Sztuka wczesnego renesansu (Quattrocento)
Początek XV wieku naznaczony ostrym kryzysem politycznym, którego uczestnikami były z jednej strony Republika Florencka i Wenecja, a z drugiej Księstwo Mediolanu i Królestwo Neapolu Villa Medici. Skończyło się to, co trwało od 1378 do 1417 roku. schizma kościelna, a na Soborze w Konstancji wybrano papieża Marcina V, wybierając Rzym na swoją rezydencję. Zmienił się układ sił politycznych we Włoszech: o życiu Włoch decydowały takie regionalne państwa, jak Wenecja, Florencja, które podbiły lub kupiły część terytoriów sąsiednich miast i dotarły do morza, oraz Neapol. Baza społeczna Rozszerzył się włoski renesans. Prężnie rozwijają się lokalne szkoły artystyczne o długich tradycjach. W kulturze decydująca staje się zasada świecka. W XV wieku humaniści dwukrotnie zasiadali na tronie papieskim.
„Ani niebo nie wydaje mu się zbyt wysokie, ani środek ziemi zbyt głęboki. A skoro człowiek poznał budowę ciał niebieskich i sposób ich poruszania się, kto zaprzeczy, że geniusz człowieka... jest prawie taki sam.” Marsilio Ficino Wczesny renesans charakteryzował się przełamywaniem tradycji późnogotyckich i zwracaniem się ku dziedzictwu starożytnemu. Jednakże to odwrócenie nie wynika z naśladownictwa. To nie przypadek, że Filarete wymyślił własny system zamówień.
„Naśladowanie natury” poprzez zrozumienie jej praw - główny pomysł traktaty o sztuce tego czasu.
Jeśli w XIV w. humanizm był w przeważającej mierze własnością pisarzy, historyków i poetów, już od pierwszych lat XV wieku. poszukiwania humanistyczne przeniknęły do malarstwa.
Virtu (męstwo) – koncepcja zapożyczona od starożytnych stoików została przejęta przez humanizm florencki końca XIV-I piętra. XV wiek Wiodące miejsce w humanizmie ostatniej tercji XV w. przejął neoplatonizm, w którym środek ciężkości przesunął się z kwestii moralno-etycznych na filozoficzne. Wszystkich humanistów tego stulecia łączy idea człowieka jako najdoskonalszego stworzenia natury.
Zmiany w stanowisku artysty wynikają z faktu, że na początku stulecia Signoria florencka potwierdziła dawno zapomnianą zasadę, zgodnie z którą architekci i rzeźbiarze nie mogli należeć do organizacji cechowej miasta, w którym pracowali . Zdając sobie sprawę z wartości artystycznej wyjątkowości, twórcy dzieł zaczynają podpisywać swoje dzieła, dlatego na drzwiach florenckiego baptysterium widnieje napis: „Wspaniałe dzieło sztuki Laurentiusa Cione de Ghiberti”. W drugiej połowie XV w. Rysowanie na podstawie modelu i pełnowymiarowe szkice stają się obowiązkowe.
Pierwszym włoskim architektem, który kierował się dziedzictwem starożytnego Rzymu, był Leon Battista Alberti (1404-1472). Piękno było dla Albertiego absolutne i pierwotne. Na tym rozumieniu piękna Alberti oparł swoją doktrynę concinnitas (zgodność, zgodność) wszystkich rzeczy. W związku z koncepcją proporcjonalności pojawia się także zainteresowanie prawami harmonicznych relacji liczbowych i doskonałymi proporcjami. Niektórzy, jak Filarete, szukali ich w budowie ludzkiego ciała, inni (Alberti, Brunelleschi) – w numerycznych relacjach harmonii muzycznej.
„Piękno to proporcjonalna harmonia wszystkich części, zjednoczona tym, do czego przynależą, tak że nic nie można dodać, odjąć ani zmienić bez pogorszenia tego” – wierzył Alberti.
Kolejnym odkryciem Quattrocento jest perspektywa bezpośrednia. Jako pierwszy użył go F. Brunelleschi w dwóch widokach Florencji. W 1416 roku wykorzystał go przyjaciel Brunelleschiego, rzeźbiarz Donatello, w płaskorzeźbach „Bitwa pod św. Jerzego ze Smokiem” i około 1427-1428. Masaccio stworzył perspektywiczną strukturę na fresku Trójcy. Alberti szczegółowo teoretycznie rozwinął zasady perspektywy w swoim Traktacie o malarstwie. Metoda projekcji nie opierała się na obrazach poszczególnych obiektów, lecz na przestrzennym połączeniu obiektów, w którym każdy pojedynczy obiekt tracił swój stabilny wygląd. Obraz perspektywiczny ma na celu uzyskanie efektu obecności, dlatego polegał na czerpaniu z życia z ustalonego punktu widzenia. Perspektywa obejmuje transmisję światła i cienia oraz relacje tonalne i kolorowe.
Architektura Quattrocento
Istota i wzorce architektury są określone dla teoretyków XV wieku. jej służba człowiekowi. Dlatego popularna staje się idea zaczerpnięta od Witruwiusza o podobieństwie budynku do człowieka. Kształty budowli porównano do proporcji ciała ludzkiego. Teoretycy architektury dostrzegali także związek architektury z harmonią wszechświata. W 1441 r. odnaleziono traktat Witruwiusza, którego przestudiowanie przyczyniło się do przyswojenia sobie zasad ustroju porządkowego. Architekci próbowali zbudować model idealnej świątyni. Według Albertiego w rzucie powinien on przypominać wpisany w niego okrąg lub wielościan.
Baptysterium (gr. baptisterion - chrzcielnica) - komnata chrzcielna, pomieszczenie do chrztu. W epoce wczesnego średniowiecza Ze względu na potrzebę masowych chrztów, chrzcielnice budowano oddzielnie od kościoła. Najczęściej chrzcielnice budowano okrągło lub fasetowo i przykrywano kopułą.
Logicznym rezultatem rozwoju teorii perspektywy było opracowanie praw proporcji – relacji przestrzennych poszczególnych elementów budynku (wysokość kolumny i szerokość łuku, średnia średnica kolumny i jej wysokość ).
Fascynacja antykiem była charakterystyczna dla mistrzów Quattrocento, jednak każdy twórca tworzył i był świadomy własnego ideału starożytności.
W XV wieku zaczęto organizować konkursy o nadanie prawa do czegokolwiek projekt artystyczny. I tak w konkursie z 1401 roku na wykonanie północnych drzwi z brązu do baptysterium wzięli udział zarówno znani mistrzowie, jak i dwudziestoletni Lorenzo Ghiberti i Filippo Brunelleschi. Tematem obrazu była „Ofiara Abrahama” w formie płaskorzeźby. Ghiberti wygrał. W konkursie z 1418 roku na budowę kopuły katedry Santa Maria del Fiore zwyciężył Brunelleschi (1377-1446), architekt, matematyk i inżynier. Kopuła miała zwieńczać katedrę, zbudowaną na początku XIII wieku. i rozbudowany w XIV w. Trudność polegała na tym, że kopuły nie można było wznieść znanymi wówczas metodami technicznymi. Brunelleschi zaczerpnął swoją metodę z technik starożytnego rzymskiego murarstwa kamiennego, zmienił jednak kształt kopułowej konstrukcji. Lekko spiczasta, ogromna (średnica - 42 m) kopuła składała się z dwóch skorup, głównej ramy - z 8 głównych żeber i 16 dodatkowych, połączonych ze sobą poziomymi pierścieniami pochłaniającymi ciąg.
Architektonicznym ucieleśnieniem istoty renesansu była loggia stworzona przez Brunelleschiego na fasadzie Domu Dziecka we Florencji. Powrót do podstaw starożytnej architektury rzymskiej, opierając się na zasadach tradycji prarenesansowej i narodowej Architektura włoska Brunelleschi wyróżnił się jako reformator tworząc portyk Domu Sierot, instytucji charytatywnej. Kształt fasady był nowy. Portyk był szerszy od samego Domu Dziecka, do którego z prawej i lewej strony przylegało kolejne przęsło. Stwarzało to wrażenie szerokiej rozciągłości, co wyrażało się w przestronności łukowych przęseł arkad i podkreślane było stosunkowo niską wysokością drugiej kondygnacji. Budynkowi brakowało form gotyckich, zamiast zorientować budynek pod względem wysokości i głębokości, Brunelleschi zapożyczył od starożytności harmonijną równowagę mas i objętości.
Płaskorzeźba spłaszczona (wł. relievo schiacciatto) to rodzaj płaskorzeźby, w której obraz w najmniejszym stopniu wznosi się ponad tło, a plany przestrzenne są przybliżane do granicy.
Brunelleschi jest uznawany za pierwszego praktycznego wdrożenia perspektywy bezpośredniej. Już w starożytności geometrzy opierali optykę na założeniu, że oko jest połączone z obserwowanym obiektem za pomocą promieni optycznych. Odkrycie Brunelleschiego polegało na tym, że przeciął tę piramidę optyczną płaszczyzną obrazu i uzyskał dokładny rzut obiektu na płaszczyznę. Wykorzystując drzwi katedry florenckiej jako naturalną ramę, Brunelleschi umieścił przed nimi rzut baptysterium (budynku chrzcielnego znajdującego się przed katedrą), który w pewnej odległości pokrywał się z sylwetką budowli.
Nie wszystkie projekty Brunelleschiego zostały zrealizowane zgodnie z jego planami.
Uczeń Brunelleschiego, Michelozzo di Bartolommeo, stworzył Palazzo Medici – trzypiętrowy budynek na planie kwadratu z kwadratowym dziedzińcem pośrodku.
Leon Batista Alberti (1404-1472) – wszechstronnie wykształcony filozof humanista, działający we Florencji, Ferrarze i Rimini. Alberti był pierwszym architektem, skupiającym się przede wszystkim na dziedzictwie starożytnego Rzymu, który głęboko rozumiał znaczenie rzymskiej architektury. Współcześni byli zdezorientowani niezwykłym charakterem budynków kościelnych Albertiego; Papieżowi Piusowi I kościół San Francesco w Rimini wydawał się pogańską świątynią, kościół San Sebastiano w Mantui przypominał zarówno kościół, jak i meczet. Alberti stworzył Palazzo Ruccellai we Florencji z gładkimi ścianami pozbawionymi boniowania, eleganckimi obramowaniami portali i okien oraz uporządkowaną dekoracją elewacji. Projektując mantuański kościół Sant'Andrea, Alberti połączył tradycyjną bazylikową formę świątyni z kopułowym dachem. Budynek charakteryzuje się majestatem łuków fasadowych i majestatem przestrzeni wewnętrznej. Ścianę poziomo przecinało szerokie belkowanie. Decydujące znaczenie miał portyk i jego sklepienie, w którym żebra zastąpiono płaską kopułą.
Większość pozostałych architektów z powodzeniem łączyła rolę projektanta z funkcją kuratora.
Malarstwo z XV wieku.
Malarstwo to przede wszystkim malarstwo monumentalne, tj. fresk. Cechą szczególną fresku jest konieczność użycia ograniczonej ilości barwników łączących się z wapnem. Wśród malarstwa sztalugowego coraz większą rolę zaczyna odgrywać ołtarz. Nie jest to ołtarz gotycki z wieloma drzwiami, lecz jedna kompozycja – obraz ołtarzowy, tzw. pal. Pod obrazem ołtarzowym znajduje się kilka małych, wydłużonych poziomo obrazów, tworzących wąski pas predelli. W pierwszej połowie stulecia pojawił się niezależny portret świecki. Jednym z pierwszych artystów tamtej epoki był Masaccio (prawdziwe nazwisko - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Główne dzieła: „Madonna z Dzieciątkiem i Aniołami”, „Ukrzyżowanie”, „Adoracja Trzech Króli”, „Trójca”.
Na fresku w kaplicy Brancaccich w kościele Święta Maria del Carmine „Cud statera” Masaccio łączy w sobie trzy epizody: Chrystusa, od którego poborca podatkowy prosi o pieniądze; Chrystus nakazujący Piotrowi złowić rybę, aby wydobyć z niej monetę; Piotr daje pieniądze. Masaccio uczynił drugi epizod centralnym, ponieważ musiał pokazać, że wydarzenia zależą od nienagannej woli Chrystusa.
Fra Beato Angelico (1395-1455). W 1418 roku złożył śluby zakonne w klasztorze dominikanów w Fiesole, zwanym dalej Fra (bratem) Giovannim. W 1438 roku przeniósł się do klasztoru San Marco we Florencji, gdzie zaprojektował obraz do ołtarza głównego i cele mnichów. Najbardziej znanym dziełem Fra Angelico był fresk Zwiastowania.
Filippo Lippi (ok. 1406-1469) w młodym wieku został pozostawiony bez rodziców, w 1421 roku złożył śluby zakonne w klasztorze Santa Maria del Carmine. Filippo malował ołtarze dla florenckich kościołów San Spirito, San Lorenzo, Sant'Ambrogio, małe ołtarze w formie tondo, które zwykle dawało się jako prezenty z okazji ślubu lub w związku z narodzinami dziecka. Patronowali mu Medyceusze.Piero della Francesca (1420-1492) urodził się w San Sepolcro i przez całe życie, pomimo ciągłych nieobecności, wracał do pracy w swoim rodzinne miasto. W latach 1452-1458. Piero della Francesca namalował główną kaplicę kościoła San Francesco w Arezzo freskami przedstawiającymi historię życiodajnego krzyża.
Andrea della Verrocchio (1435-1489) był jednym z ulubieńców Medyceuszy, w imieniu których prowadził prace w kościele San Lorenzo.
Domenico Ghirlandaio (1449-1494) we Florencji pracował dla kupców i bankierów w pobliżu domu Medyceuszy. W swoich kompozycjach często przedstawiał swoich współobywateli jako postacie historii świętej.
Perugina (1450-1523). Prawdziwe nazwisko - Pietro Vannucci, urodził się niedaleko Perugii, stąd jego przydomek Perugino. W Rzymie w 1481 roku wraz z innymi namalował Kaplicę Florencką scenami ze Starego i Nowego Testamentu oraz stworzył kompozycje ołtarzowe na zamówienie kościołów i klasztorów północnych Włoch.
Bernardino di Betto, ze względu na niski wzrost nazywany Pinturicchio (1454-1513), stworzył freski i miniatury na tematy literackie. Najsłynniejszym dziełem Pinturicchio były dekoracje sztukatorskie i freski w salach papieskich w Watykanie.
Andrea Mantegna (1431-1506) był nadwornym malarzem księcia Gonzagi w Mantui, malował obrazy, tworzył ryciny i dekoracje do przedstawień. W latach 1465-1474. Mantegna zaprojektował pałac miejski Lodovico Gonzagi i jego rodziny.
Ostatnim z wielkich mistrzów Quattrocento jest Sandro Botticelli (1445-1510), bliski florenckim neoplatończykom w dążeniu do inny świat, chęć wyjścia poza formy naturalne i historię. Wczesne prace Botticelli wyróżnia się miękkim liryzmem. Maluje portrety pełne życie wewnętrzne. To i Giuliano Medici, którego twarz jest naznaczona smutkiem. W „Portrecie Cimonetty Vespucci” Botticelli przedstawia z profilu stojącą młodą kobietę, której twarz wyraża poczucie własnej wartości. W latach 90 stworzył portret Lorenza Lorenziano, naukowca, który w przypływie szaleństwa popełnił samobójstwo w 1504 roku. Artysta przedstawia obraz niemal rzeźbiarsko namacalny.
„Wiosna” zapoczątkowała największy rozkwit działalności Botticellego, jego sława dotarła do Rzymu: w środku kwitnąca łąka stoi Wenus – bogini miłości, przedstawiona w eleganckiej formie ubrana dziewczyna. Kupidyn unosi się nad Wenus i z zawiązanymi oczami wystrzeliwuje płonącą strzałę w przestrzeń. Na prawo od Wenus Trzy Gracje prowadzą okrągły taniec. W pobliżu tańczących łask stoi posłaniec bogów Merkury, unoszący swoją laskę - kaduceusz. Po prawej stronie obrazu bóg wiatru Zefir wylatuje z głębi gęstwiny, ucieleśniając elementarną zasadę natury. Botticelli napisał „Narodziny Wenus” w latach 1482–1483. na żądanie Lorenzo Medici. Morze zbliża się do samej krawędzi obrazu, na jego powierzchni unosi się złoto-różowa muszla, na której zakręcie stoi naga Wenus. Róże spadają do jej stóp, wiatr kieruje muszlę na brzeg, gdzie nimfa przygotowała płaszcz utkany z kwiatów.
Jest prawdopodobne, że Botticelli umieścił w obrazie podtekst zaczerpnięty z neoplatonizmu. „Narodziny Wenus” nie są bynajmniej pieśnią pogańską kobiece piękno. Zawiera ideę chrześcijaństwa o narodzinach duszy z wody podczas chrztu. Nagie ciało bogini oznacza czystość, naturę reprezentują jej żywioły: powietrze to Eol i Boreasz, woda to zielonkawe morze z ozdobnymi lokami fal. Jest to spójne ze sposobem, w jaki dyrektor Akademii Florenckiej Marsilio Ficino zinterpretował mit o narodzinach Wenus jako personifikację duszy, która dzięki boskiemu pierwiastkowi zdolna jest tworzyć piękno. Dla Botticellego nie było nieprzekraczalnej granicy między starożytnością a chrześcijaństwem. Artysta wprowadza do swoich obrazów o tematyce religijnej antyczne obrazy. Jednym ze słynnych obrazów o treści religijnej jest „Gloryfikacja Madonny”, powstały w latach 1483–1485. Madonna ukazana jest na tronie, w otoczeniu aniołów, z Dzieciątkiem Jezus na kolanach. Madonna wyciąga pióro, aby zapisać słowa w księdze i rozpoczyna modlitwę na jej cześć. Po „Magnificat” Botticelli tworzy serię dzieł, w których spirytualizm jest coraz bardziej intensyfikowany, echa gotyckie objawiają się w braku przestrzeni, w wywyższeniu obrazów.
Rzeźba renesansowa ucieleśniała antropocentryzm renesansu. Rzeźbiarze włoskiego renesansu indywidualizowali obraz nie tylko pod kątem personifikacji fizjonomicznej, ale także duchowej samoświadomości jednostki. główna cecha rzeźby z XV w - jego oddzielenie od ściany i niszy katedry.
Za wynalazek przypisuje się Donatello (prawdziwe nazwisko Donato di Niccolo di Betto Bardi) (1386-1466) specjalny typ płaskorzeźba, której istota polega na najdrobniejszej gradacji brył, w której najbardziej zaawansowane postacie są wyrzeźbione w wysokim reliefie, te najbardziej odległe wystają nieco z tła. Jednocześnie przestrzeń jest skonstruowana perspektywicznie i pozwala na umieszczenie w niej wielu postaci. Są to płaskorzeźby przedstawiające cuda św. Antoniego z ołtarza kościoła Sant'Antonio w Padwie. Pierwszą spłaszczoną płaskorzeźbą Donatella była tablica „Św. Jerzy zabijający smoka”, powstała około 1420 roku. Większa część obrazu jest spłaszczona i spłaszczona, ograniczona głęboko naciętym konturem, często wykonanym techniką pochyłego rowka.
W 1432 roku w Rzymie Donatello zapoznał się ze sztuką starożytną i doszedł do własnej interpretacji ducha starożytności, w której pociągało go przekazywanie emocjonalnego podniecenia i dramatycznych uczuć. Donatello ożywił ten, którego używano rzeźba antyczna chiazm - pozycja sylwetki, w której ciężar ciała przenoszony jest na jedną nogę, w związku z czym unoszące się biodro odpowiada obniżonemu ramieniu i odwrotnie.
Na placu przed kościołem Sant'Antonio w Padwie w latach 1447-1453. Donatello jest pionierem w sztuce współczesnej pomnik z brązu Gattamelata.
S. Botticellego. Narodziny Wenus. Fragment
Renesans rozpoczął się we Włoszech. Swoją nazwę zawdzięcza dramatycznemu rozkwitowi intelektualnemu i artystycznemu, który rozpoczął się w XIV wieku i wywarł ogromny wpływ na społeczeństwo i kulturę europejską. Renesans znalazł swój wyraz nie tylko w malarstwie, ale także w architekturze, rzeźbie i literaturze. Najwybitniejszymi przedstawicielami renesansu są Leonardo da Vinci, Botticelli, Tycjan, Michał Anioł i Rafael.
W tamtych czasach głównym celem malarzy było realistyczny obraz ludzkie ciało, malowali więc głównie ludzi i przedstawiali różne tematy religijne. Wynaleziono także zasadę perspektywy, która otworzyła przed artystami nowe możliwości.
Centrum renesansu stała się Florencja, drugie miejsce zajęła Wenecja, a później, bliżej XVI wieku, Rzym.
Leonardo jest nam znany jako utalentowany malarz, rzeźbiarz, naukowiec, inżynier i architekt renesansu. Leonardo większość swojego życia pracował we Florencji, gdzie stworzył wiele arcydzieł znanych na całym świecie. Pomiędzy nimi: " Mona Lisa„(znany również jako „La Gioconda”), „Dama z gronostajem”, „Benois Madonna”, „Jan Chrzciciel” i „Św. Anna z Maryją i Dzieciątkiem Jezus”.
Artysta ten jest rozpoznawalny dzięki niepowtarzalnemu stylowi, który wypracował przez lata. Na osobiste zamówienie papieża Sykstusa IV namalował także ściany Kaplicy Sykstyńskiej. Botticelli napisał słynne obrazy o tematyce mitologicznej. Takie obrazy to „Wiosna”, „Pallas i centaur”, „Narodziny Wenus”.
Tycjan był głową florenckiej szkoły artystów. Po śmierci swojego nauczyciela Belliniego Tycjan stał się oficjalnym, powszechnie uznanym artystą Republiki Weneckiej. Malarz ten znany jest z portretów o tematyce religijnej: „Wniebowstąpienie Maryi”, „Danae”, „Miłość ziemska i Miłość niebiańska”.
Włoski poeta, rzeźbiarz, architekt i artysta namalował wiele arcydzieł, w tym słynną statuę „Dawida” wykonaną z marmuru. Pomnik ten stał się główną atrakcją Florencji. Michał Anioł namalował sklepienie Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, które było duże zamówienie Papież Juliusz II. W okresie swojej twórczości więcej uwagi poświęcił architekturze, ale dał nam „Ukrzyżowanie św. Piotra”, „Złożenie do grobu”, „Stworzenie Adama”, „Forteller”.
Jego twórczość kształtowała się pod wielkim wpływem Leonarda da Vinci i Michała Anioła, dzięki którym zdobył bezcenne doświadczenie i umiejętności. Malował sale reprezentacyjne Watykanu, przedstawiające działalność człowieka i przedstawiające różne sceny z Biblii. Wśród znane obrazy Rafaela – „Madonna Sykstyńska”, „Trzy Gracje”, „Św. Michał i Diabeł”.
Iwan Siergiejewicz Ceregorodcew
Cechy charakterystyczne w sztuce renesansu
Perspektywiczny. Aby dodać do swoich prac trójwymiarową głębię i przestrzeń, artyści renesansu zapożyczyli i znacznie rozszerzyli koncepcje perspektywy liniowej, linii horyzontu i punktu zbiegu.
§ Perspektywa liniowa. Zdjęcie z perspektywa liniowa- to tak, jakbyś patrzył przez okno i rysował dokładnie to, co widzisz na szybie. Obiekty na zdjęciu zaczęły mieć własne rozmiary w zależności od odległości. Te, które były dalej od widza, stawały się mniejsze i odwrotnie.
§ Sylwetka na tle nieba. Jest to linia znajdująca się w odległości, przy której obiekty zmniejszają się do punktu o grubości tej linii.
§ Znikający punkt. To jest moment, w którym równoległe linie jakby zbiegały się daleko w oddali, często na linii horyzontu. Efekt ten można zaobserwować stojąc na torach kolejowych i patrząc na tory jadące w oddali. l.
Cienie i światło. Artyści z zainteresowaniem bawili się tym, jak światło pada na przedmioty i tworzy cienie. Cienie i światło można wykorzystać do zwrócenia uwagi na konkretny punkt obrazu.
Emocje. Artyści renesansu chcieli, aby widz patrząc na dzieło coś poczuł, przeżył przeżycie emocjonalne. Była to forma retoryki wizualnej, w ramach której widz czuł inspirację do stania się w czymś lepszym.
Realizm i naturalizm. Oprócz perspektywy artyści starali się, aby obiekty, zwłaszcza ludzie, wyglądały bardziej realistycznie. Studiowali anatomię człowieka, mierzyli proporcje i poszukiwali idealnej formy człowieka. Ludzie wyglądali realnie i okazywali autentyczne emocje, co pozwalało widzowi na wyciągnięcie wniosków na temat tego, co myślą i czują przedstawieni ludzie.
Renesans dzieli się na 4 etapy:
Protorenesans (2. połowa XIII – XIV w.)
Wczesny renesans (początek XV - koniec XV wieku)
Wysoki renesans (koniec XV - pierwsze 20 lat XVI wieku)
Późny renesans (połowa XVI – lata 90. XVI w.)
Protorenesans
Protorenesans jest ściśle związany ze średniowieczem, właściwie pojawił się w późnym średniowieczu, wraz z tradycjami bizantyjskimi, romańskimi i gotyckimi, okres ten był prekursorem renesansu. Dzieli się on na dwa podokresy: przed śmiercią Giotta di Bondone i po (1337). Włoski artysta i architekt, twórca protorenesansu. Jedna z kluczowych postaci w historii Sztuka zachodnia. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem całkowicie rozwiniętej włoskiej szkoły malarstwa nowe podejście do obrazu przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła. Centralna figura Giotto został malarzem. Artyści renesansu uważali go za reformatora malarstwa. Giotto nakreślił drogę, po której nastąpił jego rozwój: wypełnienie form religijnych treściami świeckimi, stopniowe przejście od obrazów płaskich do obrazów trójwymiarowych i reliefowych, wzrost realizmu, wprowadzenie do malarstwa plastycznej wolumenu figur, ukazanie wnętrza w malarstwie.
Pod koniec XIII wieku we Florencji powstał budynek główny budynek świątyni- Katedra Santa Maria del Fiore, autorem był Arnolfo di Cambio, następnie dzieło kontynuował Giotto.
Najważniejsze odkrycia, najbystrzejsi mistrzowie żyją i pracują w pierwszym okresie. Drugi segment jest związany z epidemią dżumy, która nawiedziła Włochy.
Najwcześniejsza sztuka prarenesansu pojawiła się w rzeźbie (Niccolò i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Obraz jest reprezentowany przez dwa szkoły artystyczne: Florencja i Siena.
Wczesny renesans
Okres tzw. „wczesnego renesansu” obejmuje we Włoszech okres od 1420 do 1500 roku. Sztuka w ciągu tych osiemdziesięciu lat nie porzuciła jeszcze całkowicie tradycji niedawnej przeszłości (średniowiecza), ale próbowała wmieszać w nie elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. Dopiero później, pod wpływem coraz bardziej zmieniających się warunków życia i kultury, artyści całkowicie porzucają średniowieczne fundamenty i odważnie sięgają po przykłady sztuki starożytnej, zarówno w ogólnej koncepcji swoich dzieł, jak i w ich szczegółach.
O ile sztuka we Włoszech już zdecydowanie podążała drogą naśladowania klasycznej starożytności, o tyle w innych krajach przez długi czas trzymała się tradycji styl gotycki. Na północ od Alp, podobnie jak w Hiszpanii, renesans nastąpił dopiero pod koniec XV wieku, a jego wczesny okres trwa mniej więcej do połowy następnego stulecia.
Artyści wczesnego renesansu
Za jednego z pierwszych i najwybitniejszych przedstawicieli tego okresu uważa się słusznie Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), słynnego Malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.
Swoją twórczością przyczynił się do przejścia od sztuki gotyckiej do nowej, wychwalając wielkość człowieka i jego świata. Wkład Masaccio w sztukę został odnowiony w 1988 roku, kiedy jego główne dzieło - freski z kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji- przywrócono ich pierwotną formę.
- Zmartwychwstanie syna Teofila, Masaccio i Filippino Lippi
- Pokłon Trzech Króli
- Cud ze statrem
Innymi ważnymi przedstawicielami tego okresu byli Sandro Botticelli. wielki włoski malarz renesansu, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.
- Narodziny Wenus
- Wenus i Mars
- Wiosna
- Pokłon Trzech Króli
Wysoki renesans
Trzeci okres renesansu - czas najwspanialszego rozwoju jego stylu - nazywany jest zwykle „wysokim renesansem”. Rozciąga się we Włoszech od około 1500 do 1527 roku. W tym czasie centrum wpływów Sztuka włoska z Florencji przenosi się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na tron papieski Juliusza II – człowieka ambitnego, odważnego, przedsiębiorczego, który przyciągnął go na swój dwór najlepsi artyści Włoch, którzy zajmowali ich licznymi i ważnymi dziełami oraz dawali innym przykład miłości do sztuki. Dzięki temu papieżowi i jego najbliższym następcom Rzym staje się niejako nowymi Atenami czasów Peryklesa: wielu monumentalne budowle, wspaniały prace rzeźbiarskie, malowane są freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarstwa; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie wpływając. Starożytność jest obecnie badana dokładniej, odtwarzana z większą rygorystycznością i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; wspomnienia średniowiecza całkowicie zanikają, a na wszystkich dziełach sztuki spada całkowicie klasyczny ślad. Jednak naśladowanie starożytnych nie zagłusza u artystów ich niezależności, a z wielką zaradnością i żywością wyobraźni swobodnie przerabiają i stosują w swoim dziele to, co uznają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.
Twórczość trzech mistrzów Włoscy mistrzowie wyznacza szczyt renesansu, jest nim Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci wielki włoski malarz renesansu, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego. Włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz, muzyk, jeden z największych przedstawicieli sztuki Wysoki renesans, świecący przykład « uniwersalny człowiek»
Ostatnia Wieczerza,
Mona Lisa,
-człowiek witruwiański ,
- Madonna Litta
- Madonna na Skałach
-Madonna z wrzecionem
Michał Anioł Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Włoski rzeźbiarz, artysta, architekt [⇨], poeta [⇨], myśliciel [⇨]. . Jeden z największych mistrzów renesansu [ ⇨ ] i wczesnego baroku. Jego dzieła uznano za najwyższe osiągnięcia sztuki renesansu już za życia samego mistrza. Michał Anioł żył prawie 89 lat, czyli całą epokę, od okresu Wysokiego Renesansu do początków Kontrreformacji. W tym okresie papieży było trzynastu – dla dziewięciu z nich wykonywał rozkazy.
Stworzenie Adama
Sąd Ostateczny
i Rafaela Santi (1483-1520). wielki włoski malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.
- Przemienienie
- Wspaniały ogrodnik
Późny renesans
Późny renesans we Włoszech obejmuje okres od lat trzydziestych XVI wieku do lat dziewięćdziesiątych XVI wieku i lat dwudziestych XVII wieku. Kontrreformacja zatriumfowała w Europie Południowej ( Kontrreformacja(łac. Kontraformacja; z kontra- przeciw i reformacja- transformacja, reformacja) – katolicki ruch kościelno-polityczny w Europie połowy XVI-XVII w., skierowany przeciwko reformacji i mający na celu przywrócenie pozycji i prestiżu Kościoła rzymskokatolickiego.), który z ostrożnością patrzył na wszelkie wolno- myślenia, w tym gloryfikacji ludzkiego ciała i wskrzeszenia ideałów starożytności jak kamienie węgielne Ideologia renesansu. Sprzeczności światopoglądowe i ogólne poczucie kryzysu zaowocowały we Florencji „nerwową” sztuką wymyślonych kolorów i przerywanych linii - manieryzmem. Manieryzm dotarł do Parmy, gdzie pracował Correggio, dopiero po śmierci artysty w 1534 roku. Tradycje artystyczne Wenecji miały własną logikę rozwoju; Palladio (prawdziwe nazwisko) pracował tam do końca lat siedemdziesiątych XVI wieku Andrei di Pietro). wielki włoski architekt późnego renesansu i manieryzmu.( Manieryzm(z włoskiego maniera, sposób) - Zachodnioeuropejska literacka i artystyczna styl XVI- pierwsza tercja XVII w. Charakteryzuje się utratą renesansowej harmonii między tym, co fizyczne i duchowe, naturą i człowiekiem.) Założyciel palladianizmu ( Palladianizm Lub Architektura palladowa- wczesna forma klasycyzmu, która wyrosła z idei włoskiego architekta Andrei Palladio (1508-1580). Styl opiera się na ścisłym trzymaniu się symetrii, uwzględnieniu perspektywy i zapożyczeniu zasad klasycznej architektury świątynnej Starożytna Grecja i Rzym.) i klasycyzm. Prawdopodobnie najbardziej wpływowy architekt w historii.
Pierwszym samodzielnym dziełem Andrei Palladio, jako utalentowanego projektanta i utalentowanego architekta, była Bazylika w Vicenzy, w której ujawnił się jego oryginalny, niepowtarzalny talent.
Wśród domów wiejskich najwybitniejszym dziełem mistrza jest Villa Rotunda. Andrea Palladio zbudował go w Vicenzy dla emerytowanego urzędnika Watykanu. Godny uwagi jest fakt, że jest to pierwsza świecko-domowa budowla renesansu, wzniesiona w formie starożytnej świątyni.
Innym przykładem jest Palazzo Chiericati, którego niezwykłość przejawia się w tym, że pierwsze piętro budynku przeznaczono niemal w całości do użytku publicznego, co było zgodne z wymogami ówczesnych władz miejskich.
Wśród słynnych budynków miejskich Palladia nie sposób nie wspomnieć Teatro Olimpico, zaprojektowanego w stylu amfiteatru.
Tycjan ( Tycjan Vecellio) Malarz włoski, największy przedstawiciel szkoły weneckiej wysokiego i późnego renesansu. Imię Tycjana należy do takich artystów renesansu, jak Michał Anioł, Leonardo da Vinci i Rafael. Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.
Miejsce urodzenia (Pieve di Cadore w prowincji Belluno, Republika Wenecka) tak się czasem nazywa tak, Cadore; znany również jako Tycjan Boski.
- Wniebowstąpienie Najświętszej Marii Panny
- Bachus i Ariadna
- Diana i Akteon
- Wenus Urbino
— Porwanie Europy
którego twórczość niewiele miała wspólnego z kryzysem w sztuce Florencji i Rzymu.
Wczesny renesans (XIV-XV w.) w sztuce Włoch kojarzony jest przede wszystkim z Florencją, gdzie Medyceusze patronowali humanistom i wszelkiej sztuce. Na początku XV wieku. Szkoła florencka jest awangardą sztuki humanistycznej renesansu. Tutaj w 1439 roku powstała Akademia Platońska, Biblioteka Laurentyńska i zbiory dzieł sztuki Medyceuszy; pracują pisarze, poeci, humaniści, naukowcy.
Fra Filippo Lippi. Adoracja Dzieciątka.
Postrzeganie rzeczywistości jest sprawdzane przez doświadczenie, eksperyment i kontrolowane przez rozum. Stąd duch porządku i miary, tak charakterystyczny dla sztuki renesansu. Geometria, matematyka, anatomia, badanie proporcji ciała ludzkiego mają ogromne znaczenie dla artystów; Wtedy zaczynają dokładnie badać ludzką strukturę. Pojawia się nowe kryterium oceny piękna, oparte na podobieństwie do natury i poczuciu proporcjonalności. W sztuce Specjalna uwaga płaci się za plastyczne opracowanie form i rysunek. Chęć zrozumienia praw natury prowadzi do badania proporcji postać ludzka, anatomia. W XV wieku artyści włoscy rozwiązali także problem perspektywy prostoliniowej, który dojrzał w sztuce Trecenta.
W tym okresie świadomie i celowo studiują sztuka antyczna, starożytna filozofia i literatura. Jednak wpływ starożytności nakłada się na wielowiekowe i silne tradycje średniowiecza, na sztuka chrześcijańska. Wątki pogańskie i chrześcijańskie przeplatają się i przekształcają, nadając kulturze renesansu szczególnie złożony charakter.
Architektura wczesnego renesansu.
Założycielem architektury renesansowej we Włoszech był Filippo Brunelleschi (1377-1446), architekt, rzeźbiarz i naukowiec, jeden z twórców naukowej teorii perspektywy. Największym osiągnięciem inżynierskim Brunelleschiego była budowa kopuły katedry Santa Maria del Fiore we Florencji. Dzięki swoim matematycznym i geniusz techniczny Brunelleschiowi udało się rozwiązać najtrudniejsze zadanie swoich czasów. Kopuła katedry Santa Maria del Fiore stała się poprzedniczką wielu kopułowych kościołów we Włoszech i innych krajach europejskich.
Leona Battisty Albertiego. Kaplica Sant'Andrea w Mantui. Brunelleschi był jednym z pierwszych we włoskiej architekturze, który twórczo zrozumiał i oryginalnie zinterpretował starożytny system porządku i położył podwaliny pod budowę kopułowej świątyni opartej na starożytnym porządku. Prawdziwą perłą wczesnego renesansu była kaplica Pazzi, wzniesiona przez Brunelleschiego na zlecenie zamożnej rodziny florenckiej (rozpoczęta w 1429 r.). Określono humanizm i poezję twórczości Brunelleschiego, harmonijną proporcjonalność, lekkość i wdzięk jego budynków, zachowujących związki z tradycjami gotyku, swobodę twórczą i naukową ważność jego planów duży wpływ Brunelleschi o późniejszym rozwoju architektury renesansowej.
Jedno z głównych osiągnięć architektury włoskiej XV wieku. było powstanie nowego typu pałaców miejskich, które posłużyły za wzór budynki publiczne z późniejszego czasu. Włoskie pałace nazywane są palazzos (od łacińskiego palatium; to tutaj znajduje się Rosyjskie słowo"kancelaria") Cechy pałacu z XV wieku stanowią wyraźny podział zamkniętej bryły budynku na trzy kondygnacje, otwarte dziedziniec przy podcieniach letnich, zastosowanie boniowania, tj. kamień o z grubsza zaokrąglonej lub wypukłej powierzchni czołowej, do okładzin elewacyjnych, a także mocno przesunięty ozdobny gzyms. Uderzającym przykładem tego stylu jest wielka budowla ucznia Brunelleschiego i jego utalentowanego naśladowcy Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), nadwornego architekta rodziny Medyceuszy, Medici Palazzo Riccardi (1444-60), który posłużył za wzór dla budowa wielu pałaców florenckich.
Rzeźba wczesnorenesansowa.
XV wiek Rozkwita rzeźba włoska, która nabrała samodzielnego, niezależnego od architektury znaczenia. Do praktyki życia artystycznego zaczęto włączać zamówienia zamożnych kręgów rzemieślniczych i kupieckich na dekorację budynków użyteczności publicznej; odbywają się konkursy plastyczne. Rozważany jest jeden z tych konkursów – na wykonanie z brązu drugich północnych drzwi baptysterium florenckiego (1401 r.) istotne wydarzenie, co otworzyło nową kartę w historii włoskiej rzeźby renesansowej. Filippo Brunelleschi, który później został znany architekt. Zwycięstwo odniósł jednak Lorenzo Ghiberti (1381-1455). Jeden z najbardziej wykształconych ludzi swoich czasów, pierwszy historyk sztuki włoskiej, genialny rysownik, Ghiberti poświęcił swoje życie jednemu rodzajowi rzeźby – płaskorzeźbie. Za główną zasadę swojej sztuki Ghiberti uważał równowagę i harmonię wszystkich elementów obrazu. Szczytem dzieła Ghibertiego były wschodnie drzwi baptysterium florenckiego (1425-52), które uwieczniły imię mistrza. Dekorację drzwi stanowi dziesięć kwadratowych kompozycji wykonanych z pozłacanego brązu, nawiązujących niezwykłą wyrazistością do obrazów.
go za jednego z największych rzeźbiarzy pierwszej połowy XV wieku. był Jacopo della Quercia (1374-1438), starszy współczesny Ghiberti i Donatello. Jego twórczość, bogata w wiele odkryć, wyróżniała się jakby na tle ogólnej ścieżki rozwoju sztuki renesansu. Znaczący wpływ na twórczość Michała Anioła wywarły monumentalne płaskorzeźby Querci przedstawiające portal główny kościoła San Petronio w Bolonii (Stworzenie Adama).
Malarstwo wczesnego renesansu.
Ogromną rolę, jaką Brunelleschi odegrał w architekturze wczesnego renesansu, a Donatello w rzeźbie, miał Masaccio (1401-1428) w malarstwie. Znany historyk art Whipper powiedział: „Masaccio jest jednym z najbardziej niezależnych i konsekwentnych geniuszy w historii Malarstwo europejskie, twórca nowego realizmu...” Kontynuując poszukiwania Giotta, Masaccio odważnie zrywa ze średniowiecznymi tradycjami artystycznymi. Na fresku „Trójca” (1426-27), wykonanym dla kościoła Santa Maria Novella we Florencji, po raz pierwszy w r. malowanie ścian Masaccio wykorzystuje pełną perspektywę. W obrazach kaplicy Brancaccich kościoła Santa Maria del Carmine we Florencji (1425-28) - głównego dzieła swojego krótkiego życia - Masaccio nadaje obrazom niespotykaną życiową przekonywalność, podkreśla fizyczność i monumentalność swoich bohaterów, i mistrzowsko przekazuje stan emocjonalny psychologiczna głębia obrazów. W fresku „Wypędzenie z raju” artysta rozwiązuje najtrudniejsze dla swoich czasów zadanie ukazania nagiej postaci ludzkiej. Surowa i odważna sztuka Masaccio wywarła ogromny wpływ kultura artystyczna Renesans, w szczególności na twórczości Piero della Francesca i Michała Anioła.
Szczególne miejsce w malarstwie wczesnego renesansu zajmuje Sandro Botticelli (1445-1510), współczesny Leonardo da Vinci i młodemu Michałowi Aniołowi. Wykwintna sztuka Botticellego z elementami stylizacji (czyli uogólniania obrazów przy użyciu konwencjonalnych technik - upraszczania koloru, kształtu i objętości) cieszyła się dużym powodzeniem wśród wykształconych Florentczyków. Sztuka Botticellego, w przeciwieństwie do większości mistrzów wczesnego renesansu, opierała się na osobistych doświadczeniach. Wśród wielu obrazów Botticellego znajduje się kilka najpiękniejszych dzieł malarstwa światowego („Narodziny Wenus”, „Wiosna”). Wyjątkowo wrażliwy i szczery Botticelli przeszedł trudną i tragiczną ścieżkę kreatywne zadania- od poetyckiego postrzegania świata w młodości po mistycyzm i egzaltację religijną w wieku dorosłym.
Najważniejszym z fresków Masaccio jest „Cud Statir”, wielofigurowa kompozycja, która zgodnie z tradycją zawiera różne epizody legendy o tym, jak po wejściu do miasta Chrystusa i jego uczniów poproszono o zapłatę - stair (moneta); jak na rozkaz Chrystusa Piotr złowił w jeziorze rybę, a w jej pysku znalazł statir, który oddał strażnikowi. Obydwa te dodatkowe epizody – łowienie ryb i prezentacja statera – nie odwracają uwagi od centralnej sceny – wjazdu grupy apostołów do miasta. Ich postacie są majestatyczne, masywne, odważne twarze noszą zindywidualizowane cechy ludzi z ludu; u mężczyzny po prawej stronie niektórzy badacze widzą portret samego Masaccio. Znaczenie tego, co się dzieje, podkreśla ogólny stan powściągliwego podniecenia. Naturalność gestów i ruchów, wprowadzenie motywu gatunkowego w scenie poszukiwań monety przez Piotra oraz starannie namalowany pejzaż nadają obrazowi świecki, głęboko prawdziwy charakter.
Nie mniej realistyczna jest interpretacja sceny „Wygnanie z raju”, w której po raz pierwszy w malarstwie renesansowym ukazane są nagie postacie, silnie modelowane bocznym światłem. Ich ruchy i wyraz twarzy wyrażają zmieszanie, wstyd i wyrzuty sumienia. Wielka autentyczność i przekonująca siła obrazów Masaccio nadają szczególnej mocy humanistycznej idei godności i znaczenia osobowości ludzkiej. Artysta swoimi nowatorskimi poszukiwaniami otworzył drogi do dalszego rozwoju malarstwa realistycznego.
Uccello. Eksperymentatorem w badaniu i wykorzystaniu perspektywy był Paolo Uccello (1397–1475), pierwszy włoski malarz batalistyczny. Uccello urozmaicał kompozycje epizodami z bitwy pod San Romano trzykrotnie (połowa lat pięćdziesiątych XIV wieku, Londyn, National Gallery; Florencja, Uffizi; Paryż, Luwr), z entuzjazmem przedstawiając wielokolorowe konie i jeźdźców w szerokiej gamie cięć perspektywicznych i rozkładówek.
Castaño. Wśród zwolenników Masaccia wyróżniał się Andrea del Castagno (ok. 1421 - 1457), który wykazywał zainteresowanie nie tylko formą plastyczną i obiecujące konstrukcje, Charakterystyka Malarstwo florenckie tym razem, ale także na problem koloru. Najlepsze z stworzonych wizerunków tego szorstkiego, odważnego, nierównego z natury artysty wyróżniają się heroiczną siłą i niepohamowaną energią. Są to bohaterowie malowideł z Willi Pandolfini (ok. 1450 r., Florencja, kościół Santa Apollonia) – przykład rozwiązania tematu świeckiego. Na zielonym i ciemnoczerwonym tle wyróżniają się postacie wybitnych postaci renesansu, wśród nich kondotierowie florenccy: Farinata degli Uberti i Pippo Spano. Ten ostatni stoi twardo na ziemi, z szeroko rozstawionymi nogami, odziany w zbroję, z odkrytą głową, z dobytym mieczem w dłoniach; jest osobą żywą, pełną szaleńczej energii i wiary w swoje możliwości. Potężne modelowanie światła i cienia nadaje obrazowi siłę plastyczną, wyrazistość, podkreśla ostrość indywidualnych cech i jasny portret, jakiego wcześniej nie widziano we włoskim malarstwie.
Wśród fresków kościoła Santa Apollonia „Ostatnia Wieczerza” (1445–1450) wyróżnia się rozmachem obrazu i ostrością cech. Tę religijną scenę – posiłek Chrystusa w otoczeniu uczniów – namalowało wielu artystów, którzy zawsze naśladowali pewien typ kompozycje. Castagno nie odeszło od tego typu konstrukcji. Po jednej stronie stołu umieszczonego pod ścianą artysta umieścił apostołów. Wśród nich w centrum znajduje się Chrystus. Po drugiej stronie stołu stoi samotna postać zdrajcy Judasza. Jednak Castaño osiąga w swoich kompozycjach wielkie wrażenie i innowacyjne brzmienie; Sprzyja temu jasny charakter obrazów, narodowość typów apostołów i Chrystusa, głęboki dramatyczny wyraz uczuć oraz zdecydowanie bogata i kontrastowa kolorystyka.
Angeliko. Wykwintne piękno i czystość delikatnego połysku harmonie kolorów, które w połączeniu ze złotem nabierają szczególnego waloru dekoracyjnego, urzekają pełną poezji i baśniowości sztukę Fra Beato Angelico (1387–1455). Mistyczna w duchu, kojarzona z naiwnym światem idei religijnych, okryta jest poezją opowieść ludowa. Uduchowione obrazy „Koronacji Marii” (około 1435 r., Paryż, Luwr), freski klasztoru San Marco we Florencji, stworzone przez tego wyjątkowego artystę - mnicha dominikanina, zostają oświecone.
Domenico Veneziano. Problemy koloru interesowały także Domenico Veneziano (ok. 1410 – 1461), rodowitego Wenecjanina, pracującego głównie we Florencji. Jego kompozycje religijne („Pokłon Trzech Króli”, 1430–1440, Berlin-Dahlem, Galeria Sztuki), naiwno-bajkowa interpretacja tematu, do dziś noszą piętno tradycji gotyckiej. W tworzonych przez niego portretach rysy renesansowe były wyraźniejsze. W XV wieku podbił gatunek portretu niezależne znaczenie. Upowszechniła się kompozycja profilu, inspirowana starożytnymi medalikami, pozwalająca na uogólnienie i gloryfikację wizerunku portretowanej osoby. Precyzyjna linia zarysowuje ostry profil w „ Portret kobiety„(połowa XV w., Berlin-Dahlem, Galeria Obrazów). Artysta osiąga żywe, bezpośrednie podobieństwo, a jednocześnie subtelną jedność kolorystyczną w harmonii jasnych, lśniących kolorów, przezroczystych, zwiewnych, łagodzących kontury. Malarz jako pierwszy wprowadził w tę technikę mistrzów florenckich obraz olejny. Wprowadzając lakiery i oleje, Domenico Veneziano wzmocnił czystość i bogactwo kolorów swoich płócien.