Tych, którzy myślą, że sztuka współczesna to nic innego jak niesystematyczne plamy na płótnach lub wystawy z niezasłanymi łóżkami jako eksponatami, bardzo zdziwią się, gdy zobaczą poniższe prace, bo współcześni artyści rzeźbiarze i inni twórcy często tworzą prawdziwe arcydzieła. Są odważne, przemyślane i bardzo oryginalne! Sami zobaczcie, czy to nie wspaniałe?
1. Ciasto z kostką Rubika
2. Rosyjskie malowanie historii na jednym obrazie - „Kłopoty nie przychodzą same”
3. Artysta zaprasza odważnych zwiedzających do stanięcia pod 300 spiczastymi widłami zwisającymi z sufitu.
4. Prace z nowej wystawy słynnego artysty ulicznego Banksy'ego
5. Ogromny statek wykonany z papierowych łodzi
Claire Morgan „Woda na mózg”.
6. Dzieła sztuki z brudu na samochodach
Źródło 7 Danie Wielkiego Szefa Kuchni Wykonane Z Racji Wojskowych
Szef kuchni Chuck George, operator Jimmy Plum i fotograf Henry Hargues połączyli siły, aby stworzyć te ciekawe instalacje.
Mózg wieprzowy z duszonymi ziemniakami i wołowiną z czerwonym sosem.
Śliwki, marmolada jabłkowa i ser topiony.
8. Co się stanie, jeśli dodasz trochę kolorów do słynnych logo sportowych?
9 Ceramiczny pocałunek
10. Instalacja „Ludzie, których widzę, ale których nie znam”
Tysiące miniaturowych metalowych figurek autorstwa Sadoka Ben-Davida.
11. Zachwycające graffiti
12. Ceramiczne pogniecione puszki po piwie
13. Instalacja wykonana w całości z książek
14. Miniaturowe ciasta
Obecnie, aby zobaczyć inspirujące prace sztuka Nie musisz iść do muzeum. Internet umożliwił ludziom docenienie sztuki i czerpanie z niej przyjemności, zapewniając niekończący się strumień arcydzieł. Jednak znalezienie tego, co cię ekscytuje, to zupełnie inna sprawa. Trzeba przemyśleć różne rodzaje sztuki jak np grafika, rzeźby, fotografie i instalacje. A to wcale nie jest łatwe i zajmuje dużo czasu. Dlatego dzisiaj przedstawimy Twojej uwadze niektóre z najpopularniejszych trendów w sztuce ostatnie lata. Od rzeźb książkowych po zapierające dech w piersiach instalacje, to są właśnie trendy, które ludzie nie mogą przestać podziwiać.
1. Rzeźby i instalacje z książek
Od niewiarygodnego rzeźby książkowe Od Briana Dettmera i Guya Laramee po rozpadającą się rzeźbę ścienną autorstwa Anouk Kruithof i skomplikowane igloo autorstwa Milera Lagosa. Jeszcze nigdy książki nie były tak popularne w Polsce sztuka. Opierając się na fakcie, że wszystko więcej ludzi Przełącz na e-książki, te dzieła sztuki są cenione podwójnie. Są mile widzianym przypomnieniem, że pomimo faktu, że żyjemy w dobie Internetu, książki zawsze będą miały specjalne miejsce.
2. Piękne instalacje parasolowe
Często parasole leżą w szafie, dopóki nie zacznie padać, ale w Ostatnio coraz częściej pojawiają się w różnych instalacjach na całym świecie. Portugalskie parasole we wszystkich kolorach tęczy, różowa instalacja w Bułgarii – to nie ma chronić ludzi przed zamoknięciem, ale pokazać, jak można tworzyć sztukę ze zwykłych przedmiotów.
3. Interaktywna sztuka uliczna
Sztuka uliczna jest tworzona nie tylko w celach społecznych czy politycznych, ale po prostu po to, by podobać się przechodniom. Od dzieci jeżdżących na rowerach Ernesta Zacharevica po schody metra Panyi Clark, te instalacje są zbudowane z myślą o interaktywności. Celowo lub nawet nieświadomie przechodnie stają się częścią sztuki, nadając nowy wymiar już interesującemu dziełu.
4. Kreatywność stworzona z tysięcy rzeczy
Kreatywność, stworzona z tysiąca rzeczy, zawsze jest interesująca. Płynąca rzeka z książek Luzinterruptusa, jaskrawoczerwony ptak stworzony z guzików i szpilek Ran Hwanga, te instalacje pokazują nam, jak tysiące rzeczy mogą wyglądać w rękach cierpliwych twórców. Kto by pomyślał, że pikselowy portret można by zrobić ołówkami pointylistycznymi, gdyby nie Christian Faur? To dobry przykład pomysłowości w sztuce.
5. Epickie rzeźby z Lego
Podczas gdy plastikowe klocki dla dzieci to klasyczny produkt Lego, niektórzy projektanci używają ich do tworzenia epickich rzeźb. Te niesamowite rzeźby zbudowany bardzo starannie, cegła po cegle - wiktoriański straszny dom, podziemna jaskinia Batmana, rzymskie Koloseum, dom z Gwiezdne Wojny- wszystkie są niesamowite.
6. Kreatywność we wszystkich kolorach tęczy
Jedno- lub dwukolorowe kreacje są nudne – co powiecie na kreacje łączące wszystkie kolory tęczy! Twórcy tych instalacji wiedzą, jak wywołać uśmiech. Przejście z tęczowymi oknami Christophera Janneya lub wielobarwne bomby dymne Olafa Breuninga są nie tylko piękne dla oka, ale trzeba ich doświadczyć. Nawet origami i samochodziki wyglądają ciekawiej, gdy są ułożone w tęczę kolorów.
7. Zestawy małych ludzi
Te zdjęcia pokazują nam, jak mało żyją ludzie. Sceny z jedzeniem autorstwa Christophera Boffoliego lub minizestawy na ulicach autorstwa projektanta Slinkachu — te urocze kreacje opowiadają historię zabawne historie Liliputowie, którzy zrozumieją i zwykli ludzie. To prawdziwa sztuka, dzięki której czujemy to, czego nigdy nie czuliśmy.
8. Tysiące żarówek LED
Te instalacje i rzeźby najlepiej oglądać nocą lub w ciemnym pomieszczeniu. Za pomocą dymu i lasera Li Hu stworzył przerażające łóżko, które wywołuje mieszane uczucia. Makoto Tojiki zawiesza żarówki na linach, tworząc wspaniałe świetlne rzeźby ludzi, koni i ptaków. Panasonic spuścił w dół rzeki 100 000 żarówek LED, aby odtworzyć blask świetlików.
9. Instalacje nitkowe
Nie tylko babcie używają nici. Ostatnio coraz częściej stosuje się je na starych fotografiach czy rzeźbach. Projektant Perspicere pociągnął nici tak, aby naśladowały plamy farby w kształcie sygnału Batmana. Gabriel Dawe stworzył niesamowitą instalację w każdym kolorze tęczy, dołączając świetna ilość motki nici do sufitu. Najwyraźniej wątki w projekcie są teraz aktualne.
10. Ekscytujące instalacje interaktywne
Podczas gdy instalacje zewnętrzne mogą być bardzo dobre, gdy projektant pracuje cztery ściany- to pozwala mu obracać się szerzej. Francuski projektant Serge Salat zaprasza odwiedzających do przejścia przez wiele warstw Beyond, multimedialnego doświadczenia, które łączy sztukę Orientu ze sztuką Zachodniego Renesansu. Yayoi Kusama pokazuje, co się dzieje, gdy dzieci otrzymują nieograniczoną ilość kolorowych naklejek. Barbakan w Londynie stworzył niedawno deszczową salę, w której goście nie będą mokrzy. Kto nie chciałby odwiedzić jednej z tych instalacji?
Jeden z głównych sposobów myślenia. Jej efektem jest wykształcenie większości Pojęcia ogólne i sądy (abstrakcje). W sztuce dekoracyjnej abstrakcja to proces stylizacji naturalnych form.
W działalność artystyczna abstrakcja jest zawsze obecna; w swoim skrajnym wyrazie w sztuce prowadzi do abstrakcjonizmu, szczególnego nurtu w sztukach plastycznych XX wieku, który charakteryzuje się odrzuceniem obrazu rzeczywistych przedmiotów, ostatecznym uogólnieniem lub całkowitym odrzuceniem formy, nieobiektywnym kompozycje (z linii, punktów, plam, płaszczyzn itp.), eksperymenty z kolorem, spontaniczna ekspresja wewnętrzny świat artysta, jego podświadomość jest chaotyczna, niezorganizowana formy abstrakcyjne(ekspresjonizm abstrakcyjny). Obrazy rosyjskiego artysty V. Kandinsky'ego można przypisać temu kierunkowi.
Przedstawiciele niektórych nurtów sztuki abstrakcyjnej tworzyli logicznie uporządkowane struktury, nawiązujące do poszukiwań racjonalnej organizacji form w architekturze i designie (suprematyzm rosyjskiego malarza K. Malewicza, konstruktywizm itp.) Abstrakcjonizm wyrażał się mniej w rzeźbie niż w obraz.
Abstrakcjonizm był odpowiedzią na ogólną dysharmonię nowoczesny świat i odniosła sukces, ponieważ głosiła odrzucenie świadomego w sztuce i nawoływała do „zrezygnowania z inicjatywy form, kolorów, koloru”.
Realizm
od ks. realizm, od łac. realis - prawdziwy. W szeroko rozumianej sztuce prawdziwe, obiektywne, kompleksowe odzwierciedlenie rzeczywistości za pomocą określonych środków właściwych rodzajom twórczości artystycznej.
Cechą wspólną metody realizmu jest rzetelność w odtwarzaniu rzeczywistości. Jednocześnie sztuka realistyczna ma ogromną różnorodność sposobów poznania, uogólnienia, artystycznego odzwierciedlenia rzeczywistości (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin i inni)
Sztuka realistyczna XX wieku. nabiera jasności cechy narodowe i różnorodność form. Realizm jest przeciwieństwem modernizmu.
awangarda
od ks. awangarda – zaawansowana, garde – dystans – pojęcie określające eksperymentalne, modernistyczne przedsięwzięcia w sztuce. W każdej epoce pojawiały się nowatorskie zjawiska w sztukach wizualnych, ale termin „awangarda” powstał dopiero na początku XX wieku. W tym czasie pojawiły się takie nurty jak fowizm, kubizm, futuryzm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm. Następnie w latach 20. i 30. awangardowe pozycje zajął surrealizm. W latach 60-70 doszły nowe odmiany sztuki abstrakcyjnej - różne formy akcjonizmu, pracy z obiektami (pop-art), sztuka konceptualna, fotorealizm, kinetyzm itp. Artyści awangardowi wyrażają swego rodzaju protest przeciwko tradycyjna kultura.
We wszystkich kierunkach awangardowych, pomimo ich duża różnorodność, może być zidentyfikowany wspólne cechy: odrzucenie norm klasycznego obrazu, nowość formalna, deformacja form, wyrazu i różne przekształcenia gier. Wszystko to prowadzi do zatarcia granic między sztuką a rzeczywistością (ready-made, instalacja, environment), stworzenia idealnego otwarta praca sztuką, bezpośrednio wdzierającą się w otoczenie. Sztuka awangardy jest przeznaczona do dialogu między artystą a widzem, aktywnej interakcji osoby z dziełem sztuki, udziału w twórczości (np. sztuka kinetyczna, happening itp.).
Dzieła nurtów awangardowych czasami tracą swoje malarskie pochodzenie i są utożsamiane z przedmiotami otaczającej rzeczywistości. Nowoczesne kierunki awangardy są ze sobą ściśle powiązane, tworząc nowe formy sztuki syntetycznej.
pod ziemią
język angielski pod ziemią - pod ziemią, w lochu. Pojęcie oznaczające kulturę „podziemną”, przeciwstawiającą się konwencjom i ograniczeniom kultury tradycyjnej. Wystawy artystów tego kierunku często odbywały się nie w salonach i galeriach, ale bezpośrednio na ziemi, a także w przejściach podziemnych lub metrze, które w wielu krajach nazywane jest podziemiem (metrem). Prawdopodobnie, ta okoliczność wpłynął również na fakt, że za tym nurtem w sztuce XX wieku. nazwa została zatwierdzona.
W Rosji pojęcie undergroundu stało się określeniem społeczności artystów reprezentujących sztukę nieoficjalną.
Surrealizm
ks. surrealizm - superrealizm. Kierunek w literaturze i sztuce XX wieku. założona w latach 20. Powstały we Francji z inicjatywy pisarza A. Bretona surrealizm szybko stał się trendem międzynarodowym. Surrealiści wierzyli, że energia twórcza pochodzi ze sfery podświadomości, która objawia się podczas snu, hipnozy, bolesnych delirium, nagłych olśnień, automatycznych działań ( przypadkowy spacer ołówek na papierze itp.)
Artyści surrealistyczni, w przeciwieństwie do abstrakcjonistów, nie rezygnują z przedstawiania rzeczywistych przedmiotów, lecz przedstawiają je w chaosie, celowo pozbawionym logicznych relacji. Brak sensu, odrzucenie rozsądnego odzwierciedlenia rzeczywistości to główna zasada sztuki surrealizmu. Sama nazwa kierunku mówi o izolacji od prawdziwego życia: „sur” po francusku oznacza „powyżej”; Artyści nie udawali, że odzwierciedlają rzeczywistość, ale mentalnie umieszczali swoje dzieła „ponad” realizmem, udając urojone fantazje jako dzieła sztuki. Tak więc liczba surrealistycznych obrazów obejmowała podobne, niewytłumaczalne dzieła M. Ernsta, J. Miro, I. Tanguy, a także przedmioty przetworzone nie do poznania przez surrealistów (M. Oppenheim).
Kierunek surrealistyczny, którym kierował S. Dali, opierał się na iluzorycznej dokładności odtwarzania nierealnego obrazu, który powstaje w podświadomości. Jego obrazy wyróżnia staranny sposób pisania, dokładne oddanie światłocienia, typowa dla malarstwa perspektywa malarstwo akademickie. Widz, ulegając perswazyjności malarstwa iluzorycznego, zostaje wciągnięty w labirynt oszustw i nierozwiązywalnych zagadek: stałe przedmioty rozchodzą się, gęste przedmioty stają się przezroczyste, niekompatybilne przedmioty wykręcają się i wywracają na lewą stronę, masywne bryły stają się nieważkie, a wszystko to tworzy obraz. jest to niemożliwe w rzeczywistości.
Ten fakt jest znany. Pewnego razu na wystawie przed dziełem S. Dalego widz stał przez długi czas, przyglądając się uważnie i próbując zrozumieć znaczenie. W końcu, w całkowitej desperacji, powiedział głośno: „Nie rozumiem, co to znaczy!” Okrzyk publiczności usłyszał obecny na wystawie S. Dali. „Jak możesz zrozumieć, co to znaczy, jeśli ja sam tego nie rozumiem” – powiedział artysta, wyrażając w ten sposób podstawową zasadę sztuki surrealistycznej: malować bez myślenia, bez myślenia, porzucając rozum i logikę.
Wystawom prac surrealistycznych zwykle towarzyszyły skandale: publiczność była oburzona, patrząc na śmieszność, niezrozumiałe zdjęcia wierzyli, że zostali oszukani, oszukani. Surrealiści obwiniali publiczność, deklarowali, że zostali w tyle, nie dorastali do twórczości „awansowanych” artystów.
Ogólne cechy sztuki surrealizmu to fantazja absurdu, alogizm, paradoksalne zestawienia form, niestabilność wizualna, zmienność obrazów. Artyści zwrócili się w stronę naśladownictwa sztuka prymitywna, twórczość dzieci i osób chorych psychicznie.
Artyści tego nurtu chcieli stworzyć na swoich płótnach rzeczywistość nieodpowiadającą rzeczywistości podpowiadanej przez podświadomość, ale w praktyce skutkowało to powstaniem patologicznie odpychających obrazów, eklektyzmu i kiczu (niem. za efekt zewnętrzny).
Niektóre znaleziska surrealistów były wykorzystywane w obszarach komercyjnych. sztuka dekoracyjna, Na przykład iluzje optyczne, co pozwala zobaczyć dwa różne obrazy lub sceny na jednym zdjęciu, w zależności od kierunku patrzenia.
Twórczość surrealistów budzi najbardziej złożone skojarzenia, można je w naszym postrzeganiu utożsamiać ze złem. Przerażające wizje i idylliczne sny, przemoc, rozpacz – uczucia te pojawiają się w różnych odsłonach w twórczości surrealistów, aktywnie oddziałując na widza, absurdalność dzieł surrealizmu oddziałuje na skojarzeniową wyobraźnię i psychikę.
Surrealizm jest kontrowersyjny zjawisko artystyczne. Wiele naprawdę zaawansowanych postaci kultury, zdając sobie sprawę, że ten nurt niszczy sztukę, porzuciło następnie surrealistyczne poglądy (artyści P. Picasso, P. Klee i inni, poeci F. Lorca, P. Neruda, hiszpański reżyser L. Bunuel, który realizował surrealistyczne filmy). W połowie lat 60. surrealizm ustąpił miejsca nowym, jeszcze bardziej krzykliwym nurtom modernizmu, ale dziwaczne, w większości brzydkie, bezsensowne dzieła surrealistów wciąż wypełniają sale muzeów.
Modernizm
ks. modernizm, od łac. modernus - nowy, nowoczesny. Zbiorcze oznaczenie dla wszystkich najnowsze trendy, nurty, szkoły i działania poszczególnych mistrzów sztuki XX wieku, zrywających z tradycją, realizmem i uznających eksperyment za podstawę metoda kreatywna(fowizm, ekspresjonizm, kubizm, futuryzm, abstrakcjonizm, dadaizm, surrealizm, pop-art, op-art, sztuka kinetyczna, hiperrealizm itp.). Modernizm jest bliski znaczeniowo awangardyzmowi i jest przeciwieństwem akademizmu. Modernizm był negatywnie oceniany przez sowieckich krytyków sztuki jako zjawisko kryzysowe kultury mieszczańskiej. Sztuka ma wolność wyboru ścieżki historyczne. Sprzeczności modernizmu jako takie należy rozpatrywać nie statycznie, ale w dynamice historycznej.
Pop Art
język angielski pop-art, od sztuki popularnej - sztuka popularna. Kierunek w sztuce Zachodnia Europa i Stany Zjednoczone od końca lat pięćdziesiątych. Rozkwit pop-artu przypadł na burzliwe lata 60., kiedy to w wielu krajach Europy i Ameryki wybuchły bunty młodzieży. Ruch młodzieżowy nie miał jednego celu - łączył go patos zaprzeczania.
Młodzi ludzie byli gotowi wyrzucić za burtę całą przeszłą kulturę. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w sztuce.
Charakterystyczną cechą pop-artu jest połączenie wyzwania z obojętnością. Wszystko jest równie cenne lub równie bezcenne, równie piękne lub równie brzydkie, równie wartościowe lub nie. Być może tylko biznes reklamowy oparty na tym samym beznamiętnym, biznesowym podejściu do wszystkiego na świecie. To nie przypadek, że to reklama miała ogromny wpływ na pop-art, a wielu jej przedstawicieli pracowało i nadal pracuje w centrach reklamowych. Twórcy reklam i programów są w stanie posiekać na strzępy i połączyć proszek do prania ze słynnym arcydziełem sztuki w potrzebnej im kombinacji, pasta do zębów i fuga Bacha. Pop-art robi to samo.
motywy Kultura masowa wykorzystywane przez pop-art na różne sposoby. Wprowadzony w obraz za pomocą kolażu lub fotografii prawdziwe obiekty z reguły w nieoczekiwanych lub zupełnie absurdalnych zestawieniach (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). Malarstwo może naśladować techniki kompozytorskie i techniką billboardów, obraz komiksu można powiększyć do rozmiarów dużego płótna (R. Lichtenstein). Rzeźbę można łączyć z manekinami. Na przykład artysta K. Oldenburg stworzył podobiznę modeli wystawowych produkty żywieniowe ogromne rozmiary z nietypowych materiałów.
Często nie ma granicy między rzeźbą a malarstwem. Dzieło pop-artu często nie tylko ma trójwymiarowość, ale także wypełnia całą przestrzeń wystawienniczą. Dzięki takim przekształceniom pierwotny wizerunek obiektu kultury masowej jest przekształcany i postrzegany w zupełnie inny sposób niż w realnym, codziennym otoczeniu.
Główna kategoria pop-artu nie jest obraz artystyczny, ale jego „oznaczenie”, które ratuje autora przed sztucznym procesem jego tworzenia, obrazu czegoś (M. Duchamp). Proces ten został wprowadzony w celu poszerzenia pojęcia sztuki i włączenia w nią działań pozaartystycznych, „wyjścia” sztuki w pole kultury masowej. Artyści pop-artu byli inicjatorami takich form jak happening, instalacja obiektowa, environment i inne formy sztuka koncepcyjna. Podobne nurty: underground, hiperrealizm, op-art, ready-made itp.
sztuka op
język angielski op-art, w skrócie. ze sztuki optycznej - sztuka optyczna. Nurt w sztuce XX wieku, który rozpowszechnił się w latach 60. Artyści op-artu używali różnych iluzje wizualne, w oparciu o cechy percepcji płaskich i przestrzennych figur. Efekty ruchu przestrzennego, łączenia, płynących form uzyskano poprzez wprowadzenie rytmicznych powtórzeń, ostrych kontrastów kolorystycznych i tonalnych, przecinania się spiralnych i kratowych konfiguracji, meandrujących linii. W op-arcie często stosowano instalacje zmieniającego się światła, dynamiczne konstrukcje (omówione szerzej w części dotyczącej sztuki kinetycznej). Iluzje płynnego ruchu, sukcesywnej zmiany obrazów, niestabilnej, nieustannie odbudowującej się formy powstają w op-arcie tylko w odczuciu widza. Kierunek kontynuuje techniczną linię modernizmu.
sztuka kinetyczna
od gr. kinetikos – wprawianie w ruch. Nurt w sztuce współczesnej związany z powszechnym stosowaniem ruchomych struktur i innych elementów dynamiki. Kinetyczny jak niezależny kierunek ukształtował się w drugiej połowie lat 50., ale poprzedziły go eksperymenty z tworzeniem dynamicznej plastyczności w konstruktywizmie rosyjskim (W. Tatlin, K. Mielnikow, A. Rodczenko), dadaizmie.
Wcześniej Sztuka ludowa pokazał nam również próbki ruchomych przedmiotów i zabawek, takich jak drewniane ptaki szczęścia z regionu Archangielska, zabawki mechaniczne imitujące procesy pracy ze wsi Bogorodskoje itp.
W sztuce kinetycznej ruch wprowadzany jest na różne sposoby, niektóre prace są dynamicznie przekształcane przez samego widza, inne przez fluktuacje środowiska powietrznego, a jeszcze inne wprawiane są w ruch przez silnik lub siły elektromagnetyczne. Różnorodność użytych materiałów jest nieskończona – od tradycyjnych, przez ultranowoczesne środki techniczne, aż po komputery i lasery. Lustra są często używane w kompozycjach kinetycznych.
W wielu przypadkach iluzja ruchu powstaje poprzez zmianę oświetlenia – tu kinetyka łączy się z op-artem. Techniki kinetyczne znajdują szerokie zastosowanie przy organizacji wystaw, targów, dyskotek, przy projektowaniu skwerów, parków, wnętrz użyteczności publicznej.
Kinetyka dąży do syntezy sztuk: ruch obiektu w przestrzeni może być uzupełniony efektami świetlnymi, dźwiękowymi, lekką muzyką, filmem itp.
Techniki sztuki nowoczesnej (awangardowej).
hiperrealizm
język angielski hiperrealizm. Kierunek w malarstwie i rzeźbie, który powstał w Stanach Zjednoczonych i stał się wydarzeniem w świecie sztuk pięknych w latach 70. XX wieku.
Inną nazwą hiperrealizmu jest fotorealizm.
Artyści tego nurtu naśladowali fotografię środkami malarskimi na płótnie. Przedstawiały świat współczesnego miasta: witryny sklepowe i restauracje, stacje metra i sygnalizację świetlną, budynki mieszkalne i przechodniów na ulicach. Jednocześnie szczególną uwagę zwrócono na błyszczące, odbijające światło powierzchnie: szkło, plastik, lakier samochodowy itp. Gra refleksów na takich powierzchniach stwarza wrażenie przenikania się przestrzeni.
Celem hiperrealistów było przedstawienie świata nie tylko w sposób rzetelny, ale także bardzo prawdopodobny, superrzeczywisty. Do tego używali metody mechaniczne kopiowanie fotografii i powiększanie ich do rozmiarów dużego płótna (projekcja i siatka skali). Farbę z reguły natryskiwano aerografem, aby zachować wszystkie cechy obrazu fotograficznego, aby wykluczyć manifestację indywidualnego pisma artysty.
Ponadto w halach mogli się spotkać zwiedzający wystawy w tym kierunku postacie ludzkie, wykonane z nowoczesnych materiałów polimerowych w naturalnej wielkości, ubrane w gotowy strój i pomalowane w taki sposób, aby niczym nie różniły się od publiczności. Wywołało to wiele zamieszania i zszokowało ludzi.
Fotorealizm postawił sobie za zadanie wyostrzenie naszego postrzegania życia codziennego, symbolizując nowoczesne środowisko, odzwierciedlając nasze czasy w formach „sztuki technicznej”, które rozpowszechniły się właśnie w naszej erze postępu technologicznego. Naprawiający i eksponujący nowoczesność, ukrywający emocje autora, fotorealizm w swoich programowych dziełach znalazł się na granicy sztuki i prawie ją przekroczył, bo chciał konkurować z samym życiem.
gotowe
język angielski gotowy - gotowy. Jedna z powszechnych technik sztuki nowoczesnej (awangardowej), polegająca na tym, że przedmiot produkcji przemysłowej wyłamuje się z codziennego otoczenia i jest eksponowany w sala wystawowa.
Znaczenie gotowego jest następujące: gdy zmienia się otoczenie, zmienia się również postrzeganie obiektu. Widz widzi w wystawionym na podium przedmiocie, nie utylitarnym, ale artystycznym, wyrazistości formy i koloru. Nazwy readymade użył po raz pierwszy w latach 1913-1917 M. Duchamp w odniesieniu do swoich „przedmiotów gotowych” (grzebień, koło od roweru, suszarka do butelek). W latach 60. ready-made rozpowszechniło się w różnych obszarach sztuki awangardowej, zwłaszcza w dadaizmie.
instalacja
Z angielskiego. instalacja - instalacja. Kompozycja przestrzenna stworzona przez artystę z różnych elementów – przedmiotów gospodarstwa domowego, produktów i materiałów przemysłowych, przedmiotów naturalnych, tekstu lub informacje wizualne. Założycielami instalacji byli dadaista M. Duchamp i surrealiści. Tworząc niezwykłe zestawienia zwykłych rzeczy, artysta nadaje im nowe znaczenie symboliczne. Treść estetyczna instalacji polega na grze znaczeń semantycznych, które zmieniają się w zależności od miejsca, w którym obiekt się znajduje – w znajomym otoczeniu dnia codziennego czy w sali wystawienniczej. Instalacja została stworzona przez wielu awangardowych artystów R. Rauschenberga, D. Dine'a, G. Uckera, I. Kabakova.
Instalacja to forma sztuki rozpowszechniona w XX wieku.
Środowisko
język angielski środowisko — środowisko, środowisko. Rozbudowana kompozycja przestrzenna, obejmująca widza niczym rzeczywiste otoczenie, jest jedną z form charakterystycznych dla sztuki awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Naturalistyczne otoczenie imitujące wnętrze z postaciami ludzi stworzyły rzeźby D. Segala, E. Kienholza, K. Oldenburga, D. Hansona. Takie powtórzenia rzeczywistości mogą zawierać elementy fikcji urojeniowej. Innym rodzajem środowiska jest przestrzeń zabaw, która wiąże się z określonymi działaniami publiczności.
Wydarzenie
język angielski dzieje się - dzieje się, dzieje się. Rodzaj akcjonizmu, najbardziej rozpowszechniony w sztuce awangardowej lat 60. i 70. XX wieku. Happening rozwija się jako wydarzenie, raczej sprowokowane niż zorganizowane, ale inicjatorzy akcji siłą rzeczy angażują w nią publiczność. Happening narodził się pod koniec lat 50. jako forma teatru. W przyszłości artyści najczęściej angażują się w organizację happeningów bezpośrednio w środowisku miejskim lub w naturze.
Traktują tę formę jako rodzaj poruszającej pracy, w której środowisko, przedmioty odgrywają nie mniejszą rolę niż żywi uczestnicy akcji.
Akcja happeningu prowokuje dowolność każdego uczestnika i manipulację przedmiotami. Wszystkie działania rozwijają się według wcześniej zaplanowanego programu, w którym jednak dużą wagę przywiązuje się do improwizacji, która daje upust różnym nieświadomym impulsom. Happening może zawierać elementy humoru i folkloru. Happening dobitnie wyrażał dążenie awangardy do połączenia sztuki z biegiem życia.
I wreszcie najbardziej zaawansowany Sztuka współczesna- Supersamolot
Supersamolot
Superflat to termin ukuty przez współczesnego japońskiego artystę Takashiego Murakamiego.
Termin Superflat powstał w celu wyjaśnienia nowego języka wizualnego aktywnie używanego przez pokolenie młodych ludzi. japońscy artyści takich jak Takashi Murakami: „Myślałem o realiach japońskiego rysunku i malarstwa oraz o tym, czym różni się ono od sztuki zachodniej. Dla Japonii ważne jest poczucie płaskości. Nasza kultura nie jest trójwymiarowa. Kształty 2D zatwierdzone w wersji historycznej malarstwo japońskie, podobny do prostego, płaskiego języka wizualnego współczesnej animacji, komiksów i projektowania graficznego”.
Sztuka współczesna XXI wieku, a dokładniej koniec XX - początek XXI wieku. Zostanie to omówione w tym artykule, trzecim z serii. Przewodnik po sztuce współczesnej. Kontynuujemy naszą znajomość ze sztuką współczesną. Rozważ najbardziej uderzające trendy końca XX - początku XXI wieku.
Sztuka, w której jest mało znaczenia, ale wiele znaczeń (Alexander Genis)
Sztuka przełomu XX i XXI wieku- wszystkożerny, ironiczny, trujący, demokratyczny - zwany zmierzchem wielka epoka. Postmoderniści znaleźli się w sytuacji, w której wszystko zostało im powiedziane. A wystarczy, że wykorzystają to, co stworzyli, mieszają style, tworzą sztukę, jeśli nie nową, to rozpoznawalną…
W dwóch poprzednich artykułach z tej serii rozważaliśmy:
- Część 3. Koniec XX - początek XXI wieku ( rozważyć w tym artykule)
Podobnie jak w 2 poprzednich artykułach, dla każdego rodzaju sztuki zostaną wskazane miejsca - miasta, muzea, zabytki gdzie można zobaczyć ich prace wybitni przedstawiciele. Ten artykuł, podobnie jak dwa poprzednie, może stać się kolejnym zachęta do nowych podróży!
Z artykułu dowiesz się: sztuka jest najbardziej uderzającym kierunkiem końca XX wieku - początku XXI wieku.
- neorealizm;
- minimalna sztuka;
- postmodernistyczny;
- hiperrealizm;
- instalacja;
- Środowisko;
- sztuka wideo;
- graffiti;
- Transawangarda;
- sztuka ciała;
- Stuckizm;
- neoplastycyzm;
- Sztuka uliczna;
- Sztuka pocztowa;
- Żadna sztuka.
1. NEOREALIZM. To sztuka powojennych Włoch, które zmagały się z powojennym pesymizmem.
Nowy front sztuki zjednoczył abstrakcjonistów i realistów i trwał tylko 4 lata. Ale wyszli z niej znani artyści: Gabrielle Muki, Renato Guttuso, Ernesto Treccani. Barwnie i wyraziście przedstawiali robotników i chłopów.
Podobne tendencje pojawiły się w innych krajach, ale szkoła neorealizmu, która pojawiła się w Ameryce dzięki staraniom muralisty Diego Rivery, jest uważana za najjaśniejszą szkołę.
Obejrzyj: Renato Guttuso - Pałac Chiaramonte (Palermo, Włochy), freski Diego Rivery - Pałac Prezydencki (Meksyk, Meksyk).
Fragment fresku Diego Rivery dla hotelu Prado w Meksyku „Sunday Dream in Alameda Park”, 1948
2. SZTUKA MINIMALNA. To jest kierunek awangardy. Posługuje się prostymi formami i wyklucza wszelkie skojarzenia.
Ten kierunek pojawił się w USA pod koniec lat 60. Minimaliści nazywali Marcela Duchampa (ready-made), Pieta Mondriana (neoplastycyzm) i Kazimierza Malewicza (suprematyzm) swoimi bezpośrednimi poprzednikami, a jego czarny kwadrat nazwali pierwszym dziełem sztuki minimalnej.
Wykonano niezwykle proste i geometrycznie poprawne kompozycje - plastikowe pudełka, metalowe pręty, stożki przedsiębiorstwa przemysłowe ze szkiców artystów.
Patrzeć:
Prace Donalda Judda, Carla Andre, Saula Levitta - Guggenheim Museum (Nowy Jork, USA), Museum of Modern Art (Nowy Jork, USA), Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork, USA).
3. POSTNOWOCZESNE. To długa lista nierealistycznych trendów końca XX wieku.
Vanchegi Mutu. Kolaż "Narządy płciowe dorosłej kobiety", 2005 Cykliczność jest charakterystyczna dla sztuki, ale postmodernizm był pierwszym przykładem „negacji negacji”. Na początku modernizm odrzucił klasykę, a następnie postmodernizm odrzucił modernizm, tak jak wcześniej odrzucił klasykę. Postmoderniści wrócili do tych form i stylów, które były przed modernizmem, ale na wyższym poziomie.
Postmodernizm jest wytworem ery nowych technologii. Dlatego to istotna funkcja to mieszanka stylów, obrazów, różnych epok i subkultur. Dla postmodernistów najważniejsze było cytowanie, zręczne żonglowanie cytatami.
Obejrzyj: Tate Gallery (Londyn, Wielka Brytania), Muzeum Narodowe sztuka współczesna Centre Pompidou (Paryż, Francja), Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA).
4. HIPERREALIZM. Sztuka naśladująca fotografię.
Chuck Zamknij. "Roberta", 1974 Sztuka ta nazywana jest także superrealizmem, fotorealizmem, radykalnym realizmem lub zimnym realizmem. Kierunek ten pojawił się w Ameryce w latach 60., a po 10 latach rozpowszechnił się w Europie.
Artyści tego kierunku dokładnie kopiują świat, jaki widzimy na zdjęciu. W pracach artystów odczytuje się pewną ironię wobec technogenu. Artyści przedstawiają głównie sceny z życia współczesnej metropolii.
Patrzeć: prace Chucka Close, Dona Eddy'ego, Richarda Estesa - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (Nowy Jork, USA), Brooklyn Museum (USA).
5. INSTALACJA. To jest kompozycja w galerii, którą można stworzyć ze wszystkiego, najważniejsze, że jest podtekst i pomysł.
Najprawdopodobniej ten kierunek nie istniałby, gdyby nie kultowy pisuar Duchampa. Nazwiska największych światowych instalatorów: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis i Kabakov.
W instalacji najważniejszy jest sam podtekst i przestrzeń, w której artyści zderzają się z banalnymi przedmiotami.
Oglądaj: Tate Modern (Londyn, Wielka Brytania), Muzeum Guggenheima (Nowy Jork, USA).
6. ŚRODOWISKO. To sztuka tworzenia kompozycji 3D, która naśladuje rzeczywisty świat.
Jako nurt w sztuce, environment pojawił się w latach 20. XX wieku. Dadaistyczny artysta wyprzedził swoją epokę o kilkadziesiąt lat, kiedy zaprezentował publiczności swoje dzieło „Budynek Merz” – trójwymiarową konstrukcję wykonaną z różnych przedmiotów i materiałów, nienadającą się do niczego poza kontemplacją.
Pół wieku później Edward Kienholtz i George Siegel zaczęli pracować w tym gatunku i odnieśli sukces. W swojej pracy koniecznie wprowadzili szokujący element urojeniowej fantazji.
Zobacz: prace Edvarda Kienholza i George'a Siegela - Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Sztokholm, Szwecja).
7. SZTUKI WIDEO. Kierunek ten powstał w ostatniej trzeciej połowie XX wieku w związku z pojawieniem się przenośnych kamer wideo.
To kolejna próba przywrócenia sztuki do rzeczywistości, tym razem za pomocą wideo i technologii komputerowej. Amerykanin Nam June Paik nakręcił wideo przedstawiające papieża spacerującego ulicami Nowego Jorku i został pierwszym artystą wideo.
Eksperymenty Nam June Paika wywarły wpływ na telewizję, filmy muzyczne(stał na dole kanału MTV), efekty komputerowe w filmach. Prace June Pike, Billa Violi uczyniły ten kierunek artystyczny polem do eksperymentów. Położyli podwaliny pod „rzeźby wideo”, „instalacje wideo” i „opery wideo”.
Oglądaj: sztuka wideo, od psychodelicznych po społecznościowe (popularne w Chinach, Chen-che-yen na Youtube.com)
8. GRAFFITI. Inskrypcje i rysunki na ścianach domów niosące odważne przesłanie.
Po raz pierwszy pojawił się w latach 70-tych w Ameryce Północnej. Z ich wyglądem byli związani właściciele galerii jednej z dzielnic Manhattanu. Zostali mecenasami sztuki Portorykańczyków i Jamajczyków, którzy mieszkali obok nich. Graffiti łączą w sobie elementy subkultury miejskiej i etnicznej.
Nazwiska z historii graffiti: Keith Hering, Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. Niesławną osobą jest artysta graffiti z Wielkiej Brytanii Banksy. We wszystkich brytyjskich sklepach z pamiątkami są pocztówki z jego pracami.
Oglądaj: Graffiti Museum (Nowy Jork, USA), prace Banksy'ego - nabanksy.co.uk.
9. TRANSAWANGARDA. Jeden z nurtów malarstwa postmodernistycznego. Łączy w sobie przeszłość, nowe malarstwo i ekspresję.
Dzieło transawangardowego artysty Alexandra Roitburda Twórcą terminu transawangarda jest współczesny krytyk Bonito Oliva. Tym terminem zdefiniował twórczość 5 swoich rodaków – Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicolo de Maria. Ich twórczość charakteryzuje: łączenie stylów klasycznych, brak przywiązania do szkoły narodowej, nastawienie na przyjemność estetyczną i dynamikę.
Oglądaj: Peggy Guggenheim Collection Museum (Wenecja, Włochy), Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Palazzo (Wenecja, Włochy), Galeria Sztuki Nowoczesnej (Mediolan, Włochy)
10. SZTUKI CIAŁA. Jeden z kierunków akcjonizmu. Ciało działa jak płótno.
Body art to jeden z przejawów kultury punkowej lat 70. Jest to bezpośrednio związane z pojawiającą się wówczas modą na tatuaże i nudyzm.
Obrazy na żywo powstają na oczach widzów, są rejestrowane na wideo, a następnie emitowane w galerii. Bruce Nauman przedstawiający pisuar Duchampa w galerii. Duet Gilbert i George to żywe rzeźby. Przedstawiali typ przeciętnego Anglika.
Zobacz: np. na stronie artysty Orlan orlan.eu.
11. STAKIZM. Brytyjskie stowarzyszenie malarstwa figuratywnego. W przeciwieństwie do konceptualistów.
Pierwsza wystawa odbyła się w Londynie w 2007 roku jako protest przeciwko Tate Gallery. Według jednej wersji protestowali oni w związku z kupowaniem przez galerię dzieł artystów z obejściem prawa. Hałas w prasie zwrócił uwagę na układarki. Obecnie na świecie jest ponad 120 artystów. Ich motto brzmi: artysta, który nie rysuje, nie jest artystą.
Termin stackism został zaproponowany przez Thomsona. Artystka Tracey Emin wykrzyknęła do swojego chłopaka Billy'ego Childisha: Twój obraz utknął, utknął, utknął! (Inż. Utknął! Utknął! Stos!)
Oglądaj: na stronie internetowej stackistów Stuckism.com. Prace Charliego Thomsona i Billy'ego Childisha w Tate Gallery (Londyn, Wielka Brytania).
12. NEOPLASTIZM. Sztuka abstrakcyjna. Przecięcie prostopadłych linii 3 kolorów.
Ideologiem kierunku jest Holender Piet Mondrian. Uważał świat za iluzoryczny, więc zadaniem artysty jest oczyszczenie malarstwa z form zmysłowych (figuratywnych) w imię form estetycznych (abstrakcyjnych).
Artysta zasugerował, aby zrobić to tak zwięźle, jak to możliwe, za pomocą 3 kolorów - niebieskiego, czerwonego i żółtego. Wypełniali miejsca między prostopadłymi liniami.
Neoplastycyzm wciąż inspiruje projektantów, architektów i grafików przemysłowych.
Patrzeć:dzieła Pieta Mondriana i Theo Vanny Doesburga Muzeum Miejskie Haga.
13. SZTUKA ULICZNA. Sztuka, dla której miasto jest wystawą lub płótnem
Celem artysty ulicznego jest błyskawiczne wciągnięcie przechodnia w dialog za pomocą swojej instalacji, rzeźby, plakatu czy szablonu.
W Europie popularne są obecnie „shufiti” (instalacje butów zawieszonych na drzewach) i „knitta” (napisy z jasnych dzianin na światłach, drzewach, antenach samochodowych).
W Ameryce Południowej popularny jest „pis” lub „muralizm” (po mistrzowsku wykonany rysunek fabularny lub napis).
Obejrzyj: La Llotja, Old School of Art, Barcelona. W Sotheby's w Londynie zaczęto wystawiać całe sekcje sztuki ulicznej.
14. SZTUKA POCZTY. Międzynarodowy ruch non-profit. Używa poczty e-mail i zwykłej do dystrybucji dzieł sztuki.
Początkowo mail art powstał jako połączenie popularnych w latach 60. trendów artystycznych - konceptualizmu, sztuki książki, sztuki wideo, body artu.
Mail art to wysyłka dzieła sztuki. Oryginał wysyłany jest tylko do jednego adresata. A reprodukcje mogą być wysyłane do kilku odbiorców e-mailem lub pocztą tradycyjną.
Artyści pocztowi używają listów, kopert, pocztówek, paczek, znaczków, znaczków. Najpopularniejszą techniką jest kolaż. Spopularyzował go amerykański artysta Ray Johnson, wybitna postać w sieci. W galeriach często odbywają się wystawy sztuki pocztowej.
Dzieło sztuki pocztowej to nie tylko pocztówki zaprojektowane przez artystów lub amatorów, ale te, które przeszły przez pocztę, mają pieczątki, stemple, napisy. Tym samym pracownicy poczty są współautorami sztuki pocztowej.
Zobacz: prace pocztowe na stronie.
15. BRAK SZTUKI. Są to projekty istniejące wyłącznie w sieci.
Ale to nie jest projektowanie sieci. Rozpoznanie dzieł net-artu nie jest takie łatwe. Charakteryzują się prostotą i bezpośredniością.
Od prac artystów pracujących w profesjonalnych programach różnią się zapałem, bezstronnością i szybkością.
Sztuka istnieje tak długo, jak ludzie. Ale starożytni artyści zaangażowani w sztuka naskalna, trudno sobie wyobrazić, jakie dziwne formy może przybierać sztuka współczesna.
1. Anamorfoza
Anamorfoza to technika tworzenia obrazów, które można w pełni zobaczyć i zrozumieć, patrząc na nie pod pewnym kątem lub z określonego miejsca. W niektórych przypadkach prawidłowy obraz można zobaczyć tylko patrząc na lustrzane odbicie obrazu. Jeden z najwcześniejszych przykładów anamorfozy został zademonstrowany przez Leonarda da Vinci w XV wieku. Inne historyczne przykłady tej formy sztuki pojawiły się w okresie renesansu.
Na przestrzeni wieków technika ta ewoluowała. Wszystko zaczęło się od trójwymiarowych obrazów uzyskanych na zwykłym papierze i stopniowo osiągnęło Sztuka uliczna kiedy artyści imitują różne dziury w ścianach, czy pęknięcia w ziemi.
A najciekawszym współczesnym przykładem jest druk anamorficzny. Pewnego dnia studenci, Joseph Egan i Hunter Thompson, studenci projektowania graficznego, umieścili zniekształcone teksty na ścianach w korytarzach swojej uczelni, które można było odczytać tylko wtedy, gdy patrzyło się na nich z określonego punktu.
2. Fotorealizm
Od lat 60. ruch fotorealistów dążył do stworzenia tego, co ostateczne realistyczne obrazy, które były prawie nie do odróżnienia prawdziwe zdjęcia. Biurowy najmniejsze szczegóły, utrwaloną przez kamerę, fotorealistyczni artyści starali się stworzyć „obraz obrazu życia”.
Inny ruch znany jako superrealizm (lub hiperrealizm) obejmuje nie tylko malarstwo, ale także rzeźbę. Również ten ruch jest poniżej silny wpływ nowoczesny pop-art kultura. Ale podczas gdy w pop-arcie starają się usuwać codzienne obrazy z kontekstu, fotorealizm wręcz przeciwnie, koncentruje się na obrazach zwykłych, Życie codzienne odtworzony z największą możliwą dokładnością.
Do najbardziej znanych artystów fotorealistów należą Richard Estes, Audrey Flack, Chuck Close i rzeźbiarz Dway Hanson. Ruch jest bardzo kontrowersyjny wśród krytyków, którzy uważają, że umiejętności mechaniczne wyraźnie przeważają w nim nad stylem i pomysłami.
3. Rysowanie na brudnych samochodach
Rysowanie na brudzie nagromadzonym na samochodzie, który nie był myty przez długi czas, jest również uważane za sztukę, której najlepsi przedstawiciele starają się przedstawić nieco bardziej banalne napisy, takie jak „umyj mnie”.
52-letni grafik Scott Wade stał się bardzo znany ze swoich niesamowitych rysunków, które tworzył za pomocą brudu na szybach samochodowych.
A artysta zaczął od użycia grubej warstwy kurzu na drogach Teksasu jako płótna, na drogach narysował różne karykatury, które stworzył własnymi palcami, paznokciami i małymi gałązkami.
4. Stosowanie płynów ustrojowych w art
Może się to wydawać dziwne, ale jest wielu artystów, którzy w swojej pracy wykorzystują płyny ustrojowe. Być może już gdzieś o tym czytałeś, ale najprawdopodobniej był to tylko wierzchołek tej obrzydliwej góry lodowej.
Na przykład austriacki artysta Hermann Nitsch używa własnego moczu i duża liczba krew zwierzęca. Podobne nałogi powstały w nim jako dziecko, które padło na Drugiego wojna światowa, a te lojalności były kontrowersyjne przez lata, było nawet kilka procesów sądowych.
Inny artysta z Brazylii, Vinicius Quesada, pracuje własną krwią i nie używa krwi zwierzęcej. Jego obrazy, w bolesnych odcieniach czerwieni, żółci i zieleni, oddają bardzo mroczną, surrealistyczną atmosferę.
5. Rysowanie części własne ciało
Rosną nie tylko artyści używający płynów ustrojowych. Popularność zyskuje również wykorzystywanie części własnego ciała jako pędzli. Weź Tima Patcha. Bardziej znany jest pod pseudonimem „Pricasso”, który przyjął na cześć wielkiego Hiszpański artysta Pablo Picasso. Znany jest również z używania własnego penisa jako pędzla. Ten 65-letni Australijczyk nie lubi się w niczym ograniczać, dlatego oprócz penisa do rysowania wykorzystuje również pośladki i mosznę. Patch zajmuje się tym niezwykłym biznesem od ponad 10 lat. A jego popularność rośnie z roku na rok.
A Kira Ain Warseji używa własnych piersi do malowania abstrakcyjnych portretów. Choć często spotyka się z krytyką, to jednak pozostaje pełnoprawną artystką, która na co dzień pracuje (maluje też bez użycia piersi).
6. Odwróć obrazy 3D
Podczas gdy anamorfoza próbuje sprawić, by obiekty 2D wyglądały jak 3D, odwrócenie 3D próbuje sprawić, by obiekt 3D wyglądał jak rysunek 2D.
Najbardziej znaną artystką w tej dziedzinie jest Alexa Meade z Los Angeles. W swojej pracy Mead używa substancji nietoksycznych farba akrylowa, za pomocą którego sprawia, że jej asystenci wyglądają jak nieożywione dwuwymiarowe obrazy. Mead zaczął rozwijać tę technikę w 2008 roku, a publicznie został zaprezentowany w 2009 roku.
Praca Meada to zwykle osoba siedząca pod ścianą, namalowana w taki sposób, że widz ma złudzenie, że ma przed sobą zwykłe płótno z zwykły portret. Stworzenie takiej pracy może zająć kilka godzin.
Inną znaczącą postacią w tej dziedzinie jest Cynthia Greig, artystka i fotografka mieszkająca w Detroit. W przeciwieństwie do Mida, Greig nie wykorzystuje ludzi w swojej pracy, ale zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego. Pokrywa je węglem drzewnym i białą farbą, aby z zewnątrz wyglądały płasko.
7. Cienie w sztuce
Cienie są z natury ulotne, więc trudno powiedzieć, kiedy ludzie po raz pierwszy zaczęli ich używać do tworzenia dzieł sztuki. Ale współcześni „artyści cieni” osiągnęli bezprecedensowe wyżyny w używaniu cieni. Artyści ostrożnie ustawiają różne przedmioty, aby stworzyć piękne cienie przedstawiające ludzi, przedmioty lub słowa.
Najbardziej znanymi artystami w tej dziedzinie są Kumi Yamashita i Fred Erdekens.
Oczywiście cienie mają nieco przerażającą reputację, a wielu „artystów cieni” wykorzystuje w swoich pracach motywy horroru, dewastacji i rozkładu miejskiego. Z tego słyną Tim Noble i Sue Webster. Ich najsłynniejsze dzieło nosi tytuł Dirty White Trash, w którym sterta śmieci rzuca cień na dwie pijące i palące osoby. W innym dziele widać cień ptaka, być może kruka, dziobiącego parę odciętych głów wbitych w paliki.
8 odwróconych graffiti
Podobnie jak malowanie na brudnych samochodach, „odwrócone graffiti” polega na stworzeniu obrazu poprzez usunięcie nadmiaru brudu, a nie dodanie farby. Artyści często używają potężnych myjek do usuwania brudu ze ścian i przy okazji tworzenia piękne zdjęcia. Wszystko zaczęło się od artysty Paula „Muse” Curtisa, który namalował swój pierwszy obraz na poczerniałej od nikotyny ścianie restauracji, w której mył naczynia.
Innym godnym uwagi artystą jest Ben Long z Wielkiej Brytanii, który praktykuje nieco uproszczoną wersję „odwróconego graffiti”, używając własnego palca do usuwania brudu z rur wydechowych samochodów na ścianach. Jego rysunki trwają zaskakująco długo, do sześciu miesięcy, o ile nie zostaną zmyte przez deszcz lub zniszczone przez wandali.
9. Iluzje sztuki ciała
Dosłownie wszyscy od wielu stuleci zajmują się rysowaniem na ciele. Nawet starożytni Egipcjanie i Majowie próbowali w tym swoich sił. Jednak iluzoryczna sztuka ciała przenosi tę starożytną praktykę na zupełnie nowy poziom. Jak sama nazwa wskazuje, iluzja body art polega na wykorzystaniu ludzkiego ciała jako płótna, ale na płótnie tworzy to coś, co może zwieść obserwatora. Iluzje na ciele mogą obejmować ludzi namalowanych jako zwierzęta lub maszyny, a także obrazy dziur lub ran ziejących w ciele.
10. Malowanie światłem
Co dziwne, pierwsi adepci malarstwa światłem nie postrzegali go jako sztuki. Frank i Lillian Gilbrethowie zajęli się problemem zwiększenia wydajności pracowników przemysłowych. W 1914 roku para zaczęła używać światła i kamery do rejestrowania niektórych ruchów ludzi. Badając powstałe wzory świetlne, mieli nadzieję znaleźć sposoby na ułatwienie i uproszczenie pracy personelu.
A w sztuce metoda ta zaczęła być stosowana w 1935 roku, kiedy surrealistyczny artysta Man Ray użył aparatu z otwartą migawką, aby zrobić sobie zdjęcie stojąc w strumieniach światła. Przez bardzo długi czas nikt nie zgadł, jakie jasne loki są przedstawione na zdjęciu. I dopiero w 2009 roku stało się jasne, że nie był to zestaw przypadkowych jasnych loków, ale lustrzane odbicie podpisu artysty.