I temi principali della pittura rococò sono la vita squisita dell'aristocrazia di corte, le "feste galanti", le immagini idilliache della vita del "pastore" sullo sfondo della natura incontaminata, il mondo delle complesse relazioni amorose e le ingegnose allegorie. La vita umana è istantanea e fugace, e quindi è necessario cogliere il "momento felice", affrettarsi a vivere e sentire. "Lo spirito di piccole cose affascinanti e ariose" (M. Kuzmin) diventa il filo conduttore del lavoro di molti artisti dello "stile regale".
Per la maggior parte dei pittori rococò, Venere, Diana, ninfe e amorini eclissano tutte le altre divinità. Tutti i tipi di "bagni", "bagni mattutini" e piaceri istantanei sono ormai quasi il soggetto principale dell'immagine. I nomi di colori esotici entrano di moda: "il colore della coscia di una ninfa spaventata" (corporeo), "il colore di una rosa che galleggia nel latte" (rosa pallido), "il colore del tempo perduto" (blu). Le composizioni snelle e ben ponderate del classicismo lasciano il posto a un motivo elegante e sofisticato.
Antoine Watteau (1684-1721) fu chiamato dai contemporanei "il poeta dell'ozio spensierato" e delle "feste galanti", "il cantore della grazia e della bellezza". Nelle sue opere ha immortalato picnic in parchi sempreverdi, concerti musicali e teatrali in mezzo alla natura, confessioni appassionate e litigi di innamorati, appuntamenti idilliaci, balli e mascherate. Allo stesso tempo, c'è una dolorosa tristezza nei suoi dipinti, un senso della caducità della bellezza e della natura effimera di ciò che sta accadendo.
Uno dei famosi dipinti dell'artista è Pellegrinaggio all'isola di Citera. Affascinanti signore e galanti gentiluomini si sono riuniti sulla riva fiorita della baia del mare. Navigarono verso l'isola di Citera, l'isola della dea dell'amore e della bellezza Venere, dove lei, secondo la leggenda,
Antonio Watteau. Pellegrinaggio all'isola di Citera. 1717 Louvre, Parigi
emerso dalla spuma del mare. La festa dell'amore inizia con una statua raffigurante Venere e amorini, uno dei quali scende per deporre una ghirlanda di alloro sulla più bella delle dee. Ai piedi della statua sono impilate armi, armature, lira e libri - simboli di guerra, arti e scienze. Ebbene, l'amore può davvero vincere tutto!
L'azione si svolge come un film, raccontando in sequenza il cammino di ciascuna delle coppie innamorate. Il linguaggio delle allusioni regna nel rapporto dei personaggi: sguardi improvvisi, il gesto invitante di un ventaglio nelle mani di una ragazza, un discorso interrotto a metà frase... L'armonia dell'uomo e della natura si avverte in ogni cosa .
Ma è già sera, il tramonto dorato colora il cielo. La festa dell'amore svanisce, riempiendo di tristezza il divertimento spensierato delle coppie innamorate. Molto presto torneranno alla loro nave, che li porterà dal mondo irreale al mondo della realtà quotidiana. Una meravigliosa barca a vela - la nave dell'amore - è pronta a salpare. Colori caldi e tenui, colori tenui, pennellate leggere che toccano appena la tela: tutto ciò crea un'atmosfera speciale di fascino e amore.
E ancora una volta amo la terra per
Quali sono i raggi del tramonto così solenni,
Con un pennello leggero Antoine Watteau
Mi ha toccato il cuore una volta.
G. Ivanov
Uno dei veri capolavori è il dipinto di Watteau "Gilles" ("Pierrot"), creato come segno per le esibizioni di comici itineranti.
Gilles è il personaggio principale e preferito della commedia delle maschere francese, in sintonia con Pierrot, l'eroe della commedia dell'arte italiana. La creatura goffa e ingenua sembra essere stata creata appositamente per il costante ridicolo e i trucchi dell'abile e astuto Arlecchino. Gilles è raffigurato in un tradizionale abito bianco con un mantello e un cappello rotondo. Rimane immobile e perso davanti allo spettatore, mentre altri comici si sistemano per riposare. Sembra che stia cercando 
un sednik che è in grado di ascoltarlo e capirlo. C'è qualcosa di commovente e non protetto nella posa ridicola di un comico con le mani mollemente abbassate, lo sguardo fisso. Nell'aspetto stanco e triste del buffone si annidava il pensiero della solitudine di una persona costretta a divertire e intrattenere un pubblico annoiato. L'apertura emotiva dell'eroe lo rende una delle immagini più profonde e sorprendenti nella storia della pittura mondiale.
François Boucher (1703-1770) si considerava un fedele allievo di Watteau. Alcuni lo chiamavano "l'artista delle grazie", "Anacreonte della pittura", "pittore reale". Altri lo vedevano come un artista "ipocrita", "che ha tutto tranne la verità". Altri ancora osservarono scetticamente: "La sua mano raccoglie rose dove altri trovano solo spine".
Il pennello dell'artista appartiene a una serie di ritratti cerimoniali dell'amante del re Luigi XV, marchesa di Pompadour. È noto che ha patrocinato Bush, più di una volta gli ha ordinato dipinti su soggetti religiosi per residenze di campagna e ville parigine. Nel dipinto Madame de Pompadour, l'eroina è presentata circondata da fiori sparsi e oggetti lussuosi, che ricordano i suoi gusti artistici e i suoi hobby. Si adagia regalmente sullo sfondo di tendaggi lussureggianti e solenni. Il libro che ha in mano è un chiaro accenno di illuminazione e impegno per le attività intellettuali.
Francois Bush. Madame de Pompadour. 1756 Alte Pinakothek, Monaco di Baviera
La Marchesa de Pompadour ringraziò generosamente l'artista, nominandolo prima direttore della Manifattura Gobelin, e poi presidente dell'Accademia delle Arti, conferendogli il titolo di "primo pittore del re".
Francois Boucher più di una volta si è rivolto alla rappresentazione di scene frivole, i cui personaggi principali erano simpatiche, timide pastorelle o paffute damigelle nude sotto forma di Venere e Diana mitologiche. I suoi dipinti sono pieni di accenni ambigui, dettagli piccanti (l'orlo rialzato della gonna di raso del pastore, la gamba sollevata in modo civettuolo della Diana che fa il bagno, il dito premuto sulle labbra, uno sguardo eloquente e invitante, agnelli aggrappati alle gambe degli innamorati in amore, baciare simbolicamente colombe, ecc.). Ebbene, l'artista conosceva molto bene la moda e i gusti della sua epoca!
Nella storia della pittura mondiale, Francois Boucher rimane ancora un magnifico maestro del colore e del disegno squisito. Composizioni spiritose, angoli insoliti dei personaggi, sagome bizzarre di scenari quasi teatrali, ricchi accenti di colore, riflessi luminosi di colori trasparenti applicati in piccoli tratti leggeri, ritmi fluidi e fluidi: tutto ciò rende F. Boucher un maestro della pittura insuperabile. I suoi dipinti si trasformano in pannelli decorativi, decorano i lussureggianti interni di sale e salotti, richiamano il mondo della felicità, dell'amore e dei bei sogni.
Domande e compiti
1. Perché l'opera di N. Poussin è definita l'apice del classicismo nella pittura? In cosa e come ha espresso il suo ideale di bellezza? Sei d'accordo con l'affermazione dell'artista secondo cui tutte le sue opere possono essere suddivise tematicamente in "orgia" e "eroismo sublime"? Quale dei dipinti di N. Poussin ti ha interessato di più? Perché?
2. È possibile concordare con l'opinione dei contemporanei che nelle opere scultoree di A. Canova “pulsa la vita stessa”? Spiega la tua risposta. Perché secondo te A. Canova e B. Thorvaldsen si sono rivolti spesso a trame e immagini mitologiche? Quali sono i tratti caratteristici del modo creativo di A. Houdon?
3. Parlaci di A. Watteau e F. Bush, i più grandi maestri del "genere galante" nella pittura rococò. Quali sono i motivi principali del loro lavoro?
laboratorio creativo
Confronta il dipinto di Poussin "Parnassus" con l'omonimo affresco di Raffaello. Cosa è comune e qual è la differenza tra il modo creativo di questi artisti?
Prepara una presentazione per una conferenza sul tema "Capolavori scultorei del classicismo". Accompagna il materiale scelto con brevi annotazioni.
Prepara un articolo per una rivista d'arte illustrata sui più grandi maestri del "genere galante" (A. Watteau, F. Boucher e O. Fragonard). Cerca di riflettere in esso i tratti distintivi del modo artistico di ciascuno di questi maestri.
Scrivi un breve saggio sull'argomento “Di cosa potrebbero sognare e parlare gli eroi dei dipinti di Antoine Watteau? ".
Probabilmente, in ogni stile e genere di belle arti, si possono nominare quelli dei suoi rappresentanti che ne sono la personificazione. Così, ad esempio, Michelangelo e Raffaello trionfano nella pittura rinascimentale, Peter Paul Rubens nel barocco, Gustav Klimt e Alfons Mucha nell'Art Nouveau.
E se parliamo dell'arte raffinata del rococò, prima di tutto vengono ricordati i nomi di maestri come Antoine Watteau e Francois BOUCHER.
Antonio WATTO
Francois BOUCHER
Alla pittura rococò e ai maestri più famosi di questo stile è dedicato questo post, che consiglio a tutti gli amanti dell'arte.
I temi principali della pittura rococò sono la vita squisita dell'aristocrazia di corte, le "feste galanti", le immagini idilliache della vita del "pastore" sullo sfondo della natura incontaminata (la cosiddetta pittura pastorale. Ricorda l'arazzo della "Pastorella", come se appeso nella casa del primate della nobiltà, Ippolit Matveyevich Vorobyaninov, di cui fingeva di ricordare l'indimenticabile Ostap Bender quando incontrò l'archivista Korobeinikov?), il mondo delle complesse relazioni amorose e delle ingegnose allegorie.
La vita di una persona è breve e fugace, quindi bisogna cogliere il "momento felice", sbrigarsi e sentire - questa era l'opinione di molti aristocratici francesi del XVIII secolo, lontani dalle idee dei filosofi dell'Illuminismo, che approssimavano ciò che avvenne nel 1789. Immersi nell'edonismo e nell'epicureismo, non poterono opporre praticamente alcuna resistenza all'ondata rivoluzionaria che travolse loro e il mondo dei "piaceri raffinati" a loro familiare. E non è affatto un caso che dopo la Rivoluzione francese del 1789 e il terrore giacobino, l'arte abbia nuovamente compiuto una brusca svolta, a seguito della quale è emerso uno stile come l'Impero.
A proposito, alcuni parallelismi storici non sono ovvi?
In un precedente post sullo stile rococò, ho già scritto che l'Art Nouveau può essere considerato il suo successore in più di un secolo. La straordinaria popolarità dell'Art Nouveau in Russia all'inizio del XX secolo in tutto, dall'architettura e le belle arti alla letteratura e alla moda, è in gran parte dovuta allo stesso edonismo questa volta dell'aristocrazia e dell'intellighenzia russa (dopotutto, il XX secolo, non il 18). Oltre a questo, c'è anche la decadenza, estremamente di moda tra i giovani della Russia all'inizio del XX secolo. Il poeta M. Kuzmin, che in Russia all'inizio del secolo scorso cantava "lo spirito delle piccole cose belle e ariose", è certamente nella stessa onda semantica con l'amante di Luigi XV, la marchesa Pompadour, che dichiarò: " Dopo di noi, almeno il diluvio".
Come è noto, né la Francia prerivoluzionaria né la Russia prerivoluzionaria tardarono ad arrivare per questo "alluvione". E il fatto che alla fine in URSS, dopo gli esperimenti con il costruttivismo nello spirito di Corbusier, abbia trionfato uno stile essenzialmente eclettico chiamato "stile dell'Impero stalinista", la dice lunga (sebbene, ovviamente, quello che viene chiamato "l'Impero stalinista" stile”, con in termini di architettura, non proprio Impero).
Tuttavia, questo mi ha portato in qualche modo nel parallelismo storico-culturale. Torniamo alla pittura rococò, cioè al XVIII secolo.
Per la maggior parte dei pittori rococò, Venere, Diana, ninfe e amorini mettono in ombra tutte le altre divinità della mitologia antica, per non parlare dei soggetti cristiani, che sono completamente ignorati. Tutti i tipi di "bagni", "bagni mattutini" e piaceri istantanei sono ormai quasi il soggetto principale dell'immagine.
I nomi di colori esotici entrano di moda: "il colore della coscia di una ninfa spaventata" (carne), "il colore di una rosa che galleggia nel latte" (rosa pallido), "il colore del tempo perduto" (blu), ecc. Le solide composizioni del classicismo, chiaramente pensate, lasciano il posto a un motivo aggraziato e sofisticato.
Antonio WATTO (1684 - 1721) i contemporanei lo chiamavano "un poeta del tempo libero incurante", "un cantante di grazia e bellezza". Nelle sue opere ha immortalato picnic in parchi sempreverdi, concerti musicali e teatrali in mezzo alla natura, confessioni appassionate e litigi di innamorati, appuntamenti idilliaci, balli e mascherate. Allo stesso tempo, nei suoi dipinti c'è una struggente tristezza, un senso della caducità della bellezza e della natura effimera di ciò che sta accadendo.
Ma questo dipinto di Antoine Watteau, realizzato nel 1720 come insegna per le esibizioni di comici itineranti, è il suo vero capolavoro. È chiamato Gilles.
Gilles è uno dei personaggi principali della commedia delle maschere francese, in sintonia con Pierrot, l'eroe della commedia dell'arte italiana. Una creatura goffa e ingenua, come creata appositamente per il costante ridicolo e le astuzie dell'abile e astuto Arlecchino. Nella posa ridicola del comico, smarrito e immobile davanti al pubblico, si avverte la sua inutile ricerca di un interlocutore capace di ascoltarlo e capirlo. Ma invano. Nell'aspetto stanco e triste del buffone si annidava il pensiero della solitudine di una persona costretta a divertire e intrattenere un pubblico annoiato. In questa foto, Antoine Watteau sembrava aver tentato di scavalcare i costumi edonistici prevalenti nella sua società contemporanea, che è la grandezza del suo talento.
"Gilles" - il capolavoro principale di Antoine Watteau, morto all'età di 36 anni, è stato scritto da lui poco prima della sua morte. Penso che i commenti su questo non siano necessari.
Francois BOUCHER (1703 - 1770) si considerava un fedele allievo di Antoine Watteau. Alcuni lo chiamavano "l'artista delle grazie", "Anacreonte della pittura", "pittore reale". Il secondo vedeva in lui "un artista - un ipocrita", "che ha tutto tranne la verità". Altri ancora osservavano scetticamente: "La sua mano raccoglie rose dove altri trovano solo spine".
François Boucher ha dipinto diversi ritratti cerimoniali della famosa amante di Luigi XV Marchesa Pompadour che ha patrocinato l'artista.
L'immagine più famosa della marchesa di F. Boucher è il dipinto "Signora de Pompadour" 1756, in cui l'eroina è presentata circondata da oggetti che ricordano i suoi gusti artistici e hobby. Allo stesso tempo, il libro nelle sue mani è un chiaro accenno di illuminazione e impegno per le attività intellettuali ("Dopo di noi, almeno un diluvio!" Ricordi? È anche un'intellettuale e una sostenitrice dell'educazione !!!)
La marchesa di Pompadour ringraziò generosamente l'artista, nominandolo prima direttore della fabbrica di arazzi (beh, altrimenti da dove verrebbe il famoso arazzo della pastorella?), E poi presidente dell'Accademia delle arti, dandogli il titolo di " il primo pittore del re."
Oltre a soddisfare gli ordini della corte reale francese, François Boucher si rivolgeva costantemente alla rappresentazione di vari tipi di scene frivole, i cui personaggi principali erano pastori timidi e paffuti o donne nude e grassocce sotto forma di Venere e Diana mitologiche.
I suoi dipinti sono pieni di accenni ambigui, dettagli piccanti (l'orlo rialzato della gonna del pastore, la gamba sollevata in modo civettuolo della Diana che fa il bagno, il dito premuto sulla bocca, lo sguardo eloquente e invitante, gli agnelli aggrappati alle gambe degli innamorati, baciare colombe, ecc.).
Ebbene, Francois Boucher conosceva molto bene la moda e i gusti della sua epoca!
Nella storia della pittura mondiale, Francois Boucher rimane ancora un magnifico maestro del colore e del disegno squisito, i cui dipinti richiamano il mondo della felicità, dell'amore e dei bei sogni.
Ma per tutti coloro che leggono attentamente questo post, dovrebbe essere chiaro esattamente dove portano alla fine questi sogni.
Grazie per l'attenzione.
Sergej Vorobyov.
"Genere galante" - Pittura rococò
Maestri del "genere galante" ROCOCO ("pittoresco", "capriccioso"; rococò francese da rocaille - frammenti di pietre, conchiglie), tendenza stilistica che dominò l'arte europea durante i primi tre quarti del XVIII secolo. Non era tanto un fenomeno artistico indipendente quanto una fase, un certo stadio dello stile barocco paneuropeo. Il termine "rococò" nasce in Francia alla fine del XVIII secolo, durante il periodo di massimo splendore del classicismo, come soprannome sprezzante per tutta l'arte manierata e pretenziosa del XVIII secolo: una linea curva e capricciosa che ricorda i contorni di una conchiglia è il suo caratteristica principale. L'arte rococò è un mondo di finzione ed esperienze intime, teatralità decorativa, raffinatezza, sofisticata raffinatezza, non c'è posto per l'eroismo e il pathos in esso: sono sostituiti da un gioco di amore, fantasia, adorabili ninnoli. I temi principali della pittura rococò sono la vita squisita dell'aristocrazia di corte, le immagini idilliache della vita del "pastore" sullo sfondo della natura incontaminata, il mondo delle complesse relazioni amorose e le ingegnose allegorie. La vita umana è istantanea e fugace, e quindi è necessario cogliere il "momento felice", affrettarsi a vivere e sentire. “Lo spirito delle piccole cose affascinanti e ariose” diventa il filo conduttore del lavoro di molti artisti dello “stile regale.
Antoine Watteau Antoine Watteau - i contemporanei chiamavano "il poeta del tempo libero incurante" e "feste galanti", "il cantante della grazia e della bellezza". Nelle sue opere ha immortalato picnic in parchi sempreverdi, concerti musicali e teatrali in mezzo alla natura, confessioni appassionate e litigi di innamorati, appuntamenti idilliaci, balli e mascherate. Allo stesso tempo, c'è una struggente tristezza nei suoi dipinti. Sentire la caducità della bellezza e l'effimero di ciò che sta accadendo.
Antonio Watteau. Pellegrinaggio all'isola di Citera. 1717-1718 Louvre. Parigi. Uno dei famosi dipinti dell'artista è Pellegrinaggio all'isola di Citera. Affascinanti signore e galanti gentiluomini si sono riuniti sulla riva fiorita della baia del mare. Navigarono verso l'isola di Cythera, l'isola della dea dell'amore e della bellezza Venere, dove, secondo la leggenda, uscì dalla schiuma del mare. Colori caldi e tenui, colori tenui, pennellate leggere: tutto ciò crea un'atmosfera speciale di fascino e amore.
Il dipinto di Watteau "Gilles" ("Pierrot"), creato come insegna per l'esibizione di comici itineranti, appartiene agli autentici shedauras. Gilles è il personaggio principale e preferito della commedia francese delle maschere. Consonante con Pierrot - l'eroe della commedia italiana dell'arte. La creatura goffa e ingenua sembra essere stata creata appositamente per il costante ridicolo e i trucchi dell'abile e astuto Arlecchino. Artisticamente, l'immagine è scritta in modo brillante. La massima semplicità del motivo e della composizione è qui combinata con un motivo preciso e una combinazione di colori attentamente studiata. Antonio Watteau. Gilles. 1721. Louvre. Parigi. (L'eroe del teatro fiero Gilles nel costume di Pierrot).
Antonio Watteau. comici italiani.
Antonio Watteau. Attori del teatro francese.
Antonio Watteau. Gamma amore.
Antonio Watteau. Capriccioso. Intorno al 1718. Eremo. Pietroburgo.
Antonio Watteau. Mezzetino. 1717-1719 Museo Metropolitano. New York.
Antonio Watteau. Savoiardo con una marmotta.
Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) si considerava un fedele allievo di Watteau. Alcuni lo chiamavano "l'artista delle grazie", "Anacreonte della pittura", "pittore reale". Altri lo vedevano come un artista "ipocrita", "che ha tutto tranne la verità". Altri ancora osservarono scetticamente: "La sua mano raccoglie rose dove altri trovano solo spine".
Il pennello dell'artista appartiene a una serie di ritratti dell'amante del re Luigi XV, la marchesa de Pompadour. È noto che ha patrocinato Bush, più di una volta gli ha ordinato dipinti su soggetti religiosi per residenze di campagna e ville parigine. In Madame de Pompadour, l'eroina è raffigurata circondata da fiori sparsi e oggetti di lusso, che ricordano i suoi gusti artistici e i suoi hobby. Si adagia regalmente sullo sfondo di tendaggi lussureggianti e solenni. Il libro che ha in mano è un chiaro accenno di illuminazione e impegno per le attività intellettuali. La marchesa ha ringraziato generosamente l'artista. Nominandolo direttore della Manifattura Gobelin, e attribuendogli poi il titolo di "primo pittore del re". Francois Bush. Madame de Pompadour. 1756 Vecchia Pinoteka, Monaco di Baviera.
Francois Boucher più di una volta si è rivolto alla rappresentazione di scene frivole, i cui personaggi principali erano simpatici pastori timidi o paffute donzelle nude sotto forma di Venere e Diana mitologiche. I suoi dipinti sono pieni di accenni ambigui, dettagli piccanti (l'orlo rialzato della gonna di raso del pastore, la gamba sollevata in modo civettuolo della Diana che fa il bagno, il dito premuto sulle labbra, lo sguardo eloquente e invitante, le colombe che baciano simbolicamente, ecc.) artista conosceva molto bene la moda e i gusti della sua epoca! Francois Bush. Diana al bagno. . 1742. Louvre. Parigi.
Nella storia della pittura, Francois Boucher rimane ancora un magnifico maestro del colore e del disegno squisito. Composizioni spiritose, angoli insoliti dei personaggi, sagome bizzarre di scenari quasi teatrali, ricchi accenti di colore, riflessi luminosi di colori trasparenti applicati in piccoli tratti leggeri, ritmi fluidi e fluidi: tutto ciò rende F. Boucher un maestro della pittura insuperabile. I suoi dipinti si trasformano in pannelli decorativi, decorano i lussureggianti interni di sale e salotti, richiamano il mondo della felicità, dell'amore e dei bei sogni. Francois Bush. Sogno interrotto.
Francois Bush. Padella e Siringa.
FRAGONARD Jean Honoré Pittore e incisore francese, il più grande maestro dell'epoca di Luigi XVI. divenne famoso per le sue scene galanti e quotidiane magistralmente eseguite, in cui l'eleganza del rococò si combina con la fedeltà alla natura, la sottigliezza degli effetti di luce e aria e le maestose rovine antiche. Insieme a opere create sulla base di osservazioni reali, crea anche pastorali - improvvisando, riproduce la scena con tale vivacità che sembra scritta dalla natura. FRAGONARD Jean Honoré
Fragonardo. Amante incoronato.
Fragonardo. Bacio furtivo
Fragonardo. Psiche mostra alle sorelle i doni di Cupido.
Onore Fragonard. "Altalena" 1766.
Fragonardo. Lezione di musica
ENGRE Jean Auguste Dominique (1780-1867), pittore e disegnatore francese. Un brillante maestro della composizione, disegno rigoroso e delicato, ritratti veritieri e dal carattere tagliente ("L. F. Bertin", 1832). Nei dipinti ha agito come il principale rappresentante del classicismo accademico (L'Apoteosi di Omero, 1827). Nel 1806 Ingres si recò finalmente in Italia, dove rimase per molti anni (1806-20 - Roma, 1820-24 - Firenze), studiando con entusiasmo l'arte rinascimentale italiana, in particolare Raffaello. Crea una serie di capolavori: ritratti del "Granet" (1807, Aix-en-Provence); "Madame Devose" (1807, Museo Condé, Chantilly); Marcotte d'Argenteuil (1810, National Gallery, Washington); Cardier (1811, Louvre, Parigi); Madame Zenon (1816, Museo di Nantes); Gurieva (1821, Museo dell'Ermitage, San Pietroburgo) Louis David Ritratto del pittore Ingres circa 1800 Museo Puskin di Mosca
Ingres. Grande odalisca. 1814 Olio, tela. Louvre, Parigi.
Ingres. Fonte
Ingres. Ritratto del conte Guriev. 1821. Olio, tela. Hermitage, Pietroburgo
Arte decorativa e applicata Figurine rococò Meissen.
Mobili rococò
Mobili rococò. Palazzo d'Inverno. San Pietroburgo.
Domande e compiti: A. Watteau è un pittore della gioia e della tristezza. "L'artista delle grazie" - F. Boucher. Arte decorativa e applicata del rococò. Scrivi un saggio sull'argomento “Cosa potrebbero sognare e parlare gli eroi dei dipinti di Antoine Watteau.
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Didascalie delle diapositive:
PITTURA ROCOCO "MAESTRO DEL "GENERE GALLANTE" Antoine Watteau Boucher Francois Docente di storia, studi sociali, MHK MBOU "Scuola secondaria n. 48", Vladivostok Shabalina Svetlana Nikolaevna
Stile rococò Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Francois Boucher (1703-1770) Pianta
Il termine "rococò", derivato dal francese "rocaille" (letteralmente: decorazione di diamanti e conchiglie), apparve alla fine del XVIII secolo. Il rococò è caratterizzato da un allontanamento dalla vita nel mondo della fantasia, del gioco teatrale, delle trame mitologiche e delle situazioni erotiche. Rococò
La squisita vita dell'aristocrazia "Feste galanti" Immagini della "vita del pastore sullo sfondo della natura incontaminata La vita umana è momentaneamente fugace, quindi è necessario cogliere il "momento felice" I temi principali della pittura rococò
Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Gli elementi teatrali e mascherati sono estremamente caratteristici della pittura di Watteau. Sono state le scene galanti a dargli fama "Gallant può essere definito un'elegante campagna oziosa di persone che trascorrono il tempo libero insieme, un elemento importante del quale sono il flirt e le avventure amorose. Naturalmente, l'inclusione dei personaggi della commedia dell' arte nella composizione di tali scene dovrebbe essere considerata un'invenzione geniale: Piero, Colombina, Arlecchino hanno aiutato l'artista a cancellare il confine tra teatro e mondo esterno, tra finzione e realtà, intenzione e azione.
Gamma of Love (1715 circa), National Gallery, Londra
Le gioie della vita
Gallant Arlecchino e Colombina 1716-1718. Collezione Wallace, Londra.
Commedia francese (1716)
Festa veneziana (c.1718)
Boucher Francois (Francois Boucher) (1703–1770) Francois Boucher, che, oltre alla pittura, lavorò in tutti i tipi di arti decorative e applicate: creò cartoni per arazzi, disegni per porcellane di Sevres, dipinse ventagli, eseguì miniature e dipinti decorativi , in futuro plafoni dipinti, pannelli, quadri con scene mitologiche, pastorali, di genere, ritratti elegantemente civettuoli, paesaggi idilliaci, sostenuti in tenui toni verde-argento
Paesaggio vicino a Beauvais 1740-1745. Hermitage, San Pietroburgo.
Ritratto della Marchesa de Pompadour 1756. Alte Pinakothek, Monaco di Baviera
Mulino a Sharaton 1750. Museo d'Arte, Orléans.
Un artista nel suo studio, 1730. Museo del Louvre, Parigi.
Modistka 1746. Museo Nazionale, Stoccolma.
Il rapimento dell'Europa 1732-1734. Collezione Wallace, Londra.
Ritratto della moglie dell'artista Marie-Jeanne Busot 1743. Collezione Frick, New York
Colazione 1739. Museo del Louvre, Parigi.
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Le belle arti del XVIII secolo nelle migliori opere sono caratterizzate da un'analisi delle più sottili esperienze umane, dalla riproduzione delle sfumature di sentimenti e stati d'animo. Intimità, lirismo delle immagini, ma anche osservazione analitica sono tratti caratteristici dell'arte del Settecento, sia nel genere del ritratto che nella pittura quotidiana. Queste proprietà della percezione artistica della vita sono il contributo del XVIII secolo allo sviluppo della cultura artistica mondiale, anche se va riconosciuto che ciò è stato ottenuto a costo della perdita della completezza universale nella rappresentazione della vita spirituale, integrità in l'incarnazione delle visioni estetiche della società, caratteristica della pittura di Rubens, Velazquez, Rembrandt, Poussin.
ROCOCO ("pittoresco", "capriccioso"; rococò francese da rocaille - frammenti di pietre, conchiglie), una tendenza stilistica che dominò l'arte europea durante i primi tre quarti del XVIII secolo. Non era tanto un fenomeno artistico indipendente quanto una fase, un certo stadio dello stile barocco paneuropeo. Il termine "rococò" è nato in Francia alla fine del XVIII secolo, durante il periodo di massimo splendore del classicismo, come soprannome sprezzante per tutta l'arte manierata e pretenziosa del XVIII secolo: una linea curva e capricciosa che ricorda i contorni di una conchiglia, il suo caratteristica principale. L'arte rococò è un mondo di finzione ed esperienze intime, teatralità decorativa, raffinatezza, sofisticata raffinatezza; non c'è posto per l'eroismo e il pathos in esso; sono sostituiti da un gioco di amore, fantasia e adorabili ninnoli. I temi principali della pittura rococò sono la vita squisita dell'aristocrazia di corte, le immagini idilliache della vita del "pastore" sullo sfondo della natura incontaminata, il mondo delle complesse relazioni amorose e le ingegnose allegorie. La vita umana è istantanea e fugace, e quindi è necessario cogliere il "momento felice", affrettarsi a vivere e sentire. “Lo spirito delle piccole cose affascinanti e ariose” diventa il filo conduttore del lavoro di molti artisti dello “stile regale.
Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) si considerava un fedele discepolo di Watteau. Alcuni lo chiamavano “artista delle grazie”, “Anacreonte della pittura”, “pittore reale”. Altri vedevano in lui un artista - un "ipocrita", "che ha tutto tranne la verità". Altri ancora osservavano scetticamente: "La sua mano raccoglie rose dove altri trovano solo spine". François Boucher (1703-1770) si considerava un fedele allievo di Watteau. Il pennello dell'artista appartiene a una serie di ritratti dell'amante del re Luigi XV, la marchesa de Pompadour. È noto che ha patrocinato Bush, più di una volta gli ha ordinato dipinti su soggetti religiosi per residenze di campagna e ville parigine. In Madame de Pompadour, l'eroina è raffigurata circondata da fiori sparsi e oggetti di lusso, che ricordano i suoi gusti artistici e i suoi hobby. Si adagia regalmente sullo sfondo di tendaggi lussureggianti e solenni. Il libro che ha in mano è un chiaro accenno di illuminazione e impegno per le attività intellettuali. La marchesa ha ringraziato generosamente l'artista. Nominandolo direttore della Manifattura degli Arazzi, e attribuendogli poi il titolo di “primo pittore del re.
Francois Boucher più di una volta si è rivolto alla rappresentazione di scene frivole, i cui personaggi principali erano simpatici pastori timidi o paffute donzelle nude sotto forma di Venere e Diana mitologiche. I suoi dipinti sono pieni di accenni ambigui, dettagli piccanti (l'orlo rialzato della gonna di raso del pastore, la gamba sollevata in modo civettuolo della Diana che fa il bagno, il dito premuto sulle labbra, lo sguardo eloquente e invitante, le colombe che baciano simbolicamente, ecc.) artista conosceva molto bene la moda e i gusti della sua epoca!
Nella storia della pittura, Francois Boucher rimane ancora un magnifico maestro del colore e del disegno squisito. Composizioni spiritose, angoli insoliti dei personaggi, sagome bizzarre di scenari quasi teatrali, ricchi accenti di colore, riflessi luminosi di colori trasparenti applicati in piccoli tratti leggeri, ritmi fluidi e fluidi: tutto ciò rende F. Boucher un maestro della pittura insuperabile. I suoi dipinti si trasformano in pannelli decorativi, decorano i lussureggianti interni di sale e salotti, richiamano il mondo della felicità, dell'amore e dei bei sogni.
FRAGONARD Jean Honoré Pittore e incisore francese, il più grande maestro dell'era di Luigi XVI. divenne famoso per le sue scene galanti e quotidiane magistralmente eseguite, in cui l'eleganza del rococò si combina con la fedeltà alla natura, la sottigliezza degli effetti di luce e aria e le maestose rovine antiche. Insieme a opere create sulla base di osservazioni reali, crea anche pastorali improvvisati, riproduce la scena con tale vivacità che sembra scritta dal vero.
Antonio Watteau- i contemporanei chiamavano "il poeta del tempo libero spensierato" e "feste galanti", "il cantore della grazia e della bellezza". Nelle sue opere ha immortalato picnic in parchi sempreverdi, concerti musicali e teatrali in mezzo alla natura, confessioni appassionate e litigi di innamorati, appuntamenti idilliaci, balli e mascherate. Allo stesso tempo, c'è una struggente tristezza nei suoi dipinti. Sentire la caducità della bellezza e l'effimero di ciò che sta accadendo.
Watteau ha trovato se stesso, il suo tema, quando è arrivato a Parigi: queste sono le cosiddette feste galanti - una società aristocratica nel parco, che suona musica, balla, ozia; pittura, in cui sembra non esserci azione, né trama - scene di una vita spensierata, trasmesse con raffinata grazia. Tutto questo è visto come di lato da un osservatore magro, leggermente ironico con un tocco di malinconia e tristezza. La colorazione di Watteau - una delle qualità più forti del suo talento - è costruita su sottili sfumature di toni di grigio, marrone, lilla pallido, giallo-rosa. Non c'è mai un tono puro nei dipinti di Watteau. Come nel colore, vengono fornite tutte le sfumature più sottili dei sentimenti d'amore. Nel 1717 l'artista realizzò una delle opere più grandi "Pellegrinaggio all'isola di Citera". Questa immagine riflette la migliore tavolozza di sentimenti, che, prima di tutto, è creata dal colore stesso. Ma tutto questo non è amore, ma un gioco d'amore, un teatro.
Fedor Stepanovich Rokotov- il famoso ritrattista russo, accademico di pittura dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo (1765). La vita di Fyodor Stepanovich Rokotov, il ritrattista più poetico del XVIII secolo, è rimasta a lungo un mistero. L'artista, che godette di grande fama durante la sua vita, fu dimenticato per un intero secolo dopo la sua morte.
I suoi dipinti sono in molti musei di grandi e piccole città della Russia e, sfortunatamente, i bei ritratti sono chiamati "Ritratto di una donna sconosciuta". La formazione della personalità di F.S. Rokotov è stata influenzata dalla sua conoscenza con M.V. Lomonosov. Sembra che il tema della dignità umana, che risuona così chiaramente nei ritratti di Rokotov, sia stato determinato non senza l'influenza di un brillante scienziato e scrittore, come lo era Lomonosov. Solo il XX secolo ha restituito il nome di F.S. Rokotov all'arte russa. Ma anche adesso molte persone lo conoscono come autore di uno o due dipinti.
Guglielmo Hogarth- Artista grafico e pittore di genere inglese, fondatore e principale rappresentante della scuola nazionale di pittura, Hogarth - un eccezionale illustratore, autore di incisioni satiriche, scopritore di nuovi generi nella pittura e nella grafica. È diventato famoso per i suoi disegni satirici e ritratti realistici. L'artista, influenzato dalle idee dei filosofi dell'Illuminismo, ha subordinato molte delle sue opere al compito di educare il principio morale nell'uomo e di sradicare i vizi con l'aiuto della creatività artistica.
Le opere più famose di William Hogarth: una serie di incisioni “Fashionable Marriage”, “Prostitute Career”, “Mot Career”, “Parliamentary Elections”, incisioni “Beer Street”, “Gin Lane”, “Characters and Caricatures”, dipinti “Self-Portrait”, “Portrait del Capitano Korem”, “La ragazza con i gamberi”.