Evo liste od 10 kompozitora koje biste trebali znati. Za svakog od njih sa sigurnošću se može reći da je najveći kompozitor koji je ikada živio, iako je u stvari nemoguće, pa čak i nemoguće, porediti muziku napisanu tokom nekoliko vekova. Međutim, svi ovi kompozitori izdvajaju se među svojim savremenicima kao kompozitori koji su komponovali muziku najviši nivo i nastojao da pomeri granice klasična muzika do novih granica. Lista ne sadrži nikakav redoslijed, poput važnosti ili ličnih preferencija. Samo 10 sjajnih kompozitora koje biste trebali znati.
Svakog kompozitora prati neka citirana činjenica iz njegovog života, sjetivši se koje ćete izgledati kao stručnjak. A klikom na link do prezimena, prepoznaćete ga puna biografija. I naravno, možete poslušati jednu od njih značajna dela svaki majstor.
Najvažnija ličnost svjetske klasične muzike. Jedan od najizvođenijih i najcjenjenijih kompozitora na svijetu. Stvarao je u svim žanrovima koji su postojali u njegovo vrijeme, uključujući operu, balet, muziku za dramske predstave i horska djela. Smatraju se najznačajniji u njegovoj zaostavštini instrumentalna djela: klavir, sonate za violinu i violončelo, koncerti za klavir, violinu, kvarteti, uvertire, simfonije. Osnivač romantičnog perioda u klasičnoj muzici.
Zanimljiva činjenica.
Beethoven je svoju treću simfoniju (1804.) najprije htio posvetiti Napoleonu; kompozitor je bio opčinjen ličnošću ovog čovjeka, koji se mnogima na početku svoje vladavine činio pravim herojem. Ali kada se Napoleon proglasio carem, Beethoven je precrtao svoju posvetu na naslovnoj strani i napisao samo jednu riječ - "Herojski".
"Mjesečeva sonata" L. Beethovena, slušaj:
2. (1685-1750)
Njemački kompozitor i orguljaš, predstavnik baroknog doba. Jedan od najvećih kompozitora u istoriji muzike. Tokom svog života, Bah je napisao više od 1000 dela. Njegov rad predstavlja sve značajnih žanrova tog vremena, osim opere; sažimao je dostignuća muzičke umetnosti baroknog perioda. Osnivač najpoznatije muzičke dinastije.
Zanimljiva činjenica.
Tokom svog života, Bach je bio toliko podcijenjen da je objavljeno manje od desetina njegovih djela.
Tokata i fuga u d-molu J. S. Bacha, slušaj:
3. (1756-1791)
Veliki austrijski kompozitor, instrumentalista i dirigent, predstavnik Beča klasična škola, virtuoz violinista, čembalist, orguljaš, dirigent, imao je fenomenalan muzičko uho, pamćenje i sposobnost improvizacije. Kao kompozitor koji se istakao u bilo kom žanru, s pravom se smatra jednim od najvećih kompozitora u istoriji klasične muzike.
Zanimljiva činjenica.
Još kao dijete, Mocart je naučio napamet i snimio Miserere (kat. pjevanje na tekst 50. Davidovog psalma) Italijana Gregorija Allegrija, preslušavši ga samo jednom.
"Mala noćna serenada" W.A. Mozarta, slušaj:
4. (1813-1883)
Njemački kompozitor, dirigent, dramaturg, filozof. Imao je značajan uticaj na evropsku kulturu na prelazu iz 19. u 20. vek, posebno na modernizam. Wagnerove opere su zadivljujuće svojim grandioznim razmjerom i vječnim ljudskim vrijednostima.
Zanimljiva činjenica.
Wagner je učestvovao u neuspješnoj revoluciji 1848-1849 u Njemačkoj i bio je prisiljen da se krije od hapšenja od strane Franca Liszta.
"Ride of the Valkyries" iz opere R. Wagnera "Walkyrie", slušaj
5. (1840-1893)
Italijanski kompozitor, centralna ličnost italijanske operske škole. Verdi je imao osećaj za scenu, temperament i besprekornu veštinu. On nije negirao operske tradicije (za razliku od Wagnera), već ih je, naprotiv, razvio (tradicije italijanske opere), preobrazio je italijansku operu, ispunio je realizmom i dao joj jedinstvo celine.
Zanimljiva činjenica.
Verdi je bio italijanski nacionalista i izabran je u prvi italijanski parlament 1860. godine, nakon proglašenja italijanske nezavisnosti od Austrije.
Uvertira operi D. Verdija "Travijata", slušaj:
7. Igor Fedorovič Stravinski (1882-1971)
Ruski (američki - nakon emigracije) kompozitor, dirigent, pijanista. Jedan od najznačajnijih kompozitora dvadesetog veka. Kreativnost Stravinskog je konzistentna tokom čitave njegove karijere, iako je stil njegovih radova bio različit u različitim periodima, ali su ostali i srž i ruski koreni, koji su bili evidentni u svim njegovim delima, smatra se jednim od vodećih inovatora dvadesetog veka. Njegovo inovativna upotreba ritam i harmonija inspirisali su i inspirišu mnoge muzičare, i to ne samo u klasičnoj muzici.
Zanimljiva činjenica.
Tokom Prvog svetskog rata, rimski carinici zaplenili su portret Stravinskog Pabla Pikasa dok je kompozitor napuštao Italiju. Portret je naslikan na futuristički način, a carinici su ove krugove i linije zamijenili za neku vrstu šifriranih tajnih materijala.
Svita iz baleta I.F. Stravinskog "Žar ptica", slušaj:
8. Johann Strauss (1825-1899)
austrijski kompozitor lagana muzika, dirigent i violinista. "Kralj valcera", stvarao je u žanru plesne muzike i operete. U njegovom muzičko nasleđe više od 500 valcera, polki, kadrila i drugih vrsta plesne muzike, kao i nekoliko opereta i baleta. Zahvaljujući njemu, valcer je postao izuzetno popularan u Beču u 19. veku.
Zanimljiva činjenica.
Otac Johana Štrausa je takođe Johan i takođe poznati muzičar, pa se "Kralj valcera" zove najmlađi ili sin, njegova braća Josif i Eduard takođe su bili poznati kompozitori.
Valcer J. Straussa "Na lijepom plavom Dunavu", slušaj:
9. Sergej Vasiljevič Rahmanjinov (1873-1943)
austrijski kompozitor, jedan od istaknutih predstavnika Bečka klasična muzička škola i jedan od začetnika romantizma u muzici. Tokom svog kratkog života, Šubert je dao značajan doprinos orkestarskoj, kamernoj i klavirskoj muzici koja je uticala na čitavu generaciju kompozitora. Međutim, njegov najupečatljiviji doprinos bio je razvoju njemačkih romansa, kojih je stvorio više od 600.
Zanimljiva činjenica.
Šubertovi prijatelji i kolege muzičari bi se okupljali i izvodili Šubertovu muziku. Ovi sastanci su se zvali "Šubertijade". Neki prvi fan klub!
"Ave Maria" F.P.Schuberta, slušaj:
Nastavljajući temu velikih kompozitora koje biste trebali znati, novi materijal.
Koncept „kompozitor“ se prvi put pojavio u 16. veku u Italiji i od tada se koristi za označavanje osobe koja komponuje muziku.
Kompozitori 19. veka
U 19. veku bečku muzičku školu predstavljao je tako izvanredan kompozitor kao što je Franc Peter Šubert. Nastavio je tradiciju romantizma i uticao na čitavu generaciju kompozitora. Šubert je stvorio više od 600 njemačkih romansi, podižući žanr na novi nivo.
Franz Peter Schubert
Drugi Austrijanac, Johann Strauss, postao je poznat po svojim operetama i lakim muzičkim plesnim formama. Upravo je on učinio valcer najpopularnijim plesom u Beču, gdje se i danas održavaju balovi. Osim toga, njegovo naslijeđe uključuje polke, kadrile, balete i operete.
Johann Strauss
Istaknuti predstavnik modernizma u muzici kasnog 19. vijeka bio je Nijemac Richard Wagner. Njegove opere do danas nisu izgubile na aktuelnosti i popularnosti.
Giuseppe Verdi
Wagnera se može suprotstaviti veličanstvenom liku italijanskog kompozitora Giuseppea Verdija, koji je ostao vjeran operskoj tradiciji i dao italijanskoj operi novi dah.
Petar Iljič Čajkovski
Među ruskim kompozitorima 19. veka ističe se ime Petra Iljiča Čajkovskog. Odlikuje ga jedinstven stil koji kombinuje evropsku simfonijsku tradiciju sa Glinkinim ruskim nasleđem.
Kompozitori 20. veka
Sergej Vasiljevič Rahmanjinov
Sergej Vasiljevič Rahmanjinov s pravom se smatra jednim od najsjajnijih kompozitora kasnog 19. i početka 20. veka. Njegov muzički stil bio je zasnovan na tradiciji romantizma i postojao je paralelno sa avangardnim pokretima. Zbog njegove individualnosti i nedostatka analoga njegov rad je bio visoko cijenjen od strane kritičara širom svijeta.
Igor Fedorovič Stravinski
Drugi najpoznatiji kompozitor 20. veka je Igor Fedorovič Stravinski. Poreklom Rus, emigrirao je u Francusku, a potom u SAD, gde je svoj talenat pokazao u punoj snazi. Stravinski je inovator koji se ne boji eksperimentirati s ritmovima i stilovima. Njegov rad pokazuje uticaj ruske tradicije, elemente raznih avangardnih pokreta i jedinstveni individualni stil, zbog čega je nazvan „Pikaso u muzici“.
Uvod
Barok, rokoko, klasicizam - glavni pravci u umetnosti 18. veka, manifestovali su se u svemu - u književnosti, u slikarstvu, u arhitekturi i u muzici.
Evolucija muzike u 18. veku dostiže briljantnu eru. Oblici nastali početkom 17. vijeka dostižu najviši nivo savršenstva.
Početkom 18. veka najpopularniji stil muzike bio je sentimentalni klasicizam. Bila je spora, ležerna muzika, ne posebno složena. Svirao se na žičanim instrumentima. Obično je pratila balove i gozbe, ali su je voleli i slušati u opuštenoj kućnoj atmosferi. Zatim je muzika na lutnji počela da uključuje rokoko karakteristike i tehnike, kao što su trilovi i flažoeti. Dobio je zamršeniji izgled, muzičke fraze su postale složenije i zanimljivije. Muzika je postala sve više odvojena od stvarnosti, fantastičnija, manje korektna i samim tim bliža slušaocu.
U drugoj polovini 18. veka, rokoko karakteristike su postale toliko integrisane u muziku da su počele da dobijaju određenu orijentaciju. Tako su se ubrzo u muzici jasno pojavila dva pravca: muzika za ples i muzika za pevanje. Balove je pratila muzika za ples, a muzika za pevanje puštala se u poverljivom okruženju.
Klasicizam je postao vrhunac klasične umjetnosti.
Ovo djelo ističe mjuzikl umjetnost XVIII stoljeće kao doba stvaranja muzičke klasike u njenim glavnim pojavama i žanrovima (opera, fuga, sonata, simfonija), koju karakteriziraju djela Bacha, Hendla, Glucka, Haydna, Mocarta i drugih kompozitora; ispituje rad istaknutih kompozitora. Rad se sastoji od uvoda, tri poglavlja glavnog dijela, zaključka i liste literature.
1. Musical kultura XVIII veka
U istoriji muzičke umetnosti 18. vek je dobio ogroman značaj i još uvek je od najvećeg interesovanja. Ovo je doba stvaranja muzičkih klasika, rađanja majora muzički koncepti u suštini već sekularni figurativni sadržaj. Muzika se ne samo uzdigla na nivo drugih umetnosti koje su cvetale od renesanse, na nivo književnosti u svojim najboljim dostignućima, već je generalno nadmašila ono što su postigle brojne druge umetnosti (posebno vizuelne umetnosti) i kraj veka bio je sposoban da stvori veliki sintetizujući stil tako visoke i trajne vrednosti, poput simfonije bečke klasične škole.
Bah, Hendl, Gluk, Hajdn i Mocart prepoznati su vrhovi na ovom putu muzičke umetnosti od početka do kraja veka. Međutim, značajna je i uloga tako originalnih i tragajućih umjetnika kao što su Jean Philippe Rameau u Francuskoj, Domenico Scarlatti u Italiji, Philip Emanuel Bach u Njemačkoj, a da ne spominjemo mnoge druge majstore koji su ih pratili u općem stvaralačkom pokretu.
Kao što je poznato, Njemačka, Italija i Francuska sa svojim kreativnim školama zauzimale su vodeću poziciju u razvoju muzičke umjetnosti tog vremena. Ali učešće drugih zemalja u ovom procesu je takođe van sumnje. Muzički i društveni uslovi Engleske, u kojoj su nastajali Hendlovi oratoriji, uticaj španske muzičke kulture na Skarlatija, vodeća uloga čeških majstora u formiranju Manhajmske kapele, slovensko i mađarsko poreklo niza Haydnovih tema su uvjerljivi primjeri za to.
Općenito, kreativne veze između različitih evropskih zemalja, uočljive ranije, barem u 15., 16. XVII vijeka, jačaju i intenziviraju se tokom XVIII. To se izražava ne samo u međusobnom obogaćivanju samog muzičkog spisa, muzičkih žanrova, njihovog tematizma, principa razvoja muzičkih oblika, već i opšteg ideološkog i estetskog uticaja, koji se intenzivirao u novim istorijskim uslovima. Ako bi se teoretski moglo zamisliti Johann Sebastian Bach ili Gluck (i također Hendl ili Mocart) kako se razvijaju u izolovanom okruženju svoje zemlje, onda mnogi od najvažnijih kvaliteta njihova velika umjetnost izgledala bi neutemeljeno, teško objašnjivo, gotovo paradoksalno. Odakle dolazi visoka tragedija u Bachovoj umjetnosti, koja, međutim, ostaje mudra i skladna? Otkud taj akutni osećaj za tragično, koji nije dostigao takvu snagu kod umetnika 17. veka? Ako dolazi iz svijesti o teškoj sudbini svoje domovine, zašto onda nije oličena mnogo ranije? Jer, upravo su istorijski uslovi 18. veka, primer drugih zemalja, probudili u novoj generaciji novu oštrinu samosvesti, a sa njom i nova osećanja, nove ocene.
Poznato je da je u razorenoj i razjedinjenoj feudalnoj Njemačkoj prosvjetiteljstvo nešto kasnilo i tamo nije imalo tako očito revolucionarni karakter. No, uoči prosvjetiteljstva, muzička umjetnost njemačkih majstora uzdiže se do uzvišenih visina figurativnih generalizacija i kreativnih koncepata kod Bacha i Handela, sintetizirajući najbolje povijesne tradicije i predviđajući puteve u daleku budućnost. A kao rezultat prosvjetiteljstva, nastala je austro-njemačka kreativna škola, koju predstavljaju bečki klasici, koja u novoj fazi dostiže najviši stvaralački princip simfonizma. U ovoj atmosferi, koja se, na ovaj ili onaj način, osjeća u svim evropskim zemljama, intenzivno se razvija niz nacionalnih stvaralačkih škola, koje stiču snagu, samostalnost i dobivaju umjetnički autoritet upravo u 18. stoljeću zahvaljujući novim dostignućima u oblast sekularne muzičke umetnosti.
Ruska kreativna škola čisto sekularnog smjera oblikovala se upravo u 18. stoljeću, iako njeni počeci sežu stoljećima. Značaj i stvaralački uticaj češke muzičke škole, koja je široko zastupljena instrumentalnim žanrovima i koja se proslavila stvarajući opere, raste.
18. stoljeće pokazalo se plodnim za poljsku kreativnu školu, koja ima dugu tradiciju i sada savladava nove glavni žanrovi instrumentalnu i pozorišnu muziku.
Na zajedničkim putevima muzički razvoj od početka do kraja 18. vijeka mnogo toga već ujedinjuje ili spaja zemlje zapadne Evrope (što postaje najočitije u posljednjoj trećini stoljeća). U Francuskoj i Italiji počinje polemika oko starih operskih žanrova, koji su podložni ozbiljnoj i oštroj kritici društvenog i estetskog poretka. U nizu zemalja pojavljuju se novi progresivni operski trendovi, povezani s pojavom komičnih, komedijskih operskih žanrova: opera buffa u Italiji, komična opera u Francuskoj, Singspiel u Njemačkoj i Austriji, komične muzičke predstave u Španiji. A posebno je značajno da sve zemlje zapadne Evrope, na ovaj ili onaj način, učestvuju u kretanju ka novom stilu bečke škole, koji označava trijumf homofono-harmonijske strukture i sonatno-simfonijskih formi. Koliko god da su tradicije i stvaralačke mogućnosti svake zemlje različite, stilsku prekretnicu oko sredine veka i dalji razvoj sonatno-simfonijskih principa pripremio je čitav sistem stvaralačkih napora mnogih majstora iz Italije, Francuske, Njemačka, da ne spominjemo narodno-nacionalno porijeklo koje dolazi odasvud.
Likovnu umjetnost i arhitekturu ovog perioda odlikovale su vrlo razrađene forme, složenost, pompa i dinamika, a kasnije je ta riječ primijenjena i na muziku tog vremena. Komponovanje i izvođačke tehnike baroknog perioda postale su sastavni i značajan deo klasičnog muzičkog kanona. Muzička ornamentika je postala vrlo sofisticirana, muzički zapisi su se uvelike promijenili, a načini sviranja na instrumentima su se razvili. Rasprostranjen je opseg žanrova, a povećana je i složenost izvođenja muzičkih dela. Veliki broj muzički termini i pojmovi iz doba baroka koriste se i danas.
Kompozitori baroknog doba radili su u različitim muzičkim žanrovima. Opera, koja se pojavila tokom kasne renesanse, postala je jedan od glavnih muzičkih oblika. Može se prisjetiti djela majstora žanra kao što su Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i drugi. Oratorijski žanr dostigao je vrhunac svog razvoja u djelima I.S. Bacha i Handela. U doba baroka rođena su tako briljantna djela kao što su fuge Johana Sebastijana Baha, hor Aleluja iz oratorija Mesija Georgea Friderika Hendla, Godišnja doba Antonija Vivaldija i Večernje Klaudija Monteverdija.
Instrumentalne sonate i suite pisane su kako za pojedinačne instrumente tako i za kamerni orkestri. Koncertni žanr se pojavio u oba svoja oblika: za jedan instrument sa orkestrom i kao concerto grosso, u kojem mala grupa solo instrumenata u kontrastu sa punim ansamblom. Djela u obliku francuske uvertire, sa svojim kontrastnim brzim i sporim dijelovima, dodala su pompu i sjaj mnogim kraljevskim dvorovima. Kompozitori su često pisali djela za klavijature radi vlastite zabave ili kao edukativni materijal. Takva djela su zrela djela I.S. Bacha, općenito priznata kao intelektualna remek-djela barokne ere: Dobro temperirani klavier, Goldberg varijacije i Umjetnost fuge.
Orgulje su postale glavni muzički instrument baroka u sakralnoj i kamernoj svjetovnoj muzici. U širokoj upotrebi su bili i čembalo, trkačke i gudalske žice, kao i drveni duvački instrumenti: razne flaute, klarinet, oboa, fagot.
Propadanje baroka praćeno je dugim periodom suživota starih i novi tehničar. U mnogim gradovima Njemačke, barokna praksa izvođenja sačuvana je do 1790-ih, na primjer, u Lajpcigu, gdje je J.S. radio na kraju svog života. Bach. U Engleskoj, Hendelova trajna popularnost donela je uspeh manje poznatim kompozitorima koji su pisali u sada bledećem baroknom stilu: Čarlsu Avisonu, Vilijamu Bojsu i Tomasu Avgustinu Arneu. U kontinentalnoj Evropi ovaj stil se već počeo smatrati staromodnim; ovladavanje njome bilo je potrebno samo za komponovanje sakralne muzike i diplomiranje onih koje su se tada pojavljivale na mnogim konzervatorijumima. Ali, jer Mnogo toga u baroknoj muzici postalo je osnova muzičkog obrazovanja, a uticaj baroknog stila ostao je i nakon odlaska baroka kao izvođačkog i kompozitorskog stila.
Muzika klasičnog perioda, ili muzika klasicizma, odnosi se na period u razvoju evropske muzike otprilike između 1730. i 1820. godine. Izuzetno dostignuće druge polovine 18. veka. je formiranje bečke klasične škole, čiji su predstavnici J. Haydn, W. Mocart i L. van Beethoven, nazvani bečkim klasicima i koji su odredili pravac. dalji razvoj muzička kompozicija.
U tom periodu uglavnom se formira sastav modernog simfonijskog orkestra, žanrovi simfonije, sonata, trio, kvartet i kvintet. U sonatnom alegru rođen je novi metod muzičkog mišljenja - simfonizam, a kasnije, u Beethovenovom delu, formiran je novi metod muzičkog mišljenja. Značajne reforme u radu V.A. Mozart i C.F. Gluck testira operski žanr, prevazilazeći okoštale konvencije aristokratske opere. U radovima K.F. Gluck i L. Van Beethoven izdvajaju se kao samostalni žanr baleta.
Estetika klasicizma zasnivala se na vjeri u racionalnost i harmoniju svjetskog poretka, što se očitovalo u pažnji na ravnotežu dijelova djela, pažljivoj doradi detalja i razvoju osnovnih kanona muzičke forme. U tom periodu konačno se formira sonatni oblik, zasnovan na razvoju i suprotstavljanju dviju suprotstavljenih tema, te se utvrđuje klasična kompozicija sonatnog i simfonijskog stavaka. U periodu klasicizma javlja se gudački kvartet, koji se sastoji od dvije violine, viole i violončela, značajno proširuje sastav orkestra.
Dakle, sa svim svojim poteškoćama, estetskim protivrečnostima, pa čak i šokovima, sa svojim kontrastima i svojim najvišim jedinstvom, 18. vek je bio veliki vek muzičke umetnosti, vreme njenog divnog uspona. Uz svu stilsku i žanrovsku raznolikost u muzičkoj kulturi 18. stoljeća, mogu se identificirati glavni razvojni trendovi:
Sekularna muzika postepeno zamjenjuje duhovnu muziku, a dotadašnja jasna granica između ovih polova muzičke kulture se briše.
Instrumentalna muzika postaje sve raširenija.
Formira se simfonijski orkestar i osnovne tehnike orkestarskog pisanja.
Sljedeće faze u razvoju opere. Pojava novih žanrova, klasičnih i romantičnih.
Vrhunac klasicizma - sonata, simfonija, koncert. Sonatna forma.
Nova harmonija i nove slike u romantizmu.
Pojava nacionalnih škola.
Kulturno naslijeđe 18. stoljeća i danas oduševljava svojom izuzetnom raznolikošću, žanrovskim i stilskim bogatstvom, dubinom razumijevanja ljudske strasti, najveći optimizam, vjera u čovjeka i njegov um.
Bahov kompozitor baroknog klasicizma
2. Izuzetni kompozitori 18. veka
Najpoznatija imena ovog perioda I.S. Bach, G.F. Handel. Njihovi radovi se mogu različito ocenjivati: ocena zavisi od ukusa i trendova. Ali svako na svom polju ispunili su svoju misiju jednako savršeno. Snaga njihovog stvaralaštva koncentrisala je oko sebe sve značajno što je do tada postigla evropska muzika.
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) jedan je od najvećih kompozitora u istoriji muzike. Tokom svog života, Bah je napisao više od 1000 dela. Njegovo stvaralaštvo predstavlja sve značajne žanrove tog vremena, osim opere; on je sažeo sva dostignuća muzičke umetnosti ovog perioda.
U formiranju Bachove ličnosti i kreativnosti važnu ulogu koju svira muzička kultura njemačkog protestantizma. Nije slučajno da najveći deo kompozitorovog nasleđa čini sakralna muzika. Do samog popularni žanr opera 18. vijeka, nije se prijavio.
Bach nikada nije napustio Njemačku; štaviše, živio je uglavnom ne u glavnim gradovima, već u provincijskim gradovima. Međutim, bio je upoznat sa svim značajnim razvojima u muzici tog vremena. Kompozitor je u svom radu uspio spojiti tradiciju protestantskog korala sa tradicijom evropskih muzičkih škola. Bachova djela odlikuju se filozofskom dubinom, koncentracijom misli i nedostatkom taštine. Ključna karakteristika njegova muzika ima neverovatan osećaj za formu. Ovdje je sve izuzetno precizno, izbalansirano i istovremeno emotivno. Različiti elementi muzičkog jezika rade na stvaranju jedne slike, što rezultira harmonijom cjeline.
Djelo Bacha, univerzalnog muzičara, saželo je dostignuća muzičke umjetnosti nekoliko stoljeća na granici baroka i klasicizma. Izrazito nacionalni umjetnik, Bach je spojio tradiciju protestantskog korala sa tradicijom austrijske, talijanske i francuske muzičke škole.
Vodeći žanr u Bachovom vokalnom i instrumentalnom stvaralaštvu je duhovna kantata. Bach je stvorio 5 godišnjih ciklusa kantata, koje se razlikuju po pripadnosti crkvenom kalendaru, po izvorima teksta (psalmi, koralne strofe, „slobodna” poezija), po ulozi korala itd.
Od sekularne kantate najpoznatije su “Seljak” i “Kafa”. Principi razvijeni u kantiranoj dramaturgiji implementirani su u masama i „Pasiji“. „Visoka“ misa u h-molu, „Pasije po Jovanu“ i „Muke po Mateju“ postale su vrhunac viševekovne istorije ovih žanrova.
Orguljska muzika zauzima centralno mesto u Bahovom instrumentalnom delu. Sintetizirajući iskustvo orguljaške improvizacije naslijeđeno od svojih prethodnika (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, I.A. Reinken), različite varijacione i polifone kompozicijske tehnike i savremene principe koncertiranja, Bach je preispitao i dopunio tradicionalnim žanrovima orguljske muzike- toccata, fantasia, passacaglia, chorale prelude.
Virtuozni izvođač i jedan od najvećih stručnjaka za klavijaturne instrumente svog vremena, Bach je stvorio opsežnu literaturu za klavir. Među radovima na tastaturi najvažnije mesto zauzima "Dobro temperirani klavier" - prvo iskustvo u istoriji muzike umetničke primene nastalo na prelazu 17.-18. veka. temperirani sistem.
Najveći polifonista, Bach, stvorio je nenadmašne primere u fugama, svojevrsnoj školi kontrapunktnog majstorstva, koja je nastavljena i dovršena u „Umetnosti fuge“, na kojoj je Bah radio poslednjih 10 godina svog života. Bach je autor jednog od prvih koncerata za klavijature - Talijanskog koncerta (bez orkestra), koji je u potpunosti uspostavio nezavisno značenje klavir kao koncertni instrument.
Bachova muzika za violinu, violončelo, flautu, obou, instrumentalni ansambl, orkestar – sonate, suite, partite, koncerte – označava značajno proširenje izražajnih i tehničkih mogućnosti instrumenata, otkriva duboko poznavanje instrumenata i univerzalizam u njihovoj interpretaciji.
Među Bahovim djelima za druge instrumente, glavno mjesto imaju violinske sonate, partite i koncerti. Biti sa mladost Izvrstan violinista, Bach, kompozitor, savršeno je shvatio mogućnosti instrumenta, njegov „stil“, kao što je ovladao „stilom“ orgulja i klavira. Novo skladište u to vrijeme violinska muzika poslužio mu je kao uzor pri stvaranju ne samo violinskih djela, što je već zabilježeno na primjeru koncerata. Istovremeno, Bach je nastojao da razvijenu polifoniju razvijenu u formama orguljaške i klavirske muzike prenese na violinske sonate, postavljajući izuzetno visoke zahtjeve ovom instrumentu. „U suštini, sva njegova djela stvorena su za idealan instrument, pozajmljujući od klavijature mogućnosti polifonog sviranja, a od gudača – sve prednosti u proizvodnji zvuka“, s pravom zaključuje Albert Schweitzer 6 Brandenburških koncerata za različite instrumentalne kompozicije, koje implementirali žanrovske i kompozicione principe Concerto grosso, bili su važan korak na putu ka klasičnoj simfoniji.
Za Bachovog života objavljen je mali dio njegovih djela. Bahovo delo je toliko duboko i višestruko da ga njegovi savremenici nisu mogli ceniti u njegovoj pravoj vrednosti. Prava skala Bahovog genija, koja je imala snažan uticaj na kasniji razvoj evropske muzičke kulture, počela je da se ostvaruje tek nakon njegove smrti. Morao je proći čitav vek pre nego što je Bah dobio priznanje kao veliki kompozitor.
Ime Georgea Friderica Handela (1685-1759) vezuje se za razvoj opere i oratorija. Već sa dvanaest godina Hendl je napisao crkvene kantate i komade za orgulje. Godine 1702. preuzeo je dužnost orguljaša protestantske katedrale u rodnom gradu- Hale, ali je ubrzo shvatio da crkvena muzika nije njegov poziv. Kompozitora je mnogo više privlačila opera.
Hendl je ostavio trag kao operski kompozitor u Italiji. Slavu mu je donela predstava Agripina (1709) u Veneciji, a opera Rinaldo (1711), postavljena u Londonu, učinila je Hendla najvećim operskim kompozitorom u Evropi. Učestvovao je u operskim predstavama (tzv. akademijama), postavljao svoje opere, kao i dela drugih kompozitora; Posebno uspješan za Hendla bio je njegov rad na Kraljevskoj muzičkoj akademiji u Londonu. Hendl je komponovao nekoliko opera godišnje. 1730-ih godina. kompozitor traži nove puteve u muzičkom pozorištu - jačanje uloge hora i baleta u operama ("Ariodante", "Alcina", obe - 1735).
Hendlov operski rad bio je pod uticajem muzičke dramaturgije R. Kajzera. Umjetnik prosvjetiteljstva, Hendl je sumirao dostignuća muzičkog baroka i utro put muzičkom klasicizmu. Ne kršeći potpuno kanone opera seria, kontrastnim poređenjem dramskih slojeva, Hendl je postigao intenzivan razvoj radnje.
Radio je i u žanru italijanske opere serije. Muzika nesvakidašnje lepote ostavila je veliki utisak na slušaoce. Ukupno je majstor stvorio više od četrdeset djela ovog žanra. Međutim, nisu svi prihvatili operu seriju u Engleskoj. Nije slučajno što je Prosjačka opera (1728; muzika Johann Christoph Pepusch, libreto Džon Gej), koja je parodirala italijanske opere, koje su, kako su neki verovali, ometala razvoj nacionalnog teatra, postigla veliki uspeh.
Doveo je italijansku operu seria na prag reformi. Gluck će to početi provoditi tek više od dvadeset godina kasnije, kada se steknu potrebni istorijski uslovi. Sam Hendl će nastaviti svoju potragu u oratorijskom žanru.
Hendelova djela karakterizira monumentalno-herojski stil, optimistički, životno-potvrđujući princip koji spaja herojstvo, ep, lirizam, tragediju i pastoralizam u jedinstvenu skladnu cjelinu. Upijajući i kreativno preispitujući uticaj italijanskog, francuskog, Engleska muzika, Hendl je ostao nemački muzičar u poreklu svog stvaralaštva i načina razmišljanja.
U 40-im godinama, nakon neuspjeha opere "Deidamia" (1741), Hendl se više nije okrenuo ovoj vrsti muzičke umjetnosti i sve svoje vrijeme je posvetio oratoriju - najvećem stvaralačkom dometu G.F. Handel.
Nova kompozitorova djela naišla su na topli prijem u javnosti. Hendl je stvorio trideset i dva oratorija. U oratoriju, ne vezan strogim žanrovskim ograničenjima, Hendl je nastavio traganje na polju muzičke drame, u zapletu i kompoziciji.
Ovaj zaokret neće ostati bez posljedica na kompozitorovom budućem putu. Stvarajući istinski herojske oratorije, okrenut će se temama i slikama povezanim s idejom žrtvovanja, žrtvovanja u sudbini osobe, neodoljive propasti heroja ili heroine. A sve što je Hendel postigao dugi niz godina u operskoj umetnosti, sve najbolje što je ovde pronašao, neće proći pored oratorija. Među Hendelovim najpopularnijim djelima su oratoriji “Izrael u Egiptu” (1739) i “Mesija” (1742), koji su nakon uspješne premijere u Dablinu naišli na oštre kritike svećenstva. Uspjeh kasnijih oratorija, uklj. Juda Makabej (1747.), doprinio je Hendelovom učešću u borbi protiv pokušaja obnove dinastije Stjuart. Koristeći materijal biblijskih priča i njihovo prelamanje u engleskoj poeziji, Hendl je otkrio slike nacionalnih katastrofa i stradanja, veličinu borbe naroda protiv ugnjetavanja porobljivača. Hendl je bio tvorac nove vrste vokalnih i instrumentalnih dela koja kombinuju skalu (snažni horovi) i strogu arhitektoniku. Hendlovi oratoriji zadivljuju snagom zvuka hora, virtuoznom upotrebom polifonije i mekim i fleksibilnim, izražajnim melodijama arija. Refren ima za cilj da istakne monumentalnost događaja, njegov ogroman značaj za čovečanstvo, a arije da naglase snagu herojevih osećanja.
U oratorijskom žanru, kao ni u jednom drugom, Hendl je mogao slobodno raspolagati horskim masama, uključivši hor u epsku pripovest ili dramatična radnja. Nije ni pomišljao da oponaša italijanske uzore oratorijuma, koji je u njegovo vrijeme mnogo više gravitirao opernim formama nego horskoj monumentalnosti. Kao i Bach, i Hendl je očigledno uvek imao duboko kreativno interesovanje za velike polifone forme.
U cijelom kreativni put Hendl je takođe radio u instrumentalnim žanrovima; najveća vrijednost have it concerti grossi. Motivacioni razvoj, posebno u orkestarska dela, homofono-harmonijski stil kod Hendla prevladava nad polifonim razvojem materijala, melodija se odlikuje dužinom, intonacijom i ritmičkom energijom, te jasnoćom uzorka. Samo u poređenju sa Hendlovim operama i oratorijumima njegova instrumentalna muzika može izgledati manje značajna. Ali sam po sebi je vrlo indikativan za njega, usko povezan sa glavnim oblastima njegovog rada i pun umetničkog interesovanja. Iako su na kompozitorovom trnovitom putu instrumentalna djela bila više odmor nego ekstremni napor, uspio je napisati dosta njih: više od 50 koncerata, više od 40 sonata i oko 200 komada za klavir, klavir ili orgulje, kao i razne instrumentalne kompozicije. Dakle, da Hendel nije stvorio ništa osim oratorija, njegovo stvaralačko nasleđe bi se i dalje smatralo grandioznim. Ali takođe poseduje više od četrdeset opera, uključujući bezbroj stranica prelepe muzike. Uprkos svim značajnim žanrovskim razlikama, sa drugačijim odnosom muzike i teksta, Hendlove italijanske opere u stvarnom muzičkom smislu mnogo su pripremile za dijapazon slika u njegovim oratorijumima. Zauzvrat, kontinuirana evolucija njegovog oratorijsko stvaralaštvo, višestruko istraživanje u ovoj oblasti bilo je od neprocjenjivog značaja kako za istoriju oratorija tako i za dalju istoriju opere. Njegovi radovi imali su značajan uticaj na umetnike narednih generacija, posebno na predstavnike bečke klasične škole. Handelov rad imao je značajan uticaj na J. Haydna, V.A. Mozart, L. Beethoven, M.I. Glinka.
3. Ruska muzika 18. veka
Prije svog procvata i formiranja prvih nacionalnih kompozitorskih škola početkom 19. stoljeća, prošao je dug put razvoja. Do sredine 18. vijeka svjetovna muzika nije bila profesionalna, glavna muzičkih žanrova ležao na polju folklora i sakralne muzike. Glavni žanrovi bili su kanta i horski koncert. Horski koncert je bio važna prelazna faza od crkvene do profesionalne svjetovne muzike. Najkompleksnijim oblikom ruske muzičke umetnosti 18. veka smatra se „duhovni koncert za hor“. U 18. veku dogodila se odlučujuća prekretnica u celokupnoj strukturi ruske muzike. Počinje da prevladava svjetovna muzika, uvode se moderni oblici profesionalne muzike - simfonijski i kamerni koncerti, razvija se kućno muziciranje. Uspješno je uspostavljena muzika evropskog tipa sa notnim zapisom.
Nastalo je rusko muzičko pozorište koje se oslanjalo na tradiciju horskog pjevanja, korištenje raznih tropara i pjevanja. U poslednjoj trećini 18. veka u Rusiji se pojavilo pravo muzičko pozorište. Posebno su bila poznata tvrđava pozorišta Šeremetjeva i Voroncova. Od 1730-ih u Sankt Peterburgu je postojalo italijansko dvorsko pozorište za koje su radili kompozitori kao što su Baltasare Galupi i Domenico Cimarosa. Godine 1780. u Moskvi je osnovano prvo muzičko pozorište u Rusiji, Petrovsko pozorište. Od 1783 muzičke predstave postavljen u Sankt Peterburgu u pozorištu Kamenny. Ovaj primjer je slijedio provincijskim gradovima. U posljednjoj četvrtini 18. stoljeća formirana je nacionalna skladateljska škola, koja je apsorbirala slobodoljubive obrazovne ideje i zanimanje za narodnu pjesmu, za koju su glavni žanrovi bili komična opera, lirska romansa i varijacije na ruske teme. Među različitim žanrovima profesionalne muzike kasnog 18. veka, opera je na prvom mestu. Opera u ovom dobu postaje najrazvijeniji, najprofesionalniji i ujedno najrašireniji vid muzičkog stvaralaštva. Nije iznenađujuće da su se upravo u operskom žanru kasnije najjasnije ispoljile kreativne sposobnosti ruskih kompozitora 18. stoljeća. Opera privlači i široka publika, i najbolje kreativne snage. Opera izaziva živahne reakcije javno mnjenje, u poeziji, književnosti i kritici. Sa velikom spontanošću i potpunošću odražava napredne, demokratske tendencije ruske umetnosti.
Uz operu, u Rusiji postaju sve popularniji različiti žanrovi kamerne muzike. IN sredinom 18. veka veka, kamerni koncerti na dvoru postali su uobičajena pojava. Kamerno sviranje uživalo je veliki uspjeh u aristokratskim amaterskim krugovima. Do tada je uloga dvorskog orkestra značajno porasla. Početkom 60-ih orkestar je podijeljen u dvije nezavisne grupe muzičara - izvođače operske, simfonijske i plesne muzike. Takva diferencijacija bila je nesumnjivi znak rasta izvođačkih snaga.
Maksim Berezovski i Dmitrij Bortnjanski bili su briljantni operni i instrumentalni kompozitori. Evstigney Fomin postao je poznat u žanru opere „pesme“ po ruskim motivima („Kočijaši na stajalištu“ na tekst N.A. Lvova) i u žanru opere-tragedije („Orfej“ na tekst Ya.B. Knyazhnin). Virtuoz violine Ivan Khandoshkin - autor šarmantno melodičnih sonata i varijacija na ruskom narodne teme. Osip Kozlovsky je stekao popularnost svojim patriotskim polonezama („Grom pobede, zvoni!“) i „Ruskim pesmama“.
Tako je ruska muzika 18. veka odražavala nagli i brzi uspon koji se desio u svim oblastima javni život u postpetrovskoj Rusiji.
Neobičan preplitanje nacionalnog i panevropskog, pomalo naivnog i zrelog, starog i novog, duhovnog i sekularnog - sve to zajedno čini jedinstveni izgled ruske muzike doba prosvećenosti.
Zaključak
Završavajući ovaj rad, napomenimo ukratko sljedeće. U 18. veku, muzički jezik, o kojem će tada govoriti cijela Evropa, forme dostižu najviši nivo savršenstva. Veliki majstori koji djeluju u raznim zemljama svojim stvaralaštvom definiraju cjelokupnu muzičku umjetnost datog perioda.
U stvaralaštvu kompozitora ovaj period predstavljaju umjetnički stilovi kao što su klasicizam, barok i rokoko. Uz već postojeće monumentalne žanrove mise i oratorija, fundamentalno vodeći žanr novi žanr- opera. Dominacija sekularne muzike je konačno konsolidovana. Njegov sadržaj pokriva širok spektar tema i slika; razvija se javni muzički život; otvaraju se stalne muzičke institucije - opere, filharmonije; gudači i duvački instrumenti se usavršavaju muzički instrumenti; muzička štampa se razvija.
Muzika 18. veka istakla je dva gigantska, nedostižna vrha - Hendla i Baha. Prošlo je više od dvije stotine godina, a interesovanje za njihovu muziku samo raste.
Na kraju ovog perioda počinje formiranje simfonije i baleta. Paralelno sa procvatom polifonije slobodnog stila, koja je zamijenila polifoniju strog stil, u svakodnevnoj plesnoj muzici, a kasnije i u profesionalnoj muzici, nastaje homofono-harmonijski sastav. U zemljama u kojima se u ovom trenutku nastavlja proces formiranja nacija, formiraju se visoko razvijene nacionalne muzičke kulture. Tako su se rodile opera, oratorijum i kantata u Italiji, obnovljena je instrumentalna muzika, u Francuskoj - opera-balet, novi oblici klavijaturnih minijatura, u Engleskoj - škola klavijatura virginalista.
U ruskoj muzici u 18. veku dogodio se odlučujući preokret: počela je da preovladava svetovna muzika, uvode se moderni oblici profesionalne muzike - simfonijski i kamerni koncerti, razvija se kućno muziciranje, uspešno se uspostavlja muzika evropskog tipa sa notnim zapisom. , a pojavile su se i prve opere.
Njihova sudbina nije bila laka.
Malo poznati kompozitori 18. veka, prethodnici i savremenici Mihaila Ivanoviča Glinke. O njima je sačuvano malo podataka.
O njima je sačuvano vrlo malo podataka izvanredan kompozitor i violinista Ivan Khandoshkin. Potičući iz kmetske sredine, stekao je dobro obrazovanje. Naučio je da svira violinu od jednog od Italijana koji je živeo u Rusiji i ubrzo je postigao veliku vještinu kao izvođač.
Ivan Khandoshkin. Canzona.
Ivan Khandoshkin. "Dole Majka Volga"
Zanimljiva su i njegova brojna djela za violinu: varijacije na narodne teme, sonate. U njima su oličene ruske narodne pesme, iako je primetna povezanost sa panevropskom muzikom. Isto tako malo znamo i o drugim ruskim kompozitorima 18. veka – poput Daniila Kašina, Fjodora Dubjanskog, Vasilija Paškeviča. Poznato je samo da su mnogi od njih stekli dobro muzičko obrazovanje u inostranstvu i tamo su bili prepoznati i nagrađeni počasnim titulama. Ali nisu svi uspjeli ostvariti ono za što su imali poziv, nisu svi dosegli one visine u umjetnosti koje su bile u njihovoj moći. U Rusiji su ovi kompozitori učinili mnogo za razvoj nacionalne muzike. Pa ipak, kao daroviti i obrazovani ljudi, ostali su u položaju kmetova. Budući da su potpuno ovisni o hirovima svojih gospodara, često su svoje muzičke dužnosti spajali sa dužnostima kočijaša, lovaca i lakaja. Ova situacija je ponižavajuća ljudsko dostojanstvo, koji nije omogućio talentu da se u potpunosti ispolji, bio je uzrok mnogih tragedija, pa čak i smrti nekih muzičara.
Ovo je, na primjer, sudbina Maksima Berezovskog. Zajedno sa velikim Mocartom briljantno je učestvovao na takmičenju Muzičke akademije u Bolonji i dobio titulu akademika. Jedna od opera ruskog kompozitora, postavljena u inostranstvu, doživjela je veliki uspjeh. U njemu je, prema rečima savremenika, spojio „živost i dobar ukus sa muzičko znanje" Ali, nakon što se vratio u Rusiju, Berezovski se pokazao nikome nepotreban i nije mogao naći primjenu svom svijetlom talentu. Doveden do očaja, izvršio je samoubistvo - imao je 32 godine.
Maksim Berezovski. Sonata za violinu i čembalo.
Maksim Berezovski. "Ne odbijaj me u starosti"
Još jedan istaknuti ruski muzičar, Stepan Dekhterev, kmet grofa Šeremeteva, umro je isto tako rano od teškog siromaštva i tuberkuloze. "Uništen je talentom i ropstvom", pisao je jedan od njegovih učenika. "Izuzetan talenat rano je skrenuo pažnju stručnjaka na njega, a njegov vladar grof Šeremetev mu je dao sredstva da se obrazuje. Poslan je u Italiju radi poboljšanje.
Njegovo muzičke kompozicije doneo mu je tamo časnu slavu. Ali, vrativši se u otadžbinu, našao je strogog despota, koji je, prema revizijskom pravu na dušu genijalni čovekželeo je sebi bezuslovno prisvojiti njenu inspiraciju: stavio je gvozdenu ruku na njega.” Jedna od grofovih naredbi elokventno govori o nemoćnoj situaciji u kojoj se muzičar nalazio: „Koncertni učitelj Stepan Dekhterev, za držanje koncerata strancima, treba da odbije 5 rubalja od svoje plate. i daj pevaču Čapovu da ga je najavio.” Izvanredni ruski kompozitor, dirigent, pjevač - Dekhterev plaćen je 177 rubalja godišnje. 70 kopejki, dok su obični strani muzičari orkestra dobili 1.225 rubalja. Ipak, Stepan Dekhterev je ostavio mnoga originalna djela, među kojima se ističe prvi ruski oratorij na nacionalnu temu „Minjin i Požarski, ili Oslobođenje Moskve“. Njegov uspeh je bio toliki da je oratorij više puta izvođen kao jedno od najvažnijih dela ruske muzike. početkom XIX veka. Novine su zabilježile da je „orkestar bio sastavljen od skoro 200 samo ruskih muzičara i pjevača, pod upravom samog Dekhtereva“. Muzika oratorija, puna visokog herojskog patosa, i dalje oduševljava svojom strogom, muževnom lepotom.
Stepan Dekhterev. Oratorij "Minin i Požarski", preludij.
Arija Dmitrija Požarskog iz oratorija "Minjin i Požarski"
Stepan Dekhterev. "Danas je Hristos u Vitlejemu."
Daniil Kašin, strastveni ljubitelj i sakupljač ruskih narodnih pesama, učinio je mnogo na širenju ruskih narodnih pesama. Savremenici su ga nazivali „miljenikom građana Moskve“, „slavujem ruskih pesama“. Prema rečima savremenika, Kašin je „čuo ove pesme i od kočijaša na autoputu i od ruskih seljaka u polju“. Dobro poznavanje narodnih pjesama omogućilo mu je da sastavi i objavi prilično veliku zbirku za ono vrijeme, „Ruske narodne pjesme“ - jednu od prvih zbirki u Rusiji. Kašin je bio izvrstan pijanista i dirigent - i sam je izvodio svoje kompozicije koje su bile veoma popularne. Ali ceo život je bio kmet muzičar. Tek neposredno prije smrti uspio je, uz velike muke, doći do slobode. Tragična je bila i sudbina drugih darovitih muzičara iz naroda.
Pa ipak, trag koji su ostavili na rusku muziku je veliki: njihove opere, instrumentalni, klavirski i violinski komadi, romanse i pesme odigrali su veliku ulogu u razvoju ruske muzike svog vremena. Ovi kompozitori su, po pravilu, imali visoko razvijeno osećanje nacionalnog dostojanstva, potvrđujući ga za razliku od aristokrata, koji su imali strast prema svemu stranom. Sredinom 18. veka muzika je naširoko ušla u život svih slojeva ruskog društva.Muzika se predavala u zatvorenim internatima i školama. Svuda gde se okupljalo i malo društvo, zvučala je muzika. „Običaj puštanja muzike ukorenjen je svuda, širom Rusije“, pisao je o tom vremenu akademik B.V. Asafjev. - Koliko god moral bio okrutan i koliko god bio loš položaj kmetskih muzičara (kao i glumaca), ipak se kroz njih širila vokalna i instrumentalna kultura, razvijali ukusi i formirali vrhunski izvođači i kompozitori. pre nego što je plemstvo promovisalo kompozitore iz svog okruženja, rusku muzičku kulturu već su stvarali talentovani ljudi niskog ili, kako su govorili, „podlog” porekla.
Najveća i najznačajnija ličnost ruske muzike 18. veka bio je talentovani kompozitor Evstignej Ipatojevič Fomin. Zahvaljujući reformskim aktivnostima ostavio je dubok trag. Ali većina njegovih djela je ili izgubljena i zaboravljena, ili je došla do nas u obliku zasebnih odlomaka.
Sin vojnika, zahvaljujući svom briljantnom talentu, poslan je u Italiju, gdje je učio kod čuvenog Padre Martinija (koji je svojevremeno bio učitelj velikog Mocarta). Tamo, u Bolonji, Fomin je dobio titulu akademika. A po povratku u domovinu dobio je počasni orden - da napiše operu "Novgorodski Bogatir Boeslavič" na libreto Katarine II (samodržac je ponekad udovoljavao njenoj taštini stvarajući jednostavne, pretenciozne stihove i drame). Ali Fomin nije postao dvorski kompozitor.
Evstigney Fomin. Uvertira "Orfej i Zvridika"
U 18. vijeku većinu evropskih država zahvatio je obrazovni pokret. Zahvaljujući Petrovim reformama I Rusija je bila aktivno uključena u ovaj proces, dijeleći postignuća evropska civilizacija. Njeno okretanje ka Evropi, koje je dovelo do pojave „ruskog evropejstva“, dogodilo se na tipično ruski način – hladno i odlučno. Interakcija sa više uspostavljenim umjetničke škole Zapadna Evropa je dozvolila ruskoj umetnosti da prođe put „ubrzanog razvoja“, ovladavajući evropskim estetskim teorijama, sekularnim žanrovima i formama za istorijski kratko vreme.
Glavno dostignuće ruskog prosvjetiteljstva je procvat lične kreativnosti, koja zamjenjuje bezimeni rad umjetnika. drevna Rus'. Primjenjuje se formula Lomonosova: "ruska će zemlja roditi svoje Platose i brzoumne Njutne."
Dolazi vrijeme za aktivan razvoj sekularnog pogleda na svijet. Hramska umjetnost se nastavlja razvijati, ali postepeno blijedi u pozadini kulturni život Rusija. Sekularna tradicija se jača na sve moguće načine.
U muzici XVIII veka, kako u književnosti tako i u slikarstvu, uspostavlja se novi stil, blizak evropskom klasicizam.
Novi oblici života u visokom društvu - fešte u parkovima, vožnje Nevom, iluminacije, balovi i "maskarani", skupovi i diplomatski prijemi - doprineli su širem razvoju instrumentalnu muziku. Petravovim ukazom svaki puk je dobio vojsku limenih orkestara. Svečane proslave, balove i festivale služila su dva dvorska orkestra i dvorski hor. Primjer dvora slijedilo je peterburško i moskovsko plemstvo koje je pokrenulo domaće orkestre. Na plemićkim imanjima stvarani su i kmetski orkestri i muzička pozorišta. Diletantsko muziciranje se širi, a muzičko obrazovanje postaje obavezan dio plemićkog obrazovanja. Krajem veka, raznovrstan muzički život karakteriše život ne samo Moskve i Sankt Peterburga, već i drugih ruskih gradova.
Među muzičkim inovacijama nepoznatim Evropi bio je horni orkestar , koju je kreirao ruski carski kamerni muzičar I.A. Maresh u ime S.K. Naryshkina. Maresh je stvorio koherentan ansambl koji se sastoji od 36 horni (3 oktave). U njemu su učestvovali kmetovi muzičari koji su igrali ulogu živih „ključeva“, jer je svaki rog mogao da proizvede samo jedan zvuk. Repertoar je uključivao klasičnu evropsku muziku, uključujući složena djela Haydna i Mocarta.
Tridesetih godina XVIII veka, u Rusiji je stvoren sudski sistem italijanska opera, čiji su nastupi održavani na praznicima za “odabranu” publiku. U to vreme, Sankt Peterburg je privukao mnoge od najvećih evropskih muzičara, uglavnom Italijane, uključujući kompozitore F. Araya, B. Galuppi, G. Paisiello, G. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya 1755. napisao je muziku za prvu operu sa ruskim tekstom. Bio je to libreto A.P. Sumarokov zasnovan na radnji iz Ovidijevih Metamorfoza. Opera nastala u italijanskom žanru serije , bio pozvan "Cephalus i Procris".
U doba Petra Velikog, nacionalni muzički žanrovi kao što su partes concerto i cant nastavili su da se razvijaju.
Pesme iz vremena Petra Velikog često su nazivane „vivata“, jer obiluju veličanjem vojnih pobeda i preobražaja („Raduj se, ruska zemljo“). Muziku „dobrodošlih“ napjeva karakterišu okreti fanfara i svečani ritmovi poloneze. Njihov nastup često je bio praćen zvukom truba i zvonjavom zvona.
Period Petra Velikog označio je kulminaciju razvoja horskog pjevanja. Briljantni majstor partes koncerta V.P. Titov je zauzeo mjesto prvog muzičara na dvoru cara Petra. Upravo on je dobio zadatak da napiše svečani koncert povodom Poltavske pobede koju su izvojevale ruske trupe 1709. („Rtsy nam sada“ - naziv „Poltava trijumf“ usvojen je za kompoziciju).
Sredinom XVIII veka, želja za horskim efektima na partes koncertima dostigla je preuveličane forme: pojavila su se dela čije su partiture obuhvatale i do 48 glasova. U drugoj polovini veka, svečani intimni koncert zamenjen je novom umetničkom pojavom - duhovnim koncertom.Tako je tokom čitavog 18. veka prošlo rusko horsko pevanje veliki put evolucija - od monumentalnog partes stila, koji izaziva asocijacije na barokni arhitektonski stil, do visokih primjera klasicizma u djelima M. S. Berezovskog i D. S. Bortnjanskog, koji su stvorili klasičnu vrstu ruskog duhovnog koncerta.
Koncert ruskog duhovnog hora
U XVIII veka značajno se proširio žanrovski sadržaj horski radovi. Nastale su horske obrade narodnih pesama, horske operske muzike, plesne muzike sa horom (najpoznatiji primer je poloneza Kozlovskog „Oko gromova pobede“ na reči Deržavina, koji je na kraju XVIII dobija na značaju nacionalna himna Rusko Carstvo).
Vodeći horski žanr je ruski duhovni koncert, koji je služio kao jedinstveni simbol drevne ruske tradicije. Duhovni koncert je dostigao najveći procvat u doba Katarine (1762- 1796). Bilo je to dobro vrijeme za ruska kultura. Pokušaj da se oživi duh Petrovih reformi uglavnom je okrunjen uspjehom. Politika, ekonomija, nauka i kultura ponovo su dobili podsticaj za razvoj. Praksa podučavanja najviše talentovanih predstavnika nauke i umetnosti u inostranstvu. Bliski kulturni kontakti između Rusije i prosvećene Evrope nisu mogli a da ne utiču na pojavu prvih iskustava profesionalnog komponovanja.
U ovom periodu nastalo je više od 500 djela koncertnog žanra. Njemu su se okrenuli gotovo svi nama poznati ruski kompozitori druge polovine. XVIII vijek.
Rođen u dubinama partes polifonije, duhovni koncert je kroz svoj razvoj integrisao dva principa – crkvenu pevačku tradiciju i novo svetovno muzičko razmišljanje. Koncert je postao popularan i kao kulminacijski dio crkvena služba, te kao ukras za dvorske ceremonije. Bio je u fokusu tema i slika koje su doticale duboke moralne i filozofske probleme.
Ako se „partes concerto može u određenoj mjeri uporediti sa concerto grosso , tada struktura klasičnog horskog koncerta ima zajedničke karakteristike sa sonatno-simfonijskim ciklusom. Obično se sastojao od tri ili četiri različita dijela sa kontrastnim tehnikama prezentacije, au završnom dijelu, po pravilu, preovladavale su tehnike polifonog razvoja.
Izvanredni strani kompozitori koji su živeli u Sankt Peterburgu (D. Sarti, B. Galupi) dali su veliki doprinos razvoju ruskog klasičnog horskog koncerta. Vrhunska dostignuća ruske horske muzike iz doba prosvetiteljstva vezuju se za imena M.S. Berezovski i D.S. Bortnyansky.
Maksim Sozontovič Berezovski (1745-1777)
M. S. Berezovski - izvanredan majstor Ruska horska muzika 18. veka, jedan od prvih predstavnika nacionalne škole kompozitora. Sačuvano delo kompozitora je malog obima, ali veoma značajno po svojoj istorijskoj i umetničkoj suštini. U muzičkoj kulturi 60-70-ih godina 18. vijeka otvara se nova faza - doba ruskog klasicizma.
Ime Berezovskog spominje se među osnivačima klasičnog horskog koncerta a cap pella : njegova djela, uz djela italijanskog kompozitora Galupija, predstavljaju prvu etapu u razvoju ovog žanra.
Vrh kreativne potrage GOSPOĐA. Berezovski je postao koncert "Ne odbijaj me u starosti" . Ovo univerzalno priznato remek-delo ruske muzike 18. veka, koje stoji u rangu sa najvišim dostignućima savremene evropske umetnosti. Malog obima, koncert se doživljava kao epski monumentalno djelo. Njegova muzika, otkriva raznolikost duhovni svijet osoba je zadivljena dubinom emocija i autentičnošću života.
I u tekstu i u muzici koncerta jasno se čuje lična intonacija. Ovo je govor u prvom licu. Molba je dova koja se obraća Svemogućem ( I dio), zamijenjen je slikom osobe koju progone zlonamjerni neprijatelji ( II dio - "Udaj se i imaj ga") . Zatim slijedi nova tema - molitva nade ("Bože moj, nisu uspjeli" - III dio), i konačno, finale, puno protestnog patosa usmjerenog protiv zla i nepravde (“Neka se posrame i nestanu oni koji kleveću moju dušu”). Sama činjenica da se sve teme koncerta odlikuju određenim, konkretnim emotivnim obeležjima govori o suštinskoj novini stila, prevazilaženju apstraktne neutralnosti tematske prirode partes pevanja.
Četiri dijela djela povezana su ne samo jednim dramskim konceptom i tonskom logikom, već i intonacijskim nitima: milozvučna tema koja zvuči u prvim taktovima koncerta postaje intonaciona osnova svih ostalih slika. Posebno je značajno to što se početno zrno intonacije transformiše u dinamičnu i asertivnu temu završne fuge „Neka se stide i nestanu...“, što je vrhunac u razvoju čitavog ciklusa.
Dmitrij Stepanovič Bortnjanski (1751-1825)
D. S. Bortnyansky razvio glavni tip ruskog klasičnog horskog koncerta, kombinujući u muzici elemente sekularnog muzičkog instrumentalizma i vokala. crkvena muzika. Njegovi koncerti u pravilu imaju tri dijela, koji se izmjenjuju po principu brzo – sporo – brzo. Često prvi dio, najznačajniji u ciklusu, sadrži znakove sonatizma, izražene u poređenju dvije suprotstavljene teme, prikazane u toničko-dominantnom odnosu. Povratak na glavni ključ se događa na kraju pokreta, ali bez tematskih ponavljanja.
Bortnjanski posjeduje 35 koncerata za 4-glasni mješoviti hor, 10 koncerata za 2 hora, niz drugih crkvenih pjevanja, kao i svjetovne horove, uključujući patriotsku horsku pjesmu „Pjevač u taboru ruskih ratnika” na tekst. V. A. Žukovski (1812).
Jedno od dubokih i zrelih majstorskih radova - Koncert br. 32 , zabilježio P.I. Čajkovski kao "najbolji od svih trideset pet." Njegov tekst je preuzet iz 38. psalma Biblije, koji sadrži sljedeće redove: „Reci mi, Gospode, kraj moj i broj dana mojih, da znam koliko sam godina... Čuj, Gospode , molitvu moju, i poslušaj moj vapaj; ne šuti do mojih suza...” Koncert ima tri dijela, ali između njih nema kontrasta. Muziku odlikuje jedinstvo žalobno-elegičnog raspoloženja i cjelovitost tematskih tema. Prvi stavak otvara tema predstavljena u tri dijela koja podsjeća na Psalam XVII veka. Drugi dio je kratka epizoda stroge horske kompozicije. Prošireno finale, napisano u obliku fuge, po veličini premašuje prva dva dijela. Muzikom finala dominira tiha, nježna zvučnost, koja prenosi umiruću molitvu osobe koja napušta ovaj život.
Zbirke ruskih pjesama
Za svu naprednu rusku kulturu XVIII veka karakteriše duboko interesovanje za način života, moral i običaje naroda. Počinje sistematsko prikupljanje i proučavanje folklora. Čuveni pisac Mihail Dmitrijevič Čulkov sastavlja prvu zbirku tekstova narodnih pesama u Rusiji.
Po prvi put su napravljeni notni zapisi narodnih pjesama, a pojavile su se i štampane zbirke sa njihovim obradama: Vasilij Fedorovič Trutovski ("Zbirka ruskih jednostavnih pjesama sa notama"), Nikolaj Aleksandrovič Lvov I Ivana Pracha (“Zbirka ruskih narodnih pesama sa njihovim glasovima”).
Zbirka Lvova-Pracha obuhvata 100 pesama, od kojih su mnoge klasični primeri ruskog folklora: „Oj ti, krošnje, krošnje moja“, „Bila je breza u polju“, „U bašti, u povrtnjaku. ” U predgovoru zbirke („O ruskom narodnom pevanju“) N. Lvov je po prvi put u Rusiji ukazao na jedinstvenu originalnost ruskog narodnog horskog polifonije.
Pesme iz ovih zbirki koristili su i ljubitelji muzike i kompozitori, koji su ih posuđivali za svoja dela - opere, instrumentalne varijacije, simfonijske uvertire.
Do sredine XVIII veka obuhvata jedinstvenu zbirku ruskih epova i istorijske pesme pod naslovom "Zbirka Kirše Danilova" . Ne postoje pouzdani podaci o njegovom kompajleru. Pretpostavlja se da je Kirsha Danilov (Kirill Danilovitch) bio improvizovani pevač, glupan, koji je živeo na rudarskom Uralu. Napjeve pjesama zapisao je u jedan red bez teksta, koji se stavlja zasebno.
Ruska nacionalna škola kompozitora
Formacija u drugoj polovini XVIII veka prvi sekularni u Rusiji škola kompozitora. Njeno rođenje bilo je vrhunac ruskog prosvjetiteljstva . Domovina škole bio je Sankt Peterburg, gdje je procvjetao talenat njenih najsjajnijih predstavnika. Među njima su i osnivači ruske opere V.A. Pashkevich i E.I. Fomin, magistar instrumentalne muzike I.E. Khandoshkin, izvanredni tvorci klasičnog duhovnog koncerta M.S. Berezovski i D.S. Bortnjanski, kreatori kamerne „Ruske pesme“ O.A. Kozlovsky i F.M. Dubjanski i drugi.
Većina ruskih kompozitora dolazi iz narodnog porekla. Od djetinjstva su upijali živi zvuk ruskog folklora. Stoga je bilo prirodno i logično uključiti narodne pesme u rusku opersku muziku (opere V. A. Paškeviča i E. I. Fomina) i u instrumentalna dela (dela I. E. Khandoškina).
Prema tradiciji prethodnih vekova, vokalni žanrovi, i svetovni i hramovni, najviše su se razvili u doba prosvetiteljstva. Među njima se ističu sakralni horski koncert, komična opera i kamerna pjesma. Kao iu folkloru, i u ovim žanrovima je očuvan odnos prema riječi kao prioritetnoj osnovi muzike. Autorom opere smatra se libretista, a autorom pjesme pjesnik; Ime kompozitora često je ostajalo u senci i vremenom zaboravljeno.
Ruska komična opera
Rođenje nacionalne škole kompozicije XVIII veka bio je usko povezan sa razvojem ruske opere. Počelo je sa muzička komedija, koji se oslanjao na komična dela ruskih pisaca i pesnika: Y. Knjažnina, I. Krilova, M. Popova, A. Ablesimova, M. Matinskog.
Komična opera je bila svakodnevnog sadržaja, sa jednostavnom, ali fascinantnom radnjom iz svakodnevnog ruskog života. Njeni junaci bili su pametni seljaci, kmetovi, škrti i pohlepni bogataši, naivni i prelepe devojke, zli i dobri plemići.
Dramaturgija se zasnivala na izmjeni govornih dijaloga s muzički brojevi zasnovani na Rusi narodne pesme. Pjesnici su u libretu naznačili na koji „glas“ (popularna pjesma) treba pjevati određenu ariju. Primjer je najomiljenija ruska opera XVIII veka "Mlinar je čarobnjak, varalica i provodadžija" (1779) A. Ablesimova sa muzikom M. Sokolovskog. Dramaturg A. O. Ablesimov je odmah napisao svoje tekstove na osnovu specifičnog materijala pjesama. Doprinos M. Sokolovskog bio je aranžman pesama, što je lako mogao da uradi i drugi muzičar (nije slučajno da se autorstvo muzike dugo pripisivalo E. Fominu).
Procvat komične opere omogućio je talenat izuzetnih ruskih glumaca - E.S. Yakovleva (u braku Sandunova, na sceni - Uranova), kmetska glumica P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevsky.
Izuzetna uloga u razvoju ruske opere XVIII igrao vekovima Vasilij Aleksejevič Paškevič(oko 1742-1797) - jedan od najvećih ruskih kompozitora XVIII veka. Najbolje njegove opere ("Nesreća iz kočije", "Škrtac", "Gostinski dvor iz Sankt Peterburga") bile su veoma popularne, izvođene su na pozornicama mnogih ruskih gradova do sredine. XIX veka. Paškevič je bio majstor ansambl pisanja i oštrih i prikladnih komičnih karaktera. Uspješno reproducirajući govorne intonacije u vokalnim dijelovima, anticipirao je principe koji će kasnije karakterizirati kreativni metod Dargomyzhskog i Mussorgskog.
Pokazao se kao multitalentovan umjetnik u operskom radu. Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). Njegova opera "Kočijaši na tribini" .(1787) ističe se majstorstvom u horskim obradama narodnih napjeva raznih žanrova. Za svaku pjesmu je pronašao svoj stil obrade. U operi se izvode dugotrajne pesme „Nije kod oca slavuj peva“ i „Soko visoko leti“, živahne plesne pesme „U polju breza besnila“, „Pulo, mladunče mlado“, „Izpod hrast, ispod brijesta”. Nekoliko pjesama odabranih za “Kočijaše”, tri godine kasnije, gotovo nepromijenjene, uvrštene su u “Zbirku ruskih narodnih pjesama” N.L. Lvova - I. Pracha.
U drugom njegovom djelu - melodrami "Orfej" (na tekst Y. Knyazhnina nakon drevni mit, 1792) - Fomin je prvi put u ruskoj operi utjelovio tragičnu temu. Muzika melodrame postala je jedno od vrhunskih kreacija ruske umetnosti prosvetiteljstva.
U uvertiri koja je prethodila melodrami, Fominov talenat kao simfonista je u potpunosti razotkriven. U njemu je kompozitor sa nevjerovatnim osjećajem za stil uspio prenijeti tragični patos drevni mit. U suštini, Fomin je napravio prvi korak ka stvaranju ruskog simfonizma. Dakle, u nedrima pozorišta, kakav je bio zapadna evropa, rođena je buduća ruska simfonija.
Fominove opere bile su cijenjene samo u sredini XX veka. Za života kompozitora njihova scenska sudbina nije bila srećna. Opera "Kočijaši na stajalištu", napisana za kućni bioskop, ostao nepoznat široj javnosti. Produkcija komične opere "Amerikanci" (s libretom mladog I. A. Krilova) bila je zabranjena (direktoru carskih pozorišta nije se svidjela činjenica da će Indijanci tokom razvoja radnje spaliti dva Evropljana) .
Domaći vokalni tekstovi
Rađanje novog sloja folklora - gradske pesme Nastala je na osnovu narodne seljačke pjesme, koja se „prilagodila“ urbanom životu – novom načinu izvođenja: uz njenu melodiju je bila pratnja akorda nekog instrumenta.
Sredinom XVIII veka u Rusiji nastaje nova vrsta vokalne muzike - "ruska pjesma" . Tako su se zvala djela za glas sa instrumentalnom pratnjom, napisana na ruske poetske tekstove. Lirske po sadržaju, „ruske pesme“ su bile prethodnice ruske romanse.
Osnivač "ruske pesme" bio je istaknuti dostojanstvenik na Katarininom dvoru II , obrazovani ljubitelj muzike Grigorij Nikolajevič Teplov , autor prve ruske štampane pesmarice „Između posla, besposlice…” (1759.) Po stilu i načinu izlaganja Teplovove pesme predstavljaju prelazni žanr od pevanja do romanse uz pratnju. Forma njegovih pjesama obično je stihovana.
Žanr "ruske pesme" bio je usko povezan sa folklorna tradicija. Stoga ne čudi što su mnoge autorske pjesme postale narodne („Evo poštanske trojke juri“ Ivana Rupina na stihove F.N. Glinke).
Krajem XVIII veka, pojavljuju se talentovani majstori žanra kamernog vokala - Fedor Dubyansky I Osip Kozlovsky . „Ruske pjesme“ koje su stvorili, a koje već imaju prilično razvijenu klavirsku partiju i složeniju formu, mogu se smatrati prvim ruskim romansama. U njima se jasno čuju odjeci urbanog života („Sivi golub ječi“ Dubjanskog, „Draga je sjedila uveče“, „Okrutna sudbina“ Kozlovskog).
Pjesme su se široko koristile u "ruskim pjesmama" poznatih pesnika: Sumarokov, Deržavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Svojim figurativnim sadržajem povezuju se sa tipičnim umjetničkim raspoloženjima sentimentalizam. Po pravilu, to su ljubavne lirike: ljubavne muke i užici, razdvojenost, izdaja i ljubomora, „okrutna strast“.
Veoma popularne su bile i anonimne „Ruske pesme” koje je objavio F. Mejer („Zbirka najboljih ruskih pesama”, 1781).
Kamerna instrumentalna muzika
U 70-80-im godinama XVIII veka, u Rusiji je počelo formiranje profesionalnog kamernog instrumentalizma. U ovom trenutku ruski muzičari ovladavaju složenim oblicima instrumentalne muzike, razvijajući žanrove solo sonate, varijacije i kamerni ansambl. Ovaj proces je bio usko povezan sa širokim širenjem kućne muzike. Dugo vremena je muzika urbanog ili imanjskog života ostala „hranljivi medij“ u kojem su sazrevali rani izdanci nacionalnog instrumentalnog stila.
Prvi ruski instrumentalni ansambli pripadali su Dmitriju Bortnjanskom. Ovo je klavirski kvintet i „Kamerna simfonija“, koja je zapravo septet za klavir, harfu, dvije violine, violu da gambu, fagot i violončelo.
Posebno su bile omiljene sve vrste plesnih komada - menuete, poloneze, ekosi, seoski plesovi - i varijacije na teme narodnih pjesama za razne instrumente. Stvorio je mnoge takve varijacije za violinu Ivan Evstafjevič Khandoshkin (1747-1804), predstavnik peterburške škole - kompozitor, izvanredan virtuoz violinista, dirigent i učitelj.Khandoškin je bio poznat po umetnosti improvizacije, a takođe je bio dobar u sviranju viole, gitare i balalajke.
U istoriji ruske muzike, Khandoshkinovo ime je povezano sa stvaranjem nacionalne škole violine. Najveći deo njegovog stvaralačkog nasleđa čine varijacije na teme ruskih narodnih pesama i sonate za violinu, dve violine, violinu i violu, ili violinu i bas. Ovim delima ruska kamerna instrumentalna muzika prvi put izlazi iz uskog doma muziciranje, sticanje virtuoznog dometa. Takođe je važno da su postigli prilično organsko jedinstvo evropskog instrumentalnog jezika i ruskog folklora. Istraživači vjeruju da je melodije nekih pjesama koje je kompozitor uzeo kao teme za varijacije prvi snimio on sam.
Trutovsky je napisao varijacije na ruske teme za klavir (na primjer, na temu narodna pjesma„U šumi je bilo puno komaraca“, Karaulov, kao i strani muzičari koji su radili u Rusiji.
Uloga stranih muzičara u razvoju ruske muzike bila je dvojaka. Poštene prigovore progresivne javnosti izazvalo je slijepo divljenje aristokratskih krugova prema svemu stranom, povezano s potcjenjivanjem ruske umjetnosti. Istovremeno, djelovanje stranih kompozitora, izvođača i nastavnika doprinijelo je opštem usponu muzičke kulture i obrazovanju domaćih profesionalnih muzičara.
Sudbina njegovog stvaralačkog nasleđa je dramatična: većina kompozitorovih dela, izvođenih tokom 19. veka, ostala je u rukopisima i pohranjena u Dvorskoj pevačkoj kapeli. U prvim decenijama XX veka spaljena je cela bogata arhiva kapele sa jedinstvenim autogramima mnogih ruskih kompozitora.
Uspeh i priznanje, pokroviteljstvo najviših ličnosti Berezovskom je rano došlo. Pošto je već u mladosti postao poznat u Rusiji, ubrzo je postao prvi ruski kompozitor primljen za člana čuvene Bolonjske akademije. Međutim, uprkos svim visokim odlikama, nakon što se vratio u domovinu nakon 9-godišnjeg boravka u inostranstvu, Maksim Berezovski nije uspeo da postigne bilo kakvu zapaženu poziciju. Njegov upis u Dvorsku kapelu na skromnu poziciju običnog službenika očito nije odgovarao ni stečenom stranom iskustvu ni njegovim kreativnim mogućnostima. Očigledno je to kod kompozitora izazvalo osjećaj gorkog razočaranja, iako su njegova horska duhovna djela učili svi ljubitelji crkvenog pjevanja i bili su visoko cijenjeni od njegovih suvremenika. kapela, vojnici i kmetovi orkestre, privatna pozorišta ili stekli kućno obrazovanje. U kulturnom okruženju XVIII veka, muzika je zauzimala najniži položaj, u potpunosti je zavisila od pokroviteljstva umetnosti, a sam muzičar u aristokratskom društvu zauzimao je položaj polusluge. Dela ruskih autora često su smatrana „drugorazrednom“ muzikom u poređenju sa delima Nemaca ili Italijana. Nijedan domaći gospodar nije dostigao visok položaj na dvoru.
Pametni i lukavi mlinar Thaddeus, pretvarajući se da je svemoćni čarobnjak, potpuno je prevario svoje prostodušne susjede. Međutim, sve se završava veselim vjenčanjem djevojke Anyute i zgodnog seoskog momka Filimona.
Na poštanskoj stanici - bazi - okupljaju se kočijaši. Među njima je i mladi kočijaš Timofej, koji je bio uspešan obrazom, umom i spretnošću. S njim je njegova mlada prelijepa žena Fadejevna, voli svog muža. Ali Timofej ima zavidnika i svog najgoreg neprijatelja - lopova i nitkova Filku Prolazu. Ovaj Filka sanja o tome da kao regrut proda srećnog Timofeja i preuzme njegovu ženu, koja već dugo privlači njegovu pažnju. A Timofej bi bio vojnik da nije oficira u prolazu. Pomaže da Timofeja, kao jedinog hranitelja seljačke porodice, oslobodi službe. Među vojnicima završava i sam Filka.
Melodrama je pozorišna predstava s muzikom koja se izmjenjuje s recitacijom, a ponekad se izvodi istovremeno s recitovanjem teksta.