Olga Danilkina, Ivan Isaev, Elena Ishchenko i Boris Klyushnikov - o samotności przedmiotu i dyktacie widza, interpasywności i jego politycznej sile, rynku sztuki i jego autonomii
" Głęboko w środku". Główny projekt V Moskiewskiego Biennale Młodej Sztuki, 2016
Przygotowania do piątego biennale młodej sztuki przebiegały w napiętej atmosferze – obok niezmiennych logotypów dwóch organizatorów, NCCA i MMMA, pojawił się trzeci – ROSIZO. Biennale powołało komisarza – podobnie jak „starsze” Biennale Moskiewskie – Ekaterinę Kibovskaya, której główną rolą, jak się wydaje, pomimo posiadania już trzech państwowych organizatorów, było znalezienie prywatnych partnerów i sponsorów. Kuratorem głównego projektu został Nadim Samman, który znalazł się w pierwszej dziesiątce młodych i obiecujących kuratorów według Artsy.net.
Efektem jego pracy była wystawa „Deep Inside”, która zgromadziła, jak mówią, 87 artystów z 36 krajów. Główny projekt (podobnie jak całe biennale) wywołał skrajne opinie, co znalazło odzwierciedlenie m.in. w okrągłym stole zorganizowanym przez portal Artguide. Redaktorzy czasopism Aroundart.ru Olga Danilkina i Elena Ishchenko postanowiły kontynuować dyskusję i wezwały dwóch młodych kuratorów, Iwana Isajewa i Borysa Klyushnikova, do pogłębienia sporu - o główny projekt i markę młodego biennale, o samotność obiektu i dyktaty widza, interpasywność i jej siła polityczna, rynku sztuki i jego autonomii.
Zdjęcia: Olga Daniłkina
Iwan Iwajew: Okrągły stół w Artguide, poświęcony biennale młodzieży, na który zostaliśmy również zaproszeni z Boryą, minął z wyraźną przewagą wypowiedzi Victora Misiano, w których problemy głównego projektu zostały niejako mimochodem poruszone. Zaproszenie do zabrania głosu w sprawie publikacji pt Aroundart.ru wydawało się dobra szansa w celu bardziej szczegółowego omówienia głównego projektu, w celu rozwinięcia i poszerzenia krytycznej argumentacji w odniesieniu do wystawy w manufakturze Trekhgornaya. Już przed rozmową było wiadomo, że moje stanowisko będzie raczej oskarżycielskie, a Borya zamierzał bronić właśnie tego modusu Biennale, uzasadniając to, co zostało pokazane.
Borys Kliusznikow: Tak, omawialiśmy wówczas dość szczegółowo same podstawy Biennale jako formatu, z jego ogólnie problematycznym charakterem. Jeśli jednak ktoś jest naprawdę konsekwentny w krytyce, to może w nieskończoność mediować wypowiedzi, wątpiąc w ich zasadność. Po krytyce Biennale można zastanawiać się nad istnieniem instytucji sztuki, aw końcu krytycznie ocenić samo życie na Ziemi. W tego typu krytyce umyka treść wypowiedzi, analiza tego, co zostało zrobione, a nie tego, co można zrobić w idealnej sytuacji w próżni. Mamy więc taki format, jaki mamy. A teraz myślę, że możemy zastanowić się, jak czytać główny szkic.
Na pierwszym planie: Jurij Szust. Egzo zapomnienie. 2015. W tle: Claire Pugham. Próba przytulania #25. 2015
sztuczna inteligencja: Zacznę od głównych twierdzeń do projektu. Myślę, że wystawa Sammana jest uosobieniem hackerstwa na wszystkich poziomach: od podejścia do wystawy, po wybór prac i instalację. Mowa o Biennale – międzynarodowej imprezie, która ma ożywić lokalną scenę, zaprezentować trendy w dziedzinie Sztuka współczesna. Ale widzimy w nim potworną izolację od kontekstu - od moskiewskiej społeczno-politycznej, od manufaktury Tryochgornaja. Gdy ogłoszono miejsce, podkreślano, że jest ono historyczne – to Krasnaja Presnia, jedna z centralne miejsca rewolucji 1905 i 1917, sama fabryka jest stara. Ale nie zauważyłem żadnej pracy w ramach Projektu Głównego, która działałaby w tym kontekście. odniosłem wrażenie, że większość Praca została po prostu przeniesiona z jednego White Cube, w którym była wystawiana gdzieś w Europie, do innego White Cube. Myślę, że dobrze byłoby zrozumieć środowisko, w którym zostałeś zaproszony do pracy. Zrozumieć procesy, które tu zachodzą. Praca nie powinna pozostawać w próżni.
Jelena Iszczenko: Większość prac nie została wykonana specjalnie na Biennale, z wyjątkiem niektórych projektów rosyjskich artystów.
sztuczna inteligencja: To bardzo trafna obserwacja, która potwierdza, że prace zostały po prostu wybrane przez kuratora i przetransportowane z jednego „białego sześcianu” do drugiego. Byli wyalienowani od samych artystów.
Być może padłem ofiarą wygórowanych oczekiwań. Samman był współkuratorem bardzo ciekawej i wysokiej jakości wystawy ziemia rzadka w Muzeum Thyssen-Bormenissa. Plus Biennale Antarktyczne, w które zaangażowany jest Samman. Jest zaangażowany w wystarczającą liczbę ciekawych i innowacyjnych projektów. Spodziewałem się, że tym razem też poeksperymentuje. Tu też widzę uprzedzenie do obiektów cyfrowych, postcyfrowych, postnaukowych, pseudointeraktywnych, sztuki postinternetowej, sztuki w epoce cyfrowej, takie fantazjowanie o przepływach informacji, globalnej sieci, uniwersalnej komunikacji, cyfrowym języku – fetyszyzacja technologizmów. Ilustracją tego jest na przykład naiwna praca Jeremy'ego Santiago-Horsmana, który romantyzuje estetykę kodu binarnego: ściany z rozpadającym się tynkiem. Artystka widzi fakt i wizualizuje go w sposób oczywisty. Lub coś w rodzaju interaktywnego pudełka Eddiego Wagenknechta z przewodami i żarówkami, które według opisu katalogowego to „płytki drukowane i kable sieciowe… (które) symbolizują „chmurę”, sieci społecznościowe, dane, przecieki”; ponadto to pole „przechwytuje i rejestruje anonimowe dane otrzymane z sieci działających w pobliżu WiFi". I wiele innych prac to też skrajnie prymitywne wizualizacje metafory, których jest tak dużo, że poważnie przekraczają pewną krytyczną dla dużej wystawy liczbę prac „tła”, każąc pomyśleć o zbyt swobodnym podejściu kuratora do selekcji prac.
Jeremy Santiago-Hosman. Sanktuarium (a b). 2016
PNE: Wręcz przeciwnie, wydaje mi się, że tak najlepszy projekt najbardziej młodzieńcze biennale, jakie kiedykolwiek widziałem. A obfitość ocen krytycznych wynika tak naprawdę z tego, że do jego oceny podchodzimy przez pryzmat danych idei, a nie zadań, jakie stawia przed nami to biennale. Wszelka krytyka wiąże się z pewnymi wymaganiami - krytycyzmem, pracą z lokalnym kontekstem, które stają się maksymą.
sztuczna inteligencja: Nie do końca maksyma, a raczej jeden z aspektów jakości Biennale.
PNE: Tak, ale nie je, ale pytania stawiane przez samo Biennale zresztą według formy interakcji: temat – praca, widz – praca, widz – decyzja kuratorska i tak dalej. W tym kontekście staje się jasne, że kuratorka zdecydowała się na bardzo odważną formę. Co zrobiły biennale, które rozpowszechniły się w latach 90. i 2000.? Byli po prostu bardzo kontekstualni i oddani relacjom, komunikacji. Najpierw – estetyka interakcji, potem – aktywizm polityczny. Projekty te wciągały widza w interakcję, próbowały zrobić z widza obywatela, przenieść go w jakąś pozycję. A obecne Samman Biennale wyraźnie pokazuje, że ta pozycja, kiedy koniecznie trzeba skłonić widza do działania, do jakiejś odpowiedzi, jest już uznawana przez młodych twórców za brutalną. Pociąga mnie brak tej obywatelskiej zalotności, wymogu zrobienia czegoś, zastanowienia się nad kontekstem, uczestniczenia w czymś. A jeśli spojrzeć z tego punktu widzenia, staje się jasne, że prace są wybierane bardzo dokładnie. Na wystawie jest dużo wideo, na przykład, a to jest takie medium narcystyczne, zamknięte w sobie, bardzo kontemplacyjne. A większość obiektów, wręcz przeciwnie, jest nieinteraktywna, wręcz przeciwnie, są samotne i samowystarczalne.
Prace, które pamiętam, to głównie filmy poświęcone samotnemu gestowi w pustce, jak człowiek z pszczołami w pracy Marka Johnsona. Lub instalacja wideo „Wniebowstąpienie” Petra Davydchenko z nurkowaniem w błocie. Na wystawie jest wiele prac, które postrzegane są w sposób interpasywny, tworząc komunikację bez komunikacji, komunikację bez komunikacji. Kurator zrywa więź między widzem a dziełem. Jak w tej sali z lustrami - estetyka narcyzmu, rozumiesz, że jesteś zamknięty w sobie, jak młoda sztuka. Zasadniczo to cecha wyróżniająca młodzi ludzie. Mark Fisher nazwał to depresyjną hedonią – kiedy nie możesz robić nic poza zabawą. Ale ten narcyzm jest paradoksalny: kiedy demonstrujemy na sobie izolację, po prostu znajdujemy punkty interakcji, rozumiemy, że jesteśmy w jakiś sposób połączeni.
Inny ważny punkt tematyczny. Tutaj tematem jest komunikacja, komunikacja to obieg obrazów. Wydawałoby się, że wszystko, wszystko już słyszeliśmy: teorię aktora-sieci, teorię komunikacji i że świat poza komunikacją w ogóle nie istnieje. I ta wystawa faktycznie podejmuje temat komunikacji, przeludnienia obrazami, ale jednocześnie prezentuje prace absolutnie niekomunikatywne. Ta ideologia powierzchni istnieje od dawna, sterowane cyfrowo ślizganie się, a Deep Within oferuje inny tryb.
Dziś popularne są różne wykłady performatywne i programy równoległe i wydaje się, że wystawa nie jest już potrzebna. Wielu krytykowało to biennale za to. Pokazuje jednak to, co można wyrazić w formie biennale – izolację i samotność związaną z przedmiotami. To nie przypadek, że na tej wystawie nie ma performansów – nie da się tej idei wyrazić w performansie. To Biennale jest łącznikiem między tak wieloma samotnościami. Myślę, że wielu ludzi czuje się, jakby byli poza społecznością, więc to biennale jest kontekstowe – naprawdę rezonuje ze mną.
sztuczna inteligencja: Po prostu wydaje mi się, że ta wystawa była zrobiona na wzór dziesięcioletniego biennale, kiedy pojawił się zestaw cech dla takich konwencjonalnych wystaw. Mieszanka prac przywiezionych z różne kątyświatło, aby uwypuklić pewne abstrakcyjne kwestie. W dyskusji w „Artguide” wspominaliśmy o Biennale iluminacje, - to jest dobry przykład takiej wystawy: prace, które wydają się być związane z tematem, choć wszystko można z nim powiązać. To właśnie definiuje izolację od kontekstu lokalnego, obecną w głównym projekcie Biennale.
PNE: Biennale, o którym mówisz, to Earth Magicians Jeana Huberta Martina. Ale obecne biennale młodzieży odbywa się w zupełnie inny sposób.
sztuczna inteligencja: Nie, mówię o tej studenckiej formie biennale, która powstała dzięki ich rozkwitowi, kiedy niemal każdy punkt na świecie, który pretenduje do miana jakiegoś ważnego miejsca w sztuce współczesnej, ma swój własny. W rezultacie powstają one według jednej receptury: problematyka jest wzięta znikąd, sformułowana jak najbardziej ogólnie, artyści wytwarzają różne przedmioty na ten temat, a wszystko łączy się w jednej przestrzeni.
Olga Daniłkina: Wydaje mi się, że to Biennale jest robione inaczej. Naprawdę podobało mi się, że daje bardzo trzeźwe zrozumienie, że nie możemy sobie pozwolić na naprawdę produktywne myślenie o czymkolwiek innym niż globalne. Jeśli przejdziemy do tego, co lokalne, to nieuchronnie zanurzymy się w obszar mediów masowych i ich odzwierciedlenie w procesach politycznych i społecznych, a próba obiektywnego zrozumienia tego jest raczej beznadziejna – ten gest tylko zwielokrotni szum informacyjny i raczej nie wykraczać poza manipulację stosowaną przez te same środki masowego przekazu. Po prostu bardzo spodobało mi się to usunięcie z takich tematów.
PNE: Ja też, bo prowincjonalność jest wtedy, kiedy nie można sobie rościć prawa do własnej uniwersalności, można myśleć uniwersalnie. A to jest szczególnie ważne w przypadku biennale młodzieży. Podczas dyskusji na temat Artguide wielu wyrażało pogląd, że nie powinno być biennale młodzieży, że to jest ageizm. I sugerowano, że kiedy biennale nazywało się „Stop! kto idzie?”, potem był festiwal, funk, zabawa, a teraz biennale i trzeba się jakoś przemęczyć. Ale zdałem sobie sprawę, że tak naprawdę młodzieżowe biennale dają młodym ludziom możliwość bycia poważnym i bycia traktowanym poważnie, bez tego rekwizytu „młodości” – lekkiej sztuki, imprez, zabawy. A ta wystawa temu przeciwdziała: jest napięta, mroczna, preapokaliptyczna, beznadziejna. Wania mówi o postinternecie, ale często używa jasnych kolorów, ale ta wystawa nie jest jasna, monochromatyczna. Nie zrobisz takiej wystawy w ramach festiwalu Farsh.
EI: To ciekawy pomysł, ale wydaje mi się, że wektor podany przez sformułowanie "biennale młodej sztuki" nie jest zbyt poprawny. Prowokuje do autorefleksji – czym jest młodość, co to znaczy być młodym – co być może nie jest do końca konieczne.
średnica zewnętrzna: Tak, nie mogę oglądać wystaw myśląc o tym, czy artyści są młodzi, czy nie. Wydaje się, że „biennale młodej sztuki” to pojęcie, które straciło na znaczeniu.
PNE: Tak masz rację. Socjologowie, na przykład Pascal Gielen, słusznie twierdzą, że w Europie nie ma już podziału na pokolenia w sztuce współczesnej. Ale wydaje mi się, że w Rosji istnieje taki kontekst, że tutaj koncepcja „młodego artysty” ma sens. 89. rok, upadek bloku socjalistycznego, ZSRR doprowadził do poważnej luki pokoleniowej. W naszym kraju wciąż czai się logika dziesięcioleci, i to nie dlatego, że jesteśmy na peryferiach, ale właśnie z powodu kontekstu 1989 roku. Spór między konceptualistami a akcjonistami lub artystami pierwszej dekady XXI wieku z akcjonistami jest sporem edypalnym.
EI: Tak, oczywiście, są artyści, którzy żyją w przestrzeni poradzieckiej, są tacy, którzy żyli w sowieckiej. Ale przecież ci, którzy mieszkają w przestrzeni poradzieckiej, wkrótce przekroczą ten kamień milowy 35 lat, który jest tak wszechobecną kwalifikacją dla młodego artysty.
PNE: Oczywiście nie mówię o granicy wieku. Chociaż Massimiliano Gioni zrobił wystawę Młodszy od Jezusa i tak naprawdę nikt nie protestował. Ale oto co chcę powiedzieć. Wszyscy martwią się, że gloryfikacją młodości jest faszyzm. Ale dziwnie wyobrażasz sobie młodzież jako napompowanych facetów, tryskających zdrowiem, energią i szowinizmem. Nie, młodzież jest inna i to biennale to pokazuje. To słabe dzieci, które nie potrafią odnaleźć się w życiu.
EI: Wydaje mi się, że właśnie o tym było ostatnie biennale - "Czas na marzenia": o niekończących się frustracjach, niezadowoleniu i niemożności działania. To biennale, jeśli o tym mówi, jest bardzo pośrednie.
Generalnie zgadzam się, że w tym biennale chodzi o samotność obiektu i zerwanie komunikacji. W rzeczywistości prace na wystawie wypierają widza: na najwyższym piętrze wszystko zagłusza dźwięk z teledysku Andrew Normana Wilsona, głupiej popowej piosenki, która miesza się z dźwiękiem innych prac, nakłada się na nie i tworzy przestrzeń, w której nie da się przebywać, jest w niej niewygodna. A w lustrzanym pokoju rozdzieliłeś się i nie możesz się skoncentrować, skup swoją uwagę na jakimś obiekcie. Nie możesz się z nim skontaktować. Staje się to taką metaforą wyparcia widza z przestrzeni wystawy i samotności odrębnego obiektu. Wydaje mi się, że dobrze widać to w architekturze wystawy, rozwiązaniach ekspozycyjnych: z jednej strony wszystko jest wyeksponowane na wysokim poziomie i pięknie, wszystkie kompozycje są wyważone, ale im dalej się idzie i zaczyna się przyglądać pracom , to poczucie pierwotnej integralności i harmonii zaczyna się rozpadać. Cała wystawa się rozpada - nie ma integralności, prawie wszystkie prace są zamknięte w sobie. To atrakcyjny pomysł, ale wciąż opiera się na jakiejś produkcji przedmiotowej, na rynku - większość obiektów na wystawie wygląda jak dobrze wykonane prace galeryjne. A w naszym rosyjskim kontekście ta samotność jest również wzmacniana przez poczucie, że te przedmioty wydają się szukać swojego nabywcy, właściciela, ale nie mogą go znaleźć.
PNE: Układu nie urządzano w ten sposób od dawna, a obiekty te nie szukają swojego nabywcy.
EI: Nie powinno tak być.
sztuczna inteligencja: Na świecie są dwa główne sposoby zarabiania na nazwisku artysty: albo artysta sprzedaje działalność społeczną i otrzymuje dotacje, albo produkuje i sprzedaje przedmioty - pojedyncze przedmioty którymi wypełnione jest to biennale. W Biennale bierze udział wystarczająca liczba odnoszących sukcesy artystów galeryjnych. Wydaje mi się jednak, że tej wystawy nie można uznać za nową apologię autonomicznego, wyizolowanego obiektu, ponieważ nie mamy powodu sądzić, że zrobiono to świadomie. O wiele łatwiej jest zrobić wystawę, jeśli traktuje się dzieła sztuki jako autonomiczne obiekty poza ich kontekstualizacją, wystawę jako zbiór przedmiotów w białym sześcianie.
PNE: Nie, nie zgadzam się. Po pierwsze dlatego, że jest to wystawa programowa, gdzie temat i forma są ze sobą ściśle powiązane. Poza tym, może jestem zbyt cyniczny, ale nie widzę nic złego w tym, że ludzie robią rzeczy na sprzedaż. Źle, gdy staje się kryterium oceny pracy. Ale nie ocenia się Dostojewskiego po liczbie symboli, które chciał wypełnić, aby odzyskać dług. I wykonano wiele pięknych i ważnych prac, które następnie dobrze się sprzedały.
Po drugie, teraz znacznie łatwiej jest konwencjonalnie zrobić jakieś zgromadzenie. Warto spojrzeć na to biennale młodzieży w kontekście ostatniego Biennale w Moskwie: to dwie różne odpowiedzi na ten sam warunek – brak funduszy. A Moskiewskie Biennale stworzyło platformę dyskusyjną...
sztuczna inteligencja:… ciepłe biennale lamp. Jak w inkubatorze.
średnica zewnętrzna: Zgadzam się, że obiekty są zamknięte, ale jednocześnie w wielu pracach rozpoznałem siebie. Nie sądzę, żeby Biennale ignorowało lokalny kontekst, nie, odwołuje się do niego, ale nie bezpośrednio, ten kontekst nie krzyczy na każdym rogu „jestem wszystkim!” (bo on nie jest wszystkim), jak to często bywa.
PNE: Tak, to nie jest bezpośrednie połączenie, ale rezonansowe. Wszyscy ludzie w zglobalizowanym świecie czują się w pewnym sensie tak samo, ale ten zbieg okoliczności staje się możliwy tylko wtedy, gdy jesteś sam w pokoju i coś robisz. Wszyscy są z tym związani. Ten oddział.
średnica zewnętrzna: Podobało mi się, że wiele prac zachęca do patrzenia nie na to, co dzieje się wokół, ale przede wszystkim na to, jak to postrzegacie, jak ogólnie myślimy. W tym sensie interesująca jest praca Darii Koltsovej z wzorami na oknach, w której ten stopień interakcji z lokalnym kontekstem jest dobrze zamanifestowany.
To oderwanie bardzo współgrało ze mną z odczuciem stanu naszej społeczności artystycznej. Ani jeden film na wystawie nie ma rosyjskich napisów, sala nie jest remontowana. Stopniowo, siedząc w naszym małym świecie, zaczynamy rozumieć, jak mały jest i jak wszystko jest ograniczone. O ile my ogólnie mówiąc nikt nie potrzebuje. I ten moment jest dobrze wyczuwalny na tym Biennale.
sztuczna inteligencja: Biennale w zasadzie pokazuje, że nikt nas nie potrzebuje. Brak napisów to znak rozpoznawczy, wcale nie potrzebują dużego budżetu. Z mojego punktu widzenia jest to kolejny dowód zaniedbania i niedbalstwa w podejściu do wystawy.
średnica zewnętrzna: Sytuacja z napisami wydaje mi się polityczna jak na tak ogromny projekt.
sztuczna inteligencja: To bardzo ważny wyznacznik ignorowania lokalnego widza.
Eli Maria Lundgor. Setki wyjaśnień tego samego. 2015
PNE: Te problemy wydają mi się mniej istotne, bo widz powinien być wykluczony z tej wystawy. Dyktatura widzów istnieje od dawna i trzeba ją usunąć.
sztuczna inteligencja: Czy nie proponuje pan usunięcia tej dyktatury sztuką na rzecz sztuki i autonomicznych form autoekspresji?
PNE: NIE. Po pierwsze, nie jest to tylko grafika koncepcyjna Sztuka XIX wiek. Kontekst jest inny, inna forma relacji między tymi obiektami. Ogólnie rzecz biorąc, w tej idei nie tyle chodzi o sztukę autonomiczną, co o pewną politykę relacji, która jest ustalana dzisiaj między ludźmi, między przedmiotami, między czymkolwiek. Polityka ta nie jest realizowana bezpośrednio, ale przez pośredników. Komunikujemy się interpasywnie, a nie aktywnie. Dziś ludzie już nie trzymają się za ręce i nie chodzą na plac. Obecnie istnieją inne metody politycznej reakcji. Dziś można być apolitycznym i będzie to deklaracja polityczna.
sztuczna inteligencja: Ale ta deklaracja polityczna faworyzuje status quo. Nie można zaprzeczyć, że teraz władzom opłaca się umieszczać ludzi w izolatkach.
PNE: NIE. Warto wisieć na poziomym drążku i oglądać sztukę publiczną. Co spowodowało kryzys z 2008 roku? Ponieważ ludzie po prostu nie mogli spłacać swoich pożyczek. Oni są zmęczeni. Kapitalizm nie wziął pod uwagę tego momentu, w którym ludzie mogą się po prostu zablokować.
EI: Ale jednocześnie prace na wystawie wskazują, że zostały wyprodukowane, że wydano na to wysiłek i pieniądze. Nawet wideo nie jest znalezione nagranie lub surowe dokumenty, które wymagają minimum kosztów i mogą być tworzone samodzielnie. Nie, filmy na wystawie pokazują, że proces ich produkcji był kosztowny i wymagał zaangażowania zespołu. Jeśli są to przedmioty, to często są one wykonane albo z udziałem nowych technologii, albo są wykonane umiejętnie. To znaczy zmęczenie i bierność, o których mówi cała wystawa, stoją w sprzeczności ze sposobem ich wykonania, w istocie zaprzeczają artystycznym strategiom uczestników.
PNE: W przypadku tej wystawy nie chodzi o ludzi w ogóle. Prace wywołują skutek, ale nie wymagają żadnego działania.
EI: Czyli artyści, którzy aktywnie tworzą prace i promują się, produkują prace, które każą nam być pasywnymi? Któregoś dnia otrzymałem list od PR-owca jednego z wystawców z Rosji z prośbą o napisanie o niej wokół sztuki albo udzielić wywiadu, bo jest piękna, młoda i jedna z nielicznych rosyjskich artystek, które zostały zabrane do głównego projektu. Taka strategia – zaistnieć i sprzedać się – jest sprzeczna z pasywnością, o której mówimy.
sztuczna inteligencja: Nie rozumiem reakcji Borysa, który nie widzi w tym sprzeczności. Jesteśmy przyzwyczajeni do krytykowania stanowiska, gdy bodźcem do pracy artysty jest on sam kariera. Jesteśmy przyzwyczajeni do krytykowania korupcji z wyboru.
PNE: O jakiej korupcji z wyboru mówisz, jeśli chodzi o wystawę kuratorską?
sztuczna inteligencja: Widzę to, ponieważ wiele prac na wystawie jest bardzo prymitywnych i słabej jakości. Nie potrafię też wytłumaczyć wyboru niektórych rosyjscy artyści nic innego, jak tylko fakt, że zostali dosłownie przepchnięci do Sammana.
EI: A jak ogólnie oceniasz wybór rosyjskich artystów? Z jednej strony widzimy artyści zagraniczni, które są mniej lub bardziej znane, współpracujące z galeriami, z drugiej rosyjskie, z których połowy nawet nie znamy.
sztuczna inteligencja: Mam dwa uczucia co do tego wyboru. Z jednej strony dowiedziałem się kilku nowych nazwisk, które wydały mi się bardzo interesujące, które będę obserwował. Wiele prac ma moc – niezwykle trafne i zapadające w pamięć wideo z nurkiem Piotrem Davydchenko, wspomniane wzory na oknach Darii Koltsovej, „Balony” Darii Pravdy, prosta, ale trafna ściana „Ani słowa o wojnie” Nataszy Tichonowa. Z drugiej strony są prace zupełnie dziwne, których wybór wydawał mi się po prostu skorumpowany - wszelkiego rodzaju barszcze, kolaże i hejterzy konceptów. Nie wyobrażam sobie, żeby kurator przyciągnął te prace z własnej woli.
PNE: Oceniam ten wybór jako doskonały! To wspaniale, że jest ich tak dużo nieznani artyści. I nie zgadzam się ze słowami Wani, że to korupcja. Samman wybrał artystów na zamówienie. A idealna sytuacja, kiedy kurator ma ogólny ogląd, jest po prostu niemożliwa. To utopijny pogląd. Poza tym nie widzę nic złego w ludziach zawodowo zajmujących się swoją promocją i zatrudniających PR-owców.
O pracy. Widziałem nie tyle złe prace, co pewną strukturę: na wystawie są prace centralne, dobrze ustrukturyzowane, są prace drugiego rzędu, wykonane nawet nie przez artystów, ale przez projektantów. Najwyraźniej przeszli przez aplikację. Ale te prace nie wyglądają strasznie. Każda praca odgrywa swoją rolę w ogólnej idei.
EI: Jakie prace uważacie za najważniejsze?
PNE: Na przykład z nurkiem Peterem Davydchenko. Wielokrotne refleksje, paranoja. Nieustannie nurkuje w tym błocie, jak kanał ściekowy wykonujący syzyfową robotę. Ta praca przypomina salę luster. Pamiętam flagi upadłych stanów Andrew Renville'a, "Balony". Także Felixa Kisslinga. Nie mogę powiedzieć, że jest to jakaś niesamowita praca, ale jest bardzo precyzyjnie skrojona.
sztuczna inteligencja: Oprócz dzieł zatytułowanych Boreas zwrócę uwagę na „Jericho” Lee Nevo, „Military Halls” Katariny Grutsay. Pracuje z materiałem - Ekateriny Burlygi czy Revitala Cohena i Thora van Balena. Wideo Eli Marii Lundgora „A Hundred Explanations of the Same” wydaje mi się jednym z centralnych dla biennale o tej nazwie. Flagi, oczywiście; Zadzwonię do nich nawet drugi raz! To jedna z nielicznych prac, które trzeba było pokazać tu, w Moskwie i właśnie teraz. A „Anti-Sun”, o którym wspomniałeś, to właśnie selfie, które powinno być na każdym biennale!
PNE: To jest dobre! Selfie to bardzo ważne zjawisko, które mówi o samotności. Pamiętaj o pracy Bruce'a Naumana kwadrat depresji? Naumann zrobił taką kopertę, schodząc głęboko i nazwał ją otchłanią rozpaczy. Ale łyżwiarze zaczęli używać go jako rampy i robić sobie tam selfie. Zrób sobie selfie w otchłani rozpaczy! Robisz sobie selfie, bo jesteś zamknięty w świecie samouwielbienia. Tak jest tutaj: robisz sobie selfie na tle czarnej otchłani.
średnica zewnętrzna: Nie bardzo rozumiem krytykę sztuki jako branży w kontekście wielkiego impreza międzynarodowa. Czego jeszcze można się po nim spodziewać? Dlaczego tak bardzo przeszkadza nam to, że artysta ma PR-owca?
EI: Branżę trzeba krytykować właśnie w ramach biennale. Nasz system jest tak zorganizowany, że w ramach Biennale odbywa się lawina wydarzeń – każdy chce dostać się do katalogu Biennale. Samo w sobie nie jest to złe – o ile ten system działał płynnie. Ale przecież o tym, które wydarzenia są jeszcze wybierane do programu równoległego, ich organizatorzy dowiadują się niemal przed wernisażem i zaczynają gorączkowo je przygotowywać, choć innym razem mogli je zrobić lepiej i bardziej przemyślanie, choć bez tego tiku udziału w specjalny program Biennale. Galeria "Triumf" rozpoczyna współpracę z nowym parkiem sztuki na budowanym osiedlu mieszkaniowym.
sztuczna inteligencja: W Donstroyu.
EI: I w ten sposób dowiemy się, skąd wezmą się pieniądze na Moskiewskie Biennale Sztuki Współczesnej.
średnica zewnętrzna: Na odprawie dotyczącej jej przyszłości jasno powiedzieli, że najprawdopodobniej w najbliższym czasie nie będzie miała pieniędzy z budżetu państwa.
EI: No i zaczęliśmy szukać sponsorów.
sztuczna inteligencja: Biennale jest pretekstem dla urzędników do rozwidlenia się, do występów pod pewną etykietą zakorzenioną w samej sztuce. Biennale to rodzaj megawystawy, która oczywiście służy określonym celom. Ale takie wydarzenie ma dobre cechy które leżą na polu eksperymentu, czasowości i kruchości dzieł (ich różnej czasowości), dialogu z lokalnym kontekstem. Pytanie brzmi: czy nie spróbować się ich pozbyć i zamienić biennale w kolejny przegląd prac autonomicznych? Albo odwrotnie: musimy je zachować i uczynić z nich kanon biennale. To dwie zupełnie różne, ale wzajemnie wrażliwe pozycje.
12 maja 2017 roku na Uniwersytecie Ca' Foscari w Wenecji Ekaterina Kibovskaya, komisarz 6. Międzynarodowego Biennale Sztuki Młodych w Moskwie, przedstawiła kuratorowi głównego projektu biennale, które latem 2018 roku odbędzie się w Moskwie Kuratorką została Lucrezia Calabro Visconti, młoda niezależna kuratorka z Włoch.
Tematem Biennale 2018 zaproponowanym przez Lucrezię Calabro Visconti jest "Abrakadabra".
Lukrecja Calabro Visconti, kurator projektu głównego:
„Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki w Moskwie jest znane ze swojej zdolności do otwierania nowych horyzontów i perspektyw dla świata sztuki. Dziękuję organizatorom za zaufanie i możliwość realizacji wystawy w inspirującym kontekście Moskwy. Główny projekt Biennale „Abrakadabra” będzie poświęcony współczesnemu życiu, w którym zacierają się granice między prywatnym, zawodowym i sfery publiczne. Nazwa „Abrakadabra” nawiązuje do starożytnego zaklęcia i popularnego w latach osiemdziesiątych disco-hitu Steve'a Millera pod tym samym tytułem. Projekt określiłabym jako metaforę parkietu, gdzie uczestnicy zarówno dobrze się bawią, jak i przestrzegają pewnych zasad, wchodząc w interakcje w najbardziej nieoczekiwany sposób. Dlatego przy wyborze artystów będę preferował tych, którzy pracują z praktykami performatywnymi, wideo i dźwiękiem”.
Jekaterina Kibowskaja, Komisarz Biennale:
„Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki to nie tylko projekt główny, którego kuratorką w przyszłym roku będzie Lucrezia Calabro Visconti, ale także projekty strategiczne, specjalne, równoległe i programy edukacyjne. W 2016 roku w Moskwie w ramach Biennale odbyło się ponad 60 wystaw, kilka projektów otwarto w Jekaterynburgu i Niżny Nowogród. To dużo, ale jestem pewien, że w 2018 roku uda nam się przyciągnąć zagranicznych gości do naszego wielkopowierzchniowego międzynarodowy festiwal więcej więcej artystów, kuratorów i instytucji z regionów Rosji. Z pewnością poszerzy to nasze horyzonty.”
Wasilij Cereteli, Dyrektor Wykonawczy Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA): „Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki jest jednym z najmłodszych biennale na świecie, ale ma już imponujące doświadczenie i osiągnięcia, z których może być dumny. To wielki zaszczyt dla nas, ROSIZO i MMOMA, organizatorów tej inicjatywy kulturalnej, ogłosić kuratora i temat przewodni naszego biennale w murach Uniwersytetu Ca’ Foscari. I mam nadzieję, że za kilka lat artyści biorący udział w Biennale Młodej Sztuki będą mogli wziąć udział w Biennale w Wenecji.”
Jesienią 2017 na stronie www.youngart.ru rozpocznie przyjmowanie zgłoszeń od artystów i kuratorów do 35 roku życia do udziału w głównym i strategicznym projekcie Biennale.
Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki w Moskwie
– jeden z najambitniejszych projektów w dziedzinie sztuki współczesnej w Rosji – działa od 2008 roku. Zadaniem Biennale jest odkrywanie nowych nazwisk, wspieranie i pobudzanie twórczych inicjatyw artystów i kuratorów nowego pokolenia, tworzenie warunków do ich publicznej wypowiedzi, a w efekcie rozwój środowiska sztuki współczesnej.
Lukrecja Calabro Visconti
(Lucrezia Calabrò Visconti, ur. 1990, Turyn) – niezależna kuratorka, współzałożycielka projektu badawczego non-profit CLOG. Ukończył studia na wydziale sztuk wizualnych i performatywnych w Instytucie Architektury w Wenecji. Magister filozofii na Uniwersytecie Ca' Foscari (Wenecja).Uczestniczyła w programie kuratorskim CAMPO12 Fundacji Sandretto Re Rebaudengo w Turynie, szkoliła się w ramach programu „Curatorial” w Artists Space (Nowy Jork).Studiuje w ramach programu kuratorskiego De Appel Centre (Amsterdam). Jako asystent i koordynator brała udział w pracach nad projektami Tutttovero w Castello di Rivoli (Turyn) (kurator: Francesco Bonami) oraz Shit and Die w Palazzo Cavour (Turyn) (kurator Maurizio Cattelan, Miriam Ben Salah i Marta Papini) Współpracował z magazynami TOILETPAPER i Le Dictateur Autor artykułów w różnych publikacjach poświęconych sztuce, twórca projektów internetowych Curatorshit, shitndie i Ketchup Drool Ostatnie projekty kuratorskie Lucrezii to „Dlaczego wszyscy są tacy słodcy?” (Dlaczego wszyscy są tacy mili, 2017, De Appel, Amsterdam), Powodzenia, do zobaczenia po rewolucji (2017, UvA, Amsterdam) i Droga Betty: Biegnij szybko, gryź mocno (Droga Betty: Biegnij szybko, gryź mocno!, 2016, Galeria Sztuki Współczesnej i Współczesnej, Bergamo).
Do stolicy Rosji przybyli artyści z całego świata
Od 8 czerwca do 31 lipca w stolicy odbędzie się szóste Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki. Swoje prace zaprezentuje ponad 50 młodych artystów z całego świata – zwycięzców otwartego konkursu. Wiek uczestników i kuratorów do 35 lat włącznie.
Jedyne biennale na świecie, w którym biorą udział tylko młodzi artyści, obejmie jednocześnie kilka miejsc: dzielnicę biznesową Rassvet na Krasnej Presnyi, Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA), Narodowe Centrum Sztuki Współczesnej w ramach ROSIZO , Muzeum AZ i specjalny obszar w TSUM. Całkowita przestrzeń projektów dwuletnich jest porównywalna wielkością do Placu Czerwonego. Program obejmuje 5 bloków: projekt główny, projekty strategiczne, projekty specjalne, programy równoległe i edukacyjne. W ciągu zaledwie półtora miesiąca odbędzie się 55 wydarzeń.
Zadaniem Biennale jest pokazywanie aktualna praca utalentowani młodzi artyści. Rzeczywiście, są wśród nich tacy, którzy za 20-30 lat staną się znani całemu światu, których prace zdobią kolekcje najlepszych muzeów - mówi Ekaterina Kibovskaya, komisarz Biennale. - Często nie zdajemy sobie sprawy, że wiele uznanych dzieł sztuki zostało stworzonych przez młodych ludzi. Vereshchagin napisał „Apoteozę wojny” w wieku 29 lat, „Dziewczynę na balu” Picassa – w wieku 24 lat, Duchamp zaszokował świat „Fontanną” w wieku 30 lat.
Głównym projektem Biennale będzie wystawa Abracadabra. Spośród 1500 zgłoszeń kuratorka projektu Lucrezia Calabro Visconti (Włochy) wybrała 58 prac i połączyła je wspólny temat, nawiązujący jednocześnie do starożytnego zaklęcia magicznego i przeboju sowieckich dyskotek – utworu „Abrakadabra” Steve'a Millera.
Otwarty konkurs tego biennale dał mi niepowtarzalną okazję poznania twórczości młodych artystów z całego świata. Sam proces wyboru artystów do projektu Abracadabra był bardzo ekscytujący – mówi Lucrezia Calabro Visconti. - „Abrakadabra” ma wiele znaczeń, to jedno z najbardziej uniwersalnych słów, które brzmi tak samo w wielu językach. Historia sowieckich dyskotek, w których grała „Abrakadabra” Steve'a Millera, a praktyki ezoteryczne stały się Punkt wyjścia za narrację poruszającą różnorodne tematy: strajki, metabolizm, hipochondrię, uwagę, intymność, sen, niedopowiedzenie.
Abracadabra odbędzie się w dzielnicy Rassvet na Krasnej Presnyi. Rassvet wyróżnia się wyjątkową twórczą atmosferą, którą tworzą stara architektura w połączeniu z nowoczesnymi rozwiązaniami konstrukcyjnymi. Kompleks łączy dawne budynki fabryka mebli „Mur i Maryliz”, która dostarczała towary na dwór cesarski. Obecnie budynki te są odbudowywane przy użyciu zaawansowanych technologii inżynieryjnych i starannie zachowując wygląd architektoniczny.
Po obejrzeniu głównego projektu warto zatrzymać się na wystawie Dziękuję, przepraszam w Narodowym Centrum Sztuki Współczesnej w ramach ROSIZO. „Dziękuję, proszę mi wybaczyć – to trzy” magiczne słowa- mówi kurator wystawy Zhenya Chaika. Zaoferowała własna wizja tematyka: dom, zwykły dom z jego problemami, rozmowami, szelestami i codziennością. Gra z emocjami. Ekspozycja odtwarza przestrzeń domu, który jak w każdym domu posiada sypialnię, salon, kuchnię, korytarz, strych. Poruszając się po okręgu, widz musi samodzielnie określić punkt wyjścia, opierając się na własnych odczuciach i intuicji.
Zgodnie z logiką domu wzniesie się na drugie piętro, warunkową drugą kondygnację łóżka, gdzie można dosłownie czytać sny. Na wystawie widz jest zapraszany do odczytywania cudzych snów i pisania własnych, proponując je do przeczytania. Wszystko w ekspozycji zakłada samodzielne działanie zwiedzającego: nawet wyjaśnienia istnieją w formacie Print-on-demand - print-on-demand; widz przeczyta tekst-wyjaśnienie tylko wtedy, gdy naprawdę tego potrzebuje.
Jekaterina Kibowskaja.
Wystawa o intrygującym tytule „Idealny wiek” poświęcona jest kryzysowemu doświadczeniu wieku nowoczesny świat i zrozumienie tego zjawiska w języku rosyjskim sztuka XX-XXI wieki. Składa się z dwóch samowystarczalnych i jednocześnie uzupełniających się części, które prezentowane są w różnych miejscach – w centrum edukacyjnym MMOMA oraz w Muzeum AZ.
W MMOMA ekspozycja, grająca strukturalnie na klasycznych toposach „trzech wieków”, będzie oparta na pracach z kolekcji muzeum, a także projektach zaproszonych artystów Młodsza generacja. Poruszone zostaną oba bardziej ogólne tematy społeczno-psychologiczne: kult młodości, branża kosmetyczna, frustracja związana z dorastaniem i starzeniem się, ageizm i aspekty związane z wiekiem kreatywność artystyczna formatu „młodej sztuki”.
Z kolei dla Muzeum AZ powstaną trzy instalacje, które ulokowane zostaną w nieoczekiwanych, sekretnych miejscach: na dziedzińcu i na tylnej elewacji budynku muzeum, w przestrzeń wirtualna"Rozszerzona Rzeczywistość".
Na tle równoległego programu Biennale wyróżnia się indywidualna wystawa Aleksandra Szczurenkowa „Zugzwang” w Galerii Fragment. praktyka artystyczna autorka opiera się na badaniu procesów psychologicznych związanych z samopoznaniem, samostanowieniem, samozrozumieniem i ostatecznie samoidentyfikacją osoby. Artystę interesuje przede wszystkim zależność tych procesów od szerokiej gamy życiowych pułapek, których sprzeczność, interakcja z wizją, wiedzą, czasem, utrwalanie informacji, zapominanie o niej, a także podświadoma zmiana, ujawnia w swoich pracach .
Głównym materiałem dla Szczurenkowa są przedmioty codziennego użytku, przedmioty i zjawiska. Życie codzienne, które są znakami, które utrwaliły zmianę bytu, czyniąc nieobecnym teraźniejszością, czyli jednocześnie odnosząc się do przeszłości, teraźniejszości i przyszłości.
Lukrecja Visconti. Zdjęcie: Nikołaj Zwierkow.
Ekspozycja wystawy opiera się na ewolucji rozumienia pamięci jako kategorii filozoficznej – od jej platońskiego postrzegania jako fizycznego „odcisku na wosku”, do interpretacji pamięci jako śladu, który według Jacques’a Derridy oznacza „wstępne śledzenie i usuwanie”. Ślady wskazują na to, co było – według Martina Heideggera należą do kategorii, którą nazywa „Das Dagewesene”, czyli „bytem już nie istniejącym”, który „nie przeminął, ale był”. Ślady stóp są również znakami, które bez żadnej intencji stały się takimi, Mark Block nazywa je „nieświadomymi świadkami”.
Letni sezon wystawienniczy w Moskwie rozpoczął się otwarciem Międzynarodowego Biennale Młodej Sztuki. Tradycyjnie biennale – wystawy odbywające się co dwa lata – powstały jako miejsca prezentacji sztuki współczesnej i wymiany międzynarodowych doświadczeń pomiędzy kuratorami a artystami. Wiek uczestników Moskiewskiego Biennale nie powinien przekraczać 35 lat, jego celem jest umożliwienie młodym artystom i kuratorom wejścia w profesjonalne środowisko artystyczne.
Tematem przewodnim tegorocznego projektu Biennale jest „Abrakadabra” – uniwersalne słowo znane we wszystkich językach jako magiczne zaklęcie, opis kompletnej bzdury czy tytuł przeboju Steve’a Millera z lat 80. Teraz ma zjednoczyć sztukę ponad 60 artystów z całego świata (dziewięciu z nich to Rosjanie). Zdaniem kuratorki Lucrezii Calabro Visconti, teraz tylko takie zrozumiałe dla wszystkich bzdury, w jakie stało się nasze życie, mogą stać się tematem jednoczącym różne kraje. Dlaczego - wystawa pokaże.
Oprócz głównego projektu Biennale ma duży równoległy program strategiczny i edukacyjny. Choć abrakadabra to tylko temat przewodni głównego projektu, to wszystkie stawiają ogólne pytania o to, jak możemy żyć razem w świecie, w którym wszystko zostało wywrócone do góry nogami, czego spodziewać się po przyszłości, teraźniejszości i nas samych. The Village wybrało siedem najciekawszych wystaw z programów głównych i równoległych, a także projektów strategicznych, które można oglądać w Moskwie do końca lata.
Marii Evdokimowej
Główny projekt - "Abrakadabra"
Gdzie: Dzielnica Rassvet na Krasnej Presnyi
Stolarny per., 3, bud. 1
Główny projekt, zrealizowany pod kierunkiem młodej włoskiej kuratorki Lucrezii Calabro Visconti, zlokalizowany jest w przestrzeni rzekomo stworzonej specjalnie dla niego – dawnej fabryce dzielnicy Rassvet. Fabryka, wcześniej zamknięta dla zwiedzających, zachowała nie tylko industrialny klimat ze stonowanym oświetleniem i dobrą akustyką, ale także nietypowy podział na strefy: zarówno duże otwarte pokoje, oraz małe pokoje, z których każdy ma tylko jedną pracę wideo - jest ich wiele i radzimy obejrzeć każdy z nich, zwłaszcza że w tych małych pokojach nic nie będzie przeszkadzać w immersji.
Tematem przewodnim projektu było słowo „Abrakadabra” – starożytne zaklęcie, które tutaj stało się symbolem niewytłumaczalnego i nieprzetłumaczalnego zjawiska, ale zrozumiałego dla każdego. Ponieważ nie ustalono innych ram tematycznych, ekspozycja obejmowała bardzo różne prace: w jednej przestrzeni artyści z Rosji, Europy, USA i Azji na swój sposób opowiadają o „abrakadabrze” nowoczesności, w której granica między pracą i rozrywka już dawno zostały wymazane, prywatne i publiczne, życie online i offline. Abracadabra to zarówno świat, w którym żyjemy, jak i zaklęcie zmieniające rzeczywistość – coś, co stara się czynić sztuka.
Na co zwrócić uwagę
Niektóre prace można (i należy) dotykać: marmurowe rzeźby Eleny Artemenko nazywane są dotykowymi, a dywan ogrodowy niemiecko-amerykańskiego artysty Davida Bernsteina można spacerować, zdejmując buty i zdobywając nowe wrażenia dotykowe od dotykania różnych przedmiotów.
„Dziękuję, proszę wybaczyć”
Gdzie: NCA, ul. Zoologiczny, 13, budynek 2
Jeśli można dotknąć eksponatów w głównym projekcie Biennale, to można zamieszkać w przestrzeni wystawy, której kuratorem jest Zhenya Chaika: salon, kuchnia, korytarz, sypialnia, a nawet prysznic – wszystko jest jak w życie. Trudno zrozumieć, co tu jest nie tak, bo w salonie można siedzieć przy stole, w sypialni można leżeć na łóżku, siedzieć przy komputerze i oglądać wideo, chodzić po mieszkaniu w kółko, podczas gdy mama zmywa naczynia w kuchni, a ktoś bierze prysznic w łazience. Wszystko się zmienia, gdy zaczynasz zauważać, że naczyń się nie ubywa, porcelanowy serwis w salonie nie służy do herbaty, a pod prysznicem, mimo hałasu, nie ma wody. Przez takie proste obrazy rutyna domowe życie artyści próbują mówić o problemie poważniejszym i globalnym niż obsesja i nieświadomość naszych codziennych działań. Stopniowo w komunikacji zaczyna rozwijać się automatyzm: wiele emocji (a częściej ich brak) można z przyzwyczajenia zastąpić naklejką/obrazkiem, które już nic nie znaczą. W tym ciągle powtarzającym się efekcie substytucji naprawdę można zgodzić się tylko ze słowami, których używamy jako magiczne od dzieciństwa: „dziękuję”, „proszę”, „przepraszam”.
Na co zwrócić uwagę
O udanej formie prezentacji tekstu - w ogóle nie ma go na ścianach. Zamiast tego w całej przestrzeni rozmieszczone są drukarki z numerami, z których każda odpowiada numerowi pracy – na nich możesz wydrukować informacje o pracy, która Ci się podoba i o samym artyście. Widz może więc sam wybrać, o czym chce dowiedzieć się więcej, nie czując przy tym naporu tekstu ze ściany, który (skoro tu jest) trzeba przeczytać. Ostatecznie jest to kolejny wyraźny przykład świadomego działania zamiast zwykłego czytania wszystkiego.
„אדם קדמון” / „Adam Kadmon”
Gdzie: KIM JESTEM GALERIA, ulica Stolarny, 3/13
W mało znanej galerii po drugiej stronie ulicy od głównego projektu Biennale gości wystawę założyciela galerii, Jacoba Yakubova, czyli Adama Kadmona. Spośród wszystkich projektów Biennale ten najwyraźniej realizuje swoją główną ideę, która opiera się na „Micie o człowieku pierwotnym” (artysta zmienił nazwisko na „Adam Kadmon” – w tłumaczeniu z hebrajskiego „pierwszy człowiek” ). Według mitu każdy byt jest całością, rozbitą na wiele małych obiektów. Cała wystawa to totalna instalacja obiektów, które mogłyby składać się na osobowość pierwszej osoby. Mimo biblijnych podstaw wystawa okazała się jednocześnie głęboka i ironiczna: widzów wita żydowska jarmułka wielkości ściany, a pod tutejszą Ścianą Płaczu można zadać pytanie i uzyskać na nie odpowiedź na kartce papieru, jak z chińskiego ciasteczka z wróżbą.
Na co zwrócić uwagę
Instalacja jest immersyjna, prawie wszystkie prace wymagają udziału widza. Każdy może spróbować wcielić się w rolę Adama Kadmona: usiąść pod belą i medytować, dotknąć oryginalnych elementów - ziemi, trawy, ciecierzycy, zostawić pytanie w Ścianie Płaczu i tak dalej.
Występ Young Girl Reading Group (Dorota Gaveda i Egle Kulbokaite), uczestniczek projektu „Revolutionary work in progress” w MMOMA na Gogolevsky Boulevard
„Doskonały wiek”
Gdzie: Centrum edukacyjne MMOMA, Ermolaevsky per., 17
Nowo otwarte Centrum Edukacyjne MMOMA, oprócz nowej biblioteki i miejsca do nauki, mieści trzy piętra przeznaczone na wystawy, z których część jest częścią równoległego programu biennale.
W zwyczajne życie temat wieku dotyczy wszystkich, aw ramach Biennale Młodych – jedynej wystawy z ograniczeniem wiekowym dla uczestników – staje się szczególnie aktualny i bolesny dla samych artystów. W społeczeństwie mającym obsesję na punkcie tematów wieczna młodość, urody i produktywności, nasila się lęk przed dorastaniem i starzeniem się – to drugie utożsamiane jest z chorobą, o której wolą nie myśleć. Zarówno młodzi artyści, jak i ci, którzy ukończyli 35 lat i są w połowie drogi, próbują zrozumieć tę ogólną nerwicę społeczną poprzez obrazy trzech epok – dzieciństwa, dojrzałości i starości – próbując odpowiedzieć na pytanie: co jest idealnym wiekiem?
Na co zwrócić uwagę
Projekt Ideal Age odbywa się jednocześnie w dwóch miejscach. Część druga (bardziej fantazyjna i poetycka) znajduje się w Muzeum AZ, nad budynkiem którego unosi się wiecznie młody mityczny ptak Sirin – niewidzialna wirtualna rzeźba autorstwa Maxima Swiszczewa, którą można zobaczyć jak Pokemona jedynie pobierając aplikację to samo imię.
„Britanka COOP”, „Spotkanie klasowe”, „Afekt obserwatora”
Gdzie: Centrum Sztuki Współczesnej „Winzavod” (Duży Magazyn Wina, Biały Warsztat).
4. Syromyatnichesky per., 1/8, budynek 6 i 8
Winzavod jest gospodarzem kilku projektów specjalnych w ramach Biennale. To trzy wystawy prac studentów z Moskwy instytucje edukacyjne, programy nauczania nowoczesnych Sztuka wizualna: British Higher School of Design, Rodchenko School of Photography i (od niedawna) Higher School of Economics. Można wejść na wszystkie wystawy na raz i porównać podejście do współczesnej edukacji artystycznej: Brytyjczyk przygotował trzyczęściową wystawę o rytuale, czasie i teorii względności Einsteina; Szkoła Rodczenki, prowadzona przez artystę Siergieja Bratkowa, pokazuje efekty dziewięciu jej warsztatów, a debiutancka wystawa dla HSE jest refleksją nad relacją między obserwatorem (widzem) a obserwowanym (przedmiotem sztuki).
Na co zwrócić uwagę
Jeśli nadal chcesz zobaczyć prace studentów Britanki, to przed 19 lipca powinieneś udać się do galerii Electrozavod, gdzie odbędą się wspólna wystawa z artystą Alexandrem Plyusem, poświęcony tematowi człowieka zagubionego w labiryncie technologii, popularnemu na Biennale. Jest to szczególnie prawdziwe w galerii, gdzie nie ma połączenia telefonicznego i Internetu.
9 września 2017 roku w Moskwie, w Nowej Przestrzeni Teatru Narodów, odbyła się publiczna rozmowa kuratorki projektu głównego 6. Przestrzeń Teatru Narodów, Vera Martynov.
W trakcie rozmowy ogłoszono rozpoczęcie przyjmowania zgłoszeń od artystów i kuratorów do udziału w projektach głównych i strategicznych6. Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki w Moskwie.Uczestnicy spotkania omówili także koncepcję głównego projektu Biennale Młodej Sztuki 2018, zwanego „Abracadabra”, rozmawiali o praktykach kuratorskich i pracy w projektach interdyscyplinarnych. Lucrezia Calabro Visconti opowiedziała o roli, jaką młodzi kuratorzy odgrywają dziś w dużych międzynarodowych projektach, takich jak Biennale, o swoim pragnieniu pracy z lokalnymi kontekstami oraz o doświadczeniach w pracy z sławny artysta Maurizio Cattelan.
Lucrezia Calabro Visconti, kuratorka głównego projektu Biennale:
« W 1999 roku William Mitchell, profesor architektury i planowania w Massachusetts Institute of Technology, sformułował teorię „ekonomii obecności”, która w kilku ostatnie dekady zacierały się granice między pracą zawodową, prywatną i sfery społeczneżycie człowieka. Coraz częściej na świecie najcenniejszym towarem nie są towary, ale informacja, wiedza i doświadczenie, tworząc modele dystopijnej gospodarki opartej na przyjemności. Efektywność osobista, idealna realizacja wszystkich możliwości jednostki i dobra nastrój emocjonalny stały się dziś główną walutą, a w naszym trybie działania 24/7 coraz bardziej niejasne jest, czy świadomie wybieramy ten styl życia, czy po prostu nie wiemy już, jak postępować inaczej. Jak korzystać z prawa do własnego czasu? Który ukryte moce czy możemy rysować, aby oprzeć się wypaleniu?
Słowo „Abrakadabra” przypisywano już w starożytności właściwościom magicznym. Mówiąc „Abrakadabra!” rozpoczynamy proces przekształcania rzeczywistości. Dziś to słowo rozkazujące budzi wiele skojarzeń, po części dlatego, że zawłaszczyła je popkultura (przypomnij sobie dyskotekowy przebój Steve'a Millera, który w latach 80. rozdarł parkiet). Termin „Abrakadabra!” wiąże to, co rośnie w środku nowoczesna kultura zwrócenie uwagi na ezoteryczne, tajne praktyki z nowoczesną sugestią i zainteresowanie nieprzewidywalnymi całonocnymi imprezami, które wcześniej były formą protestu i sposobem na ucieczkę od rzeczywistości. Nasi wszechobecni transhumaniści czynią dziś rzeczy nie do przyjęcia tradycyjne formy protest – np. strajk jako nieobecność. „Abrakadabra” poszukuje alternatywnych sposobów interakcji z przestrzenią i czasem w narracjach, które mogą stać się źródłem potężna energia. To właśnie fantastyczna, transformacyjna energia tych drugorzędnych, a czasem ukrytych narracji, jest głównym tematem projektu „Abracadabra”, opartego na ładunku subkultury tanecznej z przeszłości jako sceny, w której powstają nowe formy interakcji i nowe, nieoczekiwane nabywa się doświadczenia. Stawiamy więc na praktyki performatywne, wideo i badania interdyscyplinarne, a wśród uczestników projektu chcielibyśmy widzieć artystów tworzących lub ujawniających nowe formy i możliwości dzisiejszych relacji z przestrzenią i czasem» .
Podczas swojej pierwszej podróży do Rosji Lucrezia Calabro Visconti odwiedziła targi Cosmoscow, wystawy Fundacji V-A-C w Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej oraz Ural Industrial Biennale. Lucretia spotkała się także z ponad 50 młodymi artystami w ramach przeglądu portfolio w Moskiewskim Centrum Krasnym, odwiedziła szkołę MMOMA Free Workshops oraz prywatne pracownie artystów.
WYBÓR UCZESTNIKÓW
Od 21 września do 20 listopada 2017 rStrona www.youngart.ru przyjmuje zgłoszenia artystów nie starszych niż 35 lat do udziału w głównym projekcie Biennale.
Kuratorzy, którzy nie ukończyli 35 roku życia, mogą zgłaszać koncepcje udziału w dwóch strategicznych projektach Biennale, które odbędą się w dwóch miejscach: Narodowym Centrum Sztuki Współczesnej (NCCA) i Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA).
Ilustracje i Dodatkowe materiały dla prasy dostępny pod linkiem: https://goo.gl/IDPv3F
O PROJEKCIE
Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki to jeden z najambitniejszych projektów sztuki współczesnej w Rosji. Celem Biennale jest odkrywanie nowych nazwisk, wspieranie i pobudzanie twórczych inicjatyw artystów i kuratorów nowego pokolenia, tworzenie warunków do ich publicznej wypowiedzi, aw efekcie rozwój środowiska sztuki współczesnej. Uczestnicy projektu mieli szansę nawiązać kontakty i nawiązać twórczą interakcję z profesjonalistami środowisko artystyczne. Biennale zapewnia przestrzeń do zaprezentowania aktualnych strategii nowego pokolenia artystów i kuratorów.
Moskiewskie Międzynarodowe Biennale Młodej Sztuki odbywa się od 2008 roku. Projekt został zainicjowany corocznym festiwalem młodej sztuki „Stop! Kto jedzie?" (prowadzony przez Narodowe Centrum Sztuki Współczesnej (NCCA) corocznie od 2002 do 2006 we współpracy z Wolnymi Warsztatami Szkoły Sztuki Współczesnej Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MMOMA)). Projekt nabyty nowy stan w związku z rosnącym zainteresowaniem młodych artystów, kuratorów i krytyków. Dzięki wspólnym wysiłkom NCCA i MMOMA powstała koncepcja Biennale Młodej Sztuki. O ile wcześniej kuratorami Biennale byli wybrani przez organizatorów projektu znani międzynarodowi specjaliści (Daria Pyrkina, Daria Kamyshnikova, Catherine Becker, David Elliott), niezależnie od wieku, o tyle od 2015 roku kurator Biennale, podobnie jak jego uczestnicy, jest przedstawicielem nowej generacji. Partnerami Biennale są instytucje kultury zainteresowane rozwojem młodej sztuki.