12 najpiękniejszych i majestatycznych oper na świecie. Opera zawsze była uważana za symbol bogactwa, oświecenia i wielkości. Miejsce, w którym żyła sztuka, luksus, władza, intrygi i tajemnice, dlatego władcy wszystkich europejskich państw prześcigali się w monumentalności budynków i przepychu wnętrz. W chwili obecnej znaczenie przedstawień operowych nie straciło na popularności, jednak w większości przypadków teatry operowe i baletowe są bardziej postrzegane jako rodzaj atrakcji niż platforma spędzania wolnego czasu. La Scalę
Mediolan, Włochy
Nie ma w historii opery drugiej tak czczonej, tak często kopiowanej i tak często cytowanej jako wzorzec porównań, jak La Scala. Ale La Scala to nie tylko piękne miejsce na przedstawienia operowe, to sam symbol opery – opery włoskiej.
Budynek teatru powstał w latach 1776-1778 na miejscu kościoła Santa Maria della Scala, od którego teatr wziął swoją nazwę „La Scala” – opera w Mediolanie. Ciekawe, że podczas wykopalisk pod budowę teatru znaleziono duży marmurowy blok, na którym przedstawiono słynnego mima Pyladesa Starożytny Rzym. Uznano to za dobry znak.
Budynek teatru, wybudowany przez architekta G. Piermariniego, uważany jest za jeden z najpiękniejszych budynków na świecie. Został zaprojektowany w ścisłym stylu neoklasycystycznym i ma nienaganną akustykę. W czasie II wojny światowej teatr został zniszczony i przywrócony do pierwotnej formy przez inżyniera L. Secchi, który został ponownie otwarty w 1946 roku. „Scala” (jak nazywają teatr Włosi) została otwarta w sierpniu 1778 roku dwiema operami, w tym napisaną specjalnie na tę okazję operą A. Salieriego „Rozpoznana Europa”. Oprah de Monte Carlo
Monte Carlo, Monako
Opera w Monte Carlo stoi nad brzegiem Morza Śródziemnego i jest połączona z kasynem foyer z czerwonego marmuru. Budowa budowli trwała zaledwie sześć miesięcy, a efektem była niezwykle misterna fasada w stylu Drugiego Cesarstwa z niezwykle bogato zdobionymi wieżami i rzeźbami Gustava Doré i Sarah Bernhardt. Swoją drogą autor projekt architektoniczny opery Charles Garnier zakończył niedawno budowę gmachu Wielkiej Opery w Paryżu.
Teatr San Carlo
Neapol, Włochy
San Carlo (Teatro San Carlo) – opera w Neapolu została otwarta w 1737 roku. W 1816 roku został ponownie odrestaurowany po pożarze. Budynek teatru zaprojektowany przez architektów Giovanniego Antonio Medrano i Angelo Carasale dla monarchy Burbonów Carlosa III z Neapolu.
Największy rozwój teatru przypadł na lata 1809-40, kiedy jego dyrektorem był słynny impresario Barbaya. Nowy teatr zachwycał nie tylko dziełami sztuki, które wystawiano w teatrze, ale także jego architekturą, złotymi dekoracja i luksusową niebieską tapicerkę (niebieski i złoty to oficjalne kolory Burbonów). Na scenie teatralnej odbyły się światowe premiery szeregu oper Rossiniego Donizettiego i Giuseppe Verdiego. Opera Maryjska
Sankt Petersburg, Rosja
Teatr Maryjski jest symbolem kultury rosyjskiej. Początki jego trupy sięgają 1783 roku, kiedy w Petersburgu otwarto Teatr Bolszoj, na miejscu którego obecnie mieści się Konserwatorium Petersburskie. Z rozkazu Katarzyny Wielkiej na miejscu tej budowli wzniesiono Teatr Bolszoj (Kamienny), przewyższający przepychem i przepychem największe teatry w Europie. Zostało otwarte w 1783 roku wystawieniem opery Paisiello Na Księżycu.
W 1802 roku teatr został przebudowany przez architekta Thomasa de Thomona, a w 1836 roku przebudowany przez Alberta Kavosa. Wspaniała dekoracja dekoracyjna widowni w dużej mierze zachowała się do dziś. Olśniewająca biel rzeźb, delikatny połysk złoceń, niebieski odcień tapicerki i draperii - to świąteczny kolorystyczny dźwięk sali. Jasny, malowniczy sufit wykonał E. Fracioli na podstawie szkiców profesora C. Dusiego. Ogromny, trójpoziomowy żyrandol z brązu z wisiorkami kryształowymi i kandelabrami wykonano z darowizn kupca K. Pleske, który „za tak szczególne zasługi artystyczne” został odznaczony złotym medalem. Pałac Garniera
Paryż, Francja
W ciągu dwustu lat swojego istnienia Opera Paryska zmieniła trzynaście różnych sal. I żaden z nich nie odpowiadał roli, jaką opera odgrywała w wysokim społeczeństwie francuskim. W 1852 roku do władzy doszedł Napoleon III. W tym samym roku podjął decyzję o rozpoczęciu radykalnej renowacji stolicy.
Pracę powierzono człowiekowi, który w duchu nie był paryżaninem, myślącym jedynie o rozwoju gospodarczym miasta i nie odczuwającym nostalgii za starym Paryżem. Do konkursu na budowę opery wpłynęło 171 projektów. Swoje prace zaprezentowali wszyscy mistrzowie architektury, w tym sam Viollet-Le-Duc. Zwycięzcą został jednak mało znany młody człowiek, Charles Garnier, którego jedynym rekordem było Grand Prix Rzymu w 1848 roku.
Dekorując wnętrze teatru, Garnier wykorzystał wiele elementów stylu rokoko. Pomimo całej absurdalności i różnorodności często sprzecznych ze sobą technik, budynek jako całość sprawia wrażenie harmonijnego i monumentalnego. Zapewne dlatego w 1923 roku został wpisany na listę zabytków architektury chronionych przez państwo. Bawarska Opera Państwowa
Monachium, Niemcy
Bawarska Opera Państwowa (Bayerische Staatsoper) jest jedną z wiodących scen operowych w Niemczech. Znajduje się w Monachium (2100 miejsc). Założona w 1818 roku. W 1963 roku otwarto go po renowacji spektaklem „Kobieta bez cienia” R. Straussa. Prototypem tej budowli był teatr Odeon w Paryżu.
Budynek Opery Bawarskiej powstał na miejscu dawnego klasztoru franciszkanów. W 1818 roku teatr otworzył swoje podwoje dla zwiedzających, lecz pięć lat później doszczętnie spłonął. Mieszkańcy miasta wierzyli, że jest to kara z góry. Ale już w 1825 roku Opera Bawarska została ponownie otwarta i przedstawienia odbywają się tam do dziś. Teatr Michajłowski
Sankt Petersburg, Rosja
Genialna historia Teatr Michajłowski rozpoczął się od wyboru architekta budynku. Subtelny koneser sztuki Aleksander Bryulłow wznosi gmach pierwszego miejskiego teatru muzycznego, wpasowując go w istniejący już zespół Placu Sztuki, dlatego fasady teatru wykonane są według projektów Karla Rossiego, aby „ rymować” z budową Pałacu Michajłowskiego.
Bryullov stworzył magiczną skrzynkę: tego, że za skromną fasadą kryje się teatr, można się domyślić jedynie z dachu, gdzie za kopułą nad widownią widać wysoką lożę sceniczną. Cały splendor teatru cesarskiego zawiera się w: srebrze i aksamicie, lustrach i kryształach, malarstwie i modelarstwie.
W teatrze odbywają się mistrzowskie kursy baletu prowadzone przez czołowych pedagogów w Europie i Ameryce. Na zaproszenie Farukha Ruzimatowa, Natalii Makarowej, Jennifer Gube, Gilberta Mayera, Cyryla Atanasoffa, Michaił Messerer współpracował z trupą baletową Teatru Michajłowskiego. Teatr Michajłowski uczestniczy m.in. w festiwalu Arts Square i jest jedną z platform kulturalnych Międzynarodowego Forum Ekonomicznego w Petersburgu. Teatr Amazonas
Manus, Brazylia
Amazon Opera House to drugi co do wielkości teatr w brazylijskim stanie Amazonas, w mieście Manaus. Zaprojektowany w 1881 r., otwarty w 1896 r., u szczytu tzw. gorączki gumowej w Brazylii, stając się jednym z symboli luksusowego i spokojnego życia Belle Epoque. Zachodnia cywilizacja. Zadziwiał współczesnych swoją przepychem. Po zakończeniu boomu gumowego popadł w ruinę, ale na początku lat 90. został ponownie odrestaurowany. Pojemność 701 osób. Znajdują się tu kramy, antresola i amfiteatr.
Ateneum Rumuńskie
Bukareszt, Rumunia
Ateneum Rumuńskie to sala koncertowa zbudowana w stylu neoklasycystycznym i otwarta w 1888 roku. Przed budynkiem znajduje się niewielki park z pomnikiem rumuńskiego poety Mihai Eminescu. Wewnętrzna kopuła budynku jest pomalowana freskami przedstawiającymi kluczowe momenty w historii Rumunii. Uznane za symbol kultury rumuńskiej, Ateneum zostało wpisane na Europejską Listę Dziedzictwa Kulturowego w 2007 roku.
Metropolita Opera
Nowy Jork, USA
Jeden z największych teatrów na świecie, Metropolitan Opera, został otwarty 22 października 1883 roku przedstawieniem opery Faust Charlesa Gounoda. W pierwszych latach teatr preferował opery Wagnera, a niemieckim zespołem teatralnym kierował dyrygent Leopold Damrosch. W starym gmachu Metropolitan Opera odbyły się premiery dzieł Giacomo Pucciniego: „Dziewczyna z Zachodu” w grudniu 1910 r. oraz w grudniu 1918 r. tryptyku „Płaszcz”, „Siostra Angelica” i „Gianni Schicchi”. W październiku 1958 roku Samuel Barbara dokonał premiery Vanessy, która zdobyła nagrodę Pulitzera za wybitne dzieło muzyczne.
Od początku XX wieku Metropolitan Opera, obok Opery Wiedeńskiej i Teatru La Scala w Mediolanie, uznawana jest za wiodącą scenę operową na świecie.
Często nazywa się to w skrócie „met”. Teatr czynny jest siedem miesięcy w roku: od września do kwietnia. Spektakle odbywają się codziennie. Od maja do czerwca teatr wyrusza w tournée. Ponadto w lipcu teatr daje bezpłatne przedstawienia w nowojorskich parkach, przyciągając ogromne tłumy. Opera w Oslo
Oslo, Norwegia
Największa jest Nowa Opera instytucja kulturalna we współczesnej Norwegii. Ponadto budynek opery jest pierwszym przykładem w światowej praktyce architektonicznej, gdzie w przerwie zwiedzający mogą swobodnie spacerować po dachu teatru, który ma gładkie nachylenie w kierunku morza. Biały budynek opery przypominający górę lodową wznosi się prosto nad fiordem Oslofjord. Spadzisty dach, wykończony płytami z białego marmuru z Carary, schodzi w dół do wody i może służyć również jako teren rekreacyjny.
Budynek zaprojektowało norweskie biuro architektoniczne Snoehetta, które wcześniej projektowało bibliotekę w Aleksandrii. Główna scena opery przeznaczona jest na 1365 widzów, dwie małe sceny – na 640. Orkiestra sceny głównej zlokalizowana jest poniżej poziomu wody. Teatr Pałacowy Drottningholm
Sztokholm, Szwecja
Król Karol XVI Gustaw wraz z rodziną mieszka w Pałacu Drottningholm od 1981 roku, zajmując jego część. Pałac ten zaczęto budować w 1662 roku dla królowej Dovager Hedvig Eleonory według projektu architekta Nikodema Teccina Starszego w typowym dla tamtych czasów stylu barokowym.
Pałac położony jest na wyspie Lowen, niedaleko centrum miasta.Za pałacem znajduje się teatr dworski, jeden z najstarszych teatrów operacyjnych na świecie. Został założony w 1766 roku przez królową Lovisę Ulrikę i zbudowany przez architekta K.F. Adelkrantza. Zespół baletowy teatru ożywia przedstawienia z XVIII wieku. Pałac otoczony jest luksusowym parkiem, w którym występuje regularna część francuska, ozdobiona altankami i labiryntami oraz zagospodarowana część angielska z malowniczymi trawnikami i stawami. W 1991 roku Pałac Drottningholm wraz z parkiem, teatrem i pawilonem chińskim został wpisany na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO.
Mimo że kino istnieje już od dawna, teatry cieszą się taką samą popularnością, jak za dawnych czasów.
A czy obraz można porównać z występem aktora „na żywo”, kiedy w sali dosłownie unosi się duch przedstawienia?
Balet, opera, komedia, musical, każda produkcja potrafi pobudzić wszystkie zmysły.
Zatem dzisiaj porozmawiamy o teatrach i choć ranking ten nazywany jest czołówką najlepszych teatrów, to nie ma tu najlepszych i najgorszych, a podział jest dowolny.
Każdy teatr jest wyjątkowy i niepowtarzalny, ma swoją atmosferę, aktorów, historię.
Jeśli zatem nie widzicie tu żadnego ze słynnych teatrów, nie śpieszcie się z wnioskami, nie sposób omówić wszystkich, a podział, o którym mowa powyżej, jest dowolny.
La Scalę
1. Zacznijmy od Włoch, bo można je nazwać jedną z kolebek teatru, gdyż tutaj, obok Grecji i Francji, znajduje się wiele tradycje teatralne. W czasach rzymskich i renesansu istniały tu teatry, więc ten kraj przyczynił się do tego sztuki performatywne niezaprzeczalny. La Scala w Mediolanie zasłużenie uznawana jest za najlepszy teatr we Włoszech.
Został zbudowany w latach 1776-1778, a swoją nazwę zawdzięcza kościołowi „Santa Maria della Scala”, który znajdował się w tym miejscu przed teatrem.
Istnieje legenda, że podczas kładzenia fundamentów odnaleziono zabytkową bryłę z wizerunkiem mima Pyladesa, jakby starożytni bogowie błogosławili przyszły teatr. Sala teatralna może pomieścić do 2800 osób. Swoją drogą, zwyczajowo przychodzi się tu ubranym na czarno.
W różnych okresach bardzo popularne było tu dzieło Belliniego, Verdiego i Pucciniego. La Scala była także gospodarzem balów, a nawet raz była gospodarzem walki byków.
Wielka Opera
2. We Francji za najbardziej znany uważany jest Wielki Teatr Opery, choć jego oficjalna nazwa to Narodowa Akademia Muzyki i Tańca. Założona w 1669 roku przez poetę Perrina i kompozytora Camberta z podpisem Ludwika XIV. Teatr ten przetrwał wieki, rewolucję francuską, zmienił wiele nazw, ale pozostał jednym z najlepszych.
Budynek, w którym się dziś mieści, został zbudowany przez architekta C. Garniera w 1875 roku. Sala może pomieścić 2130 osób. Trudno wymienić spektakle, które na scenie Wielkiej Opery odbyły się na przestrzeni trzech i pół wieku.
Początkowo były to dzieła kompozytorów francuskich, później włoskich i niemieckich. W XX wieku odbyła się tu premiera opery Strawińskiego „Wrzosowisko”.
Opera Wiedeńska
3. Nie można też pominąć „Opery Wiedeńskiej”. Austria zawsze była dumna ze swoich kompozytorów, dlatego opery Mozarta są tu tak popularne. Odbyła się tu także premiera całego cyklu Wagnera „Pierścień Nibelungów”.
Opera Wiedeńska została zbudowana w 1869 roku, a jej wystrój wnętrz zachwyca luksusem i majestatem.
Pod koniec XIX wieku miejsce to było centrum życie kulturalne Europa. Tutaj, zgodnie z tradycją, do dziś co roku odbywa się słynny na całym świecie „Bal Operowy”, który przyciąga ludzi z całego świata.
Covent Garden
4. Najbardziej słynny teatr w Anglii – londyński Covent Garden. Zostało założone w 1732 roku. W formie, w jakiej wygląda obecnie, zachował się od czasu ostatniej renowacji w 1856 roku. Wyróżnia się wysokim poziomem aktorstwa i związanymi z nim honorariami.
W XIX wieku śpiewali tu najlepsi wykonawcy tamtych czasów, m.in. Malibran, Tamburini, Giulia Grisi.
Sam budynek owiany jest tajemnicami i legendami o duchach, tak pasującymi do Foggy Albion. Zaprojektowany na 2250 miejsc.
Opera Metropolitalna
5. Nowojorska Metropolitan Opera to najsłynniejszy teatr w USA i jednocześnie najnowocześniejszy ze wszystkich tu wymienionych.
Powstał w 1883 roku i wyróżnia się brakiem tak luksusowego wystroju jak w innych teatrach. Ale wielu jest tutaj używanych nowoczesne technologie, na przykład pasek na oparciu krzesła.
Początkowo Metropolitan Opera lubiła wystawiać Wagnera. Podobnie jak w Anglii, opery wystawiane są tu w języku oryginalnym. Opłaty dla wykonawców są tu skromniejsze niż gdzie indziej, ale śpiewanie na tej scenie i tak cieszy się dużym prestiżem.
Sala jest duża i może pomieścić 3625 osób. Co ciekawe, teatr nie jest własnością państwa, utrzymuje się z prywatnych środków i darowizn od firm.
6. W Rosji Teatr Bolszoj można postawić na równi z wymienionymi teatrami. Został założony w 1776 roku, budynek, w którym obecnie się mieści, powstał w 1825 roku.
Odbyły się tu premiery oper Czajkowskiego „Mazeppa”, „Wojewoda”, „Czerewiczki” oraz „Skąpy rycerz”, „Aleko” i „Francesca da Rimini” Rachmaninowa, a Rachmaninow pełnił tu funkcję dyrygenta.
Na scenie Teatru Bolszoj występują także gościnne zespoły z La Scali i Opery Wiedeńskiej. Zaprojektowany na 2155 miejsc.
7. „Sydney Opera” to raczej arcydzieło architektoniczne niż teatralne.
To miejsce stało się symbolem Australii, odbywają się tu zarówno przedstawienia, jak i różnorodne przedstawienia, nie ma tu typowej oprawy teatralnej, a repertuar nie jest klasyczny. Ale może to jest pomysł twórców na teatr przyszłości, bo Opera w Sydney powstała zaledwie 37 lat temu. Nawiasem mówiąc, otworzyła je sama królowa Elżbieta.
8. Kolejnym nieklasycznym teatrem jest „Broadway”.
To nie budynek, to tradycja. Kiedyś „Broadway Theatre” oznaczało, że był to jeden z małych teatrów zlokalizowanych przy odpowiedniej ulicy w Nowym Jorku, dziś to pojęcie ma zupełnie inne znaczenie.
Zapraszam aktorów na Broadway na jeden lub kilka sezonów, nie ma stałego zespołu, a sztuka trwa tak długo, jak długo interesuje się nią publiczność. To dlatego tak wielu tu przyciąga, ze względu na różnorodność. Tradycje „Teatru Broadwayu” rozwinęły się około sto lat temu.
Arena w Weronie
9. „Arena di Verona” – teatr ten nie ma sobie równych na całym świecie, gdyż powstał za czasów cesarza Augusta w I wieku n.e. Jest to owalny rzymski amfiteatr i co najciekawsze to to, że funkcjonuje.
Arena w Weronie. Zdjęcie – Ennevi Od trzystu lat na tej scenie odbywały się przedstawienia, a w czasach rzymskich ginęli tu gladiatorzy i odbywały się tu turnieje.
Od 1913 roku każdego lata odbywa się tu festiwal operowy. Wystawiają głównie spektakle spektakularne, takie jak „Aida”, która otworzyła pierwszy z tych festiwali, „Turandot”, „Carmen”. Arena di Verona może pomieścić jednocześnie do 16 000 widzów, co przekracza możliwości jakiejkolwiek klasycznej sali teatralnej.
10. Największy teatr Ameryka Południowa jest Teatro Colon. Została założona w 1857 roku.
Znajduje się w mieście Buenos Aires i może pomieścić jednocześnie aż 2478 osób. W momencie budowy pierwszy budynek teatru był najbardziej zaawansowanym spośród oper, wyposażonym w oświetlenie gazowe i urządzenia do efektów specjalnych.
Nowoczesny budynek otwarty w 1908 roku, oprócz miejsc siedzących dla 500-1000 stojący ludzie. Często wystawiane są tu sztuki rosyjskie, m.in. „Borys Godunow”, „Sadko”, „Eugeniusz Oniegin”.
3 sierpnia 1778 roku otwarto gmach La Scali, najsłynniejszej i najpiękniejszej opery na świecie. Zapraszamy do obejrzenia piękna dekoracji najsłynniejszych teatrów świata w naszej selekcji zdjęć.
Zwyczajowo wymawia się nazwę tego teatru wyłącznie jako „Opéra de Paris” – z wymową francuską. Jedna z najsłynniejszych oper na świecie, otwarta w 1862 roku. Opera Paryska mieści się w Palais Garnier, który został zaprojektowany przez słynnego francuskiego mistrza Charlesa Garniera. Budynek uznawany jest za standard eklektycznego stylu architektonicznego i zachwyca bogactwem sal i komnat. Ale kochają ten teatr nie tylko ze względu na architektoniczną elegancję. Jedna z najlepszych oper nie byłaby taka bez najzdolniejszych choreografów i dyrygentów.
Opery Garniera. Sufit
Wielka Opera. Lobby
Wielka Opera. Lobby
Opera Paryska. Parter
Wielka Opera w Paryżu. Rysunek gatunkowy.
La Scalę
Ten legendarny mediolański teatr jest obecnie najbardziej rozpoznawalnym i szanowanym na świecie. Coroczna widownia liczy kilkadziesiąt tysięcy widzów, pracują w niej najlepsi mistrzowie (dyrygent Daniel Barenboim i choreograf Mahar Vaziev), a wystrój wnętrz i elewacji zaprojektował architekt Giuseppe Piermarini.
La Scalę. Półpiętro
La Scalę. Półpiętro
La Scalę. Zewnętrzny
La Scalę. Parter i antresola
Londyńska Royal Albert Hall of Arts and Sciences w Kensington, czyli jak nazywają ją zwykli londyńczycy – Albert Hall. To najbardziej znana i prestiżowa sala koncertowa w Europie. Imprezy w Albert Hall odbywają się niemal codziennie. Jest to główne miejsce, w którym odbywają się międzynarodowe festiwale muzyczne i koncerty symfoniczne. Jeden ze swoich najlepszych koncertów dał tu słynny brytyjski zespół The Beatles.
Royal Albert Hall. Półpiętro
Royal Albert Hall. Scena
Royal Albert Hall. Scena
Royal Albert Hall. Scena
Royal Albert Hall. Zewnętrzny
Teatr muzyczny w centrum Nowego Jorku, otwarty w 1880 roku. Spektakle odbywają się codziennie, a latem teatr wyrusza w tournée. Zdobył szeroką popularność m.in. dzięki charytatywnym koncertom w parkach miejskich, które przyciągają dziesiątki tysięcy widzów. Metropolitan Opera opiera się na programie światowej klasyki, w tym wielu kompozytorów rosyjskich. Nowy gmach opery otwarto zaraz po rozbiórce starego, w 1966 roku. Ściany teatru zdobią freski białoruskiego artysty Marca Chagalla.
Opera Metropolitalna. Zewnętrzny
Opera Metropolitalna. Audytorium
Opera w Sydney to z pewnością jeden z najsłynniejszych obiektów architektonicznych naszych czasów. Budynek wygląda jak gigantyczna żaglówka i uznawany jest za najwspanialszą budowlę drugiej połowy XX wieku. Opera została otwarta w 1973 roku z udziałem królowej Wielkiej Brytanii Elżbiety II.
Opera w Sydney. Zewnętrzny
Opera w Sydney. Wnętrze
Opera w Sydney. Zewnętrzny
Opera w Sydney. Wnętrze
Opera w Sydney. Zewnętrzny
„Zewnętrzna” historia powstania moskiewskich teatrów jest nie mniej interesująca niż intrygi rozgrywające się wewnątrz, na scenach.
Teatr Bolszoj w 1932 r
Commons.wikimedia.org
28 marca 1776 roku cesarzowa Katarzyna II podpisała „przywilej” dla księcia Piotra Urusowa na organizowanie przedstawień, maskarad, balów i innych rozrywek przez okres 10 lat. Datę tę uważa się za dzień założenia Teatr Bolszoj. Treść „rozrywki” była uciążliwa finansowo – więc książę Urusow podzielił się swoim „przywilejem” z zrusyfikowanym Anglikiem Michaelem Medoxem, ekwilibrystą i mechanikiem teatralnym. Pierwszy gmach teatru powstał na prawym brzegu rzeki Neglinki - wychodził na ulicę Pietrowka, dlatego teatr nazwano Pietrowski. Jego otwarcie odbyło się 30 grudnia 1780 r. - wystawiono balet „Szkoła magii”. Niestety Medox popadł w długi – teatr zbankrutował iw latach 1802-1803. został przekazany księciu M. Wołkońskiemu. Jesienią 1805 roku budynek spłonął, a trupa występowała na scenach zagranicznych. Trzy lata później artyści otrzymali nowy Teatr Arbat. Ale i on zginął w pożarze podczas wojny 1812 r. W 1819 r. ogłoszono konkurs na projekt gmachu Bolszoj - wygrał profesor Akademii Sztuk Pięknych Andriej Michajłow, ale jego wersja okazała się zbyt kosztowna. Architekt Osip Bove ulepszył go i, co ważniejsze dla władz miasta, uczynił go tańszym - w efekcie mieszkańcy stolicy otrzymali budynek z fasadą ozdobioną portykiem z kolumnami, a Apollo został „zaparkowany” na górze na rydwanie zaprzężonym w trzy (!) konie. Nowy Bolszoj rozmiarami przewyższył teatr petersburski. Lermontow w swoim młodzieńczym eseju „Panorama Moskwy” opisał, jak na portyku „... alabastrowy Apollo wstaje... patrząc z irytacją na mur Kremla, który zazdrośnie oddziela go od starożytnych świątyń Rosji!...” Ale i ten budynek spłonął – 11 marca 1853 roku wybuchł tu bezprecedensowy pożar. Zrekonstruowany, a raczej odbudowany Teatr Bolszoj został otwarty 20 sierpnia 1856 roku operą „Purytanie” Belliniego - spieszyli się na koronację cesarza Aleksandra II. Od tego czasu Teatr Bolszoj był wielokrotnie przerysowywany i odnawiany - dodali kolejnego konia do trojki Apolla (powstała słynna kwadryga), dla poprawy akustyki, obszyli ściany dźwięcznym świerkiem oraz wielokrotnie wzmocnili pale i fundamenty...
Duży teatr/
Commons.wikimedia.org
Pierwszy elektryczny
Kolejna z najpiękniejszych „świątyń Melpomeny” w stolicy - Teatr im Ermołowa- mieści się w dawnym pasażu. Ten budynek handlowy w centrum Moskwy, na początku Twerskiej, należał do rodziny kupieckiej Postnikow. Dom został zbudowany w 1802 roku i początkowo był znany jako Pałac Dołgo-Rukowa . Mieściły się wówczas biura, hotel i różne sklepy... Swoją drogą Pasaż Postnikowskiego był pierwszym budynkiem w Moskwie wyposażonym w oświetlenie elektryczne. Datę podpisania w nim umowy na prace elektryczne (31 lipca 1887 r.) uważa się za urodziny całego systemu energetycznego stolicy! W latach 1936-1938. budynek przebudowano na potrzeby teatralne – mieścił się tu Teatr Meyerholda. Nie na długo. I przez długi czas, od 1946 roku, w budynku mieścił się Teatr. Ermolova – i pozostaje tam do dziś. Na uwagę zasługuje nie tylko sam budynek, ale także nowy dyrektor artystyczny – od 2012 roku na czele Yermolovites stoi Oleg Menshikov.
W Teatrze. Ermolova była kiedyś... hotelem!
Commons.wikimedia.org
Na nabrzeżu Berseniewskiej w 1961 roku, w niegdyś dawnym klubie Domu Rządowego, urzędnicy przeznaczyli miejsce dla Teatrzyk rewiowy. Przed przeprowadzką do słynny dom na nasypie artyści skupili się na placu Majakowskiego - w pomieszczeniu, w którym niegdyś mieściła się restauracja, a następnie Teatr Satyry. Pomimo swojej młodości (w porównaniu do innych „świątyń Melpomeny”), Teatr Rozmaitości od czasu swojej przeprowadzki zyskał najróżniejsze legendy. Jedna z nich mówi, że w pobliżu budynku... kilkakrotnie widziano ducha Maluty Skuratowa. Strażnicy - nawiasem mówiąc, kiedy osobiście zobaczyli Malutę, z reguły natychmiast się poddawali - twierdzili, że duch pojawił się z rezydencji, w której do 2014 roku mieścił się Instytut Kulturoznawstwa. Mówią, że z tej rezydencji są tajne przejścia bezpośrednio na sam Kreml, a stamtąd Malyuta przyszedł na spacer wzdłuż nasypu.
: Dom na skarpie. Nasze dni.
AiF/Eduard Kudryavitsky
Ciasta i pokazy!
Historia teatru „Operetka Moskiewska” nietypowe dla stolicy, bo „sprowokowane” przez prywatną inicjatywę. U zarania XX wieku. Budynek na Bolszai Dmitrowce, należący do książąt Szczerbatowskich, został kupiony przez kupców Sołodownikowa, którzy dołożyli wszelkich starań, aby przy pomocy najlepszych rosyjskich artystów nowo nabytą posiadłość przekształcić w teatr, który stał się jednym z najpiękniejszych i najpiękniejszych. .. pyszne (ludzie z prowincji przyjechali tu na słynne ciastka kawowe!) w mieście. Organizowali wszystko z takim drżeniem i miłością, że Teatr Operetki nie został szczególnie dotknięty nawet wichurami rewolucji rosyjskich. Uchwałą Moskiewskiej Rady Delegatów Robotników, Chłopów i Armii Czerwonej został zachowany i po „aktualizacji” repertuaru pod koniec 1927 r. ponownie otworzył porewolucyjne drzwi. „Teatr jest bogaty pod względem duchowym i wizualnym” – mówią widzowie. „Szczególne wrażenie robią malowane lampy”.
Teatr operetki był domem prywatnym.
Commons.wikimedia.org
Moskiewski Akademik Teatr im Majakowski(ul. Bolszaja Nikitskaja 19/13) powstał w 1922 roku jako Teatr Rewolucji (współczesna nazwa pojawiła się w 1954 roku). Budynek, zwany Teatrem Raj, wzniesiono w 1886 roku według projektu architekta K. Terskiego. Początkowo występowały tam europejskie megagwiazdy – nawet Sarah Bernhardt, która nazwała nasz teatr „najwygodniejszym na świecie”. Po rewolucji wystawiał tu sztuki Wsiewołod Meyerhold, a później Andriej Gonczarow.
Teatr im Majakowski
Commons.wikimedia.org
I wreszcie prawdziwi entuzjaści teatru nie powinni przechodzić obok ogrodu Akwarium Teatr im Mossowet. Ogród i teatr „Akwarium” w koniec XIX- początek 20 wieku zajmował znaczące miejsce w życiu teatralnej Moskwy: tu zaczęła swoje życie prywatna opera Zimina, a w teatrze letnim występował Buff Theatre. W 1921 r. odbywało się codzienne przedstawienie, w którym Leonid Utesow grał cztery (!) role. W 1959 specjalnie dla Teatru. Rada Miejska Moskwy zbudowała nowy budynek na 1200 miejsc. Przejdź się w pobliżu i nagle usłyszysz piosenki Utesova. Panuje tu bardzo specyficzna atmosfera. Kiedy w 1898 roku przedsiębiorczy Francuz Charles Aumont wynajął ogród i teatr, Czechow z zapałem napisał: „...Nieźle jest w Akwarium Aumonta!” Ale Czechowowi można ufać...
Teatr im Mossowet
Największe opery na świecie
Pod względem liczby miejsc w widowniach największe opery na świecie to:
1., Nowy Jork – 3800 miejsc.
2. - 3563 miejsca.
3. - 3285 miejsc.
4. Opera w San Francisco – 3146 miejsc.
5. - 2800 miejsc.
6. - 2416 miejsc (sala operowa).
7. Gran Teatro Liceo, Barcelona – 2292 miejsca.
8. - 2268 miejsc.
9. - 2155 miejsc.
10. - 2000 miejsc.
11. - 1900 miejsc.
12. Teatr Bolszoj, Warszawa - 1828 miejsc (największa scena pod względem powierzchni).
13. - 1762 miejsca.
14. La Monnaie, Bruksela – 1700 miejsc.
15. - 1550 miejsc.
Ekaterina Lyokhina – Rosjanka Śpiewak operowy, sopran. Ekaterina Lechina urodziła się 15 kwietnia 1979 roku w Samarze. Podczas nauki w szkole łączyła zajęcia z łyżwiarstwa figurowego z lekcjami w szkole muzycznej nr 10 w Samarze. Bardziej lubiła łyżwiarstwo figurowe, ale jej rodzice, którzy sami nie byli muzykami, matka inżynierka, ojciec robotnik, nalegali, aby kontynuowała naukę muzyki. Po ukończeniu szkoły muzycznej Ekaterina wstąpiła na wydział dyrygentury i chóru w Szkole Muzycznej D.G. Shatalov, którą ukończyła z wyróżnieniem. W 1998 roku przeniosła się do Moskwy i kontynuowała naukę w Akademii Sztuki Chóralnej, gdzie uzyskała także tytuł magistra śpiewu operowego (w klasie prof. S. Nesterenki). Po ukończeniu akademii przez krótki czas pracowała w Moskiewskiej Nowej Operze, przy mniejszych produkcjach. Pierwszy sukces przyniósł zwycięstwo na konkursie wokalnym „St. Petersburg” w 2005 roku, co zostało dostrzeżone i docenione przez europejskich ekspertów. Od tego czasu jest znacznie szerzej znana światowej publiczności niż rosyjskiej publiczności. W 2006 roku Ekaterina Lyokhina zadebiutowała w wiedeńskiej Volksoper (Volksoper) rolą Madame Hertz w operze Mozarta „Dyrektor teatralny”. Jej kolejną rolą w wiedeńskiej Volksoper była Królowa Nocy w Czarodziejskim flecie Mozarta, z tą rolą wystąpiła także w monachijskim teatrze Gartnerplatz, w dwóch berlińskich teatrach – Deutsche Opera Państwowa" I " Opera niemiecka”, a także w teatrach w Hanowerze, Düsseldorfie, Treviso, Hongkongu i Pekinie. W 2007 roku Ekaterina Lyokhina zwyciężyła w jednym z najbardziej prestiżowych międzynarodowych konkursów wokalnych – „Operalia”, odbywającym się w tym roku w Paryżu. W finale konkursu , doszło do małego incydentu - organizator konkursu maestro Placido Domingo nie pokazał orkiestrze wstępu i zakończenia arii Lakme, Ekaterina zakończyła śpiewanie w zupełnej ciszy. Podczas wręczania nagrody głównej dyrygent wyjaśnił: „Rozumiecie, ja za dużo słuchała i dlatego nie miała czasu pokazać orkiestrze wstępu.” W 2008 roku Lyokhina zadebiutowała w Royal Opera House Covent Garden rolą Olympii z „Opowieści Hoffmanna”, występ ten przyniósł jej uznanie krytyków i wielkim sukcesem. W 2011 roku Ekaterina Lyokhina otrzymała prestiżową nagrodę Grammy od Recording Academy of America w kategorii „Najlepsze nagranie operowe”. Ekaterina wykonała główną rolę – księżniczki w operze fińskiej kompozytorki Kaiji Saari-Aho „Love from Afar Dyrygent Kent Nagano, Niemiecka Orkiestra Symfoniczna w Berlinie, Chór Radia Berlińskiego, soliści – Daniel Belcher i Marie-Ange Todorovic. Obecnie piosenkarka pracuje na kontraktach w różne teatry pokój.
Kiri Janette Te Kanawa to nowozelandzka śpiewaczka operowa i sopran liryczny. Jedna z czołowych śpiewaczek operowych naszych czasów, posiadająca ciepły, piękny głos i bardzo szeroki repertuar ról operowych w różnych językach. Kiri Te Kanawa (ur. Claire Mary Teresa Rostron) 6 marca 1944 r. w Gisborne w Nowej Zelandii dla irlandzkiej matki i maoryskiego ojca, ale niewiele wiadomo o jej rodzicach, ponieważ Jako niemowlę została adoptowana przez rodzinę Te Kanawa; jej przybrani rodzice również byli Maorysami i Irlandczykami. Dostała generała i edukacja muzyczna w Auckland oraz w okresie dojrzewania i młodości już było popularna piosenkarka w nowozelandzkich klubach. W tym samym czasie zebrała wszystkie znaczące nagrody muzyczne w Australii i Nowej Zelandii.W 1963 roku zajęła drugie miejsce w konkursie „Mobil (Lexus) Song Quest”, pierwsze miejsce w tym czasie zajęła inna znana śpiewaczka operowa z Nowej Zelandii , Malwina Major. W 1965 roku sama Kiri Te Kanawa została zwyciężczynią tego samego konkursu z arią „Vissi d'arte” z opery „Tosca” Pucciniego. W 1966 roku zwyciężyła w australijskim konkursie „Sun-Aria” i jako zwyciężczyni otrzymała nagrodę im. stypendium na studia w Londynie. W tym samym roku bez przesłuchań wstąpiła do Centre for Opera Singing w Londynie, gdzie nauczyciele zauważyli zarówno jej talent, jak i początkowy brak techniki wokalnej. Zadebiutowała na scenie operowej w 1968 roku jako druga dama w Czarodziejskim flecie Mozarta w London Theatre. Sadler's Wells”, zaraz potem role w Dydenie i Eneaszu Purcella oraz tytułowa rola w Annie Boleyn Donizettiego. W 1969 r. podczas przesłuchań do roli Hrabiny w Weselu Figara , główny dyrygent Colin Davis powiedział: „Nie mogłem w to uwierzyć. Do moich uszu przeszedłem tysiąc przesłuchań i był to fantastycznie piękny głos”. Royal Opera House Covent Garden podpisała kontrakt z Kiri Te Kanawą na trzy lata i jej pierwsze występy na scenie tego teatru miały miejsce w roli Ksenii w „Borysie Godunowie” i dziewczynki – kwiatu w „Parsifala” w 1970 roku. Te Kanawa nadal starannie przygotowywała się do roli Hrabiny, której premiera odbyła się w Covet Garden w grudniu 1971 r., ale wcześniej miała miejsce występ na Festiwalu Operowym w Santa Fe (Nowy Meksyk, USA), gdzie wypróbowała tę rolę wraz z nią Na tym samym festiwalu wystąpiła amerykańska piosenkarka Frederica von Stade, później prasa odnotowała ich występ: „...było dwóch debiutantów, którzy olśnili publiczność... wszyscy od razu zdali sobie sprawę, że to dwa znaleziska i historia potwierdziły swój występ.” Te dwie piosenkarki zaprzyjaźniły się na wiele lat. 1 grudnia 1971 roku w Covent Garden Kiri Te Kanawa powtórzyła swój występ w Santa Fe i wywołała międzynarodową sensację. Tego dnia otrzymała status niekwestionowanej gwiazdy opery i stała się jedną z najsłynniejszych sopranistek świata, występując w czołowych scenach operowych świata – Covent Garden, Metropolitan Opera (debiut 1974), Paris Opera (1975), Sydney Opera House (1978), Wiedeńska Opera Państwowa (1980), La Scala (1978), Chicago Lyric Opera, San Francisco, Bawarska i wiele innych. Jej bohaterki to ogromny repertuar sopranowy, a wśród nich - trzy główne role Ryszarda Straussa - Arabella z Arabelli, Marszałek, księżna Maria Teresa von Werdenberg z Der Rosenkavalier i Hrabina z Capriccio; Fiordiligi Mozarta z „To właśnie robią wszystkie kobiety”, Donna Elvira z „Don Giovanniego”, Pamina z „Czarodziejskiego fletu” i oczywiście hrabina Almaviva z „Wesela Figara”; Violetta Verdiego z Triaviatta, Amelia Boccanegra z Simona Boccanegry, Desdemona z Ottelo; z Pucciniego – Tosca, Mimi i Manon Lescaut; Carmen Bizet, Tatiana Czajkowski, Rosalind Johann Strauss i wielu innych. Na scenie koncertowej jej piękno i klarowność wokalu zjednoczyła się z czołowymi orkiestrami symfonicznymi świata z Londynu, Chicago, Los Angeles pod batutą takich dyrygentów jak Claudio Abbado, Colin Davis, Charles Duthoit, Georg Solti i innych. Stała się stałą uczestniczką międzynarodowych festiwali operowych – w Glidebourne, Salzburgu, Weronie. Na moje długie karierę twórczą Kiri Te Kanawa wydała około osiemdziesięciu płyt z repertuarem operowym i muzyką koncertową - arie koncertowe Mozarta, Cztery ostatnie pieśni Straussa, Niemieckie Requiem Brahmsa, Mesjasz Handla i inne, a także albumy z muzyką popularną i pieśniami maoryskimi w hołdzie dla swojego ludu . Niektóre z jej płyt zostały nagrodzone nagrodą Grammy. Ostatni album „Kiri Sings Karl” ukazał się w 2006 roku. W jej karierze wydarzyły się dwa znaczące wydarzenia, których powtarzalność jest prawie niemożliwa dla żadnej śpiewaczki operowej. W 1981 roku wystąpiła jako solistka na ślubie księcia Karola i księżnej Diany w katedrze św. Pawła w Londynie. Telewizyjna transmisja na żywo z wydarzenia przyciągnęła ponad 600 milionów widzów. Druga płyta - w 1990 roku dała otwarty koncert w Auckland, u niej występ solowy Przybyło 140 tysięcy widzów. Obecnie jej działalność poza sceną związana jest z utworzoną przez nią fundacją wspierającą i finansową młodych śpiewaków i muzyków. Kiri Te Kanawa została uhonorowana wieloma nagrodami i wyróżnieniami za swoje zasługi dla rozwoju sztuki, z których najwyższe to Dama Komandor Orderu Imperium Brytyjskiego (1982), Companion Orderu Australii (1990) oraz Order Nowej Zelandii (1995). Otrzymała także honorowe stopnie naukowe na uniwersytetach w Cambridge, Oksfordzie, Chicago, Nottingham i innych. Występy Kiri Te Kanawy na scenach operowych i koncertowych stały się w ostatnich latach rzadkością, lecz nie ogłosiła jeszcze, że odchodzi ze sceny, choć przypuszczano, że jej ostatni występ miał nastąpić w kwietniu 2010 roku, ona jednak nadal występuje.
Sumi Cho (Jo Sumi) to koreańska śpiewaczka operowa, sopran koloraturowy. Najsłynniejsza śpiewaczka operowa pochodzi z Azji Południowo-Wschodniej. Sumi Cho urodziła się 22 listopada 1962 roku w Seulu. Korea Południowa. Prawdziwe imię i nazwisko Sujeong Cho (Jo Sugyeong). Jej matka była śpiewaczką i pianistką amatorką, ale nie mogła zdobyć profesjonalnego wykształcenia muzycznego ze względu na sytuację polityczną w Korei w latach pięćdziesiątych. Była zdeterminowana zapewnić córce dobre wykształcenie muzyczne. Sumi Cho rozpoczęła naukę gry na fortepianie w wieku 4 lat trening wokalny od 6 roku życia już jako dziecko musiała czasami spędzać na zajęciach muzycznych nawet osiem godzin. W 1976 roku Sumi Cho wstąpiła do Seoul Sang Hwa School of the Arts (prywatnej akademii), którą ukończyła w 1980 roku z dyplomami w zakresie śpiewu i gry na fortepianie. W latach 1981-1983 kontynuowała edukację muzyczną na Uniwersytecie Narodowym w Seulu. Podczas studiów na uniwersytecie Sumi Cho zadebiutowała zawodowo, wystąpiła w kilku koncertach organizowanych przez koreańską telewizję oraz wystąpiła w roli Suzanne w „Weselu Figara” w Operze w Seulu. W 1983 roku Cho zdecydował się opuścić Uniwersytet w Seulu i przeniósł się do Włoch, aby studiować muzykę w najstarszej szkole muzycznej, Accademia Nazionale di Santa Cecilia w Rzymie, którą ukończył z wyróżnieniem. Jej włoskimi nauczycielami byli Carlo Bergonzi i Gianella Borelli. Podczas studiów w akademii Cho często można było usłyszeć na koncertach w różnych włoskich miastach, a także w radiu i telewizji. To właśnie w tym czasie Cho zdecydowała się użyć pseudonimu „Sumi” jako swojego pseudonimu scenicznego, aby być bardziej zrozumiałym dla europejskiej publiczności. W 1985 roku ukończyła uczelnię ze specjalizacją w klasie fortepianu i śpiewu. Po akademii, którą podjęła lekcje śpiewu z Elisabeth Schwarzkopf i wygrała kilka konkursów wokalnych w Seulu, Neapolu, Barcelonie, Pretorii i najważniejszy w 1986 roku, międzynarodowy konkurs w Weronie, w którym uczestniczyli jedynie zwycięzcy innych znaczących międzynarodowych konkursów, że tak powiem, najlepsi z mogli wziąć udział najlepsi młodzi śpiewacy. Europejski debiut operowy Sumi Cho miał miejsce w 1986 roku rolą Gildy w Rigoletcie w Teatro Giuseppe Verdi w Trieście. Spektakl ten zwrócił na siebie uwagę Herberta von Karajana, który zaprosił ją do roli strony Oscara w operze Un ballo in maschera z Placido Domingo w roli głównej, wystawionej na Festiwalu w Salzburgu w 1987 roku. Przez kolejne lata Sumi Cho systematycznie zmierzała w stronę operowego Olimpu, stale poszerzając geografię swoich przedstawień i zmieniając repertuar z małych ról na duże. W 1988 roku Sumi Cho zadebiutowała w La Scali i Bawarskiej Operze Państwowej, w 1989 w Vienna State Opera i Metropolitan Opera, a w 1990 w Chicago Lyric Opera i Covent Garden. Sumi Cho stała się jedną z najbardziej rozchwytywanych sopranistek naszych czasów i takim statusem pozostaje do dziś. Widzowie kochają ją za jasny, ciepły, elastyczny głos, a także optymizm i lekki humor na scenie i w życiu. Na scenie jest lekka i wolna, nadając każdemu ze swoich występów subtelne, orientalne wzory. Sumi Cho odwiedziła wszystkie kraje świata, w których kocha się operę, w tym kilka razy w Rosji, ostatnia wizyta miała miejsce w 2008 roku, kiedy w ramach tournée odwiedziła kilka krajów w duecie z Dmitrijem Hvorostovskym. Ma napięty harmonogram pracy, obejmujący produkcje operowe, programy koncertowe i współpracę z wytwórniami płytowymi. Dyskografia Sumi Cho obejmuje obecnie ponad 50 nagrań, w tym dziesięć albumów solowych i płyty typu crossover. Najbardziej znane są jej dwie płyty - w 1992 roku otrzymała nagrodę Grammy w kategorii „Najlepsze nagranie operowe” za operę R. Wagnera „Die Femme sans Shadow” z Hildegardą Behrens, Josée van Dam, Julią Varady, Placido Domingo, dyrygentem Georgiem Solti oraz płytę z operą „Un ballo in maschera” G. Verdiego, która otrzymała nagrodę Niemieckiego Gramophone.
Olga Władimirowna Borodina to rosyjska śpiewaczka operowa, mezzosopran. Artysta Ludowy Rosji, laureat Nagrody Państwowej Federacji Rosyjskiej. Zdobywca nagrody Grammy 2011. Solista Teatru Maryjskiego. Olga Władimirowna Borodina urodziła się 29 lipca 1963 roku w Petersburgu. Ojciec - Borodin Władimir Nikołajewicz (1938-1996). Matka - Borodina Galina Fedorovna. Studiowała w Konserwatorium Leningradzkim w klasie Iriny Bogaczowej. W 1986 roku została zwyciężczynią I Ogólnorosyjskiego Konkursu Wokalnego, a rok później wzięła udział w XII Ogólnounijnym Konkursie Młodych Wokalistów im. M. I. Glinki i otrzymała I nagrodę. Od 1987 roku – w trupie Teatru Maryjskiego, jego debiutancką rolą w teatrze była rola Siebela w operze „Faust” Charlesa Gounoda. Później na scenie Teatru Maryjskiego śpiewała role Marfy w Chowanszczinie Musorgskiego, Lubaszy w „Narzeczonej carskiej” Rimskiego-Korsakowa, Olgi w Eugeniuszu Onieginie, Poliny i Miłowzora w „Damie pikowej” Czajkowskiego, Konczakownej w „Księciu Igorze” Borodina, Heleny Kuraginy. w „Wojnie i pokoju” Prokofiewa, Marina Mnishek w „Borysie Godunowie” Musorgskiego. Od początku lat 90. cieszy się zainteresowaniem na scenach najlepszych teatrów świata - Metropolitan Opera, Covent Garden, San Francisco Opera, La Scala. Współpracowała z wieloma wybitnymi dyrygentami naszych czasów: oprócz Valery'ego Gergieva, Bernarda Haitinka, Colina Davisa, Claudio Abbado, Nikolausa Harnoncourta, Jamesa Levine'a. Olga Borodina jest laureatką wielu prestiżowych międzynarodowych konkursów. Wśród nich jest konkurs wokalny im. Roses Ponsel (Nowy Jork) oraz Międzynarodowy Konkurs Francisco Viñas (Barcelona), którego zwycięstwo przyniosło jej uznanie krytyki w Europie i Stanach Zjednoczonych. Początkiem międzynarodowej sławy Olgi Borodiny był także jej debiut na scenie Royal Opera House w Covent Garden („Samson and Delilah”, 1992), po czym piosenkarka zajęła należne jej miejsce wśród najwybitniejszych śpiewaków naszych czasów i zaczął pojawiać się na scenach wszystkich najważniejszych teatrów świata. Po debiucie w Covent Garden Olga Borodina wystąpiła na scenie tego teatru w sztukach „Kopciuszek”, „Potępienie Fausta”, „Borys Godunow” i „Khovanshchina”. Po raz pierwszy wystąpiła w Operze w San Francisco w 1995 roku (Kopciuszek), później występowała w rolach Lyubaszy (Narzeczona cara), Delili (Samson i Dalila) i Carmen (Carmen). W 1997 roku piosenkarka zadebiutowała w Metropolitan Opera (Marina Mnishek, Borys Godunow), na scenie której śpiewa swoje najlepsze role: Amneris w Aidzie, Polina w Damie pik, Carmen w operze Bizeta pod tym samym tytułem , Isabella w „Włoszce w Algierze” i Dalila w „Samsonie i Dalili”. W przedstawieniu tej ostatniej opery, otwierającym sezon 1998-1999 w Metropolitan Opera, Olga Borodina wystąpiła wspólnie z Placido Domingo (pod dyrekcją Jamesa Levine'a). Olga Borodina występuje także na scenach Washington Opera House i Lyric Opera of Chicago. W 1999 roku po raz pierwszy wystąpiła w La Scali (Adrienne Lecouvreur), a później, w 2002 roku, wystąpiła na tej scenie w roli Delili (Samson i Delilah). W Operze Paryskiej występuje w rolach Carmen (Carmen), Eboli (Don Carlos) i Mariny Mnischek (Borys Godunow). Do innych europejskich występów piosenkarki należą: Carmen z Londyńską Orkiestrą Symfoniczną pod batutą Colina Davisa w Londynie, Aida w Wiedeńskiej Operze Państwowej, Don Carlos w Paris Opera Bastille oraz na Festiwalu w Salzburgu (gdzie zadebiutowała w 1997 r. w Borysie Godunowie). oraz „Aida” w Royal Opera House w Covent Garden. Olga Borodina regularnie uczestniczy w programach koncertowych największych orkiestr świata, m.in. Metropolitan Opera Symphony Orchestra pod dyrekcją Jamesa Levine’a, Rotterdam Philharmonic Orchestra, Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego pod dyrekcją Walerego Gergieva i wielu innych zespołów. Jej repertuar koncertowy obejmuje partie mezzosopranowe w Requiem Verdiego, kantatę „Śmierć Kleopatry” i symfonię „Romeo i Julia” Berlioza, kantaty „Iwan Groźny” i „Aleksander Newski” Prokofiewa, Stabat Mater Rossiniego, „Pulcinella” Strawińskiego, a także cykl wokalny Ravela „Szeherezada” i „Pieśni i tańce śmierci” Musorgskiego. Olga Borodina wykonuje programy kameralne w najlepszych salach koncertowych Europy i USA – Wigmore Hall i Barbican Centre (Londyn), Vienna Konzerthaus, Madrid National Concert Hall, Amsterdam Concertgebouw, Accademia di Santa Cecilia w Rzymie, Davis Hall (San Francisco), na festiwalach w Edynburgu i Ludwigsburgu, a także na scenach La Scali, Genewskiego Teatru Bolszoj, Opery w Hamburgu, Théâtre des Champs-Élysées (Paryż) i Liceu Theatre (Barcelona). W 2001 roku dała recital w Carnegie Hall (Nowy Jork) z Jamesem Levine’em jako akompaniatorem. W sezonie 2006-2007. Olga Borodina brała udział w wykonaniu Requiem Verdiego (Londyn, Rawenna i Rzym; dyrygent – Riccardo Muti) oraz koncertowym wykonaniu opery „Samson i Dalila” w Brukseli i na scenie amsterdamskiego Concertgebouw, a także wykonała „Pieśni” Musorgskiego i tańce śmierci” z Narodową Orkiestrą Francji. W sezonie 2007-2008. Występowała w roli Amneris (Aida) w Metropolitan Opera oraz roli Dalili (Samson i Delilah) w Operze w San Francisco. Wśród osiągnięć sezonu 2008-2009. - występy w Metropolitan Opera („Adrienne Lecouvreur” z Placido Domingo i Marią Guleghiną), Covent Garden (Requiem Verdiego, dyrygent – Antonio Pappano), Wiedniu („Potępienie Fausta”, dyrygent – Bertrand de Billy), Teatro Real („Potępienie Fausta”, dyrygent – Bertrand de Billy), Teatro Real („Potępienie Fausta” Potępienie Fausta”), a także udział w festiwalu w Saint-Denis (Requiem Verdiego, dyrygent – Riccardo Muti) oraz koncerty solowe w lizbońskiej Fundacji Gulbenkiana i La Scali. Dyskografia Olgi Borodiny obejmuje ponad 20 nagrań, w tym opery „Narzeczona cara”, „Książę Igor”, „Borys Godunow”, „Khovanshchina”, „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pik”, „Wojna i pokój”, „Don Carlos”, „Forza del Destiny” i „Traviata”, a także „Całonocne czuwanie” Rachmaninowa, „Pulcinella” Strawińskiego oraz „Romeo i Julia” Berlioza, nagrane z Valerym Gergievem, Bernardem Haitinkiem i Sir Colinem Davisem (Philips Classics). Ponadto Philips Classics dokonał solowych nagrań śpiewaków, w tym „Tchaikovsky's Romances” (płyta, która otrzymała nagrodę „Najlepszego debiutanckiego nagrania 1994” od jury Classical Music Awards w Cannes), „Songs of Desire”, „Bolero ”, album z ariami operowymi nagrany wspólnie z orkiestrą Narodowej Opery Walii pod dyrekcją Carlo Rizzi oraz podwójny album „Portrait of Olga Borodina”, złożony z pieśni i arii. Inne nagrania Olgi Borodiny to: Samson i Delilah z José Curą i Colinem Davisem (Erato), Requiem Verdiego z Chórem i Orkiestrą Teatru Maryjskiego pod dyrekcją Walerego Gergieva, Aida z Orkiestrą Filharmonii Wiedeńskiej pod dyrekcją Nikolausa Harnoncourta oraz Death Cleopatra Berlioza z Orkiestra Filharmonii Wiedeńskiej i maestro Gergiev (Decca). Źródło: http://www.mariinsky.ru/
Pauline Viardot, pełne imię i nazwisko Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot (francuski: Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) to czołowa francuska śpiewaczka mezzosopranistka, XIX w., nauczycielka śpiewu i kompozytorka pochodzenia hiszpańskiego. Paulina Viardot urodziła się 18 lipca 1821 roku w Paryżu. Córka i uczennica hiszpańskiego piosenkarza i nauczyciela Manuela Garcii, siostra Marii Malibran. Jako dziecko uczyła się gry na fortepianie u Franciszka Liszta i zamierzała zostać pianistką, jednak niesamowite zdolności wokalne zdeterminowały jej zawód. Występowała w różnych teatrach Europy i dała wiele koncertów. Zasłynęła rolami Fidesa („Prorok” Meyerbeera), Orfeusza („Orfeusz i Eurydyka” Glucka) i Rozyny („Cyrulik sewilski” Rossiniego). Autorka romansów i oper komicznych do libretta Iwana Turgieniewa, jej bliskiego przyjaciela. Razem z mężem, który przełożył dzieła Turgieniewa na język francuski, popularyzowała osiągnięcia kultury rosyjskiej. Jej nazwisko jest zapisane różne formy. Panieńskim nazwiskiem Garcia zyskała sławę i rozgłos, po ślubie przez pewien czas używała podwójnego nazwiska Garcia-Viardot, by w pewnym momencie porzucić panieńskie nazwisko i nazywać siebie „panią Viardot”. W 1837 r. 16-letnia Polina Garcia dała swój pierwszy koncert w Brukseli, a w 1839 r. zadebiutowała w Londynie rolą Desdemony w Otello Rossiniego, stając się kulminacją sezonu. Mimo pewnych niedociągnięć głos dziewczyny łączył wyśmienitą technikę z niesamowitą pasją. W 1840 roku Paulina poślubiła Louisa Viardota, kompozytora i dyrektora Théatre Italien w Paryżu. Istnienie starszy od żony W wieku 21 lat mąż zaczął dbać o jej karierę. W 1844 roku w stolicy Cesarstwa Rosyjskiego, Sankt Petersburgu, wystąpiła na tej samej scenie z Antonio Tamburinim i Giovannim Batistą Rubinim. Viardot miał wielu fanów. W szczególności rosyjski pisarz Iwan Siergiejewicz Turgieniew zakochał się namiętnie w piosenkarce w 1843 roku, po wysłuchaniu jej występu w Cyruliku sewilskim. W 1845 roku opuścił Rosję, podążając za Poliną i ostatecznie stał się niemal członkiem rodziny Viardot. Pisarz traktował czworo dzieci Poliny jak własne i uwielbiał ją aż do śmierci. Ona z kolei była krytykiem jego twórczości, a jej pozycja w społeczeństwie i koneksjach przedstawiała pisarza w najlepszym świetle. Prawdziwy charakter ich związku jest nadal przedmiotem dyskusji. Ponadto Pauline Viardot komunikowała się z innymi wspaniałymi ludźmi, w tym z Charlesem Gounodem i Hectorem Berliozem. Znana ze swoich zdolności wokalnych i dramatycznych Viardot inspirowała takich kompozytorów, jak Fryderyk Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns i Giacomo Meyerbeer, autor opery Prorok, w której była pierwszą wykonawczynią jako Fides. Nigdy nie uważała się za kompozytorkę, ale w rzeczywistości skomponowała trzy kolekcja muzyki, a także pomagał w pisaniu muzyki do ról, które zostały stworzone specjalnie dla niej. Później, po zejściu ze sceny, napisała operę Le dernier sorcier. Viardot mówiła biegle po hiszpańsku, francusku, włosku, angielsku, niemiecku i rosyjsku, a w swojej pracy wykorzystywała różne techniki narodowe. Dzięki swemu talentowi występowała w najlepszych salach koncertowych Europy, m.in. w Operze Petersburga (w latach 1843-1846). Popularność Viardot była tak wielka, że George Sand zrobiła z niej prototyp główny bohater powieść „Consuelo”. Viardot zaśpiewała partię mezzosopranową w Tuba Mirum (Requiem Mozarta) na pogrzebie Chopina 30 października 1849 r. Śpiewała tytułową rolę w operze Glucka Orfeusz i Eurydyka. W 1863 roku Pauline Viardot-Garcia opuściła scenę, opuściła wraz z rodziną Francję (jej mąż był przeciwnikiem reżimu Napoleona III) i osiedliła się w Baden-Baden. Po upadku Napoleona III rodzina Viardotów wróciła do Francji, gdzie Paulina wykładała w Konserwatorium Paryskim aż do śmierci męża w 1883 roku, a także prowadziła salon muzyczny przy Boulevard Saint-Germain. Wśród uczniów i uczniów Pauline Viardot są słynni Desiree Artaud-Padilla, Sophie Rohr-Brainin, Bailodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant i inni. Wielu rosyjskich śpiewaków przeszło z nią doskonałą szkołę wokalną, m.in. F.V. Litwin, E. Ławrowska-Tserteleva, N. Iretskaja, N. Sztemberg. 18 maja 1910 roku Pauline Viardot zmarła w otoczeniu kochających krewnych. Została pochowana na cmentarzu Montmartre w Paryżu. Rosyjski poeta Aleksiej Nikołajewicz Pleszczejew zadedykował jej swój wiersz „Śpiewakowi” (Viardot Garcia): Nie! Nie zapomnę Was, urzekających dźwięków, tak jak nie zapomnę pierwszych słodkich łez miłości! Kiedy Cię słuchałem, udręka w mojej piersi uległa pokory, I znów byłem gotowy wierzyć i kochać! Nie zapomnę jej... Wtedy jako natchniona kapłanka, okryta wieńcem z szerokich liści, ukazała mi się... i zaśpiewała święty hymn, A jej spojrzenie płonęło boskim ogniem... Wtedy ujrzałem bladą obraz w niej Desdemony, Gdy pochylała się nad złotą harfą, O wierzbie zaśpiewała pieśń... i jęki przerwały smutny wylew tej starożytnej pieśni. Jak głęboko pojmowała i studiowała Tego, który znał ludzi i tajemnice ich serc; A gdyby Wielki powstał z grobu, włożyłby swą koronę na jej czoło. Czasem ukazała mi się Rosina, młoda i namiętna, jak noc w ojczystym kraju... I słuchając jej magicznego głosu, dążyłam do tej żyznej krainy, Gdzie wszystko ucho urzeka, wszystko cieszy oko, Gdzie sklepienie niebo jaśnieje wiecznym błękitem, Gdzie słowiki gwiżdżą na gałęziach jaworu i cyprysu, cień drży na powierzchni wód! A moja pierś, pełna świętej przyjemności, czystej rozkoszy, uniosła się wysoko, a niepokojące wątpliwości odleciały, a moja dusza poczuła spokój i lekkość. Jak przyjaciel po dniach bolesnej rozłąki, byłam gotowa objąć cały świat... Och! Nie zapomnę Was, urzekających dźwięków, tak jak nie zapomnę pierwszych słodkich łez miłości!<1846>
Galina Pavlovna Vishnevskaya (25 października 1926 - 11 grudnia 2012) - wielka rosyjska, radziecka śpiewaczka operowa (sopran liryczno-dramatyczny). Artysta Ludowy ZSRR. Dowódca francuskiej Legii Honorowej, doktor honoris causa wielu uniwersytetów. Galina Pawłowna Wiszniewska urodziła się 25 października 1926 roku w Leningradzie (obecnie Sankt Petersburg), ale prawie całe dzieciństwo spędziła w Kronsztadzie. Przeżyła oblężenie Leningradu, a w wieku szesnastu lat służyła w jednostkach obrony powietrznej. Jej działalność twórcza rozpoczęła się w 1944 roku jako solistka Leningradzkiego Teatru Operetki, a początek kariery w Teatrze Operetki duża scena przypada na lata pięćdziesiąte. W pierwszym małżeństwie była żoną marynarza wojskowego Georgija Wiszniewskiego, z którym rozwiodła się dwa miesiące później, zachowując jednak jego nazwisko; w drugim małżeństwie - z dyrektorem teatru operetki Markiem Iljiczem Rubinem. W 1955 roku, cztery dni po ich poznaniu, wyszła za mąż po raz trzeci za późniejszego słynnego wiolonczelistę M.L. Rostropowicza, w zespole, z którym (M.L. Rostropowicz – najpierw jako pianista, a później jako dyrygent) występowała w najbardziej prestiżowych salach koncertowych świata. W latach 1951–1952, po opuszczeniu teatru operetki, Wiszniewska pobierała lekcje śpiewu u V.N. Garina, łącząca klasyczne zajęcia wokalne z występami jako piosenkarka pop. W 1952 roku wzięła udział w konkursie dla grupy stażystów Teatru Bolszoj, została przyjęta pomimo braku konserwatorskiego wykształcenia i wkrótce (w przenośni B.A. Pokrowskiego) stała się „atutem w talii Teatru Bolszoj” czołowy solista największej opery w kraju. W ciągu swojej 22-letniej kariery artystycznej w Teatrze Bolszoj (od 1952 do 1974) Galina Wiszniewska stworzyła wiele (ponad trzydzieści!) niezapomnianych kobiece obrazy w arcydziełach opery rosyjskiej i zachodnioeuropejskiej. Po błyskotliwym debiucie rolą Tatiany w operze Eugeniusz Oniegin, w teatrze występowała w rolach Aidy i Violetty (Aida i Traviata Verdiego), Cio-Cio-san (Cio-Cio-san Pucciniego) , Natasza Rostowa („Wojna i pokój” Prokofiewa), Katarina („Poskromienie złośnicy” Szebalina, pierwsza performerka, 1957), Lisa („Dama pik” Czajkowskiego), Kupawa („Śnieżna dziewica” Rimskiego-Korsakowa), Marfa („Narzeczona cara” Rimskiego-Korsakowa) Korsakow) i wielu innych. Wiszniewska brała udział w pierwszych inscenizacjach na rosyjskiej scenie opery „Hazardzista” Prokofiewa (1974, jako Polina) i monoopery „Głos ludzki” Poulenca (1965). W 1966 roku zagrała główną rolę w filmie operowym „Katerina Izmailova” D.D. Szostakowicz (reżyser Michaił Szapiro). Była pierwszą wykonawczynią szeregu dedykowanych jej utworów D.D. Szostakowicz, B. Britten i inni wybitni kompozytorzy współcześni. Pod wrażeniem słuchania jej nagrania powstał wiersz Anny Achmatowej „Głos kobiety”. W czasach sowieckich Galina Wiszniewska wraz z mężem, wielkim wiolonczelistą i dyrygentem Mścisławem Rostropowiczem udzieliła nieocenionego wsparcia wybitnemu rosyjskiemu pisarzowi i działaczowi na rzecz praw człowieka Aleksandrowi Sołżenicynowi, co stało się jedną z przyczyn ciągłej uwagi i nacisków ze strony władz sowieckich. Służby wywiadowcze ZSRR. W 1974 r. Galina Wiszniewska i Mścisław Rostropowicz opuścili Związek Radziecki, a w 1978 r. zostali pozbawieni obywatelstwa, tytułów honorowych i nagród rządowych. Ale w 1990 roku dekret Prezydium Rady Najwyższej został odwołany, Galina Pawłowna wróciła do Rosji, zwrócono jej honorowy tytuł Artysty Ludowego Związku Radzieckiego i Order Lenina, a ona została honorowym profesorem na Uniwersytecie Konserwatorium Moskiewskie. Za granicą Rostropowicz i Wiszniewska mieszkali w USA, następnie we Francji i Wielkiej Brytanii. Galina Wiszniewska śpiewała na wszystkich największych scenach świata (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Opera Monachium i in.), występując z najwybitniejszymi mistrzami światowej kultury muzycznej i teatralnej. Śpiewała partię Mariny w wyjątkowym nagraniu opery „Borys Godunow” (dyrygent Herbert von Karajan, soliści Gyaurov, Talvela, Shpiss, Maslennikov), w 1989 roku zaśpiewała tę samą rolę w filmie o tym samym tytule (reżyser A. Żuławski, dyrygent M. Rostropowicz). Wśród nagrań dokonanych w okresie przymusowej emigracji znajduje się kompletne wydanie opery S. Prokofiewa „Wojna i pokój”, pięć płyt z romansami rosyjskich kompozytorów M. Glinki, A. Dargomyżskiego, M. Musorgskiego, A. Borodina i P. Czajkowski. Całe życie i twórczość Galiny Wiszniewskiej miały na celu kontynuację i gloryfikację największych rosyjskich tradycji operowych. Po rozpoczęciu pierestrojki, w 1990 r., Galina Wiszniewska i Mścisław Rostropowicz zostali przywróceni do obywatelstwa. Na początku lat 90. G. Wiszniewska wróciła do Rosji i została profesorem honorowym Konserwatorium Moskiewskiego. Swoje życie opisała w książce „Galina” (wydanej w języku angielskim w 1984 r., w języku rosyjskim - 1991). Galina Vishnevskaya jest doktorem honoris causa wielu uniwersytetów, przez wiele lat pracowała z twórczą młodzieżą, prowadząc kursy mistrzowskie na całym świecie i pełniąc funkcję jurora najważniejszych międzynarodowych konkursów. W 2002 roku w Moskwie otwarto Centrum Śpiewu Operowego Galiny Wiszniewskiej, o stworzeniu którego od dawna marzyła wielka śpiewaczka. W ośrodku swoje zgromadzone doświadczenie i unikalną wiedzę przekazała utalentowanym młodym śpiewakom, aby mogli godnie reprezentować rosyjską szkołę operową na arenie międzynarodowej. Misyjny wymiar działalności Galiny Wiszniewskiej podkreślają największe media federalne i regionalne, dyrektorzy teatrów i organizacji koncertowych oraz opinia publiczna. Galina Wiszniewska została uhonorowana najbardziej prestiżowymi światowymi nagrodami za swój nieoceniony wkład w światową sztukę muzyczną, licznymi nagrodami od rządów różnych krajów: medalem „Za obronę Leningradu” (1943), Orderem Lenina (1971), Diamentowym Medalem Miasta Paryża (1977), Order Zasługi Ojczyzny III stopnia (1996), II stopnia (2006). Galina Wiszniewska - Wielki Oficer Orderu Literatury i Sztuki (Francja, 1982), Kawaler Orderu Legii Honorowej (Francja, 1983), Honorowy Obywatel miasta Kronsztad (1996).
Joyce DiDonato to znana amerykańska śpiewaczka operowa, mezzosopran. Uważany za jednego z czołowych mezzosopranistów naszych czasów i najlepszego interpretatora twórczości Gioachino Rossiniego. Joyce DiDonato (z domu Joyce Flaherty) urodziła się 13 lutego 1969 roku w Prier Village w stanie Kansas w USA w rodzinie o irlandzkich korzeniach jako szóste z siedmiorga dzieci. Jej ojciec był dyrektorem miejscowego chóru kościelnego, Joyce w nim śpiewała i marzyła o zostaniu gwiazdą Broadwayu. W 1988 roku rozpoczęła studia na Uniwersytecie Stanowym Wichita, gdzie studiowała śpiew. Po ukończeniu studiów Joyce DiDonato zdecydowała się kontynuować edukację muzyczną i w 1992 roku wstąpiła do Akademii sztuka wokalna w Filadelfii. Po ukończeniu akademii przez kilka lat brała udział w szkoleniach „Młody Artysta” w różnych zespołach operowych: w 1995 - w Santa Fe Opera, gdzie odbyła praktykę muzyczną i zadebiutowała na dużej scenie operowej, ale dotychczas w mollu role w operach „Wesele Figara” W.A. Mozarta, „Salome” R. Straussa, „Hrabina Marica” I. Kalmana; od 1996 do 1998 - w Houston Grand Opera i został uznany za najlepszego „początkującego artystę”; latem 1997 r. – w San Francisco Opera w ramach programu szkoleniowego Merola Opera. Podczas studiów i początkowej praktyki Joyce DiDonato brała udział w kilku znanych konkursach wokalnych. W 1996 roku zajęła drugie miejsce w Konkursie Eleanor McCollum w Houston i zwyciężyła w przesłuchaniach okręgowych Metropolitan Opera Competition. W 1997 roku zdobyła nagrodę Williama Sullivana. W 1998 zajęła drugie miejsce w konkursie Placido Domingo Operalia w Hamburgu i pierwsze miejsce w konkursie George London. W kolejnych latach otrzymała wiele kolejnych różnych nagród i wyróżnień. Joyce DiDonato rozpoczęła karierę zawodową w 1998 roku występując z kilkoma regionalnymi zespołami operowymi w Stanach Zjednoczonych, w szczególności z Houston Grand Opera. Szerokiej publiczności dała się poznać dzięki występowi w telewizyjnej światowej premierze opery Marka Adamo „Mała kobietka”. W sezonie 2000-2001. DiDonato zadebiutowała w Europie, zaczynając prosto z La Scali w roli Angeliny w Kopciuszku Rossiniego. W następnym sezonie poszerzyła swoje znajomości z europejską publicznością, występując w Operze Holenderskiej jako Siostra w Juliuszu Cezarze Haendla, w Operze Paryskiej jako Rosina w Cyruliku sewilskim Rossiniego oraz w Bawarskiej Operze Państwowej jako Cherubin w Weselu Figara Mazarta. oraz w programach koncertowych „Glory” Vivaldiego z Riccardo Mutim i Orkiestrą La Scala oraz „Sen nocy letniej” F. Mendelssohna w Paryżu. W tym samym sezonie zadebiutowała w Stanach Zjednoczonych w Washington State Opera rolą Dorabelli w „To właśnie robią wszystkie kobiety” W.A. Mozarta. W tym czasie Joyce DiDonato stała się już prawdziwą gwiazdą opery o światowej sławie, uwielbianą przez publiczność i chwaloną przez prasę. Dalsza kariera jedynie poszerzyła jej geografię koncertowania i otworzyła drzwi do nowych oper i festiwali - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Opera Bastille (2002), Teatro Real w Madrycie, Nowy Teatr Narodowy w Tokio, Wiedeń State Opera i inne Joyce DiDonato zgromadziła bogatą kolekcję różnych nagród i wyróżnień muzycznych. Jak zauważają krytycy, jest to prawdopodobnie jedna z najbardziej udanych i płynnych karier we współczesnym świecie opery. I nawet wypadek, który miał miejsce na scenie Covent Garden 7 lipca 2009 roku podczas spektaklu Cyrulik sewilski, kiedy Joyce DiDonato poślizgnęła się na scenie i złamała nogę, nie przerwał tego występu, który ukończyła o kulach, czyli kolejne zaplanowane spektakle, które wykonywała już na wózku inwalidzkim, ku wielkiemu uciesze publiczności. To „legendarne” wydarzenie zostało uwiecznione na płycie DVD. Joyce DiDonato rozpoczęła miniony sezon 2010-2011 Festiwalem w Salzburgu debiutując rolą Adalgiz w „Normach” Belinniego z Editą Gruberovą w roli Normy, a następnie program koncertu na festiwalu w Edynburgu. Jesienią w Berlinie wystąpiła w roli Rozyny w Cyruliku sewilskim, a w Madrycie jako Oktawian w Der Rosenkavalier. Rok zakończył się kolejnymi nagrodami, pierwszą z nich Akademia Niemiecka płytę „Echo Classic (ECHO Klassik)”, która przyznała Joyce DiDonato tytuł „Najlepszej Piosenkarki 2010”. Kolejne dwie nagrody pochodziły od angielskiego magazynu o muzyce klasycznej „Gramophone”, który przyznał jej tytuł „Najlepszej Artystki Roku”, a jej płytę z ariami Rossiniego uznał za najlepszy „Recital roku”. Kontynuując sezon w Stanach Zjednoczonych wystąpiła w Houston, a następnie z solowym koncertem w Carnegie Hall. Metropolitan Opera gościła ją w dwóch rolach – pazia Isolier w „Hrabiu Ory” Rossiniego i kompozytorki w „Ariadnie na Naxos” R. Straussa. Sezon w Europie zakończyła tournée po Baden-Baden, Paryżu, Londynie i Walencji. Strona internetowa piosenkarki prezentuje napięty harmonogram jej przyszłych występów – na tej liście tylko za pierwszą połowę 2012 roku znalazło się około czterdziestu występów w Europie i Ameryce. Joyce DiDonato jest obecnie żoną włoskiego dyrygenta Leonardo Vordoni, z którym mieszka w Kansas City w stanie Missouri w USA. Joyce nadal używa nazwiska swojego pierwszego męża, którego poślubiła zaraz po studiach.
Maria Nikołajewna Kuzniecowa to rosyjska śpiewaczka operowa (sopran) i tancerka, jedna z najsłynniejszych śpiewaczek przedrewolucyjnej Rosji. Czołowy solista Teatru Maryjskiego, uczestnik Sezonów Rosyjskich Siergieja Diagilewa. Współpracowała z N.A. Rimskim-Korsakowem, Richardem Straussem, Julesem Massenem, śpiewała z Fiodorem Chaliapinem i Leonidem Sobinowem. Opuściła Rosję po 1917 roku i nadal z sukcesem koncertowała za granicą. Maria Nikołajewna Kuzniecowa urodziła się w 1880 roku w Odessie. Maria dorastała w twórczej i intelektualnej atmosferze, jej ojciec Nikołaj Kuzniecow był artystą, a jej matka pochodziła z rodziny Miecznikowów, wujkami Marii byli biolog Ilja Miecznikow i socjolog Lew Mechnikow, laureat Nagrody Nobla. W domu Kuzniecowów odwiedził Piotr Iljicz Czajkowski, który zwrócił uwagę na talent przyszłej piosenkarki i skomponował dla niej piosenki dla dzieci.Maria od dzieciństwa marzyła o zostaniu aktorką. Rodzice wysłali ją do gimnazjum w Szwajcarii, po powrocie do Rosji uczyła się baletu w Petersburgu, ale porzuciła taniec i rozpoczęła naukę śpiewu u włoskiego nauczyciela Marty'ego, a później u barytonu i jej partnera scenicznego I.V. Tartakova. Wszyscy zauważyli jej czysty, piękny sopran liryczny, zauważalny talent aktorski i kobiecą urodę. Igor Fedorowicz Strawiński określił ją jako „...dramatyczną sopranistkę, którą można oglądać i słuchać z równym apetytem”. W 1904 roku Maria Kuzniecowa zadebiutowała na scenie Konserwatorium w Petersburgu rolą Tatiany w „Eugeniuszu Onieginie” P.I. Czajkowskiego, na scenie Teatru Maryjskiego – w 1905 r. rolą Margarity w „Fauście” Charlesa Gounoda „. Z krótką przerwą Kuzniecowa pozostała solistką Teatru Maryjskiego aż do rewolucji 1917 roku. W 1905 roku w Petersburgu ukazały się dwie płyty gramofonowe z nagraniami jej występów, w sumie w trakcie swojej twórczości dokonała 36 nagrań. Pewnego dnia w 1905 roku, wkrótce po debiucie Kuzniecowej w Maryjskim, podczas jej występu w teatrze wybuchła kłótnia między studentami a oficerami, sytuacja w kraju była rewolucyjna, a w teatrze zaczęła się panika. Maria Kuznetsova przerwała arię Elsy z „Lohengrina” R. Wagnera i spokojnie zaśpiewała hymn rosyjski „God Save the Car”, a awantury zmuszono do zaprzestania kłótni, a publiczność uspokoiła się i przedstawienie trwało dalej. Pierwszym mężem Marii Kuzniecowej był Albert Albertowicz Benois, pochodzący ze słynnej dynastii Benois, złożonej z rosyjskich architektów, artystów i historyków. U szczytu swojej kariery Maria była znana pod podwójnym nazwiskiem Kuznetsova-Benoit. W drugim małżeństwie Maria Kuzniecowa wyszła za mąż za producenta Bogdanowa, w trzecim za bankiera i przemysłowca Alfreda Masseneta, siostrzeńca słynnego kompozytora Julesa Masseneta. W trakcie swojej kariery Kuznetsova-Benois brała udział w wielu europejskich premierach operowych, m.in. w rolach Fevronii w „Opowieści o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewczynie Fevronii” N. Rimskiego-Korsakowa i Kleopatry z opery o tym samym tytule J. Masseneta, który kompozytor napisał specjalnie dla niej. Również na scenie rosyjskiej po raz pierwszy zaprezentowała role Vogdoliny w „Złocie Renu” R. Wagnera, Cio-Cio-san w „Madamie Butterfly” G. Pucciniego i wielu innych. Koncertowała z Teatrem Maryjskim Opera Company w miastach Rosji, Francji, Wielkiej Brytanii, Niemczech, Włoszech, USA i innych krajach. Wśród jej najlepszych ról: Antonida („Życie cara” M. Glinki), Ludmiła („Rusłan i Ludmiła” M. Glinki), Olga („Rusałka” A. Dargomyżskiego), Masza („Dubrowski” E. Napravnik), Oksana („Czerewiczki” P. Czajkowskiego), Tatiana („Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego), Kupawa („Śnieżna Dziewica” N. Rimskiego-Korsakowa), Julia („Romeo i Julia” P. C. Gounoda), Carmen („Carmen” J. Bizeta), Manon Lescaut („Manon” J. Masseneta), Violetta („Traviata” G. Verdiego), Elsa („Lohengrin” R. Wagnera ) itp. W 1914 roku Kuzniecowa tymczasowo opuściła Teatr Maryjski i wraz z „rosyjskim baletem” Siergieja Diagilewa występowała jako baletnica w Paryżu i Londynie, a także częściowo sponsorowała ich występ. Tańczyła w balecie „Legenda Józefa” Richarda Straussa, balet przygotowały gwiazdy swoich czasów - kompozytor i dyrygent Richard Strauss, reżyser Siergiej Diagilew, choreograf Michaił Fokin, kostiumy i dekoracje Lew Bakst, czołowy tancerz Leonid Massine . Była to ważna rola i dobre towarzystwo, jednak od samego początku przedstawienie napotykało pewne trudności: czasu na próby było mało, Strauss był w złym humorze, gdyż zaproszone baletnice Ida Rubinstein i Lidia Sokolova odmówiły udziału, a Strauss także nie lubił pracować z francuskimi muzykami i ciągle kłócił się z orkiestrą, a Diagilew nadal martwił się odejściem tancerza Wasława Niżyńskiego z trupy. Pomimo problemów za kulisami balet z sukcesem zadebiutował w Londynie i Paryżu. Oprócz próbowania swoich sił w balecie Kuznetsova wystąpiła w kilku przedstawieniach operowych, m.in. w przedstawieniu Księcia Igora Borodina w Londynie. Po rewolucji 1918 roku Maria Kuzniecowa opuściła Rosję, jak przystało na aktorkę, zrobiła to dramatycznie pięknie – w ubraniu chłopca pokładowego ukryła się na dolnym pokładzie statku płynącego do Szwecji. Została śpiewaczką operową w Operze w Sztokholmie, następnie w Kopenhadze, a następnie w Royal Opera House w Covent Garden w Londynie. Przez cały ten czas stale przyjeżdżała do Paryża, by w 1921 roku ostatecznie osiedlić się w Paryżu, który stał się jej drugim twórczym domem. W latach dwudziestych Kuzniecowa organizowała prywatne koncerty, podczas których śpiewała pieśni rosyjskie, francuskie, hiszpańskie i cygańskie, romanse i opery. Na tych koncertach często tańczyła hiszpańskie tańce ludowe i flamenco. Niektóre z jej koncertów miały charakter charytatywny, aby pomóc potrzebującej rosyjskiej emigracji. Została gwiazdą paryskiej opery, a przyjęcie w jej salonie było wielkim zaszczytem. „Kolor społeczeństwa”, ministrowie i przemysłowcy tłoczyli się w jej korytarzu. Oprócz prywatnych koncertów często pracowała jako solistka w wielu teatrach operowych w Europie, m.in. w Covent Garden oraz Operze Paryskiej i Opéra Comique. W 1927 roku Maria Kuzniecowa wraz z księciem Aleksiejem Cereteli i barytonem Michaiłem Karakaszem zorganizowali w Paryżu prywatny zespół „Opera Rosyjska”, do którego zaprosili wielu rosyjskich śpiewaków operowych, którzy opuścili Rosję. „Opera Rosyjska” wystawiła „Sadko”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Opowieść o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewczynie Fevronii”, „Jarmark Soroczyńska” oraz inne opery i balety rosyjskich kompozytorów, które wystawiano w Londynie i Paryżu , Barcelonie, Madrycie, Mediolanie i w odległym Buenos Aires. „Opera Rosyjska” istniała do 1933 roku, po czym Maria Kuzniecowa zaczęła dawać mniej przedstawień. Maria Kuzniecowa zmarła 25 kwietnia 1966 w Paryżu we Francji.
Elena Wasiliewna Obrazcowa to radziecka i rosyjska śpiewaczka operowa, mezzosopran. Artysta Ludowy ZSRR, laureat Nagrody Lenina, Bohater Pracy Socjalistycznej. Jeden ze znanych śpiewaków naszych czasów. Elena Wasiliewna Obrazcowa urodziła się 7 lipca 1939 roku w Leningradzie. Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wraz z rodziną została ewakuowana z Leningradu do Ustyuzny. Muzyka była integralną częścią dzieciństwa Eleny, jej ojciec, z zawodu inżynier, miał piękny baryton, a także dobrze grał na skrzypcach – zawsze będzie wspominać muzyczne wieczory w domu. W latach 1948-1954 śpiewała w chórze dziecięcym Pałacu Pionierów w Leningradzie. AA Żdanow (dyrektor chóru - M.F. Zarinskaya). W latach 1954-1957, w związku z oficjalnym przeniesieniem ojca, rodzina zamieszkała w Taganrogu, gdzie Elena studiowała w Szkole Muzycznej P.I. Czajkowski z nauczycielką Anną Timofeevną Kulikovą. Na koncercie reportażowym w szkole muzycznej Obraztsovę usłyszał dyrektor Szkoły Muzycznej w Rostowie, M.A. Mańkowskiej i na jej polecenie w 1957 r. Elena została przyjęta do szkoły od razu na drugi rok. Rok później, w sierpniu 1958 roku, po pomyślnym przejściu przesłuchań, wstąpiła do wydziału przygotowawczego LGK. NA. Rimski-Korsakow. W 1962 roku zdobyła pierwszą nagrodę na Ogólnounijnym Konkursie Wokalnym. MI. Glinki i złoty medal dla Światowy Festiwal młodzieży i studentów w Helsinkach. 17 grudnia 1963 roku, jeszcze jako studentka konserwatorium, E. Obrazcowa zadebiutowała na scenie Teatru Bolszoj rolą Mariny Mnishek w operze MP Musorgskiego „Borys Godunow”. W 1964 roku ukończyła Państwowe Konserwatorium w Leningradzie jako studentka eksternistyczna. NA. Rimski-Korsakow, klasa profesora A.A. Grigorieva (klasa operowa A.N. Kireeva). Przewodnicząca komisji dyplomowej Zofia Pietrowna Preobrażeńska przyznała Elenie Obrazcowej ocenę 5 z plusem – ocenę, której w Konserwatorium Leningradzkim nie wystawiano od około 40 lat. W tym samym roku została stałą solistką Teatru Bolszoj. Natura hojnie obdarzyła Elenę Obrazcową. Ma głos o rzadkiej urodzie barwy, aksamitnego, organowego bogactwa brzmienia, jasny wygląd sceniczny, nadający jej operowym bohaterkom rzadką artystyczną ulgę i wyrazistość, talent prawdziwej aktorki dramatycznej. W 1964 roku Elena Obrazcowa w ramach trupy Teatru Bolszoj wystąpiła na scenie La Scali jako Marfa w operze Chowanszczina oraz jako Maria w operze Wojna i pokój. Występy Obrazcowej we Włoszech odniosły ogromny sukces, a w 1977 roku została zaproszona na otwarcie sezonu 200-lecia w La Scali rolą księżniczki Eboli w operze Don Carlos G. Verdiego. W 1975 roku Elena Obraztsova odbyła tournée z Teatrem Bolszoj do USA. Podczas przedstawienia „Borys Godunow” Obrazcowa, która wcieliła się w Marinę Mnishek, została pięciokrotnie wezwana na scenę przez rozentuzjazmowaną publiczność i przedstawienie musiało zostać przerwane. Triumf Eleny Obrazcowej w USA ostatecznie ugruntował jej pozycję światowej gwiazdy opery. Kilka miesięcy później Elena Obraztsova wystąpiła w Il Trovatore, przedstawieniu otwierającym sezon Opery w San Francisco, jej partnerami byli Luciano Pavarotti i Joan Sutherland. W 1976 roku Obrazcowa, będąca już gościnną solistką Metropolitan Opera, wywołała sensację rolą Amneris w Aidzie Verdiego. W 1977 Obraztsova wystąpiła jako Delilah w Metropolitan. Thor Eckert, krytyk „New York Timesa”, napisał następnie: „Wątpię, czy ty i ja słyszeliśmy Delilah, która z taką łatwością potrafiła opanować dwie i pół oktawy – Obraztsova wykonuje tę najtrudniejszą część bez cienia napięcia”. Franco Zeffirelli został zaproszony do roli Santuzziego w filmie „Honor wsi” (1982). „W moim życiu” – napisał Zeffirelli – „były trzy wstrząsy: Anna Magnani, Maria Callas i Elena Obraztsova, które stworzyły cud podczas kręcenia filmu „Honor wsi”. W sumie repertuar Eleny Obrazcowej obejmuje 86 ról w operach rosyjskich i zagranicznych. repertuar klasyczny, a także w operach kompozytorów XX wieku, wiele jej ról stało się żywą klasyką współczesnej sceny operowej: Marina Mnishek (Borys Godunow, 1963), Guwernantka, Polina, Milovzor (1964), Hrabina (1965, The Dama pik), Lubasza („Narzeczona cara”, 1967), Konczakowna („Książę Igor”, 1968), Marfa („Khovanshchina”, 1968). Lyubava („Sadko”, 1979), Amneris („Aida”, 1965), Azucena („Trubadur”, 1972), Eboli („Don Carlos”, 1973), Santuzza („Honor wsi”, 1977), Ulrika („ Bal maskowy”, 1977), Księżniczka de Bouillon („Adrienne Lecouvreur”, 1977), Adalgiza („Norma”, 1979), Giovanna Seymour („Anna Boleyn”, 1982), Orfeusz („Orfeusz i Eurydyka”, 1984), Neris („Medea”, 1989), Leonora („Ulubiona”, 1992), Księżna („Siostra Angelika”, 1992), Carmen („Carmen”, 1972), Charlotte („Werther”, 1974), Delilah („ Samson i Dalila”, 1974), Herodiada („Herodiada”, 1990), Oberon („Sen nocy letniej” B. Brittena, 1965), Żenia Komelkowa („Tu jest cicho” K. Mołczanowa, 1975) , Judith („Zamek księcia Sinobrodego” B. Bartoka, 1978), Jocasta („Król Edyp” I. Strawińskiego, 1980), Eudosia („Płomień” O. Respighi, 1990); S. Prokofiewa: Frosya („Siemion Kotko”, 1970), Księżniczka Marya (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, „Wojna i pokój”), Babulenka („Gracz”, 1996), hrabia Orłowski ( „Nietoperz”, 2003) i inne. Oprócz ról operowych Elena Obraztsova aktywnie uczestniczy w działalności koncertowej w Rosji i na całym świecie. W repertuarze jej solowych koncertów znajduje się muzyka ponad 100 kompozytorów rosyjskich i zagranicznych: M.I. Glinki, A.S. Dargomyżskiego, N.A. Rimskiego-Korsakowa, M.P. Musorgski, P.I. Czajkowski, S.V. Rachmaninow, S.S. Prokofiew, G.F. Handel, W.A. Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weill, G. Mahler, G. Donizetti, G. Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens i inni, a także pieśni rosyjskie i starożytne romanse. Brała udział w wykonaniach oratoriów, kantat, mszy i dzieł rosyjskiej muzyki sakralnej. Kompozycje jazzowe dodały nowych, jasnych akcentów do jej talentu. W 1986 roku zadebiutowała jako reżyserka wystawiając w Teatrze Bolszoj operę Werter J. Masseneta. Piosenkarka wystąpiła w telewizji filmy muzyczne„Wesoła wdówka”, „Moja Carmen”, „Honor wiejski” i „Tosca” itp. W latach 1973–1994 Elena Obraztsova wykładała w Moskiewskim Konserwatorium Państwowym im. P.I. Czajkowskiego. Od 1984 - profesor. Od 1992 wykłada w Tokijskiej Akademii Muzycznej „Musashino”; prowadzi kursy mistrzowskie w Europie i Japonii, w Akademii Młodych Śpiewaków Operowych przy Teatrze Maryjskim w Petersburgu. Była i jest członkiem jury wielu międzynarodowych konkursów, w tym Międzynarodowego Konkursu im. P.I. Czajkowskiego w Moskwie, Międzynarodowy Konkurs Wokalny w Marsylii, Międzynarodowy Konkurs im. N.A. Rimskiego-Korsakowa w St. Petersburgu, Międzynarodowy Konkurs im. Ferruccio Tagliaviniego w Deutschlandsberg, Międzynarodowy Konkurs Wokalistyki Operowej Montserrat Caballe. We wrześniu 1999 roku w Petersburgu odbył się I Międzynarodowy Konkurs dla Młodych Śpiewaków Operowych im. Eleny Obrazcowej, a w 2011 roku odbyła się VIII edycja. Elena wzorowo nagrała ponad 50 płyt, w tym opery, oratoria, kantaty, płyty solowe z dziełami muzyki kameralnej i operowej. W ostatnich latach ukazały się „nagrania na żywo”, które mają szczególną wartość. Od czerwca 2007 do października 2008 pełniła funkcję dyrektora artystycznego Teatru Michajłowskiego (dawniej Teatru Opery i Baletu Musorgskiego w Petersburgu). Teraz biega w Petersburgu Centrum Kultury, nazwanego jej imieniem, gdzie pracuje z młodymi wykonawcami. 24 października 1981 r. odkryto mniejszą planetę nr 4623, która otrzymała nazwę „Obraztsova”.
Salomea Amvrosievna Krushelnitskaya to znana ukraińska śpiewaczka operowa (sopran), nauczycielka. Salome Kruszelnicka za swojego życia została uznana za wybitną piosenkarkę na świecie. Miała głos o nieprzeciętnej sile i pięknie, o szerokiej skali (około trzech oktaw z wolnym rejestrem środkowym), pamięć muzyczną (partie operowe potrafiła nauczyć się w ciągu dwóch, trzech dni) i bystry talent dramatyczny. W repertuarze piosenkarki znalazło się ponad 60 różnych ról. Wśród jej wielu nagród i wyróżnień znajduje się w szczególności tytuł „Wagnerowskiej primadonny XX wieku”. Włoski kompozytor Giacomo Puccini podarował piosenkarzowi swój portret z napisem „piękny i uroczy motyl”. Salome Krushelnitskaya urodziła się 23 września 1872 roku we wsi Belyavintsi, obecnie powiat buczacki obwodu tarnopolskiego, w rodzinie księdza. Pochodzi ze szlacheckiej i starożytnej rodziny ukraińskiej. Od 1873 r. rodzina kilkakrotnie przeprowadzała się, w 1878 r. przeniosła się do wsi Belaya koło Tarnopola, skąd nigdy nie wyjechała. Zaczął śpiewać z młodzież. Jako dziecko Salome dużo wiedziała pieśni ludowe, czego nauczyła się bezpośrednio od chłopów. Podstawy wychowania muzycznego zdobyła w gimnazjum w Tarnopolu, gdzie jako eksternista zdawała egzaminy. Tutaj związała się z muzycznym środowiskiem licealistów, którego członkiem był także Denis Sichinsky, późniejszy słynny kompozytor i pierwszy profesjonalny muzyk na zachodniej Ukrainie. W 1883 roku na koncercie Szewczenki w Tarnopolu odbyło się pierwsze publiczne wykonanie Salome, śpiewała w chórze Rosyjskiego Towarzystwa Rozmów. W Tarnopolu Salome Kruszelnicka po raz pierwszy zetknęła się z teatrem. Od czasu do czasu występował tu lwowski teatr Rosyjskiego Towarzystwa Konwersacyjnego. W 1891 roku Salome wstąpiła do Konserwatorium Lwowskiego. W konserwatorium jej nauczycielem był słynny wówczas profesor lwowski Walerij Wysocki, który wykształcił całą plejadę znanych ukraińskich i polskich śpiewaków. Podczas studiów w konserwatorium odbył się jej pierwszy solowy występ, 13 kwietnia 1892 śpiewaczka wykonała główną rolę w oratorium G. F. Handla „Mesjasz”. Pierwszy debiut operowy Salome Kruszelnickiej odbył się 15 kwietnia 1893 roku, wystąpiła w przedstawieniu w roli Leonory Włoski kompozytor G. Donizettiego „Ulubiony” na scenie Lwowskiego Teatru Miejskiego. W 1893 Kruszelnicka ukończyła Konserwatorium Lwowskie. W dyplomie ukończenia studiów Salome napisano: „Dyplom ten otrzymuje Panna Salome Kruszelnicka jako dowód artystycznego wykształcenia zdobytego dzięki wzorowej pracowitości i niezwykłym sukcesom, zwłaszcza na publicznym konkursie 24 czerwca 1893 r., za co otrzymała srebrny medal .” Jeszcze podczas studiów w konserwatorium Salome Kruszelnicka otrzymała propozycję od Opery Lwowskiej, zdecydowała się jednak kontynuować naukę. Na jej decyzję wpłynęła słynna włoska piosenkarka Gemma Bellincioni, która w tym czasie koncertowała we Lwowie. Jesienią 1893 roku Salome wyjechała na studia do Włoch, gdzie jej nauczycielką została profesor Fausta Crespi. W czasie studiów dobrą szkołą dla Salome były występy na koncertach, podczas których śpiewała arie operowe. W drugiej połowie lat 90. XIX w. rozpoczęły się jej triumfalne występy na scenach teatrów całego świata: Włoch, Hiszpanii, Francji, Portugalii, Rosji, Polski, Austrii, Egiptu, Argentyny, Chile w operach „Aida”, „Il Trovatore” ” D. Verdiego, „Faust” „C. Gounod”, „Straszny dwór” S. Moniuszki, „Afrykanka” D. Meyerbeera, „Manon Lescaut” i „Cio-Cio-San” G. Pucciniego , „Carmen” J. Bizeta, „Elektra” R. Straussa, „Eugeniusz Oniegin” i „Dama pik” P.I. Czajkowskiego i in. 17 lutego 1904 w Teatr w Mediolanie La Scala Giacomo Puccini zaprezentował swoją nową operę Madama Butterfly. Nigdy wcześniej kompozytor nie był tak pewny sukcesu... a publiczność z oburzeniem wygwizdywała operę. Słynny maestro poczuł się zdruzgotany. Przyjaciele namówili Pucciniego, aby przerobił swoje dzieło i zaprosił Salome Kruszelnicką do zagrania głównej roli. 29 maja na scenie Teatru Grande w Brescii odbyła się premiera zaktualizowanej wersji „Madama Butterfly”, tym razem triumfalna. Publiczność siedmiokrotnie wzywała aktorów i kompozytora na scenę. Po przedstawieniu wzruszony i wdzięczny Puccini przesłał Kruszelnickiej swój portret z napisem: „Najpiękniejszemu i najcudowniejszemu motylowi”. W 1910 roku S. Kruszelnicka wyszła za mąż za burmistrza Viareggio (Włochy) i prawnika Cesare Riccioniego, subtelnego konesera muzyki i erudycyjnego arystokraty. Pobrali się w jednej ze świątyń w Buenos Aires. Po ślubie Cesare i Salome osiedlili się w Viareggio, gdzie Salome kupiła willę, którą nazwała „Salome” i kontynuowała tournée. W 1920 roku Kruszelnicka opuściła scenę operową u szczytu sławy, występując po raz ostatni w Teatrze Neapolitańskim w swoich ulubionych operach Lorelei i Lohengrin. Resztę życia poświęciła działalności koncertów kameralnych, wykonując utwory w 8 językach. Koncertowała w Europie i Ameryce. Przez te wszystkie lata, aż do 1923 roku, stale przyjeżdżała do ojczyzny i występowała we Lwowie, Tarnopolu i innych miastach Galicji. Łączyła ją silna więź przyjaźni z wieloma osobistościami zachodniej Ukrainy. Wyjątkowe miejsce w działalność twórczaśpiewacy wystąpili na koncertach poświęconych pamięci T. Szewczenki i I.Y. Franka. W 1929 r. w Rzymie odbył się ostatni koncert objazdowy S. Kruszelnickiej. W 1938 r. zmarł mąż Kruszelnicy, Cesare Riccioni. W sierpniu 1939 roku śpiewaczka odwiedziła Galicję i ze względu na wybuch II wojny światowej nie mogła wrócić do Włoch. W czasie okupacji Lwowa przez Niemców S. Kruszelnicka była bardzo biedna, dlatego udzielała prywatnych lekcji śpiewu. W okresie powojennym S. Kruszelnicka rozpoczęła pracę we Lwowskim Państwowym Konserwatorium im. N.V. Łysenki. Jednak jej kariera nauczycielska ledwo się zaczęła i prawie się skończyła. W czasie „czystki kadrowej z elementów nacjonalistycznych” zarzucano jej brak dyplomu konserwatorskiego. Później dyplom znalazł się w funduszach miejskiego muzeum historycznego. Mieszkając i nauczając w Związku Radzieckim, Salomeya Amvrosievna, pomimo licznych apeli, przez długi czas nie mogła uzyskać obywatelstwa sowieckiego, pozostając obywatelką Włoch. Wreszcie, po napisaniu wniosku o przeniesienie swojej włoskiej willi i całego majątku na rzecz państwa radzieckiego, Kruszelnicka została obywatelką ZSRR. Willę natychmiast sprzedano, rekompensując właścicielowi niewielką część jej kosztów. W 1951 roku Salome Krushelnitskaya otrzymała tytuł Zasłużonego Artysty Ukraińskiej SRR, a w październiku 1952 roku, na miesiąc przed śmiercią, Kruszelnicka otrzymała tytuł profesora. 16 listopada 1952 roku serce wielkiego piosenkarza przestało bić. Została pochowana we Lwowie na cmentarzu Łyczakowskim, obok grobu swojego przyjaciela i mentora, Iwana Franki. W 1993 roku we Lwowie ulica, na której mieszkała w ostatnich latach życia, otrzymała imię S. Kruszelnickiej. W mieszkaniu piosenkarki otwarto muzeum pamięci Salome Kruszelnickiej. Dziś imię S. Kruszelnickiej nosi Opera Lwowska i Lwowski Musical Liceum, Tarnopolska Szkoła Muzyczna (gdzie wydawana jest gazeta „Salome”), 8-letnia szkoła we wsi Belaya, ulice w Kijowie, Lwowie, Tarnopolu, Buczaczu (patrz ulica Salome Kruszelnicka). Zainstalowany w Sali Lustrzanej Lwowskiego Teatru Opery i Baletu pomnik z brązu Salome Kruszelnicka. Wiele dzieł artystycznych, muzycznych i filmowych poświęconych jest życiu i twórczości Salome Kruszelnickiej. W 1982 roku w Studiu Filmowym A. Dovzhenko reżyser O. Fialko nakręcił film historyczno-biograficzny „Powrót motyla” (na podstawie powieści V. Vrublevskiej pod tym samym tytułem), poświęcony życiu i twórczości Salome Kruszelnicka. Film oparty jest na prawdziwych faktach z życia piosenkarki i skonstruowany jest na wzór jej wspomnień. W roli Salome występuje Gisela Zipola. Rolę Salome w filmie zagrała Elena Safonova. Ponadto powstały filmy dokumentalne, w szczególności „Salome Kruszelnicka” (reż. I. Mudrak, Lwów, „Most”, 1994) „Dwa życia Salome” (reż. A. Frolov, Kijów, „Kontakt”, 1997), przygotowano program telewizyjny z cyklu „Imiona” (2004), film dokumentalny „Solo-mea” z cyklu „Gra w los” (reż. V. Obraz, studio VIATEL, 2008). 18 marca 2006 na scenie Lwowskiego Narodowego teatr akademicki Opera i Balet nazwana na cześć S. Kruszelnicka miała premierę baletu „Powrót motyla” Mirosława Skorika, opartego na faktach z życia Salome Kruszelnickiej. W balecie wykorzystano muzykę Giacomo Pucciniego. W 1995 roku w Tarnopolskim Regionalnym Teatrze Dramatycznym (obecnie teatr akademicki) odbyła się premiera sztuki „Salome Kruszelnicka” (autor B. Melnichuk, I. Lakhovsky). Od 1987 roku w Tarnopolu odbywa się Konkurs im. Salome Kruszelnickiej. Co roku we Lwowie odbywa się międzynarodowy konkurs imienia Kruszelnickiej; Festiwale operowe stały się tradycją.
Angela Gheorghiu (rum. Angela Gheorghiu) to rumuńska śpiewaczka operowa, sopran. Jeden z najsłynniejszych śpiewaków operowych naszych czasów. Angela Gheorghiu (Burlacu) urodziła się 7 września 1965 roku w małym miasteczku Adjud w Rumunii. Od najmłodszych lat było oczywiste, że zostanie piosenkarką, jej przeznaczeniem była muzyka. Studiowała w szkole muzycznej w Bukareszcie i jest absolwentką Narodowego Uniwersytetu Muzycznego w Bukareszcie. Jej profesjonalny debiut operowy miał miejsce w 1990 roku rolą Mimi w Cyganerii Pucciniego w Cluj i w tym samym roku została zwyciężczynią Międzynarodowego Konkursu Wokalnego im. Hansa Gabora Belvedere w Wiedniu. Zachowała nazwisko Georgiou od swojego pierwszego męża. Angela Georgiou zadebiutowała na arenie międzynarodowej w 1992 roku w Royal Opera House w Covent Garden w Cyganerii. W tym samym roku zadebiutowała w Metropolitan Opera w Nowym Jorku oraz w Wiedeńskiej Operze Państwowej. W 1994 roku w Royal Opera House w Covent Garden po raz pierwszy wystąpiła w roli Violetty w Traviacie, w tym momencie narodziła się „gwiazda”, Angela Georgiou zaczęła odnosić nieustanne sukcesy w operach i salach koncertowych całego kraju. świat: w Nowym Jorku, Londynie, Paryżu, Salzburgu, Berlinie, Tokio, Rzymie, Seulu, Wenecji, Atenach, Monte Carlo, Chicago, Filadelfii, Sao Paulo, Los Angeles, Lizbonie, Walencji, Palermo, Amsterdamie, Kuala Lumpur, Zurychu , Wiedeń, Salzburg, Madryt, Barcelona, Praga, Montreal, Moskwa, Tajpej, San Juan, Lublana. W 1994 roku poznała tenora Roberto Alagnę, którego poślubiła w 1996 roku. Ceremonia ślubna odbyła się na scenie Metropolitan Opera w Nowym Jorku. Para Alanya-Georgiou od dawna jest najzdolniejszym twórczym związkiem rodzinnym na scenie operowej, ale teraz są rozwiedzeni. Jej pierwszy ekskluzywny kontrakt płytowy podpisała w 1995 roku z wytwórnią Decca, po czym wydawała kilka albumów rocznie i obecnie ma na swoim koncie około 50 albumów, zarówno inscenizowanych oper, jak i koncertów solowych. Otrzymaliśmy wszystkie jej płyty dobre opinie krytyków i zdobyli wiele międzynarodowych nagród, w tym nagrody magazynu Gramophone, niemiecką nagrodę Echo, francuską Diapason d'Or i Choc du Monde de la Musique i wiele innych. Dwukrotnie w latach 2001 i 2010 brytyjska nagroda „Classical BRIT Awards” przyznała jej tytuł „Najlepszej Piosenkarki Roku”. Wachlarz ról Angeli Georgiu jest bardzo szeroki, szczególnie uwielbia opery Verdiego i Pucciniego. Repertuar włoski, być może ze względu na względne podobieństwo języka rumuńskiego i włoskiego, jest dla niej znakomity, część krytyków zauważa, że słabiej wykonuje się operę francuską, niemiecką, rosyjską i angielską. Najważniejsze role Angeli Georgiou: Bellini „Somnambula” – Amina Bizet „Carmen” – Micaela, Carmen Cilea „Adriana Lecouvreur” – Adriana Lecouvreur Donizetti „Lucia di Lammermoor” – Lucia Donizetti „Lukrezia Borgia” – Lukrecja Borgia Donizetti „Elisir of Miłość” – Adina Gounod „Faust” – Marguerite Gounod „Romeo i Julia” – Juliet Massenet „Manon” – Manon Massenet „Werther” – Charlotte Mozart „Don Juan” – Zerlina Leoncavallo „Pagliacci” – Nedda Puccini „Jaskółka” – Magda Puccini „La Boheme” – Mimi Puccini „Gianni Schicchi” – Loretta Puccini „Tosca” – Tosca Puccini „Turandot” – Liu Verdi Trubadour – Leonora Verdi „La Traviata” – Violetta Verdi „Louise Miller” – Luisa Verdi „Simon Boccanegra” – Maria Angela Gheorghiu nadal aktywnie występuje i znajduje się na szczycie opery Olympus. Przyszłe zobowiązania obejmują różne koncerty w Europie, Ameryce i Azji, Toskę i Fausta w Royal Opera House w Covent Garden.
Rita Streich (18 grudnia 1920 - 20 marca 1987) była jedną z najbardziej cenionych i nagrywanych niemieckich śpiewaczek operowych lat 40. i 60. XX wieku, sopran. Rita Streich urodziła się w Barnauł, w regionie Ałtaju, w Rosji. Jej ojcem jest Bruno Streich, kapral niemiecka armia, dostał się do niewoli na frontach I wojny światowej i został otruty w Barnauł, gdzie poznał Rosjankę, przyszłą matkę Słynny piosenkarz Wiera Aleksiejew. 18 grudnia 1920 roku Vera i Bruno mieli córkę Margaritę Streich. Wkrótce rząd radziecki pozwolił niemieckim jeńcom wojennym wrócić do domu, a Bruno wraz z Verą i Margaritą wyjechali do Niemiec. Dzięki swojej rosyjskiej matce Rita Streich dobrze mówiła i śpiewała po rosyjsku, co było bardzo przydatne w jej karierze, jednocześnie ze względu na jej „nieczystość” język niemiecki na początku były pewne problemy z reżimem faszystowskim. Wcześnie odkryto zdolności wokalne Rity, która już w szkole podstawowej była czołową wykonawczynią szkolnych koncertów, na jednym z nich zauważyła ją wielka niemiecka śpiewaczka operowa Erna Berger i zabrała na studia do Berlina. W różnych okresach jej nauczycielami byli także słynny tenor Willy Domgraf-Fassbender i sopranistka Maria Ifogyun. Debiut Rity Streich na scenie operowej miał miejsce w 1943 roku w mieście Ossig (Aussig, obecnie Uście nad Łabą, Czechy) rolą Zerbinetty w operze Ariadne auf Naxos Richarda Straussa. W 1946 roku Rita zadebiutowała w Berlińskiej Operze Państwowej, w głównym zespole, rolą Olimpii w „Opowieściach Hoffmanna” Jacques’a Offebacha. Potem zaczęła się jej kariera sceniczna, która trwała do 1974 roku. Rita Streich pracowała w Operze Berlińskiej do 1952 roku, następnie przeniosła się do Austrii i spędziła prawie dwadzieścia lat na scenie Opery Wiedeńskiej. Tutaj wyszła za mąż i urodziła syna w 1956 roku. Rita Streich, posiadająca jasny sopran koloraturowy, z łatwością wykonywała najbardziej skomplikowane role w światowym repertuarze operowym, nazywana była „słowikiem niemieckim” lub „słowikiem wiedeńskim”. W trakcie swojej wieloletniej kariery Rita Streich występowała w wielu teatrach na całym świecie – miała kontrakty z La Scalą i bawarskim radiem w Monachium, śpiewała w Covent Garden, Operze Paryskiej, a także w Rzymie, Wenecji, Nowym Jorku, Chicago, San Francisco Francisco odwiedził Japonię, Australię i Nową Zelandię, występował w Salzburgu, Bayreuth i Glyndebourne festiwale operowe. W jej repertuarze znalazły się niemal wszystkie znaczące partie operowe na sopran - zasłynęła jako najlepsza wykonawczyni ról Królowej Nocy w Czarodziejskim flecie Mozarta, Annchen w Free Shooterze Webera i innych. W jej repertuarze znalazły się m.in. dzieła kompozytorów rosyjskich, które wykonywała w języku rosyjskim. Uważana była także za znakomitą interpretatorkę repertuaru operetkowego, pieśni ludowych i romansów. Współpracowała z najlepszymi orkiestrami i dyrygentami w Europie i nagrała 65 najważniejszych płyt. Po zakończeniu kariery Rita Streich była od 1974 profesorem Akademii Muzycznej w Wiedniu, wykładała w szkole muzycznej w Essen, prowadziła kursy mistrzowskie i kierowała Centrum Rozwoju Sztuki Lirycznej w Nicei. Rita Streich zmarła 20 marca 1987 roku w Wiedniu i została pochowana na starym cmentarzu miejskim obok ojca Bruno Streicha i matki Very Alekseevej.
Teatro Massimo (włoski: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) to opera w Palermo we Włoszech. Teatr nosi imię króla Wiktora Emanuela II. W tłumaczeniu z języka włoskiego Massimo oznacza największy, największy - zespół architektoniczny teatru jest największy wśród budynków opery we Włoszech i jeden z największych w Europie. W Palermo, drugim co do wielkości mieście południowych Włoch, od dawna mówi się o potrzebie budowy w tym mieście opery. W 1864 roku burmistrz Palermo Antonio Rudini ogłosił międzynarodowy konkurs na budowę dużej opery, która miała upiększyć wygląd miasta i podnieść jego wizerunek w świetle niedawnej jedności narodowej Włoch. W 1968 roku w wyniku konkursu wybrano słynnego na Sycylii architekta Giovanniego Battistę Filippo Basile'a. Pod nowy teatr wyznaczono miejsce, w którym znajdował się kościół i klasztor San Giuliano, które jednak rozebrano pomimo protestów sióstr franciszkanek. Według legendy „Ostatnia przeorysza klasztoru” do dziś przechadza się po salach teatru, a ci, którzy w nią nie wierzą, wchodząc do teatru, zawsze potykają się o jeden stopień („krok zakonnicy”). Budowę rozpoczęto uroczystą ceremonią wmurowania kamienia węgielnego 12 stycznia 1875 roku, ale postępowała powoli, przy ciągłym braku funduszy i skandalach, i została zamrożona na osiem lat w 1882 roku i wznowiona dopiero w 1890 roku. W 1891 roku zmarł architekt Giovanni Basile przed otwarciem swojego projektu, prace kontynuował jego syn Ernesto Basile. 16 maja 1897 roku, 22 lata po rozpoczęciu budowy, teatr otworzył swoje podwoje dla miłośników opery; pierwszą operą wystawiona na jego scenie był Falstaff Giuseppe Verdiego pod dyrekcją Leopoldo Mugnone. Giovani Basile inspirował się starożytną architekturą sycylijską i dlatego teatr został zbudowany w ścisłym stylu neoklasycznym z elementami starożytnych greckich świątyń. Monumentalne schody prowadzące do teatru zdobią lwy z brązu niosące na plecach posągi kobiet – alegoryczne „Opera” i „Tragedia”. Budynek zwieńczony jest dużą półkolistą kopułą. Nad dekoracją wnętrz teatru, która została zaprojektowana w stylu późny renesans, autorstwa Rocco Lentiniego, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni. Na widownię prowadzi przestronny przedsionek, sama sala w kształcie podkowy, niegdyś 7-poziomowa, przeznaczona dla ponad 3000 widzów, obecnie z pięcioma poziomami lóż i galerią mieści 1381 miejsc. Pierwsze sezony były bardzo udane. Dzięki czołowemu biznesmenowi i senatorowi Ignazio Florio, który sponsorował teatr i zabiegał o uczynienie Palermo stolicą opery, miasto przyciągało wielu gości, w tym koronowanych głów, którzy stale odwiedzali teatr. W teatrze występowali czołowi dyrygenci i śpiewacy, począwszy od Enrico Caruso, Giacomo Pucciniego, Renaty Tebaldi i wielu innych. W 1974 roku Teatr Massimo został zamknięty w celu całkowitej renowacji, ale z powodu skandalów korupcyjnych i niestabilności politycznej renowacja przeciągnęła się przez 23 lata. 12 maja 1997 roku, cztery dni przed setną rocznicą, teatr został ponownie otwarty wykonaniem II Symfonii Mahlera, jednak renowacja nie została jeszcze w pełni ukończona i pierwsza inscenizacja opery odbyła się w 1998 roku - Aida Verdiego i regularny sezon operowy rozpoczęło się w 1999 roku
Civic Opera House/Lyric Opera to opera w Chicago, Illinois, USA. Widownia teatru liczy 3563 miejsca, co czyni go drugim co do wielkości teatrem na świecie, po Metropolitan Opera. Teatr jest częścią 45-piętrowego biurowca z dwoma 22-piętrowymi skrzydłami. Budynek jest obecnie własnością Lyric Opera of Chicago. Miejska opera została zbudowana w 1929 roku przez firmę Graham, Anderson, Probst & White, która zbudowała szereg budynków w centrum Chicago, głównym architektem był Alfred Shaw, głównym inżynierem budownictwa lądowego był Magnus Gunderson. Budynek położony jest przy głównej ulicy Chicago - Walker Drive i ma dwa style i dwa oblicza - od strony rzeki Chicago ma wygląd w stylu wzorowego Art Deco, bardzo powszechnego w tym czasie, widok od strony ulicy z długi rząd kolumn, a także wnętrze tetr inspirowane są francuskim neoklasycyzmem, prawdopodobnie na wzór paryskiej Opery Garnier. Przestrzeń wewnętrzna i hol są również bogato zdobione, szczególnie wyróżnia się „ognista” kurtyna, namalowana scenami i postaciami z różnych oper, centralne miejsce przejmuje wielki marsz od Aidy. Głównym klientem i finansistą, który pokrył połowę kosztów budowy, był chicagowski biznesmen, filantrop i mecenas sztuki Samuel Insull, który początkowo był pracownikiem General Electric Company Thomasa Edisona i przybył do Chicago, aby rozszerzyć swoją działalność. W ciągu kilku lat nowa firma Chicago Edison Company (później przemianowana i zreformowana) stała się największą firmą elektryfikacyjną i energetyczną w mieście, a także była właścicielem kilku innych dużych firm w mieście. Insull ożenił się z aktorką o wiele młodszą od niego, oboje kochali sztukę, a teatr zbudował w prezencie dla swojej żony, której odmówiono występu w Metropolitan Opera (choć to tylko plotka, ponieważ jego żona nie była śpiewaczką i nie aspirowała do występów w operze). Ideą połączenia opery z powierzchnią handlową i biurową było wygenerowanie dodatkowego dochodu w przerwach między sezonami operowymi. Wieżowiec z dwoma skrzydłami przypomina gigantyczne krzesło, dlatego czasami nazywany jest „tronem Insulli”. Uroczyste otwarcie opery odbyło się 4 listopada 1929 r. wystawieniem opery „Aida”. Verdiego, w roli tytułowej wystąpiła słynna polska sopranistka Rosa Raisa, operę wybraną na otwarcie przez samego Samuela Insulla. Jednak Wielki Kryzys, który rozpoczął się sześć dni wcześniej, odbił się negatywnie na teatrze, teatr był pusty i był bliski przetrwania, pierwszy zespół operowy rozpadł się. Sam Insull stracił większość swoich interesów, był ścigany, ukrywał się w Europie, następnie został uniewinniony i zmarł w Paryżu we względnej biedzie. W latach trzydziestych i czterdziestych XX wieku w teatrze działało kilka zespołów operowych, z których żaden nie przetrwał długo. W 1954 roku teatr został wynajęty przez Lyric Opera of Chicago, która kupiła budynek w 1993 roku. Opera Lyric rozpoczęła zakrojone na szeroką skalę prace remontowe. Zaktualizowano wszystko, co wymagało aktualizacji, a globalną rekonstrukcję zakończono w 1996 roku.
Teatro Carlo Felice to główna opera w Genui we Włoszech. Teatr położony jest w centrum miasta, niedaleko placu Ferrari i jest symbolem miasta.Przed teatrem znajduje się pomnik jeździecki Giuseppe Garibaldiego. Decyzja o budowie nowej opery w Genui zapadła w 1824 roku, kiedy stało się jasne, że istniejące teatry miejskie nie odpowiadają potrzebom miasta. Nowy teatr musiał dorównać i konkurować z najlepszymi teatrami operowymi w Europie. Ogłoszono konkurs architektoniczny, w którym wybrano projekt budynku opery autorstwa miejscowego architekta Carlo Barbarino, nieco później słynnego mediolańskiego Luigiego Canonica, który brał już udział w kilku dużych projektach – restauracji La Scali, budowie teatrów w Mediolanie, został dodatkowo zaproszony do budowy sceny i sali, Cremona, Brescia, itp. Miejscem wybranym na teatr było miejsce dawnego klasztoru dominikanów i kościoła San Domenico. Ten zespół klasztorny, pochodzący z XIII wieku, słynął z m.in wspaniałość architektury i cenne dzieła sztuki do dekoracji wnętrz. Niektórzy twierdzą, że klasztor został „poświęcony” teatrowi, ale nie jest to prawdą. Już w czasach napoleońskiego „Królestwa Włoch” w klasztorze mieściły się koszary i magazyny jego armii. Zespół był bardzo zniszczony i w 1821 roku, zgodnie z planem odbudowy miasta, został całkowicie rozebrany, a w 1824 roku zapadła decyzja o budowie teatru. Pierwszy kamień pod nowy budynek położono 19 marca 1826 roku. Uroczyste otwarcie odbyło się 7 kwietnia 1828 roku, choć budowa i dekoracja nie były jeszcze całkowicie ukończone. Pierwszą operą na scenie teatru była „Bianca i Fernando” Vincenzo Belinniego. Teatr nosi imię księcia Carlo Felice z Sabaudii, władcy Genui. Pięciopoziomowa hala mogła pomieścić około 2500 widzów. W kolejnych latach teatr był kilkakrotnie restaurowany, w 1852 r. zainstalowano oświetlenie gazowe, a w 1892 r. elektryczne. Przez prawie czterdzieści lat, począwszy od 1853 roku, Giuseppe Verdi spędzał zimy w Genui i wielokrotnie wystawiał swoje opery w Teatro Carlo Felice. W 1892 roku, po rekonstrukcji dla uczczenia 400. rocznicy odkrycia Ameryki przez Krzysztofa Kolumba (Genua kwestionuje prawo do uznania mała ojczyzna Kolumba) Verdi został poproszony o skomponowanie odpowiedniej opery na to wydarzenie i wystawienie jej w teatrze, ale odmówił, powołując się na swój podeszły wiek. Teatro Carlo Felice był stale odnawiany i zachował się w dobrym stanie aż do drugiej wojny światowej. Pierwsze zniszczenia powstały w 1941 roku, kiedy w wyniku ostrzału wojsk alianckich zniszczeniu uległ dach budynku oraz poważnemu zniszczeniu uległo unikalne malowidło na suficie audytorium. Następnie w sierpniu 1943 roku po trafieniu bombą zapalającą spłonęły pomieszczenia za kulisami, zniszczeniu uległa scenografia i garderoby, ale pożar nie dotknął sali głównej; niestety, tym razem teatr bardziej ucierpiał ze strony rabusiów, którzy ukradli wiele cenne rzeczy. Wreszcie we wrześniu 1944 roku po nalocie z teatru pozostały praktycznie same mury. Teatr, pospiesznie naprawiony, przez cały ten czas kontynuował swoją działalność, a występowała w nim nawet Maria Callas. Plany gruntownej renowacji gmachu teatru rozpoczęły się w 1946 roku. W 1951 roku w drodze konkursu wyłoniono jeden projekt, który jednak nigdy nie został zrealizowany. Teatr został zamknięty na początku lat 60. ze względu na zły stan techniczny. W 1963 roku powierzono opracowanie projektu przebudowy słynnemu architektowi Carlo Scarpie, jednak zwlekał on z pracami i projekt był gotowy dopiero w 1977 roku, jednak z powodu niespodziewanej śmierci architekta w 1978 roku prace wstrzymano. Kolejny plan przyjęto w 1984 roku, a na głównego architekta nowego teatru, Carlo Felice, wybrano Aldo Rossiego. Głównym motywem przewodnim twórców było połączenie historii i nowoczesności. Pozostały ściany starego teatru i fasada z płaskorzeźbami, a także niektóre elementy wystroju wnętrz, które udało się jednak zmieścić w nowym wnętrzu. przez większą część teatr został odbudowany od podstaw. 7 kwietnia 1987 roku wmurowano pierwszy kamień pod budowę nowego teatru. Za starym teatrem zbudowano nowy wieżowiec, w którym mieściły się sceny, mechanizmy sterujące platformy mobilne, sale prób i garderoby. Sama widownia mieści się w „starym” teatrze, zamierzeniem architektów było odtworzenie atmosfery dawnego placu teatralnego, kiedy przedstawienia odbywały się na ulicy w centrum miasta. Dlatego też na ścianach holu wykonano okna i balkony imitujące zewnętrzne ściany budynków, a strop usiany jest „ gwiaździste niebo 18 października 1991 roku wreszcie podniosła się kurtyna nad Teatro Carlo Felice, pierwszym wydarzeniem inaugurującym sezon była opera „Il Trovatore” Giuseppe Verdiego. Teatro Carlo Felice to jedna z największych oper w Europie, pojemność sali głównej wynosi 2000 miejsc.
Teatro Goldoni to jedna z wiodących i najstarszych oper w Wenecji we Włoszech. Teatr powstał w 1622 roku, kilkakrotnie zmieniał nazwę i mieści się w historycznym centrum Wenecji, niedaleko mostu Rialto. Teatr jest prowadzony przez zespół operowy Teatro Stabile del Veneto i jest dla niego główną sceną. Historycznie rzecz biorąc, wszystkie główne teatry weneckie były własnością ważnych rodzin patrycjuszowskich, na przykład teatry znane obecnie jako Teatro Malibran i Teatro San Benedetto należały do rodziny Grimani, a Teatro La Fenice należał do rodziny Venier. Oprócz teatrów prywatnych w 1637 roku w Wenecji zbudowano pierwszą na świecie publiczną operę San Cassiano. Właścicielami teatru, zwanego obecnie Goldoni, była rodzina Vendraminów. Teatr został zbudowany w 1622 roku i otwarty komedią Antonio Chiofo.W swojej historii teatr wielokrotnie zmieniał nazwę, był to teatr Vendramin, San Luca, San Salvatore, Apollo, aż w 1875 roku otrzymał obecną nazwę po dramaturga Carla Goldoniego. W 1652 r. (po pożarze) i w 1684 r. dwukrotnie odrestaurowano gmach teatru. W pierwszym okresie swego istnienia teatr wystawiał głównie opery, natomiast w XVIII wieku gościł w nim głównie przedstawienia dramatyczne. W latach dwudziestych XVIII wieku Teatro San Luca został odbudowany i przemianowany na Teatro Apollo. Budynek ten przetrwał do dziś. W 1752 roku właścicielom teatru udało się zatrudnić Carla Goldoniego, którego uważano wówczas za najbardziej cenionego znany dramaturg Wenecja. Było to ważne wydarzenie w życie teatralne miasto i być może najwspanialszy okres teatru. Jednakże ówczesny właściciel teatru sam starał się brać bezpośredni udział w kierowaniu i wystawianiu przedstawień, dlatego też trudny związek i częste spory z wynajętym dyrektorem. Carlo Goldoni opuścił teatr i Wenecję w 1761 roku i udał się do Paryża. W XIX wieku teatr przeszedł wiele przebudów i remontów, do najważniejszych należała przebudowa w 1818 roku pod kierunkiem architekta Giuseppe Borsato, w 1826 roku zainstalowano w teatrze oświetlenie gazowe, uważane za pierwsze we Włoszech, w 1826 roku W 1833 roku odnowiono wnętrze pod kierunkiem projektanta Francesco Bagnara. W 1875 roku, z okazji urodzin dramatopisarza, teatr przemianowano na Teatr Carla Goldoniego. Rodzina Vendraminów była właścicielem teatru do 1937 roku, kiedy to stał się własnością miasta. W 1957 roku teatr został zamknięty ze względu na zużycie. W 1979 roku, po gruntownej przebudowie, odnowiony teatr ponownie otworzył swoje podwoje. Wnętrze Teatru Goldoni to typowy teatr włoski z XVIII wieku, czteropoziomowy, mieszczący 800 osób, ze sceną o szerokości 12 metrów i długości 11 metrów. Obecnie odbywają się w nim przedstawienia dramatyczne, inscenizacje operowe, przyjęcia dla dzieci i inne wydarzenia organizowane przez zespół operowy Teatro Stabile del Veneto.
Royal Opera House „Covent Garden” to teatr w Londynie w Wielkiej Brytanii, służący jako miejsce przedstawień operowych i baletowych, scena macierzysta Royal London Opera House i London Royal Ballet. Znajduje się w dzielnicy Covent Garden, od której otrzymał swoją nazwę. Początkowo w Covent Garden działało kilka niezależnych zespołów, obok przedstawień teatralnych, muzycznych i baletowych odbywały się także przedstawienia cyrkowe. Do połowy XVIII w. główne miejsce na scenie teatralnej zajmowały przedstawienia muzyczne, a od 1847 r. wystawiano wyłącznie opery i balety. Nowoczesny budynek teatru jest trzecim budynkiem zlokalizowanym w tym miejscu. Został zbudowany w 1858 roku i przeszedł gruntowny remont w latach 90-tych. Royal Opera House może pomieścić 2268 widzów i składa się z czterech poziomów. Szerokość proscenium wynosi 12,2 m, wysokość 14,8 m. Pierwszy teatr na miejscu istniejącego wcześniej parku powstał na przełomie lat 20. i 30. XVIII w. z inicjatywy reżysera i impresario Johna Richa i otwarto 7 grudnia 1732 roku przedstawieniem opartym na sztuce Williama Congreve’a „Droga świata”. Przed spektaklem aktorzy weszli do teatru w uroczystej procesji, niosąc Richa na rękach. Przez prawie sto lat Covent Garden Theatre był jednym z dwóch londyńskich teatrów dramatycznych, gdyż już w 1660 roku król Karol II zezwolił na wystawianie przedstawień dramatycznych tylko w dwóch teatrach (drugim był równie słynny Drury Lane Theatre). W 1734 roku w Covent Garden wystawiono pierwszy balet Pygmalion z Marią Salle w roli tytułowej, tańczącą wbrew tradycji bez gorsetu. Pod koniec 1734 roku w Covent Garden zaczęto wystawiać operę - przede wszystkim dzieła Jerzego Fryderyka Handla, który był dyrektorem muzycznym teatru: pierwszą była jego wczesna, choć mocno poprawiona, opera Wierny pasterz (wł. Il pastor fido ), następnie w styczniu 1735 roku pojawiła się nowa opera Ariodante i inne. W 1743 r. wystawiono tu oratorium Handla „Mesjasz”, a później tradycją teatru stało się wykonywanie oratoriów o tematyce religijnej w okresie Wielkiego Postu. Po raz pierwszy wystawiono tu opery kompozytora Thomasa Arna, a także opery jego syna. W 1808 roku pierwszy teatr w Covent Garden spłonął. Nowy gmach teatru wzniesiono w pierwszych dziewięciu miesiącach 1809 roku według projektu Roberta Smirka i otwarto 18 września inscenizacją Makbeta. Dyrekcja teatru podniosła ceny biletów, aby zrekompensować koszty budowy nowego gmachu, jednak przez dwa miesiące publiczność zakłócała przedstawienia ciągłymi krzykami, klaskaniem i gwizdami, w wyniku czego dyrekcja teatru zmuszona była przywrócić ceny do poprzedniego poziomu. W pierwszej połowie XIX wieku na scenie Covent Garden naprzemiennie pojawiały się opery, balety, przedstawienia dramatyczne z udziałem wybitnych tragików Edmunda Keana i Sarah Siddons, pantomima, a nawet klaunada (występował tu słynny klaun Joseph Grimaldi). Sytuacja uległa zmianie po tym, jak w 1846 roku w wyniku konfliktu w Her Majesty's Theatre – operze londyńskiej – znaczna część jej trupy pod przewodnictwem dyrygenta Michaela Costy przeniosła się do Covent Garden; Salę odbudowano, a 6 kwietnia 1847 roku ponownie otwarto teatr pod nazwą Królewskiej Opery Włoskiej, wystawiając operę Semiramida Rossiniego. Jednak niespełna dziewięć lat później, 5 marca 1856 roku, teatr spłonął po raz drugi. Trzeci teatr Covent Garden został zbudowany w latach 1857-1858. zaprojektowany przez Edwarda Middletona Barry'ego i otwarty 15 maja 1858 roku inscenizacją opery Meyerbeera Les Hugenoci. W czasie I wojny światowej teatr został zarekwirowany i wykorzystywany jako magazyn. Podczas II wojny światowej w budynku teatru mieściła się sala taneczna. W 1946 roku opera powróciła do Covent Garden: 20 lutego teatr został otwarty wystawieniem Śpiącej królewny Czajkowskiego w ekstrawaganckiej inscenizacji Olivera Messela. Jednocześnie rozpoczęło się tworzenie trupy operowej, dla której sceną domową stał się Covent Garden Theatre, 14 stycznia 1947 roku Covent Garden Opera Company (przyszły Londyn opera królewska) zaprezentowała tu operę Bizeta „Carmen”.
Opera de Lille (Opéra de Lille, Francja) została zbudowana w latach 1907-1913. i oficjalnie otwarty w 1923 r. W 1903 roku w pożarze spłonął stary budynek Opery w Lille. Konkurs na najlepszy projekt nowego teatru wygrał architekt Louis-Marie Cordonnier, inspirowany architekturą Opery Garnier w Paryżu i teatrów włoskich. Budynek Opery de Lille został zbudowany w stylu neoklasycystycznym. Fronton przedstawia patrona sztuki Apolla w otoczeniu muz, a rzeźby wykonał Hippolyte Lefebvre. Po lewej stronie grupy znajduje się alegoryczny obraz Muzyki Amedeo Cordoniera, po prawej rzeźba „Tragedia” Hectora Lemaire’a. Wewnętrzne schody zaprojektowano w bogatym stylu Ludwika XIV. Ogromna sala „włoska” (jedna z ostatnich wybudowanych we Francji) może pomieścić ponad 1000 widzów. Na początku I wojny światowej, w lipcu 1914 roku, niedokończony jeszcze gmach teatru został zajęty przez wojska niemieckie. W ciągu czterech lat okupacji w teatrze odbyło się około stu przedstawień. Po wojnie budynek odrestaurowano, a w 1923 roku odbyła się w nim „francuska premiera”. W 1998 roku stan teatru wymagał awaryjnego zamknięcia w połowie sezonu. Remont przekształcił się w ambitny projekt mający na celu poprawę funkcjonalności budynku opery. Rekonstrukcję przeprowadzili architekci Patrice Nerinck i Pierre-Louis Carlier. Projekt ten został ukończony pod koniec 2003 roku, a w 2004 roku Lille zostało ogłoszone Europejską Stolicą Kultury.
Buriacki Order Państwowy Akademickiego Teatru Opery i Baletu im. Lenina im. N.A. ZSRR G.T. Tsydynzhapova – teatr muzyczny w mieście Ułan-Ude. Historia teatru. W latach dwudziestych XX wieku w Buriacji pojawiła się szkoła muzyczna i mobilne kursy muzyczne. W 1929 roku otwarto w Ułan-Ude pracownię muzyczno-teatralną, na bazie której w 1931 roku utworzono wyższą szkołę artystyczną. W pierwszych latach w teatrze muzycznym Buriacji pracowali kompozytorzy: P.M. Berlinsky, M.P. Frołow, V.I. Moroshkin (1909-1942), choreografowie: I.A. Moiseev, MS Arsenyev, dyrygent M.A. Buchbinder, nauczyciele: T. Glyazer, V. Obydennaya, reżyserzy: I. Tumanov, A.V. Mironsky (1899-1955), aktor i reżyser G.Ts. Tsydynzhapov, artyści: G.L. Kigel, A. Timin i inni. W 1938 roku w Buriackim Teatrze Dramatycznym wystawiono pierwszy ogólnopolski dramat muzyczny „Bair” P. Berlinskiego na podstawie tekstu G.Ts. Tsydynzhapov i A. Shadayev. W 1940 roku dramat został wystawiony w drugiej edycji wspólnie przez B.B. Jampiłow. W wielu teatrach narodowych ZSRR dramat muzyczny był wówczas gatunkiem przejściowym do opery. 20 grudnia 1939 roku Prezydium Centralnego Komitetu Wykonawczego Buriacko-Mongolskiej Autonomicznej Socjalistycznej Republiki Radzieckiej podjęło uchwałę w sprawie przekształcenia narodowego teatru dramatycznego w teatr muzyczno-dramatyczny. Do trupy teatralnej dołączyli absolwenci szkół teatralnych i muzycznych, powiększono chór i orkiestrę. 20 października 1940 roku w Moskwie rozpoczęła się pierwsza dekada sztuki buriacko-mongolskiej w Moskwie. W teatrze wystawiono dramaty muzyczne „Bair” P. M. Berlinskiego i „Erzhen” W. Moroszkina oraz pierwszą buriacką operę „Enkhe-Bulat Bator” opartą na eposie narodowym. Dekretem Prezydium Rady Najwyższej ZSRR teatr został odznaczony Orderem Lenina. Główny reżyser teatru G. Tsydynzhapov otrzymał tytuł Artysty Ludowego ZSRR. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w teatrze powstało kilka zespołów koncertowych. Brygady występowały w jednostkach wojskowych i szpitalach w Ułan-Ude, Zabajkaliach i na Dalekim Wschodzie. Zimą 1943 r. brygada koncertowa pod dowództwem G. Cydynzhapowa zorganizowała ponad 60 koncertów w częściach Frontu Białoruskiego. W 1943 roku teatr wystawił swoje pierwsze przedstawienie baletowe „ Fontanna Bakczysaraju „B. Asafiew i opera „Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego. W 1946 część młodych wykonawców została wysłana na studia do Moskwy, Konserwatorium Leningradzkiego i Szkoły Choreograficznej. I JA. Waganowa. G. Tsydynzhapov odbył praktykę reżyserską w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. W 1948 roku teatr muzyczny został oddzielony od teatru dramatycznego. Buriacki Teatr Opery i Baletu powstał na bazie teatru muzycznego. W 1952 roku wybudowano dla teatru gmach na 718 miejsc. Autorem projektu budowlanego jest architekt A. Fiodorow. Nad portalem centralnym grupa rzeźbiarska „Jeźdźcy” z rozwiniętym sztandarem, Rzeźbiarz - A.I. Timin. Uroczyste otwarcie teatru odbyło się 1 maja, prawykonanie odbyło się 7 listopada 1952 roku. W 1959 roku w Moskwie odbyła się II Dekada Sztuki Buriacji. Wystawiono operę „Bliźniacze miasta” D. Ayusheeva i balet „Piękno Angary” L.K. Knippera i B.B. Jampilowa, nagrodzonego w 1973 r. Nagrodą Państwową RSFSR im. M. Glinka oraz balet „W imię miłości” J. Batueva i V. Maisela. W następstwie wyników Drugiej Dekady tytuł Artysty Ludowego ZSRR otrzymał L.L. Linhovoin, tytuł Artysty Ludowego RFSRR - L.P. Sakhyanova, N. Petrova, B. Baldakov. Na przełomie lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych teatr wystawił ponad 70 oper i baletów. W 1979 roku, po tournée po Moskwie i Leningradzie, teatr otrzymał tytuł „akademickiego”. Honorowy tytuł „teatru akademickiego”, sukcesy w Moskwie, Leningradzie i na południu kraju w 1979 roku stały się potężną zachętą do dalszego rozwoju i doskonalenia teatru. W latach 70. - 80. na scenie Teatru Buriackiego występowało wielu utalentowanych artystów. Ich najlepsze odkrycia twórcze stały się przyczynkiem do historii narodowego wykonawstwa muzycznego i teatralnego. Są to Artyści Ludowi ZSRR, soliści operowi L.L. Linhovoin, K.I. Bazarsadaev, D.Ts. Dashiev, Artyści Ludowi RSFSR S. Radnaev, V. Buruev, L. Levchenko, I. Kuzmina, soliści baletu - wybitny mistrz sztuki baletowej L. Sakhyanova, N.A. RSFSR O. Korotkova, A. Pavlenko, V. Ganzhenko, E. Sambueva, Y. Muruev i inni Wielka zasługa we wszystkich sukcesach teatru należy do głównego dyrygenta teatru I.Yu. Aizikovich i reżyser teatralny D.Sh. Jakunajew, Czczony Robotnik RFSRR, z wykształcenia muzyk, który przez dwie dekady kierował teatrem (1965–1986). W latach 80. młodzi soliści operowi G. Shoydagbaeva (obecnie Artysta Ludowy ZSRR), Honorowi Artyści RSFSR - V. Balzhinimaev, O. Ayurova, B. Boroev, V. zostali laureatami różnych konkursów międzynarodowych i rosyjskich. Tsydypova, w latach 90. E. Sharaeva (1995), T. Shoydagbaeva, B. Budaev, D. Zandanov. Spektakle końca lat 90.: Balet K. Chaczaturyana „Cipollino” Choreograf G. Mayorov, dyrygent M. Baldaev Opera P. Czajkowskiego „Dama pik” (1999). Dyrektor muzyczny i dyrygent Moiseev, Roman Yurievich, reżyser L. Erdenebulgan (Mongolia). Operetka J. Straussa” Nietoperz" Dyrektor muzyczny Roman Moiseev. Reżyser i choreograf A. Golyshev Opera C. Gounoda „Faust”. Zwiedzanie Buriackiego Akademickiego Teatru Opery i Baletu w Mongolii (1999). W ostatnich latach teatr realizował projekty międzynarodowe z Mongolią, USA, Chinami, brał udział w międzynarodowym festiwalu baletowym w Kijowie, na scenie opera narodowa. Udane tournée po Chinach objęło 26 miast, w tym Pekin, Szanghaj, Shenyang, Haikou, Ganzhou i inne. Zespół baletowy godnie reprezentował sztukę Republiki Buriacji na prestiżowych scenach w Chinach, m.in. uczestnicząc w międzynarodowym festiwalu w Dalian. Trasy teatralne w ostatnich latach odbywały się w sąsiednich regionach: Terytorium Ałtaju, Obwód Irkucki, Terytorium Transbajkał, Rejon Aginsky Buriat. W 2007 roku zespół baletowy z wielkim sukcesem koncertował na Ukrainie oraz w Dniepropietrowsku i Doniecku. O wysokim poziomie merytorycznym przedstawień świadczą oceny ekspertów teatralnych i recenzje publiczności. Wycieczki 2008-2009: Czyta, Irkuck, Angarsk, Szelechow, Usolje-Sibirskoje, Ułan Bator i Erdenet (Mongolia). W dniach 12-20 grudnia 2009 roku trupa baletowa teatru koncertowała w Tomsku i zaprezentowała następujące spektakle: „ jezioro łabędzie„, „Księga tysiąca i jednej nocy”, „Giselle” i występ dzieci"Pinokio." Nazywa się „Królowa dźwięków”. krytycy muzyczni Artystka Ludowa ZSRR Galina Shoydagbaeva, laureatka Nagrody Państwowej Republiki Buriacji, laureatka trzech międzynarodowych konkursów, wyjątkowa, niesamowita sopranistka. Na scenie teatru śpiewa Valentina Tsydypova, Czczona Artystka RFSRR, najwybitniejsza przedstawicielka współczesnej sztuki wokalnej. Soprano Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova, Tuyana Damdinzhapova weszły w swój twórczy szczyt. Teatr ma silną grupę głosów mezzosopranowych: T. Shoydagbaeva, O. Khingeeva, E. Bazarsadaeva, młoda O. Zhigmitova. Wystąpili soliści o silnych męskich głosach: B. Gombozhapov, M. Namkhai, B. Dambiev, D. Shagdurov. Od samego początku najlepsza strona jako młody chłopak sprawdził się na naszej scenie i podczas tras koncertowych kreatywna drużyna balet: B. Tsybikova, V. Mironova, A. Samsonova, B. Dambaev, B. Radnaev, B. Zhambalov. Budynek teatru jest obecnie w trakcie przebudowy, której zakończenie zaplanowano na 2011 rok. Pomimo wszystkich trudności zespół nadal prowadzi pełne twórcze życie: kończy szkołę premierowe występy , trwają próby, trwają wycieczki. Zespół teatralny Soliści opery: Galina Shoydagbaeva, Valentina Tsydypova, Marina Korobenkova, Biligma Rinchinova, Tuyana Damdinzhapova, Vera Vasilyeva, Ayuna Bazargurueva, Tatyana Shoydagbaeva, Oksana Khingeyeva, Erzhena Bazarsadayeva, Olga Zhigmitova, Damba Zandanov, Bator Budaev, Bairzha b Dam Biew, Siergiej Fomenko , Bair Tsydenzhapov, Munkhzul Namkhai, Dorzho Shagdurov, Badma Gombozhapov, Eduard Zhagbaev i inni. Soliści baletu: Bayarma Tsybikova, Veronika Mironova, Anastasia Samsonova, Liya Baldanova, Evgenia Mizhitova, Evgenia Balzhinimaeva, Elena Khishiktueva, Ksenia Fedorova, Bulyt Radnaev, Bair Zhambalov, Bayarto Dambaev, Vladimir Kozhevnikov, Innokenty Ivanov, Victor Dampilov, Bair Tsydypylov , B aktor Nadmitow i inni. Dyrektorem artystycznym baletu jest Ekaterina Sambueva. Głównym artystą jest Michaił Bolonev. W sumie w ponad 70-letniej historii teatru wystawiono ponad 300 przedstawień klasyki rosyjskiej i światowej oraz dzieł kompozytorów buriackich. [edytuj] Opery buriackie „Na Bajkale” L. K. Knippera (1948, wyd. 2 1958) „Madegmasza” S. N. Ryauzowa (1949, wyd. 2 „U podnóża Sajanów” w 1953 r.) „Miasta bliźniacze” ( 1958), „Bracia” (1961) D. D. Ayusheevy, „U źródeł wiosny” (1960), „Trzech Króli” (1967), „Cudowny skarb” (1970) B. B. Jampilowa. W 1971 r. Odrestaurowano operę MP Frolowa „Enkhe-Bulat Bator”. Balety buriackie „Światło nad doliną” Ryauzowa (1956, pierwszy balet buriacki) „W imię miłości” J. Z. Batueva i Maisela (1958) „Piękno Angary” B. B. Yampilova i L. K. Knippera (1959, wydanie drugie) w 1972) „Kwiaty życia” (1962), „Geser” (1967), „Dzhangar” (1971) Zh. Zh. Batuevy „żałosna ballada” B. B. Yampilova (1967) opery radzieckie „Cichy Don” (1955 ) , „W burzę” (1958); „Bąk” Spadavecchii (1962), „Anna Snegina” Chołminowa (1967) Balety radzieckie „Czerwony mak” (1951); „Shurale” Yarullina (1955), „Ścieżka gromu” (1964); „Legenda miłości” Melikova (1966), „Spartak” (1970) i inne. Budynek teatru jest zabytkiem architektury o znaczeniu federalnym. Budynek budowany był w latach 1945-1952. Styl Empire Stalina z narodowymi elementami dekoracyjnymi. W 1934 r. Architekt pracowni architektonicznych Rady Miejskiej Moskwy A. N. Fiodorow opracował projekt Pałacu Kultury Socjalistycznej w Ułan-Ude. Planowano budowę „dużego kompleksu naukowo-kulturalnego”, składającego się z sali koncertowej, teatru, biblioteki, muzeum i instytutu badawczego. Projekt ten nie został zatwierdzony. Nowy projekt Teatru Dramatu Muzycznego został opracowany przez A. N. Fedorowa w 1936 roku. Budowę rozpoczęto w 1938 roku, ale wkrótce ją przerwano. Budowa miała zostać wznowiona w 1940 lub 1941 roku, jednak ze względu na wojnę nie doszło do tego. W 1950 r. Zmarł A. N. Fiodorow. Od jesieni 1951 roku w budowę teatru zaangażowany był architekt V. A. Kalinin. Malowanie sufitu audytorium wykonali artyści G. I. Rublev i B. V. Iordansky. Od 2006 roku w budynku trwa rekonstrukcja. Zakończenie odbudowy było kilkakrotnie przekładane i przewidywane jest na maj 2011 roku. Konkursy W teatrze odbywa się Międzynarodowy Festiwal Sztuki Baletowej im. N.A. ZSRR Larisa Sakhyanova i N.A. Rosja – Peter Abasheev.
Odbył się Państwowy Teatr Opery i Baletu w Woroneżu Wielka droga tworzenie. We wrześniu 1931 roku w Woroneżu rozpoczął działalność teatr komedii muzycznej, zorganizowany na bazie wspólnoty artystów zawodowych, na czele której stał utalentowany organizator, reżyser i aktor Lazar Arkadiewicz Łazariew. Na początku lat 30. ubiegłego wieku Woroneż był centrum środkowego regionu Morza Czarnego, w skład którego wchodziły miasta, które później stały się ośrodkami regionalnymi: Kursk, Orel, Tambow, Lipieck. Jednym z głównych zadań twórczych Teatru Komedii Muzycznej w Woroneżu była służba ludowi pracującemu Regionu Czarnej Ziemi. W repertuarze teatru znajdowały się wówczas nie tylko klasyczne operetki, ale także współczesne komedie muzyczne. Wysoki poziom wykonawców przyczynił się do tego, że występy zawsze cieszyły się dużym powodzeniem. W 1958 roku w Moskwie odbył się raport twórczy teatru. Odniósł sukces i spotkał się z dużym uznaniem publiczności oraz środowiska muzycznego stolicy. Podczas trasy przewodniczący Związku Kompozytorów ZSRR T.N. Chrennikow zaproponował przekształcenie teatru komedii muzycznej w Teatr Muzyczny. Propozycję tę poparło Ministerstwo Kultury i kierownictwo obwodu woroneskiego. Decyzja o przekształceniu teatru komedii muzycznej w Teatr Muzyczny zapadła w 1960 roku. Pierwszym przedstawieniem, które zapoczątkowało narodziny nowego teatru na ziemi woroneskiej, była opera P. Czajkowskiego „Eugeniusz Oniegin” wystawiona przez pierwszego głównego dyrygenta teatru W. Timofiejewa. Premiera odbyła się 25 lutego 1961 r. Ta data to urodziny teatru. Spektaklem „Jezioro łabędzie” zespół baletowy pod przewodnictwem utalentowanej choreografki T. Ramonowej rozpoczął swoją podróż w stronę wielkiej sztuki. W latach sześćdziesiątych w teatrze pracowali utalentowani dyrektorzy kreatywni, powszechnie znani w kraju: reżyser - Artysta Ludowy Białorusi S.A. Stein, główny choreograf - Czczony Artysta Białorusi K.A. Mullera, główny artysta- Czczony Artysta RSFSR V.L. Cybina. Okres twórczego rozwoju młodego zespołu związany jest z nazwiskiem Artysty Ludowego RSFSR, laureata Nagrody Państwowej Anatolija Aleksiejewicza Ludmilina – znakomitego dyrygenta, wrażliwego pedagoga i utalentowanego organizatora. Tworzył podwaliny klasycznego repertuaru operowego i baletowego w teatrze, wielokrotnie sięgając po twórczość swoich współczesnych. Pod jego kierownictwem wystawiono ponad 10 spektakli, m.in. „Aida”, „Rigoletto”, „La Traviata” G. Verdiego, „Carmen” G. Bizeta, „Tosca” i „Cio-Cio-San” G. Pucciniego, „Dama pik” P. Czajkowskiego, „Demon” A. Rubinsteina, „Lud Hydia” bułgarskiego kompozytora P. Hadzhieva, „ Lata ognia» A. Spadavecchia. W 1967 roku Artysta Ludowy ZSRR Jarosław Antonowicz Woszczak został zaproszony na stanowisko głównego dyrygenta. Kontynuował tradycje A. Ludmilina, z których główna jest wysoka kultura muzyczna teatr Wystawione przez niego opery „Mazeppa” P. Czajkowskiego, „Il Trovatore” G. Verdiego i „Rosjanka” K. Molchanova stały się prawdziwymi wydarzeniami teatralnymi, towarzyszyła im miłość publiczności i pochwały ze strony krytycy. Pod rządami Y.A. Voshchaka w 1968 roku Teatr Muzyczny został przemianowany na Państwowy Teatr Opery i Baletu w Woroneżu. W latach 70. znaczącą rolę w życiu twórczym teatru odegrali główni dyrygenci, Honorowy Artysta Kazachskiej SRR I.Z. Ostrovsky i Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej V.G. Wasiliew, główny reżyser, Honorowy Artysta Mołdawskiej SSR G.M. choreograf - Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej G.G. Malkhasyants, główny artysta - N.I. Kotov, główny chórmistrz, Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej L.L. Ditko. W latach 90. przybyło nowe kierownictwo: główny dyrygent, Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej Yu.P. Anisichkin, główny reżyser, Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej A.N. Zykov, główny artysta, Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej V.G. Kochiashvili. Przez ponad 10 lat dyrektorem artystycznym baletu była Artystka Ludowa Federacji Rosyjskiej N.G. Valitova. W 1999 roku grupą chóralną kierował laureat międzynarodowych konkursów V.K. Kushnikov. Od momentu otwarcia na scenie teatralnej wystawiono ponad 200 spektakli, obejmujących cały popularny klasyczny repertuar operowy i baletowy. Od pierwszych lat swojej działalności teatr za ważne zadanie w kształtowaniu swojego repertuaru uważał organiczne połączenie tradycji klasycznych z nowoczesne trendy sztuki muzyczne i teatralne. Opery „Córka Kuby” K. Listowa, „Twierdza Brzeska” i „Rosjanka” K. Mołczanowa oraz „Dziennik Anny Frank” G. Frieda, wystawione po raz pierwszy na scenie woroneskiej, otrzymały ogólnounijne uznanie. Produkcja opery „Twierdza Brzeska” (reżyser S. Stein, dyrygent G. Orłow, artysta V. Tsybin, chórmistrz V. Izhogin) spotkała się z szerokim odzewem. Zarówno prasa stołeczna, jak i lokalna zauważyła nie tylko umiejętności wokalne wykonawców, ale także wysokiej klasy kunszt, który pozwolił na stworzenie wizerunków żywych bohaterów. Spektakl został nagrodzony Dyplomem Honorowym Ogólnounijnego Konkursu Teatralnego. Teatr ściśle współpracuje z kompozytorami woroneskimi. W 1971 roku odbyła się premiera baletu „Pieśń o triumfującej miłości” do muzyki kompozytora i dyrygenta teatralnego M. Nosyrewa na podstawie twórczości I. Turgieniewa. Spektakl spotkał się z dużym uznaniem krytyki i widzów i pozostawał w repertuarze przez ponad 10 lat (dyrygent M. Nosyrev, choreograf D. Aripova, artysta B. Knoblock). We współpracy z kompozytorem G. Stavoninem powstała pierwsza opera woroneska „Oleko Dundich” (1972), którą T.N. Chrennikow nazwał „wspaniałym wydarzeniem w życiu muzycznym kraju” oraz symfonia baletowa „Opowieść o ziemi rosyjskiej” ” (1982) zostały wystawione. Z okazji 400-lecia Woroneża i 300-lecia rosyjskiej marynarki wojennej w 1986 roku teatr wystawił operę G. Stavonina „Vivat, Rosja!” Dziś w repertuarze teatru znajduje się ponad 40 tytułów – rosyjskich i klasyka zagraniczna, dzieła naszych współczesnych. W ciągu ostatnich dziesięcioleci w szeroko znanym w kraju teatrze pracowali soliści opery i baletu, którzy zdobyli uznanie dla swojego talentu: soliści opery Artyści Ludowi Federacji Rosyjskiej E. Poimanov, S. Kadantsev, Honorowi Artyści RSFSR F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E. Svetlova, V. Ryzvanovich, Y. Danilova (Artysta Ludowy Buriacji), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofeev, I. Denisov, I. Nepomnyashchiy, G. Kołmakow; soliści baletu, Artyści Ludowi Federacji Rosyjskiej N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - laureatka międzynarodowych konkursów baletowych w Moskwie, Paryżu, Warnie, jej nazwisko znalazło się w książce „The Best Performers of Giselle” opublikowanej w czasopiśmie „The Best Performers of Giselle” USA, Honorowi Artyści Federacji Rosyjskiej L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev. Co roku do teatru przyjeżdżają młodzi wykonawcy: absolwenci Woroneskiej Akademii Sztuk i krajowych konserwatoriów - do trupy operowej, Woroneskiej Szkoły Choreograficznej - do baletu, Woroneskiej Szkoły Muzycznej imienia Rostropowicza - do orkiestry i chóru teatr. Geografia tournée teatru jest obszerna. Sztukę mieszkańców Woroneża oklaskiwano w Niemczech, Hiszpanii, Czechach, Polsce, Austrii, Japonii, Finlandii i krajach Afryki. W 1996 roku balet „Śpiąca królewna” był pokazywany w 38 miastach Francji, a w latach 1997 i 1999 odbył tournée po Indiach. Od 2000 roku balet Woroneż koncertuje w Holandii, Niemczech i Belgii ze spektaklami „Giselle”, „Dziadek do orzechów” i „Śpiąca królewna”. W maju 2005 roku grupa baletowa wzięła udział w Międzynarodowy festiwal, poświęcony kreatywności P.I. Czajkowskiego, która odbyła się w Niemczech. W latach 2006 i 2009 teatr odbył tournée po USA i Kanadzie, gdzie pokazał balet „Kopciuszek” S. Prokofiewa, „Giselle” A. Adama oraz „Baśnie tysiąca i jednej nocy” F. Amirowa. Spektakle operowe „Trubadur” (dyrygent Mieczysław Nowakowski (Polska), reżyseria A. Zykov), „Otello” (dyrygent Yu. Anisichkin, reżyseria F. Safarov), „Dama pik” (dyrygent Yu. Anisichkin, reżyseria A. Zykov ) w latach 1999 i 2001 zostały pokazane w Holandii. Woroneski Teatr Opery i Baletu, jedyny w Centralnym Regionie Czarnej Ziemi, swoje zadanie widzi w promowaniu sztuki operowej i baletowej we wszystkich rejonach regionu, organizując spektakle gościnne, stale poszerzając geografię tournée. Zespół operowy Państwowego Teatru Opery i Baletu w Woroneżu Sopran koloraturowy Ekaterina Gavrilova Honorowa Artystka Federacji Rosyjskiej Ludmiła Marczenko Elena Petrichenko laureatka Międzynarodowego Konkursu Elena Povolyaeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova Sopranistka laureatka Ogólnorosyjskiego Konkursu Alexandra Dobrolyubova Galina Kunakovskaya Olga Maksimenko Artystka Ludowa Federacji Rosyjskiej Zoya Mitrof anova Irina Romanovskaya Nina Skrypnikova konserwowana artystka Federacji Rosyjskiej Alexandra Tyrzyu laureatka Międzynarodowego konkursu Ludmiła Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - sopran Tatyana Kibalova laureatka Międzynarodowego konkursu Elena Knyazeva Julia Pronyaeva Tenorzy laureatka Konkursy międzynarodowe Dmitrij Baszkirow Jewgienij Biełow Aleksiej Iwanow Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej Jurij Kraskow Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej Michaił Syrow Igor Chodiakow Barytony Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej Aleksander Anikin Leonid Worobiow Oleg Guryew Laureat międzynarodowych i ogólnorosyjskich konkursów Igor Gornostajew Siergiej Meshchersky Aleksiej Dyplom Tyukhina Międzynarodowego Konkursu Roman Dyudin Bas Nikolay Dyachok Honorowy Artysta Federacji Rosyjskiej Aleksander Nazarow Honorowy Artysta Buriacji Michaił Turchanis Iwan Czernyszow Szef trupy operowej Nadieżda Kopytina Dyrektorzy Alfred Melukha Sofya Shalagina Pomoc pseudonim reżysera , prezenter spektaklu, Czczony Robotnik Kultury Federacji Rosyjskiej Tatyana Kolesnichenko Koncertmistrzowie, zdobywczyni dyplomu Ogólnounijnego Konkursu Swietłana Andreeva Wiktoria Maryanowska Anatolij Maltsev