Skopas i jego rzeźby. Późny klasyk: dzieła Scopasa. Scopas i jego szalona „Maenada”

Skopas to słynny starożytny grecki rzeźbiarz późnego okresu klasycznego.
Urodził się na wyspie Paros, a swoje dzieła tworzył w różnych regionach Grecji: Beocji, Attyce, Azji Mniejszej, Arkadii w latach 370-330.
Jego pomniki cechuje patos i wzburzenie uczuć.
Starożytni autorzy wspominają o ponad dwudziestu dziełach Skopasa, choć do naszych czasów dotarło z nich znacznie mniej.
Skopas, między innymi, ozdobił reliefowe fryzy mauzoleum w Halikarnasie. Zmiana uczuć, wyrażona w Menadzie plastycznością okrągłej rzeźby, którą można było odczuć spacerując po rzeźbie, rozwija się tu na płaskiej wstędze fryzu.
Różnorodność kątów płaskorzeźb uzupełnia mistrzowskie zestawienie lekkich, dziewczęcych ciał i ciężkich męskich ciał, ukazanych w bezlitosnej i okrutnej walce.
Scopas odgrywa kombinacje dwóch lub trzech postaci, pokazując je z różnych stron i w różnych momentach ruchu. Siła intensywności emocjonalnej jest tu niewspółmiernie większa niż w dziełach z V wieku p.n.e.
Piękno nowego świata ukazanego przez Scopasa w sztuce polega na rozwoju dramatu, w przebłyskach ludzkich namiętności, na splocie złożonych uczuć. A jednocześnie zauważalna jest utrata monumentalnej wyrazistości wysokiej klasyki. Przecież to w dziełach tego okresu umysł ludzki zwyciężył, jako najwyższa zasada, w zderzeniu z szalejącymi żywiołami.
W płaskorzeźbach późnego okresu klasycznego dominuje nie harmonijność i całościowość, jak w Zoforze Partenonu, ale pobudzenie i ostry światopogląd, gdyż powstały one w okresie zagłady idei znanych z czasów klasycyzm. Zgodnie z tymi ideami człowiek powołany jest do rozsądnej dominacji w otaczającym go świecie. Już więc na przykładzie jednego pomnika widać słabość i siłę możliwości tkwiących w sztuce późnoklasycznej.
Sztuka ta odkryła wiele nowych rzeczy w naturze ludzkich uczuć i emocji, ale osiągnięcie to zostało osiągnięte kosztem utraty spokoju i harmonii wysokiej klasyki.
Praxiteles to słynny starożytny grecki rzeźbiarz, młodszy współczesny Skopasowi. Urodzony około 390 r. p.n.e. Wyrażał w swoich pracach zupełnie inne nastroje niż Scopas.
Praxitel pochodził z rodziny rzeźbiarzy. Jego dziadek, Praksyteles Starszy, był rzeźbiarzem. Ojciec – Kefisodot Starszy – był znanym w Grecji mistrzem, autorem posągu Eireny z Plutonem.

Bilet 19.

1. Sztuka Bizancjum VI wieku (era Justyniana)

Głęboko specyficzna kultura Bizancjum rozpoczęła swoją podróż niejako natychmiast od punktu kulminacyjnego: jej pierwszy rozkwit przypada na VI wiek, „erę Justyniana” (527-565). W tym czasie Cesarstwo Bizantyjskie osiągnęło najwyższą potęgę, porównywalną z wielkością cesarskiego Rzymu. Zajmował rozległe terytorium, miał ogromny prestiż międzynarodowy. Cudzoziemców uderzył imponujący wygląd stolicy Bizancjum, Konstantynopola, przepych i luksus dworu cesarskiego, powaga nabożeństw.

Głównymi siłami, na których opierał się cesarz Justynian, były wojsko i Kościół, który znalazł w nim gorliwego patrona. Za Justyniana ukształtowała się specyficzna dla Bizancjum unia władzy duchowej i świeckiej, oparta na prymacie basileusa – cesarzy,

W epoce Justyniana architektura bizantyjska osiągnęła swój najwyższy rozkwit. Na granicach kraju wznoszone są liczne fortyfikacje, w miastach naznaczone są wielkością skali i imperialnym splendorem, świątynie i pałace. W tym czasie powstały dwa główne sanktuaria Konstantynopola - Katedra Patriarchalna św. Sofii i cerkwi św. Apostołowie.

Hagia Sophia była najwyższym osiągnięciem architektury bizantyjskiej: przez wszystkie kolejne stulecia historii Bizancjum nie powstała żadna świątynia równa temu. Gigantyczna budowla, dzieło architektów z Azji Mniejszej Anfimy z Thralla i Isidore z Miletu, stała się ucieleśnieniem potęgi państwa bizantyjskiego i triumfu religii chrześcijańskiej.

Według planu kościół św. Zofii jest bazyliką trójnawową, czyli budowlą prostokątną, jednak tutejszą prostokątną przestrzeń zwieńcza potężna okrągła kopuła (tzw. bazylika kopułowa). Kopuła ta wsparta jest z dwóch stron na dwóch dolnych półkułach, z których każda z kolei sąsiaduje z trzema mniejszymi półkopułami. Tym samym cała wydłużona przestrzeń nawy głównej tworzy system półkopuł wznoszących się ku górze, ku środkowi.

Cztery masywne filary podtrzymujące główną kopułę maskują się przed widzem, a czterdzieści okien otaczających jej podstawę w niemal ciągłym świetlistym wieńcu tworzy oszałamiający efekt. Wydaje się, że ogromna czasza kopuły unosi się w powietrzu jak świetlista korona. Nic dziwnego, że kościół św. Wydawało się, że Zofia została stworzona „nie siłą ludzką, ale za pozwoleniem Boga”.

Widok zewnętrzny kościoła św. Sofię o gładkich ścianach charakteryzuje surowa prostota. Ale w pomieszczeniu wrażenie zmienia się radykalnie. Justynian planował wznieść budowlę nie tylko największą, ale i najbogatszą w wystrój wnętrz. Kościół zdobi ponad sto kolumn malachitowych i porfirowych, specjalnie sprowadzonych z różnych starożytnych świątyń, płyty z wielobarwnego marmuru najcenniejszych ras, wspaniałe mozaiki, z ich blaskiem złotego tła i blaskiem kolorów, tysiące masywnych srebrne świeczniki. Nad amboną – platformą, na której wygłaszane jest kazanie – znajdował się baldachim wykonany z metali szlachetnych, zwieńczony złotym krzyżem. Ze złota powstały miski, naczynia, oprawy świętych ksiąg. Niespotykany luksus tej katedry tak zadziwił ambasadorów księcia kijowskiego Włodzimierza, który w X wieku odwiedził Konstantynopol (jak nazywało się główne miasto Bizancjum w Rosji), że – jak podaje kronika – nie mogli zrozumieć, czy byli to na ziemi lub w niebie.

Św. Zofia nie stała się wzorem dla późniejszego rozwoju architektury bizantyjskiej, ale nadała jej potężny impuls: przez wiele stuleci ustanowiono tu typ kościoła kopułowego.

W większości kościołów bizantyjskich kopuła, symbolizująca sklepienie niebieskie, wznosi się pośrodku budowli. Niezależnie od układu - okrągły, kwadratowy, wielopłaszczyznowy - wszystkie takie budynki nazywane są centrycznymi. Do najpowszechniejszych od VII w. należą kościoły krzyżowo-kopułowe, przypominające w planie równoramienny (grecki) krzyż wpisany w kwadrat?

Centralna kompozycja przyciągała architektów bizantyjskich równowagą i poczuciem spokoju, a układ (krzyż) odpowiadał przede wszystkim wymogom symboliki chrześcijańskiej.

Jeśli wyrazistość starożytnej świątyni polegała głównie na jej wyglądzie zewnętrznym (ponieważ wszystkie rytuały i uroczystości odbywały się na zewnątrz, na placu), to główna treść i piękno kościoła chrześcijańskiego koncentruje się we wnętrzu, ponieważ świątynia chrześcijańska jest miejsce, w którym wierzący gromadzą się, aby przystąpić do sakramentu. Chęć stworzenia we wnętrzu kościoła szczególnego środowiska, jakby oddzielonego od świata zewnętrznego, spowodowała, że ​​szczególną uwagę zwrócono na wystrój wnętrz związany z potrzebami kultu chrześcijańskiego.

Bogactwo dekoracji wnętrz tworzyły przede wszystkim mozaiki zdobiące sklepienia i górną część ścian. Mozaika to jeden z głównych rodzajów sztuki monumentalnej, który jest obrazem lub wzorem oddzielnych, bardzo ściśle przylegających, wielobarwnych kawałków szkła, kolorowych kamieni, metali, emalii itp.

W Bizancjum mozaiki ceniono ze względu na ich cenność, możliwość uzyskania nieoczekiwanych efektów optycznych. Małe kostki mozaiki, ułożone pod niewielkim kątem względem siebie, odbijają światło w poprzecznych belkach, co tworzy opalizujący magiczny połysk. Większe kostki smaltu, ułożone w równych rzędach, wręcz przeciwnie, tworzą „lustrzaną” taflę, a mozaika nabiera efektu silnego blasku.

W kościołach i mauzoleach Rawenny, miasta w północnych Włoszech, niedaleko Morza Adriatyckiego, znajdują się unikalne przykłady mozaik bizantyjskich. Najwcześniejszą z nich jest dekoracja mauzoleum królowej bizantyjskiej Galli Placidii (połowa V w.). Wewnątrz mauzoleum, nad wejściem, znajduje się wspaniała kompozycja przedstawiająca Chrystusa, dobrego pasterza w pagórkowatym krajobrazie. Jest młody i bez brody: tak przedstawiano Chrystusa w pierwszych wiekach chrześcijaństwa, kiedy wciąż żywe były starożytne wyobrażenia o wiecznej młodości jako o atrybutie bóstwa. Uroczystym gestem Jezus wznosi krzyż, główny symbol chrześcijaństwa.

Późniejszy cykl mozaik znajduje się w prezbiterium kościoła San Vitale (Św. Witalij) w Rawennie (VI w.). Oprócz scen biblijnych prezentowane są tu dwie sceny „historyczne”, uroczysty wyjazd cesarza Justyniana i jego żony cesarzowej Teodory wraz z orszakiem do świątyni. Zdobyli bogactwo i luksus dworu bizantyjskiego, nadziemską wielkość monarchy. Frontalnie zamrożone postacie ułożone są w ciągłym rzędzie na złotym tle. Panuje ścisła powaga, we wszystkich twarzach podobnych do siebie odczytuje się surowy dystans i hart ducha.

Do najbardziej niezwykłych dzieł bizantyjskiego malarstwa monumentalnego należały zaginione obecnie mozaiki z kościoła Wniebowzięcia NMP w Nicei (VII w.) przedstawiające „aniołów mocy niebieskich”. Twarze tych aniołów są niesamowite, z ich wyraźnym zmysłowym urokiem. Ale ta zmysłowość jest bezcielesna, wiąże się z ekstatyczną inspiracją wewnętrzną. Pragnienie przekazania ogromnej koncentracji duchowej, prowadzącej do ostatecznego uduchowienia formy sztuki, przez wieki pozostawało ideałem sztuki bizantyjskiej.

Szczególne miejsce w zespole kościoła chrześcijańskiego zajmuje ikona. Pierwsi chrześcijanie nazywali w ten sposób każdy wizerunek świętego, przeciwstawiając go „bożkowi”, wizerunkowi pogańskiemu. Później słowo „ikona” zaczęto nazywać jedynie dziełami sztalugowymi, próbując odróżnić je od dzieł sztuki monumentalnej (mozaiki, freski).

W przeciwieństwie do zwykłego obrazu sztalugowego, ikona jest przedmiotem modlitwy. Uważana jest przez Kościół za symbol szczególny, w tajemniczy sposób kojarzony z „boskim”, nadzmysłowym światem. Kontemplując obraz ikony, człowiek może duchowo dołączyć do tego świata.

Pochodzenie ikon jest zwykle kojarzone ze starożytnymi egipskimi portretami grobowymi, mającymi na celu „przejście” człowieka do innego świata. Ze względu na miejsce pierwszego dużego odkrycia tych zabytków w oazie Fajum (1887) nazwano je portretami Fajum (Fajum). Obrazy, wykonane za życia klienta na drewnianych deskach farbami woskowymi, po jego śmierci służyły jako maska ​​pogrzebowa.

Najstarsze zachowane ikony, zbliżone do portretów Fajum, pochodzą z VI wieku. Przedstawiają zazwyczaj jednego świętego, najczęściej do pasa lub biustu, ściśle do przodu lub w trzech czwartych obrotu. Spojrzenie świętego, pełne duchowej głębi, skierowane jest bezpośrednio na widza, gdyż pomiędzy nim a modlitwą powinien powstać jakiś mistyczny związek.

Trzy ikony z klasztoru św. Katarzyny na Synaju: „Chrystus”, „Apostoł Piotr” i „Matka Boża między św. Fiodor i św. Jerzy".

Okres błyskotliwego dobrobytu (VI-VII w.) został zastąpiony okresem tragicznym dla sztuki bizantyjskiej. W VIII - IX wieku w kraju szalał ruch ikonoklastyczny, związany z zakazem wizerunków o tematyce chrześcijańskiej. Ikonoklastowie, po których stronie stanął cesarz i jego dwór, patriarcha i najwyższe grono duchowieństwa, zbuntowali się przeciwko przedstawianiu Boga i świętych w ludzkiej postaci, opierając się na teologicznych argumentach o niemożności odtworzenia w materiale boskiej istoty Chrystusa formularz.

W okresie ikonoklazmu oficjalnie zakazano ikon, a wiele z nich uległo zniszczeniu. Kościoły dekorowano głównie wizerunkami symboli chrześcijańskich i malowidłami ozdobnymi. Uprawiano sztukę świecką: malownicze krajobrazy, wizerunki zwierząt i ptaków, wątki starożytnych mitów, a nawet konkursy na hipodromie. Malowidła te zostały niemal doszczętnie zniszczone przez zwolenników kultu ikon (głównie szerokie kręgi prostego ludu, niższego duchowieństwa, przyzwyczajonego do kultu ikon) po ich renowacji.

Po zwycięstwie nad ikonoklazmem, uznanym za herezję w 843 r., najważniejsze dla jego dalszego rozwoju zjawiska miały miejsce w sztuce bizantyjskiej. Wiążą się one z początkiem kształtowania się kanonu ikonograficznego – stałych schematów ikonograficznych, od których nie należało odbiegać przy przedstawianiu tematów sakralnych. Murale świątyń ujęte są w spójny system, każda kompozycja zyskuje ściśle określone miejsce.

W kopule świątyni przedstawiono Chrystusa Pantokratora (Wszechmogącego) w otoczeniu aniołów. Pomiędzy oknami w bębnie – górnej części budowli będącej podstawą kopuły – umieszczano proroków lub apostołów. Na żaglach, na szczycie filarów podtrzymujących kopułę, umieszczono ewangelistów, cztery „filary” doktryny ewangelii. W absydzie, półce ołtarzowej, znajduje się obraz Matki Bożej, najczęściej w typie Oranty, czyli modlącej się z podniesionymi rękami. Wokół niego krążą archaniołowie Michał i Gabriel. W górnej części ścian świątyni prezentowane są epizody z życia Chrystusa, które koniecznie obejmowały obrazy 12 świąt (Zwiastowania, Bożego Narodzenia, Gromnicznego, Trzech Króli i tak dalej). W dolnej części świątyni znajdują się postacie ojców kościoła, arcykapłanów, świętych męczenników. Raz odnaleziony system malarstwa w swoich głównych cechach pozostał niezmieniony przez wiele stuleci we wszystkich krajach świata prawosławnego.

W okresie poikonoklastycznym, zwłaszcza w XI-XII w., sztuka bizantyjska odnajduje swoje najdoskonalsze typy i najidealniejsze formy zarówno w mozaikach, jak i ikonach i miniaturach książkowych. Głęboka duchowość twarzy, lekkie „unoszące się” postacie, płynność linii, zaokrąglone kontury, blask złota, nasycenie obrazu nieziemskim światłem, brak napięcia - wszystko to tworzy wyjątkowy świat figuratywny, pełen wysublimowanego spokoju, harmonię i boską inspirację.

XIII i XIV wiek - era późnej kultury bizantyjskiej. Pomimo największego osłabienia gospodarczego i politycznego Bizancjum, które utraciło większość swoich terytoriów, sztuka tego czasu charakteryzowała się najwyższymi osiągnięciami, przede wszystkim w malarstwie. Niezwykłymi zabytkami z początku XIV wieku, kiedy sztuka dążyła do większej ekspresji i wolności, do przeniesienia ruchu, są ikona „12 Apostołów”, mozaiki kościoła Kahriy Dzhami w Konstantynopolu, przedstawiające życie Chrystus i Matka Boża.

Jednak nowym ideałom artystycznym nie było dane naprawdę umocnić się na ziemi zanikającego Bizancjum. Najwyraźniej nieprzypadkowo najzdolniejszy mistrz Konstantynopola drugiej połowy XIV wieku, Teofan Grek, opuścił imperium, przedkładając nad nim Rosję.

W 1453 roku podbite przez Turków Bizancjum przestało istnieć, jednak jego kultura pozostawiła głęboki ślad w historii ludzkości. Zachowawszy przy życiu starożytną tradycję, Bizantyjczycy jako pierwsi w średniowiecznym świecie opracowali system artystyczny odpowiadający nowym ideałom duchowym i społecznym oraz działali jako swego rodzaju nauczyciele i mentorzy w stosunku do innych narodów średniowiecznej Europy.

Rzeźba Leohary

Leohar – starożytny grecki rzeźbiarz z połowy IV wieku p.n.e. mi. Przedstawiciel nurtu akademickiego w sztuce późnej klasyki. Jako Ateńczyk pracował nie tylko w Atenach, ale także w Olimpii, Delfach, Halikarnasie (wraz ze Skopasem). Wyrzeźbił ze złota i kości słoniowej kilka portretów członków rodziny macedońskiego króla Filipa (techniką rzeźby chryzoelefantyny), był, podobnie jak Lizyp, nadwornym nadzorcą swojego syna Aleksandra Macedońskiego („Aleksander na polowaniu na lwy”, brąz ). Tworzył wizerunki bogów („Artemida Wersalska”, rzymska kopia marmurowa, Luwr) i sceny mitologiczne.

Rozkwit sztuki Leohary datuje się na lata 350-320 p.n.e. mi. W tym czasie rzucił grupę bardzo popularną w starożytności, przedstawiającą pięknego młodzieńca Ganimedesa, którego orzeł wysłany przez Zeusa zabiera na Olimp, a także posąg Apolla, który zasłynął na całym świecie pod imieniem „ Apollo Belvedere” (nazwa pochodzi od Pałacu Watykańskiego Belweder, gdzie wystawiony jest posąg) – oba dzieła zachowały się w marmurze rzymskim
egzemplarze (Muzeum Pio-Clementino, Watykan). W posągu Apolla Belvedere najlepsze dzieło Leochara, które dotarło do nas w rzymskiej kopii, urzeka nie tylko doskonałością obrazu, ale także mistrzostwem techniki. Odkryta w epoce renesansu statua przez długi czas uważana była za najlepsze dzieło starożytności i była śpiewana w licznych wierszach i opisach. Dzieła Leohara wykonane są z niezwykłą umiejętnością techniczną, jego twórczość została wysoko oceniona przez Platon.
„Diana Łowczyni” lub „Diana Wersalska”, rzeźba wykonana przez Leochara około 340 roku p.n.e. Nie zakonserwowany. Rzeźby tego typu znane są archeologom z wykopalisk w Leptis Magna i Antalyi. Jeden z egzemplarzy znajduje się w Luwrze.
Artemida ubrana jest w dorycki chiton i himation. Prawą ręką przygotowuje się do wyciągnięcia strzały z kołczanu, lewą zaś opiera na głowie towarzyszącego jej jelenia. Głowa zwrócona jest w prawo, w stronę prawdopodobnej ofiary.
„Apollo Belvedere”, posąg z brązu wykonany przez Leochara około 330 rpne. N. mi. Posąg nie zachował się, ale zachował się w rzymskich kopiach z marmuru. Jeden z marmurowych posągów znajduje się w Belwederze, jednym z budynków Muzeum Watykańskiego. Znaleziono go w ruinach willi Nerona w Antii na początku XVI wieku.
Statua przedstawia Apolla, starożytnego greckiego boga słońca i światła, w postaci pięknego młodzieńca strzelającego z łuku. Brązowy posąg Leochara, wykonany ok. ., w czasach późnej klasyki, nie została zachowana.
Montorsoli, uczeń Michała Anioła, przywrócił dłonie, ale zrobił to źle: w prawej ręce Apollo miał trzymać wieniec laurowy, w lewej łuk, na co wskazuje kołczan za plecami Apolla. Te atrybuty w rękach bóstwa sprawiły, że Apollo karze grzeszników i oczyszcza pokutującego.

Scopas Scopas

(Skupas), starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne mi. Przedstawiciel późnej klasyki. Urodzony na wyspie Paros, pracował w Tegea (obecnie Piali w Grecji), Halikarnasie (obecnie Bodrum w Turcji) oraz innych miastach Grecji i Azji Mniejszej. Brał udział w budowie świątyni Ateny Alei w Tegei (350-340 p.n.e.) i mauzoleum w Halikarnasie (połowa IV w. p.n.e.). Spośród oryginalnych dzieł rzeźbiarskich Skopasa, jakie do nas dotarły, najważniejszy jest fryz mauzoleum w Halikarnasie przedstawiający Amazonomachię, czyli bitwę Amazonek (poł. IV w. p.n.e.; wraz z Briaxisem, Leocharem i Tymoteuszem ; fragmenty – w British Museum). Z rzymskich kopii znane są liczne dzieła Skopasa - posągi Pothosa (Usrfitsi), Młodego Herkulesa (dawniej w kolekcji Lansdowne, Londyn), Meleagera (Muzea Watykańskie; Willa Medici, Rzym), Maenada (Kolekcja Rzeźb, Drezno). Odrzucenie cech charakterystycznych starożytnej sztuki greckiej V wieku. pne mi. harmonijny spokój obrazów, Skopas zwrócił się ku przekazowi silnych przeżyć emocjonalnych, dramatycznej walce namiętności. Do ich realizacji Scopas wykorzystał dynamikę kompozycji i nowe metody interpretacji szczegółów: głęboko osadzone oczy, zmarszczki na czole, rozchylone usta, a także intensywny rytm fałd ubrań. Przesiąknięta tragicznym patosem twórczość Skopasa wywarła ogromny wpływ na rzeźbiarzy epoki hellenistycznej ( cm. Sztuka hellenistyczna), w szczególności o mistrzach działających w III-II wieku. pne mi. w mieście Pergamon.

„Amazonomachia”. Fragment fryzu Mauzoleum w Halikarnasie. Marmur. Około 350 r. p.n.e Brytyjskie Muzeum. Londyn.
Literatura: A. P. Chubova, Skopas, L.-M., 1959; Arias P. E., Skopas, Roma, 1952.

(Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Pod redakcją Polevoya V.M.; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia radziecka”, 1986.)

(Skópas), grecki rzeźbiarz i architekt IV w. pne mi. Prawdopodobnie syn i uczeń Aristandera. Pracował w Tegea (obecnie Piali), Halikarnasie (obecnie Bodrum) i innych miastach Grecji i Azji Mniejszej. Nadzorował budowę świątyni Ateny w Tegei (Peloponez), która przetrwała jedynie w ruinie. Na wschodzie frontonświątynia przedstawiała mityczne polowanie na dzika kalidońskiego, na zachodzie – pojedynek bohatera Telefa z Achillesem. Zachowała się głowa Herkulesa, wojowników, myśliwych i dzika, a także fragmenty posągów męskich i torsu kobiecego, prawdopodobnie będące częścią polowania na Atalantę. W jednym z fragmentów – głowie rannego wojownika – po raz pierwszy w rzeźbie greckiej ucieleśniono ból i cierpienie, zamieszanie uczuć.

Skopas wraz z innymi wybitnymi rzeźbiarzami swoich czasów (Leocharem, Briaxisem, Tymoteuszem) pracował nad dekoracją słynnego Mauzoleum w Halikarnasie (ukończonego ok. 351 r. p.n.e.), uznawanego za jedno z siedem cudów świata. Talerze z ulgi przepasał budynek ciągłą wstęgą fryz. Być może Skopas był autorem najlepiej zachowanych fragmentów, które przedstawiają bitwę Greków z Amazonkami. Sceny bitwy przesiąknięte są wściekłością walki, gwałtownym ruchem; zdają się słyszeć dźwięk mieczy, świst strzał, wojenne okrzyki. Dr. dzieła Skopasa znane są jedynie z kopii rzymskich („Młody Herkules”, „Meleagr”). Najbardziej znaną z zaginionych rzeźb Skopasa była „Maenada” – figurka dziewczyny, towarzyszki boga Dionizosa, pędzącej w szaleńczym tańcu. Ciało tancerki jest jakby skręcone w spiralę, jej głowa jest odrzucona do tyłu, a jej ubrania trzepoczą, odsłaniając piękne ciało. W sztuce Skopasa po raz pierwszy znalazły wyraz wzruszenie, dramatyczny patos, gwałtowny ruch – wszystko, czego grecka rzeźba nie znała wcześniej. Twórczość Skopasa wywarła znaczący wpływ na rzeźbiarzy tamtej epoki hellenizm.

(Źródło: „Art. Modern Illustrated Encyclopedia.” Pod redakcją prof. A.P. Gorkina; M.: Rosmen; 2007.)

Zobacz, co „Scopas” znajduje się w innych słownikach:

Skopas- Skopas. Bachantka. Marmur. Kopia rzymska. kolekcja rzeźb. Drezno. SCOPAS, starożytny grecki rzeźbiarz i architekt (IV wiek p.n.e.). Sztukę Scopasa wyróżnia dramatyczny patos walki, pasja, ekspresja postaw i gestów. ... ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

Tesalczyk Skopas zapytany o jakąś zbędną i bezużyteczną rzecz ze swojego domu odpowiedział: „Ale to właśnie to, co jest zbędne, czyni nas szczęśliwymi, a nie to, czego wszyscy potrzebują”. (Źródło: „Aforyzmy. Złoty Fundusz… ... Skonsolidowana encyklopedia aforyzmów

SCOPAS, starożytny grecki rzeźbiarz i architekt (IV wiek p.n.e.). Sztukę Scopasa wyróżnia dramatyczny patos walki, namiętności, wyrazistość postaw i gestów. Zachował się fryz mauzoleum w Halikarnasie przedstawiający bitwę Greków z Amazonkami... ... Nowoczesna encyklopedia

Starożytny grecki rzeźbiarz i architekt IV w. pne mi. Zachował się fryz mauzoleum w Halikarnasie (obecnie Bodrum w Turcji) przedstawiający bitwę Greków z Amazonkami (marmur, ok. 350 p.n.e. wraz z Briaxisem, Leocharem i Tymoteuszem). Sztuka Scopasa... Wielki słownik encyklopedyczny

- (Scopas, Σχόπας). Rzeźbiarz grecki od ks. Paros, który żył ok. 380 r. p.n.e. Wykonał kilka płaskorzeźb na mauzoleum w Halikarnasie. Jego najsłynniejszym dziełem jest grupa przedstawiająca ofiarowanie Achillesowi broni wykutej przez Hefajstosa. Encyklopedia mitologii

Starożytny grecki rzeźbiarz tzw. szkoły neoattyckiej, pochodzący z Paros, działał w pierwszej połowie IV wieku. do R. Chr. Jednym z jego pierwszych, pod względem czasowym, dziełem była odnowienie zniszczonego w 395 roku. pożar tegeańskiej świątyni Ateny Alea, za ... ... Encyklopedia Brockhausa i Efrona

Termin ten ma inne znaczenia, patrz Skopas (znaczenia). Ares Ludovisi... Wikipedia

- (Skopas) starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne e., przedstawiciel późnej klasyki. Urodzony na wyspie Paros, pracował w Teges (obecnie Piali), Halikarnasie (obecnie Bodrum) oraz innych miastach Grecji i Azji Mniejszej. Jak architekt radzi sobie... Wielka encyklopedia radziecka

Skopas- (grecki Skopas) (IV wiek p.n.e.) Grecki rzeźbiarz i architekt pochodzący z wyspy Paros. Brał udział w budowie świątyni Ateny w Tegei (Peloponez) i mauzoleum w Halikarnasie; autor szeregu obrazów rzeźbiarskich, na przykład Meleager, młody Herkules ... Antyczny świat. Odniesienie do słownika.

SKOPAS- (IV wiek p.n.e.) Grecki architekt i rzeźbiarz pochodzący z wyspy Paros. Nadzorował budowę świątyni Ateny w Tegei (Peloponez), pracował przy fryzie mauzoleum w Halikarnasie. Wśród przypisywanych mu dzieł znajduje się statuetka tańczącej Bacchante, zmniejszona ... Słownik-podręcznik o starożytnej Grecji i Rzymie, o mitologii

Książki

• Zwiadowcy pierwszej linii. „Poszedłem za linię frontu”, Artem Drabkin, „poszedłbym z nim na rekonesans” – mówią o osobie, na której można polegać. Właśnie w czasie, jaki minął od wojny, pierwotne znaczenie tego wyrażenia zostało wymazane i zdeprecjonowane. Co jest prawdziwe… Kategoria:

"Bachantka"

Niezależnie od tego, czy powyższy opis „menady” Kalistratusa rzeczywiście odnosi się do tej menady, czy do innej podobnej, jego stosowalność wystarczająca do tak częstego cytowania daje powód, aby przytoczyć go w naszych rozważaniach: „Skopas stworzył posąg Bachantki z marmuru paryskiego; mógł wydawać się żywy: kamień, pozostając tym samym kamieniem, zdawał się naruszyć prawa związane z jego martwą naturą. To, co stało przed naszymi oczami, było właściwie tylko posągiem, ale sztuka, poprzez swoje naśladownictwo, sprawiała, że ​​wydawało się, że żyje. Można było zobaczyć, jak ten kamień, twardy z natury, imitujący kobiecą czułość, sam stał się jakby lekki i daje nam kobiecy obraz, gdy jego kobieca natura pełna jest gwałtownych ruchów. Pozbawiony z natury możliwości poruszania się, pod okiem artysty nauczył się, co to znaczy pędzić w tańcu bachicznym i być echem boga zstępującego w ciało Bachantki. Kontemplując tę ​​twarz, staliśmy w milczeniu, jakby pozbawieni mocy mowy - tak wyraźnie w każdym szczególe wyrażał się przejaw uczuć, gdzie zdawało się, że na uczucia nie ma miejsca. Szalona ekstaza była tak wyraźnie wyrażona na twarzy Bacchante, chociaż przejaw ekstazy nie jest charakterystyczny dla kamienia; i wszystko, co obejmuje duszę zranioną ukłuciem szaleństwa, wszystkie te oznaki poważnych cierpień psychicznych zostały tu wyraźnie ukazane przez twórczy dar artysty, w tajemniczym połączeniu. Włosy jakby zostały oddane woli pianki, aby się nią bawił, a sam kamień zdawał się zamieniać w najmniejsze pasma wspaniałych włosów. To przekraczało wszelkie zrozumienie, wykraczało poza wszystko, co można sobie wyobrazić: ten marmurowy posąg, będący kamieniem, zdołał oddać całą subtelność włosów; posłuszny sztuce artysty przedstawił kręgi luźnych loków; martwy kamień zdawał się mieć jakąś siłę życiową. Można powiedzieć, że sztuka przeszła samą siebie, tak niesamowite było to, co widzieliśmy, a mimo to widzieliśmy to na własne oczy. A artystka przedstawiła rękę w ruchu: nie potrząsała tyrsem bachicznym, ale niosła w ramionach zwierzę ofiarne, jak to bywa już z okrzykami „Evoe”, co jest oznaką silniejszej ekstazy. Był to wizerunek kozy o bladej skórze: nawet kamień, zgodnie z wolą artysty, zdołał przekazać nam stan śmierci. Ten sam materiał służył artyście do ukazywania życia i śmierci; przedstawił nam żywą Bacchante, gdy aspirowała do Kieferon, a ta koza już nie żyje. Bachantka w swej wściekłości zabiła ją i osłabiła siłę jej uczuć życiowych. Zatem Skopas, tworząc wizerunki nawet tych martwych istot, był artystą pełnym prawdomówności; w ciałach potrafił wyrazić cud uczuć duchowych, niczym Demostenes, który tworząc w swoich przemówieniach gonione obrazy, mocą siły pokazywał nam w abstrakcyjnych wytworach swojej myśli i umysłu niemal żywy obraz samego słowa. magiczne uroki sztuki. I natychmiast zrozumiecie, przeniknięci myślą, że ten posąg – dzieło Skopasa – stojący tutaj dla ogólnej kontemplacji, sam w sobie nie jest pozbawiony zdolności poruszania się na zewnątrz, którą daje mu natura, ale że ją tłumi, i w całym swoim wyglądzie zachowuje typowe cechy, nieodłączne od niego inspiracje, które dały mu początek. .

B.R. Vipper uważa ten posąg za dokładnie „menadę” Skopasa, kierując się powyższym opisem i m.in. na jego podstawie wyciąga wnioski na temat charakterystycznych cech stylu tego rzeźbiarza: „Z nożem w prawej ręce i rozdartą kozą na lewym ramieniu Maenad rzuca się do nieba, rzucając swoje bachiczne wyzwanie w niebo. W posągu Menady Skopas stworzył obraz nasycony takim duchowym impulsem, taką dynamiką emocjonalną, jakiej nie znajdziemy w całej historii sztuki greckiej. Ale Maenada imponuje nie tylko wyjątkową wyrazistością emocjonalną. Siła wyrazu jest w pełni zgodna ze śmiałością i kompletnością plastycznego projektu. Ciało Menady porusza się jednocześnie we wszystkich kierunkach, składa się wyłącznie z ukośnych płaszczyzn i kierunków. Dolna część ciała jest mocno wypchnięta do przodu, górna zaś odrzucona do tyłu; klatka piersiowa jest zwrócona w prawo, głowa w lewo. W biodrach ciało menady jest tak wygięte wokół własnej osi, że u dołu widzimy ją z przodu, a u góry - z tyłu. I pomimo całej tej obfitości kontrastów i kierunków, posąg Menady zamknięty jest w bardzo małej, bardzo prostej i zamkniętej bryle. Jednocześnie żaden grecki posąg przed Skopasem nie był tak bogaty w punkty widzenia jak Maenada. Oczywiście ona, jak każdy grecki posąg, ma główny punkt widzenia (w tym przypadku jest to niewątpliwie profil). Ale jednocześnie posąg Menady znajduje się w tak silnym ruchu obrotowym, że tylko okrążając go, zapoznając się z jego twarzą i innym profilem, widz uzyska pełny obraz kształtów jej ciała, jej ruch i motyw ubioru. .

Ryż. 5-11. „Maenada” z różnych perspektyw (fot. Beryl Barr-Charrar).

Łatwo zobaczyć, jak bardzo pod względem dynamiki Maenada poszła do przodu w porównaniu do Amazonki Sciarra. I nie chodzi tutaj bynajmniej tylko o fabułę; jak wspomniano powyżej, pomimo różnic w zabarwieniu emocjonalnym, ekspresja powstająca dzięki dynamice postawy jest na zupełnie innym poziomie - a raczej „Maenada” stanowi naturalny etap rozwoju koncepcji kontrapostu. Rytmy ściśle poziome (pas) i pionowe (fałdy) są niemal nieczytelne, we wszystkim widać albo miękką krzywoliniową plastyczność, albo ostrą, ale wciąż ukośną, a przez to lżejszą, szybszą dynamikę. Skomplikowanie rytmu (a co za tym idzie jego mniejsza czytelność) w przestrzeni zostaje jednak uzupełnione od drugiej strony: wyrwanie się z samowystarczalnej płaszczyzny czołowej, której zakładnikiem była wciąż „Amazonka” Polikleta, w bogatą trójwymiarowość „Maenada” zaczyna żyć także w czasie: motyw tańca – oczywiście przedstawiającego coś długiego – ujawnia się widzowi podczas spaceru wokół posągu (il. 5-11); takie czasoprzestrzenne istnienie posągu jest pojęciem znacznie bardziej złożonym niż prosta i zrozumiała naprzemienność pionów i poziomów, które wyznaczają jedynie potencjalne, niezrealizowane „wektory”. Ten rozwój obrazu w przestrzeni i czasie szczegółowo rozważa Yu.D. Kolpiński: „Z punktu widzenia po lewej stronie szczególnie wyraźnie widać piękno jej prawie nagiego ciała i elastyczność szybkiego ruchu w górę i do przodu. Pełna twarz w wyciągniętych ramionach, w swobodnym ruchu fałd tuniki, w gwałtownie odrzuconej do tyłu głowie ujawnia się urok ekstatycznego wzlotu menady. Z punktu widzenia po prawej stronie, w ciężkiej czuprynie opadających włosów, jakby odciągając do tyłu… głowę, można wyczuć wyczerpanie impulsem menady. Lepkie, płynne fałdy chitonu prowadzą wzrok widza do końcowego punktu widzenia od tyłu. Dominuje tu motyw zakończonego skoku i zmęczenia. Ale z tyłu, wraz z opadającym wodospadem włosów, widzimy początek szybkiego ruchu fałd tkaniny, prowadzących do przejścia do lewego punktu widzenia i znów odczuwamy odradzającą się, pełną napięcia, porywczą ekstazę menada. .

Warto zauważyć, że globalne „odrodzenie” nie ogranicza się już do ciała i ubioru: w przeciwieństwie do głów z V wieku. (w tym „Rana Amazonki”), głowy z IV wieku. (i stąd rozważana przez nas „Maenada”) i poza posągiem są pełne wewnętrznej energii i pasji – choć nadal są nieportretowe i pozbawione indywidualnego charakteru. Wróćmy jeszcze raz do B.R. Wycieraczka: „Główki Scopas różnią się od wcześniejszych głów przede wszystkim budową. Nie są okrągłe, ale czworokątne, bardzo mocne, niemal z grubsza obramowane. W twarzy podkreślone są poprzeczne linie: wiszące brwi i poprzeczna zmarszczka na wypukłym czole są szczególnie charakterystyczne dla głów Skopasów. Głowy nigdy nie są ustawione prosto, ale są zgięte i pochylone na mocno odwróconej szyi. Już te cechy napełniają głowy Skopasa jakąś namiętną sennością i intensywnym patosem. W przeciwieństwie do sztuki klasycznej Scopas odwołuje się do uczuć widza, chce go ekscytować i szokować. Zajmuje się życiem wewnętrznym bohaterów, złożonością i pasją ich przeżyć emocjonalnych. Dlatego jest całkiem naturalne, że Scopas tak dużą wagę przywiązuje do głów, twarzy, a zwłaszcza oczu. Można powiedzieć, że Skopas był pierwszym greckim rzeźbiarzem, który zainteresował się problemem wzroku i próbował go rozwiązać zupełnie nowymi środkami.. Oczywiście ze względu na słabo zachowane szczegóły twarzy nie możemy z całą pewnością mówić o przydatności tych obserwacji do naszej „menady”, ale opis Kalistratusa i analiza podobnych dzieł, a w zasadzie spójrz na gwałtownie podniesioną głowę i tak prawdziwe, a nie ozdobne kołysanie pasm daje nam dobry powód.

Jednak w pewnym sensie dzisiaj, wraz z B.R. Wipper nie może się z tym zgodzić: jeśli zatem kierować się twórczością profesor sztuk pięknych Beryl Barr-Sharrar, przeprowadzoną po innych badaniach posągu i opublikowaną w jej eseju „Dresden Maenad and Skopas from Paros”, to rzeźba wcale nie było „mała objętość, bardzo prosta i zamknięta masa”(zgodnie z rekonstrukcją Treya i podobnymi rekonstrukcjami - ryc. 12-14), ale kompozycją otwartą i jeszcze bardziej dynamiczną (w szczególności lewa ręka z kozą była uniesiona nad głowę, a nie dociśnięta do barku, a prawa dłoń z nożem była oddzielona od tułowia pod dużym kątem). Zatem w przeciwieństwie do pełnej wdzięku okrągłości nagiego ciała – i to nie okrągłości raczej warunkowej, jak w „Amazonce” Polikleta, ale realistycznie zmiennej – istnieje sztywna trójkątna „rama” obejmująca całą kompozycję – która niewątpliwie , zasadniczo różni się od „kwadratowego standardu” Polikleta, gdzie dość zwarta kompozycja stosunkowo łatwo mieści się w równoległościanie lub cylindrze. G.I. zwraca także uwagę na inny, podobny kontrast. Sokołowa w „Sztuce starożytnej Grecji”: „Scopas w nowy sposób rozwiązuje proporcję ubrania i ciała: poprzez rozpięty chiton ukazuje nagie udo Maenady, z ostrym zestawieniem tkaniny i sylwetki, przełamując zwykłą klasyczną harmonię ubioru, postrzeganą jako echo ciało." .

Ryż. 12-14. Warianty rekonstrukcji „Menady” (od lewej do prawej): opcja bez kozła w lewej ręce 16,
wariant z kozą w lewej ręce Treya, wariant z kozą w lewej ręce Beryl Barr-Sharrar.

Niestety nie możemy nic powiedzieć na temat pierwotnego cokołu posągu ze względu na brak jakichkolwiek danych na jego temat.

Skopas

(Skupas), starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne mi. Przedstawiciel późnej klasyki. Urodzony na wyspie Paros, pracował w Tegea (obecnie Piali w Grecji), Halikarnasie (obecnie Bodrum w Turcji) oraz innych miastach Grecji i Azji Mniejszej. Brał udział w budowie świątyni Ateny Alei w Tegei (350-340 p.n.e.) i mauzoleum w Halikarnasie (połowa IV w. p.n.e.). Spośród oryginalnych dzieł rzeźbiarskich Skopasa, jakie do nas dotarły, najważniejszy jest fryz mauzoleum w Halikarnasie przedstawiający Amazonomachię, czyli bitwę Amazonek (poł. IV w. p.n.e.; wraz z Briaxisem, Leocharem i Tymoteuszem ; fragmenty – w British Museum). Z rzymskich kopii znane są liczne dzieła Skopasa - posągi Pothosa (Usrfitsi), Młodego Herkulesa (dawniej w kolekcji Lansdowne, Londyn), Meleagera (Muzea Watykańskie; Willa Medici, Rzym), Maenada (Kolekcja Rzeźb, Drezno). Odrzucenie cech charakterystycznych starożytnej sztuki greckiej V wieku. pne mi. harmonijny spokój obrazów, Skopas zwrócił się ku przekazowi silnych przeżyć emocjonalnych, dramatycznej walce namiętności. Do ich realizacji Scopas wykorzystał dynamikę kompozycji i nowe metody interpretacji szczegółów: głęboko osadzone oczy, zmarszczki na czole, rozchylone usta, a także intensywny rytm fałd ubrań. Przesiąknięta tragicznym patosem twórczość Skopasa wywarła ogromny wpływ na rzeźbiarzy epoki hellenistycznej ( cm. Sztuka hellenistyczna), w szczególności o mistrzach działających w III-II wieku. pne mi. w mieście Pergamon.

„Amazonomachia”. Fragment fryzu Mauzoleum w Halikarnasie. Marmur. Około 350 r. p.n.e Brytyjskie Muzeum. Londyn.
Literatura: A. P. Chubova, Skopas, L.-M., 1959; Arias P. E., Skopas, Roma, 1952.

(Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Pod redakcją Polevoya V.M.; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia radziecka”, 1986.)

(Skópas), grecki rzeźbiarz i architekt IV w. pne mi. Prawdopodobnie syn i uczeń Aristandera. Pracował w Tegea (obecnie Piali), Halikarnasie (obecnie Bodrum) i innych miastach Grecji i Azji Mniejszej. Nadzorował budowę świątyni Ateny w Tegei (Peloponez), która przetrwała jedynie w ruinie. Na wschodzie frontonświątynia przedstawiała mityczne polowanie na dzika kalidońskiego, na zachodzie – pojedynek bohatera Telefa z Achillesem. Zachowała się głowa Herkulesa, wojowników, myśliwych i dzika, a także fragmenty posągów męskich i torsu kobiecego, prawdopodobnie będące częścią polowania na Atalantę. W jednym z fragmentów – głowie rannego wojownika – po raz pierwszy w rzeźbie greckiej ucieleśniono ból i cierpienie, zamieszanie uczuć.

Skopas wraz z innymi wybitnymi rzeźbiarzami swoich czasów (Leocharem, Briaxisem, Tymoteuszem) pracował nad dekoracją słynnego Mauzoleum w Halikarnasie (ukończonego ok. 351 r. p.n.e.), uznawanego za jedno z siedem cudów świata. Talerze z ulgi przepasał budynek ciągłą wstęgą fryz. Być może Skopas był autorem najlepiej zachowanych fragmentów, które przedstawiają bitwę Greków z Amazonkami. Sceny bitwy przesiąknięte są wściekłością walki, gwałtownym ruchem; zdają się słyszeć dźwięk mieczy, świst strzał, wojenne okrzyki. Dr. dzieła Skopasa znane są jedynie z kopii rzymskich („Młody Herkules”, „Meleagr”). Najbardziej znaną z zaginionych rzeźb Skopasa była „Maenada” – figurka dziewczyny, towarzyszki boga Dionizosa, pędzącej w szaleńczym tańcu. Ciało tancerki jest jakby skręcone w spiralę, jej głowa jest odrzucona do tyłu, a jej ubrania trzepoczą, odsłaniając piękne ciało. W sztuce Skopasa po raz pierwszy znalazły wyraz wzruszenie, dramatyczny patos, gwałtowny ruch – wszystko, czego grecka rzeźba nie znała wcześniej. Twórczość Skopasa wywarła znaczący wpływ na rzeźbiarzy tamtej epoki hellenizm.

(Źródło: „Art. Modern Illustrated Encyclopedia.” Pod redakcją prof. A.P. Gorkina; M.: Rosmen; 2007.)

• - Scopas, Σκόπας, pochodzący z Paros, słynny rzeźbiarz i architekt, zajmował się budową świątyni Ateny Alea w Tegei, a w późniejszych latach budową mauzoleum, co oznacza, że ​​żył ok. 380 p.n.e. Do najsłynniejszego z jego...

  Prawdziwy słownik starożytności klasycznych

• - Grecki. rzeźbiarz i architekt IV w. PNE. z wyspy Paros, nowoczesny. Praksyteles. Nadzorował budowę świątynia Ateny w Tegei i pośrodku. przez wieki pracował nad fryzem mauzoleum w Halikarnasie...

  Świat starożytny. słownik encyklopedyczny

• - Grecki. rzeźbiarz i architekt IV w. pne mi. z wyspy Paros, współczesny Praksytelesowi. Nadzorował budowę świątyni Ateny w Tegei i pośrodku. przez wieki pracował nad fryzem mauzoleum w Halikarnasie...

  Słownik starożytności

• -, starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne mi. Przedstawiciel późnej klasyki...

  Encyklopedia sztuki

• Słownik architektoniczny

• - starożytny grecki rzeźbiarz i architekt

  Nowoczesna encyklopedia

• - w pierwszej połowie IV wieku działał starożytny grecki rzeźbiarz tzw. szkoły neoattyckiej, pochodzący z Paros. do R. Chr. Jednym z jego pierwszych dzieł była odnowienie pożaru zniszczonego w 395 roku...

  Słownik encyklopedyczny Brockhausa i Eufrona

• - Starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne e., przedstawiciel późnej klasyki…

  Wielka encyklopedia radziecka

• - grecki rzeźbiarz i architekt, urodzony na wyspie Paros ok. 420 p.n.e., prawdopodobnie syn i uczeń Aristandera...

  Encyklopedia Colliera

• - Starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne mi. Zachował się fryz mauzoleum w Halikarnasie przedstawiający bitwę Greków z Amazonkami…

  Duży słownik encyklopedyczny

• - Tesalczyk Tesalczyk, zapytany o jakąś zbędną i bezużyteczną rzecz z dekoracji swojego domu, odpowiedział: „Ale to właśnie ta zbędność czyni nas szczęśliwymi, a nie to, czego wszyscy potrzebują”…

  Skonsolidowana encyklopedia aforyzmów

Scopas w książkach

Skopas (ok. 395 p.n.e. - 350 p.n.e.)