Kolekcję awangardowych litografii z prywatnych kolekcji łączy wystawa zorganizowana przez petersburskie centrum sztuki Perinnye Ryady, które wyruszyło w trasę koncertową muzea w Rosji do nowego roku (od 8 do 23 grudnia) pozostanie w Briańsku Muzeum Sztuki. Kandinsky, Małżeństwo, Chagall, Manet, Magritte,
Ernsta i innych przedstawicieli tamtej epoki! Było dzisiaj, podobało mi się, półtorej godziny kontemplacji i oswojenia się z pięknym..
PS: w samej sali jest dość zimno, więc idź w odzieży wierzchniej))
Historia awangardy
Termin " awangarda„pochodzi od francuskiego słowa” awangarda", co tłumaczy się jako " awangarda».
Awangarda w sztucełączy cała linia szkoły, które mają bardzo różne, a czasem zupełnie przeciwne, podstawy ideologiczne. Łączy artystów awangardowych z odrzuceniem klasycznej estetyki, nowatorskimi pomysłami i aktywnym poszukiwaniem eksperymentalnych metod realizacja artystyczna. Awangardowi artyści jako nowe sposoby malowania używali więc pistoletu natryskowego, szpatułki tynkarskiej, szmaty do podłogi, a nawet tubek z farbą rozgniatanych pod stopami dla uzyskania efektu „dzikiego mięsa”.
« Sztuka jest dla nas przygodą w nieznanym świecie, który odkrywają tylko ci, którzy są gotowi podjąć ryzyko. Jesteśmy za szerokim formatem, bo to burzy iluzję i odsłania prawdę” - pisali o sobie awangardziści i dodał: Nie ma czegoś takiego jak dobre malowanie o niczym».
Znani artyści awangardowi i cechy ich stylu
Artyści awangardowi nie rysowali, ale „myśleli” swoje obrazy. Widzieli cel kreatywności nie tylko w sztuce, ale w niszczeniu barier między nimi różne rodzaje sztuki, promocja nowych idei w malarstwie, muzyce i teatrze. Ich kreatywność stworzyła cały świat, który według Wassily'ego Kandinsky'ego „ nie miał nic wspólnego z rzeczywistością". Jego zdaniem jest to improwizacja w postaci kolorowych plam i kresek, a nie klasyczna fabuła, jest nosicielem zasady duchowej.
obraz Kandinsky'ego
O Wasiliju Kandinskim
Płótna znanych awangardowych artystów stały się odzwierciedleniem jasnych myśli niezwykłych osobowości. Jednocześnie prawie wszystkie ich prace na pierwszy rzut oka wydają się chaotyczne, co jest typowe dla twórczości geniuszy.
Większość artystów awangardowych w poszukiwaniu własnych obrazkowy język próbując przekroczyć najnowocześniejszą sztukę i starożytne tradycje. I tak Marc Chagall w cyklu litografii „Biblia Chagalla” odwołuje się do kultury żydowskiej, przedstawiając przodków narodu żydowskiego w naiwnej i emocjonalnej formie.
Marc Chagall „Ilustracja do Biblii”
O artyście Marcu Chagallu
Amerykańska awangarda nazywała siebie „ twórcy mitów”, ponieważ przedstawiały starożytne symbole indyjskich mitów
.
Karel Appel „Trzy postacie”
Artyści awangardowi Karel Appel i Pierre Aleshinsky chwalili w swojej twórczości sztukę ludów prymitywnych i kulturę outsiderów, tworząc obiekty artystyczne z przedmiotów znalezionych na wysypiskach śmieci. " Jeśli rysuję jak barbarzyńca, to tylko dlatego, że żyję w czasach barbarzyńców."- powiedział Karel Appel.
Twórczość wielu awangardowych artystów była nierozerwalnie związana z rewolucją. Tak więc po rewolucji 1945 roku w Wietnamie wielu artystów opuściło swoje domy i miasta, udając się wraz z partyzantami i oddziałami ruchu oporu do lasów. Właśnie w dżungli w 1950 roku zorganizowano szkołę artystyczną, na czele której stanął jeden z najlepszych lokalnych artystów awangardowych, To Igon Wan. Jego uczniowie wykonywali szkice z życia wojskowego, tworzyli patriotyczne plakaty propagandowe i ulotki.
Inni artyści rozszerzyli, a nawet wyszli poza awangardę, tworząc nowe prądy artystyczne. Na przykład Węgier Victor Visarelli został założycielem „ sztuka op"- sztuka," podstępny» oko i mózg widza poprzez złudzenia optyczne.
Victor Visarelli i awangarda na Węgrzech
Rozszerzanie granic Sztuka współczesna, awangardziści przenieśli światową stolicę sztuki ze starego Paryża do nowego, dynamicznego Nowego Jorku. Brak specyfiki naturalizmu, prosta i jasna kolorystyka, nieskomplikowana konstrukcja proste przedmioty tak charakterystyczne dla awangardy antycypowało pojawienie się nowego styl artystyczny- minimalizm.
Inne obrazy z wystawy "Awangarda XX wieku"
Alana D'Arcangello
Andrzej Marchand
Bernard Bufet
Claude'a Mühlhausena
Rene Magritte'a
Salvador Dali
Opublikowano 11 listopada 17th, 2012 o 19:00 |
Na początku XX wieku w Rosji pojawił się jeden z nurtów, który wywodzi się z modernizmu i został nazwany „rosyjską awangardą”. Dosłownie brzmi to jak avant – „naprzód” i garde – „straż”, ale przeszło tzw. modernizację i zabrzmiało jak „awangarda”. W rzeczywistości założycielami tego nurtu był XIX wiek, który propagował negowanie jakichkolwiek fundamentalnych dla wszystkich czasów podstaw istnienia sztuki. Głównym celem artystów awangardowych było zaprzeczenie tradycji i niepisanych praw umiejętności artystycznych.
Awangarda i jej nurty
Rosyjska awangarda to połączenie rosyjskich tradycji z pewnymi technikami Zachodni malarstwo europejskie. W Rosji artyści awangardowi to ci, którzy malowali w stylu abstrakcjonizmu, suprematyzmu, konstruktywizmu i kubofuturyzmu. Właściwie te cztery nurty są głównymi kierunkami awangardy.
Cechy artystyczne i estetyka awangardy
Ruch awangardowy charakteryzuje się pewnymi cechami, które odróżniają go od innych dziedzin:
- Awangardowcy są mile widziani zmiana społeczna jak rewolucje.
- Przepływ charakteryzuje się pewną dwoistością, na przykład racjonalizmem i irracjonalnością.
- Uznanie, podziw i podziw dla postępu naukowego i technicznego.
- Nowe formy, techniki i środki niespotykane wcześniej w świecie sztuki.
- Całkowite odrzucenie Dzieła wizualne VIII wiek.
- Zaprzeczenie lub uznanie tradycji, ustalonych podstaw w malarstwie.
- Eksperymenty z kształtami, kolorami i odcieniami.
Wasilij Kandinsky
Wszyscy artyści awangardowi XX wieku są „dziećmi” Wassily'ego Kandinsky'ego, który stał się założycielem awangardy w Rosji. Cała jego praca jest podzielona na 3 etapy:
- W okresie monachijskim Kandinsky pracował nad krajobrazami, tworząc takie arcydzieła jak „ niebieski jeździec”, „Śluza”, „Wybrzeże Zatoki Perskiej w Holandii”, „Stare Miasto”.
- Okres moskiewski. Bardzo znane obrazy tego okresu „Amazonka” i „Amazonka w górach”.
- Bauhausu i Paryża. Koło jest używane coraz częściej niż inne figury geometryczne, a odcienie skłaniają się ku zimnym i spokojnym tonom. Dzieła tego okresu to „Mały sen w czerwieni”, „Kompozycja VIII”, „Small Worlds”, „Yellow Sound”, „Bizarre”.
Kazimierz Malewicz
Kazimierz Malewicz urodził się w lutym 1879 roku w Kijowie w polskiej rodzinie. Po raz pierwszy jako artysta spróbował swoich sił w wieku 15 lat, kiedy wręczono mu zestaw farb. Odtąd dla Malewicza nie było spraw ważniejszych niż malarstwo. Ale rodzice nie podzielali hobby syna i nalegali na poważniejsze i dochodowy zawód. Dlatego Malewicz wstąpił do szkoły agronomicznej. Po przeprowadzce do Kurska w 1896 r. poznaje Lwa Kwaczewskiego, artystę, który radzi Kazimierzowi wyjazd na studia do Moskwy. Niestety, Malewiczowi dwukrotnie nie udało się wejść Szkoła moskiewska obraz. Rzemiosła zaczął uczyć się od Rerberga, który nie tylko uczył młody artysta, ale też dbał o niego na wszelkie możliwe sposoby: organizował wystawy jego prac, prezentował go publiczności. Zarówno wcześnie, jak i później działa K. Malewicz to pompatyczność i emocjonalność. Podobnie jak inni Rosjanie, łączy w swoich pracach przyzwoitość i obsceniczność, ale wszystkie obrazy łączy ironia i zamyślenie. W 1915 roku Malewicz zaprezentował publiczności serię awangardowych obrazów, z których najsłynniejszym jest Czarny kwadrat. Wśród wielu prac zarówno fani, jak i awangardowi artyści wyróżnili „Some Malicious”, „Rest. Społeczeństwo w cylindrach”, „Siostry”, „Płótno na płocie”, „Tors”, „Ogrodnik”, „Kościół”, „Dwie driady”, „Kompozycja kubofuturystyczna”.
Michaił Łarionow
Studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Jego mentorami byli znani malarze jak Korowin, Lewitan i Serow. W wczesna praca Larionova pojawiają się nuty nieodłącznie związane z twórczością Niestierowa i Kuzniecowa, którzy bynajmniej nie są artystami awangardowymi, a ich obrazy nie należą do tego nurtu. Charakterystyczne dla Larionova są również takie kierunki jak Sztuka ludowa, prymitywizm. Wojskowe podteksty przemykają, jak Odpoczywający żołnierze i Teoria perfekcyjne piękno, oświetlony na obrazach „Wenus” i „Katsapskaya Venus”. Podobnie jak inni radzieccy artyści awangardowi, Larionov wziął udział w wystawie „ ogon osła" I " Jacka Diamentów».
Natalia Gonczarowa
Początkowo Goncharova studiowała rzeźbę i dopiero ostatecznie przerzuciła się na malarstwo. Jej pierwszym mentorem był Korovin iw tym okresie zachwycała wystawami swoimi obrazami w duchu impresjonizmu. Potem pociągał ją temat sztuki i tradycji chłopskiej. różne narody i epok. To było powodem pojawienia się takich obrazów jak „Ewangeliści”, „Żniwo chleba”, „Matka”, „Okrągły taniec”. I ucieleśnienie na płótnie pomysłu nieśmiertelna sztuka stały się obrazami „Orchidee” i „Promienne lilie”
Olga Rozanowa
Jak większość artystów, po ukończeniu studiów Rozanova znalazła się pod wpływem innych malarzy. Awangardowi artyści przedstawili młodą, utalentowaną dziewczynę życie publiczne, a przez 10 lat swojej działalności brała udział w wielu wystawach, zaprojektowała wiele książek i produkcji. Rozanova przeszła kilka etapów twórczości, zmieniła style i kierunki.
Ivan Klyunkov (Klyun)
Twórcza ścieżka Iwana Klyuna zmieniła się dramatycznie po spotkaniu z Malewiczem. Jeszcze przed spotkaniem z nim artysta studiował malarstwo francuskie i odwiedził wystawę Jack of Diamonds. Po fatalne spotkanie Klyun uzupełnia swoją kolekcję obrazami „Gramofon”, „Dzbanek” i „Biegnący krajobraz”. Późniejsze prace artysta wykonał w stylu malarstwo figuratywne, tworząc kompozycje, martwe natury, ilustracje.
Aleksandra Ekstra
Exter została artystką dzięki temu, że los sprowadził ją do takiego świata znany artysta jak Picasso, Jacob, Braque, Apollinaire, wśród których byli artyści awangardowi.
Po wycieczce Exter zaczął malować w stylu impresjonistycznym, a obrazy „Martwa natura z wazonem i kwiatami” oraz „Trzy postacie kobiece". Z czasem w pracach zaczął pojawiać się puentylizm i kubizm. Alexandra prezentowała swoje obrazy na wystawach. Później artysta dużo czasu poświęcał nieobiektywnym kompozycjom i malowaniu parawanów, abażurów, poduszek, a także projektowaniu spektakli teatralnych.
Władimir Tatlin
Tatlin rozpoczął studia w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, a następnie w Penzie Szkoła Artystyczna. Ale z powodu częstych nieobecności i słabych wyników w nauce został wydalony bez dyplomu. Już w 1914 roku Tatlin wystawiał swoje prace na wystawach Jack of Diamonds i Donkey's Tail. Zasadniczo jego obrazy są związane z wędkarską codziennością. Ważna rola spotkanie z Picassem wpisuje się w zmianę kierunku: to po niej Tatlin zaczął tworzyć w stylu kubizmu iw stylu „wpływów Lariona”. Jego twórczość odzwierciedlała konstrukcje wykonane z drewna i żelaza i stała się podstawą ruchu konstruktywistycznego w rosyjskiej awangardzie.
El Lissitzky
Po raz pierwszy Lissitzky zetknął się z malarstwem w Żydowskim Towarzystwie Zachęty Sztuki, w którym działał od 1916 roku. W tym czasie nie tylko ilustrował żydowskie publikacje, ale także aktywnie uczestniczył w wystawach odbywających się w Moskwie i Kijowie. Prace autora harmonijnie łączą odręczne zwoje i grafiki World of Art. Po przybyciu do Witebska Lissitzky lubi nieobiektywną twórczość, projektuje książki i plakaty. Pomysłodawcą El są "prouny" - trójwymiarowe figury, które do dziś są podstawą produkcji mebli.
Lubow Popowa
Jak większość artystów, Popova przeszła wieloetapową ścieżkę rozwoju: jej wczesne prace powstały w stylu Cezanne'a, później pojawiły się cechy kubizmu, fowizmu i futuryzmu. Popova postrzegała świat jako wielką martwą naturę i przeniosła go na płótno w formie obrazy graficzne. Specjalna uwaga Miłość oddana dźwiękom kolorów. To właśnie odróżniało jej twórczość od twórczości Malewicza. Zajmując się projektowaniem produkcji teatralnych, Popova zastosowała styl art deco, który harmonijnie łączył awangardę i nowoczesność. Artysta często łączył niestosowny, na przykład kubizm, z renesansowym i rosyjskim malarstwem ikon.
Rola rosyjskiej awangardy w historii
Wiele dokonań artystów awangardowych jest nadal wykorzystywanych w sztuce współczesnej, mimo że sama awangarda jako nurt nie trwała długo. Główną przyczyną jego upadku jest wielość kierunków, które stworzyli awangardowi artyści. Awangarda jako sztuka umożliwiła rozwój przemysłu fotograficznego i filmowego, umożliwiła wypracowanie nowych form, podejść i rozwiązań w rozwiązywaniu problemów artystycznych.
A architektoniczna awangarda narodziła się w pierwszej połowie XX wieku, kiedy młodzi architekci postanowili porzucić stare, przestarzałe tradycje. Szukali nowych rozwiązań przestrzennych i form, innej wyrazistości estetycznej, wykorzystywali najnowsze materiały (żelbet) i osiągnięcia nauki inżynierskiej. Nowe potrzeby społeczne ludzi dały początek nowym typom budynków: domy komunalne, fabryki kuchni, pałace pracy, kluby robotnicze.
Jednak było ciężko czas porewolucyjny kiedy z powodu braku funduszy, a często po prostu braku materiałów i wykwalifikowanych pracowników, niełatwo było zrealizować pomysły architektów. A nowatorskie eksperymenty sprowadzały się czasem do licznych projektów „papierowej architektury”, które wyprzedzały możliwości techniczne swoich czasów, ale nigdy nie zostały zrealizowane.
Rozważmy 10 projektów architektonicznych awangardy radzieckiej z lat 20. i 30. – zarówno zrealizowanych, jak i pozostających tylko w planach.
Wieża telewizyjna Shabolovskaya
W 1920 roku Władimir Szuchow rozpoczął budowę słynnej wieży radiowej na Szabołowce. Wysokość wieży wynosi 150 metrów - to sześć poziomów po 25 metrów każdy. Projekt był bardzo prosty: proste stalowe pręty, przecinające się, tworzyły siatkę. Siatka była trzymana na pierścieniowych podstawach wieży. Wszystkie części były połączone nitami, co dawało im mobilność.
W efekcie powstała lekka, sztywna i bardzo wytrzymała konstrukcja, która wytrzymała nie tylko silne podmuchy wiatru, ale także ostre uderzenia. W 1939 roku mały jednosilnikowy samolot zahaczył o linę i rozbił się. Wieża przetrwała, nie wymagała nawet napraw.
Dom-warsztat Konstantina Mielnikowa na Krivoarbatsky Lane
Twórczość Konstantina Mielnikowa nie mieści się w ramach żadnego konkretnego stylu. Jego projekty były nowatorskie i odważne, za każdym razem architekt tworzył oryginalne konstrukcje. Jego własny dom stał się także platformą do eksperymentów.
Kształt budynku to dwa cylindry o różnej wysokości, jeden osadzony w drugim. Architekt dużo eksperymentował z oświetleniem: fasada domu jest przeszklona i ma ogromne okno. Pozostałe 38 sześciokątnych okien zapewnia rozproszone światło w pomieszczeniach. Konstrukcje ścian i stropów są nie tylko oryginalne - w konstrukcji wykorzystano wynalazki techniczne Konstantego Mielnikowa, które później opatentował.
Klub Iwana Rusakowa
Konstantin Melnikov wniósł wielki wkład w tworzenie klubów robotniczych. Główna cecha jego budynki miały zdolność przekształcania przestrzeni od wewnątrz. W klubie Rusakov kilka sal można było przekształcić w jedną dużą salę za pomocą ruchomych ścianek działowych.
Mielnikowowi udało się zwiększyć powierzchnię budynku: tutaj po raz pierwszy na świecie pomieszczenia wewnętrzne zostały przeniesione na zewnątrz. Balkony widowni znajdują się w trzech „zębach-wypustach”, które tworzą oryginalny wygląd fasada, a budynek wygląda jak koło zębate.
Fabryka obuwia klubowego „Burewestnik”
Klub powstał w latach 1929-1930. Na drugim piętrze znajdowała się widownia mogąca pomieścić 700 osób, do której przylegała hala sportowa. Mielnikow zastosował swoją ulubioną technikę transformacji – projektuje ruchomą ścianę, która umożliwiła połączenie tych pomieszczeń.
Architekt zaplanował budynek tak, aby foyer na parterze mogło zamienić się w basen. Widzowie w parterach miały schodzić do niższych pomieszczeń, zamiast nich pojawiłaby się miska basenowa, a boczne siedzenia stałyby się trybunami. Ale ten plan nie został zrealizowany. Ze względów praktycznych podczas budowy klubu trzeba było uprościć idee architekta.
Klub związku zawodowego robotników komunalnych imienia Siergieja Zujewa
Projekt klubu zgłosił do konkursu w 1926 roku architekt Ilja Gołosow. W przeciwieństwie do Konstantina Mielnikowa Gołosow stworzył zwartą kompozycję opartą na regularnych bryłach geometrycznych.
Klub robotniczy zaprojektowany przez Gołosowa miał przypominać budynek przemysłowy. Fasada pozbawiona jest jakiegokolwiek wystroju, ale połączenie różnych geometrycznych kształtów przyciąga wzrok. Narożnik kwadratowego budynku zaprojektowano jako szklany walec (umieszczono w nim główną spiralną klatkę schodową). U jego podstawy znajdują się prostokątne okna, a na poziomie trzeciej kondygnacji „pas” przypominający fabryczną galerię przejściową.
Pałac Kultury Zakładów Samochodowych im. Iwana Lichaczowa
Pałac Kultury ZIL został zbudowany na terenie klasztoru Simonov według projektu braci Vesnin w latach 1930-1937, który obejmował stworzenie nie tylko oddzielnej struktury, ale kompleksu budynków na dużą skalę: sala teatralna, budynek sportowy, sala wykładowa, sala kinowa, laboratorium, sale lekcyjne, biblioteka, ogród zimowy, obserwatorium.
Na projekt wpłynął styl konstruktywizmu: i funkcjonalność przestrzenie wewnętrzne oraz w projekcie zewnętrznym.
Echa planu z lat 30 ogólne trendy w budowie. W tym czasie zaczynają pojawiać się monumentalne i majestatyczne budowle architektury stalinowskiej, ale formy i rozwiązania kompozycyjne pozostać w tyle za konstruktywizmem.
Planetarium
Moskiewskie Planetarium stało się 13. na świecie i pierwszym w kraju. Budynek ten miał stać się placówką naukową i edukacyjną. Urządzenie projekcyjne „Planetarium”, w które wyposażono budynek, pochodziło z lat 20. XX wieku najnowszy wynalazek. Pomimo braku środków budżetowych Rada Moskiewska przeznaczyła na ten projekt 250 tysięcy rubli. Autorami projektu budowlanego byli Michaił Barszcz i Michaił Siniawski.
Podstawa niezwykłości kompozycja architektoniczna stała się żelbetową kopułą. Projektując go, architekci wzięli za wzór naturalna forma jajka. Okrągła sala pod kopułą ma średnicę 25 metrów i jest przeznaczona na 500 miejsc.
Pałac Pracy (projekt niezrealizowany)
W latach 1922-1923 ogłoszono konkurs na utworzenie publicznego i Centrum Kultury- Pałac Pracy. W konkursie wzięło udział wielu architektów, ale zwyciężył projekt braci Vesnin. Był pierwszym przykładem nowego nurtu w architekturze – konstruktywizmu. Przewidziano tu ogromną aulę na 8000 osób, kilka mniejszych sal, pomieszczenia dla uczelni, muzeum, rozgłośnię radiową, obserwatorium astronomiczne, bibliotekę, sekcje sportowe i klub. Architekci zaplanowali wykorzystanie nowy materiał- konstrukcje żelbetowe. Skala przedsięwzięcia była zupełnie nieporównywalna z ówczesnymi realiami, dlatego pałac nigdy nie powstał.
Projekt moskiewskiego oddziału gazety „Leningradskaja Prawda”
W 1924 r. Ogłoszono konkurs na projekt budynku moskiewskiego oddziału redakcji gazety Leningradzka Prawda z „żelaza, szkła i żelbetu”. Architekci bracia Vesnin tworzą lakoniczny projekt budynku, wyraźnie pokazujący możliwości estetyczne nowa architektura. Szkielet pawilonu wykonano z betonu zbrojonego, ściany i kabiny wind wykonano ze szkła. Na elewacji umieszczono tablicę informacyjną, przypominającą współczesne ekrany reklamowe. Sześciopiętrowy budynek miał stanąć na maleńkiej działce o wymiarach 6 × 6 metrów, mieścił w nim kiosk z gazetami, czytelnię, pomieszczenia biurowe i redakcję gazety.
Latające miasto Georgy Krutikov
„Latające miasto” Georgy'ego Krutikowa było jego pracą dyplomową w Wyższej Szkole Artystyczno-Technicznej. Według architekta, aby go stworzyć, spędził 15 lat. Oczywiście projekt spotkał się z krytyką za fantastyczny pomysł, daleki od rzeczywistości i „oddzielenie nauki od praktyki”.
Georgy Krutikov opracował swój projekt w oparciu o teorię architektury mobilnej: bardziej celowe jest wznoszenie budynków mieszkalnych na wysokość i wykorzystywanie terenu do rekreacji, turystyki i pracy. Komunikacja z osiedlem miała odbywać się za pomocą uniwersalnej kabiny, która mogła latać, jeździć po lądzie i pływać pod wodą.
Architekt i jego nauczyciele wierzyli, że taki projekt miejski będzie mógł zostać w końcu zrealizowany, kiedy będzie to dozwolone. postęp techniczny i nauka.
"Do mojego Praca dyplomowa Krutikow podszedł do sprawy w szczególny sposób - patrzył przed siebie bardziej, niż to zwykle bywa w sprawach urbanistycznych. Problemy związku między architekturą a życiem żywym, stawiane sobie przez Krutikowa świadomie i jasno, należy uznać za rozwiązane przez niego z talentem.
Iwan Rylski, dziekan Wydziału Architektury
Nie jestem fanką sztuki awangardowej i abstrakcyjnej. Ale w krótkim czasie wydarzyły się dwa wydarzenia, które „zwróciły” mnie w stronę tego gatunku. Ostatnia z nich to ciekawe spojrzenie na abstrakcję uczestniczki konkursu Swietłany Randzhelovich. A pierwszym wydarzeniem, o którym będzie ten wpis, jest oszałamiająca wystawa „Awangarda. Przestrzeń kolorów i form”, którą ostatnio odwiedziłem w Kijowie. Przy okazji jeszcze raz dziękuję moim ukochanym kijowskim przyjaciołom, którzy zaprosili mnie na tę wystawę!
awangarda, artyści, lista
Na początek wymienię po prostu artystów awangardowych, którzy byli prezentowani na tej wystawie. No, może z małym wstępem o tym, czym jest awangarda w malarstwie. Nie będę nawet w najmniejszym stopniu przypominać krytyka sztuki, ale powiem tak, jak rozumiem, czyli nieco upraszczając. Począwszy od „złotego wieku” w sztuce – renesansu, przez wszystkie kolejne czasy, aż do końca XIX wieku, artyści czasem bardzo pilnie, czasem nie bardzo, w swoich obrazach pokazali świat takim, jakim widzi go ludzkie oko. Być może najbardziej „rewolucyjnym” trendem tego okresu był impresjonizm. Ale impresjoniści, proklamując nową zasadę prymatu wrażenia, nadal ogólnie przestrzegali zasad perspektywy, światła i cienia, trójwymiarowych tomów.
Pod koniec XIX i na początku XX wieku w malarstwie europejskim szybko rozwijał się nowy nurt: awangarda. W tłumaczeniu z francuskiego słowo to oznacza „awangardę”. Wszystko inne zależy od krytyków sztuki. Lub samodzielnie zajmij się zaletami i treścią tego trendu. nie biorę tego. Teraz przechodzę do listy artystów awangardowych:
- Juan Gris (1887-1927), Hiszpania. Jeden z twórców kubizmu. Ulubiony gatunek to martwa natura.
- Edward Munch (1863-1944), Norwegia. artysta teatralny i wykres. Munch stworzył cztery jego wersje słynna seria obrazy „Krzyk”, napisane różnymi technikami. Jeden z nich (pastel) został sprzedany w prywatne ręce na aukcji w 2012 roku za 119 922 500 dolarów.
Edvard Munch „Krzyk”
- Amedeo Modigliani (1884-1920), Włochy. Artysta i rzeźbiarz, przedstawiciel ekspresjonizmu. Twórczość Modiglianiego wyróżnia się, nie można jej przypisać żadnemu ze znanych wówczas gatunków.
Modigliani „Portret Jeanne Hebuterne”
- Egon Schiele (1890-1918), Austria. Ulubiony gatunek: portrety i pejzaże.
- Ernsta Kirchnera (1880-1938), Niemcy. Założyciel niemieckiego ekspresjonizmu.
- August Macke (1887-1914), Niemcy. Ulubione historie: życie miasta, ogrody i krajobrazy, architektura miejska.
August Macke „Restauracja w ogrodzie”
- Franciszek Marek (1880-1916), Niemcy. Rozwinięty własna teoria kolor, w którym każdy kolor odpowiada specjalnemu znaczenie duchowe. Ulubiona fabuła: niebieskie, czerwone, żółte, zielone konie.
- Robert Delaunay (1885-1941), Francja. nie miał specjalnego Edukacja plastyczna. Pracował nad stworzeniem „architektury koloru”. Zaprojektował scenografię do kilku przedstawień słynnego zespół baletowy S. Diagilew.
- Aleksiej Jawlenski (1864-1941), Rosja. Służył jako oficer gwardii, ale uczęszczał do klasy Ilyi Repin, a następnie całkowicie poświęcił się sztuce.
- Wasilij Kandinsky (1866-1944), Rosja. Artysta, teoretyk sztuki, poeta.
- Kazimierz Malewicz (1879-1935), ZSRR. Malewicz nie miał systematycznej edukacji, stopniowo robiąc w różnych pracowniach i bardziej polegając na praktyce.
Jestem spokojny o to, że nie rozumiem takiej twórczości, wierząc, że każda wizja świata ma prawo do życia. Ale nie miałem zamiaru iść na awangardową wystawę. A wystawa nie była prosta, ale magiczna…
Wystawa w Kijowie
Nie wiem, jak znaleźć odpowiednie słowa, ale to nie jest pokaz statycznych obrazów. Wystawa nazywa się pokazem audiowizualnym lub projektem multimedialnym - więc zrozum, kto może to zrobić. Ogromny pokój, którego ściany zamieniły się w solidny ekran. 52 projektory odtwarzają na nim wersje obrazów. Ale znowu - nie statycznie, dla każdej postaci jest obliczane: jak by się poruszał, gdyby został "uruchomiony" jak mechaniczna lalka. Wszystkie kolory są również rozłożone na wiele opalizujących i płynnych składników. To w dodatku niezwykłe widowisko, któremu towarzyszy wspaniale dobrana muzyka. Znalazłem kilka filmów, które są w większości W ogólnych warunkach może dać ci wyobrażenie o wystawie.
Klasyczna rosyjska awangarda to fenomenalne zjawisko początku ubiegłego stulecia, obejmujące wszystkie dziedziny sztuki: od malarstwa i architektury po projektowanie i druk. A skąd czerpią inspirację? współcześni mistrzowie z całego świata, jeśli nie z rosyjskiej awangardy?
Wasilij Kandinsky
Czy dopiero impresjonistyczny „Stóg siana” Claude'a Moneta zmusił prawnika Wassily'ego Kandinsky'ego do profesjonalnego malowania? Zapewne ważna była też wyprawa Wołogda, podczas której był zdumiony, znajdując się wewnątrz chłopskiej chaty-obrazu, oraz dokonane przez światową naukę odkrycie podziału atomu, polegające na „rozłożeniu” świata na cząstki niematerialne, oraz opera Wagnera Lohengrin, podczas której Kandinsky wyraźnie widział kolory dźwięków. Bez względu na przyczyny były prawnik wszedł do historii sztuki światowej jako teoretyk rosyjskiej sztuki abstrakcyjnej, mimo że zmarł jako obywatel francuski.
Kazimierz Malewicz
Inna metafizyka koloru, odrzucenie dosłownego postrzegania rzeczywistości, przejście do „czystych” płaszczyzn – teoria suprematyzmu Malewicza początkowo nie znalazła zrozumienia wśród kolegów kubistów, ale to nie przeszkodziło jej stać się światową koncepcją twórczości awangardowej. „Czarny kwadrat” stał się „zerem form”, pozwalającym na wyjście z „kręgu rzeczy”. Oprócz fundamentalnych prac z zakresu teorii suprematyzmu i uznanych światowych arcydzieł, autorstwo Malewicza należy na przykład do projektu kubka z kwadratowym uchem - bardzo niewygodnego, ale bardzo oryginalnego.
Władimir Tatlin
Przodek rosyjskiego konstruktywizmu był zagorzałym przeciwnikiem Malewicza. Według jednej z opowieści rzekomo wytrącił krzesło spod teoretyka suprematyzmu i zaproponował, że usiądzie na kolorze i geometrii. Tatlin opowiadał się za połączeniem sztuki z życiem, a niemieccy dadaiści inspirowali się jego rewolucyjnymi ideami. Wieża Tatlin, choć pozostała tylko projektem, do dziś uważana jest za jeden z symboli światowej awangardy. Żelazna konstrukcja pomnika obejmująca siedem spiralnych budynków różne kształty, został pomyślany jako symbol zjednoczenia ludzi, którzy przestali się rozumieć podczas budowy Wieża Babel. Pomnik III Międzynarodówki miał też cel praktyczny – mieli w nim pracować członkowie Kominternu.
Paweł Filonow
Próbując oprzeć się metodzie „malowniczej anegdoty” Malewicza i Tatlina w 1914 r., Filonow i jego towarzysze opublikowali „Made Pictures” - manifest sztuki analitycznej, którego główną ideą jest „uparcie rysować każdy atom”. W 1936 roku lider rosyjskiej awangardy został oskarżony o „formalizm”. W tym samym czasie pojawia się „filonowizm” - symbol sztuki nieproletariackiej. Prace Filonowa zdobią tylko ściany jego skromnego mieszkania, a on sam głoduje, nieregularnie otrzymuje emeryturę ” badacz trzecia klasa." Paweł Nikołajewicz zmarł w pierwszych dniach blokady Leningradu na dachu domu podczas kolejnej służby podczas niemieckich nalotów. Jego teorie miałyby znaczący wpływ na kolejne pokolenia artystów i pisarzy.
El Lissitzky
Osoba, która stworzyła nowy rodzaj kreatywność w Kraju Sowietów - projektowanie -
i wraz z Malewiczem rozwinął podwaliny suprematyzmu, wszedł do historii światowej architektury jako autor poziomych drapaczy chmur. Kiedy Lazar Mordukhovich (prawdziwe nazwisko El Lissitzky) przedstawił swój pierwszy projekt w ZSRR, został odrzucony: nie można zbudować czegoś takiego. Same budynki oparte są na trzech solidnych filarach z szybami windowymi. Później podobne projekty realizowali architekci w Holandii, Niemczech, Chinach, Ekwadorze. Projektanci Moskiewskiej Szkoły Zarządzania Skolkovo również skorzystali z pomysłów Lissitzky'ego.
Warwara Stiepanowa
Varvara Feodorovna była nie tylko współautorką wielu prac swojego męża Aleksandra Rodczenki, ale także działała samodzielnie, wystawiając awangardowe obrazy pod pseudonimem Varst. Jest szeroko znany dzieła rewolucyjne w zakresie projektowania tekstyliów dla Pierwszej Drukarni Bawełny. Dzieląc główne idee konstruktywizmu i traktując modę jako zjawisko burżuazyjne, zaprojektowała kombinezony - Nowa forma dla pracowników, które powinny być funkcjonalne, proste, ergonomiczne. Wraz z Lyubovem Popovą opracowała nowe nadruki na tkaninach. Płatki kwiatów zostały zastąpione abstrakcjami geometrycznymi. W sowieckich sklepach tekstylia a la Stepanova były odrywane rękami.
Aleksandra Ekstra
Wraz z Popovą i Stepanovą jeden z Kluczowe dane popularne dziś Art Deco Alexandra Ekster. Stała się autorką wielu prac dla teatru. Jej kostiumy do filmu science fiction Aelita z 1924 roku zostały entuzjastycznie przyjęte w Wenecji i Paryżu i pozwoliły jej otrzymać zamówienie na serię lalek inspirowanych amerykańskim pop-artem lat 50. i 60. XX wieku. Co ciekawe, Exter był częścią grupy projektantów mody, którzy opracowali mundur dla Armii Czerwonej – szary płaszcz i słynną Budionowkę.
Władimir Szuchow
Według projektów wybitnego rosyjskiego inżyniera i architekta Władimira Szuchowa na całym świecie zbudowano ponad dwieście wież, w tym słynną wieżę nadawczą na Szabołowce. Opracował technologie budowlane dla przemysłu naftowego, rurociągów i budowy mostów. Idee akademika stały się podstawą architektury awangardowej. W szczególności jako pierwszy na świecie zastosował kształty hiperboloidalne i skorupy z siatki stalowej jako konstrukcję nośną budynku. Rozwiązania Shukhova są aktywnie wykorzystywane przez nowoczesnych architektów high-tech Fuller i Foster.
Bracia Vesninowie
Bardzo słynny projekt Radzieccy architekci konstruktywistyczni Aleksander, Wiktor i Leonid Wesnin uważani są za projekt Moskiewskiego Pałacu Kultury ZiŁ. Jak na lata 30. rozwiązania proponowane przez architektów były odważne i niezaprzeczalnie nowatorskie. Przy 23 tys metry kwadratowe mieścił się audytoria, obszerne sale, biblioteka, ogród zimowy i obserwatorium na dachu. Co ciekawe, nie trzeba było długo szukać miejsca do kręcenia poszczególnych scen stylowych jak na swoje czasy „Czarodziejów” – awangardowe wnętrza stworzone przez Vesninów pasowały idealnie. Ponadto bracia zaprojektowali duża liczba oryginalne budynki, które zostały zbudowane w całej Rosji.
ASNOWA
Drukarnia pisma „Iskra”, 1930-1932
W 1923 r., w opozycji do konstruktywistów i klasycznych stowarzyszeń architektonicznych, racjonaliści utworzyli Stowarzyszenie Nowych Architektów (ASNOVA). Przedstawiciele racjonalnego kierunku rosyjskiej awangardy projektowali funkcjonalne i lakoniczne budynki o surowych formach, przywiązując dużą wagę do psychologicznego postrzegania obiektu. Nikolai Ladovsky został kreatywnym liderem stowarzyszenia. W szczególności zaproponował zbudowanie Moskwy wzdłuż paraboli. Według jego projektu centralna oś rosyjskiej stolicy pokrywała się z ulicą Twerską, a samo miasto, rozrastające się na północny zachód, miało docelowo połączyć się z Petersburgiem. W 1928 roku jeden ze studentów Ładowskiego, Gieorgij Krutikow, przedstawił rewelacyjny projekt pływającego miasta-gminy. Nie został zrealizowany, w przeciwieństwie do projektu Dworca Północnego w Moskwie autorstwa Władimira Krińskiego, najbliższego współpracownika Ładowskiego.
Konstantin Mielnikow
W latach 30. otrzymał Konstantin Mielnikow światowe uznanie jako klasyka rosyjskiej awangardy. Dom Mielnikowa na Krivoarbatsky Lane stał się kultowym obiektem światowej architektury. W Moskwie zachowało się kilkanaście budynków zaprojektowanych przez architekta, które konkurują ze sobą w oryginalności. Dom Kultury Rusakowa dla pracowników zajezdni tramwajowej wieńczy wystająca z fasady gigantyczna przekładnia; środkowa fasada klubu fabrycznego Svoboda na Vyatskaya jest wykonana w formie równoległościanu. Główne wejście do Parku Gorkiego również zaprojektował Mielnikow. Co ciekawe, jego projekt sarkofagu Lenina w formie kryształu został uznany za najlepszy przez komisję pod przewodnictwem Dzierżyńskiego.
Natalia Gonczarowa
Jedna z „Amazonek awangardy” Natalia Gonczarowa stała u początków rosyjskiego prymitywizmu. Pierwsze wystawiane przez nią prace, przedstawiające nagie modelki, zostały nazwane pornograficznymi i późne obrazy usuwane z wystaw z powodów religijnych. Obrazy Gonczarowej są przystępne i zrozumiałe. Przez całe życie nawoływała, by „nie podążać za tradycją, lecz nią żyć”, czerpiąc inspirację z rosyjskiego luboku i innych rodzajów Sztuka ludowa. W dobie rozkwitu indywidualizmu propagowała jego odrzucenie. Cwietajewa, która przyjaźniła się z Gonczarową, napisała, że \u200b\u200bpracuje „bez katastrof”: „zawsze, wszędzie i we wszystkim”.
Michaił Łarionow
Nazwisko Natalii Gonczarowej jest nierozerwalnie związane w historii rosyjskiej awangardy z jej mężem Michaiłem Łarionowem. Zaczyna jako impresjonista, ale ostatecznie dochodzi do prymitywizmu. Pojawienie się rosyjskiego abstrakcjonizmu jest zwykle kojarzone z obrazem Larionova „Szkło”. Do roku 1912 stał się ideologicznym inspiratorem i teoretykiem nowego kierunku twórczości nieobiektywnej – rajonizmu. Przez prawie 10 lat wraz z żoną będzie pracował nad scenografią i kostiumami do przedstawień Pór rosyjskich Diagilewa w Paryżu.
Arystarch Lentułow
Talent klasyka rosyjskiej awangardy nazwano wesołym, temperamentem - gwałtownym, miłością życia - ujmującym. Za niezwykły kolor płócien przyjaciele żartobliwie nazywali Arystarcha Wasiljewicza Jarila, a jego koledzy wysoko cenili jego odważne, czasem desperackie eksperymenty. Lentułow przedkładał sztukę nad rangę kapłana - odważną, pogodną, obalającą wszelkie autorytety i stereotypy. Starając się zademonstrować wyższość rosyjskiego talentu, mistrz lubił powtarzać: „Jesteśmy buntownikami, dlatego nasza awangarda będzie bardziej gwałtowna!”