Architektura renesansu została oparta na głównych cechach klasycznej architektury rzymskiej. Ale oczywiście nie oznacza to, że są podobne - podstawowe zasady planowania urbanistycznego bardzo się zmieniły od czasów starożytnych:
nie trzeba było już budować ogromnych obiektów sportowych do zawodów czy popularnych wśród Rzymian łaźni publicznych.
W systemie urbanistycznym pojawiły się nowe priorytety, oparte na potrzebach społeczeństwa renesansu. Porozmawiamy o tym w tym artykule.
Ogólna charakterystyka architektury renesansowej
Plan budowy renesans ma głównie kształt prostokąta, wyróżniający się symetrią i proporcjami opartymi na module. W świątyniach modułem jest często przęsło nawy.
Nawa- część wnętrza w formie wydłużonego pomieszczenia. Z jednej lub obu podłużnych stron nawa jest ograniczona szeregiem kolumn lub filarów oddzielających ją od sąsiednich naw. Podział wnętrza na nawy wywodzi się ze starożytnych greckich świątyń.
Trójnawowy kościół romański
Podział wnętrza na nawy zachował się jako technika powszechna w kolejnych epokach: renesansie, baroku i klasycyzmie.
Nawy stosowane są także w budowlach świeckich: np. w formie trójnawowej sali zdecydowano się na pomieszczenia biblioteki klasztoru San Marco we Florencji (1431-1441).
Wiele stacji metra moskiewskiego metra jest zaaranżowanych jako hale trójnawowe, czasem z wydzieloną nawą główną.
Stacja Baumanskaja moskiewskiego metra
W renesansie Brunelleschi po raz pierwszy podjął problem integralnej jedności konstrukcji i fasady, ale nie rozwiązał tego problemu w swoich pracach, ale Alberti po raz pierwszy rozwiązał ten problem w budynku Bazyliki św. Andrzeja w Mantui.
Fasada kościoła Sant'Andrea w Mantui
W XVI wieku rozpoczęto ulepszanie projektu świeckiej budowli w stylu renesansowym. i osiągnął swój szczyt w twórczości Palladia.
Fasada(zewnętrzna, frontowa strona budynku) w architekturze renesansu jest symetryczna względem osi pionowej. Elewacje kościołów z reguły mierzone są pilastrami, łukami i belkowaniem (stropem belkowym przęsła lub dopełnieniem muru), zwieńczonym frontonem. Szczyt(od łac. frons, frontis – czoło, front ściany) – zakończenie elewacji budynku, ograniczone dwoma połaciami dachu po bokach i gzymsem u podstawy. Szczyty są zwykle trójkątne, ale są też inne kształty.
Szczyt
Istnieją elewacje główne, boczne, tylne, a także ulica i dziedziniec.
Za pierwszą fasadę w stylu renesansowym uważa się fasadę katedry w Pienzy (1459-1462), przypisywaną florenckiemu architektowi Bernardo Gambarelli (Rossellino) Lub Albertiego.
Renesansowe budynki mieszkalne często posiadały gzyms(wystający element dekoracji wnętrz i na zewnątrz budynków, lokali, mebli. W architekturze gzyms oddziela płaszczyznę dachu od pionowej płaszczyzny ściany lub dzieli płaszczyznę ściany wzdłuż wybranych poziomych linii), na każdej kondygnacji umiejscowienie okna i detale z nimi związane są powtórzone, główne drzwi zaznaczono balkonem lub otoczono rustykalnym. Rdza, boniowanie, rustykalny(z łac. rusticus - prosty, szorstki) - reliefowy mur lub okładzina ścienna z kamieni o zgrubnie ociosanej lub wypukłej powierzchni czołowej (tzw. rdzy). Ożywiając płaszczyznę ściany grą światłocienia, rustykalny tworzy wrażenie potęgi, masywności budynku.
Palazzo Pitti (Toskania, Włochy). Architekt F. Brunelleschi
Palazzo Rucellai we Florencji z czterema gzymsami: dolny dopełnia cokół, dwa środkowe oddzielają od siebie kondygnacje elewacji, górny wchodzi w belkowanie dopełniające ścianę. Architekt Leon Battista Alberti
Architektura wczesnego renesansu
Włoskie zabytki architektury wczesnego renesansu znajdują się głównie we Florencji: prosta i elegancka kopuła katedry Santa Maria del Fiore (1436) oraz Pałac Pitti, stworzony przez Filippo Brunelleschiego; pałace Riccardi zbudowane przez Michelozzo-Michelozziego; pałace Strozziego Benedetto da Maiano i S. Kronaka; pałace Gondi (Giuliano da San Gallo), pałace Ruccellai Leon Battista Alberti.
Palazzo Riccardi
Ale nawet w Rzymie są arcydzieła tego okresu: małe i duże weneckie pałace Bernardo di Lorenzo, Certosa w Pawii Borgognone, Palazzo Vendramin-Calergi P. Lombardo i inne.
Pawia Certosa- Klasztor kartuzów na drodze z Pawii do Mediolanu. Certosa służy jako grobowiec mediolańskich książąt Viscontich i Sforzów, przykład lombardzkiego smaku artystycznego XV wieku. Architektura wzorowana jest na gotyku.
Pałac Dożów w Wenecji (Pałac Książęcy)- zabytek włoskiej architektury gotyckiej, jedna z głównych atrakcji miasta. Znajduje się na Placu św. Marka obok katedry o tej samej nazwie. Choć pierwsza budowla w tym miejscu powstała już w IX wieku, to budowę dzisiejszej budowli prowadzono w latach 1309-1424. chyba architekt Filippo Calendario.
Ten główny budynek Wenecji był przede wszystkim rezydencją doży (wybranej głowy Republiki Weneckiej). W pałacu zbierała się Rada Wielka i Senat, działała Policja Naczelna i Tajna. Wraz z katedrą św. Marka, Biblioteką św. Marka i innymi budynkami Pałac Dożów tworzy główny zespół architektoniczny miasta.
W innych krajach europejskich wczesny renesans rozpoczyna się pod koniec XV wieku. i trwa do około połowy XVI wieku, ale prawdziwych arcydzieł jest niewiele.
Wysoka architektura renesansowa
Wraz z wstąpieniem na tron papieski Juliusza II w 1503 r. ośrodek sztuki włoskiej przeniósł się z Florencji do Rzymu. Pod jego rządami i bezpośrednimi następcami powstało w Rzymie wiele monumentalnych budowli i dzieł sztuki. Opiera się całkowicie na klasycznych zasadach.
Głównymi zabytkami architektury włoskiej tego czasu są budowle świeckie. Wyróżnia je harmonia, wielkość proporcji, elegancja detali, dekoracji i zdobnictwa.
W budowie świątyń - pragnienie skali i majestatu. Kopuły spoczywają na 4 masywnych filarach.
Najbardziej znanym przedstawicielem tego okresu był Donata Bramantego(1444-1514), który w budownictwie przestrzegał klasycznych zasad.
Jego wyznawcy byli Baldassare Peruzzi, Rafael Santi, Antonio da Sangallo.
Willa Farnesina. Architekt Baldassare Peruzzi
Willa została zbudowana w latach 1506-1510. dla sieneńskiego bankiera Agostino Chigi. Była to pierwsza w Rzymie willa typu lekkiego, „pawilonowego”, otwarta na ogród i rzekę, bez dziedzińców i sal audiencyjnych. Malowidła ścienne na loggiach są autorstwa Rafaela i innych artystów. W 1577 roku willę kupiła rodzina Farnese.
Freski Rafaela w Villa Farnesina
Pałac Pandolfinich we Florencji. Architekt Rafał Santi
Palazzo Farnese w Rzymie. Architekci Antonio da Sangallo Młodszy, Michał Anioł i Vignola
Głównymi przedstawicielami architektury tego czasu byli Vignola, malarz i biograf artystów Vasariego- zbudował Pałac Uffizi we Florencji, Andrei Palladio, Genueńczycy Galeazzo Alessi, który wzniósł w Genui kościół Madonna da Carignano, pałac Spinola i pałac Sauli.
Pałac Uffizi, w którym mieści się galeria sztuki
Zespół architektoniczny składa się z dwóch równoległych do siebie budynków wykonanych na planie podkowy, która otwartym bokiem przylega do Piazza della Signoria, a dwoma podłużnymi bokami tworzy ulicę (długość 142 m) prowadzącą do nabrzeża Arno, gdzie otwiera się loggia przelotowa budynku poprzecznego. Budynek ma trzy kondygnacje iw całej ulicy - jedną elewację, poniżej - solidną otwartą loggię-galerię z licznymi wejściami do budynku.
Poza Włochami renesans rozkwitł pół wieku później, ale obejmował również lokalne tradycje architektoniczne. We Francji architektura Wielkiego Renesansu obejmuje zachodnią fasadę Luwru w Paryżu autorstwa P. Leska, zamek królewski w Fontainebleau, zamek Anet i Tuileries, wzniesione przez Philiberta Delorme i innych.
Skrzydło Luwru, najstarsza zachowana część budynku, zbudowana przez Pierre'a Lescauta w połowie XVI wieku.
W Hiszpanii - Pałac Escorial architektów X. de Toledo i X. de Herrera, w Niemczech - część zamku w Heidelbergu, ratusz Altenburg, baldachim ratusza w Kolonii, Furstenhof w Wilmar itp.
El Escorial – klasztor, pałac i rezydencja króla Hiszpanii Filipa II
Architektura późnego renesansu
W architekturze późnego renesansu więcej jest eksperymentów z formami, komplikacji detalu, załamania linii architektonicznych, skomplikowanej ornamentyki. Z tego nurtu rozwinął się później styl barokowy, a później rokoko.
Michał Anioł jest uważany za twórcę kierunku manieryzmu w architekturze, który swobodnie interpretował zasady i formy sztuki antycznej. Michał Anioł stworzył grobowiec Medyceuszy w kościele San Lorenzo we Florencji, kopułę Bazyliki św. Piotra, projekt zagospodarowania Wzgórza Kapitolińskiego w Rzymie. Uważany jest za autora „gigantycznego porządku” – pilastra ciągnącego się od podstawy do belkowania elewacji.
Innym przykładem tego stylu w architekturze jest Palazzo del Te Giulio Romano w Mantui, z ogromnymi loggiami, boniowanymi ścianami, grotami parkowymi i rozległymi freskami.
Palazzo del Te (Palazzo Te)- wiejska willa markiza Federico II Gonzaga w bagnistym terenie otaczającym Mantuę. Zbudowany w 18 miesięcy w latach 1524-1525. projekt Giulio Romano. Przez 10 lat podpisywał ją sam Romano i jego uczniowie. Jest to uderzający przykład sztuki manierystycznej.
Lorenza Berniniego stworzył półkoliste kolumnady katedry św. Piotra, baldachim nad jej głównym tronem, pałace Barberinich i Bracciano. Jako architekt i urbanista projektował kościoły, kaplice i budowle świeckie, a także projektował duże obiekty łączące architekturę barokową i rzeźbę: publiczne fontanny i nagrobki.
Palazzo Barberini. Architekt Lorenzo Bernini
Fontanna pszczół. Architekt Lorenzo Bernini
Kolumnada na Placu Świętego Piotra. Architekt Lorenzo Bernini
Na przełomie XV i XVI wieku powstał w Europie zupełnie nowy system architektoniczny – styl renesansowy. Z drugiej strony, jak wiecie, ten okres to renesans. Architektura tego czasu zmieniała się i doskonaliła w wyniku przenikania się i wzajemnego oddziaływania lokalnych tradycji oraz nowych trendów napływających z zewnątrz. Renesans to czas niezwykle znaczących przemian nie tylko w sztuce, ale także w sferze gospodarczej i społecznej niemal wszystkich krajów europejskich. Wynikało to w dużej mierze z przesunięcia akcentów w zakresie szlaków handlowych, powstania nowych ośrodków przemysłowych i handlowych w związku z odkryciem kontynentu amerykańskiego, rosnącymi wpływami Turków na Bałkanach oraz fundamentalnymi zmianami kulturowymi i ideologicznymi .
W okresie renesansu znacznie poszerzono i pogłębiono wiedzę o świecie, zwrócono dużą uwagę na rolę człowieka w świecie i społeczeństwie. Idealną osobą jest obecnie osoba wykształcona, o silnej woli fizycznej, która w razie potrzeby potrafi śmiało bronić swoich praw, zmieniać i ulepszać świat. Powstała i zaczęła się umacniać nowa klasa - burżuazja, która próbuje stworzyć i wdrożyć własną ideologię. Zupełnie nowe kierunki rozwijają się w nauce, sztuce, literaturze, filozofii i oczywiście w architekturze. We wszystkich tych obszarach ludzie zaczynają od starożytnego dziedzictwa, co tłumaczy falę zainteresowania architekturą.
Bez wykorzystania średniowiecznej doskonałości technik artystycznych i budowlanych architektura renesansu oraz rozwój i doskonalenie związanej z nią sztuki byłyby z trudem możliwe. Należy zauważyć, że na początku XV wieku wpływ urbanistyki był nadal bardzo silny, do czego przyczyniła się również architektura renesansu. Niewątpliwie architektura renesansu oznaczała zasadniczo nowy, całkowicie odrębny etap w rozwoju światowej architektury. Zauważalny stał się wzrost skali budownictwa świeckiego i cywilnego, inaczej zaczęły wyglądać także świątynie i kościoły. Dążenie architektów działających w XV-XVI wieku do kierowania budownictwem drogą naśladowania antycznych form i technik wyrażało się w reprodukcji elementów zdobniczych i narzędzi porządkowych.
Architektura renesansu charakteryzowała się precyzyjnym, naukowo poprawnym łączeniem i budową detali i proporcji, podobnie jak w starożytności. W dekoracjach zdobniczych i zdobniczych odgrywała bardzo znaczącą rolę, jednak w środkowym i późnym renesansie rola tych elementów została zmniejszona.
Architektura renesansu nie we wszystkich krajach rozwijała się równomiernie, nawet we Włoszech – znaczne różnice zaobserwowano na północy i południu państwa. Mianowicie w Wenecji i całej północnej części kraju rola technik zdobniczych była zauważalnie większa.
Każdy kraj w Europie miał swoje własne cechy i cechy konstrukcyjne. Można jednak prześledzić pewne wspólne cechy. Jest to na przykład odrzucenie szkieletu kamiennego fundamentu budowli gotyckiej i preferowanie nowego układu konstrukcyjnego – prostego, dość elastycznego, ekonomicznego, a nawet ułatwiającego pracę architekta. Są to budynki z łukami i ścianami murowanymi z cegły (krzyżowej, skrzynkowej, żaglowej, zamkniętej, kopulastej i kulistej) z częściowym wykorzystaniem elementów drewnianych w konstrukcji belkowej stropów, w krokwiach dachów spadzistych. Do zużytego tynku, marmuru, kamienia. Okładzina taka miała walor dekoracyjny i plastyczny. A metody zdobienia i ozdabiania ornamentami od samego początku były wspólne dla prawie wszystkich krajów.
Architektura renesansu oznacza nie tylko stworzenie pięknej i funkcjonalnej struktury, ale także znaczenie autora - mistrza artysty, który ma wyjątkową osobowość. Nazwiska wielkich mistrzów – Bramante, Alberti, Brunellesco, Bramonte, Delorme, Michelangelo, Herrera, Jones – na zawsze zapisały się w historii świata wraz z architekturą renesansu.
W stylu architektonicznym renesans(„Renesans”) pojawił się na początku XV wieku. Architekci powracają do jasnych i logicznych systemów porządku starożytności - skalowanych na miarę człowieka i konstruktywnie zgodnych z prawdą. Ostre gotyckie sklepienia i łuki ustępują miejsca sklepieniom cylindrycznym i krzyżowym. Renesans otworzył nowe możliwości kształtowania osobowości człowieka. Artyści, architekci i urbaniści próbowali stworzyć inne modele środowiska życia człowieka. Początek renesansu w architekturze związany jest z Florencją. Rzym, stolica Kościoła katolickiego w Europie, stał się centrum architektury późnego i późnego renesansu.
(Toskania), założona w I wieku. PNE. na miejscu osady etruskiej, jest jednym z głównych ośrodków i symboli renesansu. W XII wieku. miasto uzyskało niepodległość, wybiło własną monetę, a mieszkańcami Republiki Florenckiej były takie osobistości jak Dante Alighieri, Michał Anioł, Leonardo da Vinci czy Machiavelli. Florencja rozkwitła w XV-XVI wieku, za panowania książąt Medyceuszy, którzy brali udział w tworzeniu dwóch głównych muzeów miasta renesansu - Galerie Uffizi i Palazzo Pitti. W XVw. zbudowano główną katedrę miasta – Santa Maria del Fiore, obecnie trzecią co do wielkości świątynię na świecie (po katedrze św. Piotra w Rzymie i katedrze św. Pawła w Londynie). Ogromna kopuła katedry (średnica 42 m) stała się później pierwowzorem kopuły katedry św. Piotra. W pobliżu katedry wystrzeliła biało-różowa dzwonnica. Baptysterium katedry zostało zbudowane w XI wieku. w stylu romańskim.
Pod koniec XVw. V Mediolan(Lombardia) został odbudowany i przekształcony w klasztor dominikanów. Światową sławę klasztorowi przyniósł fresk „Ostatnia wieczerza” – arcydzieło Leonarda da Vinci. Aby szukać twarzy apostołów, artysta udał się do biednych dzielnic miasta, ale twarz Jezusa Chrystusa pozostała niedokończona. Niemniej jednak jest to jedno z najbardziej ukończonych dzieł Leonarda da Vinci. Zgodnie z doskonałością kompozycji, jasnością kolorów i wyrazistością twarzy fresk jest uważany za niezrównany.
Arcydziełem architektury Wielkiego Renesansu jest (Watykan), zbudowany w XVI - początku XVII wieku. W budowie katedry brali udział Rafael, Michał Anioł, Bernini i inni architekci. Katedra, zbudowana nad grobem Apostoła Piotra, jest największą budowlą sakralną na świecie. Katedra św. Piotra z olbrzymią kopułą (średnica 42 m), podwójną kolumnadą Berniniego, otaczająca Plac św. Piotra wraz z przylegającymi do niego pałacami i ogrodami, stała się centrum państwa-miasta Watykanu.
W urbanistyce renesansu „idealne miasta” i ich elementy urbanistyczne - place, parki, zespoły budynków - stają się przedmiotem rozwoju. Jednym z tych „idealnych miast” była stolica Malty. Miasto nosi imię mistrza Zakonu św. Jana Jerozolimskiego (św. Jana Jerozolimskiego, który „zatrzymał się” na wyspie Rodos w) Jeana Parisota de La Valette, który założył miasto w połowie XVI wiek. Miasto ma regularny układ w obrębie murów twierdzy, tutaj na niewielkim obszarze skupionych jest 320 zabytków.
Renesans wpłynął na kształtowanie się wyglądu historycznych centrów wielu miast. Należą do nich centra miasta-pałacu (Marche) – miejsca narodzin Rafaela, „miast idealnych” Ferrara(Emilia-Romania) i Pienza(Lacjum), miasta Mantua(Lombardia) i Vicenza(Wenecja Euganejska), Genua(Ligurii) i Neapol(Kampania) itp. Miasto Matera(Basilicata) jest również znana z obszaru Sassi („kamieni”), gdzie ulice biegną między domami i kościołami wykutymi w skałach tufowych. W niektórych miejscach to „jaskiniowe miasto” wygląda tak samo jak 2,5 tysiąca lat temu.
W okresie renesansu tworzą się krajobrazy kulturowe, które łączą walory przyrodnicze obszaru, nowatorskie metody użytkowania gruntów, lokalne tradycje i architekturę, estetykę artystyczną i ideały renesansu. Krajobrazy kulturowe (Toskania), wybrzeże amalfitańskie Morze Tyrreńskie (kampania), Cinque Terre czy Riwiera Liguryjska(Liguria) ze średniowiecznym miastem Portovenere i genueńską fortecą Sacri Monti, tj. „Święte Góry” (Piemont i Lombardia).
W stylu renesansowym park jest zepsuty Villa d’Este w Tivoli(Lazio). Kultura renesansu prezentowana jest w całej okazałości w tym „ogrodzie cudów”: fontanny, ozdobne baseny, rzeźby, miejsca zacisznego wypoczynku itp. Villa d'Este wpłynęła na rozwój sztuki krajobrazu w Europie i mogła nawet służyć jako pierwowzór zespołów pałacowo-parkowych w (Francja) i Peterhofie (Rosja). W połowie XVI wieku. pierwszy na świecie ogród botaniczny powstał w Padwie (Veneto) w wyniku wzrostu zainteresowania naukami przyrodniczymi (tutejszy uniwersytet powstał już w XIII wieku).
Z kurortu Rimini (Emilia-Romania), położonego nad Morzem Adriatyckim, z widokiem na skałę z trzema zębami, położonego 20 km od morza. „Trójzębna Skała” to Góra Titano (738 m n.p.m.), górująca niczym olbrzym nad otaczającymi ją niskimi wzgórzami. A trzy zęby na górze to trzy twierdze miasta, które jest stolicą państwa o tej samej nazwie. Istnieje legenda, według której góra Titano, niespodziewanie narodzona na nizinach, jest stopniem ogromnych schodów zbudowanych przez tytanów – dzieci Urana i Gai. Tytani chcieli w ten sposób dostać się na Olimp, aby zabić Zeusa. Ale „bóg bogów” pokonał tytanów i wrzucił ich do „królestwa Hadesu”.
Wokół miasta San Marino wzniesiono trzy pasy murów twierdzy. Do dziś zachował się trzeci pas murów, wyznaczający współczesne centrum miasta. W obrębie dawnego pierwszego pasa murów znajduje się kościół, w którym przechowywane są relikwie św. Marino, a także starożytne cysterny („fossi”), które służyły do zbierania wody deszczowej i zasilania miasta. W obrębie drugiego pasa murów znajduje się Pałac Rządowy, zbudowany pod koniec XIX wieku. na miejscu starego pałacu z XVI wieku. i w stylu tej samej epoki.
Na wschodnich obrzeżach centralnej części miasta znajduje się twierdza Guaita(zachodni „bolec” na Mount Titano), który był kiedyś więzieniem. Budowę Guaity rozpoczęto w X wieku oraz w XV-XVII wieku. Twierdza była kilkakrotnie przebudowywana. Centralnym „zębem” góry Titano jest forteca Chesta (drugie imię to Fratta). Twierdza została zbudowana w XIII wieku i została odrestaurowana na początku XX wieku. Teraz w twierdzy Chesta znajduje się muzeum starożytnej broni. Wschodni „bolec” trójgłowego wierzchołka Titano to twierdza Montale, z której zachowała się jedynie wieża, odrestaurowana w połowie XVIII wieku. Wieża oferuje widok na trzy strony horyzontu jednocześnie, więc od dawna pełni funkcję obserwacyjną i stróżującą.
odrodzenie czyli renesans narodził się we Włoszech i przeszedł kilka etapów, wywierając jednocześnie ogromny wpływ na sztukę i kulturę innych krajów Europy Zachodniej. Zwyczajowo wyróżnia się cztery etapy włoskiego renesansu: Protorenesans (trecento) - druga połowa XIII wieku. - pierwsza połowa XIV wieku; Wczesny renesans (quattrocento) - koniec XIV - XV wiek; Wysoki renesans (cinquecento) - koniec XV wieku. - pierwsza tercja XVI wieku; Późny renesans - druga połowa XVI wieku.
Wydawałoby się, że w tej epoce niewzruszone dotąd fundamenty systemu feudalnego zaczynają się chwiać. Bogate miasta handlowe walczą o niepodległość, o prawo do samorządu. Włoskie miasta handlowe odnoszą w ten sposób szczególne sukcesy. Zaczęły się aktywnie kształtować wczesne formy produkcji kapitalistycznej, jakimi były manufaktury.
Rozprzestrzenianie się manufaktur charakteryzuje erę upadku feudalizmu i powstania nowej klasy - burżuazji. W tym czasie powstają sprzyjające warunki dla rozwoju nauki, techniki i różnych dziedzin sztuki. renesans dał szereg wybitnych naukowców, wynalazców, podróżników, architektów, artystów, których działalność przyczyniła się do poszerzenia wyobrażeń ówczesnego człowieka o otaczającym go świecie i jego prawach. Idee renesansu oznaczały więc nie tylko zmianę nurtów stylistycznych i gustów artystycznych, ale także doprowadziły do głębokich przemian we wszystkich dziedzinach życia tego społeczeństwa.
odrodzenie wywodzi się z najbardziej rozwiniętych gospodarczo włoskich republik miejskich, w których, podobnie jak kiedyś w miastach starożytnej Grecji, powstają sprzyjające warunki do kształtowania się nowego światopoglądu humanistycznego, odrzucającego ideologię feudalizmu. We Włoszech, w oparciu o antyczne dziedzictwo, rozpoczyna się bezprecedensowy rozkwit sztuki. Podczas gdy inne kraje wciąż doświadczają gotyku w jego ostatnim okresie, we Włoszech wyłania się nowa kultura i sztuka, oparta na koncepcjach i formach starożytności.
Humanizm renesansu jako swoją główną zasadę głosi podstawę światopoglądu ludzkiego umysłu i wiedzy o świecie, ideę wyższego kulturowego i moralnego rozwoju człowieka. Żywe zainteresowanie budzi zapomniana kultura starożytna, filozofia, a zwłaszcza sztuka. W życiu duchowym i materialnym ludzi wiele się zmienia: poglądy ideologiczne, potrzeby estetyczne, uwarunkowania społeczno-kulturowe, a wraz z nimi świat rzeczy.
Poszerzają się granice ludzkiej wiedzy, czemu sprzyjają w szczególności liczne wynalazki. W przemyśle hutniczym, hutniczym i tartacznym siła mięśni jest coraz częściej zastępowana siłą wody. Należy podkreślić, że właśnie w tej epoce po raz pierwszy w historii świat maszyn i mechanizmów zajął pewne miejsce w kręgu problematyki artystycznej. Oczywiście konstruktorami maszyn byli wówczas nie tylko mechanicy, ale i artyści. Nierozłączność twórczości artystycznej i technicznej wyrażała się w tym, że malarstwo i rzeźbę utożsamiano ze zwykłym rzemiosłem. Artyści należeli do organizacji cechowych, a malarze często należeli do warsztatów aptekarzy (aptekarzy), a rzeźbiarze – do kamieniarzy. Odwoływanie się do antycznej kultury starożytności ożywia zainteresowanie antropocentrycznymi wyobrażeniami o otaczającym obiektowo-przestrzennym środowisku i pięknie jako mierze i harmonii.
Renesans, aktywnie wyrzekając się kultury średniowiecznej, zwraca się ku realistycznemu językowi sztuki, który w tej epoce stał się główną formą duchowej aktywności człowieka. Niemniej jednak to wielowiekowa kultura średniowiecza stała się podstawą rozkwitu kultury renesansu. Być może to jest przyczyną głębokich sprzeczności renesansu.
W tym czasie zacierają się granice między sztuką świecką a cerkiewną, ponieważ. w przypadku tematów świeckich i religijnych artyści używają tego samego języka artystyczno-figuratywnego. Istnieje mieszanka i wzajemne przenikanie się zasad świeckich i religijnych we wszystkich rodzajach sztuki. Koncentracja na utylitarnej, światowej postawie charakterystycznej dla starożytności, na wartościach ziemskich przyczynia się do powstania nauk, których celem jest badanie człowieka (z łac. boski. Ci, którzy studiują człowieka, otrzymują pod koniec XV wieku. imię humanistów.
W ówczesnej kulturze europejskiej ascetyzm i dogmatyzm średniowiecza ustępują miejsca nowym doznaniom sensu życia, szerokim możliwościom ludzkiego umysłu i doświadczenia. Formy antycznego świata pojawiają się po raz pierwszy w architekturze włoskich miast, we wnętrzach budynków. Mistrzowie włoskiego renesansu tworzą piękne świątynie, teatry, pałace we Florencji, Wenecji, Sienie, Mantui i innych włoskich miastach. Pod wpływem lokalnych uwarunkowań kształtują się wyraźnie wyodrębnione włoskie, francuskie, holenderskie, niemieckie, angielskie i hiszpańskie odmiany nowego stylu.
Język formalny sztuki antycznej został oddany na służbę ideałom nowej epoki. Powstający nowy styl architektoniczny okazał się, podobnie jak starorzymski, bardzo eklektyczny, a jego elementy formalne wyraźnie zapożyczono z arsenału zakonów grecko-rzymskich. Spokojnym poziomym podziałom form budowli nowej architektury przeciwstawia się teraz strzelistym liniom gotyku. Dachy stają się płaskie; zamiast wież i iglic często pojawiają się kopuły, bębny, żagle, podwójne rzędy itp.
Wracając do stylu antycznego, architektura renesansu przestrzegała pewnych zasad: regularności, symetrii, skali z osobą, dążenia do spokojnych, wyważonych proporcji w ramach ściśle linearnych kompozycji. Na przykład zapewniona jest regularność rytmu otworów okiennych i drzwiowych oraz ich obowiązkowa lokalizacja na tym samym poziomie itp. Miarą harmonii form jest zasada złotego podziału.
Typowe formy elewacji włoskich pałaców
Palazzo Medici. M. di Bartolomeo. XV wiek Florencja
Palazzo Strozzi. B. da Maiano. Koniec XV wieku Florencja
To właśnie w tej epoce kształtowanie nabiera racjonalnego, projektowego charakteru. Przedmioty materialne rodzą się najpierw w postaci projektów, a dopiero potem są realizowane w naturze. Jeśli poprzednie style rozwijały się sekwencyjnie, jakby organicznie z siebie wyrastały, to renesans wybrał artystyczne i kulturowe dziedzictwo odległej przeszłości jako punkt wyjścia dla rozwoju swojej sztuki.
Epoka ta charakteryzuje się budową, oprócz budowli o przeznaczeniu sakralnym, z reguły budowli świeckich zwieńczonych kopułą centralną – domów, pałaców (palazzo) oraz budynków użyteczności publicznej nowych typów: ratuszy, magazynów, szpitali, teatrów. Ponownie zaczęto budować wiejskie domy, których pierwowzorem były rzymskie wille.
Te budowle typu zamkowego wzniesiono na dużych działkach poza murami średniowiecznego miasta. Za monumentalnymi, wyłożonymi gruzem placami fasadą takiej budowli znajdował się dziedziniec, zwykle zamknięty, otoczony arkadami, omijając który zwiedzający znajdował się w bogato zdobionych frontowych salach i komnatach pałacu. Elewacje ozdobiono płytami marmurowymi, sztukaterią lub techniką kolorowego sgraffita. Okna rozwiązano półkolem, a później - bezpośrednim zakończeniem.
Pomieszczenia rozmieszczono wokół amfilady dziedzińca. Marmurowe schody umieszczono w rogach budynku i podzielono na osobne marsze, z których każdy znajdował się pod kątem 180° względem sąsiedniego, oddzielony od niego pustą ścianą i z reguły zachodzący na siebie ze sklepieniem kolebkowym.
Monumentalne wnętrza pałaców wyróżniały się bogactwem dekoracji zdobniczej, nie były to jednak kopie ani imitacje prawdziwych antycznych wnętrz rzymskich, gdyż. architekci renesansu mieli wyobrażenie o wnętrzach domów Rzymian dopiero z opisów Witruwiusza. Jednak najlepsze wnętrza pałaców tej epoki charakteryzowały się proporcjonalną doskonałością, której elementy miały związek modułowy.
renesansowe wnętrza
Recepcja. College del Cambiu. Perugia
Studiolo F. da Montefeltro. Pałac Książęcy. Urbino
Sufit kasetonowy. Bracia Del Tasso. Palazzo Vecchier. Florencja
Wnętrze kaplicy Pazzi. Brunelleschiego. XV wiek
Korytarz w Palazzo Spada. Rzym
Schody wejściowe do biblioteki San Lorenzo. Michał Anioł. 16 wiek
Salon Villa Medici w Poggio a Caiano. Sklepienie kasetonowe stiukowe
Proste i przejrzyste wnętrza F. Brunelleschiego (1377-1446), na przykład w kaplicy Pazzi (1430-1461) w kościele Santa Croce we Florencji, wywarły głęboki wpływ na późniejsze rozumienie przestrzeni wewnętrznej. Jego wnętrza charakteryzują się kontrastem białych lub lekko przyciemnianych tynkowanych ścian z gładkimi lub reliefowymi artykulacjami architektonicznymi z szarego kamienia. Nowe podejście do organizacji przestrzeni przejawiało się w wyraźniejszym rozróżnieniu funkcji pomieszczeń i ich relacji, czego średniowiecze nie znało na taką skalę. O ile w średniowiecznym gospodarstwie domowym wyposażenie służyło z reguły zgodnie z ich bezpośrednim przeznaczeniem, o tyle w pałacach i bogatych domach renesansu świadczyło również o bogactwie i potędze swoich właścicieli.
Zazwyczaj w takich pałacach najdobitniej wyróżniał się przedsionek (przyjmujący gości), biblioteka (co nie dziwi w dobie początków druku i powszechnego rozpowszechniania książek), pracownia-pracownia i galerie. Stołówki były na ogół nieznane. Stoły jadalne, które można było łatwo złożyć lub rozłożyć, umieszczano w loggiach, które były ważną częścią zarówno domów miejskich, jak i wiejskich. Wnętrza renesansowe charakteryzuje (wzorem starożytnego Rzymu) chęć powiększenia rzeczywistej przestrzeni lokalu za pomocą fresków, obrazów sztalugowych czy nawet rzeźby. Sufity zaczęto wykonywać już w starożytności. Wykonano je na płasko lub na podkładkach, z których wiele pokryto tynkiem lub pomalowano freskami. Charakterystycznym elementem projektu architektoniczno-dekoracyjnego stropów był keson. W elewacjach i wnętrzach budynków zwiększono szerokość gzymsów, które zdobiono motywami antycznymi różnego typu.
Proste pokrycie ścian deskami zastąpiono drewnianymi panelami z profilowanymi detalami ram, kolumnami, pilastrami i rzeźbionymi panelami. W tej epoce kominki zaczęły zajmować bardzo znaczące miejsce we wnętrzach, czego nie obserwowano nawet w średniowieczu, z wyjątkiem kominków w głównych salach.
Niemniej jednak wnętrza okresu wczesnego renesansu we Włoszech charakteryzują się prostotą, klarownością, a nawet naiwnością rozwiązań. Na obrazach artystów Quattrocento widzimy gładkie ściany pomieszczeń, cienkie gzymsy i pręty, belki wzdłuż stropu, czasem przyciemniane, czasem z lekkim złoceniem, sporo rzeźbienia i modelowania. Charakterystyczne jest, że elementy architektoniczne i dekoracyjne wewnątrz pomieszczeń niewiele różniły się od tych, które zdobiły elewacje budynków, a sama przestrzeń wewnętrzna niewiele różniła się od zewnętrznej. Te przestrzenie były jakby ze sobą połączone.
Na wielu obrazach renesansu można zauważyć, że przedstawiając określone pomieszczenie lub zewnętrzną część budynku, artysta koniecznie otwierał okna lub drzwi, ukazując tym samym jednolity charakter dekoracji zewnętrznej i wewnętrznej.
W ówczesnych pokojach znajdowały się tylko najpotrzebniejsze rzeczy. Różne rzeczy, naczynia, a także kilka mebli można było przesuwać po pokoju lub całkowicie usunąć - wygląd wnętrza się nie zmienił. Nawet znacznie później wyposażenie bogatych domów i pałaców było wciąż nieliczne i w większości umieszczane było wzdłuż ścian przestronnych pomieszczeń. Całego piękna wnętrzom pałaców nadawał głównie wystrój podłóg, ścian, sufitów oraz przy pomocy niektórych przedmiotów meblowych, które stanowiły właściwe tło dla wspaniałych strojów tamtych czasów. Poza dywanami (które zdobiły tylko najbogatsze wnętrza), malowanymi lub skórzanymi zasłonami, wełnianymi lub bawełnianymi narzutami, większość pokoi nie miała stałego wyposażenia.
Z opisu apartamentów Palazzo Foscari, przygotowanych specjalnie dla króla Francji Henryka III podczas jego wizyty w Wenecji w 1574 roku, wynika, że w jego pokojach było bardzo mało mebli. W sypialni były tylko trzy meble: pozłacane łóżko nakryte szkarłatnym jedwabiem, pozłacany fotel pod złotym baldachimem i stół z czarnego marmuru nakryty zielonym aksamitnym obrusem.
Ogólną cechą mebli włoskich renesansu – wczesnych i późnych etapów ich rozwoju – jest klarowność, przejrzystość i logika konstruowania formy dowolnego przedmiotu meblowego, wykorzystanie w wystroju dużej liczby elementów architektonicznych, zapożyczenie motywów antycznych w zdobnictwie. Kompozycja opiera się na pięknie precyzyjnie dobranych proporcji, wyrazistości i czystości sylwetek formy produktu.
Meble gabinetowe są projektowane zgodnie z rodzajem konstrukcji architektonicznej w postaci bryły z kolumnami, pilastrami, gzymsami, frontonami, cokołami itp. Prawie wszystkie elementy formy dowolnego obiektu meblowego są dekorowane.
Oprócz elementów architektonicznych szeroko stosowane są liście akantu, motyw kandelabrów, hermy, amorki. Kolumny i pilastry są często całkowicie pokryte ornamentami roślinnymi lub geometrycznymi. W tym okresie wprowadzono do użytku szereg nowych elementów zdobniczych, w tym tzw. groteskowe, tj. kompozycje pochodzące z recyklingu, uzyskane na podstawie ornamentów znalezionych na malowidłach ściennych podczas wykopalisk starożytnych rzymskich budowli i krypt, zwanych tam grotami. Groteski to bardzo dziwaczne kompozycje ornamentalne w postaci postaci zwierząt, fantastycznych stworzeń, ptaków, ludzkich głów, kwiatów itp., wplecionych w kędzierzawe formy roślinne.
Powszechnie stosowano również takie formy zdobnicze jak arabeski, warkocze, figurki pół-ludzi-pół-zwierząt. Sztuka meblarska w tym czasie osiąga bardzo wysoki poziom zawodowy. Struktura kolorystyczna mebli renesansowych odznacza się powściągliwością. Z reguły pokazane jest piękno naturalnego koloru i faktury drewna.
Wynalezienie maszyny do produkcji cienkich arkuszy sklejki, w swoim znaczeniu dla rozwoju produkcji mebli, było równie ważne jak ponowne wynalezienie piły (początek XIV w.) topór. Utorowało to drogę do powszechnego stosowania techniki fornirowania, a wraz z nią techniki zdobienia mebli intarsjami i intarsjami. W początkowym okresie technika inkrustacji drewnem była stosunkowo prosta i służyła głównie do dekoracji wyposażenia cerkwi.
Meble renesansowe
Kredens z rzeźbionego dębu, Belgia
Rzeźbiony stół z orzecha włoskiego, Włochy
Stół do jadalni z rzeźbionego orzecha, Włochy
Rzeźbiona skrzynia dębowa, Francja
Duża skrzynia (cassone) wykonana z cedru, Włochy
Obrazy były prawie monochromatyczne, bez cieniowania. Najczęstsze motywy zdobnicze to łodyga pnąca, liść akantu, instrument muzyczny, pejzaż miejski, martwa natura. Często elementy zestawu lewej i prawej strony mebla znajdowały się względem siebie w stosunku dodatnio-negatywnym. Istota tej techniki zdobienia polega na tym, że z dwóch nałożonych na siebie różnokolorowych arkuszy sklejki wycięto fragmenty wzoru. Następnie podczas przyklejania do podłoża zamieniano otrzymane fragmenty wzoru, identyczne co do wzoru, ale różniące się kolorem. Stopniowo poszerza się krąg metod i motywów zdobniczych: pojawiają się rozwiązania figuratywne, groteska, ornament w postaci arabeski, wprowadzane jest malowane drewno, opanowana zostaje technika tonowania gorącym piaskiem.
Włoskie meble wczesnego renesansu
W tym czasie głównym meblem w mieszkaniu pozostaje skrzynia cassone (skrzynia), która jest zarówno pojemnikiem do przechowywania i transportu rzeczy, jak i miejscem do siedzenia, a czasem leżenia i tradycyjnym dodatkiem na wesele panny młodej posag. W połowie XVw. powszechne są szkatułki (kasa) - pojemniki do przechowywania dokumentów, pieniędzy, biżuterii.
Ściany najwcześniejszych trumien włoskich (XV w.) montowane są bardzo prymitywną techniką dziewiarską, polegającą na zbijaniu poszczególnych desek pod kątem prostym drewnianymi gwoździami (kołkami). Szkatułki były zwykle bogato zdobione. Za najstarszą metodę zdobienia należy uznać grawerowanie, w którym wzór tworzą głębokie linie naniesione frezem. Na szkatułkach o niewielkich rozmiarach najczęściej dekorowano wewnętrzną stronę wieczka, na której ornament roślinny sąsiadował z wizerunkami zwierząt, ptaków i postaci ludzkich. Grawerowany obraz był zwykle podkreślany przez kolorowanie lub ustawiany na malowanym tle.
Inną techniką, która również wywodzi się z odległej przeszłości, jest zdobienie głębokimi rzeźbieniami. Po narysowaniu konturu dowolnego obrazu za pomocą noża, tło wokół niego jest usuwane na tę samą głębokość. Tworzy to płaski wzór na płaskim tle. Na szkatułkach zdobionych głębokimi rzeźbieniami często pojawia się ornament plecionej winorośli z wizerunkami zwierząt (motyw średniowieczny), a także bardziej realistycznie zinterpretowane wizerunki postaci ludzkich. Najbardziej elegancko prezentują się szkatułki z północnych Włoch, gdzie rzeźbione wzory ornamentalne wyróżniają się reliefem na błyszczącej powierzchni złoconego tła. Powierzchnię drewna po wygładzeniu zwykle woskowano.
Skrzynia-cassonne wczesnego renesansu to prosta prostokątna skrzynia, która ma fasadę, cokół, nogi, a czasem gzyms. Elewację frontową, a niekiedy powierzchnie ścian bocznych zdobi płaskorzeźba przypominająca drzeworyt oraz intarsja. Cokół i gzyms górnej części skrzyni silnie profilowane. Pokrywa skrzyni od wewnątrz pokryta malowidłem. Malownicze obrazy drukowane na skrzyniach, zwłaszcza ślubne, charakteryzują się wysoką jakością. Nad malowaniem skrzyń weselnych pracowali znani włoscy malarze.
Dalszy rozwój ornamentyki renesansowej we Włoszech można zaobserwować na florenckich skrzyniach z płaskorzeźbami. Dzięki pogłębieniu tła do różnych rozmiarów i wygładzeniu rzeźbionych konturów elementów ozdobnych okazują się one na różnych głębokościach i jakby wypukłe. I choć rzeźbiarza nadal ogranicza płaszczyzna deski, to go to nie wiąże – opanował przeniesienie objętości, dzięki czemu ornament odbierany jest realistycznie.
Później, gdy w obiektach architektonicznych wczesnego renesansu zadomowiła się zasada spójności w proporcjach poszczególnych elementów i całości, zasada ta zaczęła być szeroko stosowana w organizacji form, przede wszystkim w meblach gabinetowych. Na skrzyniach liczba elementów dekoracyjnych zaczęła się zwiększać, pojawiły się toczone nogi, później zastąpione lwimi łapami. Skrzynia niejako uniosła się ponad podłogę, profile jej dolnej części są teraz płynnie zredukowane do nóg, dzięki czemu wizualna ciężkość jej objętości zaczęła się zmniejszać. Skrzynia zaczęła tracić charakter prostego pudełka.
Od drugiej połowy XV wieku. a zwłaszcza w XVI wieku ślubne skrzynie lari nabierają bardzo skomplikowanych wzorów. Z reguły takie skrzynie mają bogato rzeźbioną, złoconą i malowaną elewację frontową. Fabułami były tutaj widoki miast włoskich, sceny z poezji heroicznej i miłosnej XV wieku, obraz zatłoczonych procesji itp.
Florencja, główne miasto Toskanii (prowincja w środkowych Włoszech), gdzie narodził się włoski renesans, stała się centrum rzemiosła meblarskiego i wyznaczyła kierunek stylu meblarskiego XV wieku. dla całych Włoch.
Pracowali tu słynni florenccy architekci Benedetto i Giuliano da Maiano, którzy pierwotnie zajmowali się rzeźbieniem mebli. Oprócz Florencji w Sienie pojawia się centrum produkcji mebli, w którym powstają również luksusowe skrzynie ślubne-lari. Różnią się od florenckich tym, że większość dekoracji reliefowych wykonano z gesso (mieszanki kredy, gipsu i kleju), które następnie złocono. Pod koniec XVw. w Bolonii znajduje się inny ośrodek sztuki meblarskiej, gdzie szczególną popularnością cieszyły się stoły o prostej formie, których nogi wykonano w formie toczonych tralek.
Bogato zdobione były meble weneckie, które miały swój charakterystyczny wygląd, w którym aż do samego końca XV wieku. Elementy gotyckie połączono z renesansową ornamentyką, malarstwem i złoceniami.
Szafy pojawiają się pod koniec XV wieku. W tym czasie w dekoracji mebli dominowały elementy architektoniczne: cokoły, pilastry, kapitele, pręty architektoniczne, konsole, gzymsy itp. Szafa z epoki wczesnego renesansu przypomina dwie skrzynie ustawione jedna na drugiej z podwójnymi drzwiami, czasem z szuflady. Panele drzwi i ścian bocznych szafy nie posiadają prawie żadnych elementów dekoracyjnych, poza miejscami mocowania uchwytów.
W tej epoce we florenckich mieszkaniach bardzo powszechne były ławki ścienne do siedzenia, przedstawiające tę samą klatkę piersiową, do której przymocowano wysokie puste oparcie, czasem rozcięte pilastrami. Oprócz weselnych skrzyni-skrzyń i ław przyściennych szeroko rozpowszechnione były ławki w formie skrzynio-skrzyni z rozkładanym nakryciem siedziska i dolnym blankiem oparcia oraz solidnymi masywnymi łokciami, które zdobiono maskami, palmetami, wolutami czy anielskimi głowami używany. Korpus takiej ławki w dolnej części z reguły miał złożony krzywoliniowy kształt i spoczywał na wielostopniowym cokole. Te miejsca do siedzenia nazywane są cassa-panca. W kształtowaniu przedmiotów meblowych przeznaczonych do przechowywania i siedzenia, w ich wystroju (obróbka profili, zapożyczone ornamenty roślinne itp.) widać wyraźny stylistyczny związek z sarkofagami z epoki starożytnego Rzymu. Były też meble do siedzenia w postaci taboretów na drewnianych podporach i ośmiokątnego siedziska, składane krzesła w kształcie litery X, tzw. kręcone krzesła. Skrzyżowane wsporniki nóg takich krzeseł (foteli) mają płynnie zakrzywiony kształt, ich dolne i górne końce wystające ponad poziom siedziska są połączone poprzecznymi listwami. Dolne pręty wykonane są w formie podpór, a górne - w formie kolanek. Plecy są profilowane wzdłuż brzegów, mają różne kształty filetów i wycięć, mogą być gładkie lub ozdobione rzeźbieniami i herbem właściciela. W niektórych przypadkach drążek oparcia jest zdejmowany, wtedy można złożyć krzesło (krzesło), w innych przypadkach oparcie jest mocno przymocowane do łokci i pomimo tego, że konstrukcja takiego siedziska ma jakby osi obrotu części siedziska i nóg, krzesła nie można złożyć. Siedziska takich krzeseł (foteli) wykonane są w formie płaskiego panelu lub w postaci kawałka skóry lub tkaniny rozciągniętej pomiędzy nogami podporowymi.
Duże stoły frontowe o kształcie prostokąta składały się z bardzo masywnego blatu, którego boczne partie zdobiły profilowane rzeźbienia, oraz osobliwych bocznych podpór połączonych poprzeczną belką lub progami. Dekoracyjna rzeźba bocznych wsporników, zakończona masywnymi lwimi łapami na podłodze, bardzo przypomina niektóre rodzaje starożytnych rzymskich marmurowych stołów. Oprócz dekoracyjnej dekoracji samego stołu, przepych i powagę posiłku nadawały również piękne obrusy i naczynia.
Znaczącą rolę w dekoracji mieszkania odgrywało łóżko, które często budowane było bez baldachimu, ale posiadało cztery, wznoszące się ponad ramę łóżka, wysokie rzeźbione narożne słupki jako przedłużenie nóg oraz jedno lub dwa oparcia.
Wezgłowie łóżka miało wytłoczenia, a czasem poprzez snycerki, słupki narożne toczone oraz ramę łóżka zdobiono również rzeźbieniami w postaci wzorów architektonicznych, ornamentów roślinnych i geometrycznych. W ramę łóżka wstawiono podłogę z desek, na której umieszczono materac lub puchowe łóżko.
Jest też inny rodzaj łóżka, które ma lekki baldachim, wsparty na czterech rzeźbionych słupach i zasłonięty zasłonami, które służyły jako ochrona przed zimnem. Łóżka każdego rodzaju ustawiano zwykle na szerokim cokole, który służył jako rodzaj ławki przyłóżkowej. typowe dla XV wieku. meble można zobaczyć we wnętrzach florenckiego Palazzo Davanzatti.
Meble włoskiego wczesnego renesansu wykonane są głównie z orzecha włoskiego, rzadziej z kasztanowca. Powierzchnia części jest polerowana i obrabiana zaprawą, wcierana woskiem lub olejem. Dzięki tym technikom przedmioty meblowe nabrały ciemnobrązowej barwy i bardzo szlachetnej jedwabistej faktury powierzchni.
Włoskie meble późnego i późnego renesansu (koniec XV-XVI wieku)
To czas na pojawienie się nowych rodzajów mebli: komody, krzesła i fotele tapicerowane, krzesła płaskie, szafy. Meble okresu późnego i późnego renesansu są bogato zdobione, ich klasyczne formy stają się coraz bardziej zróżnicowane. Jako dekoracje wykorzystywane są szablony architektoniczne: całe belkowania, fryzy, gzymsy, cokoły, wsporniki, kolumny oddalone od tła, półkolumny, pilastry z bazami i kapitelami. Pnie kolumn lub pilastrów pokryte są fletami lub płaskorzeźbionymi ornamentami. Ponadto stosuje się różne maski, lwie łapy, głowy barana i lwa, hermy, głowy kobiece, atlanty, kariatydy, woluty, rozety, tryglify, ornamenty roślinne i geometryczne, ornamenty groteskowe, maszkarony i wiele innych elementów zdobniczych.
Należy podkreślić, że rozwój sztuki włoskiego wnętrza XVI wieku. poszedł w kierunku większej powściągliwości i klasycyzmu wszystkich elementów. Stopniowo maleje wartość ornamentu, który w przeważającej części wykorzystywany jest do dekoracji elementów sufitu. Jednak stosunkowo dużą rolę w dekoracji mebli zachowuje ornament, na którego kształt i wystrój duży wpływ mają autentyczne zabytki epoki antycznej znalezione w Rzymie w tym okresie. Na początku stulecia przeprowadzono wykopaliska w pomieszczeniach Złotego Domu Nerona w Rzymie, z ich przepiękną i delikatną ornamentyką. Uczestnicząc w wykopaliskach starożytnych budynków w Rzymie i kryptach, zwanych grotami, w latach 1516-1518 Rafał, widząc nieznane mu wcześniej starożytne kompozycje ozdobne, wprowadził je do malowidła ściennego Loggii w Watykanie. Taki ornament, w którym złożone kompozycje architektoniczne przeplatały się z ornamentem roślinnym loki, kwiaty i akanty, którego ściśle uporządkowana konstrukcja elementów zawierała paradoksalnie cały świat fantastycznych stworzeń – półpostaci ludzkich lub półludzi półzwierząt, jakby wyrastające z kielicha kwiatowego, a inne skomplikowane konstrukcje stały się znane jako groteska. Jeśli groteska została zbudowana symetrycznie wokół centralnej pionowej wielopiętrowej osi, uzyskano tzw. świeczniki. Taki ornament, podobnie jak maszkarony (ozdobne maski w postaci fantastycznych wizerunków głowy zwierzęcia lub twarzy ludzkiej), sfinksy, trytony, uskrzydlone amorki stały się ulubionymi motywami zdobniczymi w ówczesnych meblach.
W XVI wieku. w meblach zaczynają być szeroko stosowane intarsje wykonane z wielobarwnego drewna różnych gatunków. Wielka popularność pod koniec XV wieku. uzyskiwać obrazy na frontowych i wewnętrznych (najczęściej) bokach płycin szafek i szafek, a także na ściennych boazeriach drewnianych, widoki perspektywiczne obiektów architektonicznych, zatłoczone korowody, różnorodne malowidła tematyczne wykonane techniką intarsji. Od drugiej połowy XVI wieku. Modne są hermy zakończone żeńskimi głowami, pilastry z płaskimi konsolami, wysoko profilowane gzymsy i cokoły, rzeźbione nogi. Na płycinach obramowanych profilowanymi ramami umieszczono okrągłe lub owalne rozety, nad gzymsami umieszczono rzeźbione naczółki. Szeroko stosowane są ozdoby zwojowe na stojakach na popiersia i ławkach. Konstruktywne interfejsy i artykulacje elementów przedmiotów meblowych są niekiedy maskowane elementami zdobniczymi, pokrywane złoceniami i malowane.
Do XVI wieku rzeźbione ściany skrzyń cassone zaczęto przetwarzać płaskorzeźbami, a następnie wysokimi płaskorzeźbami interpretującymi sceny mitologiczne. W tym czasie renesansowi mistrzowie mebli wreszcie uwolnili się od płaskiej interpretacji swoich dzieł. Obecnie rzeźbioną płaskorzeźbę rzeźbiarską przedniej ściany skrzyni otacza bogato profilowana rama z licznymi pręcikami, perłowymi nitkami, rzędami joników, akantu, meandra czy fal i innych motywów zdobniczych starożytności. Często słupki narożne takich pojemników są interpretowane jako półpostaci Atlantydów wizualnie podtrzymujące wieko skrzyni. Niekiedy wykonywano tu konsolę podporową w postaci dużego liścia akantu. Pasek zwojów i liści akantu staje się powszechną techniką dekoracyjną, zwłaszcza mebli gabinetowych.
Charakterystyczna cecha florenckich skrzyń cassone z końca XV-początku XVI wieku. jest czytelne powiązanie ich formy z ornamentem. Mistrz meblarstwa nie ukrywa designu przedmiotu, osiągając harmonijne proporcje jego bryły i poszczególnych elementów.
Przy tym należy zauważyć, że główny wystrój tych wczesnych skrzyń florenckich dotyczył tylko ich ściany czołowej, ściany boczne pozostały gładkie. I tak jak poprzednio, skrzynie były zaopatrzone w wiszące żelazne uchwyty, co przekonująco świadczyło o tym, że pojemniki nadal są przenośne.
W XVI wieku skrzynie wreszcie tracą swój prostokątny kształt. Teraz są zwężone, płaskorzeźba obejmuje ich front i dwie boczne ściany. Skrzynia teraz całkowicie przypomina antyczny marmurowy sarkofag, który jest wykonany jakby z jednego drewnianego monolitu i nie może służyć jako miejsce do siedzenia lub leżenia. Pośrodku ściany frontowej elewacji umieszczone są herby przedstawicieli sławnych rodów zawierających związki małżeńskie. W dekoracji zastosowano groteskowe ornamenty. Głęboka rzeźba jest czasami pokryta złoceniem, aw niektórych miejscach ma określony kolor tła.
W szafach tego czasu, jak już wspomniano powyżej, wzory architektoniczne są używane w dużych ilościach: pilastry, gzymsy, szczyty, konsole, profile itp. Tak osobliwy typ szafy, jak szafa, ma małą szafkę w górnej części z dwoje podwójnych drzwi, z szufladami w ościeżnicy, która spoczywa po bokach na dwóch dobrze wyprofilowanych osłonach. W późnym renesansie pojawiły się tzw. szafy, które później rozpowszechniły się w całej Europie. Taka szafa, podniesiona nad posadzkę i postawiona na stojaku lub na rzędzie nóg przewiązanych prolegami, składała się z trzech lub pięciu rzędów skrzyneczek, których zewnętrzna strona była bogato intarsjowana. Żaluzje zamykające cały zespół tych skrzynek były zwykle zdobione intarsjami z perspektywicznymi widokami obiektów architektonicznych. Taka szafka służyła do przechowywania dokumentów handlowych, pieniędzy i biżuterii. Czasami frontowa ściana biura odchylała się do tyłu i zamieniała w blat stołu. Był to prototyp nowoczesnej sekretarki.
W tym czasie rozpowszechnionych było kilka rodzajów krzeseł i foteli. Na przykład były krzesła z czterema prostymi kwadratowymi nogami. Kontynuacja tylnych nóg takich krzeseł służy jako podstawki pod wysokie proste oparcie, które u góry zakończone jest rzeźbionymi elementami dekoracyjnymi - akantem, maską lwa itp. Pomiędzy przednimi nogami wstawiono dwa lub trzy płaskie panele-zęby, które spięte je, pokryte bogatą rzeźbą z wzorzystymi przetartymi krawędziami. Prostokątną deskę siedziska, wydłużoną na szerokość, ozdobiono rzeźbioną falbaną. Od drugiej połowy XVI wieku. fotele wyglądają podobnie do takich krzeseł, ale z dodatkiem dobrze zdobionych podłokietników, których przednie krawędzie często kończą się wolutami. Przednie nogi, wysunięte do góry nad siedziskiem, służą jako podparcie dla prętów podłokietników.
W tej epoce krzesło, które przez setki lat było twarde, stało się miękkie. Wcześniej dla wygody siedzenia umieszczano materac lub poduszkę, teraz w projekcie mebla uwzględniono miękkie elementy. Głównym elementem dekoracyjnym w tej wersji nie jest nawet rzeźbienie, złocenie czy malowanie, ale tapicerka z aksamitu, brokatu lub tłoczonej skóry z dużymi mosiężnymi główkami gwoździ. Pojawiają się wykończenia z różnymi frędzlami i frędzlami. W podobny sposób zdobione są fotele.
Krzesła Curule nadal są kolejną popularną formą mebli do siedzenia. Pojawia się nowy rodzaj tzw. krzeseł płytowych (lub desek). Krzesła te składają się głównie z trzech desek, z których dłuższa służy jako tylne nogi i oparcie, a krótsza jako przednie nogi. Mała pozioma deska tworzy siedzisko, które zwykle ma kształt ośmiokąta. Deski grzbietu i nóg mogą mieć niewielkie nachylenie. W dolnej części deski nogi mocowane są za pomocą specjalnego drążka. Tylna i przednia płaszczyzna części nośnych desek ozdobiona jest licznymi płaskorzeźbami. Krawędzie deski siedziska oraz dolna krawędź siedziska są profilowane.
Nadal jest produkowany i szeroko stosowany jako meble do siedzenia i pojemniki, kassa-punk, ozdobiony wysokimi i bardzo skomplikowanymi rzeźbami.
Stoły są masywne i bogato zdobione. Zamiast nóg wykonane są dwie boczne osłony podporowe, które są połączone prętem lub deską z wyciętymi figurami. Te boczne tarcze podporowe zdobią rzeźbione ornamenty, płaskorzeźby w postaci masek lwów, delfinów, głów baranów itp. Skrzynię podramową zdobią tryglify, rozety i ornamenty roślinne. Brzegi blatu są zazwyczaj profilowane wzorami architektonicznymi lub zdobione rzeźbionymi ornamentami.
Od połowy XVIw. ośrodek produkcji mebli zaczął stopniowo przenosić się do Rzymu, gdzie powstają ślubne skrzynie cassonne, sekretarzyki, szafy, prostokątne stoły z masywnymi stelażami, bardzo bogato zdobionymi rzeźbionymi figurami. W tym czasie jeszcze bardziej interesują ich antyczne wykopaliska i przenoszenie poszczególnych elementów starożytnej sztuki rzymskiej (wystrój znalezionych w wykopaliskach marmurowych sarkofagów, ołtarzy, świeczników itp.) na współczesne meble rzymskie.
W ośrodkach produkcji mebli w środkowych Włoszech (w Rzymie, Sienie, Bolonii) przedmioty meblowe posiadały duże rzeźbienia dekoracyjne. W północnych Włoszech (w Lombardii i Wenecji) zamiast rzeźbienia zaczęto powszechnie stosować intarsje z drewna różnych gatunków oraz kości słoniowej, tzw. cholerna mozaika. We Włoszech klasztory założone przez mnichów z zakonu kartuzów nosiły nazwę Chertosas. Certozy były dość liczne na północy Włoch i posiadały wysoko rozwinięte warsztaty artystyczne. (Na przykład w Chertoza Poviyskaya - klasztor pod Mediolanem).
Technika diabelskiej mozaiki jest następująca: wielopłaszczyznowe wielobarwne pręty wykonane z różnych gatunków drewna i kości zostały mocno sklejone, tworząc na końcu wymyślony wzór. Taki blok był następnie piłowany na poprzeczne płyty o tej samej grubości, którymi naklejano powierzchnię przedmiotu meblowego. Krzesła kurulskie, szkatułki, a nawet kasonek zdobiły mozaiki chertoskie. Złożone geometryczne wzory mozaik Chertoz wykazują niezaprzeczalne podobieństwo do perskich szkatułek. Umiejętności orientalne przedostały się do Italii przez Wenecję, która prowadziła intensywny handel morski z krajami Wschodu. W Lombardii powszechne były również intarsje jasnego i ciemnego drewna.
W drugiej połowie XVIw. produkcja mebli osiąga w Genui ogromne rozmiary. Dużym powodzeniem cieszył się tu szczególny rodzaj kredensów, w powstawaniu których wpływ ośrodków meblowych Francji XVI wieku był bardzo widoczny. W tym czasie w sztuce użytkowej Włoch, w tym w meblarstwie, zgodnie z ogólnym rozwojem architektury, malarstwa i rzeźby nastąpił wzrost tych tendencji stylistycznych, które później, poprzez krótki okres manieryzmu, doprowadziły do powstanie stylu barokowego.
Francuskie meble wczesnego renesansu (renesans). Styl Franciszka I (1515-1547)
Styl francuskiego renesansu jest zwykle podzielony według czasu panowania francuskich królów. Panowanie Ludwika XII (1498-1515) charakteryzuje styl przejściowy od gotyku do renesansu. Styl Franciszka I (1515-1547) przypisuje się wczesnemu renesansowi, styl Henryka II (1547-1559) przypisuje się rozkwitowi. Późny renesans francuski związany jest z imieniem Henryka IV (1589-1610).
Zamek Chambord. 1519-1559 Chambord, Francja - Château de Chambord ( fr.)
Fasada pałacu z wieżą, zamek królewski Blois. 1515-1524 Blois, Francja - Château de Blois
Brama wjazdowa, Château (pałac-zamek) w Anecie. 1547-1552 Francja - Château d'Anet
Galeria Franciszka I w Fontainebleau. Malarstwo i sztukaterie autorstwa Rosso i Primaticcio. 1533-1540 Francja - Galerie François-I er (Château de Fontainebleau)
Dziedziniec Château Annecy-le-Franc. 1541-1550 Francja - Château d'Ancy-le-Franc
W stylu przejściowym nadal dominują bardziej znane Francuzom formy płonącego gotyku, a motywy renesansowe wpływają jedynie na ornamentalną strukturę wystroju wnętrz.
W wielu przypadkach typowe dla renesansu elementy dekoracyjne, ornamenty, wzory architektoniczne nakładały się po prostu na formy późnogotyckie, co prowadziło do bardzo nietypowych zestawień. Dlatego styl renesansowy we Francji jest znacznie mniej wyraźny niż we Włoszech. Pierwsze prawdziwe sukcesy francuskiego renesansu sięgają czasów Franciszka I – do czasów, gdy we Włoszech kształtował się już manieryzm.
Wpływ sztuki włoskiego renesansu na średniowieczną Francję był dość znaczny. Seria wojen między Włochami a Francją na przełomie XV i XVI wieku. zapoznał Francuzów z nową i niezwykłą dla nich sztuką Włoch.
Wiele dzieł sztuki wywieziono z Włoch do Francji, gdzie również przeniosło się wielu włoskich artystów, specjalistów w różnych dziedzinach sztuki.
Sam król Franciszek I bardzo lubił sztukę włoską. Jego ideałem była cała sztuka włoskiego renesansu. W tym czasie budowane są zamki w Blois i Chambord. Na przykład słynna wieża schodowa w Château de Blois ze spiralnymi kamiennymi schodami jest przykładem francuskiego renesansu.
Te same zasady decydują o wyglądzie zamku Chambord, zbudowanego na planie średniowiecznej twierdzy z fosą, nad którą wznosi się potężny kwadratowy donżon z czterema narożnymi wieżami pod stożkowatymi dachami. Architektem zamku był Włoch Domenico da Cortona.
Formy zamku Chambord są unikalnym przykładem architektury gotyku francuskiego, uzupełnionego elementami klasycystycznymi.
Ponadto Franciszek I nakazał budowę licznych pałaców w centralnej Francji – w prowincji Ile-de-France, w szczególności Zamku Madryckiego i Chateau de Fontainebleau (60 km od Paryża), które wraz z dobudówkami 1528-1540. jest najlepiej zachowanym kompleksem zamkowym wczesnego renesansu we Francji. Jej twórca, Gilles Breton, zaprojektował słynną Galerię Franciszka I, będącą najwcześniejszym przykładem tego typu przestrzeni, która później stała się popularna we Francji i Anglii. Jego wystrój wnętrz wykonał Giovanni Battista Rossa, florencki artysta. Wpływ na rozwój architektury francuskiej miał także Sebastiano Serlio, który w 1540 roku przybył z Wenecji w Fontainebleau, gdzie zbudował dla kardynała Ferrary zniszczoną już Grand Ferrara – miejską kamienicę (hotel), która stała się na niemal wiek wzorem francuskim tego typu budynku. Budowla, która dała początek niezależnemu stylowi francuskiemu, związana jest z nazwiskiem Pierre'a Lescauta, który w 1546 roku rozpoczął budowę kwadratowego dziedzińca Luwru w Paryżu dla Franciszka I. Jego elewacje wysunięte są mocno do przodu i są bogato profilowane złożonymi opaskami okiennymi, różnymi kolumnami i pilastrami porządków korynckiego i kompozytowego. Plastyczną wyrazistość wyglądu budynku i jego wnętrz potęguje obecność okrągłej rzeźby, swobodnie rozmieszczonej w przestrzeni oraz płaskorzeźby autorstwa Jeana Goujona. Zawierało to jedną z głównych innowacji francuskiego stylu dekoracji wnętrz. Zapoczątkowane przez Lesko wprowadzanie rzeźby do wnętrz odgrywało ważną rolę w jego dekoracji przez następne trzy stulecia. Widać to wyraźnie chociażby w decyzji wielu sal wersalskich.
Innym znanym architektem był Philibert Delorme. Między 1547 a 1552 rokiem W Normandii zbudował Château d'Ahn dla Diane de Poitiers, ulubienicy Henryka P. Jego talent widać w kompozycji kompleksu zamkowego Ahn. Brak zamkniętej przestrzeni dziedzińca zamkowego, typowej dla ówczesnej francuskiej architektury średniowiecznej, ale zastosowano układ w formie kwadratu, natomiast budynek frontowy zaprojektowano w formie bramy z ogrodzeniem.
Rozprzestrzenianie się nowego stylu renesansowego we Francji następowało bardzo powoli, a tradycje gotyckie w przedmiotach meblowych przetrwały bardzo długo. Natomiast meble w stylu Franciszka I powstawały w Paryżu i okolicach przez wiele lat z rzędu, w Normandii, Bretanii i innych prowincjach aż do połowy XVII wieku. nadal wykonywał gotyckie szafy i skrzynie, charakterystyczne w swoich proporcjach i dekoracji dla XV wieku.
Styl Franciszka I wyróżnia się napływem ornamentyki włoskiej na francuskie formy gotyckie. Styl ten znany jest z tego, że renesansowe pilastry z fletami, kapitele korynckie, podpory tralkowe, fryzy i gzymsy zdobiono w dużych ilościach późnogotyckimi typami mebli, już zdobionymi elementami późnogotyckimi. Powstała eklektyczna, ale bardzo oryginalna technika zdobnicza. Komody, kredensy, szafy, fotele zachowały swoje gotyckie aspiracje do nieba, ale wystrój był nowy. Uniwersalność dekoracji rzeźbiarskich nadawała bogactwa wszystkim wcześniej wyeksponowanym krawędziom i płaszczyznom mebli. Ościeża, płyciny, gzymsy, naczółki wypełnione są elementami różnorodnej ornamentyki.
Styl Franciszka I charakteryzują rzeźbione kolumny w formie tralek lub wzorów kandelabrów z płomieniem w górnej części, które znajdują się pomiędzy płycinami wzdłuż osi pilastrów.
Ponadto na przedmiotach meblowych często wykonywano królewski monogramowy szyfr w postaci pięknie splecionych liter F i I czy godło płonącej Salamandry zwieńczonej koroną.
W tym okresie do perfekcji opanowano układ rama-płycina splatania drewna, co umożliwiło nadanie meblom bardziej eleganckich proporcji, sztywności i wytrzymałości całej konstrukcji. Zamiast dębu głównym materiałem meblowym staje się orzech. Charakterystycznym typem mebli do siedzenia w tym stylu są krzesła z desek, które wykonane są z wysokimi oparciami, podnoszonym siedziskiem z pojemnikiem w środku i podwójnymi panelami na ścianie frontowej. Ich kształt z zaokrąglonymi narożnikami nadal zachowuje charakterystyczne dla gotyku proporcje, ale nie ma już rzeźbionego ornamentu, który je wcześniej zdobił. Pilastry z tyłu i jego górny gzyms są szczególnie aktywnie ozdobione płaskorzeźbami. Na wysokim oparciu, nad głową siedzącego, wyrzeźbiony jest herb właściciela krzesła, oprawiony w cienki wieniec. W późniejszym okresie rzeźba staje się wspanialsza i jest wykonywana z dużą płaskorzeźbą. Kolana poprzecinane są ciężkimi toczonymi podporami w postaci tralek. Od drugiej połowy XVI wieku. włoski typ stołka w kształcie litery X z masywnymi łukami podpór zaczyna być szeroko stosowany.
Wystrój skrzyń (skrzyń), zwłaszcza ich frontów, jest bardzo wytworny ze ściśle symetrycznym układem ornamentyki z kandelabrów, cienkich gałązek akantu, z których wychodzą figury i głowy, masywnych wieńców zawieszonych na cienkich tasiemkach, medalionów itp. nosi nazwę garderoba, ale w swojej konstrukcji przedstawia tę samą skrzynię, wzniesioną na wysokich nogach ponad dolny cokół. Dressuar służył do przechowywania naczyń, sztućców i kosztowności. Jego kształt nadal pozostaje sześciokątny, ale przednia ściana jest szersza dzięki bocznym.
Do ustalonej od dawna kompozycji wprowadzono celowość tektoniczną, podkreślono profile poziome, za pomocą których górna część korpusu garderobiana jest podzielona na dwa poziomy. Przednie podpory zastąpiono prętami lub dobrze wyprofilowanymi toczonymi kolumnami, ale tylna ściana z desek opadająca ku dołowi pozostaje. Jakiś czas później garderoba przybrała kształt prostokąta, była dzielona pilastrami lub kolumnami na osobne płyciny i ustawiana na nogach stojakowych. Panele są rzeźbione w płaskorzeźbie z wykorzystaniem szczególnego rodzaju ornamentu groteskowego, tzw. kandelabry, o których już była mowa. Ma pionowy trzon z zawijasami ułożonymi symetrycznie po prawej i lewej stronie i naprawdę przypomina kandelabr, w którym rogi świecy są ułożone poziomo. W centrum gładkiej, groteskowej kompozycji znajduje się zazwyczaj rzeźbiony medalion z profilowym wizerunkiem głowy męskiej lub żeńskiej, również wykonany płaskorzeźbą.
W produkcji stołów powtarzają się techniki i motywy dekoracji, które przywędrowały z Włoch. Boczne tarcze podporowe są wykonane z otworami, jak w epoce gotyku, ale te otwory mają teraz kształt antycznego łuku z karbowanymi kolumnami po bokach. Te boczne elementy wspierające spoczywają na masywnej podstawie z rzeźbionymi leżącymi lwami zamiast nóg, na których znajduje się rząd rzeźbionych tralek podtrzymujących podstawę. Sama rama jest ozdobiona w rogach maskami lwów, pod którymi wiszą rzeźbione stożki. Powstają również prostsze stoły, których blaty zdobi drewno składu.
Meble francuskie z okresu rozkwitu renesansu (renesans). Styl Henryka II (1547-1559)
W drugiej połowie XVIw. Francja nadaje już ton budowie pałaców, urządzaniu i urządzaniu wnętrz oraz ich urządzaniu dla królów, arystokracji, wysokiego duchowieństwa i wielkiej burżuazji.
Styl Henryka II, który utrzymuje się nawet w późnym francuskim renesansie lat 80. Wiek XVI charakteryzuje się przewagą szczerze mówiąc starożytnych motywów rzymskich nad gotyckimi, a nawet włoskimi motywami renesansu. Chęć wykorzystania starożytnych rzymskich motywów zastąpiła pozostałości gotyku. Na tych meblach jest płaskorzeźba, fantastyczne zwierzęta, zamiast nóg - hermy, kolumny, portyki i naczółki są wykonane na szafkach i fotelach. Na płycinach między kolumnami i półkolumnami wykonano płytkie nisze, obramowane antycznymi wzorami architektonicznymi, w których umieszczono posągi bohaterów lub bóstw starożytności. Naczółki są nieciągłe, a między ich bocznymi częściami umieszcza się popiersie, statuetkę, wazę lub mały łuk triumfalny. Od tego czasu do produkcji mebli zamiast dębu używa się orzecha włoskiego. Meble zdobią również kamienne intarsje i kolorowe płytki marmurowe. W dekoracji zastosowano monogram Henryka II i Diane de Poitiers oraz podwójny lub potrójny półksiężyc. W tym czasie powstała prawdziwie narodowa francuska sztuka meblarska.
Forma tradycyjnego krzesła z desek z prostym oparciem, pokryta obfitymi rzeźbieniami, zachowała się do dziś. Wykonane są, podobnie jak w poprzednim okresie, fotele, na oparciach których miejsce pilastrów zajmują kariatydy, wykonane w sposób groteskowy. Czasami w górnej części pleców umieszczana jest wypukła skorupa.
W XVI wieku. w procesie tworzenia obiektów meblowych zaczyna się aktywnie wykorzystywać pracę tokarską. Pojawiają się krzesła i fotele z rzeźbionymi, rzeźbionymi i złoconymi nogami i oparciami.
Od drugiej połowy XVI wieku. po raz pierwszy zaczynają tapicerować siedzenia i oparcia foteli i krzeseł tkaniną lub skórą. Elementy toczone pojawiają się również w wykończeniu szafek.
Powszechnie stosowane są fotele typu włoskiego z oparciem i siedziskiem tapicerowanym aksamitem lub brokatem. Wzdłuż żeber oparcia i szelek siedziska tkanina jest przymocowana gwoździami z dużymi główkami i ozdobiona frędzlami. Proste nogi i przednie takiego krzesła pokryte są rzeźbieniami. Szczególnie bogato zdobione są podłokietniki i ich słupki. Brzegi łokci zakończone są wolutami, a nogi stoją na specjalnych słupkach-drążkach, ozdobionych lwimi łapami. Należy zauważyć, że do końca XVI wieku. wszystkie meble do siedzenia zostały zaprojektowane z myślą o komforcie osoby siedzącej. Oparcie odchyla się lekko do tyłu, siedzenia są szersze, łokcie zginają się pod pachą itp.
W okresie rozkwitu francuskiego renesansu na meblach, zwłaszcza na szafkach, pojawiła się duża liczba rzeźbionych rzeźbiarskich obrazów w postaci kariatyd i herm, pomiędzy którymi umieszczono duże płaskorzeźby z panelami całkowicie pokrytymi płaskorzeźbami na panelach.
Szczytem sztuki meblarskiej we Francji w tym czasie były rzeźbione szafy dwukomorowe. Powstawały jednocześnie w Burgundii i prowincji Ile-de-France.
Architekt G. Sambin pracował w Burgundii, której wpływ rozciągał się na miasto Lyon. Jego twórczość żywo wyrażała specyfikę sztuki burgundzkiej tej epoki. Rysunki (szkice) mebli w rycinach architekta Jacquesa Ducerceaux odegrały też ważną rolę w upowszechnieniu i zatwierdzeniu stylu Henryka II w tej części Francji.
Szafy budowane są zgodnie z przyjętymi wówczas zasadami architektonicznymi: dolna obudowa jest masywniejsza, górna smuklejsza i nieco cofnięta. W formie zewnętrznej odsłaniają się podpierające, nośne części obiektu meblowego.
Profile ram na płycinach są bogato zdobione ornamentami snycerskimi i prętami, które z kolei ozdobione są groteskowym ornamentem wykonanym w płaskorzeźbie.
Gzyms podtrzymują trzy kariatydy lub atlasy, wykonane w formie herm i umieszczone wzdłuż krawędzi oraz między skrzydłami jako swego rodzaju podpora. Te wspaniałe rzeźby w drewnie są autentycznymi dziełami sztuki rzeźbiarskiej. Tutaj orzech, jako materiał konstrukcyjny i dekoracyjny, jest wykorzystywany do maksimum swoich możliwości. Meble, które powstały w środkowej Francji - w prowincji Ile-de-France, są osobliwe.
Szafy środkowej Francji, w szczególności paryskie, są również dwuskrzydłowe i dwuskrzydłowe. Szafki te mają mniejszą objętość i wyróżniają się bardzo harmonijnymi i lekkimi proporcjami. Ich fronton zbudowany jest jako obiekt architektoniczny, jako fasada budynku - z kolumnami, fryzem i frontonem. Przód szafki i szuflady nad dolną częścią korpusu zdobią niekiedy prostokątne marmurowe wstawki, często na płycinach wykonuje się płytkie wnęki z figurkami lub wdzięcznie wygiętymi postaciami kobiecymi, a także figurami starożytnych bóstw itp.
Figury te, elementy ornamentyki roślinnej, wycięto w płaskorzeźbie. Ich wydłużone proporcje, rytm płynnie płynących linii, doskonałość kompozycji mimowolnie kojarzą się ze stylem szkoły J. Goujona, słynnego rzeźbiarza tworzącego w stylu Henryka II.
Coraz powszechniejsze stają się szafy dwukomorowe, których front i boki podzielone są półkolumnami na osobne płyciny, zdobione rzeźbionymi ornamentami. Gabinety z reguły mają szerokie belkowanie i są zwieńczone nieciągłym frontonem. Środkową, a czasem dolną, zdobią profile wystające poza wymiary obudowy. Tutaj w projekcie wystroju, w proporcjach głównych elementów kształtujących wyczuwalny jest wpływ wybitnych francuskich architektów tej epoki - F. Delorme i J. Ducerceau.
Pod koniec XVIw. we Francji pojawiają się florenckie szafki z masą małych szufladek, co tłumaczy się wpływem królowej Marii Medycejskiej i jej powiązaniami z powiązanym z nią dworem florenckim.
W przeciwieństwie do sztuki meblarskiej Burgundii, meble prowincji Ile-de-France charakteryzują się wielką elegancją rozwiązań kompozycyjnych.
Rodzaje stołów ceremonialnych w tej epoce przypominają stoły w stylu Franciszka I, których pierwowzorami były starożytne rzymskie stoły marmurowe. Blaty i skrzynie ramowe takich stołów spoczywają na dwóch równoległych pionowych panelach nośnych. Powstają jako całościowe, rzeźbiarskie, groteskowe kompozycje. Blat i rama są również podparte przez szereg karbowanych kolumn wzdłuż belki łączącej tarcze wsporcze, które z kolei kończą się na podłodze głowami lwów lub zwojami. Wykonywane są stoły lekkie, których blaty zdobione są intarsjami, a także stoły okrągłe, stojące na jednym, bogato rzeźbione, cokole-podpory.
Łóżka w stylu Henryka II są bardzo szerokie, nad nimi zainstalowana jest prostokątna rama baldachimu na czterech filarach nośnych, które są kontynuacją nóg. Te rzeźbione z dużymi przecięciami lub skręconymi podporami są zwykle nadal pokryte płaskorzeźbami lub wykonane z ażurowymi otworami.
Baldachim, który wcześniej był przymocowany do sufitu, teraz opiera swoją drewnianą rzeźbioną ramę na tych czterech filarach. Rama wykonana jest na wymiar łóżka, zakończona wystającym gzymsem i ozdobiona medalionami. Do tej ramy mocowane są od dołu lambrekiny, wykonane z ciętego aksamitu lub brokatu lub ozdobione aplikacjami z różnych kawałków materiału.
W ostatniej ćwierci XVI w. zdobienia rzeźbione na meblach zaczynają być zastępowane intarsjami, m.in. intarsje palisandru, cedru hawańskiego i drewna czarnego (hebanowego), które są coraz częściej importowane do Francji. Pod koniec stulecia pojawiają się szafy, które nie mają rzeźbień ani inkrustacji, a ich ozdobę zawdzięczają głównie dobrze wyprofilowanym rzeźbionym płycinom i wzorom architektonicznym.
Wykorzystane materiały do nauki. korzyści: Grashin A.A. Krótki kurs ewolucji stylu mebli - Moskwa: Architektura-S, 2007
Od końca XIVw. w Europie Zachodniej mnożą się oznaki zbliżającego się kryzysu feudalnego sposobu produkcji. Ciągłemu wzrostowi sił wytwórczych i ożywieniu rynków krajowych i związanego z tym handlu zagranicznego towarzyszy rozwój stosunków towarowo-pieniężnych, które podkopały agrarną podstawę feudalizmu. W wielu miastach kładziono podwaliny dominacji nowej klasy, kształtował się światopogląd, który zastępował ideologię średniowiecza. Przebudzenie przychodziło stopniowo. Ale w XV-XVI wieku. wszystkie różnorodne czynniki rozwoju nowych stosunków społecznych, które stopniowo dojrzewały, zdawały się łączyć w skoncentrowanym wysiłku obalenia feudalizmu i kościoła. Ewolucja społeczeństwa średniowiecznego przełamała opór przestarzałych schematów feudalno-teokratycznych i upadły one, robiąc miejsce nowym trendom, w których całokształt życia społecznego i kultury był świadectwem przełomu. Temu złożonemu i sprzecznemu procesowi towarzyszyły dwa zjawiska o znaczeniu światowo-historycznym: „renesans” (renesans) i „reformacja”. W obu przypadkach terminy te, mające oddać ideową istotę rewolucji, nie odsłaniają treści pojęcia: tak jak reformacja nie była przywróceniem pierwotnej czystości dogmatu chrześcijańskiego, tak renesans nie był odrodzeniem starożytności.
Drogi rozwoju architektury włoskiej w XV-XVI wieku.
Jak ruchliwa i nieuchwytna jest ostateczna granica architektonicznego cyklu renesansu we Włoszech, jego „renesansu”, tak wyraźna i stabilna jest linia czasu, według której nauka – od Burkgardt do dnia dzisiejszego – wyznacza swój początek. Jest rok 1420, pojawienie się pierwszego budynku Brunellesco w „klasycznych” formach (Ospedale degli Innocenti) i początek szerokiego ruchu artystycznego „rinascimento” („Renesans”) w kulturze Florencji. Rozpoczynając od tej daty historię architektury renesansu we Włoszech, autorzy tej pracy opierają się zatem na przyjętym już w nauce punkcie widzenia, który mocno opiera się na punkcie zwrotnym o znaczeniu historycznym i architektonicznym: pierwszym i decydujące odwołanie architektury Florencji (po okresie gotyku) do nowo „odkrytego” przez Brunellesco systemu porządku klasycznego. Porządek klasyczny, odtworzony na swój sposób przez wielkiego Florentyńczyka, oznaczał zwycięstwo nowego, naukowego myślenia w architekturze. Wydawało się, że odnaleziono utracony język samej architektury starożytności, jej metodę i środki, których brakowało architektom, aby stworzyć ową harmonię, wyrazistość i człowieczeństwo obrazów, do których aspirowała sztuka początku wieku i które w oczy samej epoki było odrodzeniem „starożytnego” piękna architektury. Synchroniczność historyczna pionierskiego aktu Brunellesco w architekturze i twórczych odkryć Brunellesco, Donatello i Masaccia w sztukach wizualnych na podstawie nowej metody naukowej (perspektywa, anatomia, światłocień) uwiarygodniają fakt zapoczątkowania Renesans. Jednak w architekturze odnowa, która nastąpiła wraz z początkiem „rinascimento” w tym momencie, miała charakter czysto artystyczny i zasadniczo nie naruszyła jej materialnych, konstrukcyjnych i typologicznych podstaw. Reforma porządkowa Brunellesco była typowym architektonicznym wyrazem tego ogólnego przełomu w sferze kultury i ideologii, jakim jest przejście do renesansu.
Architektura Toskanii, Umbrii, Znaczki wczesnego i późnego renesansu (1420-1520)
Jednym z najbardziej rozwiniętych miast średniowiecznych Włoch i najwcześniejszym ośrodkiem nowej miejskiej kultury, sztuki i architektury była Florencja. Schemat urbanistyczny Florencji (ryc. 1) wyraźnie odzwierciedla główne etapy rozwoju miasta. Trzon współczesnego miasta należy do okresu antycznego, gdzie zachował się charakterystyczny dla obozów rzymskich prostokątny układ z wyraźnie zaznaczonymi cardo i decumanus (wzajemnie prostopadłymi, przecinającymi się głównymi arteriami) oraz centralnym placem na ich skrzyżowaniu. Okres średniowiecza charakteryzują główne drogi promieniście zbiegające się do bram obozu, ulice i kwartały swobodnie rozrastające się wokół murów otaczających starożytną osadę z wydzielonym placem publicznym i odrębnym zespołem katedralnym. Terytorium to chronił drugi rząd murów, poza którymi miasto rozrastało się w okresie rozkwitu gospodarczego (We Florencji w XIV w. mieszkało około 100 tys. osób: 30 tys. prawników, 100 sędziów, 60 lekarzy, 100 farmaceutów, 80 zmieniających itp.). Znajduje się tu pierścień klasztorów, które stopniowo stały się ośrodkami niektórych obszarów Florencji. W okresie od 1285 do 1388 miasto otoczono nowym pierścieniem obwarowań, które w kolejnych stuleciach były wielokrotnie przebudowywane i aktualizowane. Zróżnicowane społeczno-gospodarcze funkcje miejskiego życia, wcześniej ograniczone murami starego miasta, realizowały się poza jego granicami: nowe zespoły przejmowały częściowo funkcje głównego ośrodka miejskiego, stając się ośrodkami rozrastających się obszarów peryferyjnych. Wraz z tym planowano rozbudowę zespołów nowego typu, utworzonych wokół kościołów parafialnych i pałaców najszlachetniejszych rodów Medyceuszy, Rucellai, Pitti i innych, których majestatyczne siedziby nadały budynkowi nowy wymiar.
Filippo Brunellesco
Filippo Brunellesco (1377-1446) – pierwszy wielki mistrz nowoczesnej architektury, największy artysta, wynalazca i teoretyk. Ojciec Filippa, notariusz ser Brunellesco di Lippo Lappi, chciał, aby został notariuszem, ale na prośbę syna dał mu szkolenie u jubilera Benincasa Lotti. W 1398 Brunellesco wstąpił do warsztatu przędzenia jedwabiu (w skład którego wchodzili jubilerzy) iw 1404 otrzymał tytuł mistrza. W latach 1405-1409, 1411-1415, 1416-1417. Brunellesco udał się do Rzymu, gdzie studiował zabytki architektury. Karierę twórczą rozpoczął jako rzeźbiarz i brał udział w konkursie na brązowe drzwi baptysterium florenckiego. Jednocześnie studiował prawa perspektywy; przypisuje mu się malarstwo z iluzorycznymi efektami, przedstawiające place - Katedra i Signoria (1410-1420). Brunellesco wykonał szereg prac inżynieryjnych i fortyfikacyjnych w Pizie, Lukce, Lasterze, Rencinie, Stage, Ferrarze, Mantui, Rimini i Vicopisano. Dzieło architektoniczne Brunellesco we Florencji lub w jej pobliżu: kopuła Santa Maria del Fiore (1417-1446); Dom oświatowy (od 1419 r.); kościół San Lorenzo i stara zakrystia (od 1421 r.) (projekt został później zrewidowany); Palazzo di Parte of Guelph (projekt oddany do użytku w 1425 r., budowa - 1430-1442); kaplica Pazzi (od 1430 r.); oratorium Santa Maria degli Angeli (po 1427); Kościół San Spirito (rozpoczęty w 1436). Ponadto z nazwiskiem Brunellesco związane są następujące budynki: Palazzo Pitti (projekt mógł zostać ukończony w latach 1440-1444, powstał w latach 60. XIV wieku); Palazzo Pazzi (projekt oddany do użytku w 1430 r., zbudowany w latach 1462-1470 przez Benedetto da Maiano); kaplica Barbadorów w kościele Santa Felicita (1420); Villa Pitti w Rusciano koło Florencji; drugi dziedziniec klasztoru Santa Croce (zbudowany według zmodyfikowanego projektu Brunellesco), opactwo w Fiesole (Tub Fiesolana, przebudowany w latach 1456-1464 przez zwolenników Brunellesco).
Michelozzo di Bartolomeo
Michelozzo di Bartolomeo (Michelozzo Michelozzi, 1396-1472) urodził się we Florencji w rodzinie krawca iw młodości pracował w mennicy. Później współpracował z Ghibertim (w latach 1420-1424 wykonał drzwi baptysterium i figurę św. Mateusza w Or San Michele we Florencji) oraz z Donatello (ambona zewnętrzna katedry w Prato, 1425-1438, chrzcielnica św. Baptysterium w Sienie, 1425, groby papieża Jana XXIII w baptysterium florenckim, około 1427 i kardynała Brancacciego w Neapolu, 1426). Wykonał nagrobek Aragazziego (ok. 1437) w katedrze w Montepulciano. Przez długi czas Michelozzo był nadwornym architektem rodziny Medyceuszy. Ważniejsze dzieła architektoniczne: Palazzo Medici (Riccardi) we Florencji (1444-1452); wille w Cafagiolo (1454) i Careggi (1459); fasada kościoła Sant'Agostino in Montepulciano (od 1432); przebudowa klasztoru, biblioteki i kościoła św. Marka (1437-1451); prace w kościele Santissima Annunziata (1444-1455) we Florencji, w tym samym miejscu Palazzo Strozcino (1457); kaplica Medyceuszy w Santa Croce we Florencji (ok. 1445 r.); tabernakulum w kościołach San Miniato (1447-1448) i Santissima Annunziata (1448) w tym samym miejscu; przebudowa dziedzińca Palazzo Vecchio we Florencji (od 1454); Medici Bank i prawdopodobnie kaplica Portinari w Sant'Eustorgio w Mediolanie (1462-1468, zob. s. 147); przebudowa Dworu Książęcego w Dubrowniku (Ragusa, 1462-1464); biblioteka San Giorgio Maggiore w Wenecji, która nie zachowała się do naszych czasów. Już wczesne prace Michelozza ujawniają jego przywiązanie do kierunku architektonicznego stworzonego przez Brunellesco, a jednocześnie oryginalność jego talentu, pomimo zapożyczeń z architektonicznych i konstrukcyjnych technik Brunellesco. Po opanowaniu głównych cech nowego stylu, jego wyraźnego rozbioru, tektoniczności i afirmującej życie siły, Michelozzo jednocześnie uprościł i uczynił bardziej dostępnymi wiele technik Brunellesco. We wnętrzach Michelozzo dążył nie do wyrafinowanej zwięzłości Brunellesco, ale do bogactwa i różnorodności wystroju. To samo widać w jego architekturze małych form, do której często traktował nie jako architekt, ale rzeźbiarz.
Leon Battista Alberti
Leon Battista Alberti - jeden z najzdolniejszych ludzi swoich czasów - architekt, malarz, poeta, muzyk, teoretyk sztuki i naukowiec. Alberti urodził się w Genui w 1404 r., zmarł w Rzymie w 1472 r. Pochodził ze szlacheckiej rodziny florenckiej, wygnanej z rodzinnego miasta; Kształcił się w Padwie i Bolonii. Po amnestii 1428 osiadł we Florencji, ale przez długi czas przebywał w Rzymie na dworze papieskim. Prace architektoniczne: we Florencji – Rucellai Palazzo (1446-1451), loggia i kaplica Rucellai przy kościele San Pancrazio (ukończona w 1467), chór kościoła Santissima Annunziata (1472-1477), fasada kościoła św. Kościół Santa Maria Novella (1456-1470); w Rimini - kościół San Francesco (1450-1461, zniszczony podczas ostatniej wojny, obecnie odrestaurowany); w Mantui - kościoły San Sebastiano (1460-1472) i Sant'Andrea (początek 1472; kopuła pochodzi z 1763); w Rzymie Albertiemu bez dostatecznego powodu przypisuje się Palazzo Venezia i fasadę kościoła św. o architekturze, Trzy książki o malarstwie, O posągu, „Zabawy matematyczne” itp. Traktat o ruchu ciężarków nie zachował się do dziś. Alberti jest autorem szeregu utworów literackich – wierszy, dialogów. Albertiego, jako naukowca-teoretyka, który wyjątkowo szeroko pojmował rolę architektury w rozwoju społeczeństwa, w swojej twórczości interesowało nie tyle szczegółowe opracowanie wymyślonych przez siebie kompozycji i ich rzeczowa realizacja, ile problematyczna, typologiczna strony każdego projektu, pozostawiając ich realizację swoim asystentom.
Bernarda Rosselino
Bernardo Rosselino, członek dziedzicznej rodziny budowniczych i rzeźbiarzy Gamberelli, pracował we Florencji jako architekt i rzeźbiarz. Rosselino (1409-1464) był głównym architektem katedry we Florencji, uzupełniając latarnię jej kopuły. Pracował także w Fabriano, Empoli i Pistoi. Jego dzieła architektoniczne: fasada kościoła Misericordia w Arezzo (1433-1435), pałac Rucellai we Florencji (proj. Alberti w 1446), zespół w Pienzy (1459-1463). W Rzymie przypisuje się Rosselino, oprócz dzieł, które nie zachowały się dla papieża Mikołaja V i chóru katedry św. Petra Palazzo Wenecja, fasada kościoła San Marco, loggia San Pietro; w Sienie - Palazzo Piccolomini i Palazzo Nerucci. Najbardziej znaczącym dziełem Rosselino jest zespół rynku miejskiego w Pienzy, małym włoskim mieście nazwanym na cześć papieża Piusa II (Eneasz-Silvius Piccolomini), który zaprojektował i zrekonstruował swoje rodzinne miasto Corsignano. Zgodnie z pierwotnym planem całe miasto miało zostać przebudowane: uregulowano przebieg ulic, rozbudowano skrzyżowania, wzniesiono nowe domy. Na polecenie Piusa II prałaci zakupili ziemię w Pienzy i wybudowali pałace zgodnie z projektem generalnej renowacji. Ponadto w wielu przypadkach elewacje starych domów zostały przebudowane w nowy sposób. Jednak budowa miasta była prowadzona intensywnie tylko przez pięć lat i prawie została wstrzymana po śmierci papieża (1464).
Giuliano da Maiano. Benedetta da Maiano
Giuliano da Maiano – syn murarza i stolarza, był architektem i mistrzem snycerstwa. Jego brat, Benedetto da Maiano, jest florenckim rzeźbiarzem, architektem i snycerzem. Giuliano da Maiano (Giuliano Leonardo d'Antonio, 1432-1490) urodził się niedaleko Fiesole, zmarł w Neapolu. We Florencji prowadził warsztat stolarski, w którym pracowali jego bracia Benedetto i Giovanni. W latach 1477-1490. był architektem katedry Santa Maria del Fiore we Florencji, w 1490 brał udział w konkursie na projekty elewacji katedry. Od 1466 Giuliano da Maiano pracował głównie jako architekt we Florencji, Neapolu, Sienie, Loreto i innych miastach: Pałacu Spannocchi (1473-1476) w Sienie, Pałacu Pazzi Quaratesi we Florencji (dziedziniec), Palazzo del Capitanio w Sarzanie (przebudowany), Palazzo Venier in Recanata (loggia na dziedzińcu), Porta Capuana w Neapolu, katedra w Faenza, kaplica Santa Fina w miejskiej katedrze San Gimignano, dziedzińce klasztorów Santa Fiore i Santa Lucilla w Arezzo. Przypisuje mu się portale kościołów San Domenico i Sant Agostino in Recanata (zapewne wykonane przez mistrzów lombardzkich). Benedetto da Maiano (Benedetto di Leonardo da Maiano, 1442-1497) zbudował Palazzo Strozzi we Florencji (od 1489) i portyk kościoła Santa Maria delle Grazie koło Arezzo (około 1490).
Kronaka (Simone Pollaiolo)
Wśród architektów, którzy pracowali we Florencji w drugiej połowie Quattrocento, Kronaka zajmuje poczesne miejsce. Kronaka (Simone Pollaiolo, 1457-1508) studiował starożytność w Rzymie od 1475 do połowy lat osiemdziesiątych XIV wieku, po czym wrócił do Florencji. Dzieła architektoniczne: Palazzo Strozzi (dziedziniec i gzyms), Palazzo Guadagni (1503-1506), kościół San Salvatore al Monte (1475-1504) we Florencji itp. Jego największym dziełem jest Palazzo Guadagni. Asymetryczny plan wynika z ciasnego terenu i wykorzystania części istniejącego budynku, co widać po różnych grubościach ścian budynku. Niemniej jednak Kronaka osiągnął ogólną klarowność kompozycyjną dzięki różnorodności wnętrz. Udało mu się zachować tradycyjne elementy miejskiego pałacu: mały dziedziniec z loggiami, główne wejście i przylegające do dziedzińca pomieszczenia recepcyjne. Z przedsionka wejściowego na wyższe kondygnacje prowadzi jednobiegowa klatka schodowa frontowa. Czwarte piętro od strony głównej fasady zajmuje duża otwarta loggia. Murowanie ściany głównej elewacji ukazane jest za pomocą sgraffita i intarsji (niewykluczone, że do zastosowania malarskiej dekoracji architektonicznej skłoniły Kronaka podobne malowidła przedstawiające wnętrza starożytnych zabytków rzymskich). Powierzchnia elewacji została zamieniona w ogromne płótno malarskie: wytłoczone zostały jedynie międzykondygnacyjne pręty imitujące mur, opaski okienne i archiwolty. Iluzoryczność skłoniła architekta do wprowadzenia figuratywnych elementów tektonicznych, takich jak szerokie boniowane filary w narożach elewacji. Zwieńczone są cienkimi ćwierćwałkowymi kolumnami ściętymi w narożach, a boniowane obramienia okienne mają ostrołukowy szczyt.
Giuliano da Sangallo
Najwybitniejszy rzecznik trendów architektonicznych drugiej połowy XV wieku. Giuliano da Sangallo był architektem, rzeźbiarzem i inżynierem. Giuliano da Sangallo (1445-1516) urodził się jako syn Francesco Giumberto we Florencji. Studiował (podobno wraz z bratem Antonio da Sangallo Starszym) snycerstwo, pracował we Florencji, Rzymie, Mediolanie, Neapolu, Perugii i wielu innych miastach we Włoszech, a także w południowej Francji. Był głównym inżynierem we Florencji (1497) i głównym architektem budowy katedry św. Piotra w Rzymie (1514). Od 1503 członek cechu murarzy i stolarzy. Współpracował z Antonio da Sangallo (senior i junior), z Kronaką i B. d'Agnolo. Główne budynki: Villa Poggio a Caiano (1480-1485); kościół Madonna delle Carceri w Prato (1485-1491); we Florencji - klasztor augustianów (rozpoczęty w 1488), zakrystia kościoła San Spirito (1488-1492) wraz z Kronaką, pałac Gondi (1490-1494), własny dom (obecnie Palazzo Panchatiki Jimenez, 1490- 1498 r.), dziedziniec i fasada kościoła św. Magdaleny de'Pazzi (rozpoczęty w 1492 r.), Pałac Strozzi (1489-1505) z B. da Maiano i Kronaką; kopuła kościoła w Loreto (1490-1500). Uczestniczył w budowie fortyfikacji w Val d'Elsa (1479), Sarzana (1483-1488), Borgo San Sepolcro, Cortonie, Arezzo, Pizie i Livorno. (1509-1512). Główne projekty i modele architektoniczne: makieta pałacu w Neapolu (1488); model Palazzo Strozzi (1489-1490); makieta pałacu Lodovico Moro w Mediolanie (1492); model pałacu dla Karola VIII (1494-1496); makieta empory kopuły katedry we Florencji z Baccio d'Agnolo; projekt Sapienzy w Sienie (1492); projekt pałacu Medyceuszy na Piazza Navona w Rzymie (1513); sześć wersji projektu elewacji kościoła San Lorenzo we Florencji (1515-1516); projekt katedry św. Piotra w Rzymie (1467-1472).
Luciano da Laurana
Luciano di Martino da Laurana (ok. 1425-1479) pochodził z miasta Vrana, niedaleko Zadaru. Jego słowiańskie imię to Lucian z Vrany; brak informacji o roku jego urodzenia i działalności w ojczyźnie. W 1465 przebywał na dworze Sforzów w Pesaro iw tym samym roku przeniósł się do Mantui. W dokumentach z 1467 roku nazywany jest inżynierem i architektem księcia Urbino Federigo da Montefeltro. W 1468 roku Laurana została głównym architektem Pałacu Urbino. W 1472 roku z nieznanych przyczyn opuścił Urbino i został dowódcą artylerii króla Ferrante w Neapolu. Oprócz Pałacu Urbino, Laurana jest uważana bez wiarygodnych dowodów za autorkę Palazzo Prefetizzio w Pesaro (Fabrizzi, Willich). Lauranie przypisuje się tzw. wedutę – obrazy przedstawiające miasto idealne; z prac rzeźbiarskich - niektóre kominki pałacu Urbińskiego (A. Venturi). Największym dziełem Laurany jest Palazzo Ducale w Urbino. Kompozycję tego kompleksu komplikuje jego podwójne przeznaczenie – pałac frontowy i ufortyfikowana rezydencja książęca, a także obecność starego średniowiecznego pałacu i fortyfikacji, które musiały zostać włączone do nowego zespołu usytuowanego na wzgórzu.
Francesco di Giorgio Martini
Francesco di Giorgio Martini w młodości pracował w swojej ojczyźnie, w Sienie, głównie jako malarz i budowniczy twierdz. W Urbino przez około dziesięć lat pracował jako inżynier wojskowy i architekt. Później budował w Gubbio, Iesi i Ankonie. Ostatnie lata życia spędził w domu, podróżując do Neapolu i Mediolanu, gdzie spotkał się z Leonardem da Vinci podczas badania budowy katedry. Pod koniec życia napisał traktat architektoniczny. Ważniejsze prace architektoniczne: nadzór nad budową Pałacu Urbino według projektu Laurany i prawdopodobnie samodzielna dekoracja niektórych pomieszczeń (1475-1480), pałac w Gubbio (1476-1479), Palazzo degli Ancisni w Ankonie (1486) ), Palazzo del Comune w Iesi (1486), kościół San Bernardino koło Urbino (między 1482 a 1491), kościół Santa Maria del Calcinaio koło Cortony (1485). Niektórzy autorzy przypisują mu, wraz z Lauraną, budowę Palazzo Prefettizio w Pesaro. Francesco zbudował na wieżach główną fasadę pałacu Urbino, ukończył wiszący ogród, poszerzył elewację wschodnią w kierunku południowym i rozpoczął budowę dziedzińca, zwanego Cortile del Pasquino, z częściowo łukowatą loggią, później częściowo założoną. Należy mu również przypisać bogate obramienie okien i portali w różnych częściach pałacu w postaci dwóch żłobkowanych pilastrów, dźwigających kompletne trójdzielne belkowanie. Pod jego kierownictwem wnętrza pałacu zostały również bardziej luksusowo urządzone, zgodnie ze zmienionymi gustami właściciela.
Architektura Wenecji wczesnego i późnego renesansu (1420-1520)
Nowe kierunki w architekturze Wenecji pojawiły się dopiero w ostatniej ćwierci XV wieku. Do tego czasu pozostawał pod wpływem średniowiecznych tradycji budowlanych miast północnego wybrzeża Adriatyku (Padwa itp.), Bizancjum iw dużej mierze Wschodu. Dlatego pierwsze trzy ćwierci XV wieku. w Wenecji otrzymały powszechną nazwę „weneckiego gotyku”, natomiast ostatnia ćwierćwiecze tego stulecia określana jest zwykle mianem „wczesnego renesansu weneckiego”. Granice między tymi okresami nie zawsze są jasno określone (por. ryc. 4, 6, 7.). Wenecja była największym pośrednikiem handlowym między Zachodem a Wschodem, co przyczyniło się do szybkiego rozkwitu gospodarczego i niezależności politycznej tej handlowej i arystokratycznej republiki oraz doprowadziło do nawiązania silnych więzi kulturowych z szeregiem krajów Bliskiego i Środkowego Wschodu. Te cechy rozwoju Wenecji spowodowały pojawienie się w jej architekturze w XI-XIV wieku. różnego rodzaju budowle sakralne: pięciokopułowe, centryczne, bazylikowe i inne. Warunki naturalne odegrały znaczącą rolę w dodaniu charakterystycznych cech architektury weneckiej - budowa była możliwa tylko na wyspach lub w płytkich częściach laguny, gdzie konstrukcje wzniesiono na palach. Wyrażało się to nie tylko w lekkim wyglądzie budynków, wzniesionych głównie z cegły, ale także w planie urbanistycznym, charakteryzującym się brakiem regularności, wąskością ulic, których funkcje przeniesiono głównie do kanałów. oraz niezwykłą szczelność zabudowy (ryc. 1, 2). Budynki mieszkalne stały blisko brzegów kanałów, a o otwartym charakterze ich elewacji z loggiami i częstymi oknami decydowało wyspiarskie położenie miasta, chronione przez morze.
Architektura Rzymu wczesnego renesansu
Przez cały XVw. w Rzymie toczyła się walka papiestwa z rzymską szlachtą i wyczerpanymi miastami Italii, która spotkała głowę kościoła, która wróciła z Awinionu serią antypapieskich powstań. Najpotężniejsze rodziny patrycjuszowskie, które posiadały rozległe ziemie w Lacjum, uczyniły z Rzymu arenę politycznych walk o władzę; w XV wieku, podobnie jak poprzednio, wielokrotnie sprzeciwiali się temu czy innemu papieżowi, demagogicznie prowadząc powstania mieszczan (dla których przestarzała gmina miejska zachowała jeszcze swoją dawną aureolę demokracji) w celu przejęcia papieskiego tronu lub dochodowych stanowisk kościelnych . Poszczególni przedstawiciele szlachty rzymskiej i papież zwracali się o wsparcie do obcych władców: hiszpańskich i francuskich rodów królewskich, wrogo nastawionych do neapolitańskiego dziedzictwa i zawsze gotowych zdobywać włoskie miasta i regiony, w wyniku czego nieustannie zrabowany. Chwile spokoju znów zostały zastąpione walką. W tej trudnej sytuacji małe miasta włoskie stopniowo traciły swoją siłę gospodarczą i niezależność polityczną. Do końca XVw. wokół Mediolanu, Florencji, Wenecji, Rzymu i Neapolu powstało pięć największych państw. Ale centra handlowe, przemysłowe i lichwiarskie - Mediolan, Florencja i Wenecja - stopniowo traciły rynki zagraniczne, podczas gdy w tym samym czasie rzymskie państwo kościelne stawało się coraz bardziej politycznie wzmacniane. Szybko rosło znaczenie Rzymu w życiu publicznym i artystycznym. Sekularyzacja ideologii przeniknęła daleko, zagrażając głównym źródłom dochodów kurii. Humanizm i odrodzenie pozytywnej wiedzy wstrząsnęły zdewastowanym światopoglądem Kościoła. Dlatego najbardziej dalekowzroczni przedstawiciele papiestwa z wielką determinacją starali się wykorzystać te nastroje społeczne, których nie byli w stanie przezwyciężyć (katolicyzm cechował się zawsze elastycznością i oportunizmem). Humanistów zaczyna coraz bardziej interesować praca w kurii; z drugiej połowy XV wieku. Rzym w pośpiechu wymienił swoje średniowieczne stroje na nowe. Pod koniec stulecia ogromne fundusze i cała pełnia władzy politycznej w Rzymie iw rozległych posiadłościach, które od niego zależały, zostały ponownie skoncentrowane w rękach papieży.
Architektura Mediolanu i Lombardii wczesnego i późnego renesansu (1420-1520)
Wraz z tektonicznością, monumentalną konstruktywnością i ścisłą jasnością myśli, charakterystyczną dla głównego, najważniejszego i żywotnego nurtu włoskiej architektury Quattrocento, rozwinął się w niej inny nurt, odznaczający się nienasyconym pragnieniem zdobniczego bogactwa i zamiłowaniem do detalu. O ile pierwszy nurt, nakreślony z zadziwiającą siłą przez Brunellesco, kontynuowany był w twórczości Albertiego, Giuliana i Antonia da Sangallo, Luciana da Laurany i Francesca di Giorgio Martiniego, obejmując stopniowo środkowe Włochy, docierając na północy do Mantui, drugi kierunek emanował z Lombardii i do połowy wieku, przeniknąwszy (jak pokazano powyżej) do Wenecji, ograniczała się do granic północnych Włoch. Tutaj dotknęło uparte trzymanie się tradycyjnych metod i form północnowłoskiego gotyku. Nowy światopogląd, ekstaza życia i radosny zachwyt światem w całej jego wielobarwności wyrażają się tu dobitnie w nieposkromionej ekstrawagancji, obfitości dekoracji i polichromii, dla których architekci często poświęcali tektoniczną wyrazistość swoich budowli. Swobodne połączenie form architektonicznych romańskich, gotyckich, bizantyjskich i wczesnochrześcijańskich dało początek osobliwej, heterogenicznej, czasem atektonicznej, ale urzekającej malowniczą północną wersją włoskiej architektury Quattrocento, która osiągnęła swój szczyt w kaplicy Colleoni w Bergamo i w Pawii. Certosa. W ostatniej ćwierci XV w w architekturze północnych Włoch nastąpił gwałtowny zwrot, którego historia nie jest dobrze poznana, a znaczenie często niedoceniane. Budynki z tego okresu mówią o poważnych zmianach w gustach społeczeństwa i samych budowniczych, powrocie z pasji do wystroju do głębszych i bardziej znaczących problemów. W Lombardii zaczęto uporczywie rozwijać centryczny monumentalny typ kompozycji, spotykany wcześniej jedynie w twórczości mistrzów toskańskich.
Donato Bramante (Mediolan, Lombardia)
Donato Bramante (1444-1514) urodził się w Monte Asdrualdo (obecnie Fermignano) niedaleko Urbino. W 1477 roku Bramante brał udział w malowaniu fasady Palazzo del Podesta w Bergamo. W Mediolanie zajmował się też początkowo malarstwem. W latach 1482-1486 Bramante przebudował kościół Santa Maria Presso San Satiro (projekt mógł się rozpocząć w 1478 r.); od 1492 przebudował skrzyżowania i apsydy kościoła Santa Maria delle Grazie (do 1497), dziedzińce kanonika i klasztor Sant'Ambrogio (prace przerwano w 1499). Ponadto wykonał prace malarskie i inżynieryjne przy odbudowie książęcego zamku Carmagnola (1491) i fortyfikacji Crevola w dolinie Ossoli (1498), uczestniczył wraz z Christopherem Rocchim w badaniach, rewizji projektu i budowy katedry w Pawii (1487-1488 – do ok. 1492), brał udział w dyskusji nad problemami związanymi z kopułą katedry mediolańskiej. W 1493 Bramante opuścił Mediolan. Po powrocie wznieśli w książęcej rezydencji w Vigevano kaplicę w kościele San Francesco, Palazzo delle Dame i loggię; Uważa się, że według jego projektu wykonano również wieżę zamku i znajdujący się przed nim plac otoczony arkadami. W 1497 Bramante rozpoczął fasadę katedry w Abbiategrasso, która pozostała niedokończona. W 1499 roku, po zdobyciu Mediolanu przez Francuzów i upadku Sforzy, Bramante przeniósł się do Rzymu, gdzie początkowo zajmował się malowaniem, szkicowaniem i mierzeniem starożytnych pomników. Pierwsze dzieła architektoniczne to dziedziniec klasztoru Santa Maria della Pace (1500-1504) i dzwonnica kościoła Santa Maria del Anima. W tym samym czasie Bramante buduje pałac kardynała Riario (Cancelleria) i kościół San Lorenzo in Damaso. W 1502 roku zbudował Tempietto na dziedzińcu kościoła San Pietro in Montorio. Największym dziełem Bramantego jest katedra św. Piotra, którym zajmował się podobno od 1505 roku aż do śmierci. Z jego dzieł na uwagę zasługuje dziedziniec Belwederu w Watykanie (projekt z 1503 r., budowa zakończona po śmierci Bramantego), a także ośmioboczny dziedziniec i kręcone schody-rampa przy willi Innocentego VIII. Inne dzieła Bramantego w Rzymie: chór kościoła Santa Maria del Popolo (1509), budynek trybunału papieskiego z kościołem San Biagio della Pagnotta (nieukończony), dziedziniec San Damaso w Watykanie (1510) , ukończony przez Rafaela), własny dom (rozebrany w XVII wieku), kościół San Celso e Giuliano (1510-1514). Bramante doradzał także przy budowie fortyfikacji w Imola, Foligno i innych.
Architektura Rzymu Wielkiego Renesansu (pierwsza ćwierć XVI wieku)
Pod koniec XV i na początku XVI wieku. rozwinięte niegdyś miasta włoskie, które wraz z nową kulturą miejską dały początek nowej architekturze, przeżywały stagnację gospodarczą i głębokie przemiany społeczne. Rynki wewnętrzne Italii były ograniczone, a zewnętrzne zawężone w wyniku podbojów tureckich i rozwoju przemysłu w innych krajach europejskich. Handel, a wraz z nim przemysł, upadł, a wiodąca rola w państwach włoskich przeszła z bankierów i kupców na panów feudalnych i szlachtę ziemską. Wszystko to, w połączeniu z wojnami, które wstrząsały krajem od ostatniej dekady XV wieku, doprowadziło do zauważalnego ograniczenia popytu na dzieła sztuki i gwałtownego ograniczenia działalności budowlanej. Architektów, rzeźbiarzy i innych mistrzów budownictwa, podobnie jak artystów, ściągano z różnych miast na dwory najbogatszych władców. W pierwszych dwóch dekadach XVI w centrum procesu architektonicznego we Włoszech przeniosło się do stolicy państwa papieskiego - do Rzymu. Kardynałowie i kuria papieska byli w tamtych latach najstabilniejszymi klientami artystów i budowniczych. Ale najlepsi artyści i architekci Włoch przyciągali do Rzymu nie tylko nadzieję hojnej szlachty. Wojny podboju, które spustoszyły rozproszone państwa kraju, doprowadziły do krótkotrwałego wzrostu samoświadomości narodowej, która do tej pory była zarysowana tylko wśród kilku postępowych postaci kultury włoskiej. Państwo papieskie, jako centrum międzynarodowego Kościoła katolickiego, było przez wielu postrzegane jako rdzeń Włoch, wokół którego mogło się zjednoczyć. Elementy tożsamości narodowej we Włoszech przejawiały się zarówno w sztuce, jak iw dążeniu do jednolitego stylu architektonicznego. Wśród najlepszych i postępowych ludzi tamtych czasów jedność kultury była nierozerwalnie związana z ideą zjednoczenia politycznego. Myśl ta była również mniej lub bardziej świadomie obecna w kazaniach Savonaroli (1452-1498), który opierając się na drobnomieszczaństwie i biedocie, rządził Florencją przez prawie dziesięć lat i na próżno nawoływał do reformy kościoła i oczyszczenia moralności dla dobra ojczyzny, w działalności i pismach Machiavellego (1469-1527), który ratunku szukał w nieograniczonej dyktaturze idealnego „księcia”, a wreszcie nawet w bezwstydnej polityce papieża Aleksandra VI i jego syna Cezara Borgii , który zasłynął ze swoich okrucieństw, który marzył o zostaniu głową zjednoczonego imperium włoskiego.
Donato Bramante (Rzym)
Na początku XVIw. papiestwo przeznaczyło ogromne fundusze na budowę miasta, na jego ulepszenie i upiększenie, na wybicie nowych ulic itp. Kolejno przybywali tu architekci, artyści, rzeźbiarze, snycerze, kamieniarze. Oprócz starszych Giuliano da Sangallo i Fra Giocondo, którzy mieszkali w Rzymie, przybyli tu Donato Bramante, Baldassare Peruzzi, Rafael Santi, Antonio da Sangallo Młodszy, Michelangelo Buonarotti, Andrea i Jacopo Sansovino, Giovanni da Udine i inni; pracował tu także Roman Giulio Romano. Wśród tych mistrzów szczególne miejsce zajmował Bramante, który w kulminacyjnym momencie rozwoju architektury humanistycznej odegrał tę samą fundamentalną rolę, co Brunellesco w okresie początkowym. Najwcześniejszą budowlą rzymską, z którą kojarzona jest nazwa Bramante, jest Palazzo Cancelleria (1483-1526), pierwsza rzymska budowla o ogólnowłoskim znaczeniu i jeden z najbardziej majestatycznych i surowych pałaców stolicy (dostał swoją nazwę od urzędu papieskiego, umieszczonego w nim wkrótce po zakończeniu budowy). Najwyższe osiągnięcie rzymskiego Quattrocento i pierwsze dzieło nowego stulecia, przykład w pełni dojrzałego „klasycznego” stylu renesansowego – Cancelleria pozostaje tajemnicą dla historyków, którzy nie zgodzili się jeszcze co do jej autora i ewentualnego udziału Bramantego w jej powstaniu. Przed zrozumieniem tego zagadnienia konieczne jest zapoznanie się z samą strukturą.
Rafał Santi
Raphael Santi, najwybitniejszy malarz działający w Rzymie z Bramantem w latach 1514-1520, był niewątpliwie najważniejszym architektem we Włoszech. Rafał (1483-1520) urodził się w Urbino, jednym z kulturalnych i artystycznych ośrodków Włoch. Od 1500 Rafał pracował w warsztacie Perugino, gdzie w 1504 namalował Zaręczyny Marii (Sposalizio, obecnie w Muzeum Brera w Mediolanie); w 1505 przeniósł się do Florencji, gdzie wykonał wiele obrazów. Dokładny czas przeniesienia się Rafaela do Rzymu nie jest znany, ale w październiku 1509 roku otrzymał stałe stanowisko „malarza apostolskiego” na dworze papieża Juliusza II, który zlecił mu malowanie papieskich pokoi (strof) w Watykanie. Strofa, zwana della Senyatura, z freskami „Spór”, „Szkoła ateńska” (il. 18), „Parnassus” i „Trzy cnoty” (1509-1511), oraz strofa druga, której freski przedstawiające „Wypędzenie Eliodora”, „Mszę w Bolsenie”, „Wyzwolenie apostoła Piotra z lochu” i „Spotkanie papieża Leona I z Attylą” (1511-1514), były niezwykłym osiągnięciem monumentalnego realizmu w malarstwo i jego synteza z architekturą. Freski strofy trzeciej wykonali w dużej mierze uczniowie mistrza według jego rysunków. Czwartą zwrotkę, tzw. „Salę Konstantyna”, uczniowie ukończyli już po śmierci Rafała (1517-1525). Do pierwszych dzieł architektonicznych Rafaela należy kościół Sant Eligio degli Orefici (rozpoczęty w 1509 r.) oraz kaplica rodziny Agostino Chigi w kościele Santa Maria del Popolo (1512-1520). Od 1514 roku, po śmierci Bramantego, działalność architektoniczna Rafaela nasiliła się, mianowano go kierownikiem budowy katedry św. Piotr (od kwietnia 1514 – czasowo, od sierpnia – za zgodą Fra Giocondo, od lipca 1515 – główny architekt), brał udział w konkursie na fasadę kościoła San Lorenzo we Florencji, dokończył budowę dziedzińca kościoła San Lorenzo Damaso w Watykanie, rozpoczęty przez Bramantego, malujący jednocześnie wraz ze studentami jego loggii (ukończony w 1519). Rafael wykonał dla Chigi wiele pracy: oprócz udziału w budowie Willi Farnesina (rozpoczętej w 1509 r.; wielu badaczy przypisuje ją całkowicie Rafaelowi) oraz w jej malowidłach ściennych (Triumf Galatei, 1515; sufit z historia Psyche, 1518), wybudował jeszcze kilka budynków w tej samej dzielnicy Trastevere, z których częściowo zachowały się jedynie stajnie przy ulicy Lungara. W ostatnich latach życia Rafaela powstało kilka pałaców według jego rysunków różnych mistrzów: Palazzo Vidoni-Caffarelli; Palazzo da Brescia i Palazzo del Aquila w Rzymie (ukończony w 1520 r ); Palazzo Pandolfini we Florencji (1516-1520). Niedaleko Rzymu rozpoczęto budowę Villa Madama (od 1517 r.). W sierpniu 1515 r. Rafael, który od przybycia do Rzymu lubił studiować starożytne zabytki, został wyznaczony na następcę zmarłego Fra Giocondo na stanowisko kustosza rzymskich antyków.
Baldassare Peruzzi
Baldassare Peruzzi – malarz, dekorator i architekt działający w Rzymie w tym samym czasie co Bramante i Raphael, jest zwykle wymieniany w historii architektury jako jeden z mistrzów wysokiego renesansu. Peruzzi (1481-1536) urodził się w Sienie, gdzie prawdopodobnie jako pomocnik Pinturicchia namalował kaplicę San Giovanni w katedrze (1501) i zbudował dziedziniec oratorium św. Katarzyna. Pierwszy okres pobytu w Rzymie (1503-1527) rozpoczął od studiów i szkiców zabytków antycznych. Peruzzi wykonał liczne prace malarskie, architektoniczne i dekoracyjne: malowanie kaplicy w kościele św. Onufrii (wraz z Pietro d'Andrea z Volterry), budowa willi Farnesina (1509-1511) i malowanie sali na jej drugim piętrze, fasada kościoła San Pietro in Montorio, malowanie kaplicy Ponzettich w kościół Santa Maria della Pace (1516-1517 lat), model kopuły katedry i fortyfikacji w Carpi (1515-1520), projekt kościoła San Giovanni dei Fiorentini (udział w konkursie 1520), rysunki kostiumów i scenografii do przedstawienia komedii „Calandras” (1520), rysunków i makiety fasady katedry San Petronio w Bolonii (1522), budowy willi dla kardynała Trivulzio koło Tivoli (1521-1524), plany zamku Caprarola (te same lata), budowę Palazzo Spada (1523-1530) i Ossoli (ok. 1525) w Rzymie. Od 1520 roku Peruzzi został mianowany koadiutorem budowy katedry św. Piotr. Podczas plądrowania Rzymu Peruzzi został schwytany i zwolniony dla okupu, po czym wrócił do Sieny, gdzie został mianowany głównym architektem republiki (od lipca 1527) i pracował przy budowie fortyfikacji i katedry (od 1529). Od 1534 Peruzzi został głównym architektem katedry św. Piotra i rozpoczął budowę Palazzo Massimi (1535). W Montepulciano zbudował Palazzo Ricci i Contucci. Według Vasariego Peruzzi rozpoczął książkę o starożytności rzymskiej i skomentował Witruwiusza.