"Orfeo - un trovatore stanco"
©Giorgio de Chirico
Metà fisico
Quasi nessuno guarda autoritratto di Giorgio de Chirico 1945 
, dove si raffigura nudo, dirà: “Che ottima forma fisica!” Piuttosto: “Che forma metafisica!” De Chirico è sempre stato un vecchio o un bambino prematuramente invecchiato – e tale rimase per tutta la vita. Ed è proprio per questo che con la sua arte per molti versi era in anticipo sui tempi.
Inventò, ad esempio, la pittura metafisica a Milano nel 1909 insieme al fratello Andrea, che in seguito prese lo pseudonimo di Alberto Savinio. Chiama i suoi dipinti "misteri" - e le piazze veramente deserte, la luce del sole al tramonto e le lunghe ombre ricordano l'atmosfera misteriosa e gelata di metà agosto nel quartiere romano di Eure. L'architettura nei dipinti di de Chirico prefigura l'architettura del periodo fascista: razionale, evirata, fredda, come progettata per essere abbandonata o per migrare nei film altrettanto metafisici e misteriosi di Michelangelo Antonioni. Tuttavia, a differenza dei film di quest’ultimo, dove il tempo scorre, seppur molto lentamente, nei dipinti di de Chirico sembra essersi fermato. È impossibile addormentarsi davanti a loro; inoltre, la loro atmosfera fredda trasmette allo spettatore una strana sensazione di ansia.
"Malinconia pomeridiana"
©Giorgio de Chirico
In effetti, la metafisica ha poco in comune con la pittura. È stato inventato dal filosofo Aristotele per cercare di spiegarci il mondo delle idee, non la storia dell'arte. De Chirico utilizzava questo concetto solo per decidere se un dipinto potesse raccontare qualcosa che non si vede, cioè un'idea che esiste solo nella nostra testa. "L'enigma di una giornata d'autunno" (1909), raffigurante Firenze nelle sembianze di Chernobyl un anno dopo l'incidente, è infatti più di un semplice dipinto, ma piuttosto uno stato d'animo, un ricordo, un'esperienza, una malinconia o qualcosa che somiglia al frontespizio di una raccolta di poesie Leopardi.
De Chirico preferiva il mondo immaginario alla rappresentazione del mondo reale. Ha fatto esattamente la stessa cosa nella sua vita: quando qualcosa non gli piaceva, semplicemente faceva finta che non esistesse, oppure si inventava qualcosa di meglio. Ad esempio, preferì datare la pittura metafisica al 1910, e designò Firenze, piuttosto che Milano, come sua città natale. A De Chirico non piaceva Milano, che gli ricordava una ragazza sfacciata. Ma adorava Firenze e Torino, due gentiluomini di mezza età in sovrappeso. Troverà poi l'incarnazione delle sue amate Firenze e Torino, prima nella ballerina russa Raisa Gurevich, che sposò nel 1924, e poi in Isabella Isa, un'altra emigrante russa, che incontrò nel 1932 e dalla quale non si separò fino alla fine. della sua vita. Iza non era solo sua moglie, ma anche la sua manager e madre, dalla quale l'artista dipendeva come un bambino piccolo. Con lei si trasferì a Roma, in un appartamento in Piazza di Spagna, dove visse fino alla morte.
"Malinconia pomeridiana"
©Giorgio de Chirico
Ma prima ancora de Chirico, come ogni artista che si rispetti del primo Novecento, si recò a Parigi per incontrare Picasso e riceverne l'approvazione, per entrare nella cerchia di Apollinaire e dei surrealisti, poeti e artisti. A Parigi, le sue opere divennero così iconiche che persino artisti come Salvador Dalì iniziarono a imitarle. Ma quando decise di cambiare stile, fu immediatamente espulso per aver tradito la causa del surrealismo dal capo del movimento, il poeta André Breton. Il quale, a quanto pare, era anche molto insoddisfatto del crescente interesse degli intellettuali parigini per alcuni italiani.
"Metafisica interiore con la testa di Mercurio"
©Giorgio de Chirico
Le migliori opere di De Chirico furono realizzate in dieci anni, dal 1909 al 1919. Poi comincia davvero a invecchiare, dichiarandosi antimodernista, diventando così, contro la sua volontà, un presagio di postmodernismo. Nessuno potrebbe davvero spiegare il significato di questo termine incomprensibile, diventato molto di moda a metà degli anni '70 - tranne che permette di mescolare poco a poco stili diversi, creando opere di non molto buon gusto, kitsch.
Come la maggior parte degli artisti, de Chirico fu compreso tardivamente: la sua prima mostra fu inaugurata a Roma alla Galleria Bragaglia solo nel 1919. Ma anche l'unico dipinto su di esso fu venduto, e Roberto Longhi, la cui parola in quei giorni decise il destino dell'artista, lo attaccò con critiche. In effetti Longhi non aveva tutti i torti. Col passare del tempo, i dipinti di de Chirico iniziarono a perdere la loro aura di mistero e somigliavano troppo alle illustrazioni dell’Iliade, somigliando a volte a cumuli complessi.
"Archeologi"
©Giorgio de Chirico
Nel 1935 parte per New York, dove riscontra un enorme successo e la collaborazione con Vogue e Harper's Bazaar. Con lo scoppio della seconda guerra mondiale ritorna in Europa e inizia a dipingere autoritratti in costume da gentiluomo del XVII secolo, entrando così nel suo periodo “barocco” e dimostrando così o uno straordinario senso dell'umorismo o primi segni di demenza. . Poi, su suggerimento della moglie, l'artista prende la cattiva abitudine di mettere date false sui suoi dipinti, finendo per confondere tutti, compreso se stesso, e smettere di distinguere i falsi dagli originali. Se sia diventato un rimbambito o un truffatore, non lo sapremo mai, ma quando si è imbattuto nel suo stesso dipinto, che non gli piaceva più, ci ha scritto sopra "Fake" - per evitare malintesi e quindi
perturbando gravemente il mercato.
Ma il tempo è ancora generoso e negli anni '60 e '70, nonostante la circolazione sul mercato di un gran numero di falsi con la sua firma, il nostro grande artista inizia a ricevere attenzioni, onori e riconoscimenti.
È esposto in prestigiosi musei. Iniziò di nuovo a dipingere nello stile metafisico appena alla moda e a creare terribili sculture in bronzo: una tappa obbligata per tutti gli artisti famosi della sua generazione. Avendo perso la profondità insita nel mistero e lo spirito ribelle della giovinezza, de Chirico scopre la serenità della vecchiaia e la semplice gioia di comporre enigmi e sciarade. Pertanto, la pittura degli ultimi anni è più un rebus che un enigma. Molti artisti delle generazioni successive si ispireranno alle sue opere, tra cui l'artista transavanguardia Sandro Chia. E anche Fumito Ueda, il creatore della PlayStation 2, ha reso omaggio a de Chirico con i suoi giochi best-seller Ico e Shadow of Colossus.
Recluso, interpretando se stesso, l'unico personaggio della storia dell'arte, Giorgio de Chirico muore il 20 novembre 1978 all'età di novant'anni. A questo punto le sue piazze metafisiche non saranno più deserte: si riempiranno di studenti e di poliziotti mobili. Invece di una leggera brezza occidentale, si addensò una pesantezza plumbea. In tempi di impennata rivoluzionaria, nessuno ha bisogno né della premurosità senza tempo dell'architettura di Giorgio de Chirico né dei suoi manichini.
Un'altra grandiosa mostra è stata inaugurata alla Galleria Tretyakov: una retrospettiva di Giorgio de Chirico, pioniere della pittura metafisica e precursore del surrealismo. Prima di percorrere la mostra “Approfondimenti Metafisici”, abbiamo deciso di raccogliere tutte le cose più interessanti dell’opera di de Chirico e di guardare il suo lavoro attraverso gli occhi degli esperti.
Metafisica di Chirico
“La metafisica di Giorgio de Chirico nasce a Firenze nel 1910, quando dipinge il dipinto “L'enigma di un pomeriggio d'autunno”, in cui rielabora in modo misterioso l'immagine del monumento a Dante in Piazza Santa Croce. Il dipinto costituisce la prima tappa di una ricerca pittorica che occupò un posto centrale nell'arte italiana della prima metà del secolo scorso. De Chirico si rivolge alla metafisica perché sente il bisogno di restituire alla pittura la “trama” che aveva completamente perso durante la rivoluzione fauvista e cubista, una rivoluzione che si concentrava sulla forma e apriva la strada all'arte astratta. De Chirico compie una vera e propria rivoluzione: all'intreccio narrativo dichiaratamente dichiarato che la pittura intende illustrare contrappone una trama sfuggente e misteriosa. La trama diventa un mistero”. Maurizio Calvesi, storico dell'arte.
Archeologia de Chirico
“Nei dipinti metafisici di de Chirico appare un’architettura magica nella sua atmosfera, simile a quella che si può vedere nei dipinti del Quattrocento italiano. De Chirico, cresciuto in Grecia, ha sviluppato fin dall'infanzia un "senso dell'archeologia", che lo ha aiutato a vedere la natura multistrato della nostra coscienza, i frammenti che la riempiono - questi frammenti rimangono inosservati per molto tempo, e poi all'improvviso , per qualche motivo sconosciuto, galleggiano in superficie. Questo mondo in parte perduto appare negli spazi semivuoti, delimitati da logge e archi, nelle lunghe ombre che calano a mezzogiorno, nel silenzio. Le stesse figure compaiono nella “Piazza d’Italia”, ad esempio, la triste Arianna dei Musei Vaticani, manichini e strumenti da disegno. Nel 1917, elementi ripetuti permetteranno a de Chirico di sviluppare una teoria basata sull'idea dell'eterno ritorno: essa è espressa più chiaramente dall'abbraccio impossibile, che si riferisce alla storia di Ettore e Andromaca (1917).
De Chirico e il passato
“Dal 1968 de Chirico ha studiato elementi formali di altri artisti, riproponendoli e combinandoli nel suo lavoro. Dietro questo c’era un approccio apertamente analitico. De Chirico utilizzò numerosi elementi della tradizione artistica, che va dai “primitivi” ai maestri del Rinascimento e del Barocco, per finire con i grandi paesaggisti operanti a cavallo tra XVII e XVIII secolo. Al termine di questo viaggio nel passato, non ha potuto fare a meno di riconsiderare la propria opera di pittore, iniziata oltre mezzo secolo fa, creando la famosa Metafisica.” Gianni Mercurio, storico dell'arte.
De Chirico e Sergej Diaghilev
“Nel 1929, l’artista accettò l’offerta di Diaghilev di diventare lo scenografo del balletto “The Ball” e andò a Monte Carlo, dove era prevista la produzione. Nelle sue memorie scrive: “Diaghilev, un balletomane, ha invitato gli artisti più importanti a dipingere scene e costumi. Sono stato anche invitato per un balletto intitolato Le Bal sulla musica del compositore Rietti; questo balletto fu rappresentato a Monte Carlo nella primavera del 1929 e nell'estate a Parigi al Teatro Sarah Bernhardt. E 'stato un grande successo; verso la fine il pubblico applaudinte ha cominciato a gridare: “Sciricò! Scirico! Sono stato costretto a salire sul palco per inchinarmi insieme a Rietti e ai ballerini principali”. Diaghilev non fu l’unico imprenditore russo a rivolgersi a de Chirico: negli anni Trenta Nikolai Benois divenne direttore di produzione dell’Opera di Milano, invitando de Chirico, insieme ad altri famosi artisti italiani, a ideare spettacoli.
De Chirico e Kazimir Malevich
Kazimir Malevich fu il primo a mostrare interesse per de Chirico e a rispondere alla sua arte. Alla fine degli anni '20 si immerse negli esperimenti post-suprematisti, integrando i principi artistici e filosofici del Suprematismo nella creatività figurativa. Malevich era interessato a ricerche simili in quest'area, e de Chirico si rivelò uno di questi maestri - sebbene la sua figuratività non si evolvesse dai movimenti d'avanguardia del 1900, ne teneva conto. Di tutto l'arsenale artistico di de Chirico (negli anni '20 si rivolse al neoclassicismo, provocando l'indignazione dei surrealisti), a quel tempo la pittura metafisica divenne la più consonante con le aspirazioni di Malevich, risolvendo problemi plastici e figurativi di oggettività nel quadro e in lo spirito della moderna comprensione dei compiti dell’arte. Tatyana Goryacheva, curatrice della mostra Giorgio de Chirico alla Galleria Tretyakov.
In che cosa de Chirico e Cindy Sherman sono simili?
“Alla fine degli anni '80, Cindy Sherman stava lavorando ai ritratti storici. In queste fotografie a colori, utilizzando protesi, maschere e trucco (tutti enfatizzati anziché nascosti), Sherman ricrea una lunga serie di ritratti e dipinti del passato - alcuni dei quali esistono realmente (ad esempio, l'artista si ispira all'opera di Caravaggio, Fouquet, ecc.), altri sono fittizi. Sherman si fotografa, crea composizioni sceniche, si comporta come un regista, struttura attentamente la scena: tutto è credibile e falso allo stesso tempo. Fin dall'inizio, il tema del travestimento è stato importante per l'artista. Ciò riecheggia chiaramente il modo in cui de Chirico non solo riciclava elementi presi in prestito da ritratti del passato, ma anche il modo in cui enfatizzava il prestito provando effettivamente costumi d'epoca. Gianni Mercurio, storico dell'arte.
Tratto dalla pubblicazione “De Chirico. Nostalgia dell'infinito." Galleria statale Tretyakov.
Piazze deserte delle grandi città, logorate dal sole di mezzogiorno o stanche dopo il tramonto... Colonne e archi antichi, che svettano fieri e solitari dal suolo... Statue che guardano in silenzio questa malinconia... Quadri Giorgio de Chirico intriso non solo di pittura, ma anche di mistero, ansia, silenzio.
L'artista ha detto: "Non dobbiamo dimenticare che l'immagine dovrebbe essere il riflesso di una sensazione interna, e interno significa strano, strano significa sconosciuto o non del tutto noto.".
Molti credono che l'azione nei dipinti di de Chirico si svolga nella dimensione del sogno. Su queste tele tutto è credibile e surreale allo stesso tempo, come nei “video notturni del subconscio”. Strane combinazioni di oggetti, strana atmosfera, realtà fantastica. In realtà, tutto questo non è proprio così. Tutte queste sono caratteristiche della direzione artistica inventata da de Chirico: la pittura metafisica.
L'artista fondò questo movimento insieme all'amico Carlo Carrà agli inizi del XX secolo. La popolare Wikipedia fornisce la seguente spiegazione della pittura metafisica: “Nella pittura metafisica, la metafora e il sogno diventano la base affinché il pensiero vada oltre la logica ordinaria, e il contrasto tra un oggetto rappresentato realisticamente e accuratamente e la strana atmosfera in cui è collocato ne esalta l’effetto surreale”..
Purtroppo, già all’inizio degli anni ’20, la pittura metafisica cessò di esistere. Le ultime due mostre di questa direzione artistica ebbero luogo in Germania nel 1921 e nel 1924. Tuttavia, l’idea di de Chirico non è morta, ma è cresciuta solo in qualcosa di più: nel grande surrealismo. Il padre di questo movimento, Henri Breton, affermava che solo le opere di de Chirico permettevano di esprimere il programma dei surrealisti attraverso la pittura. Ha anche definito l’artista “il creatore della mitologia moderna”.
Calore, silenzio, ansia... Atmosfera soffocante, pesante e una città spenta. Una bambina con un cerchio corre velocemente attraverso una piazza deserta dritta verso un'ombra minacciosa che fa capolino da dietro l'angolo. Un edificio bianco con gli archi caratteristici dell'artista, disegnato come se usasse un righello, si allontana. Il furgone vuoto in primo piano sorride minacciosamente con il cofano aperto. È interessante notare che l’immagine della ragazza è del tutto atipica per la pittura di de Chirico. Molti storici dell'arte ritengono che il bambino in questo dipinto sia apparso a causa di una mostra che si svolgeva in quel periodo in Francia. Si dice che de Chirico sia rimasto colpito dall'opera “Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte” e abbia trasferito la bambina sulla sua tela: i personaggi sono infatti molto simili. È anche interessante che gli oggetti nel dipinto “Il mistero e la malinconia della strada” siano raffigurati in diverse proiezioni: il furgone in quella geometrica e le case in quella prospettica. Hanno tassi di distorsione diversi, il che aumenta l'effetto di stranezza.
Ma torniamo alla trama. Cosa sta succedendo? Dove sono finiti tutti gli adulti? Perché questo bambino sta lanciando con calma un cerchio verso il pericolo? Cosa voleva dire l'autore con questa immagine? Devi trovare tu stesso le risposte a queste domande. Nel tuo subconscio.
Giorgio de Chirico credeva che il mondo reale fosse solo un guscio sottile, sotto il quale si nasconde il mondo oscuro e misterioso del subconscio. Voleva rivelare il significato segreto delle cose attraverso forme oggettive e materiali familiari all'occhio. Il compito del pittore, secondo l'artista, è quello di essere guida e mediatore tra lo spettatore e i suoi simboli nascosti alla coscienza.
Il grande cubista definì l’artista “il cantante delle stazioni ferroviarie”. Ciò è dovuto al fatto che i treni e le stazioni sono troppo comuni nei suoi dipinti. Ecco, ad esempio, il dipinto “Piazza d’Italia: malinconia”. Vediamo una piazza deserta, una statua di Arianna, archi. Molti storici dell'arte ritengono che questa trama sia un'interpretazione del mito di Arianna e del suo filo. A proposito, vediamo la stessa eroina in un'altra opera: "Arianna, la statua silenziosa". Ancora una volta, gli stessi componenti del mosaico: archi, ombre, una statua, una torre, angoli appuntiti e un'immagine abbozzata. Alcuni potrebbero vederla come un'imitazione di Picasso, di cui l'artista era amico. C'è anche un altro dipinto: "Piazza d'Italia con una statua equestre". Mostra tutto uguale, solo diverso. In generale, molte delle opere dell’artista su temi metafisici sono molto simili tra loro. “La felicità del ritorno”, “La malinconia”, “Il mistero del giorno” e “La Torre Rossa”, così come i dipinti sopra descritti della piazza italiana, si riecheggiano a vicenda.
Per quanto riguarda i treni, è interessante che padre Giorgio de Chirico supervisionò la costruzione della ferrovia Atene-Salonicco. Forse tutte queste locomotive sono una sorta di saluto alla propria infanzia o un’introspezione del trauma mentale. Non per niente il pittore ha letto le opere di Nietzsche.
“Ho cominciato a dipingere quadri in cui potevo esprimere quel sentimento potente e mistico che mi si è rivelato leggendo Nietzsche: le città italiane in una limpida giornata autunnale, la malinconia di mezzogiorno... Non riesco a immaginare l'arte in nessun altro modo. Il pensiero deve staccarsi da ciò che chiamiamo logica e significato, liberarsi da tutti gli attaccamenti umani, per vedere gli oggetti da una nuova angolazione, per evidenziare le loro caratteristiche prima sconosciute”., ha detto l'artista.
L'artista italiano Giorgio de Chirico è uno dei più misteriosi della storia dell'arte. I suoi primi dipinti (1910-1919), che chiamò metafisica, una scoperta non meno radicale del cubismo, anticiparono l'emergere del surrealismo e gli procurarono una fama paragonabile a quella di Picasso. Non c’è da stupirsi che scrivessero in quei giorni: “Due fenomeni dominano l’arte del XX secolo: Picasso e Chirico”. Tuttavia, negli anni '20. il giovane artista rinuncia inaspettatamente alla propria idea e si rivolge al classicismo: un caso unico nel suo genere.
Un inspiegabile zigzag nella sua opera portò Chirico, secondo alcuni critici, a un lento scivolamento verso un manierismo mediocre. Altri pensavano che, dialogando con i grandi classici, esplorasse deliberatamente il territorio ambiguo del kitsch, che per lui era diventato sinonimo di postmodernismo. “Se fossi morto a 31 anni, come Seurat, o a 39, come Apollinaire, oggi sarei considerato uno dei principali pittori del secolo. Sapete cosa direbbero quegli stupidi critici?! Che il più grande artista surrealista non è Dalì, né Magritte, né Delvaux, ma io, Chirico!” - osservò ironicamente un italiano. Aveva una lunga vita davanti a sé; morì nel 1978 all'età di 90 anni.
Nello scenario dell'infanzia
L'artista nasce nel 1888 in Grecia, terra di dei ed eroi, dove ogni pietra è ricoperta di leggenda. L'antichità fu l'ambiente familiare della sua infanzia. Suo padre, il barone Evaristo de Chirico, ingegnere fiorentino costruttore di ferrovie, instillò nei suoi figli il gusto per la cultura classica. Sua madre proveniva da una nobile famiglia genovese ed era appassionata di arte.
I suoi genitori intuiscono presto le capacità del ragazzo: all'età di tre anni Giorgio riceve le prime lezioni di disegno, e all'età di 12 anni dipinge il suo primo dipinto in un corso di pittura presso la Scuola Politecnica di Atene. Dovette interrompere gli studi qui iniziati: dopo la morte del padre, la famiglia si trasferì a Monaco, dove Giorgio divenne studente all'Accademia d'arte. Si interessa alla pittura di Arnold Böcklin, alla musica di Wagner e legge Schopenhauer e Nietzsche. La loro cupa visione del mondo - profezia del declino delle civiltà, glorificazione di un universo che non ha bisogno né dell'uomo né dell'umanesimo - divenne la base filosofica della pittura di Chirico, che intraprese la via della creatività alla vigilia del la prima guerra mondiale.
Arrivato in Italia, Giorgio si recò a Firenze nel 1910, dove dipinse paesaggi cittadini con facciate di chiese, fontane, gusci vuoti di torri, portici e colonne. Nel suo fantastico mondo di tempo fermo e movimento congelato, statue equestri di leader sconosciuti si innalzano nelle piazze, innumerevoli archi di gallerie si estendono verso orizzonti lontani, i loro portici sono illuminati da una luce brillante, quasi elettrica. Qui c'è un'atmosfera di vuoto, aspettativa, mancanza di vita: è una città fantasma. Tutte le forme architettoniche su spazi pianeggianti deserti sono affidate al potere del confronto tra luce e ombra, il loro netto contrasto crea l'impressione di una visione rianimata, una strana performance che si sviluppa secondo la logica di un sogno. "Se Gustav Moreau, Arcimboldo o Bosch hanno illustrato i sogni, allora Chirico ci immerge nel suo sogno", hanno scritto i critici.
Sensazione di mistero
Nelle sue memorie Chirico ricorda i suoi primi passi nella pittura metafisica: “Ho cercato di esprimere nei miei soggetti il sentimento di mistero che provavo leggendo i libri di Nietzsche. È simile alla malinconia delle limpide giornate autunnali, al silenzio pomeridiano delle soleggiate città italiane.
L'enigma di un giorno (II). 1914. Museo d'Arte Moderna, San Paolo
“Cos’altro posso amare se non un mistero?” - il giovane artista scrisse questa domanda nel suo autoritratto nel 1911. La parola “enigma” è ripetuta nei titoli dei suoi primi dipinti: “L'enigma dell'arrivo a mezzogiorno” (1912), “L'enigma di un giorno (1914) ), dove sembra cercare di indovinare la realtà esterna di qualche entità invisibile. “L’arte”, sosteneva, “è una rete fatale, che cattura al volo quegli strani fenomeni che esplodono, come grandi farfalle misteriose, dalla vita di tutti i giorni”.
Non sorprende che Chirico venga accolto con entusiasmo nel 1911 dagli artisti modernisti parigini. Partecipa al Salon d'autunno, dove viene notato da Picasso e Guillaume Apollinaire. Nel suo studio, il poeta organizza una mostra di trenta opere di Chirico, scrive articoli elogiativi su di lui, lo introduce nella sua cerchia e lo presenta ad Andre Breton. Parigi catturò il giovane Chirico, come fece con Chagall, trasformandolo da ingenuo narratore di provincia in un vero artista, portandolo sotto le luci del palcoscenico. Al Salon of Independents vende la sua prima opera, “La Torre Rossa” (1913). Il suo dipinto “Anxious Morning” (1913) fu acquistato da uno dei Marchand più famosi di Parigi e negli anni '20. questo dipinto finisce nella collezione di Paul Eluard e André Breton, due figure chiave del nascente movimento surrealista.
Torre Rossa. 1913. Collezione Peggy Guggenheim, Venezia
Riviste e giornali facevano a gara per lodare la sua pittura. Lo stesso Chirico affermerà poi di non cadere nell’esca dell’entusiasmo smodato dei suoi amici parigini: “Quando videro i miei quadri, decisero di convertirmi, come il doganiere di Rousseau, un artista primitivista che Breton prese sotto la sua protezione. Sono andato da loro per diversi mesi. Ci vedevamo da Apollinaire il sabato dalle cinque alle otto. C'erano Brancusi, Derain, che non apriva mai bocca, e Max Jacob, che parlava incessantemente. Alle pareti erano appesi dipinti di Picasso e di altri cubisti. Più tardi, Apollinaire vi aggiunse due o tre mie opere, compreso il suo ritratto”.
Il famoso “Ritratto di Apollinaire” (1914) divenne profetico. La tela raffigura un busto in gesso dell'antico poeta con occhiali neri, a sottolineare che è il poeta cieco che è in grado di vedere l'invisibile. Sopra di lui, su sfondo verde, c'è il profilo nero di Apollinaire con un bersaglio disegnato sulla testa: Chirico segnò esattamente il luogo in cui il poeta sarebbe stato ferito da un frammento di granata durante la guerra.
La gioia di ritornare
Lo scoppio della guerra mondiale costrinse Chirico a ritornare in Italia, dove fu arruolato nell'esercito. La sua corporatura non troppo robusta lo salvò dalle fatiche del servizio militare; fu assegnato ad un ospedale di Ferrara e poté dedicarsi alla pittura. Qui Chirico incontra l'artista futurista Carlo Carrà, con il quale fonda in seguito la rivista “Pittura Metafisica” e sviluppa una nuova estetica: la metafisica. Ha scritto: “Una nazione, situata alle sue origini, ama i miti e le leggende - tutto ciò che stupisce sembra mostruoso e inspiegabile... Man mano che si sviluppa, complica le immagini primitive: è così che nasce la Storia dai miti originari. L’attuale era europea porta in sé innumerevoli tracce delle civiltà precedenti e delle loro impronte spirituali e inevitabilmente dà vita ad un’arte che riflette antichi miti”.
Stazione Montparnasse, o partenza malinconica. 1914.
Museo d'Arte Moderna, New York
Grande torre. 1913. Collezione d'arte della terra
Nord Reno-Westfalia, Dusseldorf
Nel dipinto “La gioia del ritorno”, dipinto nel 1916, una locomotiva a vapore attraversa una città sconosciuta su uno sfondo di facciate grigie, nuvole di fumo che si alzano sopra di essa, o forse è solo una nuvola all’orizzonte. L'ombra dell'edificio, disegnata con precisione geometrica, enfatizza la desolazione della piazza, dove non c'è traccia della presenza umana. Questo è il paesaggio della zona come all'inizio della storia, ancor prima della sua comparsa. Kiriko combina piani ravvicinati e lontani, distorce lo spazio, evitando rilievi e sfumature di colore. Il suo sogno ossessivo è composto dagli stessi elementi, passando di quadro in quadro: portici, torri, piazze, ombre nere taglienti, treni, mappe di mondi inesistenti, orologi fermi. Le sue tele sono percepite come un'illustrazione del "mondo senza fiato" di Mandelstam:
Quando esce la luna della città,
E lentamente la densa città ne viene illuminata,
E la notte cresce, piena di sconforto e di rame,
E la cera melodiosa cede il passo al tempo aspro:
E il cuculo grida sulla sua torre di pietra,
E il pallido mietitore che scende nel mondo senza vita,
Muovendo silenziosamente gli enormi raggi d'ombra
E getta la paglia gialla sul pavimento di legno.
Molti dei suoi simboli di fantasia esistevano nella realtà: la città greca di Volos, dove è cresciuto, con i treni che sfrecciavano tra le case; Torino, dove visse brevemente in gioventù, e Ferrara, luogo del suo servizio militare. Le torri di Torino sono spesso presenti nelle sue tele, in particolare la Torre Antonelli costruita nel XIX secolo. Chi ama Chirico dirà che ancora oggi non si può passeggiare per Torino a mezzogiorno senza ricordare le sue prime opere.
Metamorfosi
Si ritiene che per decenni la città fantasma raffigurata da Chirico sia rimasta uno standard dell'immaginazione modernista. Negli anni '20 Gross e altri artisti tedeschi usarono i suoi simboli per esprimere la propria visione di un mondo urbano alienato. È impossibile immaginare la maggior parte dei surrealisti senza l'influenza di Chirico: Dalì, Ernst, Tanguy, Magritte, Delvaux - tutti provenivano dal primo Chirico e lo consideravano il loro maestro.
Ettore e Andromaca. 1942. Collezione privata, Bologna
Nel celebre dipinto “Ettore e Andromaca” (1916), Chirico introduce una nuova immagine: strani manichini che sostituiscono gli esseri umani, senza braccia, senza volto, con protesi ortopediche al posto delle gambe. Questi robot spaventosi popolano le sue tele dal 1914 al 1916. “Muse inquiete” e “Grande Metafisica” anticipano le atmosfere agghiaccianti del “Castello” di Kafka o del Labirinto di Borges. La sua pittura riflette l'insensatezza della vita e il mistero incomprensibile dell'esistenza umana. L'artista stesso a quel tempo non aveva ancora trent'anni.
Muse ansiose. 1924–1961. Collezione privata, New York
In quegli stessi anni, i paesaggi urbani deserti sono o completamente deserti, oppure quelli in cui una persona, ridotta a un piccolo punto, è impersonale, scriveva Maurice Utrillo, che affogava la sua solitudine nell'alcol. Chirico ha avuto il suo dramma: all'età di 16 anni ha perso il padre, che lo ha cresciuto secondo le tradizioni del Rinascimento, e da allora il suo fantasma aleggia sui dipinti dell'artista. Il suo precoce senso di perdita si combinava nella sua percezione con il desiderio di un'altra perdita irreversibile: la graduale scomparsa sotto la pressione del modernismo della grande cultura classica che stava alla sua culla. Forse questo alla fine ha causato la metamorfosi di Chirico, che per molti era inaspettata.
“Gli antichi dei sembrano senza casa nelle sue piazze italiane irrimediabilmente deserte, e i frutti raccolti in primo piano sulle tele ricordano un paradiso perduto. Le ombre si allungano man mano che il pesante crepuscolo si approfondisce, le persone scompaiono, vengono sostituite da sagome simboliche, rimpicciolendosi alle dimensioni di una formica, mentre le sagome di una pianta o di una fabbrica con tubi di fornace crescono, occupando l'intero spazio fino all'orizzonte - questo è come appare Moloch nell'era moderna. , - hanno scritto dei suoi dipinti.
Nel seno dei classici
Così inaspettatamente iniziato, il periodo della metafisica finisce improvvisamente: Chirico negli anni Venti. si converte ad un'altra fede, rifugiandosi nel seno dei classici. Picasso e Derain sperimentarono allo stesso tempo una simile tentazione di “ritorno all'ordine”, ma Chirico fu l'unico di questa generazione che, come scrisse una critica rispettabile, “si rivolse alla luce della tradizione, lasciando gli altri nell'oscurità primitiva del modernismo”. .” La guerra è finita e l'italiano va nei musei di Parigi, Roma, Firenze con le loro indicibili ricchezze. Secondo lui, un giorno dell’estate del 1919, camminando davanti a un dipinto di Tiziano a Villa Borghese, rimase scioccato dal dipinto del maestro.
Concluse le opere giovanili, Chirico comincia a predicare il ritorno alla tecnica del Quattrocento. Lui, che scriveva sogni e sogni, ora giurava fedeltà solo alla tradizione. " Pictor classicus somma“ (“Sono un artista classico”), questo convertito scrisse di sé con entusiasmo in latino. Nel pieno della rivoluzione artistica, quando, abbandonata decisamente la tradizione classica, i suoi fratelli cercavano altre forme e metodi espressivi, Chirico, maestro riconosciuto di questo movimento, si rivolse improvvisamente alle origini. Si considerava libero dalle convenzioni e dalle tendenze della moda.
Chirico copia grandi predecessori: Rubens, Fragonard, Watteau, Tintoretto, Courbet. Ora è autore di soggetti classici: scene mitologiche, nudi, nature morte; un copista che disegna centurioni, cavalli, battaglie medievali, combattimenti di gladiatori; è un orientalista esotico in stile Delacroix. Stupendi i suoi numerosi autoritratti: o indossa il costume di un torero o di un nobile spagnolo vestito da mascherata, o addirittura completamente nudo, con le guance e la pancia cadenti. Chirico dipinge ossessivamente l'antichità perduta, il lusso svanito. Raramente raggiunge il livello delle classiche, ma persiste in questa scommessa evidentemente persa.
Negli ultimi vent'anni della sua vita Chirico copia anche se stesso: metafisico. Fa letteralmente una parodia dei suoi stessi dipinti, spacciando le opere appena dipinte per originali di un'epoca passata che lo ha reso famoso. Alle domande sconcertanti, l'artista ha risposto che preferiva riscrivere lui stesso le sue tele, piuttosto che lasciarle a imitatori meno talentuosi.
Passo alla soluzione
Chirico rimase insensibile alle accuse rivoltegli dai suoi amici surrealisti, indignati per il suo “tradimento”, che in precedenza avevano accolto con entusiasmo la sua metafisica. Seguendo Breton, che anatemizzò l’artista, dichiararono la sua opera decadente, e lo stesso Chirico un “genio perduto”. Breton disse sarcasticamente: “Potrebbe ancora essere compreso se cercasse di ricordare le intuizioni del suo fuoco perduto. Tuttavia, facendo diligentemente copie dei suoi vecchi dipinti, vuole solo venderli due volte”. Chirico non rimase in debito e lui stesso attaccò ferocemente i surrealisti, il che non gli impedì, nonostante la guerra con loro, di creare 66 litografie per "Calligrams" di Apollinaire nel 1930, e un anno prima - lo scenario per il balletto di Diaghilev "The Palla". A sua volta Jean Cocteau dedicò un saggio a Chirico e Aragon elogiò la sua Autobiografia definendola “una cosa infinitamente bella”. In questi anni Chirico scrive articoli e perfino romanzi, e allestisce spettacoli.
Nel 1930 Chirico incontrò a Parigi l'emigrante russa Isabella Paxver, che in seguito divenne la sua musa ispiratrice e seconda moglie. Anche la prima, la ballerina Raisa Gurevich-Krol, era russa. Nel 1944 Chirico si stabilisce definitivamente a Roma. Alla Biennale di Venezia del 1948 espone esclusivamente le sue opere metafisiche e due anni dopo organizza un'antibiennale, dove riunisce artisti realisti. Fu eletto alla Royal Society of British Painters di Londra e all'Accademia francese delle arti.
I difensori di Chirico ritengono: “Anche nel cosiddetto “periodo di declino” riuscì a creare diversi capolavori, mentre durante il suo brillante esordio ebbe degli insuccessi, perché indipendentemente dal fatto che fosse un pioniere della metafisica o un copista di se stesso, è rimasto un grande artista."
L’affermazione più vera sembra essere: “A suo modo era un ribelle, perché scrivere in maniera manierista nel 1947 è la stessa sfida che aprire la metafisica al mondo nel 1910”.
L’unica mostra di Giorgio de Chirico nell’ultimo quarto di secolo al Museo d’Arte Moderna di Parigi nella primavera del 2009, intitolata “Dream Factory”, ha mostrato per la prima volta un panorama completo del suo lavoro dal 1909 al 1975. Questa retrospettiva è un passo avanti verso lo svelamento del fenomeno Chirico. Forse le parole di Marcel Duchamp si riveleranno profetiche: “Nel 1926 Chirico abbandonò il suo concetto “metafisico” e si rivolse a una pittura più libera. I suoi fan non sono pronti a seguirlo e sostengono che il Chirico della “seconda ondata” abbia perso il fervore creativo. Tuttavia il futuro darà ancora il suo giudizio in merito”.
Il padre fondatore del surrealismo è giustamente considerato Salvador, il nostro grande, Dalì, e molti, con una fugace menzione di questo movimento artistico, ricorderanno immediatamente un paio di dipinti del pittoresco spagnolo. Tuttavia, i critici d'arte esperti, se sono anche arroganti, ti sputeranno in faccia il nome dell'artista italiano Giorgio de Chirico.
Molto prima che venissero creati i dipinti ufficialmente chiamati surre, aveva già oltrepassato il limite metafisico della realtà di ciò che veniva raffigurato. Negli anni in cui Dalì si stava appena avvicinando all'arte moderna, De Chirico aveva già scritto una serie delle sue opere più famose: “Nostalgia dell'infinito” (1911), “La malinconia e il mistero della strada” (1914), “Nostalgia del Poeta” (1914), “Interno metafisico” (1917). Quindi, non avendo analoghi nella descrizione, i suoi dipinti sarebbero chiamati "pittura metafisica", ma ora capiamo chiaramente che questi erano i primi embrioni del surrealismo: irreali, logici, assurdi e misteriosi.
"Primavera torinese"
Cosa ci attrae nei suoi dipinti, cosa ha attirato l'attenzione degli artisti del XX secolo che hanno trovato qualcosa di sorprendentemente attraente nelle sue opere? Dopotutto, Picasso ammirava i suoi primi dipinti e geni come Magritte, Tanguy e Dalì nacquero sotto la sua influenza.
L’avanguardia sfugge del tutto all’analisi, alla descrizione e alla comprensione razionale. Questo è uno spazio al limite: in questi dipinti ci sono solo un piccolo numero di elementi che fanno uscire la composizione complessiva da uno stato di staticità e riposo. De Chirico gioca molto spesso con le ombre e la prospettiva, rompendole deliberatamente in certi punti, che solo da qualche parte a livello subconscio ci danno la sensazione dell'irrealtà di ciò che sta accadendo. Ad esempio, nel dipinto “La malinconia e il mistero della strada”, la sagoma di una ragazza che corre è deliberatamente distorta, e quindi ricorda più una sorta di ombra che si allontana e si offusca. In questo caso, non è chiaro di cosa si tratti: un oggetto o un'ombra riflessa da esso. Allora la direzione di quest'ombra non è chiara, perché la luce è diretta nell'altra direzione. I primi trucchi ed enigmi visivi, a cui Magritte e Dalì sarebbero poi arrivati, iniziarono in piccoli dettagli apparentemente sfuggenti nei dipinti di de Chirico.
"La malinconia e il mistero della strada"
“Se fossi morto a 31 anni, come Seurat, o a 39, come Apollinaire, oggi sarei considerato uno dei principali pittori del secolo. Sapete cosa direbbero quegli stupidi critici?! Che il più grande artista surrealista non è Dalì, né Magritte, né Delvaux, ma io, Chirico!”
L'intera frase determina completamente l'atmosfera della nostra storia. Sì, è stato un grande, ha fatto una rivoluzione nella pittura, ma in tutto questo la parola principale è “era”. Non importa come possa sembrare, de Chirico è morto troppo tardi. L'apice della sua creatività cade nel secondo decennio del XX secolo, quando nel 1911 si trasferisce dalla nativa Volos a Parigi. Qui, davvero, nasce il vero de Chirico: la logica intransigente, rivoluzionaria, che rompe la logica nella testa di tutti coloro che hanno osato guardare i suoi dipinti.
"Due Maschere"
"Il Grande Metafisico"
"Malinconia della partenza"
"La conquista del filosofo"
Ma, dopo la prima guerra mondiale, qualcosa scattò nella sua mente, ne seguì una crisi prolungata e una sorta di depressione totale. E se Picasso risolvette i loro umori suicidi solennemente e nel “periodo blu”, allora de Chirico non riuscì in nulla di utile. All'inizio si limitava a copiare i propri quadri, spingendoli come salsicce sparse sugli scaffali che nessuno voleva assaggiare, spacciandoli per autentici. E poi è successo qualcosa di completamente irreparabile: è completamente svanito e ha iniziato a promuovere l'accademismo come l'unica vera religione, gettando contemporaneamente fango sull'arte moderna, il cui fondatore è stato letteralmente un paio di decenni fa. Triste, triste e molto dura, ma così è la vita.
Una volta, già negli anni '60, Boris Messerer, allora decoratore teatrale in URSS, fece visita a Giorgio de Chirico a Roma. Voleva così tanto vedere quello stesso “metafisico” che è stato semplicemente ucciso da ciò che ha visto. Dai ricordi di Messerer dell'incontro:
“Entrando nell'appartamento siamo rimasti scioccati dal lusso degli arredi. Alle pareti ci sono enormi dipinti in cornici dorate, raffiguranti alcuni cavalli e donne nude su questi cavalli, che corrono da qualche parte. Trame di contenuto barocco, che nulla hanno a che vedere con la pittura metafisica. Un Chirico completamente diverso: salone, lussuoso, ma assolutamente senza idee d'avanguardia.
La moglie di De Chirico fece da traduttrice a questo incontro; le fu chiesto dove fossero “quei” quadri di Giorgio, ma lei puntò ostinatamente il dito contro la noia accademica, dicendo che era un vero artista.
“All'improvviso il signor de Chirico si allontana da qualche parte e all'improvviso tira fuori prima un quadro - una piccola composizione metafisica, poi un secondo, un terzo, un quarto e li mette proprio così, sul pavimento nel corridoio. Ha capito di cosa stavamo parlando! Siamo scioccati, queste sono le foto che volevamo vedere! Sua moglie era molto scontenta di tutta questa situazione. E poi si è scoperto che era amica di Furtseva, il nostro ministro della Cultura dell'epoca, e parlavano la stessa lingua, la lingua del realismo socialista. Avevano un’amicizia ideologica e Madame non voleva conoscere alcuna avanguardia”.
"Natura morta con argenteria"
Giorgio de Chirico visse fino a 90 anni e fino alla vecchiaia, abbracciando la vita sociale. la moglie realistica e asciutta, con i suoi banali dipinti classicisti in cornici dorate e pompose, andò in un altro mondo. Se si rammaricasse di aver rinunciato alla sua scoperta o si accontentasse della vita misurata di un semplice imitatore, fortunatamente non lo sapremo mai. Dopotutto, entrambi i destini sono tristi.