Sintesi della scuola f l david. Breve biografia di Jacques Louis David. Biografia di David Jacques-Louis

04.02.2019

Illustrazione di Jacques Louis David

CAPITOLO 2. L'OPERA DI JACQUES LOUIS DAVID PRIMA DELLA GRANDE RIVOLUZIONE FRANCESE

All'inizio del XIX secolo, Jacques Louis David, il rappresentante più coerente del neoclassicismo, era il leader generalmente riconosciuto tra gli artisti. Possedere educazione artistica iniziò nella bottega di Vienne, dal 1766 studiò alla Royal Academy of Painting and Sculpture, e nel 1771 partecipò con successo al concorso per il Prix de Rome con il dipinto "La battaglia di Minerva con Marte" (1771; Louvre ). L'immagine è stata dipinta nello spirito del modo accademico di quel tempo, tuttavia, il successo dell'immagine non ha fornito a David la ricompensa desiderata. Il professor Vien, forse offeso dal fatto che lo studente abbia parlato senza prima informarlo, a scopo di influenza pedagogica, ha rifiutato il premio con il pretesto "che per la prima volta David può considerarsi felice solo perché piace ai suoi giudici". Rispettoso degli anziani, David ha gentilmente spiegato l'atto del professore come segue: "Penso che Vien l'abbia detto a mio vantaggio, almeno non riesco a immaginare nessun altro obiettivo da parte dell'insegnante" Zamyatin A.N. Davide. P. 15. . Anche i successivi due tentativi di ottenere ciò che volevano si rivelarono infruttuosi, e quando nel 1774 David, per il dipinto “Antioco, figlio di Seleuco, re di Siria, con un amore malato che era intriso di Stratonika, sua matrigna, il dottor Erazistrat scopre la causa della malattia” ottenne finalmente i premi tanto attesi, la notizia della vittoria lo sconvolse così tanto che svenne e, riprendendosi, esclamò francamente: “Amici miei, per la prima volta in quattro anni ho respirava leggermente” Knyazeva V. Zh.L. Davide. S. 16. . Quei cambiamenti stilistici che si notano in questa immagine rispetto alla "Lotta di Marte e Minerva" non sono una manifestazione dell'individualità creativa di David, ma riflettono solo i cambiamenti che stanno avvenendo nell'arte ufficiale. Lo stile rococò dominante sta diventando obsoleto nell'effimera rinascita dell'accademismo e nel ritorno alle tradizioni classiche del XVII secolo: la natura della trama del quadro del concorso è un aneddoto storico, ma i metodi del suo sviluppo sono rimasti essenzialmente gli Stesso.

Così, solo nel 1775 ebbe luogo un viaggio in Italia, dove si recò come borsista dell'Accademia insieme a Vienne. Il viaggio fu per Davide l'inizio di un nuovo periodo del suo apprendistato. Finora ha consolidato i metodi di rappresentazione, ora sta imparando a percepire le impressioni. immagini artistiche pittura e scultura. L'Italia ha aperto gli occhi di David sul mondo antico. A David piaceva associare il suo appello all'antichità con il nome di Raffaello: "Oh, Raffaello, uomo divino, tu che mi hai innalzato gradualmente all'antichità ... Mi hai dato l'opportunità di capire che l'antichità è anche più alta di te" Schnapper A. David è un testimone della sua epoca. Pag. 37. .

David ha voluto studiare ancora, ma in modo opposto, procedendo non dallo studio delle tecniche senza riguardo al contenuto, ma padroneggiando queste tecniche come mezzo per esprimere il contenuto, che può essere infinitamente affascinante e che bisogna saper raccontare nel linguaggio dei pittori. Alexandre Levoir descrive così il comportamento di David: “Non scriveva più; da giovane scolaro iniziò a disegnare occhi, orecchie, bocche, gambe, braccia per un anno intero e si accontentò di ensemble, copiando dalle migliori statue ... "Zamiatina A.N. Davide. S. 21. .

Nella testa di David è già sorto idee creative, in cui si batteva per un tale ideale: "Voglio che le mie opere portino l'impronta dell'antichità a tal punto che se uno degli Ateniesi tornasse al mondo, gli sembrerebbero opera di pittori greci" Venturi L. Artisti della New Age. S. 39. .

E già nel primo quadro mostrato al suo ritorno dall'Italia, "Belisario, riconosciuto da un soldato che prestava servizio sotto il suo comando, nel momento in cui una donna gli fa l'elemosina" (1781; Lille, Palazzo delle Belle Arti), ha cercato di attuare il suo piano. È significativo che David ora non prenda trama mitologica, ma storico, sebbene alimentato dalla leggenda. Lo stile dell'arte di David in questa immagine è già venuto alla luce abbastanza chiaramente.

Tuttavia, è importante notare che un'altra opera di David è stata esposta nello stesso Salon: un ritratto del conte Potocki (1781; Varsavia, Museo Nazionale). Il motivo per dipingere il ritratto è stato un episodio della vita: a Napoli, David ha assistito a come Pototsky ha pacificato un cavallo intatto. Sebbene il gesto di Pototsky, accogliendo lo spettatore, sia in qualche modo teatrale, ma dal modo in cui l'artista ha trasmesso l'aspetto della persona ritratta, con tutti i dettagli caratteristici, come ha deliberatamente sottolineato la negligenza nei vestiti, come ha contrastato la calma e la fiducia del cavaliere con la disposizione calda e irrequieta del cavallo, è chiaro che l'artista non era il trasferimento della realtà nella sua concretezza vivente è estraneo. Da allora, il lavoro di David è andato in due direzioni: nei dipinti storici su temi antichi, l'artista in immagini astratte cerca di incarnare gli ideali che eccitano la Francia pre-rivoluzionaria; dall'altro crea ritratti in cui afferma l'immagine di una persona reale. Questi due lati del suo lavoro rimangono separati fino alla rivoluzione.

Così, nel 1784, David scrisse il "Giuramento degli Orazi" (Louvre), che fu il primo vero trionfo di David e che, senza dubbio, fu uno dei precursori della Rivoluzione. In The Oath of the Horatii, David prende in prestito una trama dalla storia antica per incarnare le idee avanzate del suo tempo, vale a dire: l'idea di patriottismo, l'idea di cittadinanza. Questo quadro, con il suo appello alla lotta, al raggiungimento di un'impresa civica, è una delle manifestazioni più luminose del classicismo rivoluzionario con tutti i suoi tratti stilistici. La banalità militaresca del giuramento, la postura melodrammatica del padre, il languore educato delle donne rendono difficile vedere il valore artistico di quest'opera. Ma allo stesso tempo nessuno può dimenticare che in quest'opera, per la prima volta, la retorica pittorica si esprime con tanta semplicità, con una tale capacità di sottolineare il contrasto tra la forza dei guerrieri e la debolezza delle donne.

Come per compensare la mancanza di un momento individuale e specifico nella struttura artistica delle sue composizioni storiche, David dipinge ritratti di Mr. e Mrs. Pekul (Louvre). Se ne Il giuramento degli Orazi l'artista dà immagini idealizzate, un po' astratte, qui, al contrario, ricorre all'affermazione del mondo materiale senza alcuna idealizzazione di esso. L'artista mostra le brutte mani dei suoi modelli con dita corte e spesse, e nel ritratto della signora Pekul - un collo obeso, la cui pelle pende sulle perle. Grazie al costume e al tipo di questa donna, in questo ritratto non si avverte nulla di classicismo. Dallo studio forma classica David ha disegnato solo una costruzione potente, che, da un lato, sottolinea la vitalità del modello e, dall'altro, la sua volgarità.

David nei suoi ritratti rappresenta ciò che osserva direttamente nella realtà e, forse anche senza volerlo, crea immagini di persone che si compiacciono di sé, della propria ricchezza e la ostentano volentieri.

Il ritratto "Lavoisier con sua moglie" (1788; New York, Rockefeller Institute) è stato dipinto in modo leggermente diverso. La bellezza dei contorni lineari, la grazia dei gesti, la grazia, l'eleganza e la raffinatezza delle immagini dovrebbero trasmettere l'affascinante immagine dello scienziato e di sua moglie. Un critico contemporaneo di David ha scritto: “... Lavoisier è uno dei geni più illuminati e grandi del suo secolo, e sua moglie, tra tutte le donne, è la più capace di apprezzarlo. Nella sua immagine, David ha trasmesso la loro virtù, le loro qualità” Knyazeva V., .Zh.L. Davide. S. 26. . Il concetto di "virtù" è qui incarnato in immagini concrete viventi.

Se parliamo del modo di scrivere dell'artista in questo primo periodo pre-rivoluzionario, si può notare che già nel 1784 raggiunse piena maturità nel mestiere dell'arte. L'evoluzione del suo stile continua fino alla fine della sua vita, ma la base - il suo virtuosismo - rimane invariata. Tuttavia, le prime opere di David non erano ancora classiche e portavano l'impronta di quel manierismo del XVIII secolo, il cui maggior rappresentante era Boucher. Tuttavia, già nei primi lavori, David rivela una certa insensibilità al colore e un vivo interesse per il trasferimento delle espressioni facciali. Un passaggio delle memorie di Étienne Delescluse lo chiarisce: “Vedi, amico mio, quella che allora chiamavo antichità non elaborata. Dopo aver abbozzato la testa con molta cura e con grande difficoltà, sono tornato nella mia stanza e ho realizzato il disegno che vedete qui. L'ho cucinato con un sugo moderno, come lo esprimevo a suo tempo. Aggrottai leggermente le sopracciglia, enfatizzai i suoi zigomi, le aprii leggermente la bocca, cioè le diedi quella che gli artisti moderni chiamano espressione e quella che oggi io chiamo una smorfia. Hai capito, Etienne? Eppure abbiamo difficoltà con i critici del nostro tempo: se lavorassimo esattamente nello spirito dei principi degli antichi maestri, le nostre opere sarebbero trovate fredde Schnapper A. David è un testimone della sua epoca. Pag. 43. .

Già nel 1807 David si rese conto che la pura imitazione degli antichi era fredda e senza vita. E si allontana dagli schemi antichi, introduce un'espressione nel disegno.

Ma dal trasferimento dell'espressione al realismo, il percorso non è lontano. La stessa perseveranza del maestro, che David ha mostrato a imitazione degli antichi, ha investito nel trasferimento di oggetti del mondo circostante. In The Distribution of Banners, uno dei contemporanei di David ammirava la veridicità dell'immagine dei soldati: “Il viso, l'altezza, persino le cosce ... sono caratteristici di questo tipo di arma: un fante tozzo, intelligente, con le gambe corte, che distingue le persone scelte per questi reggimenti” Venturi L Gli artisti del nuovo tempo. Pag. 37. . Ma era un realismo superficiale, una resa accurata della realtà visibile, senza la partecipazione dell'immaginazione e con pochissimo sentimento. Da qui l'accusa di David nella sua mancanza di amore per le persone, che è stata ripetutamente ripetuta in futuro. Ma la tecnica di David è stata decisiva. Blanche crede che questa tecnica sia arte: "l'arte è diretta, nonostante la sua apparente tensione, un mestiere realistico e abile di un lavoratore coscienzioso ... qualcosa di ben fatto, modesto, ma che ricorre a effetti ruvidi" Knyazeva V. Zh.L. Davide. S. 30. . E in effetti, questo realismo di David, lontano dall'arte, era insolitamente virtuoso e simile al classicismo, che si sforzava di creare pura bellezza. Solo gli oggetti raffigurati sono cambiati - statua antica O Vivere la natura. Ma il processo di rappresentazione in entrambi i casi era identico, il virtuosismo dell'imitazione è perfetto e sicuro.

La conseguenza di ciò nell'opera di David fu "una prosa coraggiosa e potente", come Delacroix caratterizza uno dei suoi dipinti di Venturi L. Artisti della New Age. Pag. 36. . Tuttavia, la prosa, non la poesia, era attaccata all'arte come mezzo, non fine, come mezzo per raggiungere ideali morali, sociali e politici.

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Illustrazione di Jacques Louis David

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Jacques-Louis David

1748-1825

Pittore e insegnante francese, uno dei maggiori rappresentanti del neoclassicismo francese

Giuseppe Vienna

Francois Boucher

Quando si notò la capacità di disegnare del bambino, si decise che sarebbe diventato un architetto, come entrambi gli zii.

David prende lezioni di disegno all'Accademia di San Luca, nel 1764 i suoi parenti lo presentano a Francois Boucher nella speranza che prenda Jacques-Louis come suo allievo. Tuttavia, a causa della malattia dell'artista, ciò non accadde, tuttavia raccomandò al giovane di iniziare a studiare con uno dei principali maestri della pittura storica del primo neoclassicismo, Joseph Vien.

Reale Accademia di Pittura e Scultura

Accademia di Francia a Roma

Due anni dopo, nel 1766, David entrò alla Royal Academy of Painting and Sculpture, dove iniziò a studiare nella bottega di Vienne.

Nel 1775-1780, David studiò all'Accademia di Francia a Roma, dove studiò l'arte antica e il lavoro dei maestri del Rinascimento.

L'Italia ha aperto gli occhi di David sul mondo antico. David amava associare il suo appello all'antichità al nome di Raffaello: "Oh, Raffaello, uomo divino, tu che mi hai innalzato gradualmente all'antichità ... Mi hai dato l'opportunità di capire che l'antichità è anche più alta di te"

Nel 1771 David partecipò con successo al concorso per il Premio di Roma con il dipinto "La battaglia di Minerva con Marte". L'immagine è stata dipinta nello spirito del modo accademico di quel tempo, tuttavia, il successo dell'immagine non ha fornito a David la ricompensa desiderata. Il professor Vien, forse offeso dal fatto che lo studente abbia parlato senza prima informarlo, a scopo di influenza pedagogica, ha rifiutato il premio con il pretesto "che per la prima volta David può considerarsi felice solo perché piace ai suoi giudici".

"Battaglia di Minerva con Marte"

Rispettoso degli anziani, David ha gentilmente spiegato l'atto del professore come segue: "Penso che Vien abbia parlato così a mio vantaggio, almeno non riesco a immaginare nessun altro scopo da parte dell'insegnante"

Antioco, figlio di Seleuco, re di Siria..

Nel 1774 David ottenne finalmente il tanto atteso premio per il dipinto “Antioco, figlio di Seleuco, re di Siria, con l'amore malato che aveva per Stratonika, sua matrigna, il dottore Erazistrat scopre la causa della malattia”, il la notizia della vittoria lo colpì così tanto che svenne e, riprendendosi, esclamò con franchezza: "Amici miei, per la prima volta in quattro anni ho respirato leggero"

Nel 1775 viene compiuto un viaggio in Italia, dove si reca come borsista dell'Accademia insieme a Vienne.

Le idee creative sono già sorte nella testa di David, in cui si è battuto per un tale ideale: “Voglio che le mie opere portino l'impronta dell'antichità a tal punto che se uno degli ateniesi tornasse nel mondo, gli sembrerebbero l'opera dei pittori greci”

E già nella prima immagine mostrata al suo ritorno dall'Italia, "Belisario, riconosciuto da un soldato che prestava servizio sotto il suo comando, nel momento in cui una donna gli fa l'elemosina", ha cercato di realizzare il suo piano.

Belisario, riconosciuto da un soldato ..

È significativo che David ora non prenda una trama mitologica, ma storica, sebbene alimentata da una leggenda. Lo stile dell'arte di David in questa immagine è già venuto alla luce abbastanza chiaramente.

Ritratto del conte Potocki, il motivo per cui è stato scritto il ritratto è stato un episodio della vita: a Napoli, David ha assistito a come Pototsky ha pacificato un cavallo intatto. Sebbene il gesto di Pototsky, accogliendo lo spettatore, sia in qualche modo teatrale, ma dal modo in cui l'artista ha trasmesso l'aspetto della persona ritratta, con tutti i dettagli caratteristici, come ha deliberatamente sottolineato la negligenza nei vestiti, come ha contrastato la calma e la fiducia del cavaliere con la disposizione calda e irrequieta del cavallo, è chiaro che l'artista non era il trasferimento della realtà nella sua concretezza vivente è estraneo. Da allora, il lavoro di David è andato in due direzioni: nei dipinti storici su temi antichi, l'artista in immagini astratte cerca di incarnare gli ideali che eccitano la Francia pre-rivoluzionaria; dall'altro crea ritratti in cui afferma l'immagine di una persona reale.

"Giuramento degli Orazi"

Nel 1784 David scrisse il "Giuramento degli Orazi" (Louvre), che fu il primo vero trionfo di David e che, senza dubbio, fu uno dei precursori della Rivoluzione. In The Oath of the Horatii, David prende in prestito una trama dalla storia antica per incarnare le idee avanzate del suo tempo, vale a dire: l'idea di patriottismo, l'idea di cittadinanza. Questo quadro, con il suo appello alla lotta, al raggiungimento di un'impresa civica, è una delle manifestazioni più luminose del classicismo rivoluzionario con tutti i suoi tratti stilistici.

Gli eventi rivoluzionari hanno dato un impulso diretto ulteriori sviluppi creatività di Davide. Ora temi patriottici non era affatto necessario cercare nell'antichità, l'eroico si intromette nella vita stessa. David inizia a lavorare su un'opera che cattura l'evento che ebbe luogo il 20 giugno 1789, quando i deputati nella Ball Game Hall prestarono giuramento "In nessun caso disperdersi e riunirsi ovunque le circostanze lo richiedano, fino a quando non sarà risolto e stabilì su solide fondamenta la costituzione del regno».

Luigi XVI

Ha partecipato attivamente al movimento rivoluzionario. Nel 1792 fu eletto alla Convenzione Nazionale, dove si unì ai Montagnard, guidati da Marat e Robespierre, votati per la morte del re Luigi XVI. Era un membro del Comitato di Pubblica Sicurezza, in cui veste ha firmato ordini per l'arresto di "nemici della rivoluzione". A causa di differenze politiche, ha divorziato dalla moglie in questo momento.

"Il giuramento nella sala da ballo"

"Morte di Marat"

Nel tentativo di perpetuare gli eventi della rivoluzione, David dipinge una serie di dipinti dedicati ai rivoluzionari: "The Oath in the Ballroom" (1791, non terminato), "The Death of Marat" (1793, Museum arte contemporanea, Bruxelles).

Il compito è influenzare i sentimenti dello spettatore, dargli una lezione di patriottismo. Ma un'altra tendenza nell'arte di David era organicamente combinata con questo compito: il desiderio di una caratteristica specifica e individuale che era insita nei suoi ritratti.

Dopo il colpo di stato controrivoluzionario, David rinunciò a Robespierre, ma fu comunque arrestato e imprigionato. Durante la sua permanenza nella prigione del Lussemburgo, dalla sua finestra dipinge un angolo poetico dei Giardini del Lussemburgo (1794; Louvre). La tranquillità permea l'intero paesaggio. E, al contrario, in un autoritratto (1794; Louvre), anch'esso scritto in prigione, e rimasto incompiuto, regna uno stato d'animo completamente diverso.

Puoi leggere confusione e ansia negli occhi di David. Gli stati d'animo ansiosi sono abbastanza comprensibili in un artista che ha vissuto il crollo dei suoi ideali.

Autoritratto 1794

Bonaparte al Passo del San Bernardo (1801)

Nel 1797 assistette al solenne ingresso a Parigi di Napoleone Bonaparte e da allora ne divenne un ardente sostenitore, e dopo essere salito al potere - il "primo artista" di corte. David crea dipinti dedicati al passaggio di Napoleone attraverso le Alpi, alla sua incoronazione, nonché una serie di composizioni e ritratti di persone vicine a Napoleone

"L'incoronazione dell'imperatore e dell'imperatrice"

"Giuramento dell'esercito a Napoleone"

Nel 1804 Napoleone Bonaparte divenne imperatore e David ricevette il titolo di "primo pittore dell'imperatore". Napoleone esige la lode dell'impero nell'arte e David, su suo ordine, scrive due grandi composizioni "L'incoronazione dell'imperatore e dell'imperatrice" (1806-1807; Louvre) e "Il giuramento dell'esercito a Napoleone dopo la distribuzione di Aquile sul campo di Marte nel dicembre 1804” (1810; Versailles).

"Saffo e Faone"

Il ritratto rimane punto forte creatività di David fino alla fine della sua vita, per quanto riguarda le opere compositive, esse, avendo perso il loro antico pathos rivoluzionario, si trasformano in freddi dipinti accademici. A volte lo stile rigoroso sostituito da pretenziosa raffinatezza e bellezza, come, ad esempio, nel dipinto "Saffo e Faone" (1809; Hermitage).

"Marte disarmato da Venere"

Durante il periodo dell'emigrazione, accanto a opere compositive inespressive, come, ad esempio, Marte disarmato da Venere, 1824, realizza una serie di ritratti dipinti in modo diverso. I dettagli precisi caratterizzano i ritratti dell'archeologo Alexander Lenoir (1817; Louvre) e dell'attore Wolf.

Ritratto di Aleksandr Lenoir

introduzione

Capitolo 1. L'arte del realismo durante la grande rivoluzione francese

Capitolo 2. L'opera di Jacques Louis David prima dell'inizio della Rivoluzione francese

Capitolo 3. Creatività del maestro durante la rivoluzione. Colpo termidoriano

Conclusione

Bibliografia

INTRODUZIONE

Quando David si alzò come un freddo luminare sopra l'orizzonte dell'arte, ebbe luogo una grande svolta nella pittura. Carlo Baudelaire, 1825

L'arte francese del XIX secolo è un'epoca di realismo, indissolubilmente legata per quasi tutto il secolo agli eventi della Grande Rivoluzione. fondatore questa direzione, che svolse la sua attività artistica già alla fine del XVIII secolo, e dalla stessa località traendo le sue origini, è considerato Jacques Louis David.

Su questo maestro è stata scritta una quantità sufficiente di letteratura, ma, oggettivamente parlando, i ricercatori del suo lavoro non sono d'accordo su quanto sia veramente unico il suo contributo all'arte mondiale. Alcuni ricercatori ritengono che il lavoro di David sia magnifico, le sue opere sono plastiche e belle per colore e composizione, prendendo giustamente il loro posto alla pari dei Grandi Maestri. Altri, a loro volta, giungono alla conclusione che l'arte di David sia solo puramente politica e sociale, e, in generale, infatti, l'artista praticamente non ha creato nulla di eccezionale, mentre altri assumono una posizione neutrale, osservando che anche il suo lavoro è inerente in prima e seconda.

Pertanto, di seguito proveremo a capire quale degli autori aderisce a quale dei punti di vista.

Il libro del famoso storico dell'arte italiano L. Venturi "Artisti del New Age" copre l'opera dei più grandi maestri della pittura dell'Europa occidentale della prima metà e metà del XIX secolo, caratterizzando il loro lavoro e valutando la loro attività artistica, compresa l'opera di David.

L'autore non descrive una biografia dettagliata dell'artista, ma fornisce solo caratteristiche generali, parlando tra l'altro delle principali direzioni dell'arte del XIX secolo. L'autore presta particolare attenzione al maestro moderno della storiografia e della critica d'arte. Pertanto, l'opera caratterizza non solo l'immagine creativa del maestro stesso, ma anche l'ambiente in cui ha lavorato.

Il merito speciale dell'opera di L. Venturi sta nel fatto che oltre a rivelare il processo storico e artistico, l'evoluzione dell'arte del maestro, solleva anche la questione della valore artistico determinate opere. Inoltre, nel suo lavoro, l'autore fornisce un'eccellente analisi dei dipinti, tenendo sempre conto delle idee filosofiche ed etiche sottostanti. Allo stesso tempo, presta molta attenzione alla natura dell'espressione pittorica di queste idee, l'esecuzione stessa dell'immagine.

Tuttavia, va notato che attraverso l'intera opera di L. Venturi, passa come pensiero guida la convinzione dell'autore che fenomeni storici concreti e idee di una determinata epoca non abbiano avuto alcun ruolo decisivo nello sviluppo creatività artistica grandi maestri, in cui, ovviamente, non possiamo essere d'accordo con lui.

Parlando direttamente del lavoro di David, l'autore osserva che "il contributo personale di David allo sviluppo del gusto artistico risiede nel rigore della decisione, nella fiducia, nell'accuratezza della tecnica grafica, nella negazione dell'indipendenza dell'arte, nella consapevole trasformazione dell'arte in uno strumento politico e sociale”. Così, a suo avviso, "prepara la strada a Courbet, ma non ha alcuna influenza sui due artisti più importanti della prima metà del secolo: Corot e Daumier". Inoltre, l'autore è convinto che “Goya sia un pietoso cortigiano, l'agente è un residente rurale di opinioni conservatrici, David è un regicidio. Tuttavia, è David che non partecipa a quella vera rivoluzione nell'arte, a quella conquista della libertà nella pittura, di cui l'Ottocento è orgoglioso e che Goya e Constable ebbero il coraggio di iniziare. Pertanto, David appare tanto rivoluzionario in politica quanto reazionario in pittura. Ciò significa che la vita stessa lo interessava più dell'arte. Ecco perché non è riuscito, o è riuscito solo in rari casi, a creare vere e proprie opere d'arte. Quindi, vediamo che l'autore è piuttosto critico nei confronti del lavoro del maestro.

V. Knyazeva ha un punto di vista diverso nella sua monografia "Jacques Louis David". Rivelando i dettagli biografici della vita e dell'opera dell'artista, l'autore parla con ammirazione di David non solo come artista eccellente sotto l'aspetto politico, ma più come un maestro che ci ha lasciato anche immagini di un piccolo “ commedia umana” nei ritratti dei loro cari, nei ritratti di ricchi funzionari, imponenti militari, diplomatici, esuli politici, molti dei quali non sono finiti. Loro, secondo lei, “ci rivelano i segreti dell'artigianato di David. Nella loro immediatezza, almeno apparente, hanno catturato il loro tempo anche meglio delle opere finite.

Tuttavia, l'autore, ovviamente, rende omaggio e lavori pubblici, ma afferma che, nonostante il fatto che David, più di ogni suo artista contemporaneo, fosse associato alla vita politica della sua epoca, e che i suoi trionfi e fallimenti creativi siano associati alla rivoluzione, allo stesso tempo ha realizzato una rivoluzione in aree di stile artistico. E già intorno al 1780 capeggiava con sicurezza il “grande stile”, unendo politica e arte: “Testimone della sua epoca, David la catturò nelle sue opere, portando ordine e un certo stile alla sua esposizione. E viceversa, lo stile neoclassico un po 'artificialmente rigoroso di David si addolcisce e viene ripreso con uno aggiornato per le esigenze di una rappresentazione realistica della vita. In questa continua interazione di natura e stile si rivela il genio di David.

E se parliamo dell'atteggiamento dell'autore nei confronti dell'arte di David nel suo insieme, sarà necessario citare le seguenti parole: “I discorsi e le lettere di David parlano di quanto fosse un appassionato combattente per la nuova arte. La sua vasta eredità letteraria testimonia le elevate esigenze che poneva all'arte. Le sue opere sono intrise di fede sincera e ardente nel grande significato nazionale dell'arte.

UN. Zamyatin nell'opera omonima "David". L'autore mostra anche in modo sufficientemente dettagliato il percorso creativo e politico dell'artista, tuttavia, un enorme vantaggio di questo lavoro, a nostro avviso, è un numero enorme di riferimenti alla fonte primaria: discorsi e lettere dello stesso David. Ecco perché a questo lavoro viene assegnato un posto molto significativo nel nostro lavoro.

L'autrice stessa, parlando dell'arte rivoluzionaria di David, osserva molto calorosamente che il motivo stesso per cui David è andato incontro a queste esigenze della rivoluzione parla della sua intuizione politica e della profonda comprensione dei compiti sociali della sua arte. A suo avviso, David è stato in grado di determinare non solo la direzione del lavoro, ma anche la scelta del tipo di arte che per un dato momento storico ha acquisito il valore principale. In altre parole, nonostante la costante corsa del maestro alla ricerca di un ideale - inizialmente nell'antichità, negli eventi della rivoluzione, e poi in Napoleone, l'autore è fermamente convinto che sia stato grazie alla costante influenza dei suoi idoli che L'abilità di David ha raggiunto livelli senza precedenti.

Ma l'opera più completa, che riflette tutti i più piccoli dettagli della vita e dell'opera del maestro, è stata la monografia di A. Schnapper "David è un testimone della sua epoca". È stato in esso che abbiamo trovato non solo il massimo eventi eccezionali, che ha determinato le tendenze nello sviluppo della creatività di David in una direzione o nell'altra, ma anche una serie di apparentemente insignificanti, ma in qualche modo hanno svolto il loro ruolo nell'arte del maestro. Questo lavoro si basa anche su fonti primarie e testimonianze di contemporanei, presenta lo studio più approfondito dell'argomento, nonché un'eccellente analisi di molte opere.

Molto interessante in termini di comprensione filosofica delle opere di David è stato il libro di J.F. Guillou "Le grandi tele". L'autore caratterizza l'opera del maestro come "tre parti di una grandiosa serie di opere create da David, che racconta di un eroe che si sacrifica per la felicità del suo popolo: il ciclo del mito, il ciclo della rivoluzione e il ciclo della pace, sigillato da un giuramento che divenne la base di un nuovo ordine". Inoltre, il lavoro fornisce un'analisi molto approfondita delle opere, e la sua caratteristica distintiva è l'enfasi non su tratti stilistici, ma un tentativo di penetrare nell'essenza del tema di ciascuno dei cicli, caratterizzando in essi il ruolo e l'essenza dell'eroe.

Altre due opere da nominare sono David. Morte di Marat” e “J.L. Davide". Entrambi raccontano la vita creativa e personale dell'artista, con l'unica differenza che nella prima opera l'enfasi è sulle opere più famose, e la seconda è piena di tanti piccoli dettagli biografici che si potevano trovare solo in A. Schnapper . Entrambe le opere si basano sulle opere già elencate sopra, ma includono molte illustrazioni eccellenti.

Se parliamo direttamente dell'era storica, i libri di Mikhailova I.N. hanno svolto un ruolo importante nella comprensione di quegli eventi. e Petrashch E.G. "L'arte e la letteratura della Francia dall'antichità al XX secolo", NA Dmitrieva" Storia breve arte" e " Storia generale art” a cura di Yu.D. Kolpinsky.

Tutte le opere danno un'ottima descrizione degli eventi del periodo della rivoluzione, ma N.A. Dmitriev, tra le altre cose, caratterizza direttamente anche l'arte di quest'epoca.

Parlando di classicismo rivoluzionario, cita la teoria della vicinanza alla natura di Rousseau. Il concetto di "fedeltà alla natura" nell'arte in generale, a suo avviso, è multivalore e concetto sciolto, non dovrebbe mai essere preso troppo alla lettera. Molto è posto in natura e le persone, a seconda dei loro ideali e gusti, tendono ad assolutizzare e sottolineare l'una o l'altra delle sue caratteristiche, che in questo momento attraggono e sembrano più importanti. È così che nasce l'arte: una meravigliosa fusione di oggettivo-naturale e soggettivo-umano. Dopotutto, le persone stesse fanno parte della natura e, pur non volendo imitarla, lo fanno comunque. D'altra parte, anche se vogliono seguirlo esattamente, inevitabilmente lo trasformano a modo loro. Ecco perché le opere di artisti dell'epoca rivoluzione francese sembra "artificiale". Dice che "c'è poco di naturale nelle loro allegorie, nei gesti pomposi, nella statuaria delle figure, nel razionalismo forzato".

Pertanto, esiste una quantità sufficiente di letteratura sull'argomento che abbiamo scelto. Tuttavia, cercare di mettere insieme tutti i punti di vista, secondo noi, è sufficiente questione di attualità, è per questo obiettivo il nostro lavoro era un tentativo di esposizione modo creativo artista attraverso gli occhi di molti storici e critici d'arte. Per lo più piena divulgazione Ai temi sono stati assegnati i seguenti compiti:

1. rivelare le principali tendenze nell'arte del periodo della Grande Rivoluzione Francese;

2. tracciare il percorso creativo dell'artista fino all'inizio degli eventi rivoluzionari;

3. identificare le direzioni principali nell'opera di David durante gli eventi della rivoluzione, nonché dopo il colpo di stato termidoriano.

In questo lavoro, abbiamo utilizzato metodi di analisi letteratura scientifica e il metodo biografico. oggetto dentro questo casoè l'arte del periodo della rivoluzione borghese francese, e il soggetto è opera di David.

CAPITOLO 1. L'ARTE DEL REALISMO NEL PERIODO DELLA GRANDE RIVOLUZIONE FRANCESE

La Francia divenne il primo grande paese del continente europeo, dove la rivoluzione portò alla sconfitta del sistema feudale. Le relazioni borghesi sono state stabilite qui nella loro forma più pura. Allo stesso tempo, in Francia, che ha attraversato quattro rivoluzioni, il movimento operaio, prima che in altri paesi, ha acquisito il carattere di azioni militanti. L'intensa lotta delle masse popolari contro l'aristocrazia feudale, poi contro la borghesia dominante, la partecipazione attiva alla lotta del proletariato ha lasciato un'impronta eroica speciale nel corso della storia, che si è riflessa nell'arte della Francia nel XIX secolo . Acuti conflitti politici, testimoniati e talvolta partecipanti di cui erano artisti, mettono in stretta connessione l'arte progressista vita sociale.

Le idee rivoluzionarie diventano le principali nello sviluppo della cultura di questo tempo, determinando l'orientamento rivoluzionario dell'arte e, prima di tutto, il classicismo rivoluzionario. Per rivelare ideali civili, gli artisti si rivolgono all'antichità, "per nascondere a se stessi il contenuto borghese limitato della loro lotta, per mantenere la loro ispirazione al culmine della grande tragedia storica".

In altre parole, l'espressione artistica della Rivoluzione francese non era la libera espressione. Qui ha avuto un ruolo molto più importante un'ardente ricerca del bene pubblico, una ricerca che ha portato al predominio dei valori politici e civici su quelli artistici. Tutti gli artisti più o meno apprezzati da Napoleone facevano sacrifici al dio della praticità: veniva loro negato "il diritto e anche l'opportunità di trovare soddisfazione nell'astratta sfera della bellezza" e veniva posto loro "il dovere di fare cose che potessero ricevere utile applicazione in accordo con gli interessi positivi e le istituzioni pratiche della nazione. L'arte mira a beneficiare non una ristretta cerchia di persone privilegiate, ma l'intera nazione e piuttosto le masse che le persone istruite. Come in Grecia, “l'arte deve ora diventare un'istituzione razionale, una legge muta ma sempre eloquente, elevando il pensiero e purificando l'anima. Cosa potrebbe esserci di più bello di tale servizio? .

È naturale, quindi, che durante la Rivoluzione si presti grande attenzione all'arte, sottolineandone invariabilmente il ruolo agitatore - essa è ormai considerata non come “semplice decorazione su Palazzo governativo, ma come componente suo fondamento». Pertanto, viene riconosciuto il dovere principale sia del governo, dei comuni e dei singoli lavoro di squadra oltre il risveglio e lo sviluppo di un senso estetico: molta attenzione è ora rivolta all'insegnamento del disegno nelle scuole, all'organizzazione dei musei.

Così, durante il periodo della Rivoluzione francese, c'erano due concetti di arte: "pura e indifferente bellezza neoclassica" (concetto di Winckelmann) e "arte espressiva, utile, pubblica", richiesta dalla vita politica della rivoluzione e dell'impero, i cui ideali erano assolutamente opposti.

Tuttavia, per quanto paradossale possa sembrare, ad esempio, Jacques Louis David e la sua scuola non distinguevano tra questi ideali, affermando la correttezza dell'uno o dell'altro, e, a seconda dell'argomento, utilizzavano tecniche classiche o espressive. E. Delacroix ne ha scritto nel suo diario: “David è una sorta di combinazione di realismo e idealismo. Fino ad ora regna ancora in un certo senso e, nonostante i notevoli cambiamenti nei gusti scuola moderna, è chiaro che tutto viene da lui. . Ma come A.N. Zamyatin, la connessione e l'interazione di elementi di realismo e idealizzazione nell'opera di David è un fenomeno storicamente condizionato dalle tendenze del movimento democratico borghese di quest'epoca.

E questa non era solo una caratteristica della biografia personale di David, ma dell'intera tendenza del classicismo, che rappresentava così vividamente. Gli ideali e le norme presi in prestito dal classicismo contenevano paradossalmente idee sociali opposte: sia la ribellione contro la tirannia, sia l'adorazione dei tiranni, sia l'ardente repubblicanesimo e il monarchismo.

L'arte del classicismo borghese ha ripetuto in miniatura l'evoluzione del antica Roma- dalla repubblica all'impero, conservando le forme stilistiche e il sistema decorativo che si sviluppò sotto la repubblica. In contrasto con il rococò, il classicismo, saturo delle idee di Rousseau, proclamava semplicità e vicinanza alla natura. Ora lo slogan "ritorno alla natura", "naturalezza" sembra strano in bocca ai classicisti, perché le loro opere sono alquanto inverosimili. Tuttavia, gli ideologi del classicismo erano sicuri che, imitando l'antichità, l'arte imitasse così la natura. Hanno onorato "semplicità e chiarezza", senza notare che la loro chiarezza era la stessa forma convenzionale come la pretenziosità del rococò. Per certi aspetti, il classicismo si discostava dalla "natura" anche rispetto al rococò, se non altro per il fatto che rifiutava la visione pittorica, e con essa la ricca cultura del colore nella pittura, sostituendola con la colorazione.

Se accenniamo al fatto che le tendenze classiciste furono trasferite anche a cose e accessori, allora possiamo citare le parole di Vigel, che scrisse nelle sue memorie: “Una cosa era alquanto divertente in questo: tutte quelle cose che gli antichi avevano per casa ordinaria, uso , i francesi e servivamo come una decorazione; per esempio, da noi i vasi non trattenevano liquidi, i treppiedi non fumavano e le lampade all'antica, con i loro lunghi beccucci, non venivano mai accese. Wigel ha catturato inequivocabilmente l'elemento di inorganicità nel classicismo moderno. Non era più un grande stile organico, come gli stili del passato.

Eppure, in sostanza, tutte queste tendenze rappresentavano tappe speciali e definite nello sviluppo del realismo del XIX secolo, cioè il realismo dell'era del capitalismo, il cui tratto caratteristico, come già accennato, è stato il crescente desiderio di un concreto riflesso storico della realtà. Indipendentemente dai temi a cui si sono rivolti gli artisti, hanno cercato di rivelare le caratteristiche nazionali: sia nel romanticismo progressista, sia nella direzione più astratta come il classicismo rivoluzionario, l'appello all'antichità era associato alla storia moderna.

Successivamente, tutte queste tendenze si aggravano ancora di più e influenzano sia l'argomento, che si avvicina alla realtà circostante, introducendovi una valutazione critica, sia l'incarnazione artistica. Le caratteristiche della convenzionalità inerenti al classicismo e al romanticismo vengono superate e mondo reale finalmente affermata nelle forme concrete della vita stessa.

Le nuove tecniche pittoriche trovate portavano un carico semantico ed emotivo, consentendo all'artista di creare un'immagine vivida e impressionante. I risultati della pittura francese in quest'area hanno avuto un grande impatto sulla pittura europea.

Tuttavia, insieme al classicismo rivoluzionario, che rendeva omaggio all'unità con la natura, si stanno diffondendo anche tali forme d'arte, in cui i pensieri e le aspirazioni delle persone potevano essere incarnate più direttamente, senza perdere il legame organico direttamente con il classicismo. Tra tali fenomeni, è necessario nominare le feste di massa, il cui più grande maestro e organizzatore era anche Jacques Louis David. Il fatto che amasse molto il suo lavoro è dimostrato dal fatto che il governo si è rivolto a lui, in quanto organizzatore dei festeggiamenti, è stato seguito dalla risposta di David: “Ringrazio l'Essere Supremo che mi ha dato del talento per glorificare gli eroi della Repubblica. Dedicando il mio talento a un simile appuntamento, ne sento particolarmente il valore.

Il temperamento del popolo si manifestava nei balli nazionali delle diverse province, che a volte precedevano le cerimonie ufficiali. C'era molta spontaneità nello svolgimento delle feste, proveniente direttamente dal popolo, ma i programmi ufficiali delle cerimonie cercavano di introdurre nei festeggiamenti un'armonia solenne rigorosamente regolamentata. Ad esempio, nel progetto della festa della Federazione, si legge letteralmente lo slogan del classicismo: "... la toccante scena della loro unificazione sarà illuminata dai primi raggi del sole". Tra le rovine della Bastiglia, "la fontana del Rinascimento sarà eretta sotto forma della personificazione della Natura" e inoltre: "la scena dell'azione sarà semplice, la sua decorazione sarà presa in prestito dalla natura".

Sono stati stanziati fondi enormi per i festeggiamenti e sono stati forniti copioni nuovo concetto festa nazionale. La composizione non è stata determinata figura centrale dimostrato dall'eroe e dagli spettatori passivi, ma la partecipazione attiva e paritaria di tutti. Nell'organizzazione delle masse, l'obiettivo era, prima di tutto, sottolineare l'uguaglianza universale, evidenziando allo stesso tempo le caratteristiche individuali dei membri di questa società di uguali.

Così, il pathos della lotta, il desiderio di incarnare lo spirito rivoluzionario del popolo, insito nell'arte progressista, che si sviluppò con la più severa resistenza da parte circoli ufficiali, ha determinato in gran parte l'originalità dell'arte francese e il suo contributo nazionale alla storia dell'arte mondiale.

CAPITOLO 2. L'OPERA DI JACQUES LOUIS DAVID PRIMA DELLA GRANDE RIVOLUZIONE FRANCESE

All'inizio del XIX secolo, Jacques Louis David, il rappresentante più coerente del neoclassicismo, era il leader generalmente riconosciuto tra gli artisti. Iniziò la sua educazione artistica nella bottega di Vienne, dal 1766 studiò alla Royal Academy of Painting and Sculpture, e nel 1771 partecipò con successo al concorso per il Premio Roma con il dipinto “La battaglia di Minerva con Marte” (1771 ; Louvre). L'immagine è stata dipinta nello spirito del modo accademico di quel tempo, tuttavia, il successo dell'immagine non ha fornito a David la ricompensa desiderata. Il professor Vien, forse offeso dal fatto che lo studente abbia parlato senza prima informarlo, a scopo di influenza pedagogica, ha rifiutato il premio con il pretesto "che per la prima volta David può considerarsi felice solo perché piace ai suoi giudici". Rispettoso degli anziani, David ha gentilmente spiegato l'atto del professore come segue: "Penso che Vien abbia parlato così a mio vantaggio, almeno non riesco a immaginare nessun altro scopo da parte dell'insegnante". Anche i successivi due tentativi di ottenere ciò che volevano si rivelarono infruttuosi, e quando nel 1774 David, per il dipinto “Antioco, figlio di Seleuco, re di Siria, con un amore malato che era intriso di Stratonika, sua matrigna, il dottor Erazistrat scopre la causa della malattia” ottenne finalmente i premi tanto attesi, la notizia della vittoria lo sconvolse così tanto che svenne e, riprendendosi, esclamò francamente: “Amici miei, per la prima volta in quattro anni, Ho respirato leggermente. Quei cambiamenti stilistici che si notano in questa immagine rispetto alla "Lotta di Marte e Minerva" non sono una manifestazione dell'individualità creativa di David, ma riflettono solo i cambiamenti che stanno avvenendo nell'arte ufficiale. Lo stile rococò dominante sta diventando obsoleto nell'effimera rinascita dell'accademismo e nel ritorno alle tradizioni classiche del XVII secolo: la natura della trama del quadro del concorso è un aneddoto storico, ma i metodi del suo sviluppo sono rimasti essenzialmente gli Stesso.

Così, solo nel 1775 ebbe luogo un viaggio in Italia, dove si recò come borsista dell'Accademia insieme a Vienne. Il viaggio fu per Davide l'inizio di un nuovo periodo del suo apprendistato. Finora ha consolidato i metodi di rappresentazione, ora sta imparando a percepire le impressioni delle immagini artistiche nella pittura e nella scultura. L'Italia ha aperto gli occhi di David sul mondo antico. A David piaceva associare il suo appello all'antichità al nome di Raffaello: "Oh, Raffaello, uomo divino, tu che mi hai innalzato gradualmente all'antichità ... Mi hai dato l'opportunità di capire che l'antichità è anche più alta di te".

David ha voluto studiare ancora, ma in modo opposto, procedendo non dallo studio delle tecniche senza riguardo al contenuto, ma padroneggiando queste tecniche come mezzo per esprimere il contenuto, che può essere infinitamente affascinante e che bisogna saper raccontare nel linguaggio dei pittori. Alexandre Levoir descrive così il comportamento di David: “Non scriveva più; come un giovane scolaro, ha iniziato a disegnare occhi, orecchie, bocche, gambe, mani per un anno intero e si è accontentato di ensemble, copiando dalle migliori statue ... ".

E già nel primo quadro mostrato al suo ritorno dall'Italia, "Belisario, riconosciuto da un soldato che prestava servizio sotto il suo comando, nel momento in cui una donna gli fa l'elemosina" (1781; Lille, Palazzo delle Belle Arti), ha cercato di attuare il suo piano. È significativo che David ora non prenda una trama mitologica, ma storica, sebbene alimentata da una leggenda. Lo stile dell'arte di David in questa immagine è già venuto alla luce abbastanza chiaramente.

Come per compensare la mancanza di un momento individuale e specifico nella struttura artistica delle sue composizioni storiche, David dipinge ritratti di Mr. e Mrs. Pekul (Louvre). Se ne Il giuramento degli Orazi l'artista dà immagini idealizzate, un po' astratte, qui, al contrario, ricorre all'affermazione del mondo materiale senza alcuna idealizzazione di esso. L'artista mostra le brutte mani dei suoi modelli con dita corte e spesse, e nel ritratto della signora Pekul - un collo obeso, la cui pelle pende sulle perle. Grazie al costume e al tipo di questa donna, in questo ritratto non si avverte nulla di classicismo. Dallo studio della forma classica, David ha appreso solo una costruzione potente, che, da un lato, sottolinea la vitalità del modello e, dall'altro, la sua volgarità.

Il ritratto "Lavoisier con sua moglie" (1788; New York, Rockefeller Institute) è stato dipinto in modo leggermente diverso. La bellezza dei contorni lineari, la grazia dei gesti, la grazia, l'eleganza e la raffinatezza delle immagini dovrebbero trasmettere l'affascinante immagine dello scienziato e di sua moglie. Un critico contemporaneo di David ha scritto: “... Lavoisier è uno dei geni più illuminati e grandi del suo secolo, e sua moglie, tra tutte le donne, è la più capace di apprezzarlo. Nella sua immagine, David ha trasmesso la loro virtù, le loro qualità. Il concetto di "virtù" è qui incarnato in immagini concrete viventi.

Se parliamo del modo di scrivere dell'artista in questo primo periodo pre-rivoluzionario, si può notare che già nel 1784 raggiunse la piena maturità nel mestiere dell'arte. L'evoluzione del suo stile continua fino alla fine della sua vita, ma la base - il suo virtuosismo - rimane invariata. Tuttavia, le prime opere di David non erano ancora classiche e portavano l'impronta di quel manierismo del XVIII secolo, il cui maggior rappresentante era Boucher. Tuttavia, già nei primi lavori, David rivela una certa insensibilità al colore e un vivo interesse per il trasferimento delle espressioni facciali. Un passaggio delle memorie di Étienne Delescluse lo chiarisce: “Vedi, amico mio, quella che allora chiamavo antichità non elaborata. Dopo aver abbozzato la testa con molta cura e con grande difficoltà, sono tornato nella mia stanza e ho realizzato il disegno che vedete qui. L'ho cucinato con un sugo moderno, come lo esprimevo a suo tempo. Aggrottai leggermente le sopracciglia, enfatizzai i suoi zigomi, le aprii leggermente la bocca, cioè le diedi quella che gli artisti moderni chiamano espressione e quella che oggi io chiamo una smorfia. Hai capito, Etienne? Eppure abbiamo difficoltà con i critici del nostro tempo: se lavorassimo esattamente nello spirito dei principi degli antichi maestri, le nostre opere sarebbero considerate fredde.

Già nel 1807 David si rese conto che la pura imitazione degli antichi era fredda e senza vita. E si allontana dagli schemi antichi, introduce un'espressione nel disegno.

Ma dal trasferimento dell'espressione al realismo, il percorso non è lontano. La stessa perseveranza del maestro, che David ha mostrato a imitazione degli antichi, ha investito nel trasferimento di oggetti del mondo circostante. In The Distribution of Banners, un contemporaneo di David ammirava la veridicità dell'immagine dei soldati: "Il viso, l'altezza, persino le cosce ... sono caratteristici di questo tipo di arma: un fante tozzo, intelligente, con le gambe corte, che distingue le persone selezionate per questi reggimenti." Ma era un realismo superficiale, una resa accurata della realtà visibile, senza la partecipazione dell'immaginazione e con pochissimo sentimento. Da qui l'accusa di David nella sua mancanza di amore per le persone, che è stata ripetutamente ripetuta in futuro. Ma la tecnica di David è stata decisiva. Blanche crede che questa tecnica sia arte: "l'arte è diretta, nonostante la sua apparente intensità, il mestiere realistico e abile di un lavoratore coscienzioso ... qualcosa di ben fatto, modesto, ma che ricorre a effetti grossolani". E in effetti, questo realismo di David, lontano dall'arte, era insolitamente virtuoso e simile al classicismo, che si sforzava di creare pura bellezza. Sono cambiati solo gli oggetti raffigurati: un'antica statua o animali selvatici. Ma il processo di rappresentazione in entrambi i casi era identico, il virtuosismo dell'imitazione è perfetto e sicuro.

La conseguenza di ciò nell'opera di David fu "una prosa coraggiosa e potente", come Delacroix caratterizza uno dei suoi dipinti. Tuttavia, la prosa, non la poesia, era attaccata all'arte come mezzo, non fine, come mezzo per raggiungere ideali morali, sociali e politici.

CAPITOLO 3. LA CREATIVITA' DEL MAESTRO NEL PERIODO DELLA RIVOLUZIONE. RIVOLUZIONE TERMIDORIANA

Al Salon del 1789, che si apre in un clima di tensione rivoluzionaria, l'attenzione di tutti è attratta dal dipinto del David, esposto con il titolo “Bruto, Primo Console, al suo ritorno in patria dopo aver condannato i suoi due figli, che avevano si unì a Tarquinio e compì una cospirazione contro la libertà romana; i littori portano i loro corpi per la sepoltura” (1789; Louvre). La forza dell'impatto di questa immagine retorica di David sui suoi contemporanei rivoluzionari, a quanto pare, è spiegata dal fatto che, prendendo una trama dalla storia antica, David ha mostrato ancora una volta un eroe per il quale il dovere civico era soprattutto.

Gli eventi rivoluzionari hanno dato un impulso diretto all'ulteriore sviluppo del lavoro di David. Ora non c'era bisogno di cercare temi patriottici nell'antichità, l'eroismo invade la vita stessa. David inizia a lavorare su un'opera che cattura l'evento che ebbe luogo il 20 giugno 1789, quando i deputati nella Ball Game Hall prestarono giuramento "In nessun caso disperdersi e riunirsi ovunque le circostanze lo richiedano, fino a quando non sarà risolto e stabilì su solide fondamenta la costituzione del regno» (Louvre). In questa immagine, entrambe le suddette tendenze di David potrebbero fondersi. Qui l'artista ha avuto modo di esprimere l'idea di cittadinanza nelle immagini dei suoi contemporanei. Apparentemente, è così che David ha capito il suo compito, eseguendo quarantotto ritratti preparatori. Eppure, quando un disegno con una composizione generale fu esposto al Salon del 1791, l'artista fa un'iscrizione che non pretende di essere una somiglianza di ritratto. David voleva mostrare l'impulso rivoluzionario del popolo. La rigorosa costruzione logica della composizione, il pathos dei gesti: tutto questo era anche caratteristico dei precedenti dipinti di David. Tuttavia, qui l'artista cerca di dare un senso dell'eccitazione del pubblico e di trasmettere la sensazione di un temporale che ha davvero travolto Parigi il giorno di questo evento significativo. Il sipario svolazzante introduce un dinamismo teso che non è caratteristico dei primi lavori di David. Inoltre, i sentimenti di ogni cittadino sono ormai non solo subordinati all'entusiasmo generale, ma anche segnati da alcuni tratti individuali. Questa è la prima opera di David raffigurante un evento storico moderno, e in essa parla già in una lingua leggermente diversa rispetto ai suoi dipinti di soggetti antichi.

Sempre più spesso, gli artisti stanno iniziando a richiedere l'esposizione vita moderna. “Il regno della libertà apre nuove opportunità per l'arte”, scrive Quatremer de Quency, “più una nazione acquisisce un senso di libertà, più zelantemente si sforza nei suoi monumenti di dare un vero riflesso del suo modo di vivere e dei suoi costumi. "

Diversi dipinti di contenuto rivoluzionario furono esposti al Salon del 1793. Davide risponde a evento tragico della sua epoca. Scrive dell'assassinato Lepeletier, l'eroe della rivoluzione, che, come lo stesso David, votò per l'esecuzione del re e fu ucciso dai realisti alla vigilia dell'esecuzione di Luigi XVI. In tutto, David è rimasto fedele al principio del classicismo: l'artista non voleva tanto presentare un ritratto dell'assassinato Lepelletier, ma creare l'immagine di un patriota devoto alla sua patria. Il significato di questa immagine è rivelato dallo stesso David in un discorso pronunciato alla Convenzione il 29 marzo 1793, quando l'immagine è stata presentata: “Un vero patriota dovrebbe, con ogni diligenza, usare tutti i mezzi per educare i suoi compatrioti e mostrare loro costantemente manifestazioni di alto eroismo e virtù”. L'immagine non ci è pervenuta. È sopravvissuta solo un'incisione di Tardieu, basata su un disegno di David.

Nel dipinto "La morte di Marat" (1793; Bruxelles, Museo), David si avvicinò all'immagine dell'uomo assassinato in modo diverso, sebbene il compito rimanesse lo stesso: influenzare i sentimenti dello spettatore, dargli una lezione nel patriottismo. Ma un'altra tendenza nell'arte di David era organicamente combinata con questo compito: il desiderio di una caratteristica specifica e individuale che era insita nei suoi ritratti.

Quando la notizia dell'omicidio di Marat raggiunse il Jacobin Club, David, che all'epoca era presidente, salutò con un bacio il cittadino che aveva arrestato Charlotte Corday. All'esclamazione di uno dei presenti: "David, hai trasmesso alla prole l'immagine di Lepeletier, morto per la patria, devi solo fare un'altra foto", David ha risposto succintamente: "Lo farò". Era profondamente scioccato e ha lavorato al suo lavoro con velocità febbrile. Fu completata in tre mesi, solennemente presentata alla Convenzione e collocata insieme al ritratto del Lepelletier nella sala delle adunanze con decreto "che non possano esserne rimossi ad alcun pretesto dai successivi legislatori".

David ha ritratto Marat come lo immaginava al momento della morte: si conserva la sensazione che Marat fosse appena morto, l'irreparabile più amara ingiustizia fosse appena finita, la mano che reggeva la penna non si era ancora aperta, e la piega sofferente non si era appianata sul suo viso, ma allo stesso tempo l'immagine suona come un requiem, e la figura dell'uomo assassinato è come un monumento per lui. David ha interpretato Marat nella vita reale ambiente domestico, ma il maestro si è alzato al di sopra della realtà quotidiana e ha dato in questo senso un'opera sublimemente eroica. L'artista ha trovato una sintesi delle emozioni dell'istantaneo e dell'eterno, che è così raro. "Una tragedia piena di dolore e orrore": così ha parlato Sh.Baudelaire del suo lavoro.

Nominato organizzatore della cerimonia funebre, David ha dichiarato: "Ho pensato che sarebbe stato interessante presentarlo come l'ho visto io - scrivendo in nome della felicità della gente". Per un'analogia con l'opera di David, è interessante leggere il messaggio protocollare sulla sua visita a Marat. “Alla vigilia della morte di Marat, la società giacobina ha incaricato More e me di informarci sulla sua salute. Lo abbiamo trovato in una posizione che mi ha scioccato. Davanti a noi c'era un ceppo di legno su cui erano stati posti inchiostro e carta. Una mano che spuntava dalla vasca scriveva pensieri finali sulla salvezza del popolo.

“In questa foto c'è allo stesso tempo qualcosa di tenero e qualcosa che afferra l'anima; nell'aria fredda di questa stanza, su queste pareti fredde, intorno a questo bagno freddo e sinistro, si sente lo spirito dell'anima ”, ha scritto C. Baudelaire. David non è mai più salito a tali altezze artistiche.

Durante gli anni rivoluzionari, David crea una serie di meravigliosi ritratti in cui vuole raccontare, per così dire, i suoi pensieri e i pensieri dei suoi contemporanei. La ricerca di un'espressività sempre maggiore, il desiderio di trasmettere il calore spirituale di una persona: questo è il percorso dell'ulteriore lavoro dell'artista nel campo della ritrattistica. Sempre più spesso l'artista presenta i suoi modelli su uno sfondo liscio per focalizzare tutta l'attenzione sulla persona. È interessato a una varietà di stati psicologici. Calma, serenità sono palpabili sia nell'espressione del viso che nella posa libera e rilassata della Marchesa d'Orville (1790, Louvre); nell'aspetto femminile di Madame Truden (1790-1791 circa, Louvre), ansia nascosta e la serietà sono espresse Disegno a matita fortemente espressivo - un ritratto di Maria Antonietta (Louvre), realizzato prima della sua esecuzione, rasenta la caricatura, rivela il potere di osservazione dell'artista, la capacità di cogliere il più caratteristico.

L'attività creativa di David prima del colpo di stato termidoriano è indissolubilmente legata alla lotta rivoluzionaria: era membro del club giacobino, deputato di Parigi alla Convenzione; fu membro della commissione per la pubblica istruzione, e poi per le arti, e fu anche membro del Comitato di pubblica sicurezza.

Contemporaneamente all'autoritratto, David crea altre immagini. Nel ritratto di Serizia e sua moglie (1795; Louvre), l'artista ha raffigurato persone che vivono facilmente e senza pensieri. Nei ritratti di questo periodo, David era principalmente interessato caratteristica sociale. Lui, per così dire, ha mostrato con queste opere la complessità e l'incoerenza di quel tempo.

Nello stesso 1795 concepì il dipinto “Le Sabine interrompono la battaglia tra romani e sabini” (Louvre, 1799), con il quale voleva mostrare la possibilità di riconciliazione di partiti che si trovavano su diverse piattaforme politiche. Ma l'idea di questa foto era falsa, e si è trasformata in un raffreddore, lavoro accademico. Da quel momento si farà nuovamente sentire il divario tra il quadro storico e il ritratto, che si poteva osservare nell'opera di David prima della rivoluzione. Nei ritratti, David scruta attentamente i suoi modelli e, insieme alla somiglianza, cerca di trasmettere specificità, cercando il mezzo di espressione più appropriato. È interessante che alcuni ritratti di David della fine del secolo siano realizzati in un modo nuovo, come dimostra il ritratto del giovane Ingres, inaspettatamente morbido e pittoresco (1800 circa; Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin ).

Nei ritratti di David si può sempre intuire l'atteggiamento dell'artista nei confronti del modello, che si riflette molto chiaramente in opere come Bonaparte al Passo del San Bernardo (1800; Versailles) e il ritratto di Madame Récamier (1800; Louvre ). Impossibile non ammirare questo monumento originale dell'epoca del Consolato, che riflette come in uno specchio i gusti estetici dell'epoca. Il richiamo all'antichità è ormai solo un pretesto per creare un mondo speciale, lontano dalla modernità, un mondo di pura ammirazione estetica.

Un ritratto incompiuto di Bonaparte, 1897 (Louvre), si distingue per la sua vitalità ed espressività drammatica. In questo lavoro non c'è né un'idea predeterminata né la completezza dell'immagine, che è usuale per David.

In un modo completamente diverso, David dipinge un ritratto equestre di Bonaparte "Napoleon's Crossing the Alps". David ora vedeva in Bonaparte solo un eroe vittorioso e accettò l'ordine di ritrarlo con calma su un cavallo impennato. Tuttavia, Bonaparte si rifiuta di posare: “Perché hai bisogno di un modello? Pensi che le grandi persone nei tempi antichi posassero per le loro immagini? Chi se ne frega se la somiglianza è conservata nei busti di Alessandro. È sufficiente che la sua immagine corrisponda al suo genio. È così che dovrebbero essere scritte le persone fantastiche. David soddisfa questo desiderio e dipinge non un ritratto, ma piuttosto un monumento al comandante vittorioso. Sembra personificare la famosa frase di Napoleone "Volevo dare alla Francia il potere su tutto il mondo".

Tore, nel 1846, così descriveva questo ritratto: “Questa figura a cavallo fu riprodotta migliaia di volte in bronzo e gesso, su pendole da camino e su cassapanche rustiche, con cesello e matita da incisore, su carta da parati e tessuti - in una parola , ovunque. Un cavallo pezzato, impennato, vola sulle Alpi come un Pegaso di guerra.

Il ritratto rimane il punto di forza dell'opera di David fino alla fine della sua vita, poiché per quanto riguarda le opere compositive, esse, avendo perso il loro antico pathos rivoluzionario, si trasformano in freddi dipinti accademici. A volte il suo stile rigoroso è sostituito da pretenziosa raffinatezza e bellezza, come, ad esempio, nel dipinto Saffo e Faone (1809; Museo dell'Ermitage).

Nel 1814 David completò il dipinto "Leonida alle Termopili" (Louvre), iniziato nel 1800. In esso, voleva anche esprimere grande idea, come ha detto lui stesso a riguardo, - "amore per la patria", ma in realtà si è rivelata una fredda composizione accademica. Il classicismo di fine Settecento, che sostituiva la pittura rocaille e rispondeva alle idee rivoluzionarie dell'epoca, stava ormai diventando obsoleto, trasformandosi in arte ufficiale e gli artisti progressisti cercavano nuove forme di espressione, cercando un'arte appassionata e veritiera. David ha obiettato a questa nuova arte: "Non voglio né movimento intriso di passione, né espressione appassionata ..." Tuttavia, le nuove tendenze sono penetrate sempre più insistentemente nell'arte del ritratto di David.

Arrivano gli anni della reazione e nel 1814 salgono al potere i Borboni. David è costretto a emigrare, ma nonostante questo, a Parigi, i suoi studenti continuano a onorare il culto del maestro e attendono il suo ritorno: "I tuoi studenti più anziani ti amano ancora ..." - scrivono a David. Durante il periodo dell'emigrazione, accanto a opere compositive inespressive, come Marte disarmato da Venere (1824; Bruxelles, Museo Reale arti visive), crea una serie di ritratti dipinti in modo diverso. I dettagli precisi caratterizzano i ritratti dell'archeologo Alexander Lenoir (1817; Louvre) e dell'attore Wolf (1819-1823; Louvre). E, al contrario, in modo generalizzato, vengono scritte opere che possono essere chiamate ritratti di persone che hanno perso le illusioni.

Pertanto, tutto il lavoro del periodo della rivoluzione dell'artista può essere definito idealista, sin dalla glorificazione valori politici e il dovere civico nei confronti della propria patria raggiunge livelli incredibili. Ma, nonostante il suo amore così appassionato per lei, il padrone finisce i suoi giorni senza tornare a casa. E come dirà in seguito E. Delacroix, "Invece di penetrare nello spirito dell'antichità e combinare il suo studio con lo studio della natura, David divenne chiaramente un'eco di un'epoca per la quale l'antichità era solo una fantasia".

CONCLUSIONE

Riassumendo questo lavoro, va notato che nel suo lavoro David ha incarnato le fasi principali dello sviluppo della coscienza estetica della Francia in uno dei periodi più eroici della sua storia, che determina il posto speciale della sua arte nella cultura europea nel complesso.

Tuttavia, David non era solo un famoso pittore. Testimoniare in grande eventi storici, divenne il loro partecipante attivo, una figura di spicco nella dittatura giacobina e nella Convenzione, un rappresentante della monarchia borbonica che schiacciò i Borboni, e il terzo stato, che stabilì il suo potere, che creò il proprio stile artistico, fu il primo maestro eccezionale e di cui Davide divenne il capo.

Il lavoro di David è un'arte indissolubilmente legata a una chiara ideologia, con un desiderio consapevole di creare un nuovo sistema artistico corrispondente alla nuova era.

E sebbene le origini dell'arte di David risalgano al repertorio di forme creative e trame caratteristiche della seconda metà del XVIII secolo, il maestro nella sua nuova versione del classicismo incarna con la massima chiarezza gli ideali civici astratti dell'era del borghese rivoluzione. Allo stesso tempo, fu lui a porre le basi per il realismo del nuovo tempo, principalmente nel ritratto.

Durante la rivoluzione, il lavoro di David si ispira alle idee avanzate del suo tempo, che hanno svolto un ruolo importante. ruolo politico nella storia della Francia. Ispirato da queste idee, David ha servito l'ideale della rivoluzione come cittadino e pittore, dando un esempio dell'unità organica e inseparabile delle attività creative e sociali dell'artista. Quelli anni migliori Nella sua vita, David crea opere che hanno glorificato il suo nome nella storia dell'arte mondiale e, al contrario, vediamo come la sua arte declina dopo la rivoluzione termidoriana.

Fedele alla sua classe, che ha già vissuto un'impennata rivoluzionaria, David rinuncia al suo passato rivoluzionario, e in questa rinuncia emergono i limiti dell'intera rivoluzione nel suo insieme. Essendosi schierato incondizionatamente dalla parte di Napoleone, vedendo in lui il suo nuovo ideale, David, però, cerca invano di realizzare con l'aiuto della sola abilità ciò che poteva essere creato solo dall'ispirazione raccolta dai grandi eventi. E per quanto ci provasse il maestro, il "primo pittore dell'imperatore" non avrebbe mai potuto essere uguale al "primo pittore della rivoluzione".

E, tuttavia, se caratterizziamo tutto il lavoro di David, possiamo farlo con le parole di T. Gauthier, che ha osservato che “David, la cui gloria per un momento fu eclissata da nuvole di polvere sollevate intorno al 1830 dalla battaglia dei romantici e classicisti, vediamo d'ora in poi un maestro che nessuna usurpazione può sminuire.

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L'artista, che nelle sue opere rifletteva tutte le fasi della vita politica francese, fu anche un personaggio pubblico di spicco, partecipando attivamente al movimento rivoluzionario. Il fondatore del neoclassicismo era sensibile a tutti i cambiamenti in atto nella società e la direzione nella pittura che ha tracciato è stata continuata a svilupparsi da nuove generazioni di maestri.

Breve biografia del creatore

Il grande Jacques Louis David, i cui dipinti lo resero famoso, nacque a Parigi nel 1748. All'età di 18 anni entrò all'Accademia delle Arti, dove il suo mentore fu Joseph Marie Vien, pittore famoso all'epoca, ora ingiustamente dimenticato. Instilla nel giovane l'amore per il classicismo e il rococò e pretende il raggiungimento della "verità e grandezza" nelle sue opere. David, che studia attentamente le opere di Michelangelo e Raffaello, sogna di essere in Italia per perfezionarsi nella culla dell'arte rinascimentale. Dopo aver ricevuto un premio come miglior studente dell'Accademia, il giovane artista nel 1775 si recò in un paese ricco di cultura.

In Italia dialoga con gli amanti dell'antichità, che lo fanno conoscere a grandi capolavori, e l'ammirato pittore, che si inchina al talento di geniali scultori e artisti, ammette che "era come se un velo gli fosse caduto dagli occhi". Jacques Louis non sta cercando di imitare le opere di antichi maestri, ma sta cercando la sua strada: “Capisco quanto sia imperfetto il mio stile e sono pronto a fare molto per avvicinarmi alla verità. Devo lottare per raggiungere il livello di Rafael.

Artista e rivoluzionario

Tornato in Francia, valutando criticamente il suo lavoro, Jacques Louis David, i cui dipinti provocano giudizi ambigui nella società, partecipa attivamente al movimento rivoluzionario. Confina con i radicali Robespierre e Marat, vota per la morte del re e poi va in prigione per le sue opinioni.

Quando Napoleone sale al potere, l'ex rivoluzionario prende parte attiva alla vita politica e diventa un ardente ammiratore dell'imperatore, facendo di lui il primo artista di Francia e pittore di corte. Dopo il rovesciamento di Bonaparte, Jacques Louis fuggì a Bruxelles, dove morì nel 1825, lasciando circa 500 studenti.

Espressione del punto di vista dell'autore

L'arte del creatore si è evoluta insieme al suo stile e si è espressa visioni estetiche artista. Ha trasmesso nei suoi dipinti l'essenza degli ideali dell'antica Roma e della Grecia, raccontando il sacrificio di sé e la virtù. L'artista ha rifiutato angoli complessi, un eccesso di dettagli che distrae dall'essenza dell'opera e uno sfondo pittoresco. Come se portasse i suoi personaggi sul palcoscenico teatrale, li dirigeva luce luminosa famoso Jacques Louis David.

Dipinti le cui idee per molto tempo covato dal creatore, è apparso in pace e tranquillità, lontano dal trambusto delle persone. Tutte le immagini antiche non erano eroi lontani per il pittore e la scelta dei soggetti non era soggetta alle tendenze della moda.

Il lavoro che è diventato un punto di svolta nel lavoro del maestro

È interessante parlare delle tele, il cui creatore ha partecipato personalmente alle azioni rivoluzionarie, e nelle sue opere si vede non solo la giustificazione ideologica degli eventi in atto, ma anche il sacrificio che i ribelli hanno pagato. Cosa voleva raccontare Jacques-Louis David, che ha visto con i propri occhi il rovesciamento delle vecchie fondamenta?

Il dipinto "Il giuramento degli Orazi" apparve nel 1784 e pose le basi per un nuovo stile: il classicismo rivoluzionario. Ha portato un successo senza precedenti all'autore, che utilizza molte tecniche caratteristiche della regia.

Storia della sanguinosa battaglia

L'artista racconta ciò che ha preceduto la storica battaglia avvenuta tra i fratelli Orazio di Roma ei Curiazi di Alba Longa, la città principale dell'Unione Italiana, che sta perdendo la sua influenza.

Due insediamenti hanno combattuto per la leadership, ma tale conflitto civile non poteva durare a lungo. Secondo gli storici, la città vittoriosa doveva essere determinata dopo una decisiva battaglia di valorosi guerrieri. In una sanguinosa battaglia sopravvisse uno dei fratelli Orazi e Alba Longa obbedì a tutti i requisiti di Roma. Dopo aver appreso della storica battaglia, Jacques Louis David ha deciso di trasmettere il sentimento di patriottismo dei giovani.

"Giuramento degli Orazi": una descrizione del dipinto

L'autore ha catturato il momento stesso in cui un padre benedice i suoi figli per una battaglia mortale, tendendo loro le spade. Tre fratelli, i cui pensieri sono privi di dubbi e contraddizioni, giurano di proteggere la loro patria. Si rendono conto che possono morire, ma entrano in battaglia, credendo nel trionfo della giustizia. È interessante che gli avversari dei romani siano i loro amici d'infanzia, ma questo fatto non ha impedito agli Orazi di reprimerli. Il grande genio Jacques Louis David, la cui descrizione dei dipinti fa capire allo spettatore quale incredibile talento possedesse, a destra dei coraggiosi guerrieri raffigurava un gruppo di donne in lutto che comprendono l'inevitabilità della perdita dei propri cari.

La madre di gloriosi eroi abbraccia teneramente i suoi nipoti, e proprio lì è seduta la sorella dei fratelli - la sposa di uno degli albanesi, che china la testa davanti alla sorella degli avversari - la moglie di uno degli Orazi. L'artista ha mostrato non solo la disponibilità al sacrificio di sé, ma anche le esperienze personali di donne disperate. Se i fratelli e il padre sono raffigurati come i personaggi principali, lo sono anche la madre e le sorelle personaggi secondari che completano la composizione.

Sullo sfondo, Jacques-Louis David, i cui dipinti riflettono i valori dell'Illuminismo, ha collocato tre archi corrispondenti a gruppi di figure di fratelli, donne e un padre che dà le braccia ai suoi figli.

La luce è diretta sui personaggi principali per mostrare la loro importanza e lo sfondo dell'immagine è ombreggiato per non distogliere l'attenzione dai fratelli pronti alla battaglia. Le donne sofferenti mostrano forti emozioni e gli uomini severi fanno solo il loro dovere.

Tessuto che rafforza lo spirito umano

La linea del classicismo eroico continuò nuovo lavoro pittore, apparso nel 1787. È necessario raccontare del filosofo ingiustamente condannato a morte prima di fare una descrizione del dipinto "Morte di Socrate". Jacques Louis David si interessò al destino antico eroe greco che ha bevuto un veleno con una composizione sconosciuta. Il filosofo, che si era fatto molti nemici e aveva deciso di accettare il proprio destino, fu accusato di "mancare di rispetto agli dei".

Sulla tela, Socrate si rivolge ai suoi studenti con una parola di addio. Una mano è alzata e l'altra raggiunge il vaso del veleno, ma non lo tocca. E questo gesto è considerato fondamentale, crea l'impressione di un tempo fermo e dichiara l'immortalità dello spirito umano, poiché l'insegnante, trascinato dal suo discorso, dimentica che gli resta pochissimo tempo da vivere.

La solennità della scena è data dai personaggi, nei cui movimenti e volti si legge una particolare grandezza, nonché dalla loro collocazione lungo il piano frontale della grandiosa tela, detta geniale. Alla vigilia della rivoluzione, Jacques Louis David, i cui dipinti fanno pensare all'eterno, ha cercato di rafforzare lo spirito dei francesi con un esempio dell'incredibile resistenza di Socrate, accettando la morte.

Nuovo tempo - nuovo stile

L'artista non ha dipinto solo dipinti su soggetti storici, ma ha creato un numero enorme di ritratti che sono conservati in vari musei. L'antenato di una nuova direzione nell'arte ha trasmesso un'abilità unica ai suoi numerosi studenti, tuttavia, lo stile neoclassico è passato di moda molto rapidamente. Dopo il rovesciamento di Napoleone, ricordava troppo i sanguinosi eventi accaduti nella storia della Francia. Fu sostituito da uno stile più morbido che incontrava i gusti delle nuove autorità, lo stile dell'allievo di David, Jean Auguste Ingres.

Nel nostro articolo, abbiamo esaminato la biografia e i dipinti principali di Jacques Louis David (il genio riconosciuto non ha avuto problemi con i nomi: trasmettono chiaramente l'essenza di ogni opera). Si può solo ammirare talento unico genio, la cui officina è diventata una vera e propria culla

Jacques-Louis David: Autoritratto, 1791
64x53
Galleria degli Uffizi, Firenze (Galleria degli Uffizi, Firenze).

Jacques Louis David è considerato il fondatore del neoclassicismo francese. In effetti, nel suo stile pittorico si combinavano tre tendenze: rococò, neoclassicismo e romanticismo. L'artista, già in gioventù, è stato onorato di essere collocato accanto all'eccezionale artista rococò francese Francois Boucher, il creatore dello stile elegante. Gli echi della pittura sensuale e frivola di Boucher sono chiaramente visibili primi lavori David, come, ad esempio, "La battaglia di Marte con Minerva" (1771). Qui la scena della battaglia è sovraccarica di figure di dee nude e putti paffuti, inappropriati sul campo di battaglia.

Battaglia di Minerva e Marte Louvre, Parigi (Musée du Louvre, Parigi) 1771, 114x140

Il neoclassicismo fu una reazione allo stile barocco prevalente all'epoca. Sempre più critici e filosofi hanno esortato gli artisti a rivolgersi a soggetti eroici e morali della storia antica, spostando con essi scene mitologiche frivole e leggere.

Non c'era niente di nuovo o insolito nella rinascita dell'interesse per la cultura classica. Il classicismo dominava i francesi dipinto XVII secolo, Nicolas Poussin (1594-1665) è considerato il fondatore di questa tendenza, da cui David ha preso molto in prestito. Dal punto di vista compositivo, il suo dipinto "San Rocco che prega la Madre di Dio per la guarigione degli afflitti" (1780) ricorda il dipinto di Poussin "L'apparizione della Vergine a San Giacomo" e "La morte di Socrate" (1787) - Poussin's dipinto "Il testamento di Eudemidas".

"San Rocco, pregando la Madre di Dio per la guarigione degli appestati" (1780)

Storie storiche
Molte tele di artisti neoclassici furono dipinte su soggetti tratti dalla storia. Grecia antica e l'antica Roma. Tutto quadri storici David può essere suddiviso in tre categorie: giuramenti, scene sul letto di morte (es. "Morte di Socrate") e scene di battaglia (es. "Leonida alle Termopili", 1814). Giuramenti e morti ebbero particolare successo negli anni ottanta del Settecento, quando questi argomenti furono interpretati da molti alla luce degli eventi politici contemporanei. Tali dipinti erano esempi di devozione, sacrificio di sé, eroismo e alta moralità, e quindi fornivano materiale ideale per propagandisti rivoluzionari. È vero, in quegli anni David a volte dipingeva scene storiche intrise di uno spirito romantico, come, ad esempio, "L'amore di Parigi ed Elena", 1788

Paris and Helena Louvre, Parigi (Musée du Louvre, Parigi) .1788. 144x180

Il neoclassicismo era in gran parte dovuto agli scavi archeologici del 1740 nelle rovine di Pompei ed Ercolano. Oggetti per la casa e decorazioni qui conservati hanno aperto il mondo antico agli artisti. Più entusiasmo persone creative fu riscaldato dai libri dell'archeologo tedesco e conoscitore di antichità antiche Johann Winckelmann (1717-1768), che apparvero presto: l'opera in più volumi Antiquities of Herculaneum, pubblicata dal 1755 al 1792, e The History of Ancient Art (1764 ). Nei suoi studi, Winckelmann ha esortato gli artisti a sforzarsi di creare un ideale di bellezza, basato sugli esempi sopravvissuti dell'arte antica. Questi libri sono diventati cult in tutta Europa.

“Tutta Parigi gioca per la Grecia”, osservava un viaggiatore che in quegli anni visitava la capitale francese, “le signore hanno acconciature greche in testa.

Come mostra il "Ritratto di Madame Recamier", dipinto da David nel 1800, la moda dello "stile greco" persistette fino alla fine del XVIII secolo e servì da fonte per la creazione di un altro stile: l'Impero, che fiorì durante il regno di Napoleone.

Nei dipinti degli aderenti allo "stile greco", la nuova moda si manifestava in dettagli architettonici non sempre appropriati, dipinti come nature morte "antiche". Anche l'incallito sostenitore delle teorie di Winckelmann, l'insegnante di David, Joseph-Marie Vienne, non sfuggì a questa tentazione. Articoli simili possono essere trovati su primi dipinti David - ad esempio, sulla tela Antioco e Stratonika (1774) o Belisario (1781). L'occhio dello spettatore è costantemente distratto dalla trama principale dai numerosi dettagli di cui è satura la composizione.

David Jacques Louis - Antioco e Stratonic 1774. Scuola di Belle Arti, Parigi.

Ma dopo qualche anno tutto cambia. Se ci rivolgiamo a dipinti dell'artista come, diciamo, Il giuramento degli Orazi (1784) o La morte di Socrate (1787), possiamo vedere che la composizione è diventata più leggera e sobria.

Questo è il dipinto più famoso di David. Riflette tutte le caratteristiche stilistiche dell'artista. Ci sono anche tracce del modo classico di Poussin con la sua predilezione per i gesti espressivi teatrali e la ricreazione di un'atmosfera antica. La trama dell'immagine è tratta da un'antica leggenda risalente al VII secolo a.C. A quel tempo, Roma era in guerra con città vicina Alba Longa, ed è stato annunciato che un duello tra tre fratelli romani della famiglia degli Orazi e tre fratelli Curiazi di Alba Longa dovrebbe risolvere il conflitto. Queste famiglie dovevano sposarsi, quindi inizialmente era chiaro che non potevano esserci vincitori in una simile battaglia. Dopo la battaglia, solo uno dei fratelli Orazi sopravvisse, ma, tornato a casa trionfante, fu maledetto dalla propria sorella per l'assassinio del suo fidanzato, uno dei fratelli Curiazi. Infuriato, ha pugnalato sua sorella, per la quale è stato condannato a morte (ma poi graziato).
All'inizio, l'Orazio di Corneille fu una fonte d'ispirazione per David, ma non c'era nessuna scena del giuramento. David ha preso in prestito i dettagli del giuramento militare da Poussin, e l'idea stessa del giuramento è stata apparentemente presa dall'artista dalla leggenda di Bruto.

Il cambiamento avvenne dopo il soggiorno di David in Italia (1775-80), fu allora che l'artista decise di eliminare i dettagli che interferivano con l'idea principale. Come disse in seguito ai suoi studenti, "a volte qualcosa di barbaro irrompeva nel mio gusto, nei pensieri, persino nel comportamento, qualcosa a cui dovevo rinunciare se volevo ottenere profondità e trasparenza nei miei dipinti". Un ruolo importante qui è stato svolto non solo dalla conoscenza arte antica, ma anche lo studio dell'artista sulle opere dei maestri del Rinascimento italiano, in primo luogo Raffaello e Caravaggio. "Mi sento come se mi avessero tolto una cataratta. Un velo è caduto dai miei occhi, e ora capisco quanto debole e imperfetto il mio stile sia basato su falsi principi, e quanto devo fare per avvicinarmi allo scintillante verità Copiare ciecamente la natura mi sembra un'occupazione indegna e volgare, bisogna tendere più in alto, al livello degli antichi maestri e di Raffaello ... "

Si può considerare il successo di Jacques Louis David che è riuscito a trasmettere nelle sue opere l'essenza stessa degli ideali etici dell'antica Grecia e di Roma: virtù, eroismo, sacrificio di sé. Per evidenziare l'idea, l'artista ha rifiutato angoli complessi e vari trucchi con la prospettiva, da un eccesso di dettagli architettonici e mobili. A poco a poco, David ha ridotto al minimo il numero di figure nelle sue composizioni, abbandonando lo sfondo pittoresco. Ha concluso ciò che stava accadendo nella foto a somiglianza di una scatola teatrale, e sembrava condurre i personaggi sulla rampa.

Maggior parte capolavori famosi David, relativi al corso del neoclassicismo, furono da lui scritti negli anni Ottanta del Settecento. Winkelman lo ha notato grande immagine puoi scrivere solo in pace e tranquillità, lontano dal clamore mondano. Fu in tali condizioni che David lavorò a La morte di Socrate e Il giuramento degli Orazi.

Con l'inizio della Rivoluzione francese, l'artista si rivolse a eventi turbolenti, che influenzarono radicalmente i suoi modi. Ora, essendo andato a capofitto in politica, David scrisse frettolosamente, con entusiasmo, elementi apparsi nelle sue opere che rendevano le tele dell'artista legate alla tendenza emergente nella pittura, che in seguito sarebbe stata chiamata romanticismo.

Segni di romanticismo sono particolarmente evidenti nel dipinto "Napoleone al passo del San Bernardo" (1800), dove il mantello del conquistatore svolazza al vento, e nel disegno preliminare a penna e inchiostro per il dipinto "Il giuramento nella sala da ballo" ( 1791), dove le tende mosse dal vento sottolineano lo stato eccitato dei ribelli-rivoluzionari.

Lo stile neoclassico che glorificò David con la caduta di Napoleone passò molto rapidamente di moda - ovviamente, era troppo fortemente associato ai sanguinosi eventi della rivoluzione. Fu sostituito da uno stile più morbido che soddisfaceva le esigenze del grande pubblico, Ingres, allievo di David.

Rivoluzionario
Le opinioni di David sulla pittura erano mutevoli quanto le sue inclinazioni politiche. Iniziando come seguace dello stile rococò, dopo cinque anni trascorsi in Italia, prese la posizione di una nuova tendenza chiamata neoclassicismo. Verso la fine della sua vita, l'ex artista rivoluzionario torna di nuovo sulle scene zuccherine da cui ha iniziato la sua carriera. Ma dopo tele come "Il giuramento degli Orazi" o "I littori portano i corpi dei suoi figli giustiziati a Bruto", che glorificavano David, i suoi ultimi dipinti sembravano ridicoli.

Questo dipinto continua il tema iniziato da David nel Giuramento degli Orazi, il conflitto tra interessi pubblici e privati. Bruto, il fondatore della Repubblica Romana, decise di espellere la famiglia reale da Roma, ma i suoi figli si schierarono dalla parte del potere reale. Bruto ha fatto una scelta difficile: ha condannato a morte i suoi figli. In quegli anni in cui David dipinse questo quadro, una scena del genere non era considerata se non come un appello al rovesciamento della monarchia.

Il lavoro di David è caratterizzato da fondamenti realistici, forza drammatica, determinazione ideologica, particolarmente pronunciata durante gli anni della Rivoluzione francese, nonché dal desiderio di catturare l'attualità del nostro tempo. Ha trasmesso la sua abilità un numero enorme discepoli, tanto che Delacroix, rendendo omaggio a Davide, lo chiamò l'antenato di tutti nuova scuola pittura e scultura.