>

Kim była Mono Lisa? Tajemnica obrazu „Mona Lisa” Leonarda da Vinci. Interpretacje i symbolika

Włoscy naukowcy doszli do wniosku, że za Mona Lisa na legendarnym płótnie Leonardo da Vinci przedstawia nie abstrakcję, ale bardzo konkretny krajobraz – podaje RIA Novosti, powołując się na brytyjski dziennik Daily Telegraph. To według badaczki Carli Glori, której argumenty przytacza gazeta, to teren wokół miasteczka Bobbio w północnych Włoszech.

Dlatego Carla Glory rozwija swój pomysł, jeśli scena akcji nie znajduje się w centrum, jak wcześniej sądzono naukowców, opierając się na fakcie, że Leonardo rozpoczął pracę na płótnie w latach 1503-1504 we Florencji, ale na północy, to jego model nie jest żona kupca Lisa del Giocondo i córka księcia Mediolanu, Bianca Giovanna Sforza.


Jej ojciec, Lodovico Sforza, był jednym z głównych klientów Leonarda i znanym filantropem.

Glory uważa, że ​​artysta i wynalazca odwiedził go nie tylko w Mediolanie, ale także w Bobbio, mieście ze słynną wówczas biblioteką, również podlegającą mediolańskim władcom.

Glory doszła do swoich wniosków po tym, jak dziennikarz, pisarz, odkrywca grobu Caravaggia i szef Włoskiego Narodowego Komitetu Ochrony Dziedzictwa Kulturowego Silvano Vinceti poinformował, że widział tajemnicze litery i cyfry na płótnie Leonarda.

W szczególności pod łukiem mostu znajdującego się na lewo od Mona Lisy (czyli z punktu widzenia widza po prawej stronie zdjęcia) odkryto cyfry „72”.

Vinceti uważa je za nawiązanie do niektórych mistycznych teorii Leonarda. Według Glory jest to wskazówka na rok 1472, kiedy przepływająca obok Bobbio rzeka Trebbia wylała z brzegów, zburzyła stary most i zmusiła rządzącą w tych stronach rodzinę Visconti do zbudowania nowego. Resztę widoku uważa za krajobraz, który otwierał się z okien miejscowego zamku.

Wcześniej Bobbio było znane przede wszystkim jako miejsce, w którym znajdował się ogromny klasztor San Colombano, który służył jako jeden z prototypów „Imienia róży” Umberto Eco.

Co prawda sceptyczni eksperci twierdzą, że zarówno cyfry, jak i litery odkryte przez Vincetiego w źrenicach Mony Lisy to nic innego jak pęknięcia, które powstały na płótnie na przestrzeni wieków.

Kolejny „ostateczny” dowód?

Przypomnijmy, że pytanie, kto jest przedstawiony na słynnym portrecie, od wielu lat zaprząta umysły naukowców i historyków sztuki z całego świata. Pojawiły się sugestie, że do obrazu pozowała kochanka da Vinci, jego matka, a nawet on sam.

Kobieta z portretu Leonarda da Vinci została po raz pierwszy skojarzona z Lisą del Giocondo przez włoskiego artystę, architekta i pisarza Giorgio Vasariego w 1550 roku. Zdaniem przedstawicieli biblioteki jego notatki budziły jednak wiele wątpliwości, gdyż powstały 50 lat po namalowaniu portretu.

W 2004 roku włoski uczony Giuseppe Palanti po 25 latach studiowania dokumentów archiwalnych odkrył, że kobieta przedstawiona na portrecie była żoną bogatego handlarza jedwabiem Francesco del Giocondo i matką pięciorga dzieci Lisy Gherardini. To właśnie nazwisko jej męża posłużyło później za drugi tytuł obrazu.

W 2006 roku niemieccy historycy sztuki z przekonaniem oświadczyli, że rozwikłali tajemnicę Mony Lisy, która od wieków zaprząta umysły miłośników piękna. Według nich słynny obraz Leonarda da Vinci przedstawia księżną Katarzynę Sforzę, która trzykrotnie wychodziła za mąż i miała niezliczoną ilość romansów. Jak podali wówczas naukowcy, kobieta, która stała się modelką Da Vinci, była matką jedenaściorga dzieci.

Jednak w 2008 roku inni niemieccy naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu z równym przekonaniem oświadczyli, że to słynne na całym świecie arcydzieło nadal przedstawia Lisę Gherardini.

Badacze oparli się na notatkach sporządzonych w październiku 1503 roku na marginesach starej księgi należącej do florenckiego urzędnika Agostino Vespucciego, znajomego Leonarda da Vinci.

W tych komentarzach urzędnik porównuje da Vinci do starożytnego artysty Apellesa i twierdzi, że Leonardo pracuje nad trzema obrazami jednocześnie, z których jeden to portret Lisy del Giocondo.

Spędził nad nim sporo czasu i w wieku dorosłym opuszczając Włochy, zabrał go ze sobą do Francji, wśród kilku innych wybranych obrazów. Da Vinci darzył ten portret szczególnym sentymentem, a także wiele myślał w trakcie jego powstawania; w „Traktacie o malarstwie” oraz w owych notatkach o technikach malarskich, które się w nim nie znalazły, można znaleźć wiele wskazówek, które niewątpliwie odnoszą się do „La Giocondy””.

Wiadomość Vasariego

„Studio Leonarda da Vinci” na rycinie z 1845 r.: Giocondę bawią błazny i muzycy

Ten rysunek z kolekcji Hyde'a w Nowym Jorku może być autorstwa Leonarda da Vinci i stanowi wstępny szkic portretu Mony Lisy. W tym przypadku ciekawe, że początkowo zamierzał złożyć w jej rękach wspaniałą gałąź.

Najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał historię o błaznach, aby zabawić czytelników. W tekście Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Aleksiej Dżiwelegow pisze, że stwierdzenie Vasariego, że „prace nad portretem trwały cztery lata, jest wyraźnie przesadzone: Leonardo po powrocie z Cezara Borgii nie przebywał we Florencji tak długo, a gdyby zaczął malować portret przed wyjazdem do Cezara, Vasari prawdopodobnie powiedziałbym, że pisał to przez pięć lat.” Naukowiec pisze także o błędnym wskazaniu niedokończonego charakteru portretu – „malowanie portretu niewątpliwie trwało długo i zostało ukończone, niezależnie od tego, co mówił Vasari, który w swojej biografii Leonarda stylizował go na artystę, który w w zasadzie nie mógł dokończyć żadnej większej pracy. I nie tylko został ukończony, ale jest jednym z najstaranniej ukończonych dzieł Leonarda.

Ciekawostką jest to, że Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta „fizyczna” cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.

Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajdował się on od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.

Inny

Być może artysta rzeczywiście nie dokończył obrazu we Florencji, lecz zabrał go ze sobą wyjeżdżając w 1516 roku i wykonał ostatnią kreskę pod nieobecność świadków, którzy mogliby o tym opowiedzieć Vasariemu. Jeśli tak, ukończył ją na krótko przed śmiercią w 1519 roku. (We Francji mieszkał w Clos Luce, niedaleko zamku królewskiego w Amboise).

Choć Vasari podaje informacje na temat tożsamości kobiety, przez długi czas panowała co do niej niepewność i wyrażano wiele wersji:

O prawidłowej identyfikacji modelu Mony Lisy świadczyła notatka na marginesie.

Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki

Uważa się jednak, że wersja o zgodności ogólnie przyjętej nazwy obrazu z osobowością modelki w 2005 roku znalazła ostateczne potwierdzenie. Naukowcy z Uniwersytetu w Heidelbergu zbadali notatki znajdujące się na marginesach księgi, której właścicielem był florencki urzędnik, osobisty znajomy artysty Agostino Vespucciego. W notatkach na marginesach książki porównuje Leonarda ze słynnym starożytnym greckim malarzem Apellesem i zauważa, że „da Vinci pracuje obecnie nad trzema obrazami, z których jeden to portret Lisy Gherardini”. Tak więc Mona Lisa naprawdę okazała się żoną florenckiego kupca Francesco del Giocondo - Lisą Gherardini. Obraz, jak dowodzą w tym przypadku uczeni, został zamówiony przez Leonarda do nowego domu młodej rodziny i dla upamiętnienia narodzin ich drugiego syna, imieniem Andrea.

Obraz

Opis

Kopia Mony Lisy z kolekcji Wallace'a (Baltimore) została wykonana przed przycięciem krawędzi oryginału i pozwala zobaczyć utracone kolumny

Prostokątny obraz przedstawia kobietę w ciemnym ubraniu, odwróconą do połowy. Siedzi na krześle ze splecionymi rękami, jedną ręką opierając się na podłokietniku, drugą na górze, obracając się na krześle niemal twarzą do widza. Włosy z przedziałkiem, gładko i płasko układające się, widoczne przez narzucony na nie przezroczysty welon (według niektórych założeń – atrybut wdowieństwa), opadają na ramiona w dwóch cienkich, lekko falujących pasmach. Zielona sukienka w cienkie falbany, z żółtymi plisowanymi rękawami, wycięta na białej, niskiej piersi. Głowa jest lekko obrócona.

Fragment Mona Lisy z pozostałościami podstawy kolumny

Dolna krawędź obrazu odcina drugą połowę jej ciała, zatem portret jest niemal w połowie długości. Krzesło, na którym siedzi modelka, stoi na balkonie lub loggii, której linia parapetu jest widoczna za jej łokciami. Uważa się, że wcześniej obraz mógł być szerszy i pomieścić dwie boczne kolumny loggii, z których obecnie znajdują się dwie podstawy kolumn, których fragmenty są widoczne wzdłuż krawędzi attyki.

Loggia wychodzi na opuszczoną dzicz z wijącymi się strumieniami i jeziorem otoczonym ośnieżonymi górami, które rozciągają się na wysoką panoramę za postacią. „Mona Lisa ukazana jest w pozycji siedzącej na krześle na tle pejzażu, a samo zestawienie jej postaci, bardzo blisko widza, z krajobrazem widocznym z daleka niczym potężna góra, nadaje obrazowi niezwykłej wielkości. To samo wrażenie wywołuje kontrast wzmożonej plastyczności postaci i jej gładkiej, uogólnionej sylwetki z wizjonerskim krajobrazem rozciągającym się w mglistą dal, z dziwacznymi skałami i wijącymi się między nimi kanałami wodnymi.

Kompozycja

Portret Giocondy jest jednym z najlepszych przykładów gatunku portretu włoskiego renesansu.

Boris Vipper pisze, że pomimo śladów Quattrocento „w swoim ubraniu z małym wycięciem na piersi i rękawami w luźnych fałdach, podobnie jak przy wyprostowanej postawie, lekkim skręcie ciała i delikatnym geście rąk, Mona Lisa należy w całości do epoki stylu klasycznego.” Michaił Ałpatow zauważa, że ​​„Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone dłonie nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o fantazyjnych lokach wczesnego „Zwiastowania”. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, faliste pasmo włosów Mony Lisy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo demonstruje umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii.”

Stan aktulany

„Mona Lisa” stała się bardzo ciemna, co uważa się za wynik wrodzonej skłonności autora do eksperymentowania z farbami, przez co fresk „Ostatnia wieczerza” praktycznie umarł. Współcześni artyście potrafili jednak wyrazić swój zachwyt nie tylko kompozycją, projektem i grą światłocienia – ale także kolorystyką dzieła. Zakłada się np., że rękawy jej sukni mogły pierwotnie być czerwone – co widać na kopii obrazu z Prado.

Obecny stan obrazu jest dość zły, dlatego pracownicy Luwru ogłosili, że nie będą już oddawać go na wystawy: „W obrazie powstały pęknięcia, a jedno z nich zatrzymuje się kilka milimetrów nad głową Mony Lisy .”

Analiza

Technika

Jak zauważa Dżiwelegow, do czasu powstania Mony Lisy mistrzostwo Leonarda „weszło już w fazę takiej dojrzałości, kiedy zostały postawione i rozwiązane wszystkie formalne zadania o charakterze kompozycyjnym i innym, kiedy Leonardo zaczął czuć, że tylko ostatnie, najtrudniejsze zadania techniki artystycznej zasługiwały na ich wykonanie. A kiedy w osobie Mony Lisy znalazł model, który zaspokoił jego potrzeby, próbował rozwiązać niektóre z najwyższych i najtrudniejszych problemów techniki malarskiej, których jeszcze nie rozwiązał. Chciał, za pomocą technik, które już wcześniej opracował i wypróbował, zwłaszcza przy pomocy swojej sławy sfumato, który wcześniej dawał niezwykłe efekty, zrobić więcej niż dotychczas: stworzyć żywą twarz żywego człowieka i odtworzyć rysy i wyraz tej twarzy w taki sposób, aby w pełni odsłoniły wewnętrzny świat człowieka. ”

Krajobraz za Mona Lisą

Boris Vipper zadaje pytanie „w jaki sposób osiągnięto tę duchowość, tę nieśmiertelną iskrę świadomości w obrazie Mony Lisy, wówczas należy wymienić dwa główne środki. Jednym z nich jest cudowne sfumato Leonarda. Nic dziwnego, że Leonardo lubił mawiać, że „modelowanie jest duszą malarstwa”. To sfumato tworzy wilgotne spojrzenie Giocondy, jej uśmiech lekki jak wiatr i niezrównaną, pieszczotliwą miękkość dotyku jej dłoni. Sfumato to subtelna mgiełka otulająca twarz i sylwetkę, zmiękczająca kontury i cienie. W tym celu Leonardo zalecał umieszczenie, jak to określił, „rodzaju mgły” pomiędzy źródłem światła a ciałami.

Rothenberg pisze, że „Leonardo zdołał wprowadzić do swojej twórczości taki stopień uogólnienia, który pozwala uznać go za obraz człowieka renesansu jako całości. Ten wysoki stopień uogólnienia znajduje odzwierciedlenie we wszystkich elementach malarskiego języka obrazu, w jego poszczególnych motywach - w sposobie, w jaki lekki, przezroczysty welon, zakrywający głowę i ramiona Mony Lisy, spaja starannie zaczesane kosmyki włosów i drobne fałdy sukienki tworzą ogólnie gładki kontur; wyczuwalne jest to w niezrównanej miękkości modelowania twarzy (z której zgodnie z ówczesną modą usunięto brwi) i pięknych, smukłych dłoniach.”

Alpatov dodaje, że „w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał sprawić, że odczuto nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to dzięki przyciemnieniu oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko się marszczą; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach znajdują się subtelne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać i mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o niespójności jej doświadczeń. (...) Leonardo pracował nad tym kilka lat, dbając o to, aby na obrazie nie pozostał ani jeden ostry pociąg, ani jeden kanciasty zarys; i choć krawędzie znajdujących się w nim obiektów są wyraźnie wyczuwalne, wszystkie rozpływają się w najsubtelniejszych przejściach od półcienia do półświatła.”

Sceneria

Krytycy sztuki podkreślają, w jaki organiczny sposób artysta połączył cechy portretu osoby z pejzażem pełnym szczególnego nastroju i jak bardzo podniosło to dostojeństwo portretu.

Wczesna kopia Mony Lisy z Prado pokazuje, jak wiele traci obraz portretowy, gdy zostanie umieszczony na ciemnym, neutralnym tle

W 2012 roku wyczyszczono kopię „Mony Lisy” z Prado, a pod późniejszymi nagraniami pojawiło się tło krajobrazowe – odczucie płótna natychmiast się zmienia.

Whipper uważa krajobraz za drugie medium tworzące duchowość obrazu: „Drugim medium jest relacja pomiędzy figurą a tłem. Fantastyczny, skalisty krajobraz, widziany jakby przez morską wodę, na portrecie Mony Lisy ma inną rzeczywistość niż sama postać. Mona Lisa ma rzeczywistość życia, krajobraz ma rzeczywistość snu. Dzięki temu kontrastowi Mona Lisa wydaje się tak niesamowicie bliska i namacalna, a my postrzegamy ten krajobraz jako promieniowanie jej własnych snów.”

Badacz sztuki renesansu Wiktor Graszczenkow pisze, że Leonardo także dzięki pejzażowi zdołał stworzyć nie portret konkretnej osoby, ale obraz uniwersalny: „W tym tajemniczym obrazie stworzył coś więcej niż portretowy wizerunek nieznanej florenckiej Mony Lisa, trzecia żona Francesco del Giocondo. Wygląd i struktura mentalna konkretnej osoby są przez niego przekazywane z niespotykaną dotąd syntetycznością. Ten bezosobowy psychologizm nawiązuje do kosmicznej abstrakcji krajobrazu, niemal całkowicie pozbawionego jakichkolwiek oznak obecności człowieka. W przydymionym światłocieniu złagodzone zostają nie tylko zarysy postaci i krajobrazu, ale także wszystkie tony kolorystyczne. W subtelnych, prawie niezauważalnych dla oka przejściach od światła do cienia, w wibracji Leonardowskiego „sfumato”, wszelka określoność indywidualności i jej stanu psychicznego mięknie do granic możliwości, topnieje i gotowa jest zniknąć. (…) „La Gioconda” nie jest portretem. Jest to widzialny symbol samego życia człowieka i natury, zjednoczonych w jedną całość i przedstawiony abstrakcyjnie od jej indywidualnej, konkretnej formy. Ale za ledwo zauważalnym ruchem, który niczym fale światła przebiega po nieruchomej powierzchni tego harmonijnego świata, widać całe bogactwo możliwości istnienia fizycznego i duchowego.

„Mona Lisa” została zaprojektowana w złocistobrązowych i czerwonawych odcieniach na pierwszym planie oraz szmaragdowo zielonych odcieniach w tle. „Przezroczyste, podobnie jak szkło, farby tworzą stop, jakby stworzony nie ręką człowieka, ale wewnętrzną siłą materii, która rodzi z roztworu kryształy o doskonałym kształcie”. Podobnie jak wiele dzieł Leonarda, to dzieło z biegiem czasu pociemniało, a relacje kolorystyczne nieco się zmieniły, ale nawet teraz wyraźnie można dostrzec przemyślane zestawienia odcieni goździków i ubioru oraz ich ogólny kontrast z niebiesko-zielonym, „podwodny” ton krajobrazu .

Miejsce malarstwa w rozwoju gatunku portretu

„Mona Lisa” uznawana jest za jedno z najlepszych dzieł w gatunku portretu, które wpłynęło na twórczość wysokiego renesansu i pośrednio za ich pośrednictwem na cały dalszy rozwój gatunku, który „musi zawsze powracać do La Giocondy jako coś nieosiągalnego, ale obowiązkowy przykład.”

Historycy sztuki zauważają, że portret Mony Lisy był decydującym krokiem w rozwoju portretu renesansowego. Rotenberg pisze: „choć malarze Quattrocento pozostawili po sobie wiele znaczących dzieł tego gatunku, ich osiągnięcia w portrecie były, że tak powiem, nieproporcjonalne do osiągnięć w głównych gatunkach malarstwa – w kompozycjach o tematyce religijnej i mitologicznej. Nierówność gatunku portretu znalazła już odzwierciedlenie w samej „ikonografii” obrazów portretowych. Rzeczywiste dzieła portretowe XV wieku, mimo niezaprzeczalnego podobieństwa fizjonomicznego i emanującego z nich poczucia wewnętrznej siły, wyróżniały się także przymusem zewnętrznym i wewnętrznym. Całe bogactwo ludzkich uczuć i doświadczeń, charakteryzujące biblijne i mitologiczne wizerunki malarzy XV-wiecznych, zwykle nie było własnością ich dzieł portretowych. Echa tego widać we wcześniejszych portretach samego Leonarda, wykonanych przez niego w pierwszych latach pobytu w Mediolanie. (...) Dla porównania portret Mony Lisy jawi się jako wynik gigantycznej zmiany jakościowej. Po raz pierwszy obraz portretowy pod względem znaczenia dorównał najbardziej uderzającym obrazom innych gatunków malarskich”.

„Donna Nuda” (czyli „Naga Donna”). Artysta nieznany, koniec XVI w., Ermitaż

W swojej nowatorskiej pracy Leonardo przeniósł główny środek ciężkości na twarz portretu. Jednocześnie używał rąk jako potężnego środka charakterystyki psychologicznej. Nadając portretowi pokoleniowy format, artysta mógł zaprezentować szerszą gamę technik artystycznych. A najważniejsze w figuratywnej strukturze portretu jest podporządkowanie wszystkich szczegółów przewodniej idei. „Głowa i dłonie są niewątpliwym centrum obrazu, któremu poświęcane są pozostałe jego elementy. Bajeczny krajobraz zdaje się prześwitywać przez wody morskie, wydaje się tak odległy i nieuchwytny. Jego głównym celem nie jest odwracanie uwagi widza od twarzy. I taką samą rolę ma pełnić ubranie, które układa się w najmniejsze fałdy. Leonardo celowo unika ciężkich draperiów, które mogłyby zaciemnić wyrazistość jego dłoni i twarzy. Zmusza więc tych ostatnich do występów ze szczególną siłą, tym większą, im skromniejszy i bardziej neutralny jest krajobraz i strój, porównywany do cichego, ledwo zauważalnego akompaniamentu.

Uczniowie i naśladowcy Leonarda stworzyli liczne repliki Mony Lisy. Część z nich (ze zbiorów Vernona w USA, z kolekcji Waltera w Baltimore w USA, a także przez pewien czas z Isleworth Mona Lisa w Szwajcarii) przez swoich właścicieli uważana jest za autentyczną, a obraz znajdujący się w Luwrze za kopię. Pojawia się także ikonografia „nagiej Mony Lisy”, prezentowana w kilku wersjach („Piękna Gabrielle”, „Monna Vanna”, Ermitaż „Donna Nuda”), najwyraźniej autorstwa własnych uczniów artysty. Duża ich liczba dała początek niemożliwej do udowodnienia wersji, że istnieje wersja nagiej Mony Lisy, namalowana przez samego mistrza.

Renoma obrazu

„Mona Lisa” za kuloodporną szybą w Luwrze i tłoczący się w pobliżu goście muzeum

Mimo że Mona Lisa cieszyła się dużym uznaniem współczesnych artysty, jej sława później przygasła. Obraz nie został szczególnie zapamiętany aż do połowy XIX wieku, kiedy artyści bliscy ruchowi symbolistycznemu zaczęli go wychwalać, łącząc go ze swoimi wyobrażeniami o kobiecej mistyce. Krytyk Walter Pater wyraził swoją opinię w swoim eseju o da Vinci z 1867 roku, opisując postać na obrazie jako swego rodzaju mityczne ucieleśnienie wiecznej kobiecości, która jest „starsza niż skały, pomiędzy którymi siedzi” i która „umarła wiele razy i poznałam tajemnice życia pozagrobowego.” .

Dalszy wzrost sławy obrazu wiąże się z jego tajemniczym zniknięciem na początku XX wieku i szczęśliwym powrotem do muzeum kilka lat później (patrz niżej, rozdział Kradzież), dzięki czemu nie opuścił on łamów gazet.

Współczesny jej przygoda krytyk Abram Efros napisał: „...muzealny strażnik, który teraz nie odchodzi na krok od obrazu, odkąd powrócił on do Luwru po porwaniu w 1911 roku, nie pilnuje portretu Franceski żony del Giocondo, ale obraz jakiejś pół-człowieka, pół-węża, stworzenia, uśmiechniętego lub ponurego, dominującego nad zimną, nagą, skalistą przestrzenią rozciągającą się za nim.

Mona Lisa to jeden z najsłynniejszych obrazów współczesnej sztuki zachodnioeuropejskiej. Jego znakomita reputacja związana jest nie tylko z wysokimi walorami artystycznymi, ale także z atmosferą tajemniczości otaczającej to dzieło.

Wszyscy wiedzą, jaką nierozwiązywalną zagadkę zadaje Mona Lisa fanom tłoczącym się przed jej wizerunkiem już od niemal czterystu lat. Nigdy wcześniej artystka nie wyraziła istoty kobiecości (cytuję wersety wyrafinowanego pisarza ukrywającego się pod pseudonimem Pierre Corlet): „Czułość i bestialstwo, skromność i ukryta zmysłowość, wielka tajemnica powstrzymującego się serca, rozumowanie umysłu, osobowości zamkniętej w sobie, porzucającej innych, można jedynie kontemplować jej blask.” (Eugeniusz Muntz).

Jedna z tajemnic wiąże się z głębokim uczuciem, jakim autor darzył to dzieło. Proponowano różne wyjaśnienia, np. romantyczne: Leonardo zakochał się w Monie Lisie i celowo opóźniał pracę, aby zostać z nią na dłużej, a ona drażniła go swoim tajemniczym uśmiechem i doprowadzała do największych twórczych uniesień. Ta wersja jest uważana za zwykłą spekulację. Dzivelegov uważa, że ​​to przywiązanie wynika z faktu, że znalazł w niej punkt zastosowania dla wielu swoich twórczych poszukiwań (patrz sekcja Technika).

Uśmiech Giocondy

Uśmiech Mony Lisy to jedna z najbardziej znanych tajemnic obrazu. Ten lekki, błądzący uśmiech można odnaleźć w wielu pracach zarówno samego mistrza, jak i Leonardesków, jednak dopiero w Mona Lisie osiągnął on swą doskonałość.

Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).

Graszczenkow pisze: „Nieskończona różnorodność ludzkich uczuć i pragnień, przeciwstawnych namiętności i myśli, wygładzonych i stopionych ze sobą, rezonuje w harmonijnie beznamiętnym wyglądzie Giocondy tylko z niepewnością jej uśmiechu, ledwo pojawiającego się i znikającego. Ten bezsensowny, przelotny ruch kącików jej ust, niczym odległe echo złączone w jeden dźwięk, przynosi nam z bezgranicznej odległości barwną polifonię duchowego życia człowieka”.

Krytyk sztuki Rotenberg uważa, że ​​„w całej sztuce światowej niewiele jest portretów dorównujących Mona Lisie pod względem siły wyrazu ludzkiej osobowości, ucieleśnionej w jedności charakteru i intelektu. To niezwykły ładunek intelektualny portretu Leonarda odróżnia go od portretów Quattrocento. Ta cecha jego twórczości jest tym dotkliwiej dostrzegana, że ​​nawiązuje do portretu kobiecego, w którym charakter modelki ujawniał się wcześniej w zupełnie innej, przeważnie lirycznej, figuratywnej tonacji. Poczucie siły emanujące z „Mony Lisy” jest organicznym połączeniem wewnętrznego spokoju i poczucia osobistej wolności, duchowej harmonii osoby opartej na świadomości własnego znaczenia. A sam jej uśmiech wcale nie wyraża wyższości czy pogardy; jest postrzegane jako wynik spokojnej pewności siebie i całkowitej samokontroli.”

Boris Vipper zwraca uwagę, że wspomniany brak brwi i ogolone czoło być może mimowolnie potęgują dziwną tajemniczość w jej wyrazie twarzy. O potędze obrazu pisze dalej: „Jeśli zadamy sobie pytanie, jaka jest wielka siła przyciągania Mony Lisy, jej naprawdę nieporównywalne działanie hipnotyczne, to odpowiedź może być tylko jedna – w jej duchowości. Najbardziej pomysłowe i najbardziej przeciwne interpretacje znalazły się w uśmiechu „La Giocondy”. Chcieli odczytać w nim dumę i czułość, zmysłowość i kokieterię, okrucieństwo i skromność. Błąd polegał po pierwsze na tym, że w obrazie Mony Lisy za wszelką cenę szukano indywidualnych, subiektywnych właściwości duchowych, podczas gdy nie ulega wątpliwości, że Leonardo dążył do duchowości typowej. Po drugie, co może nawet ważniejsze, próbowano przypisać duchowości Mony Lisy treść emocjonalną, podczas gdy w rzeczywistości ma ona korzenie intelektualne. Cud Mony Lisy polega właśnie na tym, że ona myśli; że stojąc przed pożółkłą, popękaną deską nieodparcie odczuwamy obecność istoty obdarzonej inteligencją, istoty, z którą możemy rozmawiać i od której możemy oczekiwać odpowiedzi.

Lazarev analizował to jako naukowiec zajmujący się sztuką: „Ten uśmiech jest nie tyle indywidualną cechą Mony Lisy, ile typową receptą na psychologiczną rewitalizację, formułą, która niczym czerwona nić przebiega przez wszystkie młodzieńcze obrazy Leonarda, formułą, która później stała się w rękach swoich uczniów i naśladowców, w tradycyjny znaczek. Podobnie jak proporcje postaci Leonarda, opiera się na najlepszych pomiarach matematycznych, przy ścisłym uwzględnieniu wartości wyrazistych poszczególnych części twarzy. A mimo to ten uśmiech jest absolutnie naturalny i na tym właśnie polega siła jego uroku. Zdejmuje z twarzy wszystko, co twarde, napięte i zamrożone, zamienia ją w zwierciadło niejasnych, nieokreślonych przeżyć emocjonalnych, w swojej nieuchwytnej lekkości można ją porównać jedynie do fali biegnącej po wodzie.

Jej analiza przyciągnęła uwagę nie tylko historyków sztuki, ale także psychologów. Zygmunt Freud pisze: „Kto wyobraża sobie obrazy Leonarda, kojarzy się z dziwnym, urzekającym i tajemniczym uśmiechem ukrytym na ustach jego kobiecych wizerunków. Uśmiech zamrożony na wydłużonych, drżących wargach stał się dla niego charakterystyczny i najczęściej nazywany jest „leonardowskim”. W szczególnie pięknym wyglądzie florenckiej Mony Lisy del Gioconda najbardziej urzeka i pogrąża widza w zamęcie. Ten uśmiech wymagał jednej interpretacji, ale znalazł wiele interpretacji, z których żadna nie była satysfakcjonująca. (...) Wśród wielu krytyków zrodziło się przypuszczenie, że w uśmiechu Mony Lisy połączyły się dwa różne elementy. Dlatego w wyrazie twarzy pięknej Florentynki dostrzegły najdoskonalszy obraz antagonizmu rządzącego życiem miłosnym kobiety, powściągliwości i uwodzenia, ofiarnej czułości i lekkomyślnie wymagającej zmysłowości, która pochłania mężczyznę jako coś obcego. (...) Leonardo w osobie Mony Lisy zdołał odtworzyć podwójne znaczenie jej uśmiechu, obietnicę bezgranicznej czułości i złowrogiej groźby.”

Kopia z XVI w. znajdująca się w Ermitażu w Petersburgu

Widza szczególnie fascynuje demoniczny urok tego uśmiechu. O tej kobiecie pisało setki poetów i pisarzy, która zdaje się uśmiechać się uwodzicielsko lub zamrożona, chłodno i bezdusznie patrzy w przestrzeń i nikt nie rozwikłał jej uśmiechu, nikt nie zinterpretował jej myśli. Wszystko, nawet krajobraz, jest tajemnicze, jak sen, drżące, jak przedburzowa mgła zmysłowości (Muter).

Dzieje malarstwa w czasach nowożytnych

W chwili jego śmierci w 1525 r. asystent (i być może kochanek) Leonarda imieniem Salai był w posiadaniu, zgodnie z wzmiankami w jego osobistych dokumentach, portretem kobiety o imieniu „La Gioconda” ( quadro de una dona aretata), który został mu przekazany przez nauczyciela. Salai pozostawił obraz swoim siostrom, które mieszkały w Mediolanie. Pozostaje tajemnicą, w jaki sposób w tym przypadku portret przedostał się z Mediolanu do Francji. Nie wiadomo też, kto i kiedy dokładnie obciął krawędzie obrazu z kolumnami, które według większości badaczy, na podstawie porównania z innymi portretami, istniały w wersji oryginalnej. W przeciwieństwie do innego wykadrowanego dzieła Leonarda - „Portret Ginevry Benci”, którego dolna część została przycięta, ponieważ została zniszczona przez wodę lub ogień, w tym przypadku przyczyny były najprawdopodobniej natury kompozycyjnej. Istnieje wersja, w której zrobił to sam Leonardo da Vinci.

Tłum w Luwrze w pobliżu obrazu, nasze dni

Uważa się, że król Franciszek I kupił obraz od spadkobierców Salaia (za 4000 ecu) i trzymał go w swoim zamku w Fontainebleau, gdzie pozostał do czasów Ludwika XIV. Ten ostatni przewiózł ją do Pałacu Wersalskiego, a po rewolucji francuskiej trafiła do Luwru. Napoleon powiesił portret w swojej sypialni w Pałacu Tuileries, po czym wrócił do muzeum.

W czasie II wojny światowej ze względów bezpieczeństwa obraz przewieziono z Luwru do zamku Amboise (miejsca śmierci i pochówku Leonarda), następnie do opactwa Loc-Dieu, a na koniec do Muzeum Ingres w Montauban, skąd po zwycięstwie bezpiecznie wrócił na swoje miejsce.

Wandalizm

W 1956 r. dolna część obrazu uległa zniszczeniu, gdy zwiedzający oblał go kwasem. 30 grudnia tego samego roku młody Boliwijczyk Hugo Ungaza Villegas rzucił w nią kamieniem i uszkodził warstwę farby na łokciu (strata została później odnotowana). Następnie Mona Lisa została zabezpieczona kuloodpornym szkłem, które chroniło ją przed dalszymi poważnymi atakami. Mimo to w kwietniu 1974 roku kobieta, zdenerwowana polityką muzeum wobec osób niepełnosprawnych, podczas ekspozycji obrazu w Tokio próbowała spryskać czerwoną farbą z puszki, a 2 kwietnia 2009 roku Rosjanka, która nie otrzymała obywatelstwo francuskie, rzucił w szybę glinianym kubkiem. Oba te przypadki nie zaszkodziły obrazowi.

W sztuce

Kazimierz Malewicz. „Kompozycja z Mona Lisą”.

obraz:
  • Kazimierz Malewicz stworzył „Kompozycję z Moną Lisą” w 1914 roku.
  • W 1919 roku Dadaista Marcel Duchamp stworzył dzieło „L.H.O.O.Q.”, które stało się punktem zwrotnym dla kolejnych dzieł artystów. , będący reprodukcją słynnego płótna z narysowanymi wąsami.
  • Fernand Léger namalował „Mona Lisę z kluczami” w 1930 roku.
  • Rene Magritte w 1960 roku stworzył obraz „La Gioconda”, w którym nie ma Mony Lisy, ale jest okno.
  • Andy Warhol w 1963 i 1978 stworzył kompozycję „Cztery Mona Lisy” i „Trzydzieści są lepsze niż jeden Andy Warhol” (1963), „Mona Lisa (dwa razy)” ().
  • Salvador Dali namalował Autoportret jako Mona Lisa w 1964 roku.
  • Przedstawiciel sztuki figuratywnej

Z Za najcenniejszy obraz całej ludzkości uważa się dzieło Leonarda da Vinci „Mona Lisa”. Praca powstawała przez kilka lat, jest wyjątkowa. Obraz jest tak znany każdemu, tak głęboko wpisany w pamięć ludzi, że aż trudno uwierzyć, że kiedyś wyglądał inaczej.
Obraz był tak często kopiowany i wywarł tak silny (być może zbyt silny) wpływ na sztukę, że bardzo trudno jest na niego spojrzeć bezstronnym okiem, jednak uważne przyjrzenie się barwnym ilustracjom może prowadzić do zaskakujących odkryć nawet dla ci, którzy są zmęczeni lub myślą, że są zmęczeni, z „Mona Lisa”.
Można wyróżnić cztery główne pytania:
Geniusz twórcy obrazu, Leonarda da Vinci (1452-1519)
Doskonała technika wykonania, tajemnice wciąż nieodkryte
Aura tajemniczości kobiety (która pozowała)
Historia obrazu równie niesamowita jak kryminał.

P O geniuszu możemy mówić długo, lepiej przeczytać biografię na tej stronie. Obiektywnie, bez artystycznych spekulacji. Chociaż jego zdolności były jasne, najważniejsza była jego ogromna zdolność do pracy i chęć zrozumienia otaczającego go świata. Leonardo studiował tematy uważane wówczas za obowiązkowe dla artysty: matematykę, perspektywę, geometrię oraz wszystkie nauki polegające na obserwacji i badaniu środowiska naturalnego. Zaczął także studiować architekturę i rzeźbę. Po ukończeniu studiów rozpoczął karierę jako malarz portretów i obrazów religijnych, otrzymując zamówienia od zamożnych obywateli lub klasztorów. Przez całe życie rozwijał swoje talenty techniczne i artystyczne. Niezwykła umiejętność radzenia sobie z każdym tematem i w każdej dziedzinie życia, powinna być bardziej znana jako utalentowany inżynier niż jako malarz, ale zaskoczył nawet wszystkich swoich współczesnych, a także swoją zachłanną ciekawość, z jaką nieustannie studiował przyrodę zjawiska: „Skąd bierze się mocz?” ...i to pomimo tego, że jego techniczne eksperymenty malarskie nie zawsze kończyły się sukcesem.

Doskonała technika wykonania Mona Lisy

D A la Leonardo da Vinci, poszukiwanie doskonałości to prawdziwa obsesja. W swoich notatkach, w których prześwieca chęć osiągnięcia doskonałości, zapisał: „Powiedz mi, czy ktoś mi powie, czy ktoś coś dokończył do końca?”

Praca została wykonana na cienkiej desce z topoli, która obecnie jest wyjątkowo delikatna. Dlatego też praca przechowywana jest za szklaną witryną o określonych parametrach temperatury i wilgotności. Mona Lisa to portret idealny, dzięki subtelnym efektom świetlnym na twarzy i przemyślanemu pejzażowi (kolorystyka, perspektywa krajobrazu połączona z niebem) w tle obrazu. I najtrudniejsze modelowanie twarzy, które okazało się zaskakująco realistyczne.
Leonardo z niesamowitą cierpliwością i wirtuozerią wykonywał malowanie wielowarstwowe: po przygotowaniu drewnianego panelu z kilkoma warstwami powłoki (już wtedy było wiele sposobów gruntowania drewna), najpierw pomalował całą kompozycję, tło, a następnie cienkimi warstwami zostały zastosowane (olej z terpentyną, co dało mu możliwość pracy na transparentnych poziomach kolorów). Umożliwiło to nieskończoną rekonstrukcję twarzy warstwa po warstwie, a poza tym w niektórych miejscach umiejętne wzmocnienie lub zmniejszenie efektów światła, przezroczystości i cieni na twarzy. Leonardo nazwał tę metodę sfumato („sfumato”), inną, bardziej nam znaną nazwą, glazurą. Glazura to nazwa nadana cienkim, przezroczystym i półprzezroczystym warstwom farb olejnych i innych nakładanych na inne dobrze wyschnięte podobne farby, aby nadać im pożądany intensywny i przezroczysty odcień. Po prostu nie da się określić, ile glazury nałożono. Ta technika pozwoliła uzyskać niesamowitą imitację mięsa. Stopniowe przejście ludzkiego ciała w ciemność również odgrywa rolę. Jej tło też wyszło pięknie. Wszystkie szczegóły są tu niezwykle dokładne, a szczyty górskie i woda: kości i krew ziemi – przywołują romantyczne wyobrażenia o ziemi dzień po dniu stworzenia.
W późniejszym życiu Leonardo rzeczywiście słynął z oczywistego talentu do naśladowania natury, do doskonalenia natury, a gdy jego pierwszy biograf, malarz Vasari, opisywał Mona Lisę, kładł przede wszystkim nacisk na realizm dzieła : „Jej przezroczyste oczy błyszczały życiem: otoczone czerwonawymi i sinymi odcieniami, ograniczały je rzęsy, których wykonanie wymagało największej delikatności”. Rzęsy są wykonane, miejscami grubsze lub rzadsze, co sugeruje, że nie mogły być bardziej naturalne. Nos ze szczegółowymi, cienkimi, różowymi nozdrzami z pewnością wydaje się żywy. [...] W okolicy gardła uważny obserwator może wychwycić pulsowanie żył. Jeśli chodzi o kolorystykę twarzy, to karmazynowe odcienie, o których wspomniał Vasari, są teraz całkowicie niewidoczne. Ciemny lakier zmienił relację kolorów i stworzył niewyraźny efekt podwodny, który wciąż potęguje słabe światło wpadające na obraz z okien sufitowych Wielkiej Galerii w Luwrze. Co więcej, w naszych czasach „Mona Lisa” nie wygląda tak samo (w kompozycji) jak wtedy, gdy wyszedł z rąk Leonarda. Kiedyś po lewej i prawej stronie obrazu namalowano niskie kolumny, teraz ucięte. Patrząc na nie, stało się jasne, że dama siedziała na balkonie, a nie na wszystko zawieszone w powietrzu, jak się czasem wydaje. Zmiany te są jednak bardziej irytujące niż tragiczne: arcydzieło się zachowało i należy się cieszyć, że jest w tak doskonałym stanie.
Dzięki „sfumato” Leonardo był w stanie osiągnąć jeden ze swoich głównych celów artystycznych, którym była przede wszystkim indywidualność swojego modelu: „Dobry malarz charakteryzuje się zasadniczo dwiema rzeczami: indywidualnością i punktem widzenia” – powiedział Leonardo. Rysowanie najpierw duszy, a nie ciała, jest bowiem głównym celem jego twórczości, a „sfumato” podkreśla tajemnicę dzieła: „ten, kto zanurza rzeczy w świetle, musi je zanurzyć w nieskończoności”.
Istotnym pytaniem jest tutaj, na ile obraz jest realistyczny w stosunku do modela. W chwili obecnej nie można stwierdzić, czy jest to kopia istniejącej kobiety, czy Leonardo da Vinci wyidealizował portret, czy też całkowicie przedstawił typ kobiety uniwersalnej.
Mona Lisa nie była, jak wielu uważa, ideałem piękna dla Leonarda: jego ideał można raczej dostrzec w aniele z Madonny na Skałach. Jednak Leonardo z pewnością uważa Monę Lisę za osobę wyjątkową: wywarła na nim tak silne wrażenie, że odmówił innych lukratywnych ofert i przez trzy lata pracował nad jej portretem. Portret odzwierciedlał wyjątkowy charakter człowieka.

Tajemnica tożsamości modelki

Z fałszywie zidentyfikować osobę przedstawioną na portrecie. Istnieje kilka kontrowersyjnych opinii na temat tego, co znajduje się na portrecie:
Izabela z Este (jest na niej zdjęcie)
Pani Giuliano di Medici
Po prostu idealna kobieta
Młody mężczyzna w kobiecym ubraniu
Autoportret

W 1517 roku kardynał Ludwik Aragoński odwiedził Leonarda w jego posiadłości. Opis tej wizyty sporządził sekretarz kardynała Antonio de Beatis: „10 października 1517 roku prałat i jemu podobni odwiedzili jedną z odległych części Amboise Messer Leonardo da Vinci, Florentczyk, siwobrody staruszek, ponad siedemdziesięcioletni, najznakomitszy artysta naszych czasów, pokazał Jego Ekscelencji trzy obrazy: jeden przedstawiający florencką damę, namalowany z życia na zlecenie brata Wawrzyńca Wspaniałego Giuliana de Medici, drugi przedstawiający św. Jana Chrzciciela w młodości i trzecia Św.Anny z Marią i Dzieciątkiem Jezus, wszystkie niezwykle piękne.Mistrz, ze względu na paraliż prawej ręki, nie mógł już oczekiwać nowych dobrych uczynków. ” Pierwszym określeniem tożsamości portretu Mony Lisy, „pewnej florenckiej damy”, zdaniem większości badaczy, jest „Mona Lisa”. Możliwe jednak, że był to kolejny portret, z którego nie zachowały się żadne dowody ani kopie. Giuliano de' Medici nie miał nic wspólnego z Mona Lisą. Jest jednak prawdopodobne, że sekretarz przeciążony pracą i wrażeniami przez zaniedbanie porzucił imię Medyceuszy.

W dalszej części drugiej wypowiedzi Visariego napisał, że Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była trzecią żoną florenckiego bogacza imieniem Francesco di Bartolomeo del Giocondo (skąd wzięła się druga nazwa obrazu „Giocondo”).
Wiemy, że wyszła za del Giocondo w 1495 roku, ale tak naprawdę nie mamy dowodów na to, że mogła być kochanką Medyceuszy. Kiedy Mona Lisa po raz pierwszy zaczęła pozować dla Leonarda, miała około dwudziestu czterech lat – według ówczesnych standardów zbliżała się do wieku średniego. Portret się udał – według Vasariego był „dokładną kopią natury”. Ale Leonardo przekroczył możliwości portretu i uczynił ze swojego modela nie tylko kobietę, ale Kobietę przez duże W. Jednostka i ogół łączą się tutaj w jedno. Pogląd artysty na Kobietę może nie pokrywać się z ogólnie przyjętymi opiniami. Późniejsza anonimowa wypowiedź ustanawia precedens, że Mona Lisa jest portretem Francesco del Giocondo, czyli tzw. pojawiło się powiedzenie (pomysł), że jest to portret mężczyzny (później powstało wiele aktów, w których artyści próbowali improwizować zarówno z płcią żeńską, jak i męską).
Wreszcie w późniejszych wzmiankach, od około 1625 roku, zdaniem większości badaczy, portret zaczęto nazywać Giocondą.
Do dziś nie mamy jednoznacznych dowodów na tożsamość kobiety wskazanej przez Leonarda. Leonardo patrzy na swoją modelkę z niepokojącą obojętnością: Mona Lisa wydaje się jednocześnie zmysłowa i zimna, piękna – a nawet obrzydliwa. Obraz jest niewielki, ale sprawia wrażenie monumentalnego. Efekt ten osiąga się poprzez relację pomiędzy figurą a tłem. Monumentalność znacznie potęguje mieszane uczucie uroku i chłodu, jakie wywołuje Mona Lisa: od wieków ludzie patrzyli na nią z podziwem, zamętem i czymś bliskim grozy. Leonardo całkowicie uwolnił się od dowodów tożsamości i podobieństwa portretowego, którego portret został namalowany. Dla nas portret pozostaje arcydziełem Leonarda.

Kryminał oparty na historii Mony Lisy

M jeszcze długo byłaby znana jedynie znakomitym koneserom sztuk pięknych, gdyby nie wyjątkowa historia, która rozsławiła ją na całym świecie.
Mona Lisa zyskała światową sławę nie tylko dzięki walorom dzieła Leonarda, które robią wrażenie na miłośnikach sztuki i profesjonalistach, ale na długo pozostałaby tylko dla koneserów sztuki, gdyby jej historia nie była również wyjątkowa.
Od początku XVI wieku obraz nabyty przez Franciszka I bezpośrednio z rąk Leonarda da Vinci, po jego śmierci pozostawał w zbiorach królewskich. Od 1793 roku znajdował się w Centralnym Muzeum Sztuki w Luwrze. Mona Lisa zawsze pozostawała w Luwrze jako jeden z aktywów kolekcji narodowej. Badany był przez historyków, kopiowany przez malarzy, kopiowany często, jednak 21 sierpnia 1911 roku obraz został skradziony przez włoskiego malarza Vincenzo Peruggię, aby przywrócić go historycznej ojczyźnie.
Po przesłuchaniu przez policję wszystkich podejrzanych, malarza kubisty, poety Guillaume’a Apollinaire’a (tego dnia nawoływał do spalenia całego Luwru) i wielu innych, obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech. Został zbadany i poddany obróbce przez konserwatorów, a następnie zawieszony z honorami. Przez ten czas Mona Lisa nie schodziła z okładek gazet i magazynów na całym świecie.
Od tego czasu obraz stał się obiektem kultu i kultu jako arcydzieło światowej klasyki.
W XX wieku obraz prawie nigdy nie opuścił Luwru. W 1963 odwiedził USA, a w 1974 Japonię. Wyjazdy tylko ugruntowały jej sukces i sławę.

Nie ma chyba bardziej znanego obrazu na świecie niż. Jest popularny we wszystkich krajach, szeroko powielany jako rozpoznawalny i chwytliwy obraz. W swojej czterostuletniej historii „Mona Lisa” była zarówno znakiem towarowym, jak i ofiarą porwania, została wymieniona w piosence Nat King Coli, jej imię cytowano w dziesiątkach tysięcy drukowanych publikacji i filmów , a wyrażenie „uśmiech Mony Lisy” stało się frazą trwałą, wręcz banalną.

Historia powstania obrazu „Mona Lisa”


Uważa się, że obraz przedstawia portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca tekstylnego Del Giocondo. Czas powstania ok. 1503-1505. Stworzył wspaniałe płótno. Być może, gdyby obraz namalował inny mistrz, nie byłby owiany tak gęstą zasłoną tajemnicy.

To niewielkie dzieło sztuki o wymiarach 76,8 x 53 cm zostało namalowane farbą olejną na desce z drewna topolowego. Obraz znajduje się w mieście, gdzie ma specjalne pomieszczenie nazwane jego imieniem. Do miasta sprowadził go sam artysta, który przeniósł się tu pod patronatem króla Franciszka I.

Mity i spekulacje


Trzeba powiedzieć, że aura legendy i niezwykłości spowijała ten obraz dopiero od ponad 100 lat, a to za sprawą lekkiej ręki Théophile’a Gautiera, który pisał o uśmiechu Mony Lisy. Wcześniej współcześni podziwiali umiejętność artysty w przekazywaniu mimiki, wirtuozowskie wykonanie i dobór kolorów, żywotność i naturalność obrazu, ale nie widzieli w obrazie ukrytych znaków, podpowiedzi i zaszyfrowanych komunikatów.

W dzisiejszych czasach większość ludzi interesuje się słynną tajemnicą uśmiechu Mony Lisy. Jest tylko cieniem uśmiechu, lekkim ruchem kącików ust. Być może rozszyfrowanie uśmiechu zawarte jest w samym tytule obrazu – La Gioconda po włosku może oznaczać „wesoły”. Może przez te wszystkie stulecia Mona Lisa po prostu śmieje się z naszych prób rozwikłania jej tajemnicy?

Ten typ uśmiechu jest charakterystyczny dla wielu obrazów artysty, np. płótna przedstawiającego Jana Chrzciciela czy liczne Madonny (,).

Przez wiele lat przedmiotem zainteresowania była identyfikacja tożsamości prototypu, aż do momentu odnalezienia dokumentów potwierdzających realność istnienia prawdziwej Lisy Gherardini. Istnieją jednak twierdzenia, że ​​obraz jest zaszyfrowanym autoportretem da Vinci, który zawsze miał nieszablonowe skłonności, czy nawet wizerunkiem jego młodego ucznia i kochanka, zwanego Salai – Małym Diabłem. Za tym ostatnim założeniem przemawiają m.in. fakt, że to Salai okazał się spadkobiercą Leonarda i pierwszym właścicielem La Giocondy. Ponadto imię „Mona Lisa” może być anagramem słowa „Mon Salai” (moje Salai po francusku).

Wielkim zainteresowaniem teoretyków spiskowych i zwolenników poglądu, że da Vinci należał do wielu tajnych stowarzyszeń, jest tajemniczy krajobraz w tle. Przedstawia dziwny teren, który do dziś nie został dokładnie zidentyfikowany. Został namalowany, podobnie jak cały obraz, techniką sfumato, tyle że w innej kolorystyce, niebiesko-zielonkawej i asymetrycznej – prawa strona nie odpowiada lewej. Ponadto ostatnio pojawiły się zarzuty, że artysta zaszyfrował niektóre litery w oczach Giocondy i cyfry na wizerunku mostu.

Po prostu obraz lub arcydzieło


Nie ma sensu zaprzeczać wielkim walorom artystycznym tego obrazu. Jest to niekwestionowane arcydzieło renesansu i znaczące osiągnięcie w twórczości mistrza, nie bez powodu sam Leonardo wysoko cenił to dzieło i nie rozstawał się z nim przez wiele lat.

Większość ludzi przyjmuje masowy punkt widzenia i traktuje obraz jako obraz tajemniczy, arcydzieło przysłane nam z przeszłości przez jednego z najwybitniejszych i najbardziej utalentowanych mistrzów w historii sztuki. Mniejszość postrzega Mona Lisę jako obraz niezwykle piękny i utalentowany. Jego tajemnica polega jedynie na tym, że przypisujemy mu te cechy, które sami chcemy widzieć.

Na szczęście najbardziej ograniczoną grupę ludzi stanowią ci, którzy są oburzeni i zirytowani tym obrazem. Tak, to się zdarza, bo inaczej jak wytłumaczyć przynajmniej cztery przypadki wandalizmu, w wyniku których płótno jest teraz chronione grubą kuloodporną szybą.

Tak czy inaczej, „La Gioconda” nadal istnieje i zachwyca nowe pokolenia widzów swoim tajemniczym półuśmiechem i złożonymi nierozwiązanymi tajemnicami. Być może w przyszłości ktoś znajdzie odpowiedzi na istniejące pytania. Albo stworzy nowe legendy.

Mona Lisa. Kim ona jest? - artykuł

Mona Lisa. Kim ona jest?

Mona Lisa (znana również jako La Gioconda) to portret młodej kobiety namalowany przez włoskiego artystę Leonarda da Vinci około 1503 roku. Obraz jest jednym z najsłynniejszych dzieł malarstwa na świecie. Należy do renesansu. Wystawiony w Luwrze (Paryż, Francja).

Fabuła

Na żadnym innym obrazie Leonarda głębia i mgła atmosfery nie zostały oddane z taką perfekcją, jak w Mona Lisie. Ta perspektywa powietrzna jest prawdopodobnie najlepiej wykonana. Mona Lisa zyskała światową sławę nie tylko dzięki jakości dzieła Leonarda, które zachwyca zarówno artystycznych amatorów, jak i profesjonalistów. Obraz był badany przez historyków i kopiowany przez malarzy, ale przez długi czas byłby znany jedynie koneserom sztuki, gdyby nie jego wyjątkowa historia. W 1911 roku Mona Lisa została skradziona i dopiero trzy lata później, dzięki zbiegowi okoliczności, wróciła do muzeum. Przez ten czas Mona Lisa gościła na okładkach gazet i magazynów na całym świecie. Nic więc dziwnego, że Mona Lisa była kopiowana częściej niż jakikolwiek inny obraz. Od tego czasu obraz stał się obiektem kultu i kultu jako arcydzieło światowej klasyki.

Tajemnica modelu

Osoba przedstawiona na portrecie jest trudna do zidentyfikowania. Do dziś pojawiło się w tej sprawie wiele kontrowersyjnych, a czasem absurdalnych opinii:

  • Żona florenckiego kupca del Giocondo
  • Izabela z Este
  • Po prostu idealna kobieta
  • Młody mężczyzna w kobiecym ubraniu
  • Autoportret Leonarda

Tajemnica, która do dziś otacza nieznajomego, co roku przyciąga do Luwru miliony zwiedzających.

W 1517 roku kardynał Ludwik Aragoński odwiedził Leonarda w jego pracowni we Francji. Opis tej wizyty sporządził sekretarz kardynała Antonio de Beatis: „10 października 1517 roku prałat i jemu podobni, odwiedzając jedną z odległych części Amboise, odwiedzili Messire'a Leonarda da Vinci, Florentczyka, siwobrodego staruszek, ponad siedemdziesięcioletni, najwybitniejszy artysta naszych czasów. Pokazał Jego Ekscelencji trzy obrazy: jeden przedstawiający florencką damę, namalowany z życia na prośbę fr. Wawrzyńca Wspaniałego Giuliano de'Medici, drugi przedstawiający św. Jana Chrzciciela w młodości i trzeci przedstawiający św. Annę z Marią i Maryją Dzieciątko Jezus; wszystko niezwykle piękne. Od samego mistrza, gdyż jego prawa ręka była wówczas sparaliżowana, nie można było już oczekiwać nowych dobrych uczynków”.

Według niektórych badaczy „pewna florencka dama” oznacza „Mona Lisę”. Możliwe jednak, że był to kolejny portret, z którego nie zachowały się żadne dowody ani kopie, w związku z czym Giuliano Medici nie mógł mieć żadnego związku z Mona Lisą.

Według Giorgio Vasariego (1511-1574), autora biografii włoskich artystów, Mona Lisa (skrót od Madonna Lisa) była żoną florenckiego mężczyzny imieniem Francesco del Giocondo, którego portret Leonardo malował cztery lata, ale mimo to pozostawił po sobie ślad. niedokończony.

Vasari wyraża bardzo pochwalną opinię o jakości tego obrazu: „Każdy, kto chce zobaczyć, jak sztuka potrafi naśladować naturę, może to łatwo przekonać się na przykładzie głowy, ponieważ tutaj Leonardo odtworzył wszystkie szczegóły... Oczy są wypełnione blaskiem i wilgocią, jak żywi ludzie... Delikatny różowy nos wydaje się prawdziwy. Czerwony odcień ust harmonijnie komponuje się z kolorem jej twarzy... Nieważne, kto uważnie przyglądał się jej szyi, każdemu wydawało się, że jej puls bije...". Wyjaśnia także lekki uśmiech na jej twarzy: „Leonardo rzekomo zapraszał muzyków i klaunów, aby zabawiali damę, która znudziła się długim pozowaniem”.

Ta historia może być prawdziwa, ale najprawdopodobniej Vasari po prostu dodał ją do biografii Leonarda dla rozrywki czytelników. W opisie Vasariego znajduje się także dokładny opis brakujących na obrazie brwi. Ta niedokładność mogła powstać tylko wtedy, gdy autor opisał obraz z pamięci lub z opowieści innych osób. Obraz był dobrze znany miłośnikom sztuki, choć Leonardo w 1516 roku opuścił Włochy i udał się do Francji, zabierając obraz ze sobą. Według źródeł włoskich znajdował się on od tego czasu w kolekcji króla Francji Franciszka I, nie jest jednak jasne, kiedy i w jaki sposób go nabył oraz dlaczego Leonardo nie zwrócił go klientowi.

Urodzony w 1511 roku Vasari nie mógł zobaczyć Giocondy na własne oczy i zmuszony był odwołać się do informacji podanych przez anonimowego autora pierwszej biografii Leonarda. To on pisze o mało wpływowym handlarzu jedwabiem Francesco Giocondo, który zamówił u artysty portret swojej trzeciej żony Lisy. Wbrew słowom tego anonimowego współczesnego wielu badaczy nadal wątpi w możliwość namalowania Mony Lisy we Florencji (1500-1505). Wyrafinowana technika wskazuje na późniejsze powstanie obrazu. Poza tym w tym czasie Leonardo był tak zajęty pracą nad „Bitwą pod Anghiari”, że odmówił nawet księżnej Izabeli d’Este przyjęcia jej zamówienia. Czy prosty kupiec mógłby wówczas przekonać słynnego mistrza do namalowania portretu jego żony?

Co ciekawe, Vasari w swoim opisie podziwia talent Leonarda do przekazywania zjawisk fizycznych, a nie podobieństwo modela do obrazu. Wydaje się, że właśnie ta fizyczna cecha arcydzieła wywarła głębokie wrażenie na osobach odwiedzających pracownię artysty i dotarła do Vasariego prawie pięćdziesiąt lat później.

Kompozycja

Wnikliwa analiza kompozycji prowadzi do wniosku, że Leonardo nie dążył do stworzenia indywidualnego portretu. „Mona Lisa” stała się realizacją idei artysty wyrażonych w jego traktacie o malarstwie. Podejście Leonarda do swojej pracy zawsze było naukowe. Dlatego Mona Lisa, którą tworzył przez wiele lat, stała się obrazem pięknym, ale jednocześnie niedostępnym i nieczułym. Wydaje się jednocześnie zmysłowa i zimna. Pomimo tego, że wzrok Giacondy jest skierowany na nas, pomiędzy nami a nią powstała wizualna bariera – poręcz krzesła, pełniąca rolę przegrody. Taka koncepcja wyklucza możliwość intymnego dialogu, jak choćby na portrecie Balthazara Castiglione (wystawionym w Luwrze w Paryżu), namalowanym przez Rafaela około dziesięć lat później. Jednak nasz wzrok nieustannie powraca do jej rozświetlonej twarzy, otoczonej jakby ramą ciemnych włosów ukrytych pod przezroczystym welonem, cieniami na szyi i ciemnym, zadymionym pejzażem w tle. Na tle odległych gór postać sprawia wrażenie monumentalnej, choć format obrazu jest niewielki (77x53 cm). Ta monumentalność, właściwa wzniosłym istotom boskim, trzyma nas, zwykłych śmiertelników, na pełen szacunku dystans, a jednocześnie sprawia, że ​​bezskutecznie dążymy do tego, co nieosiągalne. Nie bez powodu Leonardo wybrał pozycję modelu, która jest bardzo podobna do pozycji Matki Boskiej na włoskim malarstwie z XV wieku. Dodatkowy dystans tworzy sztuczność, która wynika z nienagannego efektu sfumato (odmowa wyraźnych konturów na rzecz stworzenia wrażenia zwiewności). Należy założyć, że Leonardo faktycznie uwolnił się całkowicie od portretowego podobieństwa na rzecz tworzenia iluzji atmosfery i żywego, oddychającego ciała za pomocą samolotu, farb i pędzla. Dla nas Gioconda na zawsze pozostanie arcydziełem Leonarda.

Historia detektywistyczna Mona Lisy

Przez długi czas Mona Lisa byłaby znana jedynie koneserom sztuk pięknych, gdyby nie jej wyjątkowa historia, która rozsławiła ją na całym świecie.

Od początku XVI wieku obraz nabyty przez Franciszka I po śmierci Leonarda pozostawał w zbiorach królewskich. Od 1793 roku znajdował się w Centralnym Muzeum Sztuki w Luwrze. Mona Lisa zawsze pozostawała w Luwrze jako jeden ze skarbów kolekcji narodowej. 21 sierpnia 1911 roku obraz został skradziony przez pracownika Luwru, włoskiego mistrza luster Vincenzo Peruggii. Cel tego porwania nie jest jasny. Być może Perugia chciała przywrócić La Giocondę swojej historycznej ojczyźnie. Obraz odnaleziono dopiero dwa lata później we Włoszech. Co więcej, sprawcą był sam złodziej, który odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował sprzedaż Mony Lisy. Wreszcie 1 stycznia 1914 roku obraz powrócił do Francji.

W XX wieku obraz prawie nigdy nie opuścił Luwru, odwiedzając USA w 1963 i Japonię w 1974. Wyjazdy tylko ugruntowały sukces i sławę filmu.

Na podstawie materiałów Wikipedii