Impresja francuska): ruch artystyczny, który powstał we Francji w latach 60. i 70. XIX wieku. i otrzymał najbardziej wyraziste ucieleśnienie w sztuce sztalugowej. Impresjoniści rozwinęli nowe techniki malarskie - kolorowe cienie, mieszanie kolorów, podkreślany kolor, a także rozkład złożonych tonów na czyste tony (nakładanie ich na płótno osobnymi pociągnięciami generowało ich optyczne mieszanie w oczach widza). Starali się przekazać piękno ulotnych stanów natury, zmienność i mobilność otaczającego życia. Techniki te pomogły oddać wrażenie iskrzącego się światła słonecznego, wibracji światła i powietrza, stworzyły wrażenie święta życia i harmonii świata. Techniki impresjonistyczne wykorzystywano także w innych formach sztuki. Na przykład w muzyce przyczyniły się do przekazania najbardziej subtelnych ruchów emocjonalnych i ulotnych nastrojów.
Doskonała definicja
Niekompletna definicja ↓
Impresjonizm
z francuskiego wrażenie - wrażenie) Ruch w sztuce, który powstał we Francji w ostatniej trzeciej części XIX wieku. Główni przedstawiciele I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, a także Edouard Manet, Edgar Degas i kilku innych artystów, którzy do nich dołączyli. Rozwój nowego stylu I. nastąpił w latach 60.-70. XX w. i po raz pierwszy jako nowy kierunek, przeciwstawiając się Salonowi akademickiemu, zapowiedzieli się impresjoniści na swojej pierwszej wystawie w 1874 r. W szczególności impresjoniści Wystawiony był w nim obraz C. Moneta „Impresja”. Soleil Levant” (1872). Oficjalna krytyka artystyczna zareagowała negatywnie na nowy ruch i kpiąco „ochrzciła” jego przedstawicieli „impresjonistami”, wspominając obraz Moneta, który szczególnie ich irytował. Nazwa jednak oddawała istotę kierunku, a jej przedstawiciele przyjęli ją jako oficjalne określenie swojej metody. Jako ruch integralny sztuka nie istniała długo - od 1874 do 1886 roku, kiedy impresjoniści zorganizowali 8 wspólnych wystaw. Oficjalne uznanie wśród koneserów sztuki i krytyki artystycznej przyszło znacznie później – dopiero w połowie lat 90-tych. I. wywarł, jak się okazało już w następnym stuleciu, ogromny wpływ na dalszy rozwój sztuki pięknej (i w ogóle kultury artystycznej). W rzeczywistości rozpoczął się zasadniczo nowy etap kultury artystycznej, który doprowadził do środka. XX wiek do POST-kultury (patrz: POST-), czyli do przejścia Kultury w jakąś zasadniczo odmienną jakość. O. Spengler, który rozszerzył pojęcie historii na kulturę, uznał ją za jeden z typowych przejawów „upadku Europy”, czyli zniszczenia integralności światopoglądu, zniszczenia tradycyjnie utrwalonej kultury europejskiej. Przeciwnie, artyści awangardowi (patrz: Awangarda) początku XX wieku. Widzieli w I. swojego poprzednika, który otworzył przed sztuką nowe horyzonty, uwalniając ją od zadań pozaartystycznych, od dogmatów pozytywizmu, akademizmu, realizmu itp., z którymi nie sposób się nie zgodzić. Sami impresjoniści, jako zwykli malarze, nie myśleli o tak globalnym znaczeniu swojego eksperymentu. Nie zabiegali nawet o szczególną rewolucję w sztuce. Po prostu widzieli otaczający ich świat nieco inaczej niż widzieli go oficjalni przedstawiciele Salonu i starali się tę wizję utrwalić środkami czysto obrazowymi. Jednocześnie opierali się na odkryciach artystycznych swoich poprzedników – przede wszystkim malarzy francuskich XIX wieku. Delacroix, Corot, Courbet, „Barbizony”. Na K. Monet, który odwiedził Londyn w 1871 roku, był pod ogromnym wrażeniem twórczości W. Turnera. Ponadto sami impresjoniści wymieniają wśród swoich poprzedników francuskich klasycystów Poussina, Lorraina, Chardina i japońską rycinę kolorową z XVIII wieku, a krytycy sztuki dostrzegają podobieństwa do impresjonistów w angielskich artystach T. Gainsborough i J. Constable, nie po to, by wspomnij o W. Turnerze. Impresjoniści zabsolutyzowali szereg technik malarskich tych bardzo różnych artystów i na tej podstawie stworzyli integralny system stylistyczny. W przeciwieństwie do „akademików” impresjoniści porzucili tematyczne założenia (filozoficzne, moralne, religijne, społeczno-polityczne itp.) sztuki na rzecz przemyślanych, z góry przemyślanych i jasno zarysowanych kompozycji fabularnych, tj. zaczęli walczyć z dominacja „literactwa” w malarstwie, skupiającego główną uwagę na środkach specyficznie obrazowych – kolorze i świetle; wyszli z warsztatów na plener, gdzie w jednej sesji próbowali rozpocząć i zakończyć pracę nad konkretnym dziełem; porzucili ciemne kolory i skomplikowane tony (ziemiste, „asfaltowe”), charakterystyczne dla sztuki New Age, przechodząc na czyste jasne kolory (ich paleta ograniczała się do 7-8 kolorów), nakładane na płótno często osobnymi pociągnięciami , świadomie polegając na ich optycznym wymieszaniu, tkwi już w psychice widza, co pozwala uzyskać efekt szczególnej świeżości i spontaniczności; podążając za Delacroix, opanowali i absolutyzowali kolorowy cień, grę kolorowych refleksów na różnych powierzchniach; zdematerializował przedmiot świata widzialnego, rozpuszczając go w środowisku świetlno-powietrznym, co było głównym przedmiotem ich uwagi jako czystych malarzy; właściwie porzucili podejście gatunkowe w sztukach plastycznych, skupiając całą swoją uwagę na obrazowym przekazie subiektywnego wrażenia losowo widzianego fragmentu rzeczywistości - częściej pejzaży (jak Monet, Sisley, Pissarro), rzadziej scen fabularnych (jak Renoir, Odgazować). Jednocześnie często starali się oddać wrażenie z niemal iluzjonistyczną dokładnością dopasowania barwy, światła i atmosfery ukazywanego fragmentu do momentu widzialnej rzeczywistości. Przypadkowość kąta widzenia fragmentu natury oświetlonego artystyczną wizją, dbałość o otoczenie obrazowe, a nie o temat, często prowadziły do odważnych decyzji kompozycyjnych, ostrych, nieoczekiwanych kątów widzenia, cięć aktywujących percepcję widza itp., z których wiele później wykorzystali przedstawiciele różnych ruchów awangardowych. Sztuka stała się w XIX wieku jednym z kierunków „sztuki czystej”, której przedstawiciele uważali, że w sztuce najważniejsza jest zasada artystyczna i estetyczna. Impresjoniści poczuli nieopisane piękno jasnego otoczenia świata materialnego i próbowali uchwycić je na swoich płótnach z niemal dokumentalną dokładnością (za to czasami oskarża się ich o naturalizm, który w ogólnym rozrachunku jest mało uzasadniony) ). W malarstwie są swego rodzaju optymistycznymi panteistami, ostatnimi śpiewakami beztroskiej radości ziemskiej egzystencji, czcicielami słońca. Jak z podziwem pisał neoimpresjonista P. Signac: „światło słoneczne zalewa cały obraz; powietrze w nim kołysze się, światło otacza, pieści, rozprasza formy, przenika wszędzie, nawet w obszar cienia.” Cechy stylistyczne sztuki w malarstwie, zwłaszcza chęć wyrafinowanego artystycznego przedstawienia ulotnych wrażeń, podstawowa szkicowość, świeżość bezpośredniego postrzegania itp., okazały się bliskie przedstawicielom innych rodzajów sztuki tamtych czasów, co doprowadziło do rozszerzenia tego pojęcia na literaturę, poezję i muzykę. Jednak w tego typu sztukach nie było specjalnego kierunku I., chociaż wiele jego cech można znaleźć w dziełach wielu pisarzy i kompozytorów ostatniej trzeciej XIX wieku - początku. XX wiek Takie elementy impresjonistycznej estetyki, jak niejasność formy, skupienie uwagi na jasnych, ale przypadkowych, ulotnych szczegółach, niedopowiedzenie, niejasne wskazówki itp., Są nieodłącznie związane z twórczością G. de Maupassanta, A.P. Czechowa, wczesnego T. Manna i poezję R.-M. Rilkego, ale zwłaszcza braci J. i E. Goncourtów, przedstawicieli tzw. „ja psychologicznego”, a częściowo także K. Hamsuna. M. Proust i pisarze „strumienia świadomości” opierali się na technikach impresjonistycznych i znacznie je rozwinęli. W muzyce francuscy kompozytorzy C. Debussy, M. Ravel, P. Duke i niektórzy inni są uważani za impresjonistów, którzy w swojej twórczości wykorzystywali stylistykę i estetykę I. Ich muzyka przepełniona jest bezpośrednim doświadczeniem piękna i liryzmu krajobrazu, niemal naśladownictwem gry fal morskich czy szelestu liści, sielankowym urokiem starożytnych tematów mitologicznych, radością chwilowego życia, radością ziemskiej egzystencji i przyjemność płynąca z nieskończonego migotania materii dźwiękowej. Podobnie jak malarze zacierają wiele tradycyjnych gatunków muzycznych, wypełniając je odmienną treścią, zwracając uwagę na czysto estetyczne efekty języka muzycznego, znacząco wzbogacając paletę wyrazowych i wizualnych środków muzycznych. „Odnosi się to przede wszystkim” – pisze muzykolog I. V.Nestyev, - do sfery harmonii z techniką równoległości i fantazyjnym sznurowaniem nierozwiązanych kolorowych plam-konsonansów. Impresjoniści znacznie rozszerzyli nowoczesny system tonalny, otwierając drogę wielu innowacjom harmonicznym XX wieku. (choć zauważalnie osłabiły klarowność powiązań funkcjonalnych). Komplikacja i spęcznianie kompleksów akordowych (nie-akordów, akordów niezdecydowanych, alternatywnych czwartych harmonii) łączy się z uproszczeniem, archaizacją myślenia modalnego (tryby naturalne, pentatoniczne, kompleksy całotonowe). W orkiestracji kompozytorów impresjonistycznych dominują czyste kolory i kapryśne akcenty; Często używane są solówki instrumentów dętych drewnianych, pasaże harfy, złożone divisi smyczkowe i efekty con sordino. Typowe są także czysto dekoracyjne, równomiernie płynące tła ostinatowe. Rytm jest czasem niepewny i nieuchwytny. Melodię charakteryzują nie zaokrąglone konstrukcje, ale krótkie wyraziste frazy-symbole i nawarstwienia motywów. Jednocześnie w muzyce impresjonistów w niezwykły sposób wzmocniono znaczenie każdego dźwięku, barwy i akordu, ujawniono nieograniczone możliwości poszerzania skali. Szczególnej świeżości nadano muzyce impresjonistów częste odwoływanie się do gatunków pieśni i tańca, subtelne wdrażanie elementów modalnych i rytmicznych zapożyczonych z folkloru narodów Wschodu, Hiszpanii oraz we wczesnych formach murzyńskiego jazzu. (Encyklopedia muzyczna. T. 2, M., 1974. Stb. 507). Umieszczając w centrum uwagi artysty wizualne i ekspresyjne środki sztuki oraz skupiając się na hedonistyczno-estetycznej funkcji sztuki, I. otworzyłem przed kulturą artystyczną nowe perspektywy i możliwości, które kultura artystyczna w pełni wykorzystała (a czasem wręcz przesadnie) ) w XX wieku. Dosł.: Venturi L. Od Maneta do Lautreca. M., 1938; Rewald J. Historia impresjonizmu. L.-M., 1959; Impresjonizm. Listy od artystów. L., 1969; Serullaz M. Encyklopedia limpresjonizmu. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impresjonizm w muzyce. Lipsk. 1957. LB
Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który powstał we Francji w latach 60. XIX wieku i w dużej mierze zdeterminował rozwój sztuki w XIX wieku. Mistrzowie rejestrowali swoje ulotne wrażenia i starali się uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób. Centralnymi postaciami tego ruchu byli Cézanne, Degas, Manet, Pizarro, Renoir i Sealey, a wkład każdego z nich w jego rozwój był wyjątkowy. Impresjoniści przeciwstawiali się konwencjom klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, afirmowali piękno codziennej rzeczywistości, proste, demokratyczne motywy, osiągali żywą autentyczność obrazu i starali się uchwycić „wrażenie” tego, co oko widzi w danym momencie. Najbardziej typowym tematem dla impresjonistów jest pejzaż, ale w swojej twórczości poruszali także wiele innych tematów. Na przykład Degas przedstawiał wyścigi konne, baletnice i praczki, a Renoir urocze kobiety i dzieci. W impresjonistycznych pejzażach tworzonych w plenerze prosty, codzienny motyw często ulega transformacji pod wpływem wszechobecnego, poruszającego się światła, nadając obrazowi charakter świąteczny. W niektórych technikach impresjonistycznego konstruowania kompozycji i przestrzeni zauważalny jest wpływ ryciny japońskiej i częściowo fotografii. Impresjoniści jako pierwsi stworzyli wieloaspektowy obraz codziennego życia współczesnego miasta, oddając oryginalność jego krajobrazu i wyglądu zamieszkujących je ludzi, ich życia, pracy i rozrywki.
Oscar Moneta-Claude'a Jeden z twórców impresjonizmu, artysta Monet z drugiej połowy lat 60. XIX wieku, w swoich obrazach starał się przekazać poprzez malarstwo plenerowe zmienność środowiska świetlno-powietrznego, bogactwo barw świata, zachowując przy tym świeżość pierwszego wizualne wrażenie natury. Od nazwy pejzażu Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” („Impresja. Soleil levant”; 1872, Muzeum Marmottan, Paryż) – to nazwa impresjonizmu. W swoich kompozycjach pejzażowych („Bulwar Kapucynów w Paryżu”, 1873, „Skały w Étretat”, 1886, oba w Muzeum Puszkina w Moskwie; „Pole maków”, lata 80. XIX w., Państwowe Muzeum Ermitaż w Petersburgu) Monet odtworzył wibrowanie światła i powietrza za pomocą małych, oddzielnych pociągnięć czystego koloru i dodatkowych tonów widma głównego, licząc na ich optyczne połączenie w procesie percepcji wzrokowej. Próbując uchwycić różnorodne stany przejściowe natury o różnych porach dnia i przy różnej pogodzie, w latach 90. XIX wieku Monet stworzył serię obrazów-wariacji na temat jednego motywu fabularnego (cykl obrazów „Katedry w Rouen”, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Sztuka nazwana imieniem A. S. Puszkina, Moskwa i inne spotkania). Późny okres twórczości Moneta charakteryzował się dekoracyjnością, postępującym rozpuszczeniem form przedmiotów w wyrafinowanych zestawieniach plam barwnych.
Degasa Edgara Począwszy od obrazów historycznych i portretów o ścisłej kompozycji („Rodzina Bellellich”, ok. 1858 r.), Degas w latach 70. XIX w. zbliżył się do przedstawicieli impresjonizmu i zwrócił się w stronę ukazywania współczesnego życia miejskiego – ulic, kawiarni, przedstawień teatralnych („Place de la Concorde” około 1875 r.; „Absynt”, 1876 r.). W wielu pracach Degas ukazuje charakterystyczne zachowanie i wygląd ludzi, wynikające ze specyfiki ich życia, ujawnia mechanizm zawodowego gestu, postawy, ruchu człowieka, jego plastyczne piękno („Prasownice”, 1884). Afirmacja estetycznego znaczenia życia ludzi i ich codziennych czynności odzwierciedla wyjątkowy humanizm twórczości Degasa. Twórczość Degasa charakteryzuje się połączeniem piękna, czasem fantastycznego, z prozaicznością: oddaniem świątecznego ducha teatru w wielu scenach baletowych („Gwiazda”, pastel, 1878). Artysta, jako trzeźwy i subtelny obserwator, jednocześnie uchwycił żmudną codzienną pracę kryjącą się za eleganckim showmanem („Egzamin taneczny”, pastel, 1880). Prace Degasa, ze swoją ściśle sprawdzoną, a jednocześnie dynamiczną, często asymetryczną kompozycją, precyzyjnym, elastycznym rysunkiem, nieoczekiwanymi kątami, aktywną interakcją figury i przestrzeni, łączą pozorną bezstronność i przypadkowość motywu i architektury obrazu ze starannym przemyśleniem i obliczenie. Późne prace Degasa wyróżniają się intensywnością i bogactwem barwy, które uzupełniane są efektami sztucznego oświetlenia, powiększonymi, niemal płaskimi formami i ciasną przestrzenią, nadając im intensywnie dramatyczny charakter („Niebiescy tancerze”, pastel). Od końca lat 80. XIX wieku Degas intensywnie zajmował się rzeźbą, osiągając ekspresję w przekazywaniu natychmiastowego ruchu („Tancerz”, brąz).
Renoira Pierre’a Auguste’a W latach 1862-1864 Renoir studiował w Paryżu w Ecole des Beaux-Arts, gdzie zbliżył się do swoich przyszłych kolegów z impresjonizmu, Claude'a Moneta i Alfreda Sisleya. Renoir pracował w Paryżu, odwiedził Algierię, Włochy, Hiszpanię, Holandię, Wielką Brytanię i Niemcy. Na wczesną twórczość Renoira wpływ ma Gustave Courbet i twórczość młodego Edouarda Maneta („Tawerna Matki Antoniego”, 1866). Na przełomie lat 60. i 70. XIX w. Renoir zajął się malarstwem w plenerze, organicznie włączając postacie ludzkie w zmieniające się środowisko świetlne („Kąpiel w Sekwanie”, 1869). Paleta Renoira rozjaśnia się, lekkie, dynamiczne pociągnięcie pędzla staje się przejrzyste i wibrujące, kolorystyka nasycona jest srebrno-perłowymi refleksami („Lodge”, 1874). Przedstawiając epizody wyrwane z biegu życia, przypadkowe sytuacje życiowe, Renoir preferował odświętne sceny z życia miasta - bale, tańce, spacery, jakby próbując ucieleśnić w nich zmysłową pełnię i radość bycia („Moulin de la Galette” , 1876). Szczególne miejsce w twórczości Renoira zajmują poetyckie i urokliwe wizerunki kobiet: wewnętrznie różne, ale zewnętrznie nieco do siebie podobne, zdają się być naznaczone wspólnym piętnem epoki („Po obiedzie”, 1879, „Parasole”, 1876; portret aktorki Jeanne Samary, 1878). W przedstawieniu aktów Renoir osiąga rzadkie wyrafinowanie goździków, zbudowane na połączeniu ciepłych odcieni ciała z przesuwającymi się jasnozielonkawymi i szaroniebieskimi refleksami, nadającymi płótnu gładką i matową powierzchnię („Naga kobieta siedząca na kanapie” , 1876). Niezwykły kolorysta Renoir często odnosi wrażenie malarstwa monochromatycznego za pomocą subtelnych zestawień tonów zbliżonych kolorystycznie („Dziewczyny w czerni”, 1883). Od lat 80. XIX wieku Renoir coraz bardziej skłaniał się ku klasycznej przejrzystości i uogólnieniu form, w jego malarstwie nasilały się cechy dekoracyjności i pogodnej idyllizmu („Wielcy kąpiący się”, 1884-1887). Lakonizm, lekkość i zwiewność kreski wyróżniają liczne rysunki i ryciny („Kąpiący”, 1895) Renoira.
Maneta Edouarda Na rozwój Maneta jako artysty znaczący wpływ miały dzieła Giorgione, Tycjana, Halsa, Velazqueza, Goi i Delacroix. W pracach z przełomu lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XIX wieku, które tworzyły galerię ostro oddanych typów i postaci ludzkich, Manet połączył żywą autentyczność obrazu z romantyzacją wyglądu modelki („Lola z Walencji”, 1862 ). Wykorzystując i reinterpretując tematy i motywy obrazów dawnych mistrzów, Manet starał się wypełnić je odpowiednią treścią, czasem w sposób szokujący, wprowadzając wizerunek współczesnego człowieka do słynnych klasycznych kompozycji („Lunch na trawie”, „ Olimpia” – oba 1863). W latach 60. XIX wieku Edouard Manet sięgnął po tematykę historii nowożytnej („Egzekucja cesarza Maksymiliana”, 1867), ale uduchowiona dbałość Maneta o nowoczesność objawiała się przede wszystkim w scenach sprawiających wrażenie wyrwanych z codzienności, pełnych lirycznych duchowości i znaczeniu wewnętrznym („Śniadanie w pracowni”, „Balkon” – oba 1868), a także w portretach im podobnych w oprawie artystycznej (portret Emila Zoli, 1868, portret Berthe Morisot, 1872). Swoją twórczością Edouard Manet przewidział pojawienie się, a następnie stał się jednym z twórców impresjonizmu. Pod koniec lat 60. XIX wieku Manet zbliżył się do Edgara Degasa, Claude'a Moneta, Auguste'a Renoira i przeszedł od matowych i gęstych tonów, intensywnych barw z przewagą ciemnych barw do jasnego i swobodnego malarstwa plenerowego („In the Boat”, 1874, Metropolitan Museum of Art; „W tawernie ojca Lathuile”, 1879). Wiele dzieł Maneta charakteryzuje się impresjonistyczną swobodą obrazową i fragmentacją kompozycji, nasyconą światłem, wibrującą gamą barw („Argenteuil”). Jednocześnie Manet zachowuje klarowność rysunku, odcienie szarości i czerni, woli nie krajobraz, ale codzienną fabułę z wyraźnymi podstawami społeczno-psychologicznymi (zderzenie snów i rzeczywistości, iluzoryczna natura szczęścia w błyszczący i świąteczny świat - w jednym z ostatnich obrazów Maneta „Bar w Folies Bergere”, 1881–1882). W latach 1870–1880 Manet dużo pracował w dziedzinie portretu, poszerzając możliwości tego gatunku i przekształcając go w swego rodzaju studium wewnętrznego świata współczesnego (portret S. Mallarmé, 1876), malował pejzaże i martwe natury („Bukiet bzu”, 1883), pełnił funkcję rysownika, mistrza akwaforty i litografii.
Kamil Pissarro był pod wpływem Johna Constable'a, Camille Corot, Jean Francois Millet. Jeden z czołowych mistrzów impresjonizmu, Pissarro, w licznych wiejskich pejzażach odsłonił poezję i urok natury Francji, za pomocą miękkiej palety malarskiej, subtelnego przeniesienia stanu środowiska świetlno-powietrznego, nadał urok świeżości do najbardziej bezpretensjonalnych motywów („Zaorana ziemia”, 1874; „Taczka”, 1879) . Następnie Pissarro często zwracał się do krajobrazu miasta („Boulevard Montmartre”, 1897; „Pasaż Opery w Paryżu”, 1898). W drugiej połowie lat osiemdziesiątych XIX wieku Pissarro sięgał niekiedy po technikę malarską neoimpresjonizmu. Pissarro odegrał jedną z głównych ról w organizowaniu wystaw impresjonistów. Camille Pissarro unikał w swoich pracach skrajnej manifestacji pleneru, kiedy przedmioty materialne zdają się rozpuszczać w migotliwej przestrzeni światła i powietrza („Śnieg w Louveciennes”; „Ulica w Louveciennes”, 1873). Wiele jego dzieł wyróżnia zainteresowanie charakterystyczną ekspresją, wręcz portretową, wpisaną w krajobraz miasta („Widok Rouen”, 1898)
Sisleya Alfreda pod wpływem Camille'a Corot. Jeden z czołowych mistrzów impresjonizmu, Sisley malował bezpretensjonalne pejzaże przedmieść Paryża, naznaczone subtelnym liryzmem i utrzymane w świeżej i powściągliwej palecie światła. Krajobrazy Sisleya, oddające autentyczną atmosferę Ile-de-France, zachowują szczególną przejrzystość i miękkość zjawisk naturalnych o każdej porze roku („Mały plac w Argenteuil”, 1872, „Powódź w Marly”, 1876; „Mróz w Louveciennes”, 1873, „Skraj lasu w Fontainebleau”, 1885).
Czarujące obrazy natury autorstwa artysty Alfreda Sisleya z lekką domieszką smutku fascynują niesamowitym oddaniem nastroju danej chwili („Brzeg Sekwany w Bougival”, 1876). Od połowy lat 80. XIX w. w twórczości Sisleya nasilają się cechy kolorowego dekoryzmu.
Wniosek: Mistrzowie impresjonizmu utrwalali swoje ulotne wrażenia i starali się uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności w jak najbardziej naturalny i bezstronny sposób. E. Manet (formalnie nienależący do grupy impresjonistów), O. Renoir, E. Degas wnieśli do sztuki świeżość i spontaniczność postrzegania życia, zwrócili się w stronę ukazywania chwilowych sytuacji wyrwanych z przepływu rzeczywistości, życia duchowego człowiek, przedstawienie silnych namiętności, uduchowienie natury, zainteresowanie
do narodowej przeszłości, pragnienie syntetycznych form artystycznych łączy się z motywami światowego smutku, chęcią eksploracji i odtworzenia „cieniowej”, „nocnej” strony ludzkiej duszy, ze słynną „romantyczną ironią”, która pozwoliła romantycy odważnie porównują i utożsamiają to, co wysokie i niskie, tragiczne i komiczne, prawdziwe i fantastyczne. posługiwali się fragmentarycznymi realiami sytuacji, fragmentarycznymi, na pierwszy rzut oka niezrównoważonymi strukturami kompozycyjnymi, nieoczekiwanymi kątami, punktami widzenia, przekrojami postaci. W latach 70.–1880. XIX w. ukształtował się pejzaż francuskiego impresjonizmu: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerów, tworząc w swoich obrazach wrażenie mieniącego się światła słonecznego, bogactwa barw natury , rozpuszczanie form w wibracji światła i powietrza.
Impresjonizm(Impresjonizm, impresja francuska - impresja) to ruch w malarstwie, który powstał we Francji w latach sześćdziesiątych XIX wieku. i w dużej mierze determinowały rozwój sztuki w XIX wieku. Centralnymi postaciami tego ruchu byli Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir i Sisley, a wkład każdego z nich w jego rozwój jest wyjątkowy. Impresjoniści przeciwstawiali się konwencjom klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, afirmowali piękno codziennej rzeczywistości, proste, demokratyczne motywy, osiągali żywą autentyczność obrazu i starali się uchwycić „wrażenie” tego, co oko widzi w danym momencie.Najbardziej typowym tematem dla impresjonistów jest pejzaż, ale w swojej twórczości poruszali także wiele innych tematów. Na przykład Degas przedstawiał wyścigi konne, baletnice i praczki, a Renoir - urocze kobiety i dzieci. W impresjonistycznych pejzażach tworzonych w plenerze prosty, codzienny motyw często ulega transformacji pod wpływem wszechobecnego, poruszającego się światła, nadając obrazowi charakter świąteczny. W niektórych technikach impresjonistycznego konstruowania kompozycji i przestrzeni zauważalny jest wpływ ryciny japońskiej i częściowo fotografii. Impresjoniści jako pierwsi stworzyli wieloaspektowy obraz codziennego życia współczesnego miasta, oddając oryginalność jego krajobrazu i wyglądu zamieszkujących je ludzi, ich życia, pracy i rozrywki.
Impresjoniści nie starali się podejmować palących problemów społecznych, filozofii czy szokującej twórczości, skupiając się jedynie na różnorodnych sposobach wyrażania wrażeń otaczającej ich codzienności. Próbuję „zobaczyć chwilę” i odzwierciedlić nastrój.
Nazwa " Impresjonizm powstał po wystawie w Paryżu w 1874 roku, na której wystawiono obraz Moneta „Impresja”. Wschodzące słońce” (1872; obraz skradziony z Muzeum Marmottan w Paryżu w 1985 roku, dziś znajduje się na listach Interpolu).
W latach 1876–1886 odbyło się ponad siedem wystaw impresjonistów; po ukończeniu tego ostatniego tylko Monet nadal ściśle przestrzegał ideałów impresjonizmu. „Impresjoniści” nazywani są także artystami spoza Francji, którzy pisali pod wpływem francuskiego impresjonizmu (na przykład Anglik F.W. Steer).
Artyści impresjonistyczni
Słynne obrazy impresjonistów:
| Edgara Degasa |
Claude Monet |
IMPRESJONIZM(francuski impresjonizm, od impresja - wrażenie) - ruch w sztuce końca lat 60. XIX wieku - początku lat 80. XIX wieku, którego głównym celem było przekazywanie ulotnych, zmiennych wrażeń. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii koloru; wpisuje się w tym w ducha analizy naukowej charakterystycznego dla końca XIX wieku. Impresjonizm najwyraźniej objawił się w malarstwie, gdzie szczególną uwagę zwrócono na transmisję koloru i światła.
Impresjonizm pojawił się we Francji pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku. Jej czołowymi przedstawicielami są Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley i Jean Frédéric Bazille. Swoje obrazy wystawiali u nich Edouard Manet i Edgar Degas, choć stylu ich dzieł nie można nazwać impresjonistycznym. Słowo „impresjonizm” pochodzi od tytułu obrazu Moneta Wrażenie. Wschodzące słońce(1872, Paryż, Muzeum Marmottan), prezentowane na wystawie w 1874. Tytuł sugerował, że artysta przekazuje jedynie przelotne wrażenia z krajobrazu. Obecnie termin „impresjonizm” rozumiany jest szerzej niż tylko subiektywna wizja artysty: jako wnikliwe studium natury, przede wszystkim pod kątem koloru i oświetlenia. Koncepcja ta jest w istocie przeciwieństwem tradycyjnego, sięgającego czasów renesansu, rozumienia głównego zadania malarstwa, jakim jest przekazywanie kształtu przedmiotów. Celem impresjonistów było ukazanie chwilowych, pozornie „przypadkowych” sytuacji i ruchów. Sprzyjała temu asymetria, fragmentacja kompozycji, zastosowanie skomplikowanych kątów i cięć figur. Obraz staje się odrębną ramą, fragmentem poruszającego się świata.
Pejzaże i sceny z życia miejskiego – bodaj najbardziej charakterystyczne gatunki malarstwa impresjonistycznego – malowano „w plenerze”, czyli tzw. bezpośrednio z natury, a nie na podstawie szkiców i szkiców przygotowawczych. Impresjoniści uważnie przyglądali się naturze, zauważając kolory i odcienie zwykle niewidoczne, jak np. błękit w cieniach. Ich metoda artystyczna polegała na rozłożeniu złożonych tonów na składowe czyste kolory widma. Rezultatem były kolorowe cienie i czysty, lekki, żywy obraz. Impresjoniści nakładali farbę oddzielnymi pociągnięciami, czasami stosując kontrastujące odcienie w jednym obszarze obrazu, wielkość pociągnięć była różna. Czasem, np. dla przedstawienia czystego nieba, wygładzano je pędzlem, uzyskując bardziej równą powierzchnię (ale i w tym przypadku podkreślano swobodny, niedbały sposób malowania). Główną cechą malarstwa impresjonistycznego jest efekt żywego migotania kolorów.
Camille Pissarro, Alfred Sisley i Claude Monet w swoich pracach preferowali pejzaże i sceny miejskie. Auguste Renoir malował ludzi w plenerze lub we wnętrzach. Jego twórczość doskonale ilustruje charakterystyczną dla impresjonizmu tendencję do zacierania granic pomiędzy gatunkami. Zdjęcia jak Bal w Moulin de la Galette(Paryż, Musée d'Orsay) lub Śniadanie wioślarzy(1881, Waszyngton, Phillips Gallery) to kolorowe wspomnienia radości życia, miejskiego i wiejskiego.
Podobne poszukiwania transmisji środowiska świetlno-powietrznego, rozkładu złożonych tonów na czyste kolory widma słonecznego miały miejsce nie tylko we Francji. Do impresjonistów zaliczają się James Whistler (Anglia i USA), Max Liebermann, Lovis Corinth (Niemcy), Joaquin Sorolla (Hiszpania), K.A. Korovin, I.E. Grabar (Rosja).
Impresjonizm w rzeźbie zakłada żywe, swobodne modelowanie płynnych, miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności. Pozy dokładnie oddają moment ruchu i rozwoju; postacie wydają się być sfilmowane ukrytą kamerą, jak np. w niektórych pracach E. Degasa i O. Rodina (Francja), Medardo Rosso (Włochy), P. P. Trubeckoja (Rosja).
Na początku XX wieku. w malarstwie pojawiły się nowe tendencje, wyrażające się w odrzuceniu realizmu i zwróceniu się w stronę abstrakcji; spowodowały, że młodsi artyści odwrócili się od impresjonizmu. Impresjonizm pozostawił jednak po sobie bogatą spuściznę: przede wszystkim zainteresowanie problematyką koloru, a także przykład śmiałego zerwania z tradycją.
„Nowy świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”
Henriego Kahnweilera
XIX wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś bezprecedensowego. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnimi tradycjami. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szeroką, „niechlujną” kreskę.
I całkowicie porzucili zwykłe obrazy, przedstawiające wszystkich z rzędu. Oraz damy łatwej cnoty i panowie o wątpliwej reputacji.
Opinia publiczna nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Wyśmiewano ich i karcono. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.
Ale opór został przełamany. A niektórzy impresjoniści dożyli swego triumfu. To prawda, że byli już po 40. roku życia. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Inni na uznanie czekali dopiero u schyłku życia, jak Camille Pissarro. Niektórzy nie dożyli go, jak Alfred Sisley.
Jakiego rewolucjonizmu dokonał każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna potrzebowała tak dużo czasu, aby je zaakceptować? Oto 7 najsłynniejszych francuskich impresjonistów znanych całemu światu.
1. Edouard Manet (1832-1883)
Edwarda Maneta. Autoportret z paletą. 1878 Zbiory prywatneManet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją.
Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem świeckim. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.
Ale na uznanie czekał bardzo długo. Publiczność chciała w najgorszym przypadku zobaczyć greckie boginie lub martwe natury, aby pięknie wyglądały w jadalni. Manet chciał namalować współczesne życie. Na przykład kurtyzany.
W rezultacie powstało „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam o łatwych cnotach. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.
Edwarda Maneta. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż Porównaj jego Lunchon the Grass z Romans in Decline Thomasa Couture. Malarstwo Couture wywołało sensację. Artysta natychmiast zyskał sławę.
„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Absolutnie nie zalecano kobietom w ciąży patrzenia na nią.
Thomasa Couture. Rzymianie w swoim upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru W malarstwie Couture widzimy wszystkie atrybuty akademizmu (tradycyjne malarstwo XVI-XIX w.). Kolumny i posągi. Ludzie o wyglądzie apollińskim. Tradycyjne stonowane kolory. Maniery póz i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innego człowieka.
Inny format ma „Śniadanie na trawie” Maneta. Przed nim nikt tak łatwo nie przedstawiał kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu mężczyzn tamtych czasów spędzało w ten sposób swój wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.
Kiedyś przedstawiłem szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była zawiedziona. Zostawiła go we łzach.
Edwarda Maneta. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikimedia.commons.org Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tzw. naturalnego koloru. Jeśli postrzegał szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.
To oczywiście zirytowało opinię publiczną. „Nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się błękitem wody Maneta” – żartowali.
Edwarda Maneta. Argenteuil. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych w Tournai, Belgia. Wikipedia.org Ale fakt pozostaje faktem. Manet radykalnie zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty, który maluje tak, jak mu się podoba. Zapominając o wzorach i tradycjach.
Innowacyjności długo nie wybaczano. Uznanie zyskał dopiero pod koniec życia. Ale on już tego nie potrzebował. Umierał boleśnie na nieuleczalną chorobę.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Zbiory prywatne Claude'a Moneta można nazwać podręcznikowym impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez całe swoje długie życie.
Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne pociągnięcia. Wstrząsy powietrza.
Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Metmuseum.org Monet malował nie tylko przyrodę. Odnosił sukcesy także w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .
Na tym zdjęciu jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany poprzez rozmyty obraz.
Uwaga: odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.
Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa Przed nami zamrożony moment w tętniącym życiem Paryżu. Żadnej inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór pociągnięć pędzla. Taki brak fabuły i efekt „stop-klatki” to główne cechy impresjonizmu.
W połowie lat 80. artyści rozczarowali się impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale brak fabuły przygnębił wielu.
Tylko Monet nadal upierał się, przesadzając impresjonizm. To rozwinęło się w serię obrazów.
Dziesiątki razy przedstawiał ten sam krajobraz. O różnych porach dnia. W różnych porach roku. Aby pokazać, jak temperatura i światło mogą zmienić ten sam gatunek nie do poznania.
Tak powstały niezliczone stogi siana.
Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891. Po prawej: Stogi siana (efekt śniegu), 1891.
Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary ani czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejny z ich wynalazków.
Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40. zapomniał już o biedzie. Mam dom i piękny ogród. I przez wiele lat pracował dla własnej przyjemności.
O najbardziej kultowym obrazie mistrza przeczytacie w artykule
3. August Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impresjonizm to najbardziej pozytywne malarstwo. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.
W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nawet nie użył czarnej farby. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalne rzeczy w Renoirze wyglądają pięknie.
W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej ważne. Na obrazach jego przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.
Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, USA. Wikimedia.commons.org W Renoirze nie znajdziesz żadnej głębi. Bardzo się cieszył, że dołączył do impresjonistów, którzy całkowicie porzucili tematy.
Jak sam powiedział, nareszcie ma okazję malować kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj żadnych historii na ich temat.
Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolką w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis w Madrycie. arteuam.com Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i bardziej naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. A męskie rozmowy go męczyły. Nic dziwnego, że Renoir słynie z aktów.
Modelka na obrazie „Akt w słońcu” pojawia się na kolorowym, abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nic nie jest drugorzędne. Oko modelki lub fragment tła są równoważne.
Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org Renoir żył długo. Nigdy nie odkładam pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał szczotkę do dłoni sznurem. I narysował.
Podobnie jak Monet czekał na uznanie po 40 latach. A moje obrazy widziałem w Luwrze, obok dzieł znanych mistrzów.
Przeczytaj o jednym z najbardziej urokliwych portretów Renoira w artykule
4. Edgar Degas (1834-1917)
Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana w Lizbonie, Portugalia. Cultured.com Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować w plenerze (na świeżym powietrzu). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.
Wręcz przeciwnie, lubił jasną linię. Ma mnóstwo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.
Ale wciąż jest zawsze stawiany w rzędzie z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.
Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. To główne cechy jego obrazów.
Zatrzymywał momenty życia, nie pozwalając bohaterom opamiętać się. Wystarczy spojrzeć na jego „Orkiestrę Operową”.
Edgara Degasa. Orkiestra operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest do nas tyłem. A w tle baletnice na scenie nie zmieściły się w „kadru”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.
Dlatego jego ulubieni tancerze nie zawsze są przedstawiani w pięknych pozach. Czasami po prostu rozciągają się.
Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To jest po prostu efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatki.
Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermut, USA Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Jednak choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na fizyczny kontakt z nimi. Nigdy nie był żonaty. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.
Brak realnych tematów w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyzmu.
Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org Należy pamiętać, że na obrazie „Gwiazda baletu” przedstawiona jest tylko sama baletnica. Jej koledzy zza kulis są ledwo widoczni. Tylko kilka nóg.
Nie oznacza to, że Degas nie ukończył obrazu. To jest przyjęcie. Koncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, stanie się nieczytelna.
O innych obrazach mistrza przeczytasz w artykule
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edwarda Maneta. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Berthe Morisot rzadko jest umieszczana w pierwszym szeregu wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że to niezasłużone. To w jej twórczości znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli podoba Ci się ten styl, pokochasz jej twórczość całym sercem.
Morisot pracowała szybko i energicznie, przenosząc swoje wrażenia na płótno. Wygląda na to, że postacie zaraz rozpłyną się w przestrzeni.
Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabraya w Montpellier we Francji. Podobnie jak Degas często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelki. Dłoni dziewczyny na obrazie „Lato” nie możemy rozróżnić.
Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „nieostrożnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o małżeństwie. Po czym zapomniano o jakimkolwiek hobby.
Dlatego Bertha przez długi czas odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który szanował jej zawód. Eugene Manet był bratem artysty Edouarda Maneta. Posłusznie niósł za żoną sztalugi i malował.
Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Ale to było jeszcze w XIX wieku. Nie, nie nosiłem spodni Morisot. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchu.
Nie mogła sama iść do parku do pracy, bez towarzystwa bliskiej jej osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy przedstawiają osoby z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, bliscy, nianie.
Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Walijskie Muzeum Narodowe w Cardiff. Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc, nie sprzedając przez całe życie prawie żadnej swojej pracy. W akcie zgonu w rubryce „zawód” widniała myślnik. Nie do pomyślenia było, aby kobietę nazywano artystką. Nawet jeśli rzeczywiście nią była.
O obrazach mistrza przeczytacie w artykule
6. Kamil Pissarro (1830 – 1903)
Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikipedia.org Kamila Pissarro. Bezkonfliktowy, rozsądny. Wielu postrzegało go jako nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.
Był wiernym zwolennikiem impresjonizmu. Będąc w wielkiej potrzebie, mając żonę i pięcioro dzieci, nadal ciężko pracował w swoim ulubionym stylu. I nigdy nie przerzucił się na malowanie salonów, aby zyskać większą popularność. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.
Aby wcale nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze, które chętnie kupowano. Ale prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Wreszcie mógł zapomnieć o swoich potrzebach.
Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.
Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk przyrody, które pojawiają się na chwilę i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.
Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Z szerokimi bulwarami i tętniącym życiem, pstrokatym tłumem. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie nawiązują do serii obrazów Claude'a Moneta.