Formazione scolastica

Il ricorso all’estetica come teoria si trasforma quasi sempre in un forzato eurocentrismo. L'arte orientale, sebbene attiri molti ricercatori con il suo esotismo, in realtà non si adatta bene agli schemi generalmente accettati. La concezione offre la comprensione dei principi di base dell'estetica orientale.

Nascosto nel fogliame: cos'è l'estetica implicita?

A differenza dell'Occidente, le culture tradizionali dell'India e Lontano est non crearono teorie puramente filosofiche sulla bellezza o ragionamenti sull'essenza dell'arte: i loro trattati ebbero sempre un marcato carattere applicato. Per questo motivo l’estetica orientale sembra a molti una questione da critici d’arte, ma non da filosofi.

Sull'immagine: Rituale del saluto (fine XIX, inizio XX secolo)

Spesso un tale restringimento della prospettiva si combina con il fatto che ogni autore ha i propri attaccamenti culturali e storici, che non sono affatto sempre consapevoli. Anche le difficoltà di traduzione giocano un ruolo significativo.

Ma si può davvero dire che l’Oriente non abbia cercato di approfondire la questione della bellezza? Sembra di no. Innanzitutto, ciò è evidenziato da concetti e termini specifici che sono emersi all'interno di queste culture.

Ad esempio, in India o in Cina, il pensiero estetico è sempre stato un elemento significativo della cultura, che si è incarnato principalmente nelle discussioni sugli obiettivi dell’arte e nei trattati sull’artigianato. ovvero guide pratiche - ca. ed. ], pensati non solo per insegnare le tecniche, ma anche per dare una visione della propria materia.

Sull'immagine: Giocatori di polo anglo-indiani (fine XIX secolo)

Inoltre, un tratto caratteristico della filosofia indiana e delle scuole filosofiche cinesi è l'assenza di un atteggiamento cognitivo in quanto tale. Il primo è sempre stato incentrato su temi di salvezza e liberazione individuale, il secondo è stato strettamente intrecciato con la magia, l'esoterismo o con questioni socio-politiche.

Tuttavia, la classica dicotomia comparatistica Ovest/Est evidenzia nel modo più chiaro le specificità dell’approccio orientale all’attività teorico-estetica. Per l'Occidente, la conoscenza fine a se stessa diventa uno stato abituale già nell'antichità, ma in Oriente ogni conoscenza serve a qualcosa di più importante.

Ecco perché l'assenza dell'ontologia dell'arte nei sistemi filosofici orientali è solo una caratteristica specifica della loro estetica. Esistono essenzialmente due tipi di estetica. Può essere esplicito (esplicito), ad es. espresso in testi che chiedono cosa è bello e come è possibile l'arte. E può essere implicito (implicito) - come se fosse incorporato nelle risposte a domande più banali "a cosa serve l'arte?", "cosa dovrebbe essere?", "come farlo nel modo giusto?".

Sull'immagine: Santuario shintoista (probabilmente XVII-XIX secolo)

E si dà il caso che fin dall'antichità in Oriente siano esistite almeno due tradizioni originali di estetica implicita [ Cinese e indiano ca. ed. ], di cui parleremo. La differenza fondamentale tra queste tradizioni sarà che gli indiani metteranno la parola orale come base delle loro pratiche artistiche, mentre i cinesi metteranno un segno scritto, un geroglifico. Le conseguenze di questa scelta avranno un impatto diretto sia sulle pratiche artistiche stesse che sul modo in cui vengono interpretate.

Un po' in disparte da queste due tradizioni c'è l'estetica giapponese, sulla quale si diranno anche alcune parole. Il sentimento estetico permea profondamente l'intera vita dei giapponesi e questa non è solo una svolta letteraria. A differenza degli indiani, sono in gran parte indifferenti all’estetica della vita quotidiana [ ad eccezione di abbigliamento e gioielli... ca. ed. ] e i cinesi, che sono molto pragmatici nella vita di tutti i giorni, i giapponesi cercano di rendere tutto bello: dal design dei piatti ai tombini delle fogne.

Alla fine, la nostra guida si riduce a un dettagliato viaggio teorico e fattuale attraverso la storiografia estetica di tre culture che solitamente rappresentano l'Oriente in Occidente.

Discorso come arte: estetica indiana

Punto di riferimento per storia culturale L'India sono i Veda: raccolte di testi sacri sorti nel XIII secolo a.C. Per la maggior parte, i Veda consistono in inni, preghiere, incantesimi e canti rituali. Questo tradizione religiosa non richiedeva edifici religiosi o immagini speciali da parte dei credenti, ma regolava rigorosamente il discorso stesso rivolto agli dei.

Sull'immagine: Attori moderni del teatro indiano

Ogni parola, ogni lettera e suono, così come l'intonazione e il ritmo erano dotati di significato: l'essenza di parti di formule verbali, ora note a tutti come mantra. Inoltre, i testi vedici sono inerenti alto livello emotività, supportata dall'uso di molti epiteti e metafore nel descrivere gli dei.

Anche con l'avvento della scrittura, la cultura indiana continua a basarsi sulla trasmissione orale del testo. Col tempo, amore discorso orale delinea le tendenze verso la formulaicità e la concisione: l'uso frequente di ripetizioni, allitterazioni, paralleli semantici e ripetizioni. Da qui è facile dedurre la caratteristica fondamentale dell'estetica indiana: una grande attenzione alla parola con un uso minimo della visualità.

La filosofia vedica descrive questo mondo come un velo di maya, cioè l'illusione, e quindi l'interesse per il mondo materiale e materiale nella cultura indiana, è molto bassa. Architettura, scultura e pittura non sono più state considerate arte per molto tempo ed esistono come propaggini marginali della pittura decorativa.

Sull'immagine: Attori teatrali indiani (probabilmente fine del XIX secolo)

Le arti dominanti in tali condizioni sono la letteratura e il teatro, così come la musica, che è strettamente correlata alla voce. Allo stesso tempo, non conosciamo gli autori dei Veda, la parola esiste in forma anonima da molto tempo, oppure è attribuita a una certa figura leggendaria [ per aumentare il suo status ca. ed. ]. Fu solo nel I secolo d.C. che apparvero i primi esempi di paternità nella cultura indiana e, con lo scoppio dell'autocoscienza artistica, presto sarebbero emerse le prime teorie dell'arte.

Teatro tradizionale indiano si basava principalmente su leggende classiche conosciute da tutti. La parte principale dello spettacolo è stata occupata da canti e discorsi [ ha anche cantato - ca. ed. ], comprendeva anche danze, musica, numeri ginnici. La scenografia e gli oggetti di scena non sono stati praticamente utilizzati, il pubblico è stato aiutato a comprendere la trama da: 1) trucco e costume dell'attore, 2) pantomima e gesti condizionali, 3) descrizioni dettagliate dell'attore visto nel discorso.

Nel I secolo d.C. Il buddismo comincia a diffondersi in India: il suo appello all'individuo consentirà di fare il primo passo dalla narrativa tradizionale alla letteratura d'autore. Quindi apparirà kavya - un genere di dramma poetico, la cui forma originale è la biografia di un grande uomo. Tuttavia, pur rimanendo un testo recitato da attori, kavya implica una lettura individuale. Uno dei primi autori del genere sarà Ashvagosh , meglio conosciuto per La vita del Buddha e Il racconto di Shariputra.

L’evoluzione del pensiero estetico indiano non si fermerà qui. Già nel IV secolo l’“Istruzione dell’arte recitativa” o “ Natyashastra”, destinato a diventare un testo fondamentale per il teatro indiano, così come per la musica, la letteratura e l'arte della danza. Questo trattato è attribuito ad un asceta eremita di nome Bharata . Bharata non si chiede solo come distinguere una buona opera drammatica da una cattiva, ma offre anche una teoria che descrive il meccanismo dell'impatto dell'arte.

L'eremita indiano introduce il concetto di " gara» , Altrimenti « emozioni estetiche» e costruisce il suo insegnamento attorno all'idea delle 8 gare [il 9 verrà aggiunto in seguito - ca. aut . ]. Allo stesso tempo, elabora una classificazione delle forme teatrali e un canone secondo il quale dovrebbero essere create e valutate le opere teatrali, la musica e la danza. Ad esempio, il raga come forma musicale universale della musica indiana, così come il sistema musicale stesso (sargam), derivano in generale dalla dottrina delle razze.

Inizialmente, la teoria del rasa definisce quattro coppie di emozioni estetiche: amore - divertimento, tristezza - coraggio, rabbia - paura, disgusto - sorpresa. Successivamente fu aggiunta una nona razza: la pace. Il concetto di Bharata conserva una connessione con il misticismo religioso tradizionale, e quindi ogni razza ha il proprio colore e la propria divinità protettrice.

Sull'immagine: Porta settentrionale dello stupa a Sanhi (III secolo a.C.)

Ebbene, ne consegue abbastanza logicamente che il dramma indiano considera il raggiungimento di queste emozioni come l'obiettivo principale. Pertanto, a differenza della drammaturgia europea, qui i monologhi emotivi, i dialoghi e le danze sono in primo piano, e l'intrigo, la rilevanza sociale e l'espressione di sé dell'autore giocano un ruolo insignificante.

Nel tempo, sulla base di questa teoria, nascono principalmente trattati per altre arti shilpa-shastra per pittori, scultori e architetti. Come gli autori di Kavya, i maestri delle belle arti dovrebbero sforzarsi di creare un'opera che possa evocare le giuste emozioni - rasavant . Oltre al concetto di razza, questi trattati introducono altre due categorie: sadrishyam - somiglianza e pramanani - proporzioni. In altre parole, la pittura e l'architettura dei templi indiani sono davvero congelate nei colori e nella pietra, ma non nella musica, ma nel dramma.

Separatamente, vale la pena menzionare il classico sistema musicale indiano, che in Occidente ricevette il nome di "sargam" [ questo nome è composto dalla combinazione delle prime note - ca. ed . ]. Come il sistema occidentale, si basa su sette note, solitamente abbreviate in sa, ri, ga, ma, pa, dha, ni [ nomi completi delle note: saja, rishabh, gandhar, madhyam, pancham, dhaivat e nishad - nota dell'autore ].

Nel quadro: L'imperatore Akbar osserva Tansen mentre dà una lezione musicale a Swami Haridas (miniatura in stile Rajasthani)

Secondo i canoni del Natyashastra, le note corrispondono al rasa: ma e pa - divertimento e amore; sa e ri: coraggio, rabbia, sorpresa; Ga, Ni: tristezza; Dha: disgusto, paura. Queste sette note però non dividono la scala in parti uguali, inoltre, secondo la tradizione, non tutte le note possono avere diesis e bemolle - tivra E comal . La scala in questo sistema è divisa in 22 frammenti. I frammenti sono chiamati shruti - letteralmente "ciò che deve essere ascoltato". Il termine stesso è stato ampiamente utilizzato in scuole filosofiche India, e l'ottava assomiglia a questa: sa, komal ri, ri, komal ga, ga, ma, tivra ma, pa, komal dha, dha, komal ni, ni, sa (dell'ottava successiva), cioè il numero di shruti tra note diverse può essere diverso (da 2 a 5).

Tale idea del suono è direttamente correlata al tentativo di vedere in esso gli elementi psicofisici che corrispondono alla struttura corporea di una persona (esiste un canale per ciascuna delle 22 shruti nel corpo). Prima nota Sargam non è fisso, la sua altezza viene adattata di volta in volta allo strumento musicale o alla voce dell'esecutore.

La forma chiave della musica indiana è raga . Raga è costruito in modo molto simile a un mantra o a un recitativo religioso. Per prima cosa viene creata una formula di 5-7 note (taata), che viene poi riprodotta ripetutamente in un brano musicale. Tuttavia si può dire che quasi tutta la musica scritta in sargam può essere considerata un raga.

Sull'immagine: Ravi Shankar suona il sitar

In questo senso la parola raga viene utilizzata sia per descrivere il concetto etico ed estetico della musica indiana, sia per riferirsi alla forma classica. pezzo di musica. Oltre al raga, che è un modello melodico e compositivo, anche il tala gioca un ruolo importante, cioè. colorazione ritmica dell'opera.

Dal sanscrito, raga è tradotto come “dipingere”, “colorare” e anche “passione”. Questo significato sottolinea molto bene la natura di questa musica: non esiste senza un'esecuzione che trasmette lo stato dell'anima, le emozioni-rasa. E anche qui vale la pena notare la predominanza della parola parlata e la chiara enfasi sul tipo di espressione vocale. La musica puramente strumentale in India è un ramo marginale sottosviluppato che si è sviluppato solo nel XX secolo, grazie all'interesse e anche a una certa influenza dei musicisti occidentali.

Raga risulta essere non solo un modo per influenzare l'anima dell'ascoltatore, ma anche un certo tipo di comunicazione con l'Universo. Il suono per i pensatori indiani è una speciale materia spazio-temporale infinita - niente o substrato sonoro. Ha la capacità di armonizzare i corpi, le anime e il mondo. Pertanto il raga si basa sulla ripetizione e sull'ascolto, soprattutto se sono presenti più esecutori.

Sull'immagine: Probabilmente Gita Phogat - la prima lottatrice indiana (dipinto in stile Kalamkari)

In linea di principio, non ci sono conduttori, nessun conflitto interno [ forma classica europea concerto"essenzialmente conflitto, competizione... nota dell'autore ] o completo notazione musicale suono. La chiara influenza del raga con la sua improvvisazione si fa sentire in molte regioni vicine, ad esempio, in un fenomeno come l'orchestra gamelan.

L'estetica indiana continua ad evolversi, adattando la modernità al suo suono. E oggi la cultura e l'arte dell'India sono in gran parte associate alle emozioni e alla parola: al canto dei mantra e all'ascolto dei raga, ai canti e alle danze degli attori di Bollywood.

Nel mondo dei segni e dei simboli: l'estetica cinese

Il centro semantico delle pratiche artistiche cinesi, e quindi la loro concettualizzazione, è " attività trina ". Questo termine si riferisce a qualsiasi abilità associata alla scrittura di geroglifici, ad es. con pennello, inchiostro, carta e una combinazione di lettere. In altre parole, la cultura cinese non separa la calligrafia, la grafica e la versificazione in arti separate, considerandole ugualmente degne di rispetto. È questa dominante calligrafica che diventerà la chiave nei tentativi di creare la propria comprensione della natura della bellezza e dell'essenza dell'arte.

Pittura:

Ci sono diversi riferimenti ai leggendari maestri della calligrafia, che comprendevano a fondo la loro arte. Ma se ci rivolgiamo alle fonti sopravvissute, probabilmente uno dei primi tentativi di dare una teoria sulla creazione dei dipinti fu fatto da Gu Kaizhi, che visse nell'era della dinastia Jin (4-5 secolo d.C.).

Le sue opere, e forse quelle di altri artisti, furono riassunte nel V secolo da un ritrattista Xie He nel trattato “Note sulle categorie della pittura antica” (“Guhua pinlu”). In quest'opera, Xie He formula 6 leggi della pittura: luffa , e sviluppa anche un apparato concettuale dettagliato per interpretare queste leggi. Molti dei suoi termini, come ping (classe o categoria), F (legge, principio) chiun (ritmo spirituale) shengdong (movimento dal vivo), ecc. - diventeranno le categorie fondamentali per tutti i pittori successivi.

La fonte principale della teoria di Xie He sono probabilmente i primi concetti cosmologici della Cina, ad esempio il concetto di energia qi e i canoni dell'I Ching. Pertanto, considera la capacità di incarnare il movimento vivente del qi come base della bellezza dell'opera. Lo afferma la prima legge della pittura, che si traduce anche come “consonanza di energie in movimento vivente”.

Pittura: pittura tradizionale cinese

La seconda legge prescriveva l'uso del "metodo strutturale dell'uso del pennello". Questa esigenza coniuga nella maggior parte dei casi l'aspetto puramente tecnico con l'esigenza di espressività della linea di contorno. La terza legge "corrispondenza della forma alle cose reali" e la quarta legge "corrispondenza dei colori" si concentrano sull'affidabilità dell'immagine.

Come osserva Evgenia Zavadskaya, i pittori dell'epoca credevano che gli oggetti avessero un certo colore che non dipendeva dall'illuminazione e dai riflessi. Ciò ha determinato in gran parte il modo in cui utilizzano i colori nei loro dipinti. La quinta legge sulla composizione del rotolo è solo nominata, non sviluppata da Xie He, e la sesta legge richiede di seguire gli schemi e copiare gli antichi maestri.

Nell'VIII secolo d.C la comprensione dell'attività trina è fortemente influenzata dal concetto taoista Feng Lu - "vento e flusso". Ora il compito del maestro non è solo sentire la consonanza delle energie, ma anche la capacità di obbedirle - con spontaneità e naturalezza. In questo modo l'artista va oltre il proprio Sé e si fonde con il Tao.

Pittura

Il Tao è presentato come un flusso che combina armoniosamente “mille cose”, quindi è uno dei generi più popolari nella pittura Shan Shui - “monti e acque”. Shan Shui è un paesaggio tradizionale, che però non è creato dalla natura, ma dalla memoria. E l'obiettivo dell'artista non è copiare la realtà, ma concentrare i tratti caratteristici del raffigurato. Le montagne devono corrispondere all'inizio di "yang", cioè essere brillante, coraggioso, acqua - fino all'inizio di "yin", cioè essere oscuri, morbidi, femminili e insieme diventano un'immagine del flusso del Tao.

Vale la pena notare che il canone dell'arte cinese individua i generi di pittura in base all'oggetto dell'immagine, ignorandone il carattere. Pertanto, tra i generi della pittura cinese, si distinguono solitamente i seguenti:

"Montagne e Acque".

"Fiori e uccelli".

Pittura di bambù.

Pittura di animali.

Pittura di figura e ritrattistica.

Juaniano o "fiori e uccelli" - questo è anche un genere di pittura di paesaggio, in cui l'enfasi principale non è sulla credibilità e l'accuratezza, ma sul significato simbolico. Può essere riconosciuto come il più comune nella cultura cinese, motivo per cui huanyano grande influenza non solo arte applicata, ma anche poesia.

"Fiori e Uccelli" è una poesia visiva di allegorie e allusioni. In un certo numero di casi, l'artista potrebbe anche permettersi di rivolgersi non solo a temi eterni, ma anche rilevante. Quindi, ad esempio, un artista vissuto nel XIII secolo Qian Xuan ha creato un'immagine in cui le libellule che inondano il prato simboleggiano gli invasori mongoli.

Il canone definisce rigorosamente i significati delle piante raffigurate: peonia significa nobiltà e ricchezza, loto - purezza spirituale, che consente di superare le tentazioni, una combinazione di bambù, pino e prugna Meihua - forte amicizia. La prugna Meihua in fiore è diventata un simbolo di inflessibilità e nobile purezza. Artisti e poeti ammiravano la sua capacità di rimanere in vita anche nel gelo, così come una combinazione visiva di simboli yang e yin (i fiori sui rami di prugna sono yang, perché sono rosso vivo, e le radici che li nutrono sono terra-yin ).

Si diceva che Meihua combinasse la purezza del bambù con la durabilità del pino. Nel X secolo apparve il sottogenere "quattro fiori nobili" raffigurante orchidea, prugna selvatica della varietà Meihua, bambù e crisantemo, che trovò enorme popolarità. Le orchidee erano considerate un fiore di nobiltà nascosta, semplicità e purezza.

L'immagine del bambù era completamente separata in un genere separato, perché. le sue parti erano paragonate a geroglifici e scritte con tratti calligrafici. Il processo di pittura del bambù nel periodo Song veniva presentato agli artisti come un atto filosofico e mistico, ma a partire dal periodo Ming gli artisti si sono concentrati principalmente sugli aspetti tecnici.

Durante il periodo Yuan, l'immagine del bambù diventa un argomento insolitamente importante: il bambù simboleggia un nobile marito e studioso che non può essere piegato dalle avversità. Junzi - uno dei termini chiave del confucianesimo.

Per diverse migliaia di anni, pittori e calligrafi cinesi usarono solo inchiostro, ma nel XVIII secolo apparve anche la tradizione cinese della pittura a olio. Il suo creatore è stato Giuseppe Castiglione(1688 - 1766), monaco gesuita che divenne pittore di corte dell'imperatore Qianlong.

Dopo essere venuto in Cina come missionario, alla fine adottò questo nome Lan splendente da cui è noto fino ad oggi. Oltre alla pittura, Castiglione si occupò anche di architettura: sotto la sua supervisione fu costruito un palazzo in stile occidentale. Nel 1750 ricevette il grado di mandarino di terza classe, quindi nemmeno la persecuzione dei missionari cristiani lo toccò. Il suo lavoro ha generato non solo imitatori, ma ha anche restituito interesse a generi come “fiori e uccelli” e “pittura di figure” (cioè pittura di genere).

Come nella tradizione indiana, anche in Cina il concetto di bellezza e i requisiti dell’opera d’arte andranno progressivamente oltre i propri limiti. La tradizione estetica formatasi attorno all'attività trina sarà proiettata sulla letteratura, sulla musica, sulla danza e sulle forme popolari del teatro. E ogni volta, il requisito fondamentale di questo o quel canone sarà un genuino senso della “natura delle cose” e un'adeguata riflessione della “consonanza delle energie”.

La dominanza del segno e l'influenza di diversi sistemi filosofici hanno portato al fatto che il sistema musicale cinese è estremamente eterogeneo. Innanzitutto, non esiste un unico canone o comprensione della scala. I musicisti utilizzano un sistema da tre a 12 fasi lu-lu , scala pentatonica e a 7 gradini, simile al modo Lidia [ Inoltre, ce ne sono altri, come gunchapu - ca. ed. ]. In secondo luogo, ci sono differenze significative nella musica e nella sua notazione in ogni regione della Cina.

Tradizionale Arte cinese

Il sistema 12 lu era direttamente connesso con la cosmologia yin-yang e con i cicli del calendario luni-solare, ma la scala pentatonica diventerà più familiare alla cultura cinese. Ciò è dovuto al fatto che il numero 5 è molto importante: con l'aiuto del cinque si descrivono gli elementi, i punti cardinali, i colori ei gusti fondamentali, le modalità delle sensazioni e gli organi interni. Questo è il numero del mondo e quindi dovrebbero esserci anche cinque note.

L'inizio musicale determina anche la formazione dell'arte teatrale: la prima opera cinese (opera kunzui , dramma nanxi ) sono inizialmente basati sulla melodiosità e su una trama tipica. Più tardi molti prime tradizioni saranno uniti in un fenomeno come l'Opera di Pechino, che si espande notevolmente grazie a dialoghi comici, danze di massa e scene di battaglia, un aumento dell'orchestra per l'accompagnamento musicale (un posto importante qui sarà acquisito dai tamburi).

Pittura Giuseppe Castiglione (1688 - 1766)

Gesti e andatura, costumi luminosi dell'era Ming e trucco colorato, principi di concisione dello scenario sono passati anche dal kunqu all'opera di Pechino come una ricca eredità. Qualsiasi oggetto sulla scena deve svolgere molte funzioni a seconda della trama e delle convenzioni sceniche, ad esempio bandiere con vari disegni simbolici che rappresentano il fuoco, l'acqua, un carro, ecc. Tuttavia, il tentativo di comprendere l'arte teatrale in Cina arriverà piuttosto tardi: è associato al nome Mei Lanfang(1894-1961), che creò la sua teoria dei ruoli e dei gesti fondamentali.

Da questa breve panoramica, si può vedere che la tradizione culturale cinese ha preservato con cura una varietà di forme e pratiche, incl. prettamente regionale. Allo stesso tempo, l '"attività trina" è rimasta un fattore unificante, che è riuscito sorprendentemente a adattare tutti i tipi di arte all'immagine di un maestro che brandisce pennello e inchiostro. Fino ad oggi, la conoscenza dei geroglifici, così come la capacità di scriverli e il livello di cultura, sono concetti indissolubilmente legati per i cinesi.

Nel mondo delle cose e delle ombre: l'estetica giapponese

È improbabile che un articolo possa raccontare tutti i concetti, le arti e le culture dell'Oriente. Inoltre, vale la pena notare che le tradizioni cinese e indiana hanno avuto un enorme impatto sui loro vicini. Sicuramente le culture della Corea e del Siam si sono concentrate a lungo sui loro vicini, fino ai secoli XVII e XVIII, considerando le loro creazioni come secondarie. L'unica eccezione degna di nota è il Giappone, che ben presto si liberò dall'influenza culturale della Cina e iniziò a sviluppare un sistema estetico originale con termini e pratiche propri.

Pittura Katsushiki Hokusai (1760-1849)

Nella cultura giapponese la parola figurata ha avuto un ruolo decisivo. Con l'avvento kanji [Caratteri cinesi che divennero la base della scrittura giapponese - ca. ed. ] i giapponesi non abbandonarono né la loro tradizione orale né quella consueta sistema figurativo culti animisti e shintoisti. Hanno provato a sintetizzarli. Pertanto, qualsiasi arte in Giappone si sforza sempre di combinare principi poetici e visivi.

In questo senso, prima dell'avvento della tradizione scritta cinese (4-6 secoli d.C.), i giapponesi erano più simili agli indiani: dominavano anche la parola poetica orale. Si credeva che le parole avessero poteri magici e il narratore stesso diventava una figura sacra.

tombino fognario

Pertanto, è molto significativo che non appena i giapponesi abbiano imparato i geroglifici cinesi, abbiano quasi immediatamente cercato di registrare il loro folklore nazionale nel modo più completo possibile. Questo fu l'inizio di una tradizione letteraria originale. Tuttavia, già nell'VIII secolo Autori giapponesi mi chiedo come la loro poesia differisca da quella cinese (o la loro imitazione).

Anche nella prima antologia poetica in giapponese, La raccolta delle miriadi di foglie, si può vedere il desiderio dei poeti giapponesi per uno stato d'animo minore e la sua trasmissione con mezzi minimi. Queste caratteristiche nel X secolo sono comprese dal poeta Ki no Tsurayuki nella raccolta "Raccolta di canzoni vecchie e nuove". Inoltre, la stragrande maggioranza di entrambe le raccolte è costituita da poesie dell'autore (cosa non tipica delle culture orientale e occidentale dell'epoca).

Nella sua introduzione teorica, Ki no Tsurayuki cerca anche di analizzare l'ammirazione per la natura e il modo di descrivere le cose con attenta attenzione e simpatia per esse. Queste considerazioni costituiranno la base di due categorie chiave dell’estetica giapponese: makoto E mujo (cioè vero e mortale, mutevole). Vale anche la pena notare che molti concetti hanno una proprietà insolita: descrivono contemporaneamente sia lo stato di coscienza (lo spettatore) sia lo stato del mondo/oggetto.

Pittura Katsushiki Hokusai (1760-1849)

Mujo, ad esempio, può essere intesa proprio come esperienza della fragilità e transitorietà dell'essere. L'effimero e la fragilità diventano per molti secoli uno degli elementi principali della cultura giapponese, nel XVII secolo prenderanno la forma ukiyo("mondo fluttuante"). Ukiyo ispira gli incisori giapponesi a rappresentare immagini del mondo fluttuante ( ukiyo-e). Presto ci sarà generi letterari- "narrazioni di un mondo fluttuante". La visione giapponese della volatilità e della fragilità è diversa da quella europea: in essa la tragedia e la protesta appassionata sono molto meno espresse. Alcuni autori addirittura ci scherzano sopra:

« Sì, stiamo tutti salpando, ma ci divertiamo come una zucca che rimbalza sulle onde».

Ukiyo-e- Le xilografie giapponesi del periodo Edo guadagnano grande popolarità nelle città dal XVII alla metà del XIX secolo. Gli Ukiyo-e erano economici e rappresentavano immagini della vita quotidiana: bellissime geishe, enormi lottatori di sumo e famosi attori di teatro kabuki erano raffigurati sulle incisioni.

Tuttavia, ci sono stati esempi davvero molto abili: ad esempio, hanno combinato diversi focus oculari o hanno creato una serie. Per questo motivo alcuni li vedono come il prototipo del fumetto moderno. Successivamente l'incisione del paesaggio divenne popolare, conosciuta in tutto il mondo, grazie al lavoro del maestro Hokusai. Nel 19° secolo, le xilografie furono sostituite da invenzioni occidentali: stampa meccanica e fotografia, ma insieme alla perdita di popolarità in patria, le stampe ukiyo-e divennero estremamente popolari nell'Europa occidentale e in America.

In un certo senso, sono stati l'ispirazione per artisti europei che ha lavorato nello stile del cubismo, dell'impressionismo e di artisti postimpressionisti come Vincent van Gogh, Claude Monet, Gustav Klimt e altri. Successivamente, l'influenza dell'ukiyo-e si diffuse ben oltre i limiti della pittura: Sergei Eisenstein prese in prestito alcune delle sue idee per modificare e organizzare la cornice dalle xilografie giapponesi.

Alla domanda di passioni Dal giapponese all'estetica quotidiana

Naturalmente il Buddismo Zen, diffusosi durante l’era Kamakura (XII-XIV secolo), ha avuto un’influenza significativa sulle categorie estetiche. Sotto l'influenza dello Zen, la poesia diventa più concisa e invece della coppia “makoto - mujo”, occupano yugen e tsu-ya.

Tsu-ya significa bellezza, ma non autentica, troppo brillante e accattivante, come se non corrispondente alla cosa. È molto più difficile descrivere il suo opposto: yugen. Il filosofo e orientalista britannico Alan Watts, ad esempio, ammette che in inglese non ci sono analoghi né di questa parola né di questo sentimento.

Yugen- questa è la bellezza che non si apre immediatamente, una sorta di bellezza profonda e misteriosa. Yugen si apre attraverso allusioni, allegorie e persino co-creazione, ad es. attraverso il retrogusto yojo (sensazione) - un altro termine dell'estetica buddista Zen - ca. ed. ].

Un esempio di kintsugi

Una bella opera d'arte deve essere minore, semplice e discreta, ma allo stesso tempo necessita di incompletezza, di un elemento di mistero. Pertanto, ad esempio, in poesia, la parola "yugen" denota un significato profondo - cisterna , a cui nel testo, in teatro viene dato solo un leggero accenno: cosa si nasconde dietro le parole dell'opera, cosa l'attore deve scoprire e trasmettere. Alcuni prodotti vengono paragonati al gusto viscoso e aspro del cachi o all'amarezza del tè verde - shibumi . Shibumi è la perfezione senza sforzo, ciò che si incarna nelle cose semplici e naturali.

Un altro modo per lodare un'opera è trovarvi qualcosa di narice (patina, traccia del tempo). Le superfici opache o leggermente opache, caratteristiche della carta di riso, della giada e della ceramica antica, sono molto apprezzate in Giappone. Sia i poeti che gli artisti aspiravano a un effetto simile di ombra grassa o leggera. In effetti, è la sfumatura che insegna molti nomi estetici in questa tradizione: per il pensiero occidentale, sia yugen, sia shibumi, sia nare sono tutte versioni diverse di un piccolo dettaglio di una cosa o di una sfumatura di sentimento.

L'influenza Zen è anche associata a categorie più specifiche come wabi E sabi . Entrambi i concetti hanno più valori. sabi strettamente legato al sentimento di solitudine, ma comprende anche il distacco, la debolezza, l'ovattamento e "l'accattivante caducità". Wabi può significare una sensazione di "stranezza evocata dalle cose semplici: un sentiero incolto, una casa traballante, una vecchia tazza". L'assenza di luminosità, pathos, rifiuto della complessità fino al minimalismo: anche questo è wabi. Anche i bonsai e i giardini rocciosi rientrano in queste categorie.

Un altro esempio kintsugi

sabi wabi ci chiama alla simpatia con le cose e le persone, all'accettazione dell'imperfezione. Un ottimo esempio l'incarnazione artistica di sabi e wabi può essere chiamata arte kintsugi . Kintsugiè il restauro delle cose rotte, che ne preserva ed evidenzia specificatamente le rotture e le crepe. La base adesiva per la riparazione è mescolata con vernice dorata o argentata, poiché è parte integrante della cosa e non è degna di oblio o di travestimento.

Nonostante l’abbondanza di termini e tendenze diverse, in Giappone qualcosa di simile ad un concetto estetico completo e onnicomprensivo apparirà solo in questo periodo Tokugawa(XVII-XIX secolo). Mono non Avare - questo è il concetto stesso e il suo concetto chiave. L'idea di avare combina idee precedenti sulla fluidità, l'incompletezza e il mistero del mondo meraviglioso.

Letteralmente mono-no avare significa cosa capace di provocare avare, cioè qualche speciale analogo della nostalgia. Allo stesso tempo, questa è nostalgia, vista in ciò che non è ancora perduto, questa è tristezza ed empatia per una cosa, semplicemente perché è fugace. O anche nostalgia senza rimpianti: del resto lo Zen insegna l'accettazione della sofferenza, della separazione e della morte. Avare- questa sensazione che non può essere altrimenti, questa è una luminosa tristezza senza speranza, ma con un po' di umorismo.

Questo concetto dà definitivamente priorità alle cose e compito principale sia l'artista che lo spettatore realizzano una "fusione" con le cose. In altre parole, mono no aware è un evento in cui si viene catturati ed emozionati (aware) da una cosa (mono) o dalla sua anima [ kami - l'anima, lo spirito o la divinità che vive in ogni cosa giapponese, uno dei concetti fondamentali dello Shintoismo - nota dell'autore ].

La bellezza o la verità di una cosa è sempre triste, perciò è giusto paragonare mono-no avare all'espressione virgiliana “lacrime di cose”. Metafora lacrime rirum sicuramente sarebbe piaciuto ai poeti giapponesi, che scrissero migliaia di haiku sulle gocce di rugiada, sul suono delle gocce e sul riflesso in esse.

Forse non sapevi:

Simbolo erotico Uno dei misteri dell'arte indiana è il complesso del tempio di Khajuraho, costruito durante la dinastia Chandela nei secoli IX-XII. Il simbolo di Khajuraho è la scultura erotica sui fregi delle piattaforme e sui livelli inferiore e medio delle facciate. Ne mostrano numerosi coppie d'amore in varie pose, a volte con animali. E fino ad ora, i ricercatori non sono riusciti a giungere a un'unica conclusione sullo scopo per cui erano raffigurati nel tempio e su come trattavano le sculture erotiche a quei tempi.

Pratica alcolica Il concetto taoista di feng-lu era molto popolare tra artisti e poeti del III e IV secolo. Molti di loro capivano il seguire il flusso in modo molto semplice: si riunivano in giardini ombrosi, bevevano vino ascoltando musica e avevano conversazioni poetiche o filosofiche (ad esempio, "I sette saggi del boschetto di bambù").

L'evoluzione del termine Feng-liu influenzò il Buddismo Chan con la sua affermazione: “Che cos'è il Chan? Mangia - quando vuoi mangiare, dormi - quando vuoi dormire, defeca - quando vuoi defecare. Tuttavia, questo concetto è stato spesso criticato dal confucianesimo, quindi oggi il significato della frase feng-liu è cambiato molto. Ora è inteso come ventosità, promiscuità sessuale e ubriachezza.

Godetevi il momento La parola ukiyo, tradotta letteralmente come "mondo fluttuante", è un omofono del termine buddista "mondo del dolore". Tuttavia, nel periodo Edo, con l'avvento di quartieri speciali per il teatro kabuki e le case delle geishe, il termine fu ripensato, e spesso cominciò a essere inteso come "il mondo dei piaceri fugaci, il mondo dell'amore".

L'arte dell'Antico Oriente fa un'impressione completamente diversa da quella greca o romana. Nell’antichità l’uomo era la misura di tutto. Le statue degli dei furono realizzate a sua immagine e somiglianza. In Oriente, un comune mortale obbediva indiscutibilmente alla divinità e al re, il cui potere era divinizzato. L'uomo si bloccò davanti alla figura massiccia e immobile della divinità, abbassò gli occhi, sentendo uno sguardo pesante e fisso diretto su di lui. Eppure, nel quadro dei dispotismo schiavista, attraverso la stratificazione di idee religiose primitive, superando la convenzionalità dei canoni, si è fatto strada un flusso vivo di arte. E, guardando oggi i monumenti del lontano passato, possiamo giudicare uomo antico sulla natura e sugli oggetti che lo circondano.

Le ventiquattro sale del Louvre, disposte attorno al Cortile Quadrato, contengono opere (dal IV millennio al IV secolo a.C.) dell'arte della Mesopotamia, ovvero Mesopotamia, Iran, Siria, Libano, Assiria. Nel III millennio a.C. e. nelle fertili valli dei fiumi Tigri ed Eufrate iniziarono a prendere forma i primi stati proprietari di schiavi. Innanzitutto sorsero le città sumere, poi furono conquistate dai sovrani di Akkad, che soggiogarono quasi tutta la Mesopotamia. Lo stato sumero-accadico, a sua volta, conquistò Babilonia.

"Immortali". Frammento di fregio maiolicato proveniente dal palazzo di Susa. V secolo AVANTI CRISTO e.

Appena entrati nelle sale d'arte orientale, ci si imbatte in due famosi monumenti in onore delle vittorie militari: la stele di Korshunov (XXV secolo a.C.) e la stele di Naramsin (XXIII secolo a.C.). Entrambe le stele raffigurano un esercito che marcia vittoriosamente sotto la guida del re. Obbligato a sottolineare la distanza sociale tra il re e i subordinati, lo scultore rende i guerrieri ordinari molto più bassi. Nonostante la comunanza delle trame e di alcune tecniche simili, le stele parlano di diverse fasi dello sviluppo dell'arte. La precedente stele degli Aquiloni sembra rozza, inetta: guerrieri uniti in un tutt'uno da voluminosi scudi camminano su nemici stesi a terra (le loro teste vengono portate via dagli Aquiloni). Tutti i guerrieri sono uguali: le loro teste girate di profilo si ripetono, i loro piedi camminano allo stesso modo sul terreno. La Stele Naramsin testimonia il progresso della scultura. I movimenti del re e dei guerrieri vengono catturati con sicurezza e delicatezza. Le figure non si fondono in un'unica massa pesante, ognuna agisce separatamente, stagliandosi in volume sopra il piano. In alcuni punti puoi vedere elementi del paesaggio: rocce e alberi.

In Mesopotamia si sviluppò non solo il rilievo, ma anche l'arte plastica rotonda. Nella seconda e nella terza sala attirano l'attenzione dieci statue del re Gudea (XXII secolo a.C.) e una statua di Ibi-il (XXV secolo a.C.). Di solito questo tipo di scultura era dedicata agli dei e si trovava nei templi. Questo spiega le pose delle persone raffigurate: sono seduti con le mani giunte in preghiera sul petto. La parte inferiore del corpo è immobile, statica e forma un unico blocco con il sedile (sulla sua superficie liscia erano spesso applicate iscrizioni cuneiformi). La parte superiore, invece, è più ampia, braccia e spalle sono visibili attraverso il tessuto sottile. Sebbene i volti siano interpretati in modo generalizzato, il canone accettato viene spesso violato. Così, nel volto di Gudea (la sua testa è esposta separatamente), con gli zigomi sporgenti e il mento pesante, i lineamenti di carattere forte. Ibi-il, ministro di Stato di Mari, dà un'impressione diversa. Sembra più tenero, più ingenuo, più fiducioso. Un naso enorme sporge in avanti, le labbra sorridono e occhi enormi, intarsiati con pezzi di ardesia e lapislazzuli, guardano in modo penetrante e allo stesso tempo apertamente. Gli antichi scultori di solito si rivolgevano a materiali resistenti e durevoli: diorite, basalto, meno spesso alabastro.

L'esposizione della Mesopotamia è continuata dai monumenti di Babilonia. Apparentemente erano di natura eclettica, poiché i maestri babilonesi presero in prestito le forme e le tecniche artistiche dell'arte sumera. Il Louvre conserva uno degli esempi più famosi della cultura babilonese: la collezione legislativa del re Hammurabi (prima metà del XVIII secolo a.C.). Su un blocco di basalto nero alto più di due metri sono incise 282 leggi (ricordiamo che in Mesopotamia scrivevano in cuneiforme). Eccone uno, legato all'architettura: "Se un architetto costruisce una casa per qualcuno e questa casa è instabile e crolla addosso al suo proprietario, questo architetto è degno di morte". Nella parte superiore della stele, il re Hammurabi, che conquistò quasi tutta la Mesopotamia, sta davanti a Shamash, il dio del sole e della giustizia. Riceve da lui i segni del potere: la verga e cerchio magico. Le teste di Shamash e Hammurabi sono allo stesso livello, ma il dio è seduto e il re in piedi. E qui viene preservata la gerarchia necessaria: Dio è più significativo del re.

Le sale dalla quinta alla dodicesima della sezione orientale sono dedicate all'Iran. La loro attrazione principale sono i monumenti d'arte della città di Susa. Nel 1884 gli archeologi francesi iniziarono gli scavi nella zona, che non sono terminati fino ad oggi. Situata nei pressi della Mesopotamia, Susa fu un tempo la capitale del vasto stato achemenide (539-330 a.C.). Qui furono costruiti grandiosi complessi architettonici, riccamente decorati con sculture, piastrelle colorate e rilievi smaltati. La collezione del Louvre ci permette di immaginare l'aspetto degli antichi palazzi persiani. Quindi, al centro della settima sala si trova un capitello in marmo alto circa 6 metri, ma questo è solo il completamento della colonna, che raggiungeva un'altezza di 20 metri. C'erano trentasei colonne di questo tipo; si trovavano nella sala delle cerimonie solenni del palazzo. Il capitello è formato da due tori, sui quali poggia la trave del soffitto. Le loro orecchie e le corna sono dorate e le loro teste sono decorate con eleganti finimenti. Un'eccellente conoscenza dell'anatomia si fa sentire nei museruoli abbassati e nelle zampe piegate degli animali.

Ma ancora più imponente del capitello è il magnifico fregio di Susa in piastrelle smaltate colorate (V secolo a.C.). È esposto nella successiva, ottava sala. Diverse vetrine con stampe, piccole piastrelle non distolgono l'attenzione da esso. Il visitatore si ritrova in un giubilante regno di colori: proprio di fronte a lui, sullo sfondo di un muro rivestito di piastrelle azzurre luminose, camminano i guerrieri delle guardie del re in abiti giallo-arancio ricoperti di ricchi ornamenti. Ognuno ha una lancia in mano e archi e frecce dietro le spalle. Questi sono "immortali". Così venivano chiamati dagli antichi greci perché erano sempre diecimila. I guerrieri sono sorprendentemente simili, quindi l'occhio non si sofferma su nessuna figura. Gli stessi nasi dritti e le barbe corte, lo stesso gesto delle mani che stringono una lancia, lo stesso movimento delle gambe, come se camminassero in una sola linea. .. Figure della stessa altezza e situate alla stessa distanza l'una dall'altra. Nel ritmo, nelle combinazioni di colori, è visibile l'amore per l'arredamento. Le stesse caratteristiche si manifestano anche negli oggetti d'arte applicata: la statuina di uno stambecco alato, ad esempio, che un tempo fungeva da ansa per un vaso (intorno al IV secolo a.C.), è realizzata in argento e riccamente intarsiata d'oro.

Passando per le sale della Siria e del Libano, dove sono esposte ceramiche, piccoli strumenti di plastica, bronzo, il visitatore si ritrova tra i monumenti della Mesopotamia, questa volta assira. Nei secoli VIII-VII a.C. e. L'arte assira raggiunse il suo apice. Negli anni '40 del XIX secolo, gli archeologi scoprirono nelle sabbie dell'antico paese le rovine dei grandiosi palazzi di Ninive, Khorsabad, Nimrud. Prima che apparisse lo sguardo stupito degli scienziati opere straordinarie. Maestosi tori alati "shedu" incontravano tutti coloro che si avvicinavano ai palazzi. La gente credeva che gli shedu sorvegliassero in modo affidabile la "casa del re". Da lontano, lo sconosciuto vide la testa massiccia di un uomo barbuto e le due gambe di un toro appoggiate a terra. Man mano che si avvicinava, l'immagine, progettata per un punto di vista frontale, si è trasformata in uno di profilo. Shedu fece un passo avanti. Per questo, lo scultore gli ha aggiunto un'altra quinta gamba. Nel momento in cui le due zampe anteriori si univano, la gamba in più aiutava a trasmettere il movimento. Al Louvre ci sono tre shedu, alti più di quattro metri, portati dal palazzo di Khorsabad (VIII secolo a.C.). Dallo stesso palazzo venne consegnato un bassorilievo dedicato all'eroe dell'epopea mesopotamica Gilgamesh, una sorta di antenato dell'Eracle greco. Con una mano tiene un leone ed è pronto in qualsiasi momento a lanciarlo contro il nemico. Gli scultori assiri conoscevano ed erano in grado di trasmettere l'anatomia del corpo umano e animale. Padroneggiavano perfettamente i segreti della rappresentazione di una figura su un piano, rendendola quasi tridimensionale o fondendola con la superficie di una pietra. Pertanto, il frammento scultoreo del palazzo di Assurnazirpal a Nimrud (IX secolo a.C.) situato al Louvre è stato eseguito con la tecnica del rilievo piatto. Le figure del re e del suo scudiero sono letteralmente dipinte sulla pietra. Non è senza ragione che gli scultori assiri hanno guadagnato la fama di maestri insuperabili del rilievo!

La specificità dell'arte medievale dei paesi dell'Oriente arabo, così come dell'intero Vicino e Medio Oriente, è molto complessa. Rifletteva il contenuto vivo della realtà, ma, come l'intera cultura del Medioevo, profondamente intrisa di una visione del mondo religiosa e mistica, lo faceva in una forma condizionale, spesso simbolica, avendo sviluppato un proprio linguaggio figurativo speciale per le opere d'arte. . L'innovazione della letteratura araba medievale e allo stesso tempo la sua base vitale caratterizza l'appello a mondo spirituale uomo, la creazione di ideali morali che avevano un significato universale. Anche le belle arti dell'Oriente arabo sono intrise di un grande potere figurativo. Tuttavia, come la letteratura ha approfittato forma convenzionale per l'incarnazione delle loro immagini, e nelle belle arti, il contenuto della vita era espresso in un linguaggio speciale dell'arte decorativa. La convenzionalità del "linguaggio" delle belle arti medievali tra la maggior parte dei popoli era associata al principio di decoratività, caratteristico non solo delle forme esterne, ma anche della struttura stessa, il sistema figurativo. opera d'arte. La ricchezza della fantasia decorativa e la sua magistrale realizzazione nell'arte applicata, nella miniatura e nell'architettura sono una qualità integrale e preziosa delle straordinarie opere degli artisti di quell'epoca. Nell'arte dell'Oriente arabo, la decoratività ha acquisito caratteristiche particolarmente sorprendenti e originali, diventando la base della struttura figurativa della pittura e dando origine alla più ricca arte del modello, che ha un ritmo ornamentale complesso e spesso una maggiore sonorità coloristica. Nell’ambito ristretto della visione del mondo medievale, gli artisti dell’Oriente arabo trovarono il proprio modo di incarnare la ricchezza della vita che li circondava. Il ritmo del disegno, la sua "tappezzeria", la raffinata plasticità delle forme ornamentali, l'armonia unica di colori brillanti e puri, esprimevano il loro contenuto estetico. L'immagine di un uomo non era esclusa dal campo dell'attenzione degli artisti, sebbene l'appello a lui fosse limitato, soprattutto durante il periodo di rafforzamento dei divieti religiosi. Immagini di persone riempiono le illustrazioni dei manoscritti e si trovano spesso nei modelli su oggetti di arte applicata; Sono noti anche monumenti di pittura monumentale con scene multifigurate e rilievi pittorici scultorei. Tuttavia, anche in tali opere l'immagine umana è subordinata alla soluzione decorativa generale. Anche dotando le figure di persone di molte caratteristiche della vita, gli artisti dell'Oriente arabo le hanno interpretate in modo piatto, condizionato. Nell'arte applicata, le figure umane sono spesso incluse nell'ornamento, perdono il loro significato come immagine indipendente, diventando parte integrante del modello. L'ornamento - "musica per gli occhi" - gioca un ruolo molto importante nell'arte medievale dei popoli dell'Oriente arabo. In una certa misura, compensa le limitazioni visive di alcuni tipi di arte ed è uno dei mezzi importanti per esprimere il contenuto artistico. L'arabesco, che si basa su motivi classici antichi, si è diffuso nei paesi Oriente medievale , era un nuovo tipo di composizione ornamentale, che permetteva all'artista di riempire un motivo complesso, intrecciato, come un pizzo, di un piano di qualsiasi forma. Inizialmente, nell'arabesco predominavano motivi vegetali. Successivamente si diffuse il girih: un ornamento geometrico lineare costruito su una complessa combinazione di poligoni e stelle a più raggi. Nello sviluppo dell'arabesco, utilizzato per decorare sia grandi piani architettonici che vari oggetti domestici, i maestri dell'Oriente arabo raggiunsero un virtuosismo sorprendente, creando innumerevoli composizioni che combinano sempre due principi: una costruzione matematica logicamente rigorosa di un modello e un grande potere spiritualizzante dell’immaginazione artistica. Le peculiarità dell'arte medievale araba includono anche l'uso diffuso dell'ornamento epigrafico: il testo delle iscrizioni, inserito organicamente nel motivo decorativo. Notiamo per inciso che la religione di tutte le arti incoraggiava soprattutto la calligrafia: era considerato un atto giusto per un musulmano copiare il testo dal Corano. La peculiare struttura decorativa e ornamentale della creatività artistica si esprimeva in modi diversi nei singoli tipi di arte. Le caratteristiche architettoniche comuni a molti popoli del Vicino e Medio Oriente erano associate alle condizioni naturali e climatiche dei paesi e alle capacità delle macchine edili. Nell'architettura delle abitazioni sono da tempo sviluppati metodi per progettare case con cortili e con terrazze protette dal caldo. La tecnica costruttiva ha dato origine a particolari costruzioni realizzate in argilla, mattoni e pietra. Gli architetti dell'epoca crearono varie forme di archi, a ferro di cavallo e soprattutto a sesto acuto, inventarono i propri sistemi di soffitti a volta. Raggiunsero eccezionale abilità ed espressività artistica nella posa di grandi cupole sorrette da tromp (sistema costruttivo sorto già in epoca prefeudale). Gli architetti medievali dell'Oriente arabo crearono nuovi tipi di edifici monumentali religiosi e secolari: moschee che ospitavano migliaia di fedeli; minareti - torri da cui i fedeli venivano chiamati alla preghiera; madrasa: edifici delle scuole spirituali musulmane; caravanserragli e mercati coperti, corrispondenti all'ambito delle attività commerciali delle città; palazzi di sovrani, cittadelle fortificate, mura di fortezza con porte e torri. Gli architetti arabi, autori di molti capolavori dell'arte medievale, prestavano grande attenzione alle possibilità decorative dell'architettura. Pertanto, uno dei tratti caratteristici della sintesi delle arti nell'architettura monumentale è l'importante ruolo delle forme decorative e il significato speciale dell'ornamento, che con pizzi monocromi o con un tappeto colorato ricopre le pareti e le volte degli edifici. Le stalattiti (muqarn) erano ampiamente utilizzate nell'architettura dell'Oriente arabo: riempimento decorativo di volte, nicchie e cornici sotto forma di figure prismatiche con un ritaglio filiforme, disposte in file sporgenti l'una sopra l'altra. Le stalattiti nascono da una tecnica costruttiva: una speciale posa di mattoni per creare una transizione dal quadrato delle pareti al cerchio della cupola negli angoli dei locali. Un ruolo eccezionalmente importante nella cultura artistica dei paesi dell'Est arabo apparteneva all'arte applicata. La base economica per questo era lo sviluppo intensivo dell'artigianato. Nell'artigianato artistico, antiche tradizioni artistiche locali, strettamente legate a vita popolare. Gli arabi - maestri delle arti applicate - erano caratterizzati da un elevato "senso delle cose" estetico, che consentiva, senza violare le funzioni pratiche dell'oggetto, di dargli bella forma e posiziona abilmente un motivo sulla sua superficie. Nell'arte applicata decorativa dell'Oriente arabo, il significato della cultura dell'ornamento si è manifestato in modo particolarmente chiaro, le sue enormi possibilità artistiche sono state rivelate. L'ornamento apporta contenuto estetico alla perfetta esecuzione di tessuti orientali, tappeti, ceramiche dipinte, manufatti in bronzo e vetro. Le opere d'arte applicata dell'Oriente arabo hanno un'altra qualità importante: di solito formano un insieme decorativo molto integrale ed espressivo con un interno architettonico. Il principale tipo di pittura che si sviluppò nel Vicino e Medio Oriente nel Medioevo fu l'illustrazione di manoscritti secolari. Gli artigiani arabi hanno sfruttato ampiamente questa opportunità, creando, insieme alle ricche decorazioni ornamentali dei manoscritti, eccellenti serie di miniature colorate, raccontando una storia poetica e figurativa sul destino degli eroi di un'opera letteraria. Nel XVI secolo, la maggior parte dei paesi dell'Est arabo furono conquistati dalla Turchia ottomana, il cui dominio fu successivamente sostituito dall'oppressione dei colonialisti dell'Europa occidentale, che ostacolarono lo sviluppo della cultura e dell'arte nazionale. Tuttavia, anche al momento del declino, quando gli invasori stranieri piantarono nell'architettura e nelle belle arti forme estranee ai popoli dell'Oriente arabo, la creatività artistica veramente nazionale non morì. Viveva nelle opere di contadini e artigiani arabi che, nonostante la povertà e le difficili condizioni di vita, cercavano di incarnare le loro idee di bellezza nei modelli di vestiti e utensili popolari. Consideriamo più in dettaglio la cultura dei paesi arabi sull'esempio dell'arte dell'Egitto medievale. L'arte dell'Egitto medievale La storia dell'arte egiziana medievale inizia con il periodo copto. L'arte dei Copti - egiziani che professavano il cristianesimo - si sviluppò nel IV-VII secolo d.C. e., durante il periodo in cui l'Egitto faceva parte dell'Impero bizantino. Di questo periodo sono sopravvissute le basiliche dei monasteri Bianco e Rosso ai margini del deserto libico e numerose tombe a cupola. Lo sviluppo dell'architettura fu associato al fiorire di motivi scultorei e dipinti murali, eseguiti su soggetti religiosi. Le opere d'arte applicata si distinguevano per una grande originalità: intagli su osso e legno, e soprattutto tessuti. Nell'arte dei Copti, un desiderio comune a tutte le regioni di Bisanzio trovò espressione nel desiderio di subordinare le tradizioni artistiche tardoantiche alle esigenze di una nuova ideologia religiosa medievale. D'altra parte, si è rivelato avere caratteristiche forti e puramente locali, radicate nell'antica cultura egiziana. La lotta di queste tendenze determinò l'originalità dell'arte copta, che sviluppò un proprio linguaggio artistico specifico e aprì la strada all'ascesa e alla fioritura dell'arte egiziana nel Medioevo maturo. A metà del VII secolo l'Egitto divenne parte del califfato arabo, ma già nel IX secolo era di fatto uno stato feudale indipendente. Dalla metà del X secolo, divenuto il centro del potente stato dei Fatimidi, l'Egitto iniziò a svolgere un ruolo particolarmente importante nella storia medievale Medio Oriente. Nei secoli XI - XII condusse estesi commerci con Bisanzio e Europa occidentale; anche il commercio di transito del Mediterraneo con i paesi dell'Oceano Indiano era nelle mani degli egiziani. Successivamente, nel XIII secolo, dopo la distruzione di Baghdad da parte dei Mongoli, città principale L'Egitto, il Cairo, rivendicava il ruolo di capitale tutta musulmana. Tuttavia, ancora più importante è stato il fatto che Il Cairo è diventato il centro della cultura, uno dei centri più grandi sviluppo della scienza e dell’arte nel mondo arabo. Insieme alle scienze esatte, fiorì al Cairo lo studio della storia; nel XIV secolo, Ibn Khaldun, definito il primo sociologo del mondo, si trasferì dalla Tunisia all'Egitto; Anche Ahmed Makrizi, un eminente storico del Medioevo, scrisse le sue opere al Cairo. L'Egitto medievale ha dato al mondo l'eccellenza Lavori letterari: un ciclo di romanzi cavallereschi arabi e l'edizione finale dei racconti popolari "Le mille e una notte". Architettura I migliori monumenti dell'architettura medievale egiziana sono conservati al Cairo. La città ha vissuto una grande storia. Nel 641, il comandante arabo Amir ibn al-As fondò Fustat, le cui rovine si trovano nella periferia meridionale del moderno Cairo. Secondo la leggenda, la prima moschea fu eretta sul sito di Fustat. Un piccolo edificio venne ampliato già nel 673 con l'aumento del colonnato e del cortile. Nonostante le successive modifiche e riparazioni, la Moschea Amra è meritatamente considerata una delle più antiche moschee arabe con pilastri che hanno mantenuto la grandiosità e la semplicità inerenti alla prima architettura monumentale araba. Nella grande sala della moschea ci sono più di cento colonne di marmo sormontate da capitelli corinzi scolpiti che sostengono alti archi semicircolari. La bella prospettiva delle colonne e degli archi che vanno in lontananza fa percepire la grandiosità dello spazio della sala. La grandezza della prima architettura araba è incarnata in modo estremamente vivido nell'architettura della grande moschea di Ibn Tulun, che ha perfettamente conservato il suo aspetto originale, costruita nell'876-879 nella residenza di questo primo sovrano dell'Egitto medievale, indipendente dal Califfato di Baghdad . Un enorme cortile quadrato con una superficie di quasi un ettaro (92x92 m) è circondato da un porticato a sesto acuto, che, a differenza della Moschea Amra, non ha colonne rotonde come supporti, ma pilastri-piloni rettangolari con colonne a tre quarti agli angoli. Ampi passaggi tra i pilastri uniscono la sala davanti al mihrab e passano dagli altri tre lati del cortile in un unico insieme spaziale. La moschea può ospitare facilmente migliaia di musulmani in preghiera. La rigorosa tettonica dell'architettura della moschea si esprime nel ritmo dei pilastri e degli archi, che ricoprono il cortile lungo il perimetro, a cui sono subordinati anche i motivi decorativi. Archivolti di archi grandi e piccoli, capitelli di colonne e cornicioni sono decorati con un motivo floreale stilizzato scolpito a colpi. Gli intradossi dei grandi archi hanno composizioni ornamentali più complesse. I dettagli decorativi, che abbelliscono ed evidenziano armoniosamente i piani e le linee principali dell'edificio, sottolineano con la loro disposizione la tettonica dell'insieme. Quindi il modello e elementi architettonici, che compongono l'aspetto dell'edificio, sono intrisi di un unico ritmo ornamentale. È interessante notare che il profilo ogivale degli archi grandi e piccoli della moschea sembra ripetersi nelle piegature appuntite del fusto, che costituisce la base di un ornamento continuo che corre lungo il contorno degli archi e lungo i piloni. All'esterno, la moschea di Ibn Tulup presenta caratteristiche di severa architettura da fortezza, caratteristica delle strutture monumentali altomedievali del Medio Oriente. Le tradizioni dell'architettura della fortezza, e forse la reale necessità di trasformare la moschea in una roccaforte di difesa in caso di attacco alla città, hanno causato una tecnica peculiare di circondare l'edificio di culto con un muro esterno, creando così uno spazio libero e non sviluppato ampia deviazione attorno alla moschea. Tuttavia, la monumentale distesa delle pareti esterne della moschea di Ibn Tulun non è priva di lavorazioni decorative: la parte superiore delle pareti è divisa da una sorta di fregio di monofore e archi, contrastantemente evidenziati dal chiaroscuro; inoltre, un parapetto traforato sormonta le pareti. Una decorazione simile con finestre e archi fu realizzata nel IX secolo sulle facciate della Moschea Amra. Così, come a Samarra, nei primi edifici del Cairo si può vedere l'elaborazione artistica delle più antiche tecniche di architettura monumentale della fortezza. Nell'aspetto architettonico della moschea, un ruolo importante è giocato dal minareto, che si erge accanto all'edificio, tra doppie mura. I ricercatori ritengono che originariamente assomigliasse a una torre circolare a gradini, all'esterno della quale c'era una scala a chiocciola. Per la sua posizione e forma, il minareto ricorda molto la Malviya della grande moschea di Samarra. Come prima, il corpo del minareto rivolto verso l'alto si contrapponeva al porticato allungato orizzontalmente del cortile. Sul fatto che, insieme al locale tradizioni artistiche giocato durante la costruzione della moschea ruolo conosciuto e le tecniche costruttive mesopotamiche, è testimoniato anche dall'uso della muratura, che non è caratteristico dell'architettura egiziana. Nel 1926, al centro del cortile della moschea, fu eretto un padiglione a cupola sopra la piscina per le abluzioni e, a quanto pare, allo stesso tempo la parte inferiore del minareto fu racchiusa in una torre cubica. Entro la metà del IX secolo appartiene il primo dei monumenti giunti fino ai nostri giorni architettura civile Egitto medievale - Nilometro, costruito sull'isola di Roda vicino a Fustat. La costruzione è un pozzo profondo con un'alta colonna al centro, che misurava il livello dell'acqua nel Nilo. Le pareti del pozzo sono rivestite in pietra, decorate con nicchie decorative e fregi con iscrizioni cufiche.

Il cosiddetto Oriente antico, o classico (Egitto e paesi adiacenti) è il territorio dove l'arte delle antiche civiltà ha percorso un percorso di sviluppo lungo e storicamente completato.

L'arte dei popoli d'Oriente in senso moderno è l'arte numerose nazioni e paesi asiatici.

L'arte dell'India e dei paesi dell'Estremo Oriente (Cina, Corea, Giappone), nonché del Sud-Est e Asia centrale nonostante tutta l'originalità delle sue manifestazioni individuali, è unito dalla somiglianza dei modi sviluppo storico, una base filosofica comune, il cui aspetto più importante era il Buddismo. È con il buddismo che è collegato l'emergere di una nuova arte nella maggior parte dei paesi dell'Asia orientale e centrale a cavallo tra l'antichità e il Medioevo. Nelle fasi successive del Medioevo in molti paesi, le antiche credenze locali prevalsero sul buddismo, ma l'arte ad esse associata rimase fondamentalmente comune a tutti i paesi di questa regione nelle sue direzioni principali. Si distinse per l'ampiezza della trattazione dei fenomeni della realtà, per la consapevolezza del profondo rapporto tra uomo e natura e per la grande intensità emotiva. Scultura indiana, pittura paesaggistica cinese, monasteri e giardini giapponesi sono solo alcuni dei famosi esempi dell'arte dell'India e dei paesi dell'Estremo Oriente.

L'arte del Vicino e Medio Oriente si è sviluppata nei paesi arabi, Iran, Turchia e altri stati, dove l'Islam era l'insegnamento religioso e filosofico dominante nel Medioevo. Il divieto imposto dall'Islam alle immagini degli esseri viventi non è stato sempre osservato alla lettera, ma ha determinato in gran parte l'originalità dell'arte del Vicino e Medio Oriente, dove, insieme all'architettura, si sono sviluppate prevalentemente miniature di libri e arti e mestieri. Il fiorire dell'arte del libro, che si è manifestato non solo in alta qualità nelle illustrazioni, ma anche nella perfezione calligrafica dell'esecuzione del testo stesso, riflettevano il grande rispetto e l'importanza che veniva assegnata al libro come fonte di apprendimento e di saggezza. La cultura materiale del Vicino e Medio Oriente si distingue per la varietà e la raffinatezza dei motivi decorativi, la raffinatezza dei tessuti, dei tappeti e degli oggetti in metalli preziosi.

Lo studio dell'arte orientale è associato a notevoli difficoltà. Nonostante lo studio comparativo dei monumenti dell’Oriente classico, molte pagine della storia dell’arte di altre regioni restano ancora non lette.

E questa non è una coincidenza. Dopotutto, hanno iniziato a studiare l'arte orientale in Europa molto più tardi di quella europea. Per quanto riguarda le scuole orientali di storia dell’arte, la maggior parte di esse è emersa solo di recente. Comprendere la cultura orientale è difficile anche a causa delle barriere linguistiche, caratteristiche specifiche la psicologia nazionale di ciascuno dei popoli orientali, le forme e i metodi insoliti della loro arte. Ma l'arte orientale è parte integrante della cultura mondiale, appartenente ugualmente a tutti i paesi e popoli, a tutte le persone. Vale sicuramente la pena superare tutti gli ostacoli che si frappongono alla loro esplorazione per i suoi tesori.

Arte dell'India. L'arte dell'India fin dai tempi antichi è stata nutrita da una potente fantasia, la grandiosità della scala delle idee sull'Universo. I mezzi di espressione artistica colpiscono per la loro diversità e vivacità, che ricordano la natura fiorente del paese. L'idea dell'unità della vita in tutte le sue manifestazioni pervade gli insegnamenti filosofici, l'estetica e l'arte. Pertanto, il ruolo di sintesi nell'arte indiana è così grande: architettura e scultura, architettura e pittura, poesia, pittura e musica. Le famose rappresentazioni di danza teatrale sui temi degli antichi poemi epici Ramayana e Mahabharata divennero la fonte della formazione di posture e gesti classici, catturati nelle arti visive. Figure di danzatrici e ballerine si trovano nella più antica cultura preistorica della valle del Gange (3° millennio - metà del 2° millennio a.C.). Una di queste statuette, in pietra, è stata scoperta durante gli scavi dell'antica città di Harappa, nel nord-ovest dell'India. La complessa svolta della danza, l'espressione e l'audacia nella trasmissione del movimento anticipano molte caratteristiche future dell'arte indiana.

La fase successiva della storia indiana (metà del II millennio - metà del I millennio a.C.) è associata principalmente al fiorire della filosofia del Brahmanesimo e della letteratura in sanscrito. L'arte di questo periodo ci ha portato informazioni sul personaggio cultura materiale EPOCHI, sulla vita esuberante delle città. In una delle descrizioni poetiche della capitale di Ayodhya, leggiamo: "La città era come una miniera di gioielli, ... le sue mura, come i quadrati di una scacchiera, erano punteggiate da varie pietre semipreziose".

Nei secoli IV-II. AVANTI CRISTO e. si forma il primo impero dell’India settentrionale. Nel III secolo. AVANTI CRISTO e. uno dei sovrani dell'impero (Ashoka Maurya), per unire i popoli dell'India, usò il buddismo, un credo che esisteva in India dal VI secolo. AVANTI CRISTO e. Secondo la tradizione buddista, il fondatore di questo insegnamento fu il leggendario principe Siddhartha Gautama, il quale, a seguito di lunghe ricerche e riflessioni, presumibilmente comprese la verità e cominciò a essere chiamato Buddha - "illuminato". Sotto Ashoka furono costruiti i primi monumenti-colonne buddiste in pietra (stambha), strutture sferiche, simboli del buddismo (stupa), templi rupestri. A partire dal I sec. N. e. Il Buddha fu riconosciuto come una divinità e cominciò a essere raffigurato come una persona e non come un simbolo, come era stato prima di quel tempo. Fu durante questo periodo (I secolo a.C. - III secolo d.C.) che l'India sentì una notevole influenza dell'arte tardo ellenistica. Le caratteristiche umanistiche della scultura ellenistica furono date all'immagine del Buddha: morbidezza e mitezza nell'aspetto, misericordia nell'espressione facciale. Allo stesso tempo, l'immagine del Buddha presentava differenze canoniche rispetto all'immagine di un semplice mortale. Tra questi - un'urna (un punto tra le sopracciglia), ushnisha (un'escrescenza sulla testa ricoperta di peli), lunghi lobi delle orecchie, ecc. Si diffuse anche il culto dei bodhisattva - "salvatori celesti".

Nei secoli IV-V. Il buddismo si fonde gradualmente con le religioni locali più antiche. Il Buddha è riconosciuto come l'incarnazione della divinità indù Vishnu. In questo periodo, nell'arte, soprattutto nella pittura, oltre a quelli religiosi erano ampiamente diffusi motivi e stati d'animo secolari. Permeano anche l'arte dei complessi di grotte templari, combinando architettura, scultura e pittura. Il complesso di monasteri e templi buddisti di Ajanta, che comprendeva una trentina di grotte scavate nella sponda rocciosa del fiume, è particolarmente famoso per i suoi dipinti. Le grotte all'interno sono riccamente dipinte su intonaco secco con un'ampia varietà di scene buddiste. Il dipinto di Ajanta riflette in modo ampio e colorato la vita dell’India di quel periodo. Insieme alle immagini religiose, qui è riccamente rappresentata la natura del paese e le persone che lo abitano, dai re ai rappresentanti degli strati più bassi. Nelle immagini del corpo umano, gli artisti hanno raggiunto una grande perfezione nel disegno, incarnando in esse le più antiche idee estetiche sul ritmo lineare, sulla bellezza fisica e spirituale di una persona. I murali di Ajanta sono un eccezionale monumento artistico del passato.

Dal VII al XIII secolo L'India ha vissuto un'era di frammentazione feudale, frequenti cambi di governo. Nell'ideologia di questo tempo prevaleva l'induismo, un credo che risale ai culti panteistici delle forze della natura. Particolarmente popolari durante questo periodo erano le feste teatrali di massa con danze mascherate, musica e spettacoli rituali. Probabilmente, una di queste feste si teneva tradizionalmente a Mahabalipuram, vicino alla città di Madras. Si è svolto davanti al colossale rilievo “La Discesa del Gange”, di circa 9x27 m, dedicato alla leggenda del potere benefico del Gange. Questo fiume presumibilmente scorreva nelle sfere celesti, ma la gente implorò gli dei di abbassarlo sulla terra. Questo momento gioioso è raffigurato sul rilievo, al centro del quale si trova una fessura bagnata con acqua nei giorni festivi. Simboleggia il letto del Gange, in cui galleggiano le divinità simili a serpenti delle acque: i naga. Tutte le figure in rilievo - persone, esseri celesti e animali - sono dirette verso il centro. Le immagini degli animali sono magnifiche: elefanti con elefanti, leoni, antilopi, uccelli, scimmie vivaci. In generale, il sollievo è percepito come un potente inno al potere vivificante dell'acqua.

Il favoloso inizio della fantasia popolare ha dato origine a forme speciali di percezione storie mitologiche e la loro interpretazione nella scultura. Colpisce per la sua dinamica, i contrasti di luce e ombra e la scala sorprendente. Nei templi rupestri dell'isola di Elephanta, le sculture sembrano prendere vita alla luce delle torce: immagini in altorilievo circondano lo spettatore da tutti i lati. Nella sala centrale del tempio rupestre di Shiva si trova un enorme busto del dio a tre facce, alto sei metri. Questa immagine è particolarmente potente grazie alle strisce di pietra che attraversano diagonalmente le facce. In queste vene sembra battere il polso di pietra di un colosso. Intorno a lui: un tripudio di forme plastiche, luci e ombre e contrasti su larga scala. L'abbondanza e la generosità delle forme, la profondità delle idee contraddistinguono l'arte di questo tempo, che, riflettendo tutta la ricchezza delle idee mitologiche popolari, attrae con la sua versatilità e vivacità.

Nel IX - fine del XII secolo. finisce la tradizione dell'architettura rupestre e rupestre. L'elemento principale della decorazione decorativa del terrestre strutture architettoniche divenne una scultura. Nuovi tipi di templi - un'alta torre shikhara, una sala per danze rituali - un mandapa erano divisi in livelli, riccamente decorati con sculture.

Nel XIII secolo. i principati indiani sparsi furono invasi dai musulmani, che portarono con sé una nuova religione: l'Islam. I precedenti tipi di pittura, scultura e architettura scomparvero, sorsero nuove forme di strutture: una moschea, un minareto, un mausoleo. La misura in cui questi tipi di edifici furono assimilati dagli architetti indiani può essere giudicata dalla famosa tomba del Taj Mahal (completata nel 1652), che è meritatamente chiamata la perla dell'architettura indiana.

Questo periodo è caratterizzato anche dal fiorire della tradizionale arte indiana della miniatura. Con la creazione di laboratori di corte miniatura del libro, in cui gli artigiani iraniani condividevano le loro esperienze con quelli indiani, le miniature di foglie di palma furono sostituite da illustrazioni elaborate e elaborate su carta. L'antica miniatura dell'India meridionale e occidentale divenne il precursore delle scuole Pahari e Rajasthan, che sono le più vicine alle antiche tradizioni nazionali. Queste scuole sono caratterizzate da una forma generalizzata, saturazione del colore e un debole per i colori semplici e luminosi, simbolismo poetico e metafora. Le composizioni relativamente statiche sono dominate da motivi lirici amorosi.

La cosiddetta scuola di miniatura Mughal si sviluppò alla corte dei potenti sovrani dell'India della dinastia Mughal. Questa scuola era basata su campioni iraniani, arricchiti con la tradizione locale. Caratteristica distintiva La scuola Mughal - una ricca gamma di colori, complesse composizioni armoniche associate alle trame della vita di corte - feste, cacce, campagne militari. Uno dei monumenti della scuola Mughal - "Baburname" (XVI secolo), la biografia del sultano Babur, è conservato nel Museo statale di arte orientale di Mosca.

Entro il 18 ° secolo si avvicinarono varie scuole di miniatura, creando le basi per il passaggio all'arte della New Age - con nuovi problemi, nuovi temi, forme moderne di espressione artistica.

Per la pittura indiana moderna, è tipica la predominanza di temi nazionali, scene di vita popolare moderna o mitologia antica. Solo pochi artisti si sono rivolti alla pittura ad olio, la maggior parte di loro si attiene alla più tradizionale e vicina alla pittura a tempera in miniatura classica su cartone o carta. Nella pittura di maestri come Haren Das, Vanalila Shah (prima metà del XX secolo), grande importanza è attribuita al contorno e alla linea, all'interpretazione piatta delle macchie di colore, che avvicina queste opere all'arte tradizionale della miniatura .

Un grande posto nell'arte moderna indiana appartiene ai maestri dell'arte applicata, che fanno rivivere gli antichi mestieri del loro antico paese.

Dopo la seconda guerra mondiale, il modernismo dell’Europa occidentale penetrò nell’arte indiana. La lotta tra varie scuole e tendenze è una caratteristica delle belle arti dell'India moderna.

Arte del Giappone. L'antica arte giapponese è rappresentata dall'originale culture archeologiche Jomon (VIII millennio - V secolo a.C.) e Yayoi (V secolo a.C. - IV secolo d.C.). Vasi di argilla dalle forme fantastiche, figure di persone e animali riflettono le idee degli antichi giapponesi sulla struttura del mondo. I vasi in ceramica ricoperti da cordoni e ornamenti in rilievo sono divisi nella parte superiore, che simboleggia le sfere celesti, e nella parte inferiore, che indica l'acqua e la terra. Quattro germogli che salgono al collo simboleggiano le direzioni cardinali. La ricchezza ornamentale e le forme bizzarre dei vasi testimoniano il loro ruolo rituale. Vasi più lisci e regolari con ornamenti geometrici e floreali realizzati al tornio da vasaio persero il loro antico significato di culto e furono utilizzati direttamente nella vita di tutti i giorni.

Lo sviluppo delle comunità tribali si rifletteva nella creazione di complessi funerari: kofun, isole-tumuli sfusi, costituiti in pianta da un cerchio collegato e da un quadrato, boscoso con un fossato. Tutto intorno e sopra

questi tumuli erano decorati con figurine di argilla dei "guardiani dei tumuli" - khaniv (centesimo fino a 1,5 m di altezza), raffiguranti guerrieri in armatura, sacerdoti, musicisti, varie persone e animali. Nelle fitte foreste, i più antichi santuari in legno del Giappone, Ise e Izumo, si nascondevano da occhi indiscreti.

Nel VI secolo. N. e. Il Giappone adottò il buddismo come religione di stato. L'idea di un singolo ordine pubblico, il potere imperiale, si esprimeva in nuovi tipi di edifici: palazzi, monasteri, pagode, templi. Presi in prestito dai paesi vicini: Cina e Corea, i tipi di strutture architettoniche hanno ricevuto un'interpretazione peculiare. Ciò si riflette nell'abbandono della completa simmetria in termini di monasteri, nel modo in cui lo spettatore percepisce la composizione dell'altare principale, ecc. Il monastero Horyuji vicino a Nara, fondato tra la fine del VI e l'inizio del VII secolo, è un esempio di dipinto . Il dipinto è scarsamente conservato, ma la scultura (scultore Tori Busshi), così come la bellissima statuetta Miroku-bosatsu in legno dorato proveniente dal monastero di Chuguji, incarnava i tratti caratteristici dell'arte giapponese del VI-VII secolo: l'eleganza dell'architettura, la ricchezza della decorazione scultorea.

L'arte cambia nei secoli VIII-IX, quando il pathos della novità dei prestiti si esaurisce. Altre idee - grandezza, affermazione del potere statale (a quel tempo il Giappone divenne un impero) si riflettono indirettamente nei monumenti culturali. In questo periodo fu costruita la famosa Sala Daibutsuden a Nara (fondata intorno al 752), destinata all'installazione di una colossale statua in bronzo del Buddha (nella sua forma originale non è stata conservata). Nelle forme stesse della scultura di questo periodo si esprime l'idea di maturità, pienezza, calma chiarezza e tranquillità. monumento classico di quest'epoca è la griglia di una lanterna nel monastero Todaiji a Nara (VIII secolo) raffigurante un mitico musicista celeste: un flautista.

Il periodo che va dalla fine dell'VIII alla fine del XII secolo. fu chiamata l'era Heian (dal nome della nuova capitale). Questo fu il periodo di massimo splendore della raffinata vita di corte, che contribuì allo sviluppo e all'interazione di arti e mestieri, poesia e musica. È in costruzione la nuova capitale Heian (oggi Kyoto) con il Palazzo Imperiale Daidairi (inizio IX secolo, restaurato alla fine del XVIII secolo), la cui decorazione rifletteva i gusti artistici dell'epoca. Lo spazio interno del palazzo è unificato, solo tende tessute in oro, paraventi dipinti e stuoie a motivi servivano a separare temporaneamente le parti dell'interno.

Famosi maestri del tè (Sen no Rikyu e altri) hanno creato a prima vista un'atmosfera senza pretese, ma molto sottile della cerimonia del tè, in cui sono stati enfatizzati gli ideali della vita rurale. Famosi artigiani realizzarono magnifiche ciotole per le cerimonie del tè. Gli artisti della famosa scuola Sotatsu-Korina hanno progettato non solo paraventi, ma anche ventagli, cofanetti, kimono, creando un quadro completo ambiente soggetto habitat umano. Le loro opere sono caratterizzate dalla ricchezza dei colori, dalla brillantezza dell'oro e allo stesso tempo dalla raffinatezza.

Nel XVII secolo con il fiorire del commercio, la crescita delle città, si sviluppò la cultura democratica del terzo stato: artigiani e commercianti. I più ricchi potevano permettersi di decorare la propria vita con i prodotti della scuola Sotatsu-Korin, e tutti, senza eccezione, amavano i libri popolari e le incisioni "ukiyo-e" - "l'arte della vita fugace". Queste pubblicazioni erano di grande diffusione, convenienti, davvero massicce. Ma tra loro ci sono opere classiche che glorificano l'arte giapponese. Fu l'incisione a introdurre per la prima volta gli europei nella seconda metà del XIX secolo. arte dell'estremo oriente. La sua espressività fece una grande impressione sui pittori impressionisti e sui loro seguaci.

Da allora gli europei l'hanno conosciuta e amata Incisione giapponese come vivida espressione delle idee nazionali giapponesi sulla bellezza. Divenne famosa grazie al lavoro di artisti come Torii Kiyonobu e Okumura Masanobu, che, lavorando negli anni 1680 e 1760, utilizzarono la stampa monocromatica o a due o tre colori e la colorazione a mano libera. Avendo padroneggiato la tecnica delle xilografie multicolori, Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro e Chosyusai Syaraku tra la fine del XVIII e l'inizio del XIX secolo. creato una galleria di immagini di belle donne e attori famosi giapponese teatro nazionale. Le bellezze di Utamaro sono diventate un simbolo dell'ideale di bellezza giapponese. Negli anni 20-30. 19esimo secolo nel lavoro di artisti famosi come Katsushika Hokusai e Ando Hiroshige, il paesaggio diventa il motivo principale. Hokusai nelle sue incisioni ha rivelato un'immagine epica, ampia e maestosa del suo paese natale, simbolicamente incarnata nel sacro Monte Fuji. Hiroshige è riuscito a trasmettere il fascino modesto degli angoli della provincia giapponese.

L'incisione classica fu l'ultima manifestazione della cultura tradizionale giapponese, nelle profondità della quale stavano già maturando i cambiamenti che portarono alla formazione della cultura del moderno Giappone capitalista.

Nel corso dello sviluppo del Giappone lungo il percorso del capitalismo, anche il corso dei processi artistici al suo interno è cambiato notevolmente. L'influenza dell'Europa e dell'America, dalle quali il governo feudale proteggeva "attentamente" i suoi cittadini, comincia ora a influenzare chiaramente tutti gli ambiti della vita. Nella pittura si distinguono la corrente nazionale tradizionale (“nanga”) e quella europeizzata (“yofuga”). Nelle condizioni moderne, si sono quasi fusi insieme, a dimostrazione della formazione in Giappone della cultura cosmopolita del mondo capitalista. All'imitazione sconsiderata dei modelli occidentali si oppone (prendendo in prestito da essi tutto ciò che è veramente progressista) il lavoro di figure culturali come gli architetti Tange Kenzo, Maekawa Kunio, i grafici Ono Tadashige, Ueno Makoto, i pittori Kawabata Ryushi, Higashiyama Kayi e molti altri .

Arte della Cina. La Cina è uno dei paesi più grandi dell'Asia, la sua civiltà esiste dal IV millennio a.C. e. e appartiene ai più sviluppati nell'era dell'antichità e del Medioevo. Nel corso di diversi millenni di esistenza, la cultura cinese ha prodotto meravigliose opere d'arte e molte invenzioni utili. La letteratura, la filosofia e l'arte classica cinese hanno raggiunto livelli straordinari.

I primi monumenti dell'antica cultura cinese furono scoperti durante gli scavi negli anni '20. il nostro secolo. Danno un'idea della cultura di Yangshao (al centro III millennio AVANTI CRISTO e.- la metà del II millennio a.C. e.), che fu sostituito dai monumenti dell'era Shang (Yin) (secoli XVI-XI aC circa). Era una fase mitologica nello sviluppo del pensiero filosofico. Le idee principali riguardavano il cielo, che dà la vita, e l'inizio terreno, nonché il culto degli antenati, gli spiriti del cielo e della terra, che combinavano in modo intricato le caratteristiche di animali, uccelli e persone. A loro venivano offerti sacrifici di vino e carne, per i quali venivano fusi in bronzo speciali vasi rituali alti fino a 1 m, realizzati con la tecnica della fusione su un modello in cera, molto spesso avevano quattro cuciture longitudinali formate lungo la verticale della nave . Ma queste cuciture acquisirono anche un grande significato simbolico: dividevano la nave e tutto lo spazio circostante in quattro lati (punti cardinali). L'arredamento della nave a volte aveva una divisione orizzontale in tre cinture. Quello inferiore, pieno di onde stilizzate e immagini di pesci, simboleggiava l'elemento acqua, quello centrale - il mondo della terra e quello superiore - il cielo e le montagne, indicati da triangoli. Pertanto, ciascuna di queste navi serviva come espressione concentrata delle idee degli antichi cinesi sulla struttura della natura. Sui vasi del tipo Shang (Yin) sono state trovate anche le forme originali di scrittura geroglifica.

Nei secoli XII-III. AVANTI CRISTO e. finisce lo stadio mitologico di sviluppo delle idee sulla natura. Si stanno sviluppando gli insegnamenti del taoismo e del confucianesimo, che in un modo nuovo hanno rivelato il tema del mondo e dell'uomo in esso. Le stesse divinità mitologiche iniziarono a essere percepite in modo più condizionale, ma l'immagine di una persona diventa più specifica. Nei vasi del V-III secolo. AVANTI CRISTO e. ci sono intere scene di lavoro, di caccia, di raccolta.

Nel IV secolo. AVANTI CRISTO e. iniziò la costruzione della Grande Muraglia Cinese, la cui lunghezza totale supera i 5mila km. È adagiato lungo le catene montuose più alte e inespugnabili, come un pettine cresciuto nella loro carne di pietra.

L'era Han (III secolo a.C. - III secolo d.C.) è famosa per i suoi complessi funerari, ai quali conducevano "strade degli spiriti", incorniciate da statue di animali mitologici. Le sepolture sotterranee, decorate con rilievi e pitture, erano caratterizzate anche da strutture a terra, decorate all'interno con rilievi piatti.

All'inizio del Medioevo la Cina aveva già un passato secolare. Durante questo periodo, il buddismo cominciò a penetrare dall'India alla Cina, che attrasse le persone di quel tempo con il suo appello al mondo spirituale interiore dell'uomo, il pensiero della relazione interiore di tutti gli esseri viventi.

In Cina si stanno costruendo le prime pagode e monasteri rupestri, costituiti da centinaia di grotte grandi e piccole nello spessore della roccia. Il visitatore si muoveva lungo i pavimenti traballanti e guardava all'interno delle grotte, da dove lo guardavano le statue del Buddha. Alcuni giganti, che raggiungono i 15-17 metri di altezza, sono ora visibili a causa del crollo delle pareti anteriori delle grotte. I murali dei templi di quel tempo stupiscono con l'ispirazione dei maestri nel rappresentare scene buddiste. Nell'era Tang (VII-X secolo), nei dipinti apparivano motivi paesaggistici. La natura diventa non solo sfondo, ma anche oggetto di culto.

Un simile atteggiamento nei confronti del paesaggio fu preservato nell'era Song (secoli X-XIII), quando questo genere di pittura divenne la più alta espressione della ricerca spirituale degli artisti cinesi. Secondo le credenze di quel tempo, il mondo - l'uomo e la natura - è uno nelle sue leggi. La sua essenza sta nell'interazione di due principi: "yin" (acqua) e "yang" (montagne). Il paesaggio cinese, chiamato "shanshui" ("montagne - acque"), esprime questa interazione delle principali forze della natura. Per questo erano necessari solo due colori: scuro e chiaro (inchiostro scuro su sfondo chiaro). I paesaggi venivano dipinti su rotoli, il più delle volte verticali, ciò corrispondeva al compito dell'artista di mostrare l'immensa altezza delle montagne. L'epoca Sung ci ha dato molti nomi di grandi paesaggisti: Dong Yuan, Li Cheng (seconda metà del X secolo), Fan Kuan (fine X - inizio XI secolo), Xu Dao-ning (prima metà dell'XI secolo). L'artista e teorico multilaterale Guo Xi (XI secolo) nei suoi dipinti ha riassunto l'esperienza delle precedenti generazioni di artisti nell'interpretazione dello spazio, della linea e del colore. Il suo spazio è abilmente suddiviso in piani. Usa lo spazio bianco e vuoto del rotolo per trasmettere acqua, neve, nebbia e suoni bianchi diversi ovunque. Guo Xi, per così dire, ha riassunto le ricerche degli artisti del periodo Sung.

Nel 1127, l'intero nord del paese fu conquistato dalle tribù nomadi dei Jurchen. I governanti della Cina dovettero ritirarsi a sud, dove fu fondata la nuova capitale Hangzhou. La vergogna della sconfitta, la nostalgia delle terre abbandonate determinarono in gran parte lo stato d'animo dell'arte dei secoli XII-XIII.

La natura divenne, per così dire, l'unica consolazione nel dolore e nuove caratteristiche apparvero nella sua interpretazione. Diventa più proporzionato alla persona. L'immagine umana rispetto alla natura acquisì un significato speciale nei fogli degli album di Ma Yuan (1190-1224). La crescita del soggettivismo nella pittura anticipò la creazione della setta Chan, i cui rappresentanti parlavano di fragilità e illusorio forme esterne vita, sulla grande importanza dell'intuizione istantanea, dell'improvvisazione casuale nell'arte. Artisti come Mu Qi (prima metà del XIII secolo) e Liang Kai (inizio del XIII secolo) dipinsero rapidamente e in frammenti. L'immagine della natura e dell'uomo ha acquisito una colorazione molto particolare nel dipinto della setta Chan. Nel ritratto del poeta Li Po, vissuto nel X secolo. (artista Liang Kai), la figura è scritta come un geroglifico, con diversi tratti di pennello su uno sfondo bianco. Ma questo ritratto trasmette l'essenza della poesia di Li Po così fedelmente che è lui a essere riprodotto in innumerevoli edizioni dei suoi scritti.

Il livello di tutta la pittura Sung è insolitamente alto; divenne un classico insuperabile, al quale si rivolsero molte generazioni di artisti nei secoli successivi.

Durante i secoli X-XIII. la ceramica era altamente sviluppata. I prodotti in argilla si distinguevano per la loro varietà di forme, perfezione, elevate qualità tecniche, che servirono come base per il fiorire dell'arte della porcellana nei secoli XIV-XIX. La porcellana, molto apprezzata sul mercato estero, è un'invenzione dei cinesi.

Il primo tipo di pittura su porcellana era la pittura sottosmalto con blu cobalto, perché era l'unica che poteva resistere all'elevata temperatura di cottura. Poi, con l'introduzione della pittura a soprasmalto e di nuove tecniche di decorazione, tutti i colori divennero proprietà dei prodotti in porcellana. Tra questi ce ne sono molti squisiti, i più fini, ma ci sono, soprattutto nei campioni di porcellana tardiva, anche prodotti grossolani realizzati per l'esportazione.

arte decorativa Cina secoli XIV-XIX. rappresentato da molti magnifici monumenti. Questi sono ricami, vernici e intagli. pietre semipreziose, E Avorio. E tutti, di regola, sono intrisi del sottile talento dell'artista in relazione al materiale utilizzato, del gusto elevato, allevato dalla secolare tradizione della cultura cinese. (Per l’arte contemporanea cinese, cfr paesi socialisti arte.)

3. Arte dell'Antico Oriente

La storia del mondo antico si è sviluppata lentamente. Un nuovo passo importante nello sviluppo della cultura umana è stato compiuto dalle grandi civiltà dell'Antico Oriente: Egitto e Mesopotamia. Qui, a cavallo del IV - III millennio a.C. fu stabilito un nuovo ordine sociale, sorse lo stato. Nel campo della religione, fu effettuata una transizione verso un pantheon di dei sviluppato, verso la divinizzazione del potere reale. Cambiamenti fondamentali hanno avuto luogo nella cultura artistica. Acquisizione di belle arti, letteratura, artigianato significato indipendente. Nei dispotismo orientale, il contenuto ideologico dell'arte è l'esaltazione del potere degli dei e dei re, la glorificazione del potere dello Stato. Queste tendenze sono fissate in leggi e tradizioni rigide, appare un canone (un sistema di regole e norme inviolabili), che è stato preservato per migliaia di anni. Il canone prescriveva all'artista le regole per l'uso delle proporzioni e del colore, schemi per rappresentare persone e animali. L'artista fungeva da custode delle leggi sacre, la più importante delle quali era la distinzione attraverso l'arte della vita terrena da quella eterna. La cultura canonica dell'Antico Oriente ha sviluppato un linguaggio che corrisponde all'idea di costanza: un segno grafico economico, un contorno chiaro, una linea rigorosa e chiara.

Una delle caratteristiche più tipiche dell'antica arte orientale è la tendenza alla simbolizzazione. forme d'arte, causato dal desiderio di sospendere e generalizzare in una figura simbolica una lunga esperienza umana nella comprensione dell'essenza interiore delle cose. Il simbolo più importante dell'antica cultura artistica orientale è il Sole. Di solito è un segno di bellezza. La semantica di questa immagine combina elementi di varie forme culturali (filosofica, morale ed etica, religiosa, artistica, ecc.). La divinità solare diventa la divinità suprema dello stato.

La cultura artistica dell'Antico Oriente è caratterizzata dall'elitarismo. L'arte dei pittori non era praticamente separata dall'arte degli scribi; saggi e saggi.

L'antica cultura artistica orientale conservava lo scopo magico così caratteristico della società primitiva. Proprio come i loro antichi antenati, i popoli dell'Antico Oriente credevano che determinate azioni eseguite sull'immagine contribuissero alla loro attuazione rispetto all'originale.

Gli artisti non hanno cercato di esprimere la posizione soggettiva dell'autore in materia di arte. Mancava l'inizio personale. Il pubblico, il collettivo hanno ricevuto grandi soddisfazioni significato sacro. Il dovere dell'artista era la realizzazione di significati universali.

Le antiche culture orientali, avendo abbandonato la primitività, non hanno superato il modo mitologico dell'atteggiamento dell'uomo nei confronti del mondo. Tuttavia, ora non vengono divinizzati solo gli elementi naturali, ma anche il potere di uno stato dispotico che si è eretto al di sopra dell'uomo. Gli antichi stati orientali vivevano di agricoltura irrigua e di scorte pubbliche di grano. Tutto ciò richiedeva un rigoroso controllo amministrativo. Pertanto, questi stati si basano sulla negazione delle manifestazioni dell'individualità: il dispotismo orientale, caratteristico di tutti i paesi dell'Antico Oriente: Egitto, India, Cina, Mesopotamia.

Re sumero, Faraone egiziano, l'imperatore cinese non è solo il capo delle truppe che hanno preso le redini del governo, questi sono i governanti-dei. Fungono da intermediari tra Dio e le persone, come l'incarnazione del potere divino. La natura dispotica del potere permise ai governanti di realizzare grandiosi lavori pubblici sulla creazione di sistemi di irrigazione, la costruzione di strutture di palazzi e templi, come, ad esempio, le piramidi egiziane, torre di Babele, Porta di Ishtar, Templi di Luxor e Karnak, Grande Muraglia cinese.

Il termine "Antico Oriente" è approssimativo e condizionale, la tradizione di nominare i paesi situati nell'est e nel sud-est del mondo greco-romano si è sviluppata nell'antichità.

Nonostante tutta la diversità della cultura delle antiche civiltà orientali, si possono rintracciare caratteristiche comuni. Questi includono:

-agricoltura irrigua, tutte situate nelle valli dei grandi fiumi: Nilo, Tigri, Eufrate, Indo, Gange, Fiume Giallo;

–comparsa precoce statualità sotto forma di dispotismo;

-stretto legame della religione con il culto funerario e la cultura artistica;

– l’arte è monumentale, simbolica, permeata di spirito religioso, canonica;

- il culto del grandioso, del maestoso.

4. Cultura artistica dell'antica Grecia

È consuetudine designare la civiltà e la cultura antiche come la storia antica della Grecia e di Roma, nonché dei paesi che hanno sperimentato la loro influenza culturale, nel periodo fin dall'inizio. I millennio a.C al V secolo d.C Era una civiltà basata sulla schiavitù e rappresentava economicamente un notevole passo avanti rispetto alle antiche società orientali. Le conquiste della cultura antica sono sorprendenti; l'intera civiltà europea si basa su di esse. La storia dell'arte mondiale è piena di ricordi del mondo antico, di riproduzioni di storie e miti antichi. I generi letterari e i sistemi filosofici moderni, i principi dell'architettura e della scultura risalgono all'antichità. La cultura antica affascina con il suo carattere plastico, "corporeo". Il mondo / spazio - era inteso dagli antichi greci come un corpo animato, bello, sferico, abitato da persone e dei. Nell'estetica antica dominavano categorie come misura e regolarità, simmetria, ritmo e armonia, che per secoli determinarono i canoni europei di bellezza. "Niente oltre misura!" - leggi l'iscrizione sopra l'ingresso del santuario di Apollo a Delfi.

La plasticità è la base della visione del mondo greca, quindi gli Elleni preferivano le forme di arte plastica. Uno dei concetti centrali dell'estetica antica - kalokagatiya (dal greco calos - bello e agathos - moralmente perfetto) - denota l'armonia tra esterno e interno, che è una condizione di bellezza. La cultura antica si distingueva per un carattere profondamente secolare, con tutta l'importanza dell'adorazione degli dei.

Un cittadino libero, armoniosamente sviluppato, bello nello spirito e nel corpo: questo è l'ideale dell'antichità.

Già nel III millennio a.C. nella penisola balcanica e nelle isole del Mar Egeo stanno emergendo i primi centri statali, il più alto dei quali era cretese. I resti più impressionanti di questa civiltà sono i palazzi, motivo per cui viene chiamato "palazzo". A seguito di un'eruzione vulcanica (XV secolo aC circa) la maggior parte degli insediamenti perì. Creta è abitata dalle tribù degli Achei (XV - XIII secolo a.C.), questa cultura è chiamata Egea, la sua centri maggiori erano Micene, Tirinto, Atene, Tebe. Questo periodo è immortalato da Omero nell'Iliade. La civiltà achea è vessata dalle tribù dei Dori (XIII - XI secolo aC). Durante questo periodo, la formazione dell'autocoscienza etnica dei Greci avviene sulla base dell'unità di lingua, religione e costumi. La principale forma di statualità è la politica. L'antica Grecia non è mai stata un unico stato: è una moltitudine di stati separati.

Il periodo di massimo splendore della cultura e dell'arte dell'antica Grecia è il periodo classico (VI - V secolo a.C.). Fu in questo momento che la filosofia, la pittura apparvero in Grecia, apparvero teatri, stadi, furono eretti magnifici templi e sculture.

L'“epoca dell'ellenismo” (IV secolo a.C. - I secolo d.C.) inizia con le conquiste di Alessandro Magno. L'impero di Alessandro non durò a lungo, si disintegrò subito dopo la sua morte, ma il fatto stesso della sua esistenza ebbe un forte impatto sull'intero successivo sviluppo della cultura. L'influenza greca si estese alla cultura di altri popoli.

Nella storia della cultura greca è consuetudine distinguere i seguenti periodi:

- Cultura cretese-micenea (fine III millennio - II millennio aC);

- Omerico (XII - IX aC);

- Arcaico (VIII - VI aC);

– Classica (V – IV a.C.);

- Ellenistico (k. IV - I aC).

Risultati eccezionali della cultura greca antica.

Letteratura:

– poesia epica: Omero "Iliade", "Odissea".

- Poesia lirica: Alceo, Saffo, Anacreonte.

- Satira: Esopo.

Arte:

– Architettura: Palazzo di Cnosso, Acropoli di Atene (Partenone, Propilei, Eretteo, Pinacoteca), Tempio di Artemide ad Efeso, Mausoleo di Alicarnasso, Faro di Alessandria.

– Scultura: Fidia (statua di Zeus ad Olimpia, statua di Atena nel Partenone), Mirone (Discobolo), Prassitele (Ermete), Policleto (Nike di Samotracia), Agesandro (Laocoonte), Skopa (Menade), Lisippo (busto di A. Macedonia).

- Eschilo. Inclusione del secondo attore. Il tema principale delle tragedie è il problema della responsabilità morale per il danno arrecato, il problema del destino come forza che sta al di sopra della società, la punizione (le tragedie "Persiani", "Prometeo incatenato", "Orestea").

- Sofocle. Inclusione del terzo attore. Creato da lui immagini artistiche profondamente umano. Il conflitto delle sue tragedie nel confronto tra l'uomo e il destino (tragedie - "Edipo Re", "Antigone", "Elettra").

- Euripide. vivo interesse per personalità umana, la sua personalità, le sue pulsioni e impulsi. Le immagini che ha creato differiscono in profondità caratteristiche psicologiche(tragedie Medea, Ippolito, Fedra).

- Aristofane. Esempi brillanti Commedia in soffitta. Le trame sono tratte dalla vita politica di Atene contemporanea all'autore (le commedie I cavalieri, Le vespe, Le rane, Lisistrata).

Eminenti scienziati e filosofi:

Talete, Eraclito, Pitagora, Archimede, Ippocrate, Socrate, Platone, Aristotele, Erodoto, Democrito, Diogene, Epicuro.

Conquiste socio-etiche ed estetiche degli antichi greci:

- democrazia e sistema polis;

- il principio di kalokagatiya;

– Olimpiadi e il principio di concorrenza “agon”;

Porta all'acquisizione di conoscenze da parte degli studenti su questo problema non in modo completo. Capitolo III. SVILUPPO SPERIMENTALE DELLE LEZIONI