb życia i nawyk ciągłego mamroczenia czegoś pod nosem, przyjaciele i krewni czule nazywali go „niedźwiedziem”.

Będąc osobą miłującą wolność, malarz miał negatywny stosunek do instytucji małżeństwa. Według biografów melancholijny perfekcjonista nie potrzebował fizycznej bliskości. Rzeźbiarz kochał oczami i czerpał przyjemność z kontemplacji. kobiece ciało.

Suzanne Valadon, która wielokrotnie pozowała malarzowi, stwierdziła: Degas nieustannie komplementował jej wygląd, ale kontakt fizyczny był niemożliwy. Geniusz impresjonizmu wierzył, że kobieta została stworzona nie z miłości, ale z inspiracji. Zachwycenie było czysto duchowe.

Warto zauważyć, że nawet po opublikowaniu serii prac „Sceny w zamknięte domy”, poświęcony łatwo dostępnym kobietom, nikt ani przez ułamek sekundy nie wątpił w uczciwość mistrza.

Jedynym akceptowalnym stanem duszy twórcy jest samotność. Świadomie wybrał go na wiernego partnera życiowego.

Śmierć

Byli nieskończenie smutni ostatnie latażycie Degasa. Ślepego geniusza, błąkającego się bez celu ulicami Paryża, pochłonął żałosny pesymizm. Nieopisanie bolesne było dla niego to, że nie miał już możliwości kontemplacji życia, którego ruch uchwycił swoim magicznym pędzlem.

Jego przyjaciele przyszli pożegnać się z przyjacielem: i artystą Jean-Louisem Forainem.

Wiadomo, że Degas nie znosił gadania. Dlatego za życia poprosił Forena, aby porzucił mowę żałobną i zakończył prostym, nieskomplikowanym zdaniem:

„On, podobnie jak ja, uwielbiał rysować”.

Dzieła sztuki

„Studium rąk” (1860)
„Początek polowania” (1863-1865)
„Jeźdźcy w drodze” (1864-1868)
„Wnętrze” (przemoc) (1868-1869)
„Wybrzeże w Ebbe” (1869-1870)
„Kurs tańca” (1871-1874)
„Plac Zgody” (1875)
„W kawiarni” (absynt) (1876)
„Kobieta w toalecie” (1876-1877)
„Diego Martelli” (1879)
„Opera” (1880)
„Twarze przestępców” (1881)
„Prasownice” (1884)
"W Studio Tańca» (1897)
„Niebiescy tancerze” (1899)
„Baletnice za kulisami” (1900)

W latach sześćdziesiątych XIX lat wieku we Francji powstał kierunek artystyczny, których przedstawiciele poprzez ulotne wrażenia z otaczającego ich świata starali się uzyskać jego bardziej naturalny i żywy obraz. Nazwę impresjonizm otrzymał od francuskiego słowa wrażenie – wrażenie. Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli tego nurtu był artysta, którego prace zostały odkryte Nowa strona w sztuce światowej.

Dziecięca pasja do rysowania

Urodził się przyszły artysta w 1834 roku w Paryżu w zamożnej rodzinie o arystokratycznych korzeniach. Jego nazwisko jest zapisane - de Ga (cząstka „de” wskazuje na szlacheckie pochodzenie), ale w starszym wieku Edgar pod wpływem przerastających go idei społecznych zmienił je na bardziej demokratyczne – Degas.

Zamiłowanie do rysowania, a później malarstwa objawiło się w nim już w młodym wieku, jednak ojciec, menadżer i współwłaściciel jednego z największych paryskich banków, nie podzielał zainteresowań syna i przepowiadał przyszłość prawnika dla niego. Dozwolone było jednak bezpieczeństwo materialne młody człowiek nie przejmuje się i poświęca cały swój czas swojej ulubionej rozrywce. Tak powstały jego wczesne dzieła. Zdaniem badaczy Edgar Degas już w tym czasie pokazał zadatki na przyszłego perfekcjonistę, wielokrotnie przepisując swoje obrazy i starając się doprowadzić je do perfekcji.

Pasja do twórczości Ingresa i początek jego studiów

Biografowie zauważają, że wśród uznanych mistrzów pędzla największy wpływ Degas został wyrenderowany przez Jeana Augusta Ingresa, przed którego dziełem kłaniał się całe życie, co pozostawiło w nim zauważalny ślad własne prace. Edgar Degas w wieku dwudziestu lat zaczął malować w pracowni jednego z uczniów swojego idola – Louisa Lamothe, dziś zapomnianego, a w tamtych latach powszechnie znanego.

Mieszkając w Paryżu, Edgar spędza dużo czasu w salach Luwru, gdzie kopiując obrazy dawnych mistrzów, próbuje zgłębić tajniki ich twórczości. Mając finansowe możliwości podróżowania, odwiedza także najlepsze muzea we Włoszech, gdzie zapoznaje się z arcydziełami malarstwa geniuszy włoskiego renesansu – Giotta, Ghirlandaio, Belliniego, Mantegny i innych artystów, którzy stali się symbolami najwspanialsza epoka w sztukach wizualnych.

Pierwsze samodzielne kroki

Po powrocie do Paryża Degas zostaje właścicielem własnej pracowni, w której zajmuje się głównie tworzeniem portretów i płócien o tematyce historycznej. Nawet we Florencji stworzył wiele płócien, na których młody artysta uwiecznił swoich włoskich krewnych, których gościnnością cieszył się przez kilka miesięcy. Prace te były dowodem narodzin nowego mistrza portrecisty.

Jednak na początku lat sześćdziesiątych Degas skupił się na płótna historyczne dzięki którym ma nadzieję zdobyć sławę i uznanie. Maluje wiele obrazów o tematyce antycznej i średniowiecznej, ale nie odnoszą one sukcesu. Staje się to powodem do mówienia o porażce artysty w tym gatunku.

Za jedyny chyba prawdziwie dojrzały obraz, jaki Degas stworzył na przełomie lat sześćdziesiątych, można uznać portret jego florenckich krewnych – rodziny Belleli, który rozpoczął jeszcze we Włoszech i ukończył po powrocie z podróży. Jest to duże płótno, na którym przedstawione są postacie pełna wysokość, wchłaniane jako pierwiastki szkoła klasyczna malarstwo, a także wiele realistycznie przedstawionych cech postaci, wykonanych w nowy na tamte czasy sposób artystyczny.

Znajomość z impresjonistami

Prawdziwym przełomem w twórczości artysty był rok 1861, kiedy to spotkał jednego z twórców rodzącego się wówczas impresjonizmu, dzięki któremu Degas wszedł do kręgu malarzy oddających się temu nowemu nurtowi w sztuce. Ale pomimo wspólnych stanowisk, wśród których ważne miejsce zajmowało odrzucenie oficjalnej sztuki akademickiej z jej udręczonymi i pozbawionymi życia fabułami, Degas ujawnił także pewne różnice w nowych znajomościach.

W przeciwieństwie do wielu impresjonistów nie lubił pracować na świeżym powietrzu - na dworze, wierząc, że to rozprasza uwagę. Artysta wolał pracownię, gdzie sytuacja pozwalała na bardziej przemyślane i świadome podejście do kreacji obrazu. Fabuła jego dzieł związana jest przede wszystkim ze światem opery, teatru i kawiarni.

Kolejną, bardziej znaczącą różnicą między twórczością Degasa a twórczością jego nowych przyjaciół była chęć tworzenia dzieł orientacja społeczna, bez ozdób przedstawiających otaczające go życie. Należy zauważyć, że jeśli impresjoniści skupiali się na świetle (Manet może służyć jako żywy przykład), to w obrazach Degasa uwaga skupia się na ruchu.

Wielu czołowych historyków sztuki zalicza jego twórczość do impresjonizmu, należy jednak mieć na uwadze, że próby podziału artystów i ich dzieł ze względu na styl są bardzo warunkowe. Edgar Degas wyraża w tym przypadku jedynie ogólny impuls tkwiący w sztuce swoich czasów i robi to w sposób dość oryginalny i indywidualny.

Wojna francusko-pruska i lata późniejsze

Wymuszoną przerwę w twórczości artysty spowodowała wojna francusko-pruska, która rozpoczęła się w 1870 roku. Degas, podobnie jak jego kolega artysta Manet, zgłosił się na ochotnika na front, gdzie najpierw służył w pułku piechoty, a następnie został przeniesiony do artylerii. Zdemobilizowany po zakończeniu działań wojennych, w 1971 przedostał się najpierw do Wielkiej Brytanii, a następnie do krewnych w linia matczyna w Ameryce.

Kiedy Degas wrócił do Francji dwa lata później, zaczął trudne czasy. Zmarł jego ojciec, pozostawiając po sobie znaczne długi. Aby zachować dobre imię rodziny, Edgar płaci im, sprzedając nie tylko kolekcję obrazów dawnych mistrzów zgromadzoną w ich rodzinie, ale także rodzinny dom. Po raz pierwszy w życiu musiał zarabiać na życie.

Udział w wystawach plastycznych

Jedynym wyjściem z tej sytuacji była próba sprzedaży własnych dzieł. Edgar Degas przez kolejne dwa lata staje się uczestnikiem siedmiu wystaw organizowanych przez jego przyjaciół, artystów impresjonistów, a ponieważ jego prace zawsze cieszą się powodzeniem wśród potencjalnych nabywców, spłaca swoje długi. Jednocześnie staje się powszechnie znany jako jeden z najbardziej bystrzy malarze swoich czasów.

Prace poświęcone tematyce baletowej

Prace artysty można podzielić na kilka obszary tematyczne, z których jednym, który zyskał popularność wśród publiczności, był obraz scen baletowych, przedstawiony przez niego z wdziękiem, ale bez nadmiernego sentymentalizmu. Jeśli dzieła jego poprzedników, w których gwiazdy baletu były przedstawiane w stylu klasycznym, ale pozbawiony życia pozach, które przede wszystkim przypominały okładki magazynów, tancerze Degas wyglądali jasno i swobodnie, tworząc poczucie żywego wdzięku. Do najsłynniejszych dzieł tego cyklu należą „Klasa taneczna” (1873), „Tancerka na scenie” (1879), „Tancerze na próbie” (1879) i „Niebiescy tancerze” (1890).

Sceny z życia kawiarni

Kolejnym tematem, na który Edgar Degas pisał swoje prace, było życie paryskich kawiarni. Ulubionym miejscem, w którym znajdował wątki do swoich obrazów, był Park Monceau, dziesięć lat po Degasie, śpiewanym w twórczości Toulouse-Lautreca. Artystę pociągała przemyślana demokracja życia kawiarnianego, granicząca czasem z wulgarnością.

Wiadomo, że Degas nie preferował żadnych konkretnych instytucji. Równie chętnie odwiedzał pierwszorzędne kawiarnie i bardzo wątpliwe tawerny Belleville. Tworzył tu niezwykle wyraziste sceny, pozornie wyrwane z samego życia. Ten dział twórczości najbardziej znany jest z obrazów „Koncert w kawiarni” (1877), „Piosenkarka z rękawiczką” (1878), a także „Piosenkarka na scenie” (1877).

Inne prace artystyczne

Edgar Degas, którego malarstwo przyniosło mu zasłużoną sławę, dużo pracował w dość specyficznym gatunku, posługując się pastelą – mieszaniną pigmentu barwiącego prasowanego w formie kredek z dodatkiem lepkiej substancji. Ta technika, która nie była szczególnie trudna, pozwoliła uzyskać jasność i świeżość tonów. Używało go wówczas wielu artystów impresjonistów.

Specyficzne „błyszczące” pociągnięcia w połączeniu z soczystymi, nasyconymi tonami pozwoliły Degasowi stworzyć w swoich pracach niepowtarzalną kolorową atmosferę. Do najsłynniejszych dzieł wykonanych w tej technice można zaliczyć obraz „Niebiescy tancerze”, przechowywany w Moskwie

Różnorodność kreatywności Degas

Jeśli chodzi o wielkiego i wszechstronnego mistrza, czasami trudno jest rozróżnić wszystkie jego dzieła według gatunku. Edgar Degas, należący do tej kategorii artystów, pozostawił po sobie bogatą spuściznę w różnych dziedzinach sztuki pięknej. Oprócz obrazów wykonanych w technice olejnej i pasteli, wielką sławę zyskały jego ryciny i rysunki. Wiadomo, że z wiekiem artysta zaczął tracić wzrok i preferował rzeźbę. Pracując z gliną i gipsem, kierował się w dużej mierze dotykiem – oczy zastąpiły dłonie.

Zachód słońca w życiu artysty

I nie zaaranżował swojego życie osobiste, Edgar Degas spędził ostatnie lata samotnie. Był prawie całkowicie niewidomy, co uniemożliwiało mu dalszą pracę. Na szczęście artysta nie odczuwał potrzeb materialnych, gdyż sława i sława umożliwiły sprzedaż jego wcześniej stworzonych dzieł po niespotykanych wówczas cenach.

Edgar Degas, którego biografia została opisana w artykule, zmarł 27 września 1917 r. W ostatnia droga eskortowali go nieliczni jeszcze żyjący artyści, wśród których był Jean-Louis Forrin. Podczas pochówku nie wygłaszano długich przemówień – sam Edgar Degas prosił o to w ostatnich dniach swojego życia.

Dzieła, których lista znalazła się na złotym funduszu sztuki światowej

Minęły lata. Z biegiem czasu wiele dzieł powstałych w przeszłości zaczęło być postrzeganych w nowy sposób. Edgar Degas i jego dzieła stały się przedmiotem badań pokoleń krytyków sztuki. Obrazy artysty wystawiane są dziś w najlepszych muzeach na świecie i są ozdobą największych kolekcji prywatnych.

Bez imienia Degasa nie można sobie wyobrazić rozwoju malarstwa francuskiego i światowego w ostatniej trzeciej XIX i na początku XX wieku. Dziś w salach Luwru młodzi artyści kopiują jego płótna, tak jak on tworzył wiele lat temu, odtwarzając dzieła dawnych mistrzów. Dla nich całe jego życie poświęcone sztuce, wszystkie jego dzieła są nieocenioną szkołą. Edgar Degas słusznie stał się jednym z najwybitniejszych artystów świata.

Początki Auguste'a de Gasa i Celestine Musson. Był najstarszym z pięciorga dzieci. W wieku 13 lat Edgar stracił matkę, co było dla niego poważnym ciosem. Później, w młodości, pod wpływem nowych idei społecznych, Edgar zmienił nazwisko z de Ga do mniej „arystokratycznego” Odgazować.

Oddziałem francuskim kierował ojciec artysty, Auguste de Gas duży bank, założona we Włoszech przez dziadka Edgara Degasa, René Hilaire de Gas. Hilaire de Gas wyemigrował do Włoch podczas rewolucji francuskiej, wierząc, że jego życie jest w niebezpieczeństwie. Skąd pochodziła matka Edgara, Celestine Musson Rodzina francuska osiadł w Ameryce. Jej ojciec był pośrednikiem w wymianie bawełny w Nowym Orleanie.

Wczesny okres

E. Degasa. Siedzący nagi chłopiec. 1856.

Chęć rysowania zaczęła objawiać się w Degasie już w dzieciństwie. Jednak ojciec przepowiedział mu karierę prawnika, jednak Edgar nie miał wielkich pragnień i zdolności do orzecznictwa, a zamożność rodziny pozwalała mu malować, nie przejmując się specjalnie jedzeniem. Nie potrzebując pilnie pieniędzy, Degas mógł sobie pozwolić na to, aby nie sprzedawać swoich dzieł i ciągle nad nimi pracować, dążąc do perfekcji. Degas był oczywistym perfekcjonistą, sięgającym w swojej pasji do idealnej harmonii aż do utraty poczucia rzeczywistości. Już na początku swojej długiej kariery kreatywny sposób Degas był artystą, który, jak żartowali, tylko zabierając obraz, można było przestać nad nim pracować.

W latach 1874-1886 odbyło się osiem wystaw impresjonistów, a Degas wziął udział w siedmiu z nich, opuszczając jedynie przedostatnią w 1882 roku. Będąc wybitnym rysownikiem, Degas potrafił przedstawić współczesne życie z umiejętnością godną pędzla artystów minionych czasów. Kryzys finansowy, jakiego doświadczył Degas po śmierci ojca, został przezwyciężony po kilku latach intensywnej, codziennej pracy i do 1880 roku Degas stał się wybitną i szanowaną postacią w Świat paryski sztuka. Po ostatniej wystawie impresjonistów w 1886 roku artysta przestał wystawiać swoje prace publicznie, woląc sprzedawać swoje obrazy po wysokiej cenie za pośrednictwem kilku agentów sprzedaży.

Tancerze Degasa

Niezwykłą popularność scen baletowych przedstawionych przez Degasa łatwo wytłumaczyć, gdyż artysta ukazuje nam świat wdzięku i piękna, nie popadając w nadmierny sentymentalizm. Życie baletu jest im przekazane tak żywo, że można łatwo sobie wyobrazić, jak świeże i oryginalne wydawały się te obrazy współczesnym Degasowi. Artyści baletowi przed Degasem albo tworzyli geometrycznie poprawne kompozycje, albo przedstawiali kłaniające się z wdziękiem gwiazdy baletu. Takie portrety przypominały zdjęcia hollywoodzkich gwiazd filmowych zrobione na okładkę kolorowego magazynu.

„Nazywają mnie malarzem tancerzy” – napisał Degas. Rzeczywiście często poruszał ten temat. Całkowicie błędne jest jednak myślenie, że Degas był erotomanem. „Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania wspaniałych tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedziała Degas.

Ciekawy zapis z Dziennika Edmonda de Goncourta, sporządzonego 13 lutego 1874 roku: „Wczoraj cały dzień spędziłem w pracowni niesamowitego artysty imieniem Degas. Po wielu próbach, eksperymentach, sondowaniu we wszystkich kierunkach, zakochał się we wszystkim, co nowoczesne i w tej nowoczesności utkwił wzrok w praczkach i tancerkach. Faktycznie, wybór nie jest taki zły. Wszystko jest białe i różowe; kobiece ciało w batyście i gazie to najbardziej urocza okazja do zastosowania jasnych i delikatnych tonów… Tancerze przechodzą nam przed oczami… Obraz przedstawia foyer baletu, gdzie na tle jasnego okna fantastycznie zarysowują się sylwetki nóg schodzących tancerzy pojawiają się schody; wśród tych wszystkich kłębiących się białych chmur ostro kontrastuje czerwona plama much tartanowych i zabawna postać choreografa. A przed nami ukazują się pełne wdzięku krzywizny ciał, zwroty i ruchy tych małych dziewczynek uchwyconych w naturze. Artysta pokazuje swoje obrazy, od czasu do czasu uzupełniając wyjaśnienia reprodukcją jakiejś figury choreograficznej, imitacją, w języku tancerzy, jednej z arabesek. I naprawdę zabawnie jest patrzeć, jak stojąc na palcach, z rękami uniesionymi nad głową, miesza estetykę tańca z estetyką malarstwa, opowiadając o nieczystych tonach Velazqueza i sylwetce Mantegny.

Kruche i nieważkie postacie baletnic ukazują się widzowi zarówno w półmroku zajęć tanecznych, jak i w świetle reflektorów na scenie lub w krótkich chwilach odpoczynku. Pozorna prostota kompozycji i bezinteresowna postawa autora sprawiają wrażenie podglądanego obcego życia („Klasa tańca”, 1873-1875; „Tancerz na scenie”, 1878 - oba w Musee d'Orsay w Paryżu; „ Tancerze na próbie”, 1879, Moskiewski Państwowy Instytut Sztuk Pięknych, Moskwa; „Niebiescy tancerze, 1890, Musée d'Orsay, Paryż). Ten sam dystans widać u Degasa w przedstawieniu aktu.

Wielokrotnie mówiono o dystansie Degasa do swoich modeli. Rzeczywiście, przedstawienie tancerzy na obrazach Degasa jest pozbawione uczuć erotycznych i poczucia jakiegokolwiek osobistego kontaktu międzyludzkiego. Niektórzy znawcy twórczości Degasa uważają, że można dostrzec kontrast pomiędzy beznamiętnym obiektywizmem w przedstawianiu postaci a ciepłym, żywym uczuciem wlanym w sam obraz. Stwierdzenie to być może bliskie obiektywizmu, jeśli chodzi o kolorystykę tła, jednak stwierdzenie, że obrazy Degasa niosą w sobie zarówno subtelną, nieco smutną ironię artysty, jak i jego głęboką czułość dla modeli, jest podobne do emocjonalności artysty samego historyka sztuki i nie da się tego udowodnić. Ogólnie rzecz biorąc, sfera uczuć w obrazach wielu artystów nie jest wyrażona bezpośrednio, a wszelkie opisy spektrum emocji, które zdają się istnieć na danym obrazie, są jedynie fantazjami, których nie można ani udowodnić, ani obalić. To jest ich siła i słabość.

Wizerunek cafeshantanów w twórczości Degasa

Najdokładniejsze świadectwo cafeschantans należy do pędzla arystokraty i bywalca eleganckich salonów Parc Monceau Edgara Degasa, który o całą dekadę wyprzedził Toulouse-Lautreca. Przez całą ostatnią trzecią XIX wieku, przed pojawieniem się kina, kawiarnie pozostawały ulubionym miejscem wypoczynku paryżan. Instytucje te były bardzo różnorodne i można je było spotkać wszędzie, podobnie jak dzisiaj kina: na Montmartre, na bulwarze w Strasburgu, na Polach Elizejskich i na przedmieściach. Najbardziej atrakcyjne były oczywiście te, które otwierały się latem, na świeżym powietrzu, w ogrodach oświetlonych białymi kulami gazowymi.

Degas, który nie lubił otwartej przestrzeni, wolał sztuczne oświetlenie, oświetlenie gazowe pomogło mu znaleźć nowe rozwiązania. Powiedział swoim impresjonistycznym przyjaciołom: „Ty potrzebujesz życia naturalnego, ja potrzebuję sztucznego”. Niemniej jednak sceny z życia kawiarni na jego płótnach odpowiedziały na pierwsze zadanie postawione przed sobą przez impresjonistów - odzwierciedlić nowoczesność. Przyciągał go demokratyczny charakter, a nawet pewna wulgarność kawiarni. Taka atmosfera bawiła i bawiła Degasa. Spotkały się tam niezwykłe osobowości: brzuchomówcy, ekscentrycy, patrioci, wieśniaczki, sentymentalne damy, epileptycy… Tego rodzaju typy nadal istnieją i jeśli się nad tym zastanowić, każdą współczesną gwiazdę popu można przypisać do jednej z tych kategorii. Degas nie miał żadnych preferencji; chętnie odwiedzał zarówno eleganckie lokale na Polach Elizejskich, La Scalę, Ba-Ta-Clan, Elise-Montmartre, jak i wątpliwe tawerny Belleville i La Villette, gdzie przyciągały go niezwykłe sylwetki.

Życie osobiste

W życiu osobistym Degas był zarówno powściągliwy, jak i porywczy, a jego sporadyczne napady złości były zwykle spowodowane obawą przed utratą niezależności. Mały, w okrągłym kapeluszu z szerokim rondem, o kpiąco smutnym spojrzeniu, nie tolerujący hałasu, gardzący zamieszaniem, Degas był arystokratą zarówno z urodzenia, jak i ducha, co nie przeszkodziło mu stać się jednym z najbardziej demokratycznych artystów swoich czasów . Przyjaciele i członkowie jego rodziny mówili o Degasie jako o niezdarnym heteroseksualny mężczyzna. Rzeczywiście, kiedyś nazywano go czule „niedźwiadkiem” za częste narzekanie i narzekanie. Stosunek Degasa do własnego ciała był wolny od konwencji. A właściwie wanna, którą często widujemy na jej licznych późne obrazy myjące kobiety, został przez niego odważnie umieszczony na środku warsztatu. Zasłynął także jako zdolny mim lub klaun, jak wyjaśnił poeta Paul Valéry Włoskie pochodzenie artysta.

Nie ma jednak dowodów na to, że Degas pragnął fizycznej bliskości z tancerzami baletowymi lub którąkolwiek z jego modelek, ani też żadnych innych informacji na temat życia osobistego artysty. Nikt nie wiedział, czy Degas miał kochankę. Sam Degas nigdy nie mówił o swoich związkach z kobietami, a niektórzy badacze wyciągają z tego wniosek, że Degas był podglądaczem, to znaczy nie czerpał przyjemności ze stosunku płciowego, ale z patrzenia na kobiece ciało. Ale taki wniosek również nie ma dowodów i nie można go uznać za sprawiedliwy. To tylko założenie, jedno z wielu, które sprawdza się w tym przypadku. Z takim samym sukcesem można założyć, że Degas prowadził regularne życie intymne z prostytutkami. To także całkowicie logiczne założenie, bo te kobiety nie interesowały się sztuką i nie wiedziały, kim jest Degas. W konsekwencji ich niewiedza pozwoliła Degasowi zachować życie osobiste w tajemnicy, co było zgodne z jego zamkniętą naturą i obawą przed staniem się obiektem plotek i wszelkiego rodzaju kpin. Założenie to jest tym bardziej prawdopodobne, że Degas w młodości często powtarzał, że chciałby stać się sławny i nieznany, to znaczy zdobyć sławę i pieniądze, ale nie cierpieć z powodu irytującej uwagi innych. Świat prostytutek po prostu wpisuje się w rolę środowiska, w którym Degas mógłby być nieznany, a jednocześnie korzystać ze wszystkich dobrodziejstw jego sytuacja finansowa. Jednak to także tylko przypuszczenie.

„Bawełniane biuro”

Po powrocie do Francji Degas tworzy „ bawełniane biuro„(1873), obraz niezwykły pod względem kompozycji, ekspresji, światła i koloru. Degas namalował ten obraz podczas podróży do krewnych w Nowym Orleanie. Działka, którą wybrał na swoje płótno – biuro biznesowe – wcześniej wszyscy artyści starannie unikali. Dokładne portrety bohaterów Degas doskonale wpisuje się w atmosferę środowiska biznesowego i ogólnie obraz jest żywym szkicem. Życie codzienne, nawiązując raczej do powieści Emila Zoli niż do większości dzieł współczesnych malarzy Degasa. Nowy Orlean był wówczas czwartym co do wielkości miastem Stanów Zjednoczonych i jako port morski konkurował z głównym portem kraju, Nowym Jorkiem. Podstawą zamożności miasta był handel bawełną. Degas napisał do swojego przyjaciela: „Jedno klaśnięcie. Wszyscy tutaj żyją tylko z bawełny i dla bawełny”. Na pierwszym planie obrazu siedzą wujek Degas, Michel Musson, pośrednik w wymianie bawełny; brat artysty, René de Gas, czyta gazetę, podczas gdy jego drugi brat, Achille de Gas, opiera się o przegrodę w tle po lewej stronie. Rene i Achilles importowali wino do Nowego Orleanu, a Degas był dumny z ich sukcesu. Tutaj, w biurze wujka, po prostu wpadli na chwilę i dlatego usiedli, podczas gdy wszyscy inni byli zajęci pracą. Choć praca sprawia wrażenie spontaniczności, jej kompozycja została przemyślana równie starannie, jak na wszystkich płótnach Degasa. Na przykład postacie ubrane na czarno są ułożone tak, aby wyraźnie wyróżniały się na tle i sprawiały wrażenie, że wystają z obrazu. Później maluje portret artysty Lepika („Plac Concorde”) – w pewnym sensie rewolucyjny rodzaj sztuki portretowej, w którym otoczenie głównego (warunkowo) bohatera ma nie mniejszą wagę, wartość i znaczenie niż bohater portretu.

„Instytucja Teller”

Prace z serii szkiców z Montmartre zostały zamówione przez Degasa do luksusowego wydania Rodziny kardynałów zaprojektowanego przez Ludovica Halévy'ego. W tym celu zgromadził wiele szkiców, litografii, monotypii i rysunków. Temat zainteresował Degasa i dalej z entuzjazmem go rozwijał, w duchu Rabelais’go, co jest tym dziwniejsze, że Alewi wkrótce porzucili swój plan. Za życia Degasa te pospiesznie wykonane dzieła widzieli tylko nieliczni szczęśliwcy, wśród których był Renoir, który był nimi zachwycony. Vollardowi udało się zdobyć kilka rysunków, które wykorzystał jako ilustracje do Domu Telliera Maupassanta i Grymasów kurtyzan Pierre'a Louisa. Dopiero dzięki tak szczęśliwemu zbiegowi okoliczności dotarła do nas ta mało znana strona twórczości Degasa. Pod pretekstem chęci pozostawienia pamięci o bracie bez skazy, René de Haas zniszczył większość rysunków, które znalazł w warsztacie Edgara po jego śmierci.

Kreatywny sposób

Degas mało interesował się krajobrazem, który zajmował Centralna lokalizacja w twórczości impresjonistów i nie starał się uchwycić na płótnie nieuchwytnej gry światła i cienia, która tak fascynowała Moneta. Degas dorastał tradycyjne malarstwo co tak niewiele znaczyło dla innych impresjonistów. Degasa można przypisać impresjonizmowi tylko dzięki drżącej, świetlistej grze kolorów. Wspólne, zarówno dla Degasa, jak i dla reszty impresjonistów, było być może jedynie żarliwe zainteresowanie obrazowymi tematami współczesnego życia i chęć uchwycenia go na płótnie w jakiś nowy, niezwykły sposób. Sam Degas powiedział: „Trzeba mieć wysokie pojęcie o sztuce; nie o tym, czym się zajmujemy obecnie ale o tym, co chciałbyś kiedyś osiągnąć. Bez tego nie warto pracować.” Auguste Renoir powiedział o swoim przyjacielu: „Degas był przenikliwy. Czyż najbardziej rewolucyjny artysta w całym nowym malarstwie nie ukrywał się za czarnym surdutem, twardym wykrochmalonym kołnierzykiem i cylindrem?

Ironia losu, ale dopiero w latach 90. XIX wieku, po upadku grupy impresjonistów, twórczość Degasa stylistycznie stała się najbliższa impresjonizmowi. Jednak rozmyte formy i jasne tony, które zaczął stosować w tych latach, były bardziej wynikiem postępującej utraty wzroku niż tęsknoty artysty za kolorami i kształtami charakterystycznymi dla impresjonizmu. Spontaniczność nie była cechą artysty, a on sam powiedział: „Wszystko, co robię, nauczyłem się od starych mistrzów. Ja sam nie wiem nic o inspiracji, spontaniczności czy temperamencie. Szczególna dramaturgia obrazów rodzi się często z niespodziewanie śmiałego ruchu linii, niezwykłej kompozycji przypominającej chwilową fotografię, w której postacie z pozostawionymi za kadrem poszczególnymi częściami ciała przesunięte są ukośnie w róg, centralny część obrazu to wolna przestrzeń („Orkiestra Opery”, 1868-1869 Muzea Orsay, Paryż; „Dwaj tancerze na scenie”, 1874, Galeria Warburg and Courtauld Institute, Londyn; „Absynt”, 1876, Musée d'Orsay, Paryż). Dla wytworzenia dramatycznego napięcia artysta posłużył się także światłem kierunkowym, przedstawiającym np. twarz podzieloną reflektorem na dwie części: oświetloną i zacienioną („Cafechantan u Ambasadora”, 1876-1877, Muzeum Sztuk Pięknych, Lyon; „ Piosenkarz z rękawiczką”, 1878, Vogt Museum, Cambridge). Technikę tę wykorzystał później A. de Toulouse-Lautrec w plakatach dla Moulin Rouge.

Jego dar obserwacji, dokładność i czujność spojrzenia były nieporównywalne. A siłę pamięci wzrokowej można było porównać tylko z Daumierem. Zdolności obserwacyjne Degasa i fenomenalna pamięć wzrokowa pozwoliły mu uchwycić gesty, postawy z niezwykłą dokładnością, uchwycić charakterystyczne ruchy w ruchu i przekazać je z niezwykłą prawdziwością. Degas zawsze dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów, często wykonując wiele szkiców i szkiców, a w ostatnich latach życia, gdy zanikający wzrok nie dawał mu już możliwości poszukiwania nowych tematów, raz po raz zwracał się do swojego ulubione obrazy, czasem przekładając kontury postaci ze starych płócien za pomocą kalki.

Prace Degasa, ze swoją ściśle dopasowaną, a jednocześnie dynamiczną, często asymetryczną kompozycją, dokładnym, elastycznym rysunkiem, nieoczekiwanymi kątami, aktywną interakcją figury i przestrzeni, łączą pozorną bezstronność i przypadkowość motywu i architektury obrazu ze staranną przemyśleniem i obliczenie. „Nie było sztuki mniej bezpośredniej niż moja” – tak ocenia sam artysta własną twórczość. Każde jego dzieło jest efektem wieloletnich obserwacji i ciężkiej, żmudnej pracy nad ich przełożeniem obraz artystyczny. W pracy mistrza nie ma nic improwizowanego. Kompletność i przemyślaność jego kompozycji czasami przywołuje na myśl obrazy Poussina. Ale w rezultacie na płótnie pojawiają się obrazy, które nie będzie przesadą nazwać personifikacją tego, co chwilowe i przypadkowe. W sztuka francuska końca XIX w. twórczość Degasa jest pod tym względem diametralnie przeciwna twórczości Cezanne’a. U Cezanne’a obraz niesie ze sobą całą niezmienność porządku świata i wygląda jak całkowicie wypełniony mikrokosmos. W Degas zawiera jedynie część potężnego strumienia życia odciętego kadrem. Obrazy Degasa są pełne dynamiki, ucieleśniają przyspieszone rytmy współczesny artysta era. To pasja przekazywania ruchu – to według Degasa określiło jego ulubione tematy: obrazy galopujących koni, baletnic na próbach, praczek i prasownic w pracy, kobiet ubierających się lub czesających włosy.

Metody te polegają raczej na precyzyjnej kalkulacji niż na wolności i inspiracji, ale mówią też o niezwykłej pomysłowości artysty. W kreatywne poszukiwania Degas jest jednym z najodważniejszych i najbardziej oryginalnych artystów swoich czasów. Już na początku swojej kariery zawodowej Degas udowodnił, że potrafi umiejętnie malować w tradycyjny sposób w technice olejnej na płótnie, jednak w dojrzałych latach intensywnie eksperymentował z różne wyposażenie lub z kombinacją materiałów. Często malował nie na płótnie, ale na kartonie i użytkował inna technika, takie jak olej i pastel, w ramach tego samego obrazu. Pasję do eksperymentów miał artysta we krwi – nie bez powodu już w 1879 roku jeden z obserwatorów odwiedzających wystawę impresjonistów napisał, że Degas „niestrudzenie poszukiwał nowych technik”.

Równie twórcze było podejście artysty do ryciny i rzeźby. Maniera Degasa ukształtowała się pod wpływem różnych artystów. Głęboko szanował na przykład Ingresa i sam uważał się za pisarza w tradycyjny sposób, jaki wyznawał Ingres. Wpływ ten jest wyraźnie widoczny w wczesna praca ach Degas - klarowny, klasyczny w duchu, z wyraźnie określonymi formami. Podobnie jak wielu jego współczesnych, Degas był pod wpływem grafiki japońskiej z jej niezwykłymi kątami, do których sam sięgał w swoich kolejnych pracach. Na obrazach Degasa widać wiele śladów nieoczekiwanej dla sztuki europejskiej fragmentacji na japońskich drzeworytach kakemono. Fotografia, którą lubił Degas, sprawiła, że kompozycja jego płócien stała się bardziej świeża i niezwykła. Niektóre jego prace sprawiają wrażenie migawki, jednak tak naprawdę to uczucie jest owocem długiej i żmudnej pracy artysty.

Edmond Goncourt pisał o Degasie: „Osoba niezwykle wrażliwa, potrafiąca uchwycić istotę rzeczy. Nie spotkałem jeszcze artysty, który odtwarzając współczesne życie, lepiej uchwyciłby jego ducha. ”W końcu Degasowi udało się wypracować własny, niepowtarzalny pogląd na wrażenia z otaczającego nas świata. Czasami opisuje się go jako zimnego, beznamiętnego obserwatora, zwłaszcza podczas pisania portrety kobiet jednak Berthe Morisot, jedna z wybitnych artystek tamtych czasów, stwierdziła, że Degas „szczerze podziwiał cechy ludzkie młode sprzedawczynie w sklepie. Niewielu innych artystów studiowało tak ciężko Ludzkie ciało jak Degas. Mówią, że pod koniec sesji modele Degasa były nie tylko śmiertelnie zmęczone długim pozowaniem, ale także pomalowanymi paskami, które artysta tracąc wzrok nałożył na swoje ciała jako oznaczenia, które pomogły mu dokładniej określić proporcje .

„Przez całe życie – pisał Paul Valéry – „Degas poszukiwał w obrazie nagiej postaci, rozpatrywanej ze wszystkich punktów widzenia, w niewiarygodnej liczbie pozach, we wszelkiego rodzaju ruchach, tego jednego systemu linii, który wyrazić z największą dokładnością nie tylko ten moment, ale także największe uogólnienie. Do jego celów nie zalicza się ani wdzięk, ani wyimaginowana poezja. Jego dzieła o niczym nie śpiewają. W dziele trzeba pozostawić jakieś miejsce przypadkowi, aby mogło powstać jakieś zaklęcie, które podnieci artystę, chwyta jego paletę i kieruje ręką. Ale Degas, człowiek z natury o silnej woli, nigdy nie zadowalający się tym, co można uzyskać od razu, posiadający zbyt krytyczny umysł i zbyt wykształcony przez największych mistrzów, nigdy nie poddawał się bezpośredniej przyjemności w pracy. Podoba mi się ten rygor.”

Renoir zauważył kiedyś, że „gdyby Degas zmarł w wieku pięćdziesięciu lat, zostałby zapamiętany jako wspaniały artysta, i nie więcej. Jednak po pięćdziesiątce jego praca rozszerzyła się tak bardzo, że faktycznie zmienił się w Degasa. Być może Renoir nie jest tu całkiem w porządku. Zanim Degas skończył 30 lat, tworzył już płótna, które znalazły się w skarbnicy sztuki światowej. Z drugiej strony Renoir słusznie zauważył, że dojrzałe dzieła Degasa są bardziej indywidualne, rzeczywiście „rozszerzone” stylistycznie – to właśnie odróżnia je przede wszystkim od wczesnych dzieł artysty. Wciąż mocno wierząc, że rysunek w malarstwie jest podstawą fundamentów, Degas jednocześnie zaczyna coraz mniej dbać o piękno i klarowność konturu, wyrażając się za pomocą różnorodności form i bogactwa koloru.

Impresjonizm

Zmarł 27 września 1917 sławny artysta Edgara Degasa. Uważany jest za jednego z głównych przedstawicieli impresjonizmu, chociaż Degas zawsze miał niezależny styl. Nie pociągały go krajobrazy. Najczęściej przedstawiał ludzi w ruchu. Degas pozostawił po sobie ponad 2000 obrazów olejnych, pasteli i rzeźb. Zapamiętajmy najlepsza praca artysta.

Na to portret grupowy Ciotka Degas Laura jest przedstawiona z mężem, baronem Gennaro Belleli i dwójką dzieci. Laura jest jednak w ciąży z trzecim dzieckiem czarna sukienka ukrywa swoje stanowisko. Przez ten czas nadal nosiła żałobę po ojcu – jego portret wisi za Laurą. Degas zaczął malować ten obraz w 1858 roku podczas wizyty u krewnych we Florencji. Tutaj wykonał szkice, ale ostatecznie namalował obraz już w Paryżu w 1859 roku. W tym czasie portret był najwspanialszym dziełem artysty.

Degas namalował obraz podczas podróży do krewnych w Nowym Orleanie. Degas poinformował przyjaciela o tym mieście: „Jedno klaśnięcie. Wszyscy tutaj żyją tylko z bawełny i dla bawełny”. Na pierwszym planie obrazu siedzą wujek Degas, Michel Musson, pośrednik w wymianie bawełny; brat artysty, René de Gas, czyta gazetę, podczas gdy jego drugi brat, Achille de Gas, opiera się o przegrodę w tle po lewej stronie. Degas umiejętnie wpisał portrety postaci w atmosferę środowiska biznesowego.

Jeden z najbardziej znane prace Odgazować. Obraz przedstawia pijaną, zmęczoną parę popijającą drinki w kawiarni Nouvelle Aten Café w Paryżu. Kieliszek kobiety wypełniony jest absyntem, łatwo rozpoznawalnym po jasnozielonym kolorze. Modelkami do zdjęcia były aktorka Helene André i artystka Marcelin Debutin, przyjaciele Degasa. Ich postacie są po mistrzowsku odsunięte od środka kompozycji. Wygląda na to, że ludzie zostali wyciągnięci prawdziwe życie. Muszę powiedzieć, że początkowo obraz nie został zaakceptowany przez krytyków.

Artyści każdego gatunku zawsze przyciągali Degasa, podziwiał ich odwagę i umiejętności. Obraz przedstawia akrobatkę wiszącą pod kopułą cyrku na linie zaciśniętej w zębach. Kąt dobieramy tak, abyśmy widzieli akrobatę oczami widza siedzącego poniżej. W tym samym roku, w którym Degas namalował swój obraz, Mademoiselle Lala odbyła tournee po Londynie, a gazety pełne były doniesień, że ten akrobata „podbił już cały Paryż”.

Degas lubił portretować ludzi, zwłaszcza kobiety, jakby byli zaskoczeni ich poczynaniami. Artysta zainteresował się tematyką baletu w latach 70. XIX wieku. Starał się uchwycić tancerzy nie na scenie w całej okazałości, lecz wolał pokazać ich pracującą, zakulisową codzienność. Takie są obrazy „Tancerze na próbie”, „Oczekiwanie”, „Dwóch tancerzy” itp. Zapytany, dlaczego tak często nawiązuje do tematu baletu, Degas odpowiedział kiedyś: „Nazywają mnie malarzem tancerzy; nie rozumieją, że tancerze byli dla mnie tylko pretekstem do pisania pięknych tkanin i przekazywania ruchów”.

„Prasownice”. Jeśli impresjoniści uważali malowanie z życia za swoją najważniejszą zasadę, to nie dotyczyło to Degasa. Lubił powtarzać, że należy „obserwować bez rysowania i rysować bez patrzenia”. Starał się pokazać życie w całej jego różnorodności i nieskończonym ruchu. Ogólnie rzecz biorąc, Degas był bliski impresjonistom poprzez chęć odejścia od wzorców akademickich i zwrócenia się ku tematom współczesnego życia.

Zmarł 27 września 1917 malarz francuski Edgara Degasa, jeden z najbardziej wybitni przedstawiciele impresjonizm, grafik i rzeźbiarz. Jego prace wyróżniają się ostrym i dynamicznym postrzeganiem życia, ściśle dopasowaną asymetryczną kompozycją, elastycznym i precyzyjnym rysunkiem oraz nieoczekiwanymi kątami figur. Ściśle rzecz ujmując, wbrew tytułowi, Degasa można przypisać impresjonizmowi jedynie dzięki drżącej, świetlistej grze barw – wyrósł on z tradycyjnego malarstwa.

Innowacyjność Degasa w przekazywaniu ruchu jest nierozerwalnie związana z jego kunsztem kompozytorskim: ma on bardzo silne poczucie niezamierzonej, przypadku, wyrwania odrębnego epizodu z biegu życia. Osiąga to poprzez nieoczekiwane asymetrie i nietypowe punkty widzenia (często z góry lub z boku, pod kątem), wyraziste kadrowanie i odważne cięcia ram. To poczucie naturalności i całkowitej swobody zostało wywalczone ciężką pracą i precyzyjnym obliczeniem konstrukcji kompozycyjnej. Jednocześnie prace Edgara niezmiennie charakteryzują się wnikliwą obserwacją i głębokim psychologizmem, a jego późniejsze arcydzieła szczególnie wyróżniają się intensywnością i bogactwem koloru, które uzupełniają efekty sztucznego oświetlenia i pewnego ograniczenia przestrzeni.

Utalentowany artysta umiejętnie łączył to, co piękne, czasem fantastyczne, z tym, co prozaiczne; ze względu na to, że wychował się w zamożnej rodzinie (ojciec Edgara Degasa był właścicielem dużego banku), mógł sobie pozwolić na to, aby nie pracować „na zamówienie”, nie upiększać nikogo, a niektóre jego portrety uszlachetniały szlachta odchodzi urażona. Malarz zasłynął już za życia – kiedy w wieku 39 lat stracił ojca, który pozostawił po sobie ogromne długi, już pierwsza wystawa jego prac pomogła Edgarowi przezwyciężyć kryzys finansowy i uzyskać niezależność. Po śmierci artysty ceny jego płócien poszybowały w górę – nie lubił rozstawać się ze swoimi dziełami, „polerując” je do nieskończoności. Spotykać się z kimś większość obrazy Degasa znajdują się w muzeach Rosji, Francji i Włoch. W małej recenzji zebraliśmy dla Ciebie najsłynniejsze z nich. Przyjrzyjmy się!

(1857, Muzeum Sztuki, Birmingham) to jedno z najbardziej skandalicznych arcydzieł artysty. Konstrukcja kompozycyjna Degas wykonał płótna według zasad starych mistrzów, ale nie wybrał na swoją modelkę wyrafinowanej pięknej kobiety, ale prosta kobieta, którego obraz wcale nie jest wyidealizowany. Znakomite społeczeństwo było zszokowane! Wizerunek samej bohaterki na tym płótnie otrzymuje niezwykle realistyczną interpretację, podczas gdy otaczająca ją przestrzeń jest raczej konwencjonalna. Zmęczona starsza kobieta siedzi na progu starego domu, pogrążona w myślach i z ciekawością spogląda w dal. O ciężkim życiu bohaterki opowiadają nie tylko jej znoszone ubrania, ale także pozornie niedbale umieszczone na pierwszym planie przedmioty: kawałek chleba i stary garnek z na wpół zjedzonym jedzeniem z wyszczerbioną krawędzią…
Filigranowe modelowanie kolorów i precyzyjne opracowanie tonalne podkreślają kunszt malarza.

Degas nadał swoim historycznym płótnom zupełnie nowy, nietypowy charakter wczesne prace interpretacja tego gatunku. Najjaśniejszy z nich to (1860, Muzeum Narodowe, Londyn). Tutaj Edgar całkowicie zignorował warunkową idealizację antycznej fabuły, przedstawione przez niego postacie bardziej przypominają współczesnych nastolatków wyjętych z paryskich ulic. Jest to szczególnie widoczne w nieco kanciastych ruchach przedstawionych przez niego postaci, osadzonych w nieco stylizowanym pejzażu. Statyczne pozy młodych mężczyzn mówią o wpływie sztuki neoklasycznej. Artysta podkreśla realizm sceny za pomocą subtelnej psychologicznej interpretacji twarzy poszczególnych postaci. Jednocześnie główny środki wyrazu na płótnie jest elegancka muzycznie plastyczna linia. Kolorystyka obrazu, zbudowana na ograniczonej kombinacji kolorów, nadaje płótnu wrażenie ścisłej przejrzystości i równowagi.

Dzieło (1858, Musee d'Orsay, Paryż) uważane jest za szczytowe osiągnięcie wczesnego stylu portrecisty Edgara Degasa. Modelami tego płótna byli wujek artysty Gennaro, jego żona Aaura i ich dwie córki, Giovanna i Giulia. Kompozycja obrazu zbudowana jest na zasadzie określonej sceny rodzajowej. Degas, który nigdy nie dyktował swoim modelom, jaką pozycję mają zajmować, objął stanowisko portret rodzinny dramat: wcielił się w parę, dość zmęczoną swoim towarzystwem. Ich pozy podkreślają różnicę charakterów i przeżyć emocjonalnych małżonków. Dla widza staje się jasne, że jedynym ogniwem, które je łączy, są dzieci. Płótno to charakteryzuje się głębokim psychologizmem, mistrzostwem w przekazywaniu światła i dokładnością rysunku, a połączenie tonów błękitu, srebra, czerni i bieli buduje doskonały system kolorystyczny.

Dzieło z 1862 roku (Musee d'Orsay, Paryż) bardzo dokładnie i szczerze oddaje ekscytujące emocje, jakich doświadczają ludzie i napięcie koni przed startem. Na pierwszym planie obrazu, pełni wewnętrznego skupienia i dynamiki, ukazani są dżokeje przygotowujący się do startu w wyścigu. Plan średni zajęty hałaśliwym świeckim społeczeństwem, głodny spektaklu. Uderza zachwycająca autentyczność, z jaką oddane są gesty i lądowanie dżokejów, pozbawione jakiejkolwiek poetyki obrazu. I nawet ostra fragmentacja płótna, w której krawędź obrazu odcina połowę postaci jednego z jeźdźców, wcale nie dziwi: wszystko wygląda bardzo naturalnie.

Obraz (1884, Musée d'Orsay, Paryż) jest najsłynniejszym z cyklu Degasa przedstawiającego zwykłych ludzi. Płótno jest napisane szerokimi, nerwowymi pociągnięciami, doskonale oddając wahania powietrza wokół pracujących dziewcząt. Kolorystyka zbudowana na zestawieniu tonów błękitu, brązu i ochry, złota i bieli wyróżnia się zwiększonym efektem dekoracyjnym, który wyróżnia tę pracę spośród innych obrazów z tej serii.

Najbardziej znanym dziełem Edgara Degasa poświęconym tematyce tańca jest obraz (1898, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. A. S. Puszkina w Moskwie), w którym mistrzowi udało się osiągnąć szczególną wyrazistość kompozycyjną i kolorystyczną. Pełne wdzięku bohaterki opowieści poprawiają swoje kostiumy przed występem. Artystce udało się tak umiejętnie wykorzystać efekt sztucznego oświetlenia, że całe płótno okazało się wypełnione blaskiem i jakby iskrzącymi się nitkami tanecznej melodii.

Malarz miał po prostu obsesję na punkcie chęci prawdziwego uchwycenia dowolnego ruchu. Szczególne miejsce w twórczości Degasa zajmują wizerunki kobiet czesających włosy. Jedno z najsłynniejszych dzieł tego cyklu – (1886, Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu) – ma kilka wersji, jedna z nich znajduje się w prywatnej kolekcji Morrisa (Filadelfia), a druga w Metropolitan Museum of Sztuka (Nowy Jork). We wszystkich wersjach bohaterka jest przedstawiona od tyłu, co pozwoliło Degasowi w najbardziej przekonujący sposób przekazać jej ruchy. Dzięki elastycznym liniom konturowym artystka podkreśla objętość i głębię cienia, tworząc wyrazistość płynnych ruchów bohaterki, przeczesując jej luksusowe czerwone loki.

W więcej później działa ruchy bohaterek stają się ostrzejsze, kształt ciała zaczyna być przekazywany w sposób bardziej uproszczony i często zarysowany jest ostrym konturem. Uderzającym przykładem jest obraz (1900, zbiory prywatne). Bardzo wyraźnie widać, jak późny styl mistrza nabrał wzmożonej ekspresji, uogólnienia form i dekoracyjności. Malarz udowodnił, że ciało może być jeszcze bardziej wyraziste niż twarz, dlatego zupełnie zwyczajne motywy w jego sztuce otrzymały poetycki wyraz witalności, wdzięku wdzięku i piękna.

Edgar Degas całkowicie poświęcił się pracy – artysta ze względu na swoją nieustępliwą i nieufną naturę nigdy nie był w stanie założyć rodziny. Celowo traktował młode damy z dystansem, nikt o żadnej z nich nie słyszał miłosne afery. Jego dzieci są jego obrazami, to w nie zainwestował całego siebie...