Hieronima Boscha (1450-1516) można uważać za prekursora surrealizmu, dlatego w jego umyśle narodziły się dziwne stworzenia. Jego malarstwo jest odzwierciedleniem średniowiecznych tajemnych doktryn ezoterycznych: alchemii, astrologii, czarnej magii. Jak nie wpadł w ogień Inkwizycji, który za jego czasów zyskał cała siła szczególnie w Hiszpanii? Fanatyzm religijny był szczególnie silny wśród mieszkańców tego kraju. I jeszcze większość jego praca znajduje się w Hiszpanii. Większość dzieł nie ma dat, a sam malarz nie nadał im imion. Nikt nie zna tytułu obrazu Boscha „Ogród ziemskie przyjemności”, którego zdjęcie prezentujemy tutaj, autorstwa samego artysty.
Klienci
Oprócz klientów w kraju, głęboko religijny artysta miał także wysoko postawionych wielbicieli swoich dzieł. Za granicą co najmniej trzy obrazy znajdowały się w kolekcji weneckiego kardynała Domenico Grimaniego. W 1504 roku król Kastylii Filip Przystojny zlecił mu wykonanie dzieła „Sąd Boga zasiadającego w raju i piekle”. W 1516 roku jego siostra Małgorzata Austriaczka – „Kuszenie św. Antoni.” Współcześni wierzyli, że malarz podał rozważną interpretację piekła lub satyrę na wszystko, co grzeszne. Siedem głównych tryptyków, dzięki którym otrzymał pośmiertna sława zachowane w wielu muzeach na całym świecie. W Prado znajduje się obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”. Dzieło to ma niesamowitą liczbę interpretacji przez historyków sztuki. Ile osób - tyle opinii.
Fabuła
Ktoś myśli, że obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich” - pracować wcześnie, ktoś - późno. Badając dębowe panele, na których jest on zapisany, można go datować na okres około 1480-1490. W Prado pod tryptykiem widnieje data 1500-1505.
Pierwszymi właścicielami dzieła byli członkowie rodu Nassau (Niemcy). Dzięki temu wróciła do Holandii. W ich pałacu w Brukseli widział ją pierwszy biograf Boscha, który podróżował w orszaku kardynała Ludwika Aragońskiego w 1517 roku. Pozostawił szczegółowy opis tryptyku, który nie pozostawia wątpliwości, że przed nim rzeczywiście znajdował się obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”.
Odziedziczył go syn Williama René de Chalon, następnie przeszedł w ręce w czasie wojny we Flandrii. Co więcej, książę zostawił ją swojemu Nieślubnym synem Don Fernando, przełożony Zakonu Świętego Jana. Kupił go hiszpański król Filip II, nazywany Mądrym, i wysłał do klasztoru Escorial w 1593 roku. Czyli prawie do pałacu królewskiego.
Praca opisywana jest jako malowanie na drewnie z dwoma skrzydłami. Bosch napisał ogromny obraz - „Ogród rozkoszy ziemskich”. Wymiary obrazu: panel centralny – 220 x 194 cm, panele boczne – 220 x 97,5 cm Dał go hiszpański teolog José de Siguenza szczegółowy opis i interpretacja. Już wtedy uznawano je za najbardziej pomysłowe i wymagające dzieło, jakie można sobie wyobrazić. W inwentarzu z 1700 r. nosi tytuł „Stworzenie świata”. W 1857 roku pojawia się jego obecna nazwa – „Ogród Rozkoszy Ziemskich”. W 1939 roku płótno przekazano do Prado w celu renowacji. Tam ten obraz stoi do dziś.
Zamknięty tryptyk
Zamknięte drzwi przedstawiają kulę ziemską w przezroczystej kuli, symbolizującej kruchość Wszechświata. Nie ma na nim ludzi ani zwierząt.
Pomalowany na szaro, biało i czarno, oznacza, że nie ma jeszcze słońca ani księżyca i tworzy ostry kontrast z jasny świat po otwarciu tryptyku. To jest trzeci dzień stworzenia. Liczba 3 została uznana za kompletną i doskonałą, ponieważ zawiera zarówno początek, jak i koniec. Kiedy skrzydła są zamknięte, jest to jedność, czyli absolutna doskonałość. W lewym górnym rogu wizerunek Boga z tiarą i Biblią na kolanach. U góry można przeczytać łacińskie zdanie z Psalmu 33, które w tłumaczeniu oznacza: „Powiedział i stało się. On rozkazał i wszystko zostało stworzone. Inne interpretacje przedstawiają nam Ziemię po potopie.
Otwarcie tryptyku
Malarz daje nam trzy dary. Lewy panel - obraz Raju ostatni dzień stworzenia z Adamem i Ewą. Centralną część stanowi szaleństwo wszelkich cielesnych przyjemności, które świadczą o utracie łaski. Po prawej stronie widz widzi piekło, apokaliptyczne i okrutne, w którym człowiek jest na zawsze skazany na grzechy.
Lewy panel: Ogród Edenu
Przed nami Niebo na ziemi. Nie jest to jednak zjawisko typowe i jednoznaczne. W centrum z jakiegoś powodu Bóg objawia się w postaci Jezusa Chrystusa. Trzyma za rękę Ewę, klęczącą przed leżącym Adamem.
Ówcześni teolodzy gorąco spierali się na temat tego, czy kobieta ma duszę. Tworząc człowieka, Bóg tchnął duszę w Adama, ale nie zostało to powiedziane po stworzeniu Ewy. Dlatego takie milczenie pozwoliło wielu uwierzyć, że kobieta w ogóle nie ma duszy. Jeśli mężczyzna może jeszcze oprzeć się grzechowi, który wypełnia jego środkową część, nic nie powstrzyma kobiety od grzechu: nie ma ona duszy i jest pełna diabelskich pokus. Będzie to jedno z przejść z raju do grzechu. Grzechy kobiet: owady i gady pełzające po ziemi, a także płazy i ryby pływające w wodzie. Człowiek też nie jest bezgrzeszny – jego grzeszne myśli latają jak czarne ptaki, owady i nietoperze.
Raj i śmierć
Pośrodku znajduje się fontanna przypominająca różowy fallus, a w niej siedzi sowa, która służy złu i symbolizuje tu nie mądrość, ale głupotę i duchową ślepotę oraz bezwzględność wszystkiego, co ziemskie. Ponadto bestiariusz Boscha jest pełen drapieżników pożerających swoją ofiarę. Czy jest to możliwe w Raju, gdzie wszyscy żyją spokojnie i nie znają śmierci?
Drzewa w raju
Drzewo dobra, znajdujące się obok Adama, oplecione jest winogronami, które symbolizują cielesne przyjemności. Drzewo zakazany owoc owinięty wokół węża. W Edenie wszystko jest dostępne, aby rozpocząć grzeszne życie na Ziemi.
skrzydło centralne
Tutaj ludzkość, ulegając pożądaniu, idzie prosto na zagładę. Przestrzeń wypełniona jest szaleństwem, które ogarnęło cały świat. To są pogańskie orgie. Oto pokaz seksu we wszystkich formach. Epizody erotyczne współistnieją ze scenami hetero- i homoseksualnymi. Są też onaniści. Relacje seksualne między ludźmi, zwierzętami i roślinami.
Owoce i jagody
Wszystkie jagody i owoce (wiśnie, maliny, winogrona i „truskawki” - jasna współczesna konotacja), zrozumiałe dla średniowiecznego człowieka, są oznakami przyjemności seksualnych. Jednocześnie owoce te symbolizują przemijalność, ponieważ po kilku dniach gniją. Nawet rudzik po lewej stronie symbolizuje niemoralność i deprawację.
Dziwne przezroczyste i nieprzezroczyste naczynia
Wyraźnie zaczerpnięto je z alchemii i wyglądają zarówno jak bąbelki, jak i półkule. Są to pułapki na osobę, z których nigdy się nie wydostanie.
Stawy i rzeki
Okrągły staw pośrodku jest w większości wypełniony postacie kobiece. Wokół niego, w cyklu namiętności, przemieszcza się kawalkada jeźdźców na zwierzętach zaczerpniętych z bestiariusza (lamparty, pantery, lwy, niedźwiedzie, jednorożce, jelenie, osły, gryfy), które interpretowane są jako symbole pożądania. Dalej jest staw z niebieską kulą, w którym jest miejsce na nieprzyzwoite działania pożądliwych postaci.
A to nie wszystko, co przedstawia Hieronim Bosch. Ogród rozkoszy ziemskich to obraz, który nie ukazuje rozwiniętych genitaliów mężczyzny i kobiety. Być może malarz próbował w ten sposób podkreślić, że cała ludzkość jest jedna i uwikłana w grzech.
To jest dalekie od Pełny opis panel środkowy. Bo można opisać 4 rzeki Raju i 2 Mezopotamii oraz brak chorób, śmierci, starców, dzieci i Ewy w lewym dolnym rogu, która uległa pokusie, a teraz ludzie chodzą nago i nie czują wstydu.
kolorowanie
Dominuje zieleń. Stał się symbolem dobroci, niebieski reprezentuje ziemię i jej przyjemności (jedzenie niebieskich jagód i owoców, zabawę błękitne wody). Czerwień jak zawsze to pasja. Boski róż staje się źródłem życia.
Prawe skrzydło: muzyczne piekło
Górna część prawego tryptyku utrzymana jest w ciemnej kolorystyce kontrastującej z dwoma poprzednimi skrzydłami. Góra jest ponura, niepokojąca. Ciemność nocy przebijają błyski światła płomienia. Z płonących domów wydobywają się strumienie ognia. Od jego odbić woda staje się szkarłatna jak krew. Ogień wkrótce zniszczy wszystko. Wszędzie chaos i zamieszanie.
Część środkowa - otwarta skorupka jajka Z ludzka głowa. Patrzy bezpośrednio na widza. Na głowie znajduje się dysk z tańczącymi przy dudach grzesznymi duszami. Wewnątrz człowieka-drzewa znajdują się dusze społeczności czarownic i demonów.
Przed Państwem fragment obrazu Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich”. Powody, dla których jest ich wiele w piekle instrumenty muzyczne, są czyste. Muzyka to niepoważna, grzeszna rozrywka, która popycha ludzi do cielesnych przyjemności. Dlatego instrumenty muzyczne stały się jednym grzesznikiem ukrzyżowanym na harfie, nuty spalono na pośladkach drugiego rozżarzonym żelazem, trzeciego przywiązano do lutni.
Nie zapomina się o żarłokach. Potwór z głową ptaka pożera żarłoków.
Świnia nie pozostawia bezbronnego człowieka ze swoją obsesją.
I. Niewyczerpana fantazja Boscha daje wielka ilość kara za ziemskie grzechy. To nie przypadek, że Bosch przywiązuje dużą wagę do piekła. W średniowieczu, aby zapanować nad trzodą, wzmacniano, a raczej urastano do niewiarygodnych rozmiarów postać diabła. Piekło i diabeł rządziły światem niepodzielnie i tylko apel do ministrów kościoła, oczywiście, o pieniądze, mógł ich przed nimi uratować. Im straszniejsze są przedstawione grzechy, tym więcej pieniędzy zdobyć kościół.
Sam Jezus nie mógł sobie nawet wyobrazić, że jakiś anioł zamieni się w potwora, a Kościół zamiast śpiewać miłość i dobroć bliźniemu, będzie niezwykle wymownie mówił jedynie o grzechach. A im lepszy kaznodzieja, tym bardziej jego kazania mówią o nieuniknionych karach czekających grzesznika.
Pisał z wielkim wstrętem do grzechu Hieronima Boscha„Ogród rozkoszy ziemskich” Opis zdjęcia znajduje się powyżej. Jest to bardzo skromne, ponieważ żadne pojedyncze badanie nie jest w stanie w pełni ujawnić wszystkich obrazów. Ta praca wymaga po prostu głębokiej refleksji. Obraz Boscha „Ogród rozkoszy ziemskich” Wysoka jakość pozwala zobaczyć wszystkie szczegóły. Hieronim Bosch nie pozostawił nam zbyt wielu swoich dzieł. To w sumie 25 obrazów i 8 rysunków. Niewątpliwie największe dzieła które napisał Bosch, arcydziełami są:
- „Wózek z sianem”, Madryt, El Escorial.
- Ukrzyżowany Męczennik, Pałac Dożów w Wenecji.
- „Ogród rozkoszy ziemskich”, Madryt, Prado.
- „Sąd Ostateczny”, Wiedeń.
- „Święci Pustelnicy”, Pałac Dożów, Wenecja.
- „Kuszenie św. Antoniego”, Lizbona.
- „Pokłon Trzech Króli”, Madryt, Prado.
Są to wszystkie duże tryptyki ołtarzowe. W naszych czasach ich symbolika nie zawsze jest jasna, ale współcześni Boscha czytają je jak otwartą księgę.
„Ogród rozkoszy ziemskich” słynny tryptyk Hieronima Boscha, którego nazwa wzięła się od tematu części centralnej, poświęcona jest grzechowi zmysłowości – Luxurii.
Hieronymus Bosch (ok. 1460 -1516) Ogród rozkoszy ziemskich (tryptyk) Około 1500 r., Muzeum Prado, Madryt, Hiszpania. (wysoka rozdzielczość)
Oryginalny tytuł tego dzieła Boscha nie jest znany na pewno. Naukowcy nazwali tryptyk „Ogrodem rozkoszy ziemskich”. W zasadzie żadnej z dostępnych dziś interpretacji obrazu nie uważa się za jedyną słuszną. Większość teorii na temat znaczenia obrazu rozwinęła się w XX wieku.
Hieronima Boscha. Ogród rozkoszy ziemskich. Prawica. Piekło muzyczne (fragment)
Jednak za ogromną liczbą badań poświęconych „Ogrodowi rozkoszy ziemskich” zaskakujące jest to, że tajemniczy fragment zapis nutowy, odciśnięty na pośladku jednego z grzeszników, zwrócił na siebie uwagę całkiem niedawno, a nie profesjonalistów.
Hieronima Boscha. Ogród rozkoszy ziemskich. Prawica. Tajemniczy fragment zapisu muzycznego
Amerykańska studentka Amelia Hamrick w 2010 roku zainteresowała się przedstawionym fragmentem melodii, „na kolanie” przetłumaczyła go „według zasad współczesnej notacji muzycznej, przyjmując, że tonacja głosu dolnego to C-dur, jak to było w zwyczaju w średniowieczu chorały.”
Adekwatność dokonanej adaptacji budzi wątpliwości wśród specjalistów. Istnieje inna wersja tego fragmentu muzycznego, wykonana w 2003 roku przez szwedzki zespół Vox Vulgaris.
Ale jak sami piszą:
- „...szansa, że nasza wersja choć w przybliżeniu zbliży się do tego, jak mogła brzmieć w średniowieczu, jest znikomo mała. Nie szukamy żadnych prawd historycznych, a niektórych z nich nie da się odnaleźć, nawet jeśli w ogóle istnieją.
Hieronima Boscha. Ogród rozkoszy ziemskich. Prawica. Instrumenty muzyczne
I na koniec trzecia wersja „piosenki z piekła rodem”, wykonana przez przyjaciela Amelii Hamrick, Williama Esenzo, w „chóralnej” aranżacji:
Ale w końcu treść przesłanie muzyczne Hieronima Boscha w „Ogrodzie rozkoszy ziemskich” wciąż pozostaje tajemnicą.
Sztuka Holandii w XV i XVI wieku
Prawe skrzydło tryptyku „Ogród rozkoszy ziemskich” otrzymało nazwę „Muzyczne piekło” ze względu na wizerunki narzędzi używanych jako narzędzia tortur i innych w dziwny sposób: jeden grzesznik zostaje ukrzyżowany na harfie, poniżej lutnia staje się narzędziem męki dla innego, podatnego „muzyka”, na którego pośladkach odciśnięte są nuty melodii. Wykonuje go chór przeklęte dusze prowadzony przez regenta - potwora o rybiej twarzy. Jeśli w środkowej części przedstawiony jest sen erotyczny, na prawym skrzydle przedstawiona jest koszmarna rzeczywistość. To najstraszniejsza wizja piekła: domy tutaj nie tylko płoną, ale eksplodują, oświetlając ciemne tło błyskami płomieni i sprawiając, że woda w jeziorze staje się szkarłatna jak krew. Na pierwszym planie królik ciągnie swoją ofiarę, przywiązany za łapy do słupa i krwawiący – to jeden z ulubionych motywów Boscha, ale tutaj krew z rozprutego żołądka nie płynie, lecz tryska, jakby pod wpływem ładunek prochowy. Ofiara staje się katem, ofiara staje się myśliwym i tak najlepiej można oddać chaos panujący w piekle, gdzie normalne relacje, jakie kiedyś istniały na świecie, ulegają odwróceniu, a najbardziej zwyczajne i nieszkodliwe przedmioty Życie codzienne, rosnące do potwornych rozmiarów, zamieniają się w narzędzia tortur. Można je porównać z gigantycznymi jagodami i ptakami w centralnej części tryptyku.
Za literackie źródło Piekła muzyków Boscha uważa się dzieło „Wizja Tundal”, opublikowane w „s-Hertogenbosch w 1484 r., które szczegółowo opisuje mistyczną wizytę autora w niebie i piekle, skąd najwyraźniej pochodzi obraz nadchodzi pokryty lodem staw, po którym grzesznicy zmuszeni są niezmiennie ślizgać się na chwiejnych sankach lub łyżwach. Na zamarzniętym jeziorze w środkowym ujęciu kolejny grzesznik balansuje niepewnie na ogromnej łyżwie, ale niesie go prosto na połynię, gdzie już brnie. Lodowata woda kolejny grzesznik. Obrazy te inspirowane są starym holenderskim przysłowiem, którego znaczenie jest podobne do naszego wyrażenia „według cienki lód Nieco wyżej przedstawieni są ludzie, niczym muszki uciekające do światła latarni; po przeciwnej stronie w „oku” klucza od drzwi wisi „skazany na wieczną śmierć”.
Istnieje kilka interpretacji tego fantastyczny motyw: według niektórych jest to przejaw ludzkiej głuchoty na słowa Ewangelii „kto ma uszy, niechaj słucha”. Wyryta na ostrzu litera „M” oznacza albo znak rusznikarza, albo inicjał malarza, z jakiegoś powodu szczególnie nieprzyjemnego dla artysty (być może Jana Mostaerta), albo słowo „Mundus” („Pokój”), wskazujące na uniwersalny oznaczający rodzaj męski, symbolizowane przez ostrze, czyli imię Antychrysta, które zgodnie ze średniowiecznymi proroctwami zacznie się od tej litery. Dziwne stworzenie z głową ptaka i dużą przeźroczystą bańką pochłania grzeszników, a następnie obala ich ciała w idealnie okrągłą szambo. Tam skąpiec zostaje skazany na wieczne wypróżnianie się złotymi monetami i drugi. widocznie żarłok - non stop wypluwa zjadane smakołyki. Motyw demona lub diabła siedzącego na wysokim krzesełku zapożyczony jest z tekstu „Wizja Tundal”, u stóp tronu szatana, obok piekielnych płomieni, czarny demon z oślimi uszami obejmuje nagą kobietę ropucha na piersi. Twarz kobiety odbija się w lustrze, przyklejona do pośladków innego, zielonego demona – taka jest zapłata dla tych, którzy ulegli grzechowi pychy. Na scenie Ada Bosch mówi o negatywnych konsekwencjach wpływu Księżyca i Wenus. Wystarczająco ważne miejsce w kompozycji zajmuje „człowiek-drzewo”. Bosch wykonał specjalny szkic tej figury, pokazując nam, że symbolem księżyca według artysty było jajko, drzewa i nietoperze. Rozpusta, morderstwo i pijaństwo karane są mękami. Planeta Wenus patronuje muzyce i muzykom. W piekle, z powodu niekorzystnego wpływu planety, dusze grzeszników są torturowane na lutni, harfie i organistrum.
W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia który chcesz otworzyć.
Muzyka na pośladkach
Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.
Fragment tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejsze dzieło Holenderski artysta nie ustąpiły od chwili jego powstania. Na prawym skrzydle tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma nadrukowane notatki na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przeniosła zapis z XVI wieku na współczesny i nagrała „pieśń piekielnego osła, która ma 500 lat”.
Naga Mona Lisa
Słynna „Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna”, została napisana przez mało znany artysta Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w kobiecą sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „ Stary rybak„. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane lewe ramię Starca).
Czy był wieloryb?
Hendrik van Antonissen „Scena na brzegu”.
Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynne morze. Lecz tylko Badanie rentgenowskie pokazywał, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu – w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzucone na brzeg.
Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.
Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Śniadanie na trawie” Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.
Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.
Kiedy Leonardo da Vinci napisał: „ Ostatnia Wieczerza”, przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunów. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie natychmiast zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo napisał od niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandta”, Nocna Straż", 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga” wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ cyfry zdawały się wystawać ciemne tło, nazywano ją „Nocną Strażą” i pod tą nazwą weszła do skarbnicy sztuki światowej.
I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalne malowanie w końcu okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji nie przekracza 14 godzin.
wywrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z zawieszeniem obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Obecnie najbardziej wiarygodna wersja głosi, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w wyniku małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta przedstawiony jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. Faktycznie, lewe ucho zostało uszkodzone.
obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek Las sosnowy", 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że dotknięcie niedźwiedzia nie wyjdzie mu tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savickiego.
Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „począwszy od pomysłu, a kończąc na wykonaniu, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza charakterystyczne dla Szyszkina.
Niewinna historia „Gothic”
Grant Wood, amerykański gotyk", 1930.
Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii. Malarstwo amerykańskie. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie nadawaliby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni w postaciach, które tak bardzo oburzyły mieszkańców Iowa.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć takiego szoku.
W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postać w oknie. Istnieje wersja, że w ten sposób Dali zemścił się na siostrze za jej książkę.
Danae o dwóch twarzach
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Na przykład strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która weszła romans u Zeusa przypominała twarz Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertiera Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta zamieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artysty bardzo ważny był kolor, wygoda pomieszczenia: wszystko musiało sugerować relaks. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojących żółtych tonach.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła sporo zębów. Oglądając powiększone fotografie arcydzieła Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Uśmiecha się tak bardzo właśnie z powodu tego, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.
Specjalizacja w kontroli twarzy
Paweł Fedotow, Swatanie majora, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wypuszczona przez kupieckich rodziców w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego wolność jest naga
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.
Według historyka sztuki Etienne Julie Delacroix namalował twarz kobiety słynnego paryskiego rewolucjonisty – praczki Anny-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu strażników. Artystka przedstawiła jej nagą klatkę piersiową. Według jego planu ma to być symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, jak zwykły człowiek, nie nosi gorsetu.
kwadrat niekwadratowy
Kazimierz Malewicz, „Czarny plac suprematystyczny", 1915.
W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.
Specjaliści Galeria Trietiakowska odnalazłem napis autora sławny obraz Malewicz. Napis głosi: „Bitwa Murzynów w Ciemna jaskinia„. To zdanie nawiązuje do nazwy zabawnego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.
Melodramat austriackiej Mony Lisy
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdynanda Blocha-Bauera. Omówiono cały Wiedeń burzliwy romans Adele i sławny artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić portret Adele dla Klimta i zlecić mu wykonanie setek szkiców, aż artysta zacznie z niej wychodzić.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka widziała, jak gasną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno ochłonęli wobec siebie. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.
Bardzo sławny obraz Gauguina ma jedną cechę: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w pazury w lewym dolnym rogu).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, dokąd artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka powlókł się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 r. Jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.
112 przysłów na jednym obrazku
Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559
Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Na namalowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walnij głową w mur”, „uzbrojony po zęby” czy „uzbrojony po zęby”. Duża ryba zjada małe.
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Subiektywność sztuki
Paul Gauguin, Wieś bretońska pod śniegiem”, 1894
Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod tytułem „ wodospad Niagara„. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami, gdy zobaczył na nim wodospad.
ukryty obraz
Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901
W 2008 roku podczerwień wykazała, że pod „Niebieskim pokojem” ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowe płótno za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna historyk sztuki Patricia Favero.
Niedostępne Marokanki
Zinaida Serebryakova, Nago, 1928
Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kusząca oferta- iść do twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Na ratunek przybył tłumacz Zinaidzie, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt wcześniej i później nie był w stanie uchwycić tego, co zamknięte Orientalne kobiety nagi.
Spontaniczny wgląd
Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900
Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ręce… I wtedy artysta przyszedł do głowy – oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepsze zdjęcie ostatni cesarz.
Znowu dwójka
© Fedor Reshetnikov
Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część trylogii artystycznej.
Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Wyraźnie zamożna rodzina ferie zimowe, radosna uczennica-świetna uczennica.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z obrzeży klasy robotniczej, szczyt roku szkolnego, tępy oszołom, który znów złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zostaje zmuszony do siedzenia cztery ściany i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obrazek „Znowu dwójka”.
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844
W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył tak przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim właśnie epizod z pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511
Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najbardziej znanych dzieł znane prace. Wierzą, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.
Ostatnia wieczerza Van Gogha
Vincent van Gogh, Nocny taras kawiarnia”, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że Café Terrace at Night Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci. W centrum zdjęcia kelner z długie włosy i w białej tunice, przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na krzyż, umieszczony bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.
Obraz pamięci Dali
Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Tak więc, zdaniem samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.
O czym krzyczy Munch
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch mówił o pojawieniu się swojego pomysłu jako jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: „Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym- czarny fiord i miasto – szli dalej moi przyjaciele, a ja stałam drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że pomysł „Krzyku” narodził się przez Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiła się duża ilość kurzu i popiołu Globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.
Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol wierzył, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Rafaela Santi”, szkoła ateńska", 1511.
Tworząc słynny fresk„Szkoła ateńska” Rafael uwieczniał na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życie osobiste Michał Anioł i współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Lustro Arnolfinich
Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434
W lustrze za Arnolfinis możesz zobaczyć odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Tu był Jan van Eyck”. W ten sposób najczęściej zawierano umowy.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba spowodowała, że artysta lepiej postrzegał rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować obraz 2D, to właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.
Przed nadejściem Narodzin Wenus obraz nagości kobiece ciało w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki tak uważają pogańska bogini miłość symbolizuje na fresku chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.
Lutniarz czy lutnista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnista, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie Caravaggio pozował jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na notatkach znajdujących się przed muzykiem nagranie partii basowej widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelt’a „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta raczej nie mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w epoce Caravaggia uważana była za instrument męski.