L’avanguardia russa è un movimento complesso, eterogeneo e contraddittorio sviluppatosi in Russia dal 1910 al 1932. e comprendeva molti movimenti astratti, non figurativi e arte non oggettiva. Vale la pena notare che è nato sotto l'influenza Cubismo francese e Fauvismo, Futurismo italiano e Espressionismo tedesco, avendo poi, a sua volta, un impatto enorme e largamente determinante su tutta l’arte del modernismo occidentale e delle avanguardie.
Cubofuturismo
L'evoluzione dell'avanguardia russa ci permette di distinguere grosso modo in essa tre periodi. Il primo si verifica nel 1910-1915. ed è conosciuto con il nome Cubofuturismo. La seconda dura dalla fine del 1915 al 1924 e segna il periodo di massimo splendore, la massima ascesa dell'avanguardia. Si è aggiunto in questi anni al cubo-futurismo suprematismo costruttivismo produzione arte e altre correnti. Il terzo periodo va dal 1925 al 1932, quando l'avanguardia si estende a tutti i tipi di arte. tuttavia, in generale, progressivamente svanisce e nel 1932, a causa dello scioglimento di tutte le associazioni indipendenti, cessa di esistere.
La formazione dell'avanguardia russa avviene sullo sfondo di una vita artistica eccezionalmente intensa - sia interna che esterna - che la Russia conduce dalla fine del secolo scorso. In questi anni vengono organizzate numerose mostre sulle ultime tendenze dell'arte straniera. Molti artisti russi fanno pellegrinaggi a Parigi e in altri centri occidentali.
A Monaco apparve il gruppo “Blue Rider” (1911), nel quale parteciparono attivamente artisti russi (V. Kandinsky, M. Verevkina, A. Yavlensky). Nella stessa Russia esiste una grande varietà di movimenti artistici. Il posto centrale è "Mondo dell'arte", unendo i sostenitori di più stili diversi- dall'antico russo al simbolismo. Alla sua destra ci sono i sostenitori del realismo degli Itineranti. A sinistra ci sono le correnti del modernismo, e a sinistra di esse c’è l’avanguardia emergente.
I principali centri di formazione dell'avanguardia russa furono l '"Unione della Gioventù" di San Pietroburgo (1909-1917) e il "Fante di quadri" di Mosca (1910-1916), che comprendeva molti futuri artisti d'avanguardia: N.I. Altman, V.D. e D.D. Burliuki, K.S. Malevich, V.E. Tatlin, P.N. Filonov, M.Z. Chagall, A.A. Esterno. La prima vera associazione d'avanguardia fu Gileya, fondata nel 1912 da D. Burdyuk, che comprendeva alcuni dei suddetti, così come i poeti V.V. Majakovskij. V. Khlebnikov. A.E. Contorto.
A differenza dell'Occidente, l'avanguardia russa è stata in grado di unire cubismo e futurismo nel cubo-futurismo, e al suo interno pittori, poeti e critici, tra i quali i poeti hanno dato il tono. Loro basi ideologiche ed estetiche comuni c'era una premonizione di shock imminenti e inevitabili. il cui risultato sarà la nascita di un nuovo mondo e di una nuova umanità. Hanno visto il loro compito in azioni attive che avvicinano questi eventi. Da qui la distruzione o la bizzarra mescolanza di generi e stili tradizionali, la negazione gusto estetico, il desiderio dei futuristi di isolare la lingua madre nella sua forma pura, liberandola da significati e significati generalmente accettati, da tutto ciò che la collega con il vecchio mondo, o di creare una lingua completamente nuova, "astrusa" - con nuove parole, grammatica e sintassi.
Le figure principali cubo-futurismo nella poesia c'erano V.V. Mayakovsky (1893-1930) e V. Khlebnikov (1885-1922) Il primo lanciò un "attacco" all'arte classica tradizionale, così come ai movimenti contemporanei del modernismo - simbolismo e acmeismo, sebbene avesse una certa influenza da A. Blok e A. Bianco. Vale la pena notare che fu uno dei riformatori più decisivi del linguaggio fiscale.
Il suo nuovo linguaggio si distingue per la sua brillante espressività, è pieno di profondo dramma, potente energia e forte dinamismo, e ha una struttura grafica originale grazie all'uso di “colonna” e “scala”. Proclamando la dittatura della forma, V. Mayakovsky ha cercato di riempire le sue opere con contenuti e significati di vita rilevanti. Nelle poesie del periodo pre-ottobre - "Cloud in Pants", "Spine Flute", ecc. - il poeta espresse il suo completo rifiuto del vecchio mondo. Dopo la rivoluzione, i temi e i generi dell’opera di V. Mayakovsky si espansero in modo significativo. Nella commedia "Mystery-bouffe" dà "eroico, epico e immagine satirica della nostra epoca." Vale la pena notare che crea anche poesie liriche "I Love", "About ϶ᴛᴏ", poesie "Buona attitudine verso i cavalli", ecc. V. Mayakovsky ha avuto una grande influenza sulla poesia domestica e mondiale.
V. Khlebnikov divenne uno dei riformatori più radicali del linguaggio fiscale. Ha mostrato ugualmente un'irresistibile passione per la sperimentazione. Vale la pena notare che era anche un ardente sostenitore della massima convergenza tra scienza e poesia, vedendo in questo modo la possibilità di creare una “nuova mitologia” e un “superlinguaggio” dell'uomo futuro.
A questa cosa nuova; al “superlinguaggio” superrazionale, “assorbito” egli passò attraverso la distruzione del verso classico, attraverso il rifiuto del concetto verbale razionale, schiacciandolo in elementi costitutivi, dotato di un vago significato figurato, e ne compose nuove parole. Risultati specifici I suoi esperimenti includevano le poesie "L'incantesimo della risata" e "Lubho".
V. Khlebnikov aveva grandi speranze e presentimenti di una “nuova coscienza cosmica”. Come nessun altro, è andato ben oltre la poesia e l’arte, sviluppando l’idea di una riorganizzazione globale del mondo. Questo lato del suo lavoro ha trovato espressione nel libro "Il tempo è la misura del mondo", così come nelle opere "Marchand Trumpet", "Swans of the Future". Come A. Blok, V. Khlebnikov considerava la rivoluzione come una punizione storica per il passato e una svolta verso una riorganizzazione radicale dell'Universo su nuovi principi. Vale la pena notare che sognava che nel futuro nuovo mondo sarebbe stata stabilita una fratellanza globale di persone e sarebbe stata ripristinata l'armonia delle persone con la natura. Il poeta ha espresso le sue idee sul mondo futuro nella poesia "Ladomir".
Vale la pena notare che V. Khlebnikov ha assegnato al poeta un ruolo speciale nella ricostruzione del mondo. Vale la pena notare che egli definiva questo ruolo messianico, salvifico. Vedeva il poeta come una sorta di veggente, che apriva la strada alla padronanza delle "leggi del tempo" numeriche. V. Khlebnikov ha avuto una grande influenza sulla poesia mondiale.
In connessione con il primo periodo dell'avanguardia russa, è estremamente importante evidenziare il lavoro di V.V. Kandinsky (1866-1944), M.Z. Chagall (1887-1985), P.N. Filonova (1883-1941)
V. Kandinskij sviluppa una versione diversa della pittura non figurativa dal cubo-futurismo, ispirandosi all'espressionismo e definendola astratta. Ha delineato la sua comprensione di tale pittura nella sua opera “Sulla spiritualità nell’arte” (1911).Cercando di trovare “nuove forme” che siano “eterne” e “pure”, per rivelare il “linguaggio puro” della pittura, Kandinsky fa non osare espellere completamente il soggetto da esso, considerando che ϶ᴛᴏ porterebbe al suo impoverimento mezzi espressivi, poiché “la bellezza del colore e della forma... non è un obiettivo sufficiente dell’arte”.
Le componenti principali del suo lavoro saranno: l'idea di una sintesi delle arti, secondo la quale la pittura dovrebbe contenere il dato e inizio musicale, poesia - musicale e pittoresca, musica - pittoresca; il primato della spiritualità nell'arte; infine, la ricerca di nuovi mezzi espressivi, tra i quali un ruolo speciale è dato alla macchia di colore, alla linea e all'ornamento decorativo.
Il contenuto delle opere di Kandinsky sarà il tema filosofico e religioso di Cristo, l'Apocalisse, il crollo del vecchio mondo e la nascita di uno nuovo, la lotta tra le forze della luce e quelle oscure, ecc., Dove il bene sconfigge il male. Vale la pena notare che preferisce chiamare le sue opere “improvvisazioni” e “composizioni”.
M.Chagall inoltre non rompe con la pittura tradizionale, unendola al neoprimitivismo e all'espressionismo, essendo influenzato dal cubismo, dal futurismo e dal surrealismo. I suoi dipinti luminosi, colorati, fantastici, al limite dell'assurdo - "Io e il villaggio", "Sopra la città", ecc. - sono spesso ispirati a temi e trame bibliche e raffigurano la vita di tutti i giorni.
P.Filonov in questa “arte analitica” sviluppa un'originale teoria della “forma organica”. Influenzato dall'Espressionismo e dal Cubo-Futurismo e utilizzando il linguaggio delle forme geometriche, non abbandona nemmeno il figurativo. La novità del suo metodo sta essenzialmente nel fatto che gli elementi e le forme che compongono i suoi dipinti sono organicamente dipendenti l'uno dall'altro, sembrano “crescere” l'uno dall'altro. Nelle loro opere - "Flowers of World Bloom", "Man in the World", ecc. - l'artista lo rende visibile. ciò che di solito rimane invisibile: germinazione, crescita, fioritura e avvizzimento.
Suprematismo
Secondo periodo dell'avanguardia russa inizia nel dicembre 1915 - insieme alla mostra “Zero-Ten” tenutasi a Pietrogrado, nella quale fu mostrato il famoso “Quadrato nero su sfondo bianco” di K. Malevich, a significare l'emergere di un nuovo movimento - Suprematismo, a cui si unì la maggior parte dei cubo-futuristi: I. Klyun, I. Puni. L. Popova, N. Udaltsova, A. Exter e altri.
Suprematismo K. Malevich (1878-1935) divenne un punto di svolta nell'evoluzione delle avanguardie, comprese quelle straniere. L'artista rivela l'originalità del nuovo movimento nella sua opera “Dal cubismo e futurismo al suprematismo” (1916): ciò che i cubofuguri e Kandinsky non osarono fare, Malevich lo fa senza esitazione, liberando la pittura da soggetto, trama, significato e contenuto. . Vale la pena notare che egli definisce il Suprematismo come “assoluto”, “puro”, “creatività non oggettiva”, “pura arte pittorica dei colori”, “creatività di forme pittoriche autosufficienti”.
Malevich osserva che la società non ha mai considerato la pittura come tale, l’ha sempre vista esclusivamente come un mezzo per rappresentare il mondo circostante e ripetere la natura. Ogni tentativo di identificare e approvare la plasticità puramente pittorica venne punito dall'opinione pubblica. Malevich ritiene acutamente che l'arte sia in ritardo rispetto al rapido progresso della scienza e della tecnologia. Vale la pena notare che crede che in questa fase la creazione di forme plastiche puramente pittoriche senza trama e senza oggetto diventi l'obiettivo principale e unico.
Lo scopo degli artisti moderni è quello di inventare “forme-segno” completamente nuove e le preoccupazioni sull’oggettività e sul buon senso dovrebbero essere affidate alla fotografia e al cinema. Queste forme non dovrebbero ripetere cose già esistenti, ma nascere dal nulla. La loro unica fonte sarà la creatività e la volontà creativa. Malevich ritiene che la creatività dovrebbe generalmente soppiantare il lavoro, che gli sembra una reliquia del vecchio mondo. Vale la pena notare che egli proclama “il primato del colore sulla cosa”. Per lui, la cosa più preziosa nella pittura sta nel colore e nella consistenza. Vede in lui un'essenza pittoresca, che in passato è sempre stata uccisa dalla trama. Vale la pena notare che egli invita a privare la forma del significato e del contenuto.
Rifiutando il realismo del vecchio mondo, sforzandosi di essere assolutamente moderno e creare qualcosa di completamente nuovo, Malevich chiama tuttavia la sua arte prima "realismo astruso", poi "realismo cubo-futuristico", ecc. infine, nella fase del Suprematismo - "nuovo realismo pittorico", o "realismo del pittoresco".
La sua creatività si basa principalmente sull'intuizione. Allo stesso tempo, non lo contrappone alla comprensione razionale. Malevich osserva che “nell’arte hai bisogno della verità, ma non della sincerità”. A questo proposito, Suprematismo significa non solo superiorità su tutta l'arte precedente, ma anche elevazione al di sopra dell'opposizione tra razionale e irrazionale.
L'evoluzione del Suprematismo nella pittura fu fugace - solo quattro anni (1915-1919), anche se a volte si distinguono tre periodi: “nero”, “colore” e “bianco”. I primi due - “nero” e “colore” - si sviluppano in parallelo, coprendo circa due anni (1916-1917). Il simbolo del “periodo colore” è il “Quadrato Rosso”, che, a differenza del “Quadrato Nero”, contiene più movimento e tensione. In generale, entrambi i quadrati incarnano il movimento nello spazio suprematista, che sarà uno spazio infinito e cosmico, dove non ci sono su e giù, né punti di riferimento, per cui il movimento stesso è difficile da distinguere, appare come “riposo dinamico”. In questo contesto, il Suprematismo può essere definito come “pittura dello spazio”. Lo stesso Malevich si definiva anche “presidente dello spazio”.
Il “Periodo Bianco” copre circa tre anni (1917-1919), durante i quali le variazioni della croce occupano un posto significativo nell’opera di Manevich. Già chiamava il “Quadrato Nero” un'“icona”, indicando così la presenza di un motivo religioso in quest'arte. Con l'apparizione della croce questo motivo si intensifica ancora di più. Allo stesso tempo, Malevich sperimenta piani pittorici che scompaiono ed emergono, esplorando i limiti stessi dell’esistenza della pittura, e infine crea “ Quadrato bianco su fondo bianco" (1918), indicando l'assoluta liberazione del colore e la completa dissoluzione della forma.
In quest'opera la tendenza proveniente dagli impressionisti e da P. Cezanne raggiunge davvero il suo obiettivo il punto più alto, dopo di che il passo successivo per la pittura sarebbe un movimento nell '"abisso bianco", nel "bianco infinito", nell'oblio. Malevich fa un altro passo. abbandonando la pittura a favore di riflessioni filosofiche e teoriche, credendo che in questa fase del Suprematismo la questione della pittura scompaia, che “la pittura sia da tempo obsoleta e l’artista stesso sia un pregiudizio del passato”.
Spiega anche il suo raffreddamento nei confronti della pittura con il fatto che “non puoi ottenere con un pennello quello che puoi ottenere con una penna”. Nell’opera di Malevich “Sui nuovi sistemi nell’arte” (1919) e in altre, il Suprematismo va oltre la pittura e diventa la filosofia della modernità, “pura conoscenza”, “l’inizio nuova cultura" Malevich sta sviluppando attivamente l'idea di sintesi di tutte le forme di attività intellettuale e spirituale: arte, scienza, filosofia e religione. Il suprematismo agisce contemporaneamente sia come forma di conoscenza oggettiva che come metodo di riorganizzazione del mondo. Vale la pena notare che supera i limiti dell'arte e si sviluppa in un tipo universale di attività umana, in un modo globale di creazione e organizzazione della vita.
Malevich non ha dubbi che “la natura sarà sconfitta”, che tutti i paesi e l’intero globo saranno ricostruiti. L'allontanamento di Malevich dalla pittura non fu sostenuto dai suoi seguaci. Vale la pena notare che si ritrova isolato e lascia Mosca per Vitebsk, dove organizza il gruppo “Unovis” (Conferma i gel della nuova arte, 1920-1922), che comprendeva L. Lisitsky, N. Sudanin. I. Chashkin, assumendo la posizione del "suprematismo utilitaristico", che significava una variante del costruttivismo.
Un po' prima del Suprematismo, ma nello stesso 1915, sorse MLK(Circolo Linguistico di Mosca), e un anno dopo - OPOYAZ(Società per lo studio della lingua disciplinare), i cui membri - R. Yakobson, V. Shklovsky, Yu. Tynyanov e altri - formano quella che veniva chiamata "Russo scuola formale» nella critica letteraria, che si unì attivamente alla ricerca futuristica della pura “sottomissione” e della “letterarietà”.
Non dobbiamo dimenticare che per l'evoluzione dell'avanguardia russa furono importanti gli eventi del 1917. La stragrande maggioranza degli artisti d'avanguardia accettò con entusiasmo la Rivoluzione d'Ottobre, sperando sinceramente con il suo aiuto di realizzare grandiose utopie. In cui, nuovo governo aveva bisogno del sostegno dell’intellighenzia più attiva e dalla mentalità rivoluzionaria.
Allo stesso tempo, l’alleanza risultante si è rivelata piuttosto fragile fin dall’inizio. poiché gli obiettivi perseguiti dai partiti e i metodi per raggiungerli differivano notevolmente, a seguito dei quali la tendenza verso forme estetiche pure nelle avanguardie cominciò gradualmente a indebolirsi, e quella pragmatica e utilitaristica cominciò ad intensificarsi. Tutto ciò alla fine portò alla trasformazione del Suprematismo in due movimenti: Costruttivismo E arte produttiva, che erano reciprocamente intrecciati e spesso trasformati l'uno nell'altro.
Costruttivismo
Come una tendenza speciale Costruttivismo prese forma all'inizio del 1921, ma la sua nascita vera e propria avvenne prima e fu associata all'opera di V.E. Tatlin(1885-1953), che è la figura principale di questo movimento. Come artista originale si presentò con una serie di rilievi e controrilievi (1914-1916), realizzati sotto l'influenza del cubismo francese, che però presentavano una differenza significativa: non avevano nulla di mimetico, non si relazionavano in alcun modo con oggetti reali e sono stati costruiti da forme geometriche pure.
I rilievi di Tatlin avevano per la scultura più o meno lo stesso significato del Suprematismo di Malevich per la pittura. Vale la pena notare che esprimono l'essenza del costruttivismo, in cui le tradizionali categorie di forma e contenuto lasciano il posto ai concetti di materiale e struttura. La forma rimane la stessa, ma assume una natura diversa. Nei controrilievi nasce dallo spazio e dal tempo. La forma si avvicina e praticamente coincide con il disegno.
Secondo Tatlin, i valori estetici nascono non da una forma inventata nella testa dell’artista, ma “da materiali reali nello spazio reale”. L'opera costruttivista più famosa di Tatlin sarà il progetto del monumento alla Terza Internazionale, la sua famosa “Torre”. Un'opera d'arte industriale altrettanto famosa fu la "air bike" "Letatlin" da lui costruita, che divenne un'incarnazione unica di famoso mito su Icaro. Oltre a Tatlin, N. Gabo e L. Lisipky lavorano con successo nel costruttivismo. A. Pevzner, A. Rodchenko.
Il suprematismo e il costruttivismo presentano sia somiglianze che differenze significative. Vale la pena notare che rifiutano l'arte intesa come immagine, riflessione o ripetizione della vita. Vedono l'essenza dell'arte nella creazione. Vale la pena notare che rappresentano l'arte, che diventa la vita stessa. La bellezza per loro non è l'obiettivo principale dell'arte. Allo stesso modo, entrambi sostengono una sintesi delle arti. A questo proposito, la “Torre” di Tatlin rappresenta una sintesi organica di principi architettonici, scultorei e pittorici.
Con tutto ciò, il costruttivismo non limita la vita dell'arte alla sola vita delle forme pure, ma la considera in un senso più ampio. In quanto tale, la definizione di forma pura non gli è accettabile, così come non gli è accettabile il concetto di non-oggettività. Il costruttivismo vede la forma attraverso il prisma del design, della convenienza e dello scopo utilitaristico. Il criterio della qualità di una progettazione è l'opportunità, riscontrata attraverso le modalità dell'art. Gli elementi plastici nel costruttivismo sono combinati in uno scopo forme diverse, da cui nascono cose nuove e nuova oggettività.
Il costruttivismo non ha paura di contaminarsi risolvendo problemi pratici e utilitaristici. Al contrario, è in questo che vede il suo compito principale. Tatlin chiama questa creatività “lavoro visivo”. Di tutta l’arte precedente, ritiene possibile preservare solo una “abilità”, cioè competenze e abilità necessarie per un vero maestro. Tatlin aveva una sensibilità sorprendentemente sottile per il materiale, non da un punto di vista estetico o pittorico, ma come un maestro che aveva bisogno di creare qualcosa con questo materiale. L'arte nel costruttivismo appare non tanto come una creazione, ma come un'invenzione. Vale la pena notare che rappresenta una sintesi di arte, scienza e tecnologia. Le origini del design moderno affondano le loro radici nel costruttivismo.
Arte produttiva
Riguardo arte produttiva,è difficile identificarne la figura principale. Questa tendenza ebbe inizio con le pubblicazioni sull’avveniristico settimanale “L’Arte della Comune”, pubblicato dal dicembre 1918 al maggio 1919. Idee simili furono poi sviluppate dal gruppo SINISTRA(1922-1929) e le riviste “LEF” (1923-1925) e “New LEF” (1927-1928) pubblicate da V. Mayakovsky.L'arte industriale cercava di implementare praticamente i risultati degli esperimenti formali e degli sviluppi di laboratorio del costruttivismo.
È importante capire che è apparso in forme specifiche come la decorazione festiva di strade e piazze, grafica e manifesti, collage e fotomontaggi, modellazione di abiti sportivi e da lavoro, pittura su stoffa, ecc. Oltre ai costruttivisti sopra menzionati, vi lavorarono attivamente N. Altman, A. Gan, G. Klutsis, K. Medunetsky e i fratelli Stenberg. I.Chashnik et al.
Centri educativi e scientifici come GINKHUK (1921-1926), INKHUK (1920-1922), VKHUTEMAS-VHUTEIN (1920-1930) hanno svolto un ruolo importante nel destino dell'avanguardia russa.
Durante il secondo periodo, l'avanguardia abbracciò la maggior parte delle forme d'arte, tra cui Teatro, dove divennero le sue guide V.E. Meyerhold(1874-1940) e A .IO. Tairov(1826-1950) Quest'ultimo mise in scena “Salome” di O. Wilde (1917) con scene e costumi cubo-futuristici e suprematisti di A. Exter, il primo mise in scena “Mystery-bouffe” di Mayakovsky con scene e costumi di Malevich e “The Generous Cuckold” di Crommelynck (1922), dove al posto delle decorazioni furono utilizzate installazioni ludiche costruttiviste di L. Popova e V. Stepanova.
Nel 1923, K. Zelinsky, I. Selvinsky e A. Chicherin annunciarono l'emergere di un movimento costruttivista in letteratura, che fu poi formalizzato in Centro Letterario costruttivisti (1924-1930) Interessanti e originali esperimenti nel cinema documentario sono condotti da D. Vertov.
Il terzo periodo dell'evoluzione dell'avanguardia è segnato dalla sua espansione in architettura, dove domina il costruttivismo, basato sulle idee dell'architettura suprematista di Malevich, da lui avanzate all'inizio degli anni '20; così come sui “Prouns” di Lissitzky (progetti di approvazione del nuovo), che iniziò a sviluppare nel 1919 e che saranno composizioni di forme geometriche capaci di trasformarsi in spazi multidimensionali. L'architettura d'avanguardia è rappresentata da A. Vesnin, N. Gabe, M. Ginzburg, K. Melnikov e altri.
Al cinema S.M. Eisenstein(1898-1948) mise in scena il famoso film “La corazzata Potemkin” (1925) Nel 1927 si formò un gruppo letterario e teatrale OBERIU(Association of Real Art), che comprendeva A. Vvedensky, N. Zabolotsky, D. Kharms e altri, che proclamarono l'alogismo, l'assurdità e il grottesco come i mezzi principali del nuovo linguaggio soggetto. Con tutto ciò, lo spirito innovativo e l’impulso creativo delle avanguardie si stanno sempre più indebolendo. Nel 1925, un gruppo di diplomati del VKHUTEMAS - Yu Annenkov. A. Deineka, Yu. Pimenov e altri - formano la OST (Società dei pittori da cavalletto) e dichiarano il loro rifiuto dell'arte non oggettiva. All'inizio degli anni '30. Anche Malevich ritorna alla pittura figurativa. Nel 1928 Mayakovsky smise di pubblicare la rivista "New LEF" e un anno dopo la stessa LEF scomparve. Infine, nel 1932, tutti i gruppi e le associazioni indipendenti furono sciolti e l’avanguardia russa cessò di esistere.
Modernismo ha espresso abbastanza pienamente il desiderio dell'arte per la conoscenza di sé, per la pura ricerca estetica e la sperimentazione. Vale la pena notare che rompe con il passato e la tradizione, ma è in contrasto con il presente, in cui vede troppa prosa e poca poesia. Da qui la sua asocialità, che spesso arriva al punto dell'antisocialità. Il materiale è stato pubblicato su http://site
La stessa dualità si osserva nel suo rapporto con la scienza: nei suoi esperimenti utilizza alcune delle sue conquiste, ma allo stesso tempo - nello spirito di Nietzsche - la percepisce come una minaccia e un pericolo per l'arte. C’è molta malinconia ed estetismo nel modernismo. è segnato dalla decadenza. Tutto ha indebolito il suo impulso creativo. L'avanguardia in questo senso è andata molto oltre, ma non completamente.
Era una continuazione e lo stadio più alto del modernismo e dell'avanguardia occidentale, che a sua volta divenne una logica continuazione dell'intera precedente evoluzione della cultura e della civiltà occidentale. Era l’avanguardia russa ad essere destinata a portare alla sua logica conclusione ciò che il modernismo e l’avanguardia occidentali avevano iniziato. Vale la pena notare che è caratterizzato da una scala, una profondità e una radicalità senza precedenti. Ciò è stato in gran parte facilitato dalle condizioni storiche prevalenti della Russia rivoluzionaria, nonché da alcune caratteristiche della cultura russa, ad esempio fenomeni come il cosmismo.
L’avanguardia russa rompe in modo molto più radicale con l’estetica e l’arte tradizionali, creando un’arte che si avvicina alla creazione pura e assoluta. In tale arte l'artista non ha più bisogno di alcun modello esterno, sia esso una persona, la natura o qualsiasi oggetto. Vale la pena notare che non imita nulla, non copia nulla, ma mostra la capacità di creare sulla base di alcuni elementi primari, principi o, come Dio, dal nulla.
L’avanguardia russa ha realizzato pienamente il desiderio del modernismo occidentale e dell’avanguardia di sperimentare e cercare qualcosa di nuovo. Ciò è stato facilitato dal fatto che ha accettato incondizionatamente la scienza moderna, i cui risultati rivoluzionari sono diventati per lui un esempio stimolante nelle sue ricerche creative.
È andato oltre i limiti nella massima misura stile artistico e divenne una vera filosofia del nuovo mondo, il percorso che vedeva in una rottura radicale con il passato. Vale la pena notare che è tutto rivolto al futuro, e il suo futurismo si basa sulla fede, proveniente dall'Illuminismo, nella capacità illimitata dell'uomo di rifare non solo l'arte e la società, ma anche l'intero Universo. Per questo, l'avanguardia russa era pronta a sacrificarsi, a dissolversi nella futura unità mondiale, in cui ci sarebbe stata una sintesi di tutte le arti e la loro fusione con la vita.
Nel principale e più significativo, sia in termini teorici che pratici – l’avanguardia russa ha esaurito il concetto di arte come creazione assoluta. Pertanto, il neomodernismo del dopoguerra degli anni 50-70. - con tutti i numerosi movimenti che in esso sorsero - non riuscì più ad aggiungere nulla di veramente nuovo e originale.
Avanguardia come movimento concettuale nell'arte e nella cultura Europa occidentale, sorto tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. È generalmente accettato che il periodo più attivo di sviluppo delle avanguardie nella pittura, letteratura, musica, teatro, cinema e architettura cada nel periodo 1870-1938.
Le opere dei filosofi tedeschi, apparse alla fine del XIX secolo, richiedevano una revisione dei concetti filosofici, estetici e culturali consolidati nella cultura occidentale e l'emergere di nuove forme di autoespressione in vari campi arte. In questo processo hanno svolto un ruolo particolarmente importante le opere di Friedrich Nietzsche e Oswald Spengler, che hanno messo in discussione i valori tradizionali del mondo borghese dell’Europa occidentale e hanno ripensato lo scopo dell’uomo e della cultura.
Avanguardia russa
In russo cultura artistica All'inizio del XX secolo, l'emergere dell'arte d'avanguardia portò alla creazione di varie scuole nelle arti visive, musicali, teatrali e nell'architettura.
L'avanguardia russa dell'inizio del XX secolo era un'associazione di rappresentanti delle idee di sinistra. I principali centri dell'avanguardia russa si formarono a San Pietroburgo e Mosca, considerati centri culturali Impero russo. A San Pietroburgo nel 1909-1917 esisteva una "Unione della Gioventù", e a Mosca i movimenti d'avanguardia erano uniti dalla società "Fante di quadri", che esisteva dal 1910 al 1916. Molti fondatori dei futuri movimenti artistici mondiali russi provenivano da queste associazioni. I fratelli V. e D. Burliuk, che hanno creato nuovi concetti nella letteratura, Kazemir Malevich, che ha aperto un'intera direzione nelle belle arti con il suo "Quadrato nero". Nella musica, nuove tendenze di tipo d'avanguardia furono proposte da A. Scriabin, I. Stravinsky e D. Shestakovich.
Gli avanguardisti dichiararono una nuova estetica che, a loro avviso, era più coerente con l'emergere di un nuovo mondo e di un nuovo uomo. La rivoluzione del 1917 influenzò notevolmente gli artisti d'avanguardia in Russia, che crearono un movimento speciale nell'arte: il cubo-futurismo, che unì artisti e poeti, tra i quali vale la pena menzionare V. Khdebnikov, V. Mayakovsky, A. Kruchenykh, V. Kandinskij. M. Chagall, P. Filonov. Aspettavano la nascita di un nuovo mondo e lo riflettevano con l'aiuto dei loro strumenti artistici.
Velemir Khlebnikov nelle sue poesie annunciò l'imminente nuova coscienza cosmica e sognò la ricostruzione del mondo, che iniziò con la creazione di un nuovo linguaggio letterario nella poesia.
Un manifesto definitivo della nuova pittura è stata l’opera di V. Kandinsky “Sulla spiritualità nell’arte”, che proponeva la ricerca di nuove forme eterne nella pittura nell’arte nel suo insieme. Ha chiesto la creazione di nuovi tipi di arte attraverso la combinazione di musica, letteratura e pittura. Tale arte sintetica, a suo avviso, avrebbe dovuto diventare un simbolo della creazione di un nuovo mondo e di una nuova spiritualità. Nell'opera dello stesso Kandinsky, il tema principale dei suoi dipinti era il tema di Cristo, che personificava l'annuncio dell'arrivo di nuove etiche e valori estetici per sostituire l’obiettività e il realismo marci dell’Occidente.
Uno dei pittori più brillanti di questo movimento fu M. Chagall, che combinò nel suo lavoro le idee dell'espressionismo, del cubismo, del surrealismo e del futurismo. I suoi dipinti sono insolitamente luminosi e talvolta rasentano l'assurdo.
Pyotr Filonov ha proposto idee di arte analitica che hanno permesso di utilizzare forme organiche nelle belle arti che fluissero dolcemente l'una nell'altra.
In generale, il movimento d’avanguardia russo ha avuto una grande influenza sulla cultura artistica europea e mondiale. Le idee dell’avanguardia contribuirono a creare un nuovo stile architettonico, che cominciò a prendere forma anche in Russia. Tra gli architetti più famosi ci sono A. Vesnin, Ladovsky, A. Rodchenko e numerosi altri architetti che divennero i fondatori dello stile industriale, i creatori di una nuova professione di designer e portarono a una vera rivoluzione nella costruzione di edifici residenziali, locali pubblici e industriali.
Vale anche la pena menzionare gli artisti d'avanguardia nell'arte teatrale e nella cinematografia, che hanno avuto un'enorme influenza sul successivo sviluppo del teatro e del cinema mondiale. V. Meyerhold e A. Tairov hanno utilizzato scene e costumi realizzati da artisti d'avanguardia per mettere in scena le loro esibizioni. Rappresentavano la sintesi tipi diversi arte nel teatro e ha offerto attivamente allo spettatore un nuovo linguaggio visivo delle arti dello spettacolo.
Nella cinematografia, una svolta fu il film di Eizinshein “La corazzata Potemkin”, che per molti anni a venire determinò la direzione dell’arte cinematografica mondiale, che allora era di per sé un’avanguardia.
Il concetto di avanguardia. E le sue differenze rispetto al modernismo.
Qual è la differenza tra avanguardia e modernismo? Questa questione è ancora controversa; Esistono diverse forti tradizioni per comprendere le differenze tra avanguardia e modernismo. C'è solo una via d'uscita: utilizzare la versione che sembra più comprensibile e logica.
In primo luogo, cronologicamente il modernismo ha preceduto l’avanguardia. Vanguard è un prodotto epoca rivoluzionaria all’inizio del XX secolo, mentre il modernismo emerse alla fine del XIX.
In secondo luogo, occorre prestare attenzione all'origine del termine: i primi ranghi dell'esercito erano tradizionalmente chiamati “avanguardia”; essere “all'avanguardia” significa essere davanti a tutti e in una situazione rischiosa e di combattimento. Il termine, come puoi vedere, è preso dal vocabolario militare. E per una buona ragione.
L'obiettivo utopico - una trasformazione radicale della coscienza umana attraverso i mezzi dell'arte - è stato ereditato dall'avanguardia dal modernismo; tuttavia, le avanguardie andarono oltre, suggerendo che attraverso l’arte fosse possibile riorganizzare non solo la coscienza, ma anche la società.
E infine, se il modernismo era principalmente una ribellione estetica, una rivoluzione all'interno dell'arte, non contro la tradizione stessa, ma al suo interno, allora l'avanguardia è una ribellione contro la tradizione artistica stessa, così come contro qualsiasi tradizione. Cito Lev Rubinstein: "Il modernismo sembra accettare i valori fondamentali dell'arte tradizionale, ma è impegnato nell'aggiornamento dei mezzi artistici per risolvere i cosiddetti problemi eterni dell'arte. In questo senso, è la stessa arte tradizionale, ma occupata con un nuovo linguaggio per descrivere la stessa cosa. L'avanguardia crea costantemente altra arte, rinnova non i suoi mezzi, ma l'oggetto stesso dell'arte. Inoltre, l'avanguardia implica un attivo posizione sociale artista, su cosa prima, di nell'insieme, non c'erano dubbi. Di natura rivoluzionaria, l'avanguardia tende a combinarsi con convinzioni politiche radicali; per esempio, è risaputo che molti surrealisti erano comunisti. E l’avanguardia russa, come sappiamo, si è messa in fila ordinate per servire la causa della Rivoluzione d’Ottobre. Ovviamente la cosa non è finita bene...
In generale, è triste e divertente tracciare due percorsi fondamentalmente diversi che hanno portato alla crisi delle avanguardie. Nella società liberale occidentale, verso la metà del secolo, l’avanguardia perse gradualmente il pathos del “confronto”, e con esso l’ottimismo “utopico” e l’energia rivoluzionaria; L'avanguardia, contrariamente alla sua natura, è diventata una tradizione estetica, una delle. In una situazione totalitaria (soprattutto nell’URSS e nella Germania di Hitler), l’avanguardia fu dichiarata arte antipopolare (o “degenerata”) e fu semplicemente bandita, cancellata dalla censura dalla storia dell’arte.
Tuttavia, piuttosto che lamentare la “fine dell’avanguardia”, noto che molte delle sue idee, strategie e ambizioni sono state resuscitate, ripensate e adottate da artisti radicali degli anni Novanta.
Avant-garde (ismo) - (francese avantgardisme, da avant-garde - distacco avanzato) Il nome convenzionale dei movimenti artistici e la mentalità degli artisti del XX secolo che li unirono... che sono caratterizzati dal desiderio di rinnovamento radicale pratica artistica, una rottura con i suoi principi e tradizioni consolidati (incluso il realismo), la ricerca di contenuti, mezzi di espressione e forme di opere nuovi, insoliti, il rapporto degli artisti con la vita. I movimenti contraddittori dell'avanguardia riflettevano gli antagonismi sociali più acuti dell'epoca, riflettevano confusione e disperazione di fronte alle catastrofi sociali e il desiderio di trovare nuovi modi di influenza estetica sulla vita reale. Caratteristiche dell'avanguardia nel XX secolo. si manifestarono in una serie di scuole e movimenti del modernismo, che si svilupparono intensamente nel periodo 1905-30. (fauvismo, cubismo, futurismo, espressionismo, dadaismo, surrealismo, arte astratta, una serie di movimenti razionalistici del modernismo, ecc.). In realtà era un movimento rivoluzionario, ma negli anni '30 si estinse come movimento popolare. Solo dopo la seconda guerra mondiale 1939-45 nell'arte di numerosi paesi occidentali. Europa e lat. In America, insieme al rafforzamento della posizione dell’arte realisticamente “impegnata”, c’è una rinascita delle tendenze d’avanguardia. Emerge il neoavanguardia, ora completamente nel quadro del modernismo. I principali rappresentanti di questo movimento in Russia sono V. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Exter, B. Ender e altri.
L'avanguardia russa: i suoi obiettivi e le sue aspirazioni.
Come le tendenze del modernismo che l'hanno preceduta, l'avanguardia mirava a una trasformazione radicale della coscienza umana attraverso i mezzi dell'arte, a una rivoluzione estetica che distruggesse l'inerzia spirituale della società esistente - mentre la sua strategia artistica e utopica e le tattiche erano molto più decise, anarchiche e ribelli. Non contenta di creare squisiti “focolai” di bellezza e mistero, opponendosi alla basilare materialità dell’esistenza, l’avanguardia ha introdotto nelle sue immagini la materia grezza della vita, la “poetica della strada”, il ritmo caotico della città moderna, natura, dotata di una potente forza creativo-distruttiva, più di una volta ha sottolineato in modo dichiarativo nelle sue opere il principio di “anti-arte”, rifiutando così non solo gli stili precedenti e più tradizionali, ma anche il concetto consolidato di arte in generale. Costantemente attratto dalle avanguardie" mondi strani"nuova scienza e tecnologia: da esse trasse non solo trama e motivi simbolici, ma anche molti disegni e tecniche. D'altra parte, l'arte includeva sempre più l'arcaismo “barbaro”, la magia antica, la primitività e il folklore (sotto forma di prestiti dall'arte dei neri in Africa e dalla stampa popolare popolare, da altre sfere della creatività “non classica”, precedentemente esterne ambito delle belle arti). Le avanguardie hanno dato un’urgenza senza precedenti al dialogo globale delle culture.
Le principali direzioni dell'avanguardia.
In linea di principio, i fenomeni d'avanguardia sono caratteristici di tutte le fasi transitorie nella storia della cultura artistica e dei singoli tipi d'arte. Nel Novecento, invece, il concetto di avanguardia ha acquisito il significato di termine per designare un fenomeno potente della cultura artistica, coprendone la quasi totalità dei fenomeni più o meno significativi. Con tutta la diversità e la diversità dei fenomeni artistici inclusi in questo concetto, hanno radici culturali e storiche comuni, atmosfera generale, che ha dato vita a loro, e molti Caratteristiche generali e tendenze nella presentazione delle auto. L'avanguardia è, prima di tutto, una reazione della coscienza artistica ed estetica a una svolta globale, mai incontrata nella storia dell'umanità, nei processi culturali e di civiltà causati da progresso scientifico e tecnologico(NTP) l'ultimo secolo. L'essenza e il significato per l'umanità di questo processo culturale simile a una valanga sono ancora lungi dall'essere pienamente compresi e adeguatamente compresi dal pensiero scientifico e filosofico, ma per molti aspetti si è già espresso abbastanza pienamente nella cultura artistica nei fenomeni di avanguardia. avanguardia, modernismo e postmodernismo. L'avanguardia è un fenomeno estremamente eterogeneo, contraddittorio, anche per certi versi fondamentalmente antinomico. In esso, correnti e direzioni convivevano in una lotta inconciliabile tra loro e con tutto e tutti, ma anche in costante interazione e influenza reciproca, affermando e scusandosi determinati fenomeni, processi, scoperte in tutte le sfere del campo culturale e di civiltà del loro tempo. , e aspramente coloro che li negavano. Alla caratteristica e caratteristiche generali La maggior parte dei fenomeni d'avanguardia include la loro natura cosciente e fortemente sperimentale; pathos rivoluzionario-distruttivo nei confronti dell'arte tradizionale (specialmente la sua ultima fase - nuova europea) e dei valori culturali tradizionali (verità, bontà, santità, bellezza); una dura protesta contro tutto ciò che ai suoi creatori e partecipanti sembrava retrogrado, conservatore, filisteo, borghese, accademico; V arti visive e letteratura: un rifiuto dimostrativo di quanto stabilito nel XIX secolo. un'immagine “diretta” (realistico-naturalistica) della realtà visibile, ovvero un principio mimetico nel senso stretto del termine (vedi: Mimesis); un desiderio sfrenato di creare qualcosa di fondamentalmente nuovo in ogni cosa e, soprattutto, nelle forme, nelle tecniche e nei mezzi di espressione artistica; e da qui la natura spesso dichiarativa-manifestativa e scioccante-scandalosa della presentazione da parte dei rappresentanti dell'avanguardia di se stessi e delle loro opere, tendenze, movimenti, ecc.; il desiderio di sfumare i confini tra le forme d'arte tradizionali per la moderna cultura europea, la tendenza a sintetizzare le singole arti (in particolare, basate sulla sinestesia) e la loro compenetrazione. I principali movimenti e figure dell'avanguardia includono Fauvismo, Cubismo, Arte astratta, Suprematismo, Futurismo, Dadaismo, Espressionismo, Costruttivismo, pittura metafisica, surrealismo, arte naif; dodecafonia e aleatoria nella musica, poesia concreta, musica concreta, arte cinetica, così come figure importanti che generalmente non appartenevano a nessuno di questi movimenti, come Picasso, Chagall, Filonov, Klee, Matisse, Modigliani, Le Corbusier, Joyce , Proust , Kafka e alcuni altri. È possibile solo una classificazione condizionata, e solo secondo parametri individuali, della variegata varietà di fenomeni d'avanguardia, per molti aspetti molto diversi. Fenomenologia artistica ed estetica delle principali tendenze delle avanguardie.
Arte astratta (arte astratta).
I principali teorici e praticanti furono V. Kandinsky e P. Mondrian. L’astrattismo abbandonò la rappresentazione delle forme della realtà percepita visivamente, dall’isomorfismo e si concentrò esclusivamente sulle proprietà espressive, associative, sinestetiche del colore, sulle forme di colore astratte non isomorfe e sulle loro innumerevoli combinazioni. Le prime opere astratte furono create nel 1910 da Kandinsky. Credo estetico Descrisse l'arte astratta nel libro "Sullo spirituale nell'arte" (1910) e in numerosi altri libri e articoli. La sua essenza si riduce al fatto che il rifiuto di rappresentare le forme esterne e visibili degli oggetti consente all'artista di concentrarsi sulla risoluzione di problemi esclusivamente pittorici di armonizzazione di colore e forma, attraverso i quali il cosmo spirituale entra in contatto con il destinatario. In effetti, Kandinsky ritorna alle idee dell'estetica platonico-neoplatonica a un nuovo livello. Paragonano la pittura alla musica nel suo significato assoluto, e lui vede il suo scopo principale nell'espressione su tela o su un foglio di carta della musica (suono) dello “Spirituale” oggettivamente esistente. L’artista, nella concezione di Kandinsky, è solo un intermediario dello Spirituale, uno strumento con l’aiuto del quale esso si materializza in forme artistiche. Pertanto, l'arte astratta non è un'invenzione di artisti moderni, ma una forma storicamente logica di autoespressione spirituale, adeguata al suo tempo. L'olandese Mondrian, uno dei maggiori rappresentanti della sua direzione “geometrica”: il neoplasticismo, associava l'arte astratta alle forze cosmiche spirituali.
L'arte astratta si è sviluppata in due direzioni principali: armonizzazione di combinazioni di colori amorfi; creare astrazioni geometriche. La prima direzione (rappresentanti principali - il primo Kandinsky, F. Kupka) ha portato a conclusione logica la ricerca dei Fauves e degli Espressionisti nel campo della “liberazione” del colore dalle forme della realtà visibile. L'enfasi principale è stata posta sul valore espressivo indipendente del colore, sulla sua ricchezza coloristica e sui toni sinestetici, sulle associazioni musicali delle combinazioni di colori, con l'aiuto delle quali l'arte ha cercato di esprimere le profonde “verità dell'essere”, le eterne “essenze spirituali” , il movimento delle "forze cosmiche", così come il lirismo e il dramma delle esperienze umane, l'intensità delle ricerche spirituali, ecc. La seconda direzione si è sviluppata lungo il percorso di creazione di nuovi tipi di spazio artistico combinando tutti i tipi di forme geometriche, piani colorati, combinazioni di diritti e linee spezzate. I suoi principali rappresentanti furono Malevich del periodo del Suprematismo geometrico, membri del gruppo olandese "De Stijl" (dal 1917) guidato da Mondrian e T. Van Doesburg, il defunto Kandinsky con le sue composizioni astratte geometriche. Gli olandesi avanzarono il concetto di neoplasticismo, che contrapponeva “il caso, l’incertezza e l’arbitrarietà della natura” con “la semplicità, la chiarezza, la costruttività, la funzionalità” delle forme geometriche pure, che, a loro avviso, esprimevano le leggi cosmiche e divine del mondo. Universo (Van Doesburg). La semplicità mistica dell'opposizione “orizzontale-verticale”, secondo Mondrian, che divenne la base di tutta la sua opera periodo maturo, quando si utilizzano determinati colori locali, offre infinite opportunità per raggiungere proporzioni visive ed equilibrio, che hanno un'essenza spirituale ed etica. Per la prima volta nella storia dell’arte, Mondrian e i suoi colleghi riuscirono a raggiungere un equilibrio di masse artistiche con l’aiuto di strutture asimmetriche, che diedero un potente impulso all’architettura, all’arte applicata e al design del XX secolo.
La concentrazione dell'estetica in forme cromatiche astratte, escludendo qualsiasi associazione utilitaristica e quotidiana, porta lo spettatore in contatto diretto e profondo con sfere puramente spirituali. A questo proposito, molte opere d'arte astratta (soprattutto le opere di Kandinsky, Malevich, M. Rothko, in parte Mondrian) possono servire come oggetti di meditazione e intermediari in altre pratiche spirituali. Non è un caso che Malevich si sentisse vicino all’icona russa nelle sue opere (vedi: Icona), e il suo “Quadrato nero” si guadagnò la reputazione di “icona del XX secolo”. La denominazione, data inizialmente con una connotazione dispregiativa e ironica, ben esprimeva l'essenza di questo fenomeno.
Suprematismo
Il suprematismo (dal latino supremus - il più alto) è una delle direzioni della pittura astratta, creata a metà degli anni '10. K. Malevich. L'obiettivo del Suprematismo è l'espressione della realtà in forme semplici (linea retta, quadrato, triangolo, cerchio), che sono alla base di tutte le altre forme del mondo fisico. Nei dipinti suprematisti non c'è idea di "su" e "giù", "sinistra" e "destra": tutte le direzioni sono uguali, come nello spazio. Lo spazio dell’immagine non è più soggetto alla gravità (orientamento dall’alto verso il basso); ha cessato di essere geocentrico, cioè un “caso speciale” dell’universo. Sorge un mondo indipendente, chiuso in se stesso e allo stesso tempo correlato come uguale all'armonia del mondo universale. Il manifesto visivo del Suprematismo era famoso dipinto Malevich "Quadrato nero" (1915). Malevich delineò le basi teoriche del metodo nella sua opera “Dal cubismo e futurismo al suprematismo... Nuovo realismo pittorico...” (1916). I seguaci e gli studenti di Malevich si unirono nel 1916 nel gruppo Supremus. Cercarono di estendere il metodo suprematista non solo alla pittura, ma anche alla grafica dei libri, arti applicate, architettura.
Andando oltre la Russia, il Suprematismo ha avuto un'influenza notevole sull'intera cultura artistica mondiale.
Nel marzo 1915, il collezionista Sergei Shchukin, secondo alcune indiscrezioni, acquistò dalla mostra “Tram B” un'opera di Vladimir Tatlin, messa insieme da blocchi di legno. Alcuni ricercatori dubitano del fatto dell'acquisto, ma Shchukin non lo ha confutato, nonostante l'ampia pubblicità dell'evento. Il pubblico è rimasto sorpreso e indignato, sul giornale è stata pubblicata una lettera maliziosa sull'acquisizione per un sacco di soldi - cito - "tre vecchie tavole sporche". Ma ciò significava che il collezionista dall'olfatto infallibile intuiva in quella nuova arte qualcosa che non rientrava affatto nei suoi interessi.
Il termine “avanguardia” ci è del tutto familiare, ma negli anni ’10 non era in uso. Allora venivano usate più spesso parole che enfatizzavano la natura oppositiva dell'arte - "artisti di sinistra", o la novità dell'arte, il suo vettore temporale - "futuristi", "budetlyans", "futuristi". La parola “futuristi” era la principale perché internazionale: c’erano, ad esempio, futuristi italiani, il loro leader Marinetti venne in Russia. E dopo la rivoluzione, il termine “futurismo” cominciò ad applicarsi a tutti gli artisti di sinistra, e, ad esempio, il critico Abram Efros scrisse: “Il futurismo è diventato l’arte ufficiale della nuova Russia”, intendendo l’intera avanguardia .
Filippo Tommaso Marinetti. 1909 Wikimedia CommonsÈ più o meno chiaro quando appare e si dichiara l'avanguardia - negli anni '10; Sono noti anche i suoi nomi principali. Ma è abbastanza difficile formularlo chiaramente in poche parole. Ad esempio, nella pittura d'avanguardia esistono molte versioni non oggettive, dall'astrazione espressiva di Kandinsky al Suprematismo di Malevich. Ma non può essere ridotto interamente all’astrazione. Ad esempio, Larionov, Goncharova, Filonov, e non solo loro, si sono discostati quasi o per nulla dall'immagine mondo oggettivo. Quanto alla convenzione artistica, la sua misura non è facilmente calcolabile – tanto da dire che da questo momento in poi è già avanguardia, ma non prima. Avanguardia è una varietà di linguaggi e concetti: sia individuali che collettivi. Lo stile individuale di qualcuno diventa molto spesso uno stile di gruppo; le figure più importanti hanno aderenti e allievi. E tutto insieme questo è l'ambiente. Ed è proprio attraverso l'ambiente, attraverso le norme di comportamento in esso accettate, che si può cercare di caratterizzare l'avanguardia.
Natalia Goncharova. Pappagalli. 1910
Paolo Filonov. Uomo e donna. 1912-1913Wikimedia Commons, Museo statale russo
Questo è un tipo di comportamento completamente nuovo: provocatorio, deliberatamente scortese. Una sorta di poetica della maleducazione, l'intonazione di "Mayakov" - sorridendo "tu" e "qui". Naturalmente, prima di tutto, è consuetudine scioccare i borghesi, il cui gusto, il cui atteggiamento nei confronti dell'arte e dei principi della vita in generale meritano solo uno schiaffo in faccia. Diciamo in un bar " cane senza casa“I visitatori con soldi, a scapito dei quali esiste lo stabilimento, sono chiamati in modo spregiativo “farmacisti” e sono trattati in ogni modo possibile. Ma non partecipano a cerimonie con la “loro stessa gente”. Il capo dei futuristi italiani Marinetti ha affermato che l'artista ha bisogno di un nemico: i manifesti del futurismo italiano sono scritti in termini di guerra. La storia dell'avanguardia russa può essere rappresentata anche come una storia di litigi e sospetti reciproci. Vladimir Tatlin anche di giorno tende ermeticamente le finestre del suo studio, perché gli sembra che Malevich sbircia e ruba idee. Paranoia, certo, ma tipica. Olga Rozanova accusa Malevich di plagio; scrive: "Tutto il Suprematismo è interamente composto dai miei adesivi, una combinazione di piani, linee, dischi (soprattutto dischi) e assolutamente nessun oggetto reale attaccato, e dopo tutto questo bastardo nasconde il mio nome." Mikhail Larionov inventa il nome “Fante di quadri”, ma associato a questo nome non ci sarà più né lui né la moglie Goncharova: quello che è successo, come hanno scritto sui giornali, è stato “un litigio tra croce e fanti. " All'inizio degli anni '20, Kandinsky iniziò la creazione dell'Inkhuk, l'Istituto di cultura artistica di Mosca, e molto presto un gruppo di costruttivisti guidati da Alexander Rodchenko lo espulse da lì. La stessa cosa è successa a Vitebsk: Marc Chagall invita lì El Lissitzky, invita Malevich, dopodiché Chagall deve lasciare Vitebsk. La situazione di conflitto non è mai stata così totale prima.
Insegnanti della Scuola d'arte popolare di Vitebsk. 26 luglio 1919 Seduti (da sinistra a destra): El Lissitzky, Vera Ermolaeva, Marc Chagall, David Yakerson, Yudel Peng, Nina Kogan, Alexander Romm; L'impiegato scolastico è in piedi. Wikimedia Commons Ma prima la storia dell’arte non procedeva così velocemente. Le correnti in esso in qualche modo si sostituirono dolcemente l'una con l'altra, e se non senza intoppi, allora con una traiettoria chiara - e ora lei corse via al galoppo. Qualcosa che sembrava solo nuovo viene improvvisamente dichiarato arretrato: del resto, per essere avanguardia, ci vuole una retroguardia. Come scrisse Mayakovsky, “il nostro Dio sta correndo”. Il movimento avviene in una modalità di scoperta costante, e quindi è importante dichiarare il proprio primato - "questo è mio, mi è venuto in mente questo" - in modo che l'innovazione non venga appropriata dai concorrenti. Dichiarare in modo manifesto.
L'avanguardia è il tempo dei manifesti e delle dichiarazioni. Gli artisti li scrivono nel tentativo di spiegare la loro arte e giustificare il loro dominio e, in definitiva, il loro potere. La parola è un'arma da combattimento, a volte una mazza, a volte una mazza. Ma allo stesso tempo artista raro sa scrivere chiaramente. Spesso questa è, per usare l’espressione di Khlebnikov, una “parola propria”: sciamanica, che talvolta arriva al punto di una glossolalia completa. Glossolalia- discorso costituito da combinazioni di suoni prive di significato; Si parla spesso di Glossolalia in relazione all'estasi religiosa.. E poiché i testi dei manifesti sono misteriosi, come gli incantesimi, il loro significato dipende in gran parte dall'interpretazione di chi li legge.
Ciò si collega anche allo stato generale delle cose nel mondo: dopo tutto, tutta la vita sta perdendo certezza, stabilità e razionalità. Lì le leggi non valgono più. meccanica classica, dove l'azione è uguale alla reazione. Ora le rette parallele convergono inspiegabilmente. Ora puoi aspettarti tutto da una persona, poiché l'inconscio nascosto nel suo abisso spirituale può soffocare la voce della coscienza. I libri di Sigmund Freud “L'interpretazione dei sogni” e “La psicopatologia della vita quotidiana”, pubblicati all'inizio del XX secolo, hanno fatto venire alla luce, già in un'infanzia serena, un incubo sessuale represso e il primo Guerra mondiale, confermando questa nuova conoscenza dell'uomo, svalutò finalmente i concetti chiave dell'umanesimo tradizionale. Nel 1915 Albert Einstein pubblicò la sua teoria generale della relatività, che diede inizio all’era del relativismo totale; ora nulla è definitivamente certo o incondizionatamente vero. E l’artista non dice nemmeno più “lo vedo così” – acquisisce il diritto di dire “lo voglio così”.
La pittura stessa, che prima si accontentava del concetto tradizionale di pittura come finestra sul mondo, non può più limitarsi ad essa. Perché in questa finestra non si trova nulla di stabile: ci sono vuoti, lacune e buchi neri, un mondo fluido di energie incomprensibili. Le cose sono andate fuori posto, sono cadute in pezzi, e c'è la tentazione di rimetterle insieme in un modo completamente diverso. La nuova arte sta cercando di dominare direttamente questo mondo, violando il concetto di confine. La superficie del dipinto si gonfia, su di essa appaiono adesivi collage, oggetti reali invadono il dipinto: in effetti, la vita invade. Più tardi lo chiameranno “assemblaggio”, ma per ora lo chiamano “scultura pittoresca”. E tali tentativi di collegare l’arte con la realtà hanno un grande futuro: dureranno per tutto il XX secolo. Uno dei più radicali sono i readymade, oggetti già pronti esposti come opere d'arte, come l'orinatoio “Fontana” di Marcel Duchamp. Ma questo non accadrà sul suolo russo. Forse perché le ambizioni planetarie impediscono proprio un passo del genere. L’avanguardia nazionale ha un forte sapore metafisico – e non riguarda le cose.
Nonostante la diversità dei concetti, nell'avanguardia si possono distinguere due vettori principali, che non si negano tanto quanto si completano a vicenda. Ad esempio, il vettore di Malevich è la costruzione del mondo: la parola è già in corso non sulla trasformazione dell'arte, ma sulla trasformazione del mondo attraverso la forma e il colore. Malevich è un carismatico incondizionato e un grande stratega; affronta le sue attività come un uomo dalla volontà demiurgica, con l'intenzione di cambiare tutto. E nelle vicinanze ci sono diverse forme di avanguardia organica - non violenta, che chiamano a non cambiare la natura, ma ad ascoltarla: Matyushin, Filonov, in parte Tatlin. Tatlin, considerato il fondatore del costruttivismo russo, ascolta la voce della materia e la valorizza. I suoi controrilievi sono composizioni volumetriche costituiti da parti in legno, metallo e persino vetro fissate su una tavola - sono estremamente radicali nel separarsi dal piano pittorico tradizionale e allo stesso tempo hanno anche la qualità di un'umiltà quasi taoista-buddista davanti alla realtà naturale del legno o del ferro . C'è una leggenda su come Tatlin fece cadere la sedia su cui era seduto Malevich, invitandolo a sedersi sulle categorie astratte di forma e colore.
Vladimir Tatlin. Controrilievo angolare. 1915 Museo statale russo / Immagini Bridgeman / Fotodom Le prime scoperte d'avanguardia non furono fatte in Russia, ma in Occidente. Ad esempio, il fauvismo francese di Henri Matisse, Andre Derain e altri e il primo cubismo di Picasso e Braque entrarono nell'arena quasi contemporaneamente - nel 1905-1906; Nello stesso periodo prende forma la prima associazione espressionisti tedeschi- gruppo "La maggior parte". Larionov, Goncharova e Malevich avrebbero poi vissuto un periodo fauvista, anche se in generale il fauvismo non ha avuto un effetto molto forte sull'arte russa. Il cubismo, al contrario, influenzò in modo molto significativo - e su molti, ma fu combinato con l'influenza del futurismo italiano, che prese forma nel 1909 - quando fu pubblicato il primo manifesto futurista di Marinetti. Cubofuturismo - Parola russa e il fenomeno russo. E l’espressionismo, il cui stile a volte può essere visto in Larionov e David Burliuk, è importante per la Russia, perché Wassily Kandinsky, un artista tanto russo quanto tedesco, ha svolto un ruolo significativo nella sua formazione. Fu lui che, insieme a Franz Marc, organizzò a Monaco nel 1911 il gruppo espressionista “Blue Rider”.
Kazimir Malevich. Donna con secchi. 1912 Wikimedia Commons, MoMA Vale la pena menzionare separatamente Kandinsky. È un pioniere della non oggettività: il suo “Dipinto con un cerchio” del 1911 è considerato il primo dipinto astratto. Divide le sue astrazioni in impressioni, improvvisazioni e composizioni; I primi si ispirano a impressioni della realtà, i secondi riversano l'inconscio e le composizioni sono cose ben pensate e coreografate. Il lavoro di Kandinsky ha una forte base simbolista, sia nei suoi dipinti che nel suo trattato “Sullo spirituale nell’arte”, dove cerca di descrivere l’effetto di alcuni colori sulla coscienza. “Il colore”, scrive, “è la chiave; occhio: martello; l'anima è un pianoforte a più corde. L’artista è la mano che, attraverso questa o quella chiave, opportunamente mette in vibrazione l’animo umano.” Mikhail Matyushin ha esplorato la natura del colore più o meno nella stessa direzione.
Vasilij Kandinskij. Arabi (cimitero). 1909Wikimedia Commons/Hamburger Kunsthalle
Vasilij Kandinskij. Camera da letto in Antmillerstrasse. 1909Wikimedia Commons / Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau
Vasilij Kandinskij. Case a Monaco. 1908Wikimedia Commons/Museo Von der Heydt
In effetti, l’avanguardia russa inizia con Matyushin. Fu lui a organizzare la “Unione della Gioventù” di San Pietroburgo, registrata nel febbraio 1910 (la famosa mostra “Fante di quadri” sarà inaugurata solo nel dicembre dello stesso anno). Matyushin è molto più vecchio di tutti i suoi compagni, ma lui e la moglie Elena Guro, defunta prematuramente, sono figure importanti in questo movimento. Matyushin è considerato più un teorico e un organizzatore che un praticante, quindi rimane lontano dai litigi gelosi sulla supremazia. Malevich, ad esempio, è amichevole con lui, e le sfumature mistiche della ricerca di Matyushin sono accettate con molta simpatia da lui. E c’è molto misticismo lì: il concetto organico di Matyushin è associato alla convinzione che l’arte possa diventare un modo per entrare nella quarta dimensione. Per fare ciò, devi acquisire capacità visive ampliate: imparare a vedere non solo con gli occhi, ma con tutto il corpo. Quindi, i suoi studenti dipingono, ad esempio, uno stagno vicino a Sestroretsk - dandogli le spalle: una tale implementazione della metafora degli "occhi dietro la testa". Matyushin esplora la natura della visione contemporaneamente come simbolista e come biologo sistematico. Il risultato di questi studi sarà il “Manuale del colore”, che sarà pubblicato nel 1932, in un momento del tutto inopportuno per questo.
Michail Matyushin. Ritratto di Elena Guro. 1910 avangardism.ru
Michail Matyushin. Pila. Lakhta. 1921
Matyushin iniziò un'altra importante impresa d'avanguardia: la produzione dell'opera “Vittoria sul sole”, eseguita nel 1913. Lui stesso, un musicista di scuola elementare, ha scritto la musica, il poeta futurista Alexei Kruchenykh ha scritto il libretto in un linguaggio astruso e Malevich ha creato lo scenario in cui è apparso per la prima volta il motivo del quadrato nero. Secondo la trama, il popolo conquista il Sole - ed è proprio con un quadrato nero che risulta essere sconfitto. Più tardi, nel 1920, il seguace di Malevich, El Lissitzky, tentò di mettere in scena l’opera a Vitebsk. Nella sua produzione trama principale L'opera sulla vittoria della macchina sulla natura sarà presentata in modo abbastanza diretto: al posto degli attori ci saranno meccanismi in azione - le cosiddette figurine, azionate dall'elettricità.
Kazimir Malevich. Bozzetto di scenografia per l'opera “Vittoria sul sole” di Mikhail Matyushin e Alexey Kruchenykh. 1913Museo statale di teatro e arte musicale di San Pietroburgo
Copertina del programma dell'opera “Vittoria sul Sole”. Artisti Kazimir Malevich e David Burliuk. 1913 Wikimedia Commons
Come già accennato, l'“Unione della Gioventù”, organizzata da Matyushin, è la prima associazione d'avanguardia, anche se con materiale rotabile. Ma in questo momento le mostre specifiche sono più importanti delle associazioni: una mostra è un manifesto efficace che si vede e si racconta. La prima mostra del genere fu “Fante di quadri” nel 1910. Il nome, inventato da Mikhail Larionov, si riferiva a tutta una serie di associazioni di base: sia imbrogli con le carte che emblemi criminali. I "Valeti" - Ilya Mashkov, Aristarkh Lentulov, Pyotr Konchalovsky e altri - ne erano abbastanza contenti: volevano scioccare il pubblico.
Assolutamente scioccante e provocatorio è stato l'enorme dipinto di Mashkov presentato alla mostra, dove ha raffigurato se stesso e il suo amico Konchalovsky come lottatori o sollevatori di pesi seminudi. Ma questi atleti non sono estranei alla bellezza: nella foto c'è un violino, un pianoforte, degli spartiti: questa è ora l'immagine dell'artista, ha tutto. Le stampe popolari sul muro sono un segno importante dell'orientamento del Fante di quadri verso il folklore urbano e estetica popolare: per insegne, vassoi dipinti, tantamare da fiera. E l'album di Cezanne sullo scaffale è un altro segno: i “jack” adorano Cezanne. Allo stesso tempo, il Cézanneismo è da loro inteso come una geometrizzazione semplificata del mondo - e attraverso la già nota esperienza del cubismo francese. In generale, semplificare la forma è bene, giusto: non impantanarsi nei dettagli, ma vedere le cose nel loro insieme e in modo fresco, come per la prima volta. È emozionante, c'è un gioco.
Ilya Mashkov. Autoritratto e ritratto di Pyotr Konchalovsky. 1910 Wikimedia Commons/Museo statale russo Gioco è anche una parola importante per questo programma collettivo. L'atmosfera è quella di uno stand allegro e gli artisti provano con entusiasmo i travestimenti di carnevale. Mashkov dipinge un autoritratto nel ruolo di un proprietario di fabbrica in una lussuosa pelliccia sullo sfondo di un battello a vapore, l'artista Georgy Yakulov in un ritratto di Konchalovsky si rivela un uomo orientale e Lentulov dipinge se stesso nel ruolo di un imbonitore fieristico dalla faccia rossa. Lo stesso Lentulov scrive una Mosca cubo-futuristica: le cattedrali si alzano dalle loro sedi e iniziano letteralmente a ballare. Lentulov fu il primo a usare il collage: incollò sulle tele fogli d'argento e colorati, carte di caramelle, persino corteccia; include iscrizioni nell'immagine, sia disegnate che sotto forma di ritagli di manifesti e giornali. Cioè, l'immagine stessa sta già andando oltre i suoi limiti, sia in rilievo che in non oggettività.
Pyotr Konchalovsky. Ritratto di Georges Yakulov. 1910
Aristarkh Lentulov. Autoritratto "Le Grand Peintre". 1915Galleria statale Tretyakov
Aristarkh Lentulov. Basilio il Beato. 1913Wikimedia Commons / Galleria statale Tretyakov
L'oltraggio del Fante di quadri mette in discussione l'arte del passato, che a loro sembra non essere arte, ma letteratura o filosofia. E per loro l'arte dovrebbe essere se stessa, un gioco e una gioia derivante dal flusso di pittura. Ora non si riferisce a nulla oltre i suoi confini e, a quanto pare, non c'è nulla al mondo oltre ad esso. Questo atteggiamento rimarrà nell’avanguardia russa.
Se i "Jacks" continuano a lavorare nel loro stile anche dopo la prima esibizione, allora Mikhail Larionov, che ha dato loro il nome, al contrario, cambia lo stile di mostra in mostra.
La mostra successiva dopo “Jacks” è “Donkey’s Tail” nel 1912; il titolo si riferisce al recente scandalo di Parigi, quando il gruppo artisti scioccanti esposto un dipinto presumibilmente dipinto con la coda di un asino. Alla sua mostra, Larionov ha presentato un programma di neo-primitivismo. Il neoprimitivismo è un sistema rivolto all'arte arcaica, antica e impersonale. In effetti, gli artisti si sono già rivolti a tali strati: ad esempio, Pavel Kuznetsov, una delle persone principali dell'associazione Blue Rose, negli anni '10 scrisse la sua "Kyrgyz Suite" - la vita del popolo della steppa, non disturbata dalla civiltà e non cambia di secolo in secolo. Ma lì questa immutabilità fu poeticizzata, e in Larionov e in altri artisti che vivevano il loro periodo primitivista, fu vista come qualcosa di ctonio e, forse, inquietante. E a "Coda d'asino" sono esposti oggetti dei cicli di soldati e turchi di Larionov, la serie "Evangelisti" di Goncharova, che è stata rimossa dalla censura, le sue opere "contadine", dipinti del ciclo contadino di Malevich e molto altro. E alla prossima mostra "Target" Larionov presenterà dipinti su tela cerata del nuovo Niko Pirosmani.
Michail Larionov. Soldati. 1909Foto di A. Sverdlov / RIA Novosti
Kazimir Malevich. Raccolta. 1911
Natalia Goncharova. Contadini che raccolgono mele. 1911
Natalia Goncharova. Evangelisti. 1911Foto di Mikhail Kuleshov / RIA Novosti; Museo statale russo
Pavel Kuznetsov. Dormire in un capannone. 1911Foto di A. Sverdlov / RIA Novosti; Galleria statale Tretyakov
La mostra “Target” del 1913 è accompagnata dal manifesto “Radiants and Future People”. Il raggismo è la versione di Larionov dell’arte non oggettiva – e la prima per la Russia, da quando Kandinsky ha inventato la sua arte non oggettiva in Germania. E qui, inaspettatamente, Larionov risulta essere vicino a Matyushin nelle discussioni mistiche e biologiche sulla natura della visione. Un uomo guarda un oggetto e certi raggi vanno dall'oggetto al suo occhio; Sono questi raggi, e non l'oggetto stesso, che dovrebbero essere scritti. In questo caso, il soggetto potrebbe rivelarsi il dipinto di qualcun altro - e da ciò segue un'altra tesi del manifesto: la totalità. Tutti gli stili artistici sono adatti all'artista moderno, tutti possono essere appropriati e riformattati. Un artista è obbligato a cambiare, perché il mondo stesso sta cambiando a una velocità tremenda - e bisogna rispondere a questi cambiamenti. La mostra "Target" presenta tutto in una volta - sia astrazioni radiose, in cui il motivo del soggetto è ancora leggermente distinguibile (ad esempio, teste di uccelli nel dipinto "Gallo e gallina"), sia opere primitiviste - e tra queste le più radicali In questo stile, la serie “Seasons”, ispirata sia alla stampa popolare che ai disegni dei bambini. Seguendo il concetto di totalità, Larionov non solo combina opere primitiviste con opere radiose, ma risulta anche essere l'inventore di nuove pratiche. Ad esempio, il trucco futuristico, così come la cucina futuristica e la moda futuristica. È vero, di tutto ciò è stato realizzato solo il trucco: pittura astratta del viso, ispirata al raggismo.
Michail Larionov. Gallo. 1912Foto di Pavel Balabanov / RIA Novosti; Galleria statale Tretyakov
Michail Larionov. Paesaggio radioso. 1913Getty Images / Museo statale russo
Il percorso di Malevich verso il Suprematismo è un'alternanza di fasi piuttosto intensa. Malevich inizia con l'impressionismo - come Larionov e in parte Kandinsky; poi si rivolge al neoprimitivismo, e poi al cubofuturismo e all'alogismo. Nel dipinto illogico “Un inglese a Mosca”, un ospite verde della capitale con un cappello a cilindro è circondato da una sciabola, una candela, un'aringa, una scala, nonché dalle frasi “eclissi parziale” e “società delle corse”. " Questa è la poetica dell'assurdo, dell'astrusità pittorica, una combinazione di collage di oggetti e testi incompatibili in un'immagine. Malevich si sbarazza dell'ordine di causa-effetto - e questo rende i suoi dipinti illogici, sebbene incompleti, ma comunque analoghi a ciò che accadrà in Arte occidentale, ma non in russo: dadaismo.
Kazimir Malevich. Un inglese a Mosca. 1914 Wikimedia Commons/Museo Stedelijk Per Malevich gli alogismi sono solo una fase prima della fase finale: il Suprematismo. Lo stile nacque nel 1915 e fu presentato a dicembre alla mostra “0.10”. Nel titolo della mostra, zero è la fine dell'arte, dichiarata dal Suprematismo “forme zero”, il cui simbolo era il “Quadrato Nero”, e dieci è il numero dei presunti partecipanti, in realtà erano di più.
Tuttavia, il Suprematismo fin dall'inizio viene offerto come maestro ed è effettivamente padroneggiato da altri artisti - in contrasto, ad esempio, con le astrazioni espressive di Kandinsky, che non diventeranno oggetto di ulteriore riflessione di nessuno. Nel 1920, a Vitebsk, Malevich creò la società Unovis, dove tutti gli aderenti dipingono allo stesso modo dei loro guru, e nelle loro mostre non ci sono nomi sotto i dipinti suprematisti - si presume che questa creatività sia anonima e collettiva. Non c'è posto per l'espressione artistica individuale, c'è solo l'affermazione di un sistema che pretende di essere universale, di essere il racconto finale di tutto ciò che esiste nel mondo e l'ultima parola su di esso. Perché “Supremus” significa “supremo”. Questa è l'ultima parola e, si potrebbe dire, la misura più alta.
Allo stesso tempo, questo linguaggio universale è adatto ai progetti del futuro. Sia Malevich che i suoi studenti - Chashnik, Suetin, Khidekel - hanno ideato un'architettura basata su forme suprematiste. Realizzano architetture in gesso e disegnano pianeti: modelli di abitazioni per terrestri, persone dello spazio futuro. Gli architetti sono inutili, privi di finestre e porte, il loro spazio interno non è affatto risolto; Malevich non era interessato alla funzione, ma alla forma pura: il modulo utopico di un nuovo sistema di ordine. E anche i suoi piatti, creati all'inizio degli anni Venti, durante la collaborazione con la fabbrica di porcellana Lomonosov, non sono adatti all'uso: è difficile versare il tè da una teiera suprematista ed è scomodo bere da una mezza tazza. È la manifestazione della forma, e la forma è autosufficiente.
Kazimir Malevich. Disposizione degli architetti. Anni '20Pedro Menéndez / CC BY-NC-ND 2.0
Nikolai Suetin, Kazimir Malevich, Ilya Chashnik. Pietrogrado. 1923 Wikimedia Commons
Kazimir Malevich. Servizio da tè suprematista. Sviluppato nel 1918Museo delle Belle Arti, Houston / Bridgeman Images / Fotodom
In generale, l'idea di produzione, l'arte industriale negli anni '20 sarebbe diventata una giustificazione per la creazione di forme d'avanguardia - e ne parleremo presto. Ma proprio tra i principali artisti dell'avanguardia prerivoluzionaria le cose con lei erano piuttosto complicate. Anche quelli che erano sinceramente pronti a dedicarsi interamente alla realizzazione di cose funzionali “per la vita”. Diciamo Tatlin. Tutto andava bene con stoviglie e vestiti cosiddetti normali, ma i “grandi progetti” restavano un’utopia. L'incredibile volano "Letat-lin" non ha volato. La torre, monumento alla Terza Internazionale, non fu mai costruita; ed era difficile immaginare che questo grandioso piano per una struttura rotante a più piani potesse essere realizzato. A Tatlin non piaceva la parola “costruttivismo”, generalmente cercava di stare lontano da qualsiasi “ismo”, ma era considerato il padre di questo movimento, perché fu il primo a non raffigurare oggetti, ma a realizzarli. In una fotografia di Georg Grosz e John Heartfield, due artisti d’avanguardia tedeschi reggono uno striscione con la scritta “L’arte è morta – lunga vita all’arte meccanica di Tatlin”. Ma in realtà, le idee del costruttivismo meccanico “corretto” sono state dichiarate e praticamente implementate da altre persone. Ad esempio, Alexander Rodchenko.
Vladimir Tatlin (a destra) davanti al monumento alla Terza Internazionale Comunista. 1919 Immagini Getty
Vladimir Tatlin. "Letatlin" è un aereo individuale non motorizzato. 1929-1932Foto di Vitaly Karpov / RIA Novosti; Museo Centrale Aeronautica Militare Federazione Russa
Rodchenko è uno degli artisti d’avanguardia più produttivi della seconda generazione e uno dei “produzionisti” più coerenti. Il periodo di massimo splendore delle sue attività avvenne negli anni post-rivoluzionari. E all'inizio sembra voler fare il passo successivo sul campo dominato dai suoi anziani: un passo verso un maggiore laconicismo e, quindi, un maggiore radicalismo. Ad esempio, Malevich ha forme geometriche, dense, e Rodchenko ha linee leggere (lo chiama lineismo; ha persino scritto un manifesto sulle possibilità della linea). A Tatlin il controrilievo è collegato al muro, mentre a Rodchenko i cellulari sono sospesi liberamente nell'aria. I suoi esperimenti non sono gravati da nulla di metafisico, quindi tutto ciò che viene trovato diventerà facilmente in seguito l'ABC della progettazione di varie cose utilitaristiche. Rodchenko lavorerà con uguale successo nella grafica di libri, poster e scenografia, decorerà interni, realizzerà mobili e si dedicherà alla fotografia - e qui i suoi fotomontaggi e soprattutto le tecniche degli angoli di ripresa diventeranno un segno visivo dei tempi. E non è un caso che sia stato lui l'iniziatore dell'espulsione di Kandinsky da Inkhuk: fu uno scontro tra il nuovo approccio materialistico all'arte con quello vecchio, astratto.
Ricostruzione della composizione di Alexander Rodchenko “Club dei lavoratori” nella Galleria Tretyakov Foto di Alexey Kudenko / RIA Novosti Gli Inkhuk di Mosca, come i Ginkhuk di Leningrado, istituti di cultura artistica, furono chiamati a sviluppare metodi universali di gestione delle forme. Negli anni post-rivoluzionari era consuetudine cercare l'universale e, in generale, dopo la rivoluzione, gli artisti d'avanguardia hanno partecipato attivamente al lavoro delle istituzioni educative, di cui ce n'erano molte. Hanno presentato la loro fede, per così dire. La fede di Kandinsky è una sintesi delle arti basate su biologia, fisicità e sinestesia. Tre arti, secondo il suo piano, dovrebbero fornire questa sintesi: pittura, musica e danza; Questo è ciò che viene proposto per lo studio. Ma per i giovani artisti, guidati da Rodchenko, tutto questo è semplicemente superfluo, non corrispondente al momento storico. Che tipo di danza c'è quando non è stabilita la produzione di ciò che è necessario: questo dovrebbe essere il compito dell'artista. Naturalmente il gruppo di Rodchenko vince questa disputa. Ma questa vittoria durerà poco: molto presto le cose necessarie saranno prodotte in modo completamente diverso dallo spirito costruttivista. Chi sconfiggerà i costruttivisti verrà discusso nella prossima conferenza.
Artisti
AVANGUARDIA- un nome convenzionale per vari movimenti artistici nell'arte del 20 ° secolo, che sono caratterizzati dal desiderio di un cambiamento radicale nei principi e nelle tradizioni della pratica artistica - cubismo, futurismo, espressionismo, dadaismo, surrealismo, arte astratta, arte analitica , Rayonismo, costruttivismo, cubo-futurismo, suprematismo, concettualismo, postmodernismo, ecc. Gli avanguardisti lottano per nuovi mezzi di espressione e forme di opere.
Dalla pubblicazione di Evgeny Kovtun:
Il periodo di rinnovamento dell'arte (contando dall'inizio del movimento impressionista), che si protrasse per decenni in Francia, divenne più denso in Russia fino a 10-15 anni.
Il movimento cubista sorse in Occidente nel 1907-1908 e nel 1913 l’arte russa, dopo aver subito un’evoluzione vertiginosa in questo periodo di cinque anni, rivelò canali chiari per altri sforzi plastici. I nuovi fenomeni sono organizzati nel seguente ordine cronologico:
– Nel 1910 compaiono le prime tele astratte di V.V. Kandinsky (si fece avanti per primo con una giustificazione teorica dell'arte astratta nel dicembre 1911 (vedi il suo rapporto “Sullo spirituale nell'arte”);
– Nel 1911 apparve “Rauchism” di M.F. Larionov - nel 1913 fu pubblicato il manifesto “Luchismo”;
– Nel 1912 – V.E. Tatlin (1885–1953), il fondatore del costruttivismo nelle arti plastiche, inizia i suoi “rilievi pittoreschi”;
– L’inizio del “Suprematismo” di K.S. risale al 1913. Malevich (1878-1935) - nel dicembre 1915 pubblicò un programma teorico sul Suprematismo - “Dal cubismo al Suprematismo. Nuovo realismo pittorico." Pag. 1915;
– Negli anni prebellici, un movimento pittorico associato ai nomi di E.G. Guro e M.V. Matyushin (principio plastico-spaziale, che in seguito ricevette il nome di “teoria della visione estesa” in pittura)
Queste iniziative di opposizione al cubismo continuarono anche prima del 1922.
La logica stessa dello sviluppo dell'arte metteva a confronto i creativamente sensibili con l'inevitabilità di lasciare il cubismo. Chiunque si fermasse al cubismo si fossilizzava come artista e veniva espulso dalla corrente principale dell'arte in via di sviluppo."
Anche il metodo creativo di P. Filonov, il suo sviluppo dei principi dell '"arte analitica" andava contro la geometrizzazione cubica.
Kazimir Malevich. Suprematismo
Illustrazioni:
K.S. Malevich. Auto ritratto. 1933. Museo statale russo
K.S. Malevich. Quadrato nero. Circa 1930. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo
K.S. Malevich. La cavalleria rossa galoppa.
Circa 1932. Museo Statale Russo
Kazimir Severinovich Malevich(1879-1935) - artista d'avanguardia, insegnante, teorico dell'arte, filosofo. Fondatore del Suprematismo.
SUPREMATISMO- il nome convenzionale di un movimento artistico d'avanguardia creato a metà degli anni '10. in Russia di K. Malevich. Il compito principale del movimento è esprimere la realtà più alta e assoluta in forme semplici. Viene preso in considerazione il dipinto di Malevich "Quadrato nero". manifesto visivo Suprematismo.
Come tipo di arte astratta, il Suprematismo era incarnato in combinazioni dei più semplici oggetti multicolori e di diverse dimensioni forme geometriche, formando composizioni permeate di movimento interno e armoniosamente equilibrate.
Alcuni artisti si avvicinano all'arte per dare risposte a domande universali ed esporre la bellezza del mondo. Altri creano per scoprire nuove sfaccettature dell'espressione personale e mostrare l'individualità della percezione.
Kazimir Malevich è diventato pittore per porre attraverso le sue tele le principali domande all'umanità. Come potrebbe essere l’arte del futuro? Come riflettere l'essenza delle cose? Cosa ci aspetta nel punto verso cui tende l’infinito? E infine, come arrivare allo zero e, andando oltre, scoprire l'inizio di tutto?
Artista-filosofo-inventore. Avendo iniziato il tuo percorso creativo Dal naturalismo, Malevich “provò” l’impressionismo, il futurismo e poi il cubismo. Rendendosi conto che tutto ciò era "piccolo" e non era in grado di riflettere pienamente la conoscenza dell'esistenza e della comprensione dell'arte che gli era stata rivelata, l'artista ha inventato una direzione completamente nuova nella pittura: il Suprematismo, in cui forma e colore erano riconosciuti come le principali dominanti della pittura.
Utilizzando figure geometriche multicolori come strumenti universali, Malevich è stato in grado di creare composizioni la cui profondità ed espressività erano illimitate e dipendevano solo dalla percezione dello spettatore.
Nel tentativo di comprendere l'essenza dell'arte e rendere tangibile il confine tra inesistenza e realtà, lui, facendo un passo nel futuro, ha creato “Quadrato nero”, un dipinto che sorprende per molti decenni, fa riflettere e guardare intensamente , cercando di trovare il punto dietro il velo oscuro dove la fine di tutto rinasce all'inizio.
Alcuni creano dipinti conosciuti e compresi da milioni di persone, mentre altri creano per pochi eletti. I dipinti di Malevich sono noti a molti, ma solo pochi li capiscono. Spaventano alcuni, affascinano altri e lasciano perplessi altri. Ma nessuno resta indifferente.
Michail Matyushin. Visualizzazione estesa
Illustrazioni:
PER ESEMPIO. Guro. Ritratto dell'artista Mikhail Matyushin. 1903. Museo statale di storia di San Pietroburgo
M.V. Matyushin. Movimento nello spazio. 1917-1919. Museo statale russo
Michail Vasilievich Matyushin(1861–1934) – pittore, violinista, compositore. Figura di spicco dell'avanguardia artistica pietroburghese. Artista e teorico dell'arte, amico di Malevich.
Nella pittura, Matyushin sviluppò la teoria della cultura organica, basata su una percezione ampliata dello spazio e del colore, e trascorse decenni a studiare l'influenza dei colori sulla forma e tra loro. Ha espresso le sue opinioni in articoli di programma "L'esperienza di un artista di nuova misura", "L'esperienza di un nuovo senso dello spazio", "Il modello di mutevolezza delle combinazioni di colori", ecc. Scrutando le figure colorate delle piramidi e parallelepipedi, si comincia a percepire l'effetto ottico descritto da Matyushin: “Con l'osservazione prolungata, le tonalità fredde danno alla forma una spigolosità, il colore è stellato, le tonalità calde, al contrario, creano una sensazione di rotondità della forma, il colore è arrotondato." Insegnò all'Accademia delle arti (1918-1926). Direttore del dipartimento di cultura biologica dell'Istituto di cultura artistica (1923-1926). Gli studenti e i seguaci di Matyushin formarono il gruppo “Zorved” (1923) e il Collettivo di Osservazione Estesa (“KORN”; 1930). I risultati della ricerca sono stati utilizzati a Leningrado per dipingere le case, e i designer di abbigliamento e di interni li usano ancora.
Paolo Filonov. Arte analitica
Illustrazioni:
P.N. Filonov. Formula della molla e forze attive. 1928-1929. Museo statale russo
P.N. Filonov. Porta Narva. 1929. Museo statale russo
P.N. Filonov. ultima cena. Fine anni '20 – prima metà degli anni '30. Museo statale russo
Pavel Nikolaevich Filonov(1883-1941) - grande artista russo, uno dei leader dell'avanguardia russa, fondatore e teorico dell'arte analitica. Un artista-ricercatore, come lui stesso si definiva ufficialmente, un poeta. La scuola Filonov, il gruppo dei “Maestri dell'Arte Analitica” (MAI), è una delle maggiori scuole dell'avanguardia russa.
ARTE ANALITICA- un metodo sviluppato e comprovato da Filonov in numerosi lavori teorici e nei suoi dipinti degli anni '10 e '20. Partendo dai principi del cubismo, Filonov ritenne necessario arricchire il suo metodo, limitato dal razionalismo, con il principio della “crescita organica” della forma artistica e della “madeness” dei dipinti. Nella sua arte Filonov è passato dal particolare al generale, dalle “particelle elementari” del mondo naturale e pittura per creare un’immagine olistica del mondo. Nel 1925 Filonov guidò la squadra dei “Maestri dell'arte analitica”.
La scuola Filonov è una delle maggiori scuole dell'avanguardia russa. Creato dall'artista Pavel Nikolaevich Filonov nel 1925, ufficialmente riconosciuto nel 1927 come gruppo di "Maestri di arte analitica" (MAI) ed esisteva fino al 1932, ma le lezioni continuarono fino alla fine della vita del maestro. Il metodo creativo del MAI si basava sui principi teorici di Filonov, che furono sviluppati nel manifesto “Made Pictures” (San Pietroburgo, 1914), nella “Dichiarazione del periodo d'oro del mondo” (Life of Art, 1923, Numero 20 , P.13), nel manoscritto “L’ideologia dell’arte analitica e il principio di cottura”.
LETTERA DI P. N. FILONOV A BEPE SHOLPO. Luglio 1928.
Da un articolo di Evgeny Kovtun:
L’artista ha sviluppato disposizioni sull’“occhio che vede” e sull’“occhio che conosce”. Il primo ha il compito di trasmettere forma e colore, con l'aiuto del secondo, “l'occhio sapiente”, l'artista, basandosi sull'intuizione, riproduce processi invisibili e nascosti. Ecco come scrive Filonov al riguardo: “Tutti vedono sotto angolo noto vista da un lato a in una certa misura, sia la parte posteriore che quella frontale di un oggetto, fa sempre parte di ciò che sta guardando - l'occhio più acuto non va oltre questo, ma l'occhio sapiente di un ricercatore-inventore - un maestro dell'arte analitica - si sforza di una visione esaustiva, per quanto possibile alla persona; guarda con la sua analisi e il suo cervello e con esso vede dove l’occhio dell’artista non arriva affatto.
Artisti d'avanguardia
Così, per esempio, vedendo solo il tronco, i rami, le foglie e i fiori, diciamo, di un melo, allo stesso tempo sappiamo o, analizzando, cerchiamo di scoprire come i succhi del terreno vengono presi e assorbiti dai viticci del radici, come questi succhi corrono verso l'alto attraverso le cellule del legno, come si distribuiscono in costante reazione alla luce e al calore, elaborati e trasformati nella struttura atomistica del tronco e dei rami, in foglie verdi, in fiori bianchi e rossi, in -mele giallo-rosa e nella corteccia ruvida di un albero. Questo è ciò che dovrebbe interessare al maestro, e non l'aspetto del melo. I pantaloni, gli stivali, la giacca o il volto di una persona non sono così interessanti quanto lo è il fenomeno del pensiero con i suoi processi nella testa di questa persona.”
Kovtun E.F. “Dalla storia dell'avanguardia russa” (P.N. Filonov) // Annuario del dipartimento dei manoscritti della Casa Pushkin. 1977. L., 1979. P. 216
Kovtun E.F. Breve spiegazione delle opere esposte, 1928 // Filonov P.N. Pittura. Grafica: dalla collezione del Museo di Stato russo: catalogo della mostra. L., 1988, pag. 108
Artisti d'avanguardia russi. Dipinti. Biografie
L'avanguardia russa è una delle tendenze arte modernista, sviluppato all'inizio del XX secolo. La principale caratteristica distintiva di questa tendenza è la sua accentuata natura polemica, la netta opposizione delle nuove tradizioni a quelle vecchie.
Questa caratteristica è espressa dal nome stesso della direzione: la parola "avant" significa "avanti" e la parola "garde" significa "protezione". L'avanguardia è caratterizzata dalla negazione di tutti i fondamenti su cui si basava in precedenza l'arte; questa direzione nega qualsiasi manifestazione della continuità delle tradizioni artistiche.
L'avanguardia russa era caratterizzata da una combinazione tra le tradizioni dell'arte russa e le tecniche della pittura dell'Europa occidentale. In Russia, diversi movimenti artistici furono uniti sotto il nome di “avanguardia” (avanguardia): arte astratta, suprematismo, costruttivismo, cubo-futurismo.
Gli artisti astratti cercavano di rendere l'arte astratta. Le immagini artistiche dovrebbero evocare un certo numero di associazioni, quindi forme e colori giocano un ruolo speciale nella creazione di qualsiasi tela. Il fondatore e principale rappresentante di questo movimento fu V. Kandinsky. Idee simili furono sostenute anche da N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich. Quest'ultimo, sviluppando le idee dell'astrattismo, ha creato una nuova direzione: il suprematismo.
L'opera programmatica di K. Malevich è stata il famoso dipinto “Quadrato nero”, in cui l'abilità artistica è ridotta al minimo. Nel Suprematismo vengono alla ribalta il colore e la combinazione di piani nell'immagine. Le idee del suprematismo si riflettevano in un modo o nell'altro nelle opere di A. Exter, N. Udaltsova, I. Klyun, O. Rozanova.
Il desiderio di fare in modo che l'arte non serva idee astratte, ma la produzione e le conquiste tecniche divennero la base del costruttivismo. Le idee di questa tendenza furono espresse più pienamente nell'architettura; nella pittura, i principali rappresentanti del costruttivismo furono E.
DESIGNER DELL'AVANGUARDIA RUSSA
Lisitsky e V. Tatlin.
Il cubofuturismo divenne un fenomeno di transizione che servì da base per molti altri movimenti dell’avanguardia russa. Questa direzione combinava le tradizioni del futurismo italiano e del cubismo francese. O. Rozanova, L. Popova, N. Udaltsova, N. Goncharova, A. Ekster, K. Malevich hanno lavorato nello spirito del cubo-futurismo in un certo periodo della loro creatività. Queste opere erano il più astratte possibile, astratte dalle forme specifiche della realtà e dalle regole tradizionali per creare un dipinto.
Sul nostro sito web puoi conoscere le migliori opere degli artisti russi dell'era delle "avanguardie".
Tutte le immagini dei dipinti degli artisti sono mostrate esclusivamente a scopo informativo ed educativo, sono liberamente disponibili su Internet, hanno una bassa risoluzione, il che le rende inadatte all'uso commerciale. Principio del fair use
Traccia. pp.: Orientamenti nella pittura del primo Novecento
Ministero dell'Istruzione della Federazione Russa
Università statale di Novgorod
prende il nome da Yaroslav il Saggio
Abstract sulla disciplina:
"Storia dell'arte russa"
Soggetto:"Avanguardia russa. Principali direzioni e maestri."
Completato dallo studente gr.2371:
Tsvetkova A.A.
Controllato:
Robezhnik L.V.
Velikij Novgorod
1. Introduzione.
1.1. Il concetto di avanguardia. E le sue differenze rispetto al modernismo…………..….…………….3
2. Parte principale.
2.1. L'avanguardia russa: i suoi obiettivi e le sue aspirazioni…………….…….….…………………6
2.2. Le principali direzioni dell'avanguardia……………….…………….………7
2.2.1 Arte astratta (arte astratta)………..…..8
2.2.2. Suprematismo……………….………………..10
2.2.3. Costruttivismo………………..….……………….…10
2.2.4. Futurismo………………..……….……………….11
2.2.5. Dadaismo…………..…………….……………………………………. 12
2.2.6. Surrealismo……………………………13
2.2.7. Espressionismo…………….….……………..…14
2.3. V.V.Kandinsky……………..................................................16
2.4. K.S. Malevich…………………….……..19
3 .Conclusione…………………………….……21
4. Riferimenti………………………….…….….22
1. Introduzione.
Il concetto di avanguardia. E le sue differenze rispetto al modernismo.
A quanto pare, una popolare trappola per orsi, ideale per depredare i critici d’arte in erba, è la domanda: “Qual è la differenza tra avanguardia e modernismo?
Questa questione è ancora controversa; Esistono diverse tradizioni forti per comprendere le differenze tra avanguardia e modernismo e c’è solo una via d’uscita: utilizzare la versione che sembra più intelligibile e logica.
In primo luogo, cronologicamente il modernismo ha preceduto l’avanguardia. L’avanguardia è un prodotto dell’era rivoluzionaria dell’inizio del XX secolo, mentre il modernismo è nato alla fine del XIX.
In secondo luogo, occorre prestare attenzione all'origine del termine: i primi ranghi dell'esercito erano tradizionalmente chiamati “avanguardia”; essere “all'avanguardia” significa essere davanti a tutti e in una situazione rischiosa e di combattimento. Il termine, come puoi vedere, è preso dal vocabolario militare. E per una buona ragione.
L'obiettivo utopico - una trasformazione radicale della coscienza umana attraverso i mezzi dell'arte - è stato ereditato dall'avanguardia dal modernismo; tuttavia, le avanguardie andarono oltre, suggerendo che attraverso l’arte fosse possibile riorganizzare non solo la coscienza, ma anche la società.
E infine, se il modernismo era principalmente una ribellione estetica, una rivoluzione all'interno dell'arte, non contro la tradizione stessa, ma al suo interno, allora l'avanguardia è una ribellione contro la tradizione artistica stessa, così come contro qualsiasi tradizione. Cito Lev Rubinstein: "Il modernismo sembra accettare i valori fondamentali dell'arte tradizionale, ma è impegnato nell'aggiornamento dei mezzi artistici per risolvere i cosiddetti problemi eterni dell'arte. In questo senso, è la stessa arte tradizionale, ma occupata con un nuovo linguaggio per descrivere la stessa cosa. L'avanguardia crea costantemente altra arte, rinnova non i suoi mezzi, ma l'oggetto stesso dell'arte. Inoltre, l'avanguardia implica una posizione sociale attiva dell'artista, che era, di fatto grande, prima fuori discussione. Essendo di natura rivoluzionaria, l'avanguardia, di regola, è combinata con convinzioni politiche radicali; per esempio, è ben noto che molti surrealisti erano comunisti. E l'avanguardia russa, come noi sapete, ci siamo messi in fila ordinate per servire la causa della Rivoluzione d'Ottobre. Questa, ovviamente, non è finita bene...
In generale, è triste e divertente tracciare due percorsi fondamentalmente diversi che hanno portato alla crisi delle avanguardie. Nella società liberale occidentale, verso la metà del secolo, l’avanguardia perse gradualmente il pathos del “confronto”, e con esso l’ottimismo “utopico” e l’energia rivoluzionaria; L'avanguardia, contrariamente alla sua natura, è diventata una tradizione estetica, una delle. In una situazione totalitaria (soprattutto nell’URSS e nella Germania di Hitler), l’avanguardia fu dichiarata arte antipopolare (o “degenerata”) e fu semplicemente bandita, cancellata dalla censura dalla storia dell’arte.
Tuttavia, piuttosto che lamentare la “fine dell’avanguardia”, noto che molte delle sue idee, strategie e ambizioni sono state resuscitate, ripensate e adottate da artisti radicali degli anni Novanta.
Avanguardia (-ismo)- (avantgardisme francese, da avant-garde - avanguardia) Il nome convenzionale dei movimenti artistici e la mentalità degli artisti del XX secolo che li hanno uniti... che sono caratterizzati dal desiderio di un rinnovamento radicale della pratica artistica, di una rottura con i suoi principi e tradizioni consolidati (incluso il realismo), la ricerca di contenuti, mezzi di espressione e forme di opere nuovi, insoliti, il rapporto degli artisti con la vita. I movimenti contraddittori dell'avanguardia riflettevano gli antagonismi sociali più acuti dell'epoca, riflettevano confusione e disperazione di fronte alle catastrofi sociali e il desiderio di trovare nuovi modi di influenza estetica sulla vita reale. Caratteristiche dell'avanguardia nel XX secolo. si manifestarono in una serie di scuole e movimenti del modernismo, che si svilupparono intensamente nel periodo 1905-30. (fauvismo, cubismo, futurismo, espressionismo, dadaismo, surrealismo, arte astratta, una serie di movimenti razionalisti del modernismo, ecc.). In realtà era un movimento rivoluzionario, ma negli anni '30 si estinse come movimento popolare. Solo dopo la seconda guerra mondiale 1939-45 nell'arte di numerosi paesi occidentali. Europa e lat. In America, insieme al rafforzamento della posizione dell’arte realisticamente “impegnata”, c’è una rinascita delle tendenze d’avanguardia. Emerge il neoavanguardia, ora completamente nel quadro del modernismo.
I principali rappresentanti di questo movimento in Russia sono V. Malevich, V.
Avanguardia russa nella pittura: artisti, movimenti, tratti caratteristici
Kandinsky, M. Larionov, M. Matyushin, V. Tatlin, P. Kuznetsov, G. Yakulov, A. Ekster, B. Ender e altri.
2. Parte principale.
2.1.Avanguardia russa, i suoi obiettivi e aspirazioni.
Come le tendenze del modernismo che l'hanno preceduta, l'avanguardia mirava a una trasformazione radicale della coscienza umana attraverso i mezzi dell'arte, a una rivoluzione estetica che distruggesse l'inerzia spirituale della società esistente - mentre la sua strategia artistica e utopica e le tattiche erano molto più decise, anarchiche e ribelli.
Non contenta di creare squisiti “focolai” di bellezza e mistero, opponendosi alla basilare materialità dell’esistenza, l’avanguardia ha introdotto nelle sue immagini la materia grezza della vita, la “poetica della strada”, il ritmo caotico della città moderna, natura, dotata di una potente forza creativo-distruttiva, più di una volta ha sottolineato in modo dichiarativo nelle sue opere il principio di “anti-arte”, rifiutando così non solo gli stili precedenti e più tradizionali, ma anche il concetto consolidato di arte in generale. L'avanguardia era costantemente attratta dagli “strani mondi” della nuova scienza e tecnologia: da essi trasse non solo trame e motivi simbolici, ma anche molti disegni e tecniche. D'altra parte, l'arte includeva sempre più l'arcaismo “barbaro”, la magia antica, la primitività e il folklore (sotto forma di prestiti dall'arte dei neri in Africa e dalla stampa popolare popolare, da altre sfere della creatività “non classica”, precedentemente esterne ambito delle belle arti).
Le avanguardie hanno dato un’urgenza senza precedenti al dialogo globale delle culture.
2.2. Le principali direzioni dell'avanguardia.
In linea di principio, i fenomeni d'avanguardia sono caratteristici di tutte le fasi transitorie nella storia della cultura artistica e dei singoli tipi d'arte. Nel Novecento, invece, il concetto di avanguardia ha acquisito il significato di termine per designare un fenomeno potente della cultura artistica, coprendone la quasi totalità dei fenomeni più o meno significativi. Nonostante tutta la diversità e diversità dei fenomeni artistici inclusi in questo concetto, hanno radici culturali e storiche comuni, un'atmosfera comune che li ha generati e molte caratteristiche e tendenze comuni nella presentazione automobilistica. L'avanguardia è, prima di tutto, una reazione della coscienza artistica ed estetica a una svolta globale, mai incontrata nella storia dell'umanità, nei processi culturali e di civiltà causati dal progresso scientifico e tecnologico (STP) del secolo scorso. L'essenza e il significato per l'umanità di questo processo culturale simile a una valanga sono ancora lungi dall'essere pienamente compresi e adeguatamente compresi dal pensiero scientifico e filosofico, ma per molti aspetti si è già espresso abbastanza pienamente nella cultura artistica nei fenomeni di avanguardia. avanguardia, modernismo e postmodernismo.
L'avanguardia è un fenomeno estremamente eterogeneo, contraddittorio, anche per certi versi fondamentalmente antinomico. In esso, correnti e direzioni convivevano in una lotta inconciliabile tra loro e con tutto e tutti, ma anche in costante interazione e influenza reciproca, affermando e scusandosi determinati fenomeni, processi, scoperte in tutte le sfere del campo culturale e di civiltà del loro tempo. , e aspramente coloro che li negavano.
I tratti caratteristici e comuni della maggior parte dei fenomeni d'avanguardia includono la loro natura consapevole e altamente sperimentale; pathos distruttivo rivoluzionario nei confronti dell'arte tradizionale (specialmente la sua ultima fase - nuova europea) e dei valori culturali tradizionali (verità, bontà, santità, bellezza); una dura protesta contro tutto ciò che ai suoi creatori e partecipanti sembrava retrogrado, conservatore, filisteo, borghese, accademico; nelle arti visive e nella letteratura - un rifiuto dimostrativo di quanto stabilito nel XIX secolo.
immagine “diretta” (realistico-naturalistica) della realtà visibile, ovvero principio mimetico nel senso stretto del termine (vedi: Mimesis); un desiderio sfrenato di creare qualcosa di fondamentalmente nuovo in ogni cosa e, soprattutto, nelle forme, nelle tecniche e nei mezzi di espressione artistica; e da qui la natura spesso dichiarativa-manifestativa e scioccante-scandalosa della presentazione da parte dei rappresentanti dell'avanguardia di se stessi e delle loro opere, tendenze, movimenti, ecc.; il desiderio di sfumare i confini tra le forme d'arte tradizionali per la moderna cultura europea, la tendenza a sintetizzare le singole arti (in particolare, basate sulla sinestesia) e la loro compenetrazione.
Suprematismo, costruttivismo (K. Malevich, V. Tatlin, A. Rodchenko)
Precedente891011121314151617181920212223Avanti
Suprematismo, costruttivismo (K. Malevich, V. Tatlin, A. Rodchenko) (dal latino supremus - più alto) - un movimento nell'arte d'avanguardia fondato nella prima metà degli anni '10. K.S. Malevich.
Il suprematismo è stato espresso:
· inutilità
· una combinazione di piani multicolori delle forme geometriche più semplici (nelle forme geometriche di una linea retta, quadrato, cerchio e rettangolo).
· La combinazione di figure geometriche multicolori e di diverse dimensioni forma equilibrate composizioni suprematiste asimmetriche permeate di movimento interno.
· priorità del colore e delle forme elementari come componenti primarie
Il suprematismo è l'attuazione nell'arte di un progetto di un ordine mondiale razionalistico.
L'avanguardia russa da Chagall a Malevich è rappresentata all'Albertina di Vienna
In conformità con il luogo che entro la fine del XIX secolo. La scienza ha preso il sopravvento (e alla fine ha preso il posto che in ogni momento apparteneva al principio sacro), gli artisti sono ora sempre più alla ricerca di una giustificazione scientifica per le loro aspirazioni. Approccio scientifico richiede che la teoria preceda la pratica. Di conseguenza, l'estetica (come l'etica) cessa di essere un criterio di verità e necessita essa stessa di verifica. A giudicare dai manifesti dei gruppi artistici, stiamo parlando della scoperta di alcune leggi “fondamentali” dell'arte.
Artisti: I. Klyun, O. Rozanova, L. Popova, El Lissitzky e altri.
Malevich K.S.- artista d'avanguardia, insegnante, teorico dell'arte, filosofo
È arrivato al Suprematismo dal Cubismo.
Nel 1913-1914 Malevich per la prima volta superò il sistema dell'imitazione, variando e sviluppando le idee pittoriche del cubismo e del futurismo; crebbe quella qualità che l'artista stesso definì con la parola “alogismo”, considerandola caratteristica specifica Cubismo russo. Lo “Zaumy” e l’alogismo sono strumenti di distruzione.
L’impulso finale per la creazione della teoria del Suprematismo da parte di Malevich fu il suo lavoro sulle illustrazioni per la prima edizione del libretto di La Vittoria sul Sole (1913-1918). Qui in copertina c'è piazza suprematista, che qui appare come una rampa quadrata o una cortina.
All'inizio degli anni '30, la situazione politica nel paese e, di conseguenza, nell'arte, cambiò in modo significativo.
I movimenti innovativi furono dapprima sottoposti a aspre critiche, e poi furono completamente banditi, in quanto borghesi. I costruttivisti si trovarono in disgrazia. Quelli di loro che non volevano “ricostruire” conducevano un’esistenza miserabile fino alla fine dei loro giorni (o addirittura si ritrovavano repressi). Secondo alcuni autorevoli scienziati nell'URSS nel 1932-1936. Esisteva uno “stile di transizione”, convenzionalmente chiamato “post-costruttivismo”.
Negli anni ’60, quando iniziò la lotta contro gli “eccessi architettonici”, si ricordarono nuovamente le conquiste dei costruttivisti. Studiare il loro patrimonio è diventato obbligatorio per i giovani architetti. E dall'inizio degli anni '90, molte idee non realizzate degli anni '20 sono diventate realtà. Un esempio è il complesso commerciale “Tre Balene” sull’autostrada di Minsk (progettato nello spirito degli anni Venti), alloggi di lusso di vario tipo a Mosca e altri edifici della metropoli moderna.
Pertanto, possiamo trarre la seguente conclusione che le direzioni principali dell'avanguardia russa erano: futurismo, cubo-futurismo, suprematismo e costruttivismo. Nonostante il futurismo e il cubo-futurismo appartengano a direzioni diverse dell’avanguardia russa, sono simili. Il cubo-futurismo fu una conseguenza di tendenze come il cubismo, che non era molto diffuso in Russia, e il futurismo. Inoltre, i rappresentanti del futurismo, principalmente poeti (i gruppi "Gilea", "Mezzanino della poesia", "Centrifuga") nel tempo iniziarono a rappresentare una nuova direzione: il cubo-futurismo. Ma il suprematismo e il costruttivismo sono abbastanza direzioni indipendenti, ognuno dei quali aveva le sue caratteristiche speciali e uniche, nonché i suoi rappresentanti di spicco.
Capitolo III. Figure di spicco dell'avanguardia russa
3.1 Artisti
Uno dei rappresentanti più importanti dell'avanguardia, Wassily Kandinsky, è uno degli scopritori del nuovo linguaggio artistico del XX secolo, e non solo perché è stato lui a “inventare” l'arte astratta, ma ha saputo darle scala, scopo, spiegazione e alta qualità.
IN primi lavori Le impressioni di Kandinsky dalla natura servirono come base per creare paesaggi luminosi e colorati, a volte con trame romantiche e simboliche ("Il cavaliere azzurro", 1903). Metà e seconda metà del '900. passato sotto il segno della passione per l'antichità russa; nei dipinti “Song of the Volga” (1906), “Motley Life” (1907), “Rock” (1909), l'artista ha combinato le caratteristiche ritmiche e decorative dell'Art Nouveau russo e tedesco (Jugendstil) con le tecniche del puntinismo e stilizzazione sotto stampa popolare. In alcune delle sue opere, Kandinsky sviluppò fantasie retrospettive caratteristiche dei maestri del circolo del “Mondo dell'Arte” (“Ladies in Crinolines”, olio, 1909, Galleria Tretyakov) (Appendici 1,2).
I suoi dipinti degli anni pre-rivoluzionari e rivoluzionari avevano una vasta gamma stilistica: pur continuando a creare tele espressive-astratte (“Smutnoe”, 1917, Galleria Tretyakov, “White Oval”, 1920, Galleria Tretyakov, ecc.), l'artista scrisse anche dipinti naturalistici realistici generalizzati di paesaggi ("Mosca. Piazza Zubovskaya", "Giorno invernale. Smolensky Boulevard", entrambi intorno al 1916, Galleria Tretyakov), non rinunciò alla pittura su vetro ("Amazzonia", 1917), e creò anche dipinti che combinavano elementi figurativi e inizio decorativo-non oggettivo (“Mosca. Piazza Rossa”, 1916, Galleria Tretyakov).
Kandinsky, come tutti i maggiori maestri dei tempi moderni, ha avuto un carattere universale attività artistica. Ha studiato non solo pittura e grafica, ma anche musica (fin dalla tenera età), poesia e teoria dell'arte. L'artista decorò interni, realizzò schizzi di dipinti su porcellana, disegnò modelli di abiti, creò schizzi di applique e mobili, si dedicò alla fotografia e si interessò al cinema. Colpisce la straordinaria attività organizzativa di Kandinsky in tutte le fasi del suo lavoro. percorso di vita. Ciò è già visibile nella sua organizzazione della prima associazione - “Phalanx” (estate 1901).
Un altro rappresentante di spicco è Kazimir Malevich (1878-1935), che iniziò davvero a parlare non solo nei circoli artistici, ma anche nella stampa generale dopo la mostra successiva, in cui mostrò i cosiddetti dipinti suprematisti, in altre parole , astrazioni geometriche. Da allora, Malevich, purtroppo, cominciò a essere considerato solo un artista del Suprematismo e persino l'artista di un dipinto, "Quadrato nero". Malevich ha in parte sostenuto lui stesso questa fama. Credeva che il Quadrato Nero fosse l'apice di tutto. Malevich era un pittore versatile. Negli anni '20 e '30 scrisse un ciclo contadino e poco prima della sua morte iniziò a dipingere ritratti nello spirito degli antichi maestri, paesaggi nello spirito dell'impressionismo.
Malevich, artista russo, fondatore del Suprematismo, uno dei pochi in Russia che ha lavorato nelle direzioni del cubismo e del futurismo. Fu immeritatamente dimenticato nell'Unione Sovietica, sebbene il suo lavoro sia una delle pagine più luminose dell'arte artistica mondiale della prima metà del XX secolo. Partecipante Kazimir Malevich mostre famose"Il fante di quadri" (1910), "La coda dell'asino" (1912), uno dei pilastri dell'avanguardia russa e poi sovietica. Il suprematismo si basa sulla combinazione delle forme geometriche più semplici su un piano, dipinte con colori contrastanti. Il famoso "Quadrato Nero" (1913) divenne un manifesto dell'arte non oggettiva e non figurativa, punto di partenza dell'astrattismo. Nel 1919 si tenne la X Mostra statale intitolata "Creatività senza oggetto e suprematismo" e nel dicembre 1919 - gennaio 1920 si tenne la XVI Mostra statale con una retrospettiva "Kazimir Malevich. Il suo percorso dall'impressionismo al suprematismo". Le mostre presentavano sia barelle concettuali con tele bianche che un ciclo di dipinti misteriosamente meditativi “White on White” con “White Square on White”.
Le creazioni degli artisti d'avanguardia russi dell'inizio del secolo fecero esplodere la coscienza artistica. E allo stesso tempo, il suprematismo di Malevich è apparso come una fase naturale nello sviluppo dell’arte russa e mondiale. Lo stesso Kazimir Malevich ha derivato il Suprematismo dal Cubismo. Alla mostra in cui furono presentati i suoi primi dipinti suprematisti, distribuì un opuscolo intitolato “Dal cubismo al suprematismo”. Successivamente cominciò a prestare attenzione alle origini ancora più antiche di questa tendenza. Quasi tutta la pittura che ha preceduto l'arte del 20 ° secolo è stata inclusa in questo flusso e Malevich credeva che fosse l'arte dell'astrazione geometrica a coronare questo potente movimento mondiale (Appendici 3,4).
I.A. era affascinato dalle idee del Suprematismo. Puni, IV. Clune e altri. Klyun, a differenza di Malevich, a cui pochi anni dopo si ribellò violentemente principi estetici la nuova era del Simbolismo e dell'Art Nouveau, non solo rimase più a lungo, ma ne trasse anche molto di più di Malevich: l'attrazione per la linearità, per l'organizzazione decorativa del piano, per il ritmo. Nelle composizioni di Klyun, le forme appassiscono come fiori e regna la pace o la tristezza elegiaca; le figure orientali curve e che si muovono lentamente sembrano essere in uno stato di meditazione (“Famiglia”). Malevich sembra scortese e goffo accanto a lui, le sue opere simboliste a volte sembrano ridicole - a Kliun sono abbastanza “normali”, in linea con le tendenze pittoriche della società Salon di Mosca, di cui è stato uno dei fondatori.
Filonov Pavel Nikolaevich (1883-1941), pittore e grafico russo. In opere simboliche e drammaticamente intense, cercò di esprimere i modelli spirituali e materiali generali del corso della storia del mondo ("La festa dei re", 1913). (Appendice 5). Da ser. 1910 difendeva i principi dell '"arte analitica", basata sulla creazione di composizioni altamente complesse capaci di dispiegarsi caleidoscopico infinito ("Formula del proletariato", 1912-13, "Formula della primavera" 1928-29). Gli studenti di Filonov formarono il gruppo " Maestri dell'Arte Analitica”.
Le profonde riflessioni filosofiche e culturali di Filonov determinarono la struttura artistica e plastica dei dipinti “Ovest e Oriente”, “Est e Occidente” (entrambi 1912-13), “Festa dei Re” (1913), ecc. Il tema della moderna civiltà urbana , in contrasto con la sua glorificazione da parte dei futuristi europei, fu presentato dal maestro russo come una fonte di persone malvagie e deturpanti; il pathos antiurbano determinò il suono semantico di molti dipinti, comprese le opere “Uomo e donna” (1912-13) , “Lavoratori” (1915-16), il disegno “Costruire una città” (1913), ecc. In un altro gruppo di opere, le tele “Famiglia contadina (Sacra famiglia)” (1914), “Cowsheds” (1914), il ciclo “Entrare nel periodo d'oro del mondo”, seconda metà degli anni '10, disegni “San Giorgio il Vittorioso” ( 1915), “Madre” (1916), ecc. L'artista ha incarnato i suoi sogni utopici del futuro regno di giustizia e bontà sulla terra.
Tatlin Vladimir Evgrafovich (1885-1953) artista, designer, scenografo russo, uno dei maggiori rappresentanti del movimento innovativo nell'arte del XX secolo, fondatore del costruttivismo artistico.
Le opere più significative furono le tele “Marinaio (Autoritratto)” (1911, Museo Russo), “Venditore di pesci” (1911, Galleria Tretyakov) - insieme ai magnifici “Modelli” e nature morte, impressionarono per la loro espressività e disegno generalizzato, chiara costruttività della composizione, a testimonianza della padronanza di tecniche innovative l'ultimo art. Allo stesso tempo, in essi emergeva chiaramente una connessione genetica con l'antica arte russa, la pittura di icone e gli affreschi: Tatlin trascorreva molto tempo studiando e copiando esempi di antica arte russa durante i mesi estivi dei suoi anni da studente.
Tatlin divenne rapidamente famoso tra gli artisti d'avanguardia russi; partecipò all'illustrazione di libri futuristici, nel 1912 organizzò il proprio studio a Mosca, nel quale dipinsero molti “artisti di sinistra”, conducendo studi analitici sulla forma. Da questo momento fino alla fine degli anni '20. Tatlin fu una delle due figure centrali dell'avanguardia russa, insieme a K.S. Malevich, in competizione con il quale ha sviluppato il suo scoperte artistiche, che costituì la base del futuro movimento costruttivista.
AGGIUNGI UN COMMENTO[possibile senza registrazione]
Prima della pubblicazione, tutti i commenti vengono esaminati dal moderatore del sito - lo spam non verrà pubblicato