Astrattismo. L'art. I dipinti astratti più famosi Arte astratta arte moderna

Astrattismo astrattismo

(dal latino abstractio - distrazione), arte non oggettiva, uno dei movimenti artistici più influenti del XX secolo, sorto all'inizio. 1910 Il metodo creativo dell'astrattismo si basa sul completo rifiuto della “verosimiglianza”, della rappresentazione delle forme della realtà. Un dipinto astratto si basa sulle relazioni tra macchie, linee e tratti colorati; scultura - su combinazioni di forme geometriche volumetriche e piatte. Con l'aiuto di costruzioni astratte, gli artisti volevano esprimere modelli interni ed essenze intuitivamente comprese del mondo, dell'Universo, nascoste dietro le forme visibili.

La data di nascita dell'astrattismo è considerata il 1910, quando V.V. Kandinsky espose la prima opera astratta nella storia dell'arte (acquerello) a Monaco e scrisse un trattato "Sullo spirituale nell'arte", in cui consolidò il suo metodo creativo con le scoperte della scienza. Ben presto l'astrattismo diventa un movimento potente, all'interno del quale emergono varie direzioni: astrazione lirica (dipinti di Kandinsky e maestri dell'unificazione "Cavaliere Blu" con le loro forme fluide e “musicali” e l’espressività emotiva del colore) e l’astrazione geometrica (K.S. Malevich, P. Mondrian, in parte da R. Delaunay, le cui composizioni si basano su combinazioni di forme geometriche elementari: quadrati, rettangoli, croci, cerchi). L’opera programmatica di Malevich fu il suo famoso “Quadrato nero” (1915). L'artista ha chiamato il suo metodo Suprematismo (dal latino supremus - il più alto). Il desiderio di staccarsi dalla realtà terrena lo ha portato ad affascinare lo spazio (Malevich è stato uno degli autori della famosa opera teatrale “La Vittoria sul Sole”). L’artista chiamava le sue composizioni astratte “planites” e “architectons”, simboleggiando “l’idea del dinamismo universale”.

All'inizio. 20 ° secolo l'arte astratta si diffuse in molti paesi occidentali. Nel 1912 nasce in Olanda il neoplasticismo. Il creatore del neoplasticismo, P. Mondrian, insieme a T. van Doesburg, fondò il gruppo De Stijl (1917) e una rivista con lo stesso nome (pubblicata fino al 1922). L’“elemento umano” venne completamente bandito dalla loro arte. I membri del gruppo De Stijl crearono tele in cui le superfici rivestite da una griglia di linee formavano cellule rettangolari piene di colori puri e uniformi che, secondo Mondrian, esprimevano l'idea di pura bellezza plastica. Voleva creare una pittura che fosse “priva di individualità” e, quindi, dotata di “significato mondiale”.
Nel 1918-20 in Russia è nato sulla base delle idee del suprematismo Costruttivismo, che ha unito gli architetti (K.S. Melnikov, A. A. Vesnin, ecc.), scultori (V. E. Tatlin, N. Gabo, A. Pevzner), grafica ( El Lissitzky, SONO. Rodchenko). L’essenza della direzione è stata delineata da Vesnin: “Le cose create da artisti contemporanei dovrebbero essere strutture pure senza la zavorra della rappresentazione”. Un ruolo importante nello sviluppo del costruttivismo fu svolto dal Bauhaus, associazione artistica fondata nel 1919 in Germania dall'architetto V. Gropius (P. Klee; V.V. Kandinsky, El Lissitzky, ecc.). Nel 1930, il critico francese M. Seyfor creò a Parigi il gruppo Circle and Square. Nel 1931 nacque a Parigi l'associazione “Astrazione – Creatività”, fondata dagli emigranti russi N. Gabo e A. Pevzner. Un movimento particolarmente radicale fu il tachisme (dal francese tache - macchia). I tachisti (P. Soulages, H. Hartung, J. Mathieu, ecc.) hanno fatto a meno dei pennelli. Hanno spruzzato e spruzzato vernice sulla tela, poi l'hanno imbrattata o calpestata. Mescolavano fuliggine, catrame, carbone, sabbia e vetri rotti con vernici, credendo che il colore della terra non fosse meno bello del colore del cielo. Con lo scoppio della seconda guerra mondiale, il centro dell'arte astratta si trasferì negli Stati Uniti (J. Pollock, A. Gorky, W. Kuning, Fr. Klein, M. Tobey, M. Rothko). Negli anni '60 iniziò una nuova ascesa dell'arte astratta. Questa direzione nell'arte rimane rilevante oggi, ma non occupa più una posizione dominante, come all'inizio. 20 ° secolo

(Fonte: “Art. Enciclopedia illustrata moderna”. A cura del Prof. Gorkin A.P.; M.: Rosman; 2007.)

Scopri cos'è "arte astratta" in altri dizionari:

- [Dizionario delle parole straniere della lingua russa

Dizionario dell'arte astratta dei sinonimi russi. astrattismo sostantivo, numero di sinonimi: 2 arte astratta (1) ... Dizionario dei sinonimi

astrattismo- a, m.abstractionnisme m., inglese. astrattismo.1926. Ray 1998. Un movimento estremamente formalista nella pittura, nella scultura e nella grafica. SIS 1985. A differenza dell'astrattismo, il realismo è sempre concreto. Zalygin Caratteristiche del documentario. Lex. SIS 1964... Dizionario storico dei gallicismi della lingua russa

ASTRAZIONISMO, eh, marito. Nelle arti visive del 20° secolo: una direzione, i seguaci di questo movimento descrivono il mondo reale come una combinazione di forme astratte o macchie di colore. | agg. astratto, oh, oh. Il dizionario esplicativo di Ozhegov. S.I. Ozhegov, N.Yu... Dizionario esplicativo di Ozhegov

- (Latino abstractio - distrazione) - una direzione nell'arte del XX secolo, principalmente la pittura, che ha abbandonato la rappresentazione delle forme della realtà. Il credo estetico dell'astrattismo è stato stabilito da V. Kandinsky. Arte astratta -… … Enciclopedia degli studi culturali

- (lat. abstractio rimozione, distrazione) la direzione dell'arte non figurativa, che abbandonò la rappresentazione di forme vicine alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'arte astratta è raggiungere... ... Wikipedia

Astrattismo- (dal latino abstractus abstract) pretesa astratta, inutile, non figurativa; movimento del XX secolo, che proponeva l’idea di rifiutarsi di rappresentare le forme della realtà. L'obiettivo è creare composizioni con emozioni diverse. soddisfatto di... ... Dizionario enciclopedico umanitario russo

astrattismo- a, solo unità, m. Un movimento di pittura, scultura e grafica del XX secolo, i cui seguaci riproducono il mondo reale sotto forma di forme astratte, macchie di colore, linee, ecc. tra musica e quant’altro è diventata un’abitudine… … Dizionario popolare della lingua russa

astrattismo- (dal latino abstractio rimozione, distrazione) una direzione nell'arte del 20 ° secolo, i cui aderenti fondamentalmente rifiutano di rappresentare oggetti e fenomeni reali (principalmente nella pittura, nella scultura e nella grafica); la massima espressione del modernismo... Dizionario-thesaurus terminologico della critica letteraria

Astrattismo- (lat. abstrahere) – 1. direzione formalistica nella pittura, fondata da V. Kandinsky (1910 1914), che in seguito incarnò la tendenza principale nello sviluppo di altri movimenti di belle arti, principalmente nella cultura occidentale (cubismo, .. .... Dizionario enciclopedico di psicologia e pedagogia

Libri

• Correnti nell'art. Dall'impressionismo ai giorni nostri, Georgina Bertolina. Questo volume dell'enciclopedia è una logica continuazione del libro "Stili nell'arte" e copre l'intera varietà di processi che hanno avuto luogo nel mondo della creatività artistica, a partire da...

Definizione e significato

Il termine "arte astratta", chiamata anche "arte non oggettiva", "non figurativa", "non rappresentativa", "astrazione geometrica" ​​o "arte concreta", è un termine generico piuttosto vago per qualsiasi dipinto o scultura che non raffigura oggetti o scene riconoscibili.

Tuttavia, come vedremo, non esiste un chiaro consenso riguardo alla definizione, alle tipologie o al significato estetico dell’arte astratta. Picasso credeva che non fosse così, e alcuni storici dell’arte credono che tutta l’arte sia astratta perché, ad esempio, nessun dipinto può sperare di essere più di una grossolana generalizzazione (astrazione) di ciò che l’artista vede. Anche i principali commentatori a volte non sono d'accordo sul fatto che una tela debba essere etichettata come "espressionista" o "astratta" - ad esempio, l'acquerello Ship on Fire (1830, Tate) e il dipinto a olio Blizzard - piroscafo dall'imboccatura del porto(1842, Tate), sia J.M.W. Tornitore (1775-1851). Un esempio simile è Water Lily (1916-20, National Gallery, Londra) di Claude Monet (1840-1926). Inoltre, esiste una scala mobile di astrazione, da semi-astratta a completamente astratta. Pertanto, sebbene la teoria sia relativamente chiara... l'arte astratta è separata dalla realtà– il compito pratico di separare l’astratto dal non astratto può essere molto più problematico.

Qual è l’idea dietro l’arte astratta?

La premessa di base dell’astrazione – una questione chiave in estetica, tra l’altro – è che le qualità formali di un dipinto (o di una scultura) sono altrettanto importanti (se non di più) delle sue qualità rappresentative.

Cominciamo con un'illustrazione molto semplice. Un quadro può contenere un pessimo disegno di una persona, ma se i suoi colori sono molto belli, può comunque apparirci un bel quadro. Ciò mostra come una qualità formale (colore) possa prevalere su una qualità rappresentativa (disegno).

D'altro canto, un dipinto fotorealistico di una casa a schiera può mostrare una rappresentazione elegante, ma il soggetto, la combinazione di colori e la composizione complessiva possono essere decisamente noiosi.

La base filosofica per valutare il valore delle qualità formali di un'opera d'arte deriva dall'affermazione di Platone secondo cui: "le linee rette e i cerchi... non sono solo belli... ma eternamente e assolutamente belli".

In sostanza, Platone indicava che le immagini non naturalistiche (cerchi, quadrati, triangoli, ecc.) hanno una bellezza assoluta e immutabile. Pertanto, un dipinto può essere apprezzato solo per la sua linea e il suo colore: non è necessario che rappresenti un oggetto o una scena naturale. L’artista, litografo e teorico dell’arte francese Maurice Denis (1870-1943) aveva la stessa cosa in mente quando scrisse: “Ricordate che un dipinto, prima di diventare un cavallo da guerra o una donna nuda, è essenzialmente una superficie piana ricoperta di fiori, raccolti in un certo ordine."

Tipi di arte astratta

Per semplicità, possiamo dividere l'arte astratta in sei tipologie principali. Alcuni di questi tipi sono meno astratti di altri, ma tutti comportano la separazione dell’arte dalla realtà.

Arte astratta curvilinea

Questo tipo di astrazione curvilinea è strettamente associato all'arte celtica, che utilizzava una serie di motivi astratti tra cui nodi (otto tipi principali), motivi alternati e spirali (incluso il triskele o triskelion). Questi motivi non erano originali dei Celti: molte altre culture antiche usarono questi disegni celtici nel corso dei secoli: ad esempio, le incisioni tombali a spirale del neolitico Newgrange nella contea di Meath, create 2000 anni prima dei Celti. Si può però dire che i Celti abbiano dato nuova vita a questi modelli, rendendoli molto più complessi e intricati. Questi disegni riapparvero successivamente come elementi decorativi nei primi manoscritti (600-1000 d.C. circa). Successivamente ritornarono durante il movimento Revival celtico del XIX secolo e l'influente movimento Art Nouveau del XX secolo: soprattutto nelle copertine di libri, nei tessuti, nelle carte da parati e nei disegni di chintz, nelle opere di autori come William Morris (1834-1896) e Arthur McMurdo (1851-1942). L'astrazione curvilinea è esemplificata anche dalla "struttura infinita", una caratteristica diffusa dell'arte islamica.

Arte astratta a colori o leggera

Questo tipo è esemplificato nelle opere di Turner e Monet, che usano il colore (o la luce) in modo tale da separare l'opera d'arte dalla realtà, mentre l'oggetto si dissolve in un vortice di pigmento. Sono già stati menzionati due esempi di astrazione espressiva nello stile di Turner, ai quali possiamo aggiungere il suo Interno a Petworth (1837, Collezione Tate). Altri esempi includono la sequenza finale dei dipinti di Monet La ninfea (1840-1926), Il talismano (1888, Musee d'Orsay, Parigi) di Paul Sérousier (1864-1927), leader di Les Nabis, e diverse opere fauviste di Henri Matisse (1869-1954). Molti dei dipinti espressionisti di Kandinsky, dipinti durante il suo lavoro con Der Blue Reiter, sono molto vicini all'astrazione, come “Cervo nella foresta II” (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) del suo collega Franz Marc (1880-1916). L'artista ceco Frank Kupka (1871-1957) creò alcuni dei primi vivaci dipinti astratti che influenzarono Robert Delaunay (1885-1941), che anch'egli faceva affidamento sul colore nel suo stile di ispirazione cubista. L'astrazione legata al colore riapparve alla fine degli anni Quaranta e Cinquanta sotto forma di pittura a campi di colore sviluppata da Mark Rothko (1903-70) e Barnett Newman (1905-70). Negli anni '50 in Francia emerse un tipo parallelo di pittura astratta associata al colore, nota come "Astrazione lirica".

Astrazione geometrica

Questo tipo di arte astratta intellettuale apparve intorno al 1908. Una delle prime forme rudimentali fu il cubismo, in particolare il cubismo analitico, che rifiutava la prospettiva lineare e l’illusione della profondità spaziale in un dipinto per concentrarsi sui suoi aspetti bidimensionali. L'astrazione geometrica è anche conosciuta come arte concreta e arte non oggettiva. Come ci si aspetterebbe, non è caratterizzato da immagini naturalistiche, ma, di regola, da forme geometriche come cerchi, quadrati, triangoli, rettangoli e così via. In un certo senso, poiché non contiene assolutamente riferimenti o connessioni con il mondo naturale, è la forma più pura di astrazione. Possiamo dire che l’arte concreta è un’astrazione e il veganismo è il vegetarianismo. L'astrazione geometrica è rappresentata dal “Cerchio nero” (1913, Museo statale russo, San Pietroburgo), dipinto da Kazimir Malevich (1878-1935) (fondatore del Suprematismo); "Boogie Woogie di Broadway"(1942, MoMA, New York), Piet Mondrian (1872-1944) (fondatore del neoplasticismo); E "Composizione VIII (Mucca)"(1918, MoMA, New York) di Theo Van Doesburg (1883-1931) (fondatore di De Stijl e dell'Elementarismo). Altri esempi includono dipinti "Dedizione alla Piazza" Josef Albers (1888–1976) e l'op art di Victor Vasarely (1906–1997).

Arte astratta emotiva o intuitiva

Questo tipo di arte intuitiva include una combinazione di stili il cui tema generale è una tendenza naturalistica. Questo naturalismo è evidente nel tipo di forme e colori utilizzati. A differenza dell’astrazione geometrica, che è quasi antinaturale, l’astrazione intuitiva spesso descrive la natura, ma in modo meno rappresentativo. Due fonti importanti per questo tipo di arte astratta sono l'astrazione organica (chiamata anche astrazione biomorfica) e il surrealismo. Si può sostenere che l'artista più famoso specializzato in questa forma d'arte sia stato Mark Rothko, nato in Russia - vedi: Dipinti di Mark Rothko (1938-1970). Altri esempi includono i dipinti di Kandinsky come Composizione n. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) e Composizione VII (1913, Galleria Tretyakov); "Il tipico narratore, Gabel e Nabel"(1923, collezione privata) di Jean Arp (1887-1966), “Donna” (1934, collezione privata) di Joan Miró (1893-1983), "Inscape: Morfologia psicologica n. 104"(1939, collezione privata) Matta (1911-2002); E "Divisibilità infinita"(1942, Galleria d'arte Albright-Knox, Buffalo) Yves Tanguy (1900-55). Nella scultura, questo tipo di astrazione è illustrato da: “Il bacio” (1907, Kunsthalle, Amburgo) di Constantin Brancusi (1876-1957); Madre e figlio (1934, Tate) di Barbara Hepworth (1903-1975); Giant Pip (1937, Museo Nazionale d'Arte Moderna, Centre Georges Pompidou), Jean Arp; "Tre figure costanti"(1953, Museo Guggenheim, Venezia) di Henry Moore (1898-1986).

Arte astratta gestuale

Questa è una forma di espressionismo astratto in cui il processo di creazione di un dipinto diventa più importante del solito. La vernice può essere applicata in modi insoliti, la pennellata è spesso molto sciolta e veloce. Famosi esponenti americani della pittura gestuale includono Jackson Pollock (1912-1956), inventore dell'Action-Painting, sua moglie Lee Krasner (1908-1984), che lo ispirò con la propria forma di drip painting; Willem de Kooning (1904-1997), noto per la serie Woman; e Robert Motherwell (1912-1956), noto per le sue serie "Elegia alla Repubblica spagnola". In Europa si tratta di Tachisme, così come del gruppo Cobra e, in particolare, di Karel Appel (1921-2006).

Arte astratta minimalista

Questo tipo di astrazione era una sorta di arte d'avanguardia, spogliata di ogni riferimento e associazione esterna. Questo è ciò che vedi e niente di più. Spesso assume una forma geometrica, dove dominano le sculture, sebbene anche alcuni grandi artisti abbiano utilizzato questo tipo. Per ulteriori informazioni sull'arte minimalista, vedere "Astrazione postmoderna" di seguito.

Origine e storia

Dipinti astratti dell'età della pietra

Dal realismo accademico all'astrazione

Fino alla fine del XIX secolo, la maggior parte della pittura e della scultura seguivano i principi tradizionali del realismo classico insegnati nelle grandi accademie europee. La base di questi principi è la prima responsabilità dell'arte: creare una scena o un oggetto riconoscibile. Non importa quanto fortemente influenzata dalle esigenze dello stile o del mezzo, un'opera d'arte doveva imitare o rappresentare la realtà esterna. Tuttavia, durante l’ultimo quarto del XIX secolo, le cose cominciarono a cambiare. L’arte impressionista dimostrò che il rigoroso stile accademico della pittura naturalistica non era più l’unico modo autentico di fare le cose. Poi, tra il 1900 e il 1930, gli sviluppi in altri settori dell’arte moderna fornirono tecniche aggiuntive (tra cui il colore, l’abbandono della prospettiva tridimensionale e nuove forme) che sarebbero state utilizzate per promuovere la ricerca dell’astrazione.

Gli artisti stanno iniziando a sfuggire alla realtà

Kandinsky, l'Espressionismo e il Fauvismo dimostrano il potere del colore

L'uso del colore e della forma per commuovere lo spettatore è stato fondamentale nello sviluppo dell'arte astratta. L’impressionismo, comprese le varianti del puntinismo neoimpressionista e del postimpressionismo, aveva già attirato l’attenzione sul potere del colore, ma l’espressionismo tedesco ne fece la pietra angolare della pittura. Uno dei fondatori del movimento, Wassily Kandinsky (1866-1944), pubblicò il libro “Sullo spirituale nell’arte” (1911), che divenne la base per la pittura astratta.

Kandinsky era convinto delle proprietà emotive della forma, della linea e, soprattutto, del colore nella pittura. (Aveva una sensibilità anormale al colore, una condizione chiamata sinestesia.) Credeva che il dipinto non dovesse essere analizzato intellettualmente, ma dovesse essere consentito di raggiungere la parte del cervello associata alla musica.

Tuttavia, avvertì che l’arte seria non dovrebbe essere guidata dal desiderio che l’astrazione diventi mera decorazione. La maggior parte degli espressionisti tedeschi (ad esempio Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottlaff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke e Max Beckmann) non erano artisti astratti, ma la loro vibrante tavolozza - insieme agli scritti teorici di Kandinsky - allertò altri artisti più astrattisti abbracciano il potere del colore come mezzo per raggiungere i propri obiettivi.

Il parallelo stile d’avanguardia parigino, il Fauvismo (1905-2008), enfatizzava solo l’effetto del colore nelle opere di Henri Matisse, come Red Studio (1911, MoMA, NY).

Il cubismo rifiuta la prospettiva e la profondità pittorica

Il cubismo (1908-14) fu una reazione al fascino decorativo dell'impressionismo. Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963) svilupparono questo nuovo stile in più fasi: in primo luogo, il cubismo del prototipo (vedi il semi-astratto di Picasso Les Demoiselles d'Avignon, 1907, MoMA, NY); poi Cubismo analitico (vedi "Scala nuda n. 2", 1912, Philadelphia Museum of Art) Marcel Duchamp (1887–1968); poi il cubismo sintetico, che era più orientato al collage. Il loro concetto principale era quello di allontanarsi dall’arte bella ma banale dell’impressionismo, verso una forma d’arte più intellettuale che esplorasse nuovi metodi di rappresentazione della realtà.

In particolare, rifiutarono il metodo accademico di rappresentare la realtà utilizzando la prospettiva lineare (profondità) per creare il consueto effetto tridimensionale nella pittura. Invece, hanno mantenuto tutto su un piano piatto bidimensionale su cui hanno disposto diverse "viste" dello stesso oggetto: un processo simile a fotografare un oggetto da diverse angolazioni, quindi ritagliare le foto e incollarle su una superficie piana. Questo metodo di utilizzare una superficie piana per rappresentare una realtà tridimensionale ha scosso l'arte nel profondo. Sebbene la maggior parte delle opere cubiste derivassero ancora da oggetti o scene del mondo reale e quindi non potessero essere considerate completamente astratte, il rifiuto del punto di vista tradizionale da parte del movimento minò completamente il realismo naturale nell'arte e aprì così la porta alla pura astrazione.

Scultori astratti di ispirazione cubista: Constantin Brancusi (1876-1957), anch'egli influenzato dall'arte africana e orientale; Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), utilizzò dispositivi cubisti per rappresentare il movimento; Jacques Lipchitz (1891-1973).

Per uno stile di pittura astratta dell'inizio del XX secolo che tentava di fondere la composizione cubista con il colore e la musica, vedere: Orfismo. Un movimento artistico britannico prebellico fortemente influenzato dall’idioma cubista fu il Vorticismo (1913-14), fondato da Percy Wyndham Lewis (1882-1957).

Nota: per l'astrazione d'avanguardia in Gran Bretagna (1939-75 circa) vedere St. Ives School.

Espressionismo astratto: più colore, più geometria

Altri sottogruppi: "Forze Nuove" e "Arte Non Figuratif".

Op-Art: nuova astrazione geometrica

Uno degli stili più distinti di pittura astratta geometrica emersi durante l'era modernista fu il movimento "Op Art" (abbreviazione di "arte ottica"), il cui segno distintivo era quello di attirare l'occhio attraverso motivi geometrici complessi, spesso monocromatici, per fargli vedere colori e forme che in realtà non esistevano. Tra i principali partecipanti figuravano l'artista e grafico ungherese Victor Vasarely (1908-1997) e l'artista inglese Bridget Riley Richard Serra (nato nel 1939), le cui opere astratte includono "Arco inclinato"(1981, Federal Plaza, New York) e A Matter of Time (2004, Guggenheim, Bilbao). Notevoli artisti astratti associati al minimalismo includono Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (nato nel 1936), i cui dipinti di grandi dimensioni includono gruppi intrecciati di forma e colore; Sean Scully (nato nel 1945) artista irlandese-americano le cui forme rettangolari di colore sembrano imitare le forme monumentali delle strutture preistoriche; così come Joe Baer (n.1929), Ellsworth Kelly (n.1923), Robert Mangold (n.1937), Brice Marden (n.1938), Agnes Martin (n.1912-2004) e Robert Ryman (n.1930) .

Seguendo in parte il minimalismo austero, il neoespressionismo fu un movimento prevalentemente figurativo emerso a partire dai primi anni ’80. Tuttavia, tra le sue fila c'erano importanti artisti astratti come l'inglese Winner Howard Hodgkin (nato nel 1932), così come gli artisti tedeschi Georg Baselitz

E Mikhail Larionov, fondatore del “Luchismo” nel 1912, creatore del Suprematismo come nuovo tipo di creatività, Kazimir Malevich, autore del “Quadrato nero” ed Evgeniy Mikhnov-Voitenko, la cui opera si distingue, tra le altre cose, per un una gamma senza precedenti di aree del metodo astratto applicato nelle sue opere (l'artista è stato il primo tra i maestri non solo nazionali ma anche stranieri a utilizzarne alcuni, incluso lo “stile graffiti”).

Un movimento correlato all'astrattismo è il cubismo, che cerca di rappresentare oggetti reali con una moltitudine di piani che si intersecano, creando l'immagine di alcune figure rettilinee che riproducono la natura vivente. Alcuni degli esempi più sorprendenti di cubismo furono le prime opere di Pablo Picasso.

YouTube enciclopedico

• 1 / 5

  Nel 1910-1915, i pittori in Russia, Europa occidentale e Stati Uniti iniziarono a creare opere d'arte astratte; Tra i primi astrattisti, i ricercatori nominano Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich e Piet Mondrian. L'anno di nascita dell'arte non oggettiva è considerato il 1910, quando Kandinsky scrisse la sua prima composizione astratta a Murnau, in Germania. I concetti estetici dei primi astrattisti presupponevano che la creatività artistica riflettesse le leggi dell'universo nascoste dietro i fenomeni esterni e superficiali della realtà. Questi modelli, compresi intuitivamente dall'artista, sono stati espressi attraverso la relazione di forme astratte (macchie di colore, linee, volumi, figure geometriche) in un'opera astratta. Nel 1911 a Monaco, Kandinsky pubblicò il suo ormai famoso libro “Sullo spirituale nell’arte”, in cui rifletteva sulla possibilità di incarnare il necessario internamente, lo spirituale, in contrapposizione a quello esterno, l’accidentale. La “base logica” delle astrazioni di Kandinsky si basava sullo studio delle opere teosofiche e antroposofiche di Helena Blavatsky e Rudolf Steiner. Nella concezione estetica di Piet Mondrian gli elementi primari della forma erano le opposizioni primarie: orizzontale – verticale, linea – piano, colore – non colore. Nella teoria di Robert Delaunay, in contrasto con i concetti di Kandinsky e Mondrian, la metafisica idealistica veniva rifiutata; Il compito principale dell'astrattismo sembrava all'artista essere lo studio delle qualità dinamiche del colore e di altre proprietà del linguaggio artistico (la direzione fondata da Delaunay si chiamava Orfismo). Il creatore del “raggismo”, Mikhail Larionov, dipinse “l’emissione di luce riflessa; polvere di colore."

  Nata all'inizio degli anni '10, l'arte astratta si sviluppò rapidamente, apparendo in molti settori dell'arte d'avanguardia nella prima metà del XX secolo. Le idee dell'astrattismo si riflettono nelle opere degli espressionisti (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubisti (Fernand Léger), dadaisti (Jean Arp), surrealisti (Joan Miró), futuristi italiani (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico P. Rampolini), Orfisti (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), Suprematisti russi (Kazimir Malevich), “Radianti” (Mikhail Larionov e Natalya Goncharova) e Costruttivisti (Lyubov Popova, Lazar Lisitsky, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova), Neoplasticisti olandesi (Piet Mondrian, Theo van Doesburg , Bart van der Lek), numerosi scultori europei (Alexander Archipenko, Constantin Brancusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevzner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagy, Vladimir Tatlin). Subito dopo l'emergere dell'arte astratta, emersero due direzioni principali nello sviluppo di quest'arte: astrazione geometrica gravitando verso forme geometriche regolari e stati stabili, “sostanziali” (Mondrian, Malevich), e preferendo forme più libere, processi dinamici astrazione lirica(Kandinsky, Kupka). Le prime associazioni internazionali di artisti astratti (“Cerchio e quadrato”, “Astrazione-Creatività”) si formarono all'inizio degli anni '20 - inizio anni '30 a Parigi.

  I programmi estetici degli astrattisti erano caratterizzati dall'universalismo; l'arte astratta veniva presentata in essi come un modello universale dell'ordine mondiale, comprendente sia la struttura dell'ambiente che la struttura della società. Lavorando con gli elementi primari del linguaggio pittorico, gli astrattisti si sono rivolti ai principi compositivi generali e alle leggi della formazione della forma. Non sorprende che gli astrattisti trovassero impiego per forme non rappresentative nell'arte industriale, nel design artistico e nell'architettura (le attività del gruppo “Style” nei Paesi Bassi e della scuola Bauhaus in Germania; il lavoro di Kandinsky al VKHUTEMAS; gli architetti e il design di Malevich progetti; i “mobili” di Alexander Calder; i progetti di Vladimir Tatlin, opere di Naum Gabo e Antoine Pevzner). Le attività degli astrattisti hanno contribuito allo sviluppo dell'architettura moderna, delle arti decorative e applicate e del design.

  Alla fine degli anni Quaranta, negli Stati Uniti si sviluppò l’espressionismo astratto, formatosi sulla base dell’astrattismo lirico. I rappresentanti dell’espressionismo astratto (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) proclamarono “l’incoscienza” e l’automaticità della creatività, effetti imprevisti (“action painting”) come il loro metodo. I loro concetti estetici non contenevano più una metafisica idealistica e una composizione non oggettiva a volte diventava un oggetto autosufficiente che escludeva le associazioni con la realtà. L’analogo europeo dell’espressionismo astratto era il Tachisme, i cui rappresentanti di spicco erano Hans Hartung, Pierre Soulages, Volsa, Georges Mathieu. Gli artisti hanno cercato di utilizzare combinazioni inaspettate e non standard di colori e trame, gli scultori (Eduardo Chillida, Seymour Lipton e altri) hanno creato composizioni bizzarre e hanno utilizzato metodi insoliti di lavorazione dei materiali.

  Negli anni ’60, con il declino dell’espressionismo astratto, l’op art, che sviluppò i principi dell’astrazione geometrica e usò illusioni ottiche di percezione di oggetti piatti e spaziali, divenne un movimento notevole nell’astrattismo. Un’altra direzione nello sviluppo dell’astrazione geometrica è stata l’arte cinetica, che gioca sugli effetti del movimento reale dell’intera opera o dei suoi singoli componenti (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis). Parallelamente, negli Stati Uniti sorse l'astrazione post-pittorica, i cui principi erano la riduzione e l'estrema semplificazione delle forme pittoriche; Avendo ereditato le forme geometriche regolari dall'astrazione geometrica, l'astrazione post-pittorica le arrotonda e le “ammorbidisce”. Rappresentanti notevoli di questa tendenza sono Frank Stella, Ellsworth Kelly e Kenneth Noland. La massima espressione dell’astrazione geometrica nella scultura è stata il minimalismo, emerso negli anni ’60 e ’70.

  Storia dell'arte astratta in Russia e nell'URSS

  1900-1949

  Gli artisti Kandinsky e Malevich all'inizio del XX secolo hanno dato un contributo significativo allo sviluppo della teoria e della pratica dell'arte astratta.

  Negli anni '20, durante il rapido sviluppo di tutti i movimenti d'avanguardia, l'arte astratta incluse nella sua orbita i cubo-futuristi, i non-oggettivisti, i costruttivisti e i suprematisti: Alexandra Ekster e Lyubov Popova, Alexander Rodchenko e Varvara Stepanova, Georgy Stenberg e Mikhail Matyushin, Nikolai Suetin e Ilya Chashnik . Il linguaggio dell'arte non figurativa era la base della cultura di una nuova, moderna forma plastica, da cavalletto, decorativa e applicata o monumentale, e aveva tutte le opportunità per un ulteriore sviluppo fruttuoso e promettente. Ma le contraddizioni interne del movimento d’avanguardia, rafforzate dalla pressione della burocrazia ideologica, all’inizio degli anni ’30 costrinsero i suoi leader a cercare altre vie creative. L’arte astratta antinazionale e idealistica ormai non aveva più il diritto di esistere.

  Con l'avvento al potere dei fascisti, i centri dell'astrattismo dalla Germania e dall'Italia si trasferirono in America, poiché il concetto di astrattismo non trovò sostegno tra gli ideologi del fascismo. Nel 1937 fu creato a New York un museo di pittura non figurativa, fondato dalla famiglia del miliardario Guggenheim, e nel 1939 il Museum of Modern Art, creato con i fondi di Rockefeller. Durante la Seconda Guerra Mondiale e dopo la sua fine, tutte le forze di estrema sinistra del mondo artistico si riunirono in America.

  Nell’America del dopoguerra si stava rafforzando la “New York School”, i cui membri includevano i creatori dell’espressionismo astratto Jackson Pollock, Mark Rothko, Barnett Neumann e Adolph Gottlieb. Nell'estate del 1959, le loro opere furono viste da giovani artisti a Mosca alla mostra d'arte nazionale americana nel Parco Sokolniki. Due anni prima di questo evento, l'arte mondiale contemporanea è stata presentata in una mostra d'arte nell'ambito del Festival mondiale della gioventù e degli studenti. La svolta informativa è diventata una sorta di simbolo della libertà spirituale e sociale [ ] . L’arte astratta era ormai associata alla liberazione interna dall’oppressione totalitaria del regime sanguinario, con una visione del mondo diversa [ ] . I problemi del linguaggio artistico contemporaneo e delle nuove forme plastiche si sono rivelati inestricabilmente legati ai processi socio-politici. L’era del “disgelo” implicava uno speciale sistema di rapporti tra arte astratta e potere. Iniziò una nuova fase nello sviluppo dell'arte astratta sovietica: gli anni '50 e '70.

  Per i giovani artisti sovietici, cresciuti nella tradizione del sistema accademico e in una visione materialistica del mondo, la scoperta dell'astrazione significava la possibilità di riprodurre l'esperienza soggettiva personale. I ricercatori americani hanno caratterizzato l’espressionismo astratto come “un gesto di liberazione dai valori politici, estetici e morali” [ ] . Sentimenti simili furono vissuti dai giovani pittori dell'URSS, che comprendevano l'arte contemporanea a loro sconosciuta e allo stesso tempo costruivano le proprie forme di convivenza con le autorità o di opposizione ad esse. Nasce l'underground e tra gli artisti informali la svolta verso l'arte astratta è generalmente accettata e diffusa.

  In questi anni molti pittori avvertono il bisogno del linguaggio dell'arte non oggettiva. La necessità di padroneggiare un vocabolario formale era spesso associata non solo all'immersione nella creatività spontanea, ma anche alla composizione di trattati teorici ponderati. Come all'inizio del secolo, per questi pittori l'astrazione non significava la negazione dei diversi livelli di significato. L'arte astratta contemporanea europea e americana si basava su strati fondamentali come lo studio della coscienza mitologica primitiva, il freudismo, i principi dell'esistenzialismo e le filosofie orientali - Zen [ ] . Ma nelle condizioni della realtà sovietica, gli artisti astratti non erano sempre in grado di acquisire una conoscenza sufficientemente completa e profonda delle fonti primarie; trovavano intuitivamente risposte ai problemi che li preoccupavano [ ] e, respingendo le accuse di semplice copiatura dei modelli occidentali, presero sul serio la propria reputazione professionale [ ] .

  1950-1970

  Il ritorno dell’arte astratta nello spazio culturale russo non fu solo una conseguenza di un cambiamento nel clima politico o di un’imitazione dei fenomeni artistici dell’Occidente. Le leggi dell’“autosviluppo dell’arte” costruivano forme che erano “vitali per l’arte stessa”. C'è stato un “processo di ripersonalizzazione dell'arte. Ora è possibile creare immagini individuali del mondo”. [ ] Quest’ultimo ha causato una potente reazione negativa a livello statale, che per molti anni ci ha insegnato a considerare l’astrattismo come “una direzione estremamente formalistica, estranea alla veridicità, all’ideologia e alla nazionalità” [ ] e opere create da astrattisti, come: “Una combinazione senza senso di forme geometriche astratte, punti e linee caotici”. [ ]

  Per quasi trent'anni (dalla fine degli anni Cinquanta al 1988), Evgeniy Mikhnov-Voitenko, maestro unico nella gamma dei metodi utilizzati, ha sviluppato il proprio stile di arte astratta. I diversi periodi della sua attività sono segnati da numerose sperimentazioni nel campo della pittura e delle arti decorative; Il patrimonio dell'artista comprende grafica, dipinti realizzati con tecnica mista, smalto nitro, pastello, salsa, olio, tempera, tempera, nonché opere in legno, metallo, vetro e schiuma.

  Primo [ ] lo studio “New Reality”, raccolto attorno a E. M. Belyutin, divenne un'associazione artistica informale del periodo “Thaw” che sviluppò i principi dell'arte astratta. Inizialmente lo studio funzionava come corso di alta formazione presso il Comitato Comunale dei Grafici. Il percorso verso la liberalizzazione generale stabilito dal XX Congresso ha aperto prospettive alla libertà della creatività e dell'esplorazione artistica. Tuttavia, la mostra del 1962 a Manege, le dure critiche del partito degli artisti Nuova Realtà e una campagna contro l'arte astratta costrinsero gli artisti alla clandestinità. Nel corso dei successivi 30 anni, lo studio ha lavorato ininterrottamente nei laboratori di Abramtsevo, in una casa di proprietà di Belyutin.

  Sviluppando i principi della rappresentazione non figurativa, gli artisti dello studio si sono affidati sia all’esperienza degli artisti d’avanguardia russi dell’inizio del secolo sia agli artisti occidentali moderni. Una caratteristica della “Nuova Realtà” era l’attenzione al lavoro collettivo, a cui si battevano i futuristi dell’inizio del XX secolo. La “Nuova Realtà” ha unito artisti moscoviti che avevano opinioni diverse sulla metodologia di costruzione dell’astrazione. Gli artisti Lucian Gribkov e Tamara Ter-Ghevondyan hanno lavorato in uno stile più vicino all'espressionismo astratto. Pur preservando elementi di forme reali nelle loro opere, hanno sviluppato categorie per esprimere stati emotivi attraverso movimenti visivi e plastici. Vera Preobrazhenskaya, che è stata per lungo tempo a capo dello studio e ha fissato la teoria e la metodologia della scuola, ha fatto molta strada dall'espressionismo attraverso l'estetica dell'op art fino all'astrazione geometrica. Insieme a Eliy Belyutin, Preobrazhenskaya ha lavorato allo sviluppo di moduli “psicogranuli”, simboli che esprimerebbero stati concreti e concetti astratti utilizzando chiare soluzioni di plastica cromatica. Vera Preobrazhenskaya ha detto: “Nei miei dipinti, Dio è quasi sempre un quadrato nero” [ ] . Nel processo di lavoro con gli studenti dello studio, Eli Belyutin ha formato la teoria del “contatto universale”, in cui ha espresso i principi per sviluppare il potenziale creativo dell’artista.

  Gli artisti della “Nuova Realtà” si consideravano eredi, innanzitutto, dell'arte di Wassily Kandinsky. Il fondatore dell'astrazione russa si è concentrato sulla rappresentazione del mondo spirituale attraverso l'arte plastica. Le loro ricerche artistiche furono arricchite anche dalle conquiste degli astrattisti europei della metà del secolo, che restituirono parzialmente l'arte figurativa alle loro opere nella nuova qualità di un'illusione ottica o di un feticcio.

  Kandinsky diceva che: “Consciamente o inconsciamente, gli artisti si rivolgono sempre più alla loro materia, testandola, soppesando su una bilancia spirituale il valore interiore degli elementi da cui deve essere creata l’arte” [ ] . Ciò che fu detto all'inizio del secolo divenne nuovamente rilevante per le successive generazioni di pittori. Nella seconda metà degli anni '50 apparve una scultura astratta dotata di un "cervello elettronico": "Cysp I" di Nicolas Schöffer. Alexander Kalder crea le sue “scuderie”. Emerge una delle aree isolate dell'astrattismo: l'op art. Allo stesso tempo, quasi contemporaneamente in Inghilterra e negli Stati Uniti, compaiono i primi collage, utilizzando etichette di prodotti di serie, fotografie, riproduzioni e oggetti simili del nuovo stile pop art.

  L’astrazione di Mosca all’inizio degli anni ’60, approfondendo la ricerca di una nuova forma, corrispondente allo stato interno di “intuizione creativa”, una sorta di meditazione, ha fornito esempi convincenti della propria comprensione della cultura del non-oggettivo. Ad esempio, nelle opere di Vladimir Nemukhin, Lydia Masterkova, Mikhail Kulakov, che erano certamente appassionati dell'espressionismo astratto, che sapevano riempire di alta tensione spirituale. Un diverso tipo di pensiero astratto è stato dimostrato dal più coerente nel suo lavoro analitico e pratico, Yuri Zlotnikov, l'autore della vasta serie "Segnali", creata alla fine degli anni '50. Secondo l'artista: "Il dinamismo, il ritmo, chiaramente espressi nell'astrazione geometrica", lo hanno portato all'analisi: "Concetti dinamici inerenti all'arte", e inoltre: "Allo studio delle reazioni motorie umane" [ ] . In “Signals”, l’artista ha esplorato il “feedback” delle reazioni psicologiche spontanee ai simboli di colore.

  La fase successiva nello sviluppo dell’astrazione russa inizia negli anni ’70. Questo è il periodo in cui gli artisti moderni conoscono l'opera di Malevich, il suprematismo e il costruttivismo, le tradizioni dell'avanguardia russa, la sua teoria e pratica. Gli “Elementi primari” di Malevich suscitarono un interesse stabile per le forme geometriche, i segni lineari e le strutture plastiche. L’astrazione “geometrica” ha permesso di avvicinarsi ai problemi che preoccupavano i maestri degli anni ’20, di sentire la continuità e la connessione spirituale con l’avanguardia classica. Gli autori moderni hanno scoperto le opere di filosofi e teologi, teologi e mistici russi e hanno acquisito familiarità con inesauribili fonti intellettuali, che a loro volta hanno riempito di nuovo significato le opere di Mikhail Shvartsman, Valery Yurlov ed Eduard Steinberg.

  L'astrazione geometrica ha costituito la base dei metodi di lavoro degli artisti che si sono uniti all'inizio degli anni '60 nel gruppo “Movimento”. Tra i suoi membri c'erano Lev Nusberg, Vyacheslav Koleichuk, Francisco Infante. Quest'ultimo era particolarmente appassionato del suprematismo. In “Spirali dinamiche”, Infante studia il modello di una spirale infinita nello spazio e analizza attentamente: “La situazione plastica inesistente”.

  Pittura americana degli anni '70. ritorna alla figuratività. Si ritiene che gli anni ’70 siano: “Il momento della verità per la pittura americana, che si libera dalla tradizione europea che l’ha nutrita e diventa puramente americana”. [ ]

  La metà degli anni '80 può essere considerata come il completamento della fase successiva nello sviluppo dell'astrazione in Russia, che a questo punto aveva accumulato non solo un'enorme esperienza in sforzi creativi e problemi filosofici significativi, ma si era anche convinta della richiesta di pensiero astratto .

  Gli anni Novanta confermano lo speciale “percorso russo” dell’arte non oggettiva. Dal punto di vista dello sviluppo della cultura mondiale, l’astrattismo come movimento stilistico si è concluso nel 1958. Tuttavia, in: “La società russa post-ricostruzione solo ora è emersa la necessità di una comunicazione paritaria con l'arte astratta, c'era il desiderio di vedere non punti privi di significato, ma la bellezza del gioco plastico, i suoi ritmi, di penetrarne il significato. Per ascoltare finalmente il suono di sinfonie pittoresche.” [ ] Agli artisti è stata data l'opportunità di esprimersi non solo in forme classiche - Suprematismo o espressionismo astratto, ma anche in astrazione lirica e geometrica, minimalismo, scultura, un oggetto, un libro d'autore fatto a mano, in pasta di carta fusa dal maestro stesso.

  Astrattismo moderno nella pittura

  Il colore bianco è diventato una componente importante del moderno linguaggio dell'astrazione. Per Marina Kastalskaya, Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, lo spazio del bianco - la più alta tensione del colore - è generalmente pieno di infinite possibilità variabili, consentendo l'uso sia di idee metafisiche sullo spirituale che di leggi ottiche della riflessione della luce.

  Lo spazio come categoria concettuale ha carichi semantici diversi nell’arte contemporanea. Ad esempio, c'è lo spazio di un segno, un simbolo emerso dalle profondità della coscienza arcaica, talvolta trasformato in una struttura che ricorda un geroglifico. C'è uno spazio di antichi manoscritti, la cui immagine è diventata una sorta di palinsesto nelle composizioni di Valentin Gerasimenko.

  Dettagli Categoria: Varietà di stili e movimenti artistici e loro caratteristiche Pubblicato il 16/05/2014 13:36 Visualizzazioni: 11268

  "Quando l'angolo acuto di un triangolo tocca un cerchio, l'effetto non è meno significativo di quello di Michelangelo, quando il dito di Dio tocca il dito di Adamo", ha detto V. Kandinsky, il leader dell'arte d'avanguardia del primo metà del 20° secolo.

  – una forma di attività visiva che non mira a mostrare la realtà percepita visivamente.
  Questa direzione nell'arte è anche chiamata “non oggettiva”, perché. i suoi rappresentanti hanno rifiutato l'immagine, che era vicina alla realtà. Tradotta dal latino, la parola “astrazione” significa “rimozione”, “distrazione”.

  

  V. Kandinsky “Composizione VIII” (1923)
  Gli artisti astratti hanno creato determinate combinazioni di colori e forme geometriche sulle loro tele per evocare varie associazioni nello spettatore. L'astrattismo non mira a riconoscere un oggetto.

  Storia dell'arte astratta

  I fondatori dell'arte astratta sono considerati Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova e Mikhail Larionov, Piet Mondrian. Kandinsky fu il più deciso e coerente tra coloro che a quel tempo rappresentavano questa direzione.
  I ricercatori dicono che non è del tutto corretto considerare l'astrattismo uno stile artistico, perché è una forma specifica di belle arti. È diviso in diverse direzioni: astrazione geometrica, astrazione gestuale, astrazione lirica, astrazione analitica, suprematismo, aranformel, nuageismo, ecc. Ma in sostanza, una generalizzazione forte è un’astrazione.

  

  V. Kandinsky “Mosca. Piazza Rossa""
  Già dalla metà del XIX secolo. la pittura, la grafica, la scultura si basano su ciò che è inaccessibile alla rappresentazione diretta. Inizia la ricerca di nuovi mezzi visivi, metodi di tipizzazione, maggiore espressione, simboli universali e formule plastiche compresse. Da un lato, questo mira a mostrare il mondo interiore di una persona - i suoi stati psicologici emotivi, dall'altro ad aggiornare la visione del mondo oggettivo.

  Il lavoro di Kandinsky attraversa diverse fasi, tra cui il disegno accademico e la pittura di paesaggi realistici, e solo allora entra nello spazio libero del colore e della linea.

  

  V. Kandinsky “Il cavaliere azzurro” (1911)
  La composizione astratta è quell’ultimo livello molecolare al quale la pittura resta ancora pittura. L'arte astratta è il modo più accessibile e nobile per catturare l'esistenza personale e allo stesso tempo è una realizzazione diretta della libertà.

  

  Murnau "Il giardino" (1910)
  Il primo dipinto astratto fu dipinto da Wassily Kandinsky nel 1909 in Germania, e un anno dopo pubblicò qui il libro "Sullo spirituale nell'arte", che in seguito divenne famoso. La base di questo libro era il pensiero dell'artista secondo cui l'esterno può essere accidentale, ma ciò che è internamente necessario, spirituale, che costituisce l'essenza dell'uomo, può benissimo essere incarnato in un'immagine. Questa visione del mondo è associata alle opere teosofiche e antroposofiche di Helena Blavatsky e Rudolf Steiner, studiate da Kandinsky. L'artista descrive il colore, l'interazione dei colori e il loro effetto sull'uomo. “Il potere psichico della vernice... provoca vibrazioni spirituali. Ad esempio, il colore rosso può causare vibrazioni mentali simili a quelle causate dal fuoco, poiché il rosso è allo stesso tempo il colore del fuoco. Il colore rosso caldo ha un effetto stimolante; un tale colore può intensificarsi in modo doloroso e straziante, forse anche a causa della sua somiglianza con il sangue che scorre. Il colore rosso in questo caso risveglia il ricordo di un altro fattore fisico, che, ovviamente, ha un effetto doloroso sull’anima”.

  

  V. Kandinsky "Crepuscolo"
  “...il colore viola è un rosso raffreddato, sia in senso fisico che mentale. Ha quindi il carattere di qualcosa di doloroso, di spento, ha in sé qualcosa di triste. Non per niente questo colore è considerato adatto agli abiti delle donne anziane. I cinesi usano questo colore direttamente per gli indumenti da lutto. Il suo suono è simile ai suoni del corno inglese, del flauto e, nella sua profondità, ai toni bassi degli strumenti a fiato (ad esempio, il fagotto).”

  

  V. Kandinsky “Ovale grigio”
  "Il colore nero internamente suona come Niente senza possibilità, come morto."
  “È chiaro che tutte le designazioni date per questi colori semplici sono solo molto temporanee ed elementari. Gli stessi sono i sentimenti che menzioniamo in relazione ai colori: gioia, tristezza, ecc. Anche questi sentimenti sono solo stati materiali dell'anima. I toni dei colori, così come la musica, hanno una natura molto più sottile; provocano vibrazioni molto più sottili che non possono essere espresse a parole.

  V.V. Kandinsky (1866-1944)

  

  Un eccezionale pittore, grafico e teorico delle belle arti russo, uno dei fondatori dell'arte astratta.
  Nato a Mosca nella famiglia di un uomo d'affari, ricevette la sua educazione musicale e artistica di base a Odessa, quando la famiglia vi si trasferì nel 1871. Si laureò brillantemente presso la Facoltà di Giurisprudenza dell'Università Statale di Mosca.
  Nel 1895 si tenne a Mosca una mostra di impressionisti francesi. Kandinsky fu particolarmente colpito dal dipinto "Pagliaio" di Claude Monet, quindi all'età di 30 anni cambiò completamente la sua professione e divenne un artista.

  

  V. Kandinsky “La vita eterogenea”
  Il suo primo dipinto fu “Una vita variegata” (1907). Rappresenta un quadro generalizzato dell'esistenza umana, ma questa è già la prospettiva della sua futura creatività.
  Nel 1896 si trasferì a Monaco, dove conobbe il lavoro degli espressionisti tedeschi. Dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, tornò a Mosca, ma dopo qualche tempo partì di nuovo per la Germania e poi per la Francia. Viaggiò molto, ma periodicamente tornava a Mosca e Odessa.
  A Berlino, Wassily Kandinsky insegnò pittura e divenne un teorico della scuola Bauhaus (Scuola superiore di costruzione e design artistico) - un'istituzione educativa in Germania che esisteva dal 1919 al 1933. In questo momento, Kandinsky ricevette il riconoscimento mondiale come uno dei leader dell'arte astratta.
  Morì nel 1944 nel sobborgo parigino di Neuilly-sur-Seine.
  L'arte astratta come movimento artistico nella pittura non era un fenomeno omogeneo: l'arte astratta univa diversi movimenti: raggismo, orfismo, suprematismo, ecc., Di cui puoi imparare più in dettaglio dai nostri articoli. Inizio del 20° secolo - un momento di rapido sviluppo di vari movimenti d'avanguardia. L'arte astratta era molto varia, comprendeva anche cubo-futuristi, costruttivisti, artisti non oggettivi, ecc. Ma il linguaggio di quest'arte richiedeva altre forme di espressione, ma non erano supportate da figure dell'arte ufficiale, inoltre, le contraddizioni erano inevitabili all'interno dello stesso movimento d'avanguardia. L'arte d'avanguardia fu dichiarata antipopolare, idealistica e praticamente bandita.
  L’astrattismo non trovò sostegno nella Germania fascista, quindi i centri dell’astrattismo dalla Germania e dall’Italia si trasferirono in America. Nel 1937 fu creato a New York un museo di pittura non oggettiva, fondato dalla famiglia del miliardario Guggenheim, e nel 1939 il Museum of Modern Art, creato con i fondi di Rockefeller.

  Arte astratta del dopoguerra

  Dopo la seconda guerra mondiale, la “Scuola di New York” era popolare in America, i cui membri erano i creatori dell’espressionismo astratto D. Pollock, M. Rothko, B. Neumann, A. Gottlieb.

  

  D. Pollock "Alchimia"
  Guardando il dipinto di questo artista, capisci: l'arte seria non si presta a facili interpretazioni.

  

  M. Rothko “Senza titolo”
  Nel 1959, le loro opere furono esposte a Mosca alla mostra d'arte nazionale americana nel Parco Sokolniki. L’inizio del “disgelo” in Russia (anni ’50) aprì una nuova fase nello sviluppo dell’arte astratta domestica. È stato aperto lo studio "New Reality", il cui centro era Eliy Mikhailovich Belyutin.

  

  Lo studio si trovava ad Abramtsevo, vicino a Mosca, nella dacia di Belutin. L'attenzione era rivolta al lavoro collettivo, a cui aspiravano i futuristi dell'inizio del XX secolo. La “Nuova Realtà” ha unito artisti moscoviti che avevano opinioni diverse sulla metodologia di costruzione dell’astrazione. Gli artisti L. Gribkov, V. Zubarev, V. Preobrazhenskaya, A. Safokhin sono usciti dallo studio “New Reality”.

  E. Belyutin “Maternità”
  Una nuova fase nello sviluppo dell'astrazione russa inizia negli anni '70. Questo è il tempo di Malevich, del Suprematismo e del Costruttivismo, le tradizioni dell'avanguardia russa. I dipinti di Malevich suscitarono interesse per le forme geometriche, i segni lineari e le strutture plastiche. Gli autori moderni hanno scoperto le opere di filosofi e teologi, teologi e mistici russi e hanno acquisito familiarità con inesauribili fonti intellettuali che hanno riempito le opere di M. Shvartsman, V. Yurlov, E. Steinberg di un nuovo significato.
  La metà degli anni ’80 segnò il completamento della fase successiva nello sviluppo dell’astrazione in Russia. Fine del 20° secolo ha delineato uno speciale “percorso russo” dell’arte non oggettiva. Dal punto di vista dello sviluppo della cultura mondiale, l'astrattismo come movimento di stile terminò nel 1958. Ma solo nella società russa post-perestrojka l'arte astratta divenne uguale ad altri movimenti. Agli artisti è stata data l'opportunità di esprimersi non solo in forme classiche, ma anche in forme di astrazione geometrica.

  Arte astratta moderna

  Il colore bianco diventa spesso il linguaggio moderno dell'astrazione. Per i moscoviti M. Kastalskaya, A. Krasulin, V. Orlov, L. Pelikh, lo spazio del bianco (la più alta tensione cromatica) è pieno di infinite possibilità, consentendo l'uso di entrambe le idee metafisiche sulle leggi spirituali e ottiche della luce riflessione.

  

  M. Kastalskaya “Sleepy Hollow”
  Il concetto di “spazio” ha significati diversi nell’arte moderna. Ad esempio, c'è uno spazio di un segno, un simbolo. C'è uno spazio di antichi manoscritti, la cui immagine è diventata una sorta di palinsesto nelle composizioni di V. Gerasimenko.

  

  A. Krasulin “Sgabello ed eternità”

  Alcune tendenze nell'arte astratta

  Raionismo

  

  S. Romanovich “Discesa dalla Croce” (anni '50)
  La direzione nella pittura d'avanguardia russa nell'arte degli anni '10, basata sullo spostamento degli spettri luminosi e sulla trasmissione della luce. Una delle prime aree dell'astrattismo.
  La base della creatività di Raymen è l'idea di “intersezione dei raggi riflessi di vari oggetti”, poiché ciò che una persona percepisce effettivamente non è l'oggetto stesso, ma “la somma dei raggi provenienti dalla sorgente luminosa, riflesso dall’oggetto e cade nel nostro campo visivo”. I raggi sulla tela vengono trasmessi tramite linee colorate.
  Il fondatore e teorico del movimento fu l'artista Mikhail Larionov. Mikhail Le-Dantu e altri artisti del gruppo “Donkey’s Tail” hanno lavorato nel Rayonism.

  

  Il raggismo ha ricevuto uno sviluppo particolare nell'opera di S. M. Romanovich, che ha fatto delle idee coloristiche del raggismo la base della “spazialità” dello strato colorato di un dipinto figurativo: “La pittura è irrazionale. Proviene dal profondo dell'uomo, come una sorgente che sgorga dal sottosuolo. Il suo compito è trasformare il mondo visibile (oggetto) attraverso l'armonia, che è segno di verità. Il lavoro – scrivi in ​​armonia – può essere fatto da colui in cui vive: questo è il segreto dell’uomo”.

  Orfismo

  Movimento della pittura francese dell'inizio del XX secolo, formato da R. Delaunay, F. Kupka, F. Picabia, M. Duchamp. Il nome fu dato nel 1912 dal poeta francese Apollinaire.

  

  R. Delaunay “Campioni di Marte: Torre Rossa” (1911-1923)
  Gli artisti orfisti cercavano di esprimere la dinamica del movimento e la musicalità dei ritmi attraverso la compenetrazione dei colori primari dello spettro e l'intersezione di superfici curve.
  L'influenza dell'orfismo può essere vista nelle opere dell'artista russo Aristarkh Lentulov, così come di Alexandra Ekster, Georgy Yakulov e Alexander Bogomazov.

  

  A. Bogomazov “Composizione n. 2”

  Neoplasticismo

  Questo stile è caratterizzato da chiare forme rettangolari in architettura (“stile internazionale” di P. Auda) e pittura astratta nella disposizione di grandi piani rettangolari, dipinti nei colori primari dello spettro (P. Mondrian).

  

  "Stile Mondrian"

  Espressionismo astratto

  Una scuola (movimento) di artisti che dipingono velocemente e su tele di grandi dimensioni, utilizzando tratti non geometrici, pennelli di grandi dimensioni, a volte facendo gocciolare la vernice sulla tela per rivelare pienamente le emozioni. L'obiettivo dell'artista con questo metodo creativo è l'espressione spontanea del mondo interiore (subconscio) in forme caotiche non organizzate dal pensiero logico.
  Il movimento acquistò particolare slancio negli anni '50, quando era guidato da D. Pollock, M. Rothko e Willem de Kooning.

  

  D. Pollock “Sotto maschere diverse”
  Una delle forme di espressionismo astratto è il Tachisme; entrambi questi movimenti praticamente coincidono nell’ideologia e nel metodo creativo, tuttavia, la composizione personale degli artisti che si definivano Tachistes o espressionisti astratti non coincide completamente.

  Tachisma

  

  A. Orlov “Le cicatrici nell’anima non guariscono mai”
  È una pittura con macchie che non ricreano immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Tratti, linee e macchie di tachisma vengono applicati sulla tela con rapidi movimenti della mano senza un piano prestabilito. Il gruppo europeo "COBRA" e il gruppo giapponese "Gutai" sono vicini al tachisme.

  

  A. Orlov “Stagioni” P.I. Čajkovskij

  L'astrazione nell'arte!

  Astrattismo!

  Astrattismo- questa è una direzione nella pittura, che è evidenziata in uno stile speciale.

  La pittura astratta, arte astratta o genere astratto, implica il rifiuto di rappresentare cose e forme reali.

  L'astrattismo ha lo scopo di evocare determinate emozioni e associazioni in una persona. Per questi scopi, i dipinti in stile astratto cercano di esprimere l'armonia di colori, forme, linee, macchie e così via. Tutte le forme e le combinazioni di colori che si trovano all'interno del perimetro dell'immagine hanno un'idea, una propria espressione e significato. Non importa come possa sembrare allo spettatore, guardando un'immagine dove non c'è altro che linee e macchie, tutto nell'astrazione è soggetto a determinate regole di espressione, la cosiddetta “composizione astratta”.

  L'astrazione nell'arte!

  L'astrattismo, come movimento pittorico, è nato all'inizio del XX secolo contemporaneamente in diversi paesi europei.

  Si ritiene che la pittura astratta sia stata inventata e sviluppata dal grande artista russo Wassily Kandinsky.

  I fondatori e ispiratori riconosciuti dell’astrattismo sono gli artisti Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka e Robert Delaunay, che nelle loro opere teoriche hanno plasmato approcci alla definizione di “Astrattismo”. Differenti negli scopi e negli obiettivi, la loro ricerca era unita in una cosa: l'astrattismo, come stadio più alto di sviluppo della creatività visiva, crea forme inerenti solo all'arte. L'artista, “liberato” dalla copia della realtà, pensa in speciali immagini pittoriche dell'incomprensibile principio spirituale dell'universo, delle eterne “essenze spirituali”, delle “forze cosmiche”.

  La pittura astratta, che ha letteralmente fatto esplodere il mondo dell'arte, è diventata il simbolo dell'inizio di una nuova era nella pittura. Questa era significa una transizione completa da quadri e restrizioni alla completa libertà di espressione. L'artista non è più vincolato da nulla, può dipingere non solo persone, scene quotidiane e di genere, ma anche pensieri, emozioni, sensazioni e utilizzare per questo qualsiasi forma di espressione.

  Oggi l'astrazione nell'arte è così ampia e varia che essa stessa è divisa in molti tipi, stili e generi. Ogni artista o gruppo di artisti cerca di creare qualcosa di proprio, qualcosa di speciale che possa raggiungere al meglio i sentimenti e le sensazioni di una persona. Raggiungere questo obiettivo senza utilizzare figure e oggetti riconoscibili è molto difficile. Per questo motivo, le tele degli artisti astratti, che evocano davvero sensazioni speciali e fanno meravigliare la bellezza e l'espressività di una composizione astratta, meritano grande rispetto, e l'artista stesso è considerato un vero genio della pittura.

  Pittura astratta!

  Dall'avvento dell'arte astratta, in essa sono emerse due linee principali.

  Il primo è l'astrazione geometrica o logica, che crea spazio combinando forme geometriche, piani colorati, linee rette e spezzate. Si incarna nel suprematismo di K. Malevich, nel neoplasticismo di P. Mondrian, nell'orfismo di R. Delaunay, nell'opera dei maestri dell'astrazione post-pittorica e dell'op art.

  Il secondo è l'astrazione lirico-emotiva, in cui le composizioni sono organizzate da forme e ritmi liberamente fluenti, rappresentati dal lavoro di V. Kandinsky, dalle opere dei maestri dell'espressionismo astratto, del tachisma e dell'arte informale.

  Pittura astratta!

  L'arte astratta, come pittura di particolare espressione personale, è rimasta inizialmente per molto tempo nell'underground. L'arte astratta, come molti altri generi nella storia della pittura, fu ridicolizzata e addirittura condannata e censurata come arte senza alcun significato. Tuttavia, nel tempo, la posizione dell'astrazione è cambiata e ora esiste alla pari di tutte le altre forme d'arte.

  Come fenomeno artistico, l'astrattismo ha avuto un'enorme influenza sulla formazione e sullo sviluppo dello stile architettonico moderno, del design, delle arti industriali, applicate e decorative.

  Maestri riconosciuti dell'arte astratta: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka. Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers.

  Astrattismo moderno nella pittura!

  

  Nelle belle arti moderne, l'astrattismo è diventato un linguaggio importante di profonda comunicazione emotiva tra artista e spettatore.

  Nell'astrattismo moderno stanno emergendo nuove direzioni interessanti che utilizzano, ad esempio, immagini speciali di varie forme di colore. Pertanto, nelle opere di Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, lo spazio del bianco - la più alta tensione del colore - è generalmente pieno di infinite possibilità variabili, consentendo l'uso sia di idee metafisiche sulle leggi spirituali che ottiche della luce riflessione.

  Nell'astrattismo moderno, lo spazio inizia a svolgere nuovi ruoli e forma diversi carichi semantici. Ad esempio, ci sono spazi di segni e simboli che nascono dalle profondità della coscienza arcaica.

  Nell'astrattismo moderno, anche la direzione della trama si sta sviluppando. In questo caso, pur mantenendo la non oggettività, l'immagine astratta è costruita in modo tale da evocare associazioni specifiche - a diversi livelli di astrazione.

  L'astrattismo moderno è infinito nei suoi confini: dalla situazione oggettiva al livello filosofico delle categorie astratte figurative. D'altra parte, nella pittura astratta moderna, l'immagine può sembrare l'immagine di una sorta di mondo fantastico, ad esempio il surrealismo astratto.

  

  Altri articoli in questa sezione:

  • Sistemi di comunicazione linguistica! Le lingue come fattore principale nel sistema di sviluppo della conoscenza!
  • Tradizioni. Cos'è la tradizione? La tradizione nello sviluppo dialettico della società.
  • Spazio e tempo. Leggi dello spazio. Spazio aperto. Movimento. Spazio dei mondi.
  • Evoluzione e coevoluzione. Evoluzione e coevoluzione nel sistema della conoscenza moderna. Principi di evoluzione e coevoluzione. Evoluzione biologica e coevoluzione della natura vivente.
  • Sinergetica e leggi della natura. La sinergetica come scienza. La sinergetica come approccio e metodo scientifico. La teoria universale dell’evoluzione è sinergica.
  • È possibile oppure no! Un caleidoscopio di eventi e azioni attraverso il prisma è impossibile e possibile!
  • Mondo della religione! La religione come forma di coscienza umana nella consapevolezza del mondo circostante!
  • Arte - Arte! L'arte è un'abilità che può ispirare ammirazione!
  • Realismo! Realismo nell'arte! Arte realistica!
  • Arte non ufficiale! Arte non ufficiale dell'URSS!
  • Thrash - Thrash! Cestino nell'arte! Cestino nella creatività! Spazzatura in letteratura! Cinema spazzatura! Cyber-spazzatura! Thrash metal! Teletrash!
  • Pittura! La pittura è arte! La pittura è l'arte di un artista! Canoni della pittura. Maestri della pittura.
  • Vernissage - “vernissage” - l'inaugurazione di una mostra d'arte!
  • Realismo metaforico nella pittura. Il concetto di “realismo metaforico” in pittura.
  • Il costo dei dipinti di artisti contemporanei. Come acquistare un dipinto?