Probabilmente il tema di lavorare con un accompagnatore non è così popolare oggi come lo era 5 anni fa. Sì, le scuole d'arte per bambini, le scuole di danza e alcuni gruppi coreografici praticano ancora il lavoro sulla musica “dal vivo”. Ma in Ultimamente Mi imbatto spesso nel fatto che il desiderio di risparmiare porta al fatto che i coreografi rimangono sempre più senza accompagnatore.
È difficile spiegare a persone lontane dal mondo della danza che un coreografo ha bisogno di un accompagnatore soprattutto per insegnare ai bambini livello base. Ma, sfortunatamente, molte persone semplicemente non capiscono quale sia la differenza tra esercitarsi con il pianoforte o Centro musicale. L'ho riscontrato io stesso. Ma, come si suol dire, non parliamo di cose tristi...
Immagino di essere fortunato maggior parte Lavoravo, in fondo, per “vivere” la musica. Per 5 anni di lavoro alla Children's School of Arts c'era un accompagnatore fisso, poi ho cambiato lavoro e mi sono trasferito in una scuola secondaria, all'inizio c'era anche un accompagnatore, ma gradualmente l'orario ha cominciato a ridursi, ma ho potuto per convincermi che avevo bisogno di un accompagnatore, almeno per i ragazzi. Pertanto, con i bambini di 1-2 anni di studio, ho lavorato con un accompagnatore. Poi però ho perso anche quello. Ora, come la maggior parte delle persone, lavoro con un impianto stereo. Mi sono già adattato. All’inizio, però, è stato difficile.
Tuttavia, se rimangono dei fortunati (che hanno un accompagnatore), condividerò la mia esperienza di lavoro con lui.
Nella mia pratica c'erano due accompagnatori. Il primo aveva esperienza in coreografie, il secondo no. Questo è il cielo e la terra! Se l'accompagnatore non ha esperienza di lavoro con un coreografo prima di te, dovrai insegnargli tutto. Perché saper giocare bene non basta. Devi essere esperto nei nomi dei movimenti. Sapere come e a quale ritmo suonare.
Per far sì che la tua lezione non si trasformi in lunghe spiegazioni con l'accompagnatore, all'inizio dovrai lavorare con lui individualmente. Riunitevi prima della lezione e selezionate la musica per ogni movimento. Come ho fatto?
La cosa più semplice è prendere raccolte di appunti destinati specificamente alle lezioni. danza classica, Per esempio. Lì tutte le opere vengono selezionate per determinati movimenti. Se disponi di una raccolta del genere, trova semplicemente la musica adatta ed esegui la tua combinazione, commentando quale tempo dovrebbe essere suonato, in quali punti porre l'accento, se necessario. E così con ogni movimento! Questo, ovviamente, non è un processo rapido, ma non è necessario farlo tutto in una volta. È sufficiente distinguere 2-3 movimenti. La prossima volta altri 2-3, ecc. A poco a poco, svilupperai una lezione normale e a tutti gli effetti.
Se non hai una collezione del genere. Nessun problema! Prendi qualsiasi collezione, qui il tuo accompagnatore può suggerirti quale è migliore, in base a ciò che desideri e a ciò che è disponibile. E inizi a selezionare le opere in base al tempo di cui hai bisogno. Spesso ho preso solo un passaggio specifico di un'opera. Aggiungendo una priporazione all'inizio e alla fine e, ovviamente, adattandola al numero di battute richiesto. È fondamentale che l'accompagnatore commenti su dove e come posizionare gli accenti nella musica. I bambini quindi percepiscono il materiale più facilmente.
Ad esempio, con i bambini ho movimenti in cui facciamo qualcosa per 4 battute e riposiamo per 4 battute. In musica lo abbiamo evidenziato così. Quando lo facciamo, la musica suona più forte; quando riposiamo, la musica suona più bassa. Allo stesso modo, puoi distinguere tra movimenti ampi e piccoli. Quelli larghi sono più rumorosi, quelli piccoli sono più silenziosi. Dipende dalla tua discrezione. Puoi porre l'accento sul ritmo forte. Qui è tutto più o meno chiaro. Ma quando inizia lo studio dei movimenti dovuti al tatto, per i bambini diventa più difficile. Qui devi chiedere all'accompagnatore di evidenziare non i ritmi forti, ma viceversa. Lo stesso vale per il tempo. All'inizio il ritmo è lento, poi aumenta.
L'accompagnatore non dovrebbe stare tutto sulle note, dovrebbe sempre guardare con la coda dell'occhio cosa succede in classe e adattarsi ai ballerini.
Un'altra cosa. Per ogni movimento selezionato da te insieme all'accompagnatore, nella collezione deve essere presente un segnalibro firmato. In modo che durante la lezione l'accompagnatore possa trovarlo rapidamente la musica giusta. All'inizio ho avuto difficoltà con la seconda accompagnatrice perché durante la lezione passava molto tempo a cercare la raccolta giusta. I bambini si stavano rinfrescando. E spesso non riusciva a ricordare cosa avevamo raccolto il giorno prima e in quale raccolta. Era un grosso problema! All'inizio, sperando nella professionalità dell'accompagnatrice, non mi sono abbassato a monitorare se stesse stendendo le pagine necessarie. E poi, come faccio a saperlo, forse una persona conosce le sue collezioni come le sue tasche e non ha bisogno di segnalibri? Quindi, ho dovuto seguirlo. E le cose sono andate più velocemente. Devo dare merito alla mia accompagnatrice: non si è offesa e ha esaudito le mie richieste senza problemi. Ma le persone, ovviamente, sono diverse.
In generale, alla fine, nel corso di 5 anni, ovviamente, io e l'accompagnatore abbiamo lavorato bene insieme. Ma mi è costato molto lavoro! Ecco perché, ultimo consiglio, se hai l'opportunità di scegliere, scegli come accompagnatore una persona che abbia esperienza di lavoro in un gruppo coreografico.
Questo è tutto il mio consiglio. Come si lavora con un accompagnatore?
Sul lavoro di un accompagnatore/Ed.-comp. M. Smirnov. - M.: Musica, 1974.Contenuto:
Dal compilatore
L. Zhivov. Lavora nella classe di accompagnatore sui romanzi di Pushkin di Glinka.
T. Petrushevskaya-Rudenko. Il lavoro dell'accompagnatore sulla musica da camera opere vocali Musorgskij.
S. Velichko. Sulla performance dei romanzi di Myaskovsky.
T. Chernysheva. Le romanze di Sviridov nel repertorio dell'accompagnatore.
V. Podolskaya. Sviluppare capacità di accompagnamento visivo.
K. Vinogradov. Sul lavoro di un accompagnatore d'opera.
E. Bryukhacheva. Arrangiamento di passaggi difficili dal clavicembalo dell'opera "Eugene Onegin"
DAL COMPILATORE
Finora solo pochi articoli sono stati dedicati all'arte dell'accompagnamento e dichiarazioni individuali grandi musicisti: compositori, pianisti, direttori d'orchestra. Di più meno letteratura sui metodi di insegnamento di questa materia accademica (vano menzionati gli esperimenti riusciti di I. Kryuchkov, O. Rafalovich ed E. Shenderovich). Nel frattempo, molti pianisti iniziano ogni anno, diplomati ai conservatori e alle scuole di musica del nostro paese attività pratiche accompagnatori, e hanno molte difficoltà, domande e dubbi. Ecco perché si è preparato il Dipartimento di abilità di accompagnatore del Conservatorio di Mosca l'anno scorso una serie di studi metodologici, alcuni dei quali costituiscono il contenuto di questa raccolta.
Gli autori degli articoli sono accomunati dalla concezione dell'arte dell'accompagnamento come un insieme in cui il pianoforte svolge un ruolo enorme, per nulla ausiliario, lungi dall'essere limitato a funzioni puramente di servizio di supporto armonico e ritmico per il partner. No, entrambi i musicisti, il solista e il pianista, in senso artistico diventano membri paritari di un unico, integrale organismo musicale. Questo non si sarebbe potuto menzionare se non fosse stato per un punto di vista diverso che ancora esiste. Purtroppo a volte ci troviamo ancora di fronte ad una chiara sottovalutazione dell'importanza del ruolo dell'accompagnatore, della necessità di sentire e valutare l'insieme come indissolubile complesso artistico. Ciò non è forse dimostrato, ad esempio, da fatti del genere, quando alla radio o alla televisione vengono citati solo i nomi dei solisti? Tali fenomeni non disorientano gli ascoltatori, invece di dirigere la loro attenzione sulla percezione di un'immagine sonora comune e ininterrotta? Non è questo il motivo del calo del livello artistico delle prestazioni in alcuni concerti filarmonici e negli esami istituzioni educative? Ci sembra che sarebbe più corretto sollevare la questione non sull'accompagnamento (cioè su una sorta di suonare insieme al solista), ma sulla creazione di voci o ensemble strumentale. Condurre lezioni in una classe di accompagnatori proprio da queste posizioni è il compito creativo degli insegnanti.
L'abilità di un accompagnatore è profondamente specifica. Richiede al pianista non solo grande abilità artistica, ma anche talenti musicali ed esecutivi versatili, nonché una conoscenza approfondita di vari strumenti musicali. voci cantanti, con caratteristiche di suonare tutti i tipi di strumenti, con una partitura d'opera.
L'accompagnatore deve diventare non solo un pianista: è anche cantante, violinista, trombonista, batterista, è anche direttore d'orchestra o di coro d'opera. Il pianista non deve conoscere solo la parte solistica oltre alla propria; Può accompagnare bene solo quando tutta la sua attenzione è focalizzata sul solista, quando ripete “a se stesso” con lui ogni suono, ogni parola, e ancora meglio - ha un presentimento, anticipa in anticipo ciò che il suo partner condividerà. Sentiti come un solista - condizione necessaria mentre lavori su un pezzo con un cantante o uno strumentista.
Le attività di un giovane musicista nel padroneggiare il repertorio da camera sono discusse negli articoli della raccolta: "Lavoro nella classe di accompagnatore sui romanzi di Pushkin di Glinka" del professore associato L. M. Zhivov, "Il lavoro dell'accompagnatore sulle opere vocali da camera di Mussorgsky" del professore associato T. D. Petrushevskaya, "I romanzi di Sviridov nel repertorio accompagnatore" T. S. Chernysheva, "Sull'esecuzione dei romanzi di Myaskovsky" S. N. Velichko.
Qual è il focus metodologico di questo gruppo di articoli? Gli autori si sono posti il compito di aiutare a realizzare il lavoro del giovane accompagnatore (e insegnante). immagini artistiche opere, schema possibili opzioni le loro interpretazioni performative, contribuiscono a una comprensione approfondita dell'ideologico e significato filosofico creatività di alcuni compositori. Analisi di performance romanze e canzoni aiuta a comprendere meglio l’originalità dello stile creativo dell’autore. Durante la revisione composizioni vocali l'attenzione del lettore è attirata dal loro contenuto, struttura compositiva e la natura della trama, le caratteristiche del testo poetico, la connessione tra parola e suono, la specificità della parte del cantante. Oggetto di particolare preoccupazione per gli autori degli articoli sono i problemi del rapporto tra le parti vocali e pianistiche, la loro fusione in un'unica sintesi artistica, il desiderio di massimizzare l'identificazione di tutti gli elementi dell'accompagnamento per creare un insieme armoniosamente integrale immagine musicale.
<...>
Quando si preparano i giovani accompagnatori, si dovrebbe prestare particolare attenzione allo sviluppo delle capacità di lettura a prima vista. È generalmente accettato che non si possa diventare un accompagnatore professionista senza possedere tali capacità. Questo, a quanto pare, è associato a molti problemi nella formazione di un artista: rivelare la sua individualità, ampliare i suoi orizzonti, la capacità di lavorare in modo indipendente, prepararsi per il futuro lavoro di insegnamento, ecc. I problemi della lettura a prima vista oggi stanno acquisendo un aspetto particolarmente acuto, suono davvero drammatico - e non solo per gli accompagnatori. -La stragrande maggioranza degli studenti non li possiede competenze necessarie- un sintomo allarmante dello scarso interesse dei giovani pianisti per l'arte musicale in senso lato, e spesso un indicatore del loro basso livello professionale. L'abbondanza di mezzi di riproduzione del suono crea il pericolo di una percezione passiva della musica, studiandola solo a orecchio. La vera conoscenza della letteratura è possibile solo dove lo studente suona autonomamente l'opera sullo strumento. Infine, è difficile diventare un vero insegnante se non si dispone di un repertorio ampio e vario. E questo non può essere raggiunto senza una lettura della musica relativamente libera e fluente. Da qui è chiaro che le questioni "dolorose" elencate dovrebbero riguardare tutti gli insegnanti di scuole, college e università, compresi gli insegnanti specializzati (se vogliono vedere i loro studenti come musicisti istruiti e che pensano in modo indipendente).
Si sente spesso un'opinione molto strana secondo cui la capacità di leggere a prima vista e di trasporre è un dono esclusivamente innato proprietà naturale personalità. Difficilmente si può essere d'accordo con questo. La pratica educativa rifiuta categoricamente tale visione. Il lavoro svolto negli ultimi anni presso il dipartimento di pianoforte del Conservatorio di Mosca per sviluppare queste abilità, la loro regolare verifica negli esami e nelle serate di prova, indicano che con un'adeguata focalizzazione e organizzazione della materia, queste abilità possono essere coltivate con successo. Ciò solleva il problema della ricerca a tutto campo e dello sviluppo di metodi di insegnamento e formazione adeguati. Gli studenti del conservatorio versano in condizioni difficili. Di solito vengono cotti troppo poco in questa zona, fino alla pancia. La lettura a prima vista viene solitamente eseguita solo a casa scuola elementare scuola, e poi, man mano che i brani imparati diventano più lunghi e complessi, questo lavoro viene interrotto. La pratica nelle lezioni di accompagnatore nelle università chiaramente non è sufficiente. Le tradizioni di suonare a quattro mani, suonare le opere prima di ascoltarle in un concerto (così preziose!) sono quasi dimenticate. È chiaro a tutti gli insegnanti che sono necessarie misure urgenti e radicali. L'introduzione di un serio test di lettura a prima vista agli esami di ammissione e finali nelle scuole e nelle università (con obbligo di tenerne conto nella valutazione di una specialità), una maggiore attenzione a questo nelle classi di ensemble da camera, e forse anche l'inclusione della lettura a prima vista nelle lezioni piani educativi come soggetto indipendente: queste e altre attività potrebbero diventarlo mezzi efficaci migliorare la formazione dei pianisti.
Il metodo di insegnamento della lettura a prima vista è associato allo sviluppo non solo dell'udito interno, ma anche della coscienza musicale e delle capacità analitiche. È importante capire velocemente senso artistico lavorare, per cogliere la parte più caratteristica del suo contenuto, la linea interna di divulgazione dell'immagine musicale; È necessario avere una buona comprensione della forma, della struttura armonica e metro-ritmica della composizione, ed essere in grado di separare il principale dal secondario in qualsiasi materiale. Quindi si apre l'opportunità di leggere il testo non “nota per nota”, ma nel suo insieme, in grandi complessi sonori, proprio come procede il processo di lettura di un testo verbale. Questo fenomeno in psicologia è chiamato percezione olistica o sintetica: una persona alfabetizzata legge un libro o un giornale non per lettera e nemmeno per sillaba, ma abbraccia le parole (a volte anche gruppi di parole) secondo i loro contorni, spesso all'inizio della parola, indovinandone il significato, in un modo o nell'altro svolta fraseologica. (Ciò, tra l'altro, è dimostrato dal fatto che durante la lettura a volte non notiamo errori di battitura nel testo). E quando si legge un brano musicale da uno spartito, è estremamente importante riuscire a semplificare il testo, scegliendo ciò che è più necessario. È difficile per quei pianisti che si aggrappano freneticamente a tutte le note, cercando disperatamente di realizzare l'intera trama. La condizione decisiva per il successo, ripetiamo, è la capacità di sezionare la trama del pianoforte, lasciando solo la base minima della parte del pianoforte, per immaginare rapidamente e chiaramente i principali cambiamenti nel pezzo: carattere, tonalità, ritmo, dinamica, trama. , eccetera. "Massima musica e note minime", dicono tutti i pianisti esperti.
Lo stesso vale per la trasposizione. Prima di iniziare la trasposizione, è necessario immaginare chiaramente il suono dell'opera (almeno nella tonalità originale), lo schema logico interno del suo sviluppo, la linea del movimento melodico-armonico. È importante “ritrovarsi” mentalmente in una nuova tonalità, sapere bene come sono costruiti gli accordi principali in essa. E, forse, la cosa più preziosa è, ancora una volta, vedere e ascoltare non i singoli suoni isolati, ma i loro complessi, il significato armonico, la funzione degli accordi. La trasposizione, così come la lettura, è notevolmente facilitata dalla capacità di seguire, prima di tutto, la linea vocale e contemporaneamente seguendo il movimento del basso (la voce più bassa della parte del pianoforte). Così, tra l'altro, Dvorak leggeva le partiture al pianoforte: seguiva la melodia e il basso della trama orchestrale, e indovinato sulle voci medie. Questa tecnica può accelerare l'avvicinamento all'obiettivo desiderato e all'accompagnatore: "afferrare" immediatamente tutte e quattro le linee (comprese quelle verbali) delle parti solista e pianoforte. È più facile determinare l'armonia, partendo da i bassi. Tale analisi aiuterà anche la trasposizione sostituendo le chiavi, cioè trasferendo automaticamente tutti i suoni del tessuto ad un certo intervallo verso il basso e verso l'alto. Non c'è dubbio che la velocità di orientamento la raggiungono piuttosto coloro che amano e sanno selezionare a orecchio e improvvisare. È più facile per loro prevedere il corso dello sviluppo musicale, indovinare quegli elementi della trama che non hanno avuto il tempo di notare e realizzare.
Uno degli aspetti centrali del complesso problema della lettura a prima vista è il coordinamento da parte dell'esecutore delle rappresentazioni uditive interne e dei movimenti pianistici. È innegabile che analizzare un testo non basta buona performance. Devi anche essere in grado di realizzare le tue idee pianisticamente. E per questo è necessario sviluppare la libertà di orientamento nella tastiera, in vari tipi tecniche, diteggiature. Solo con la piena mobilitazione di tutti creatività il pianista si sottoporrà con successo al processo di lettura a prima vista.
L’articolo è dedicato a questa gamma di questioni. circa, professore associato V.V. Podolskaya “Sviluppo delle capacità di accompagnamento dalla vista”. L'autore offre uno dei modi interessanti e metodologicamente significativi per insegnarlo l'arte più importante: addestrare un pianista su esercizi difficili, secondo lei, rafforza sistema nervoso, elimina il "riflesso della codardia", soprattutto attiva l'attenzione. Ricordiamo a questo proposito il famoso motto di Suvorov: "Duro nell'allenamento, facile in battaglia".
<..>
Quindi, nella collezione stiamo parlando su questioni molto significative, ma tutt'altro che esaustive, della formazione di un giovane accompagnatore. Molti dei suoi aspetti sono rimasti inesplorati. Metodologia per lo sviluppo delle capacità di trasposizione, le specificità del lavoro di un accompagnatore in vari lezioni strumentali università della musica, caratteristiche dell'accompagnamento strumentale (in particolare, lavoro sui concerti), organizzazione della pratica dell'accompagnatore per gli studenti: questi sono alcuni degli argomenti ulteriore ricerca dipartimenti.
Gli autori non hanno considerato le loro raccomandazioni su determinate questioni come incrollabili e le uniche corrette: in ogni caso viene indicato solo uno dei tanti modi possibili di padroneggiare abilità complessa accompagnatore. Ci auguriamo che questa raccolta contribuisca allo scambio di esperienze e considerazioni teoriche in questo settore ancora poco esplorato dell'arte musicale, che tanto manca a tutti noi insegnanti.
La melodia è sempre accompagnata da ritmo e armonia. Un enorme fardello ricade sulle spalle dell'accompagnatore, perché deve raggiungere l'unità artistica di tutte le componenti, approfondirla contenuto artistico lavoro eseguito. L'accompagnatore mette in scena il programma, cioè esegue lavoro pedagogico. L'accompagnatore accompagna. Accompagnare – cioè sostenere, partecipare al processo lavorativo generale. Nell'antica Cina (VIII secolo aC), la danza (u) non poteva fare a meno di (yue) - accompagnamento: la capacità di immaginare il tempo e mantenerlo costante; suonare ritmicamente; suonare in modo chiaro ed espressivo, ad es. osservare le gradazioni dinamiche del suono e i cambiamenti di velocità agogica; pausa; evidenziare le parti principali; padroneggia il repertorio e sii pronto ad accompagnare diversi solisti e gruppi di ballerini in qualsiasi momento.
Scaricamento:
Anteprima:
Messaggio metodico
Sul tema:
Nozioni di base sul lavoro dell'accompagnatore
ACCOMPAGNATORE
TURCHINA E.E.
La melodia è sempre accompagnata da ritmo e armonia. Un enorme fardello ricade sulle spalle dell'accompagnamento, poiché deve raggiungere l'unità artistica di tutte le componenti e approfondire il contenuto artistico del brano eseguito. L'accompagnatore mette in scena il programma, cioè svolge attività didattica. L'accompagnatore accompagna. Accompagnare – cioè sostenere, partecipare al processo lavorativo generale. Nell'antica Cina (VIII secolo aC), la danza (u) non poteva fare a meno di (yue) - accompagnamento: la capacità di immaginare il tempo e mantenerlo costante; suonare ritmicamente; suonare in modo chiaro ed espressivo, ad es. osservare le gradazioni dinamiche del suono e i cambiamenti di velocità agogica; pausa; evidenziare le parti principali; padroneggia il repertorio e sii pronto ad accompagnare diversi solisti e gruppi di ballerini in qualsiasi momento.
La prima radice è la danza. Esistono molte scuole di danza nel mondo e ogni nazione ha il proprio vocabolario di danza e la propria varietà di movimenti (salto, nuoto).Di base mezzi di espressione danza:
1) movimenti e posture armoniose;
2) espressività plastica ed espressioni facciali;
3) dinamica;
4) tempo e ritmo;
5) disegno e composizione spaziale;
6) transizione da una posizione del corpo all'altra, il loro cambiamento forma il movimento.
La forma più semplice movimento danzante- questo è il ritmo. A sua volta, il tempo è formato in passi (pa). Questi passi formano varie combinazioni di danza. La seconda radice è l'arte strumentale. Con lo sviluppo degli strumenti è emersa la necessità della formazione e della capacità di accompagnamento su questi strumenti. Dall'era di Pietro I, iniziò a svilupparsi educazione musicale. All'inizio del XIX secolo. Si sta formando la terza radice della nostra professione: la direzione d'orchestra. Gli accompagnatori professionisti sono diventati più forti, si sono formate professioni: direttore d'orchestra: A. Rubinstein, G. Berlioz, M. Glinka, M. Balakirev, M. Mussorgsky. A ovest - D'Albert, Hans von Bülow, F. Liszt. Il primo accompagnatore russo fu M.A. Bikhter, che era anche direttore d'orchestra. La volontà è una qualità dei conduttori: ispirare, ordinare, organizzare. Quarta radice - arte vocale(cantilenza) – nobilitato il pianismo russo. A. Rubinstein ha costretto i suoi studenti a portare e cantare romanzi.
Fu solo nel XX secolo che si formò la professione di pianista accompagnatore. Nel 1932, per la prima volta al mondo, sorse a Rostov sul Don una classe di accompagnamento. E ora è in fase di formazione. Ora l'arte dell'accompagnamento è considerata uno stato: questo è un concetto qualitativamente nuovo che ha assorbito tutta l'esperienza storica nello sviluppo dell'arte dell'accompagnamento. M. A. Bikhter nelle riviste “ Musica sovietica» N. 9, 12, 1959ha pubblicato “Fogli di memorie”:
1) Il suono è un materiale vivo per esprimere sentimenti vivi;
2) L'esecutore ha la libertà necessaria per trasmettere musica viva, fluida, quella libertà che non può essere catturata nelle note, dove il compositore esprime in forma congelata le sue emozioni, liberate dall'esecutore;
3) Devi aver paura del pensiero convenzionale, rifuggire dalla contabilità; notazione musicale– non l’anima della musica;
4) Cantare cantanti eccezionali sviluppa il gusto e pone le basi per i requisiti vocali. Un ottimo cantante con una voce ben allenata, come un faro, indica la retta via e sostiene lo spirito nella lotta per la buona prestazione;
5) Quando si esegue, si dovrebbe tendere all'espressività, a creare carattere, un'idea vivente dell'arte;
6) Il ritmo è l'anima della musica. Dobbiamo sforzarci di garantire che il “tempo” musicale non sia solo evidente, ma necessario, quindi la trama musicale più veloce e complessa acquisisca chiarezza;
7) Un pedale avaro nell'accompagnamento decora solo l'insieme complessivo;
Quindi cosa rende un buon accompagnatore? Elenchiamo:
1) Accompagnare tutto e quando possibile;
2) Sviluppa te stesso instancabilmente mentalmente, esteticamente, moralmente;
3) Sviluppare l'interesse per la lettura, l'arte, il pensiero;
4) Sii disciplinato, obbligatorio e puntuale.
Un insieme performante che funziona con un orientamento psicologico formale verso l'interazione ottimale per raggiungere un obiettivo comune è un piccolo gruppo.Le sue caratteristiche principali:
1) un sistema di interazione emotiva relativamente stabile, educativo e definito;
2) una forma di associazione sociale in cui i membri del gruppo interagiscono personalmente;
3) interazioni tra individui, basate sulla loro unificazione per la partecipazione congiunta a determinate attività. Hanno obiettivi, interessi, motivazioni, comportamenti e atteggiamenti socio-psicologici comuni.
La qualità della performance dell'insieme è la capacità di ascoltare il suono complessivo. La psicologia dell'interazione tra i partner attuatori si basa sul meccanismo dello spostamento delle motivazioni, il loro obiettivo reale. La cosa principale è per un unico obiettivo. In una coppia composta da un solista e un accompagnatore, l'obiettivo è l'esecuzione convincente di un programma o di un brano. Si ottiene come risultato di un duplice processo: 1) Ogni esecutore lavora per la propria parte; 2) Insieme creano una nuova qualità di interpretazione delle opere. È qui che entra in gioco la legge dell'inversione dei ruoli (interazione dinamica). Nelle attività di accompagnatore punto importante la legge psicologica dell'inversione di ruolo appare come una condizione per l'attività attività creativa. L'accompagnatore equivale al solista, responsabile dell'intero tessuto dell'opera e, ricreandolo nel suono reale, si sforza di ottenere il massimo risultato artistico. L'accompagnatore deve avere un tipo speciale di attenzione. È multiplanare. Deve essere distribuito non solo tra due con le mie stesse mani, ma indicato anche come solista o gruppo: il personaggio principale. Tutto questo deve essere percepito in modo olistico. Il cerchio di attenzione dell'accompagnatore è ampio e complesso (K.S. Stanislavsky).
Traiamo le conclusioni da quanto sopra:
1) Coltivare le competenze d'insieme è un processo continuo e mirato associato a un orientamento verso interazioni ottimali, chiamato spostamento verso un obiettivo;
2) Qualsiasi stereotipo nel processo di attività d'insieme agisce come un freno al processo creativo;
3) La legge dell’inversione di ruolo rimuove il rigido stereotipo dell’atteggiamento di un individuo e caratterizza la ricerca e il raggiungimento di nuove qualità e obiettivi elevati;
4) Nell'interazione dei musicisti d'insieme devono essere specificate condizioni di compromesso o un meccanismo di compromesso delle condizioni pedagogiche;
5) Risultato atteso attività congiunte deve contenere un momento di ricompensa.
L'aspetto psicologico della formazione dello Stato prontezza psicologica la performance è l'organizzazione della coscienza e dell'attività dell'esecutore in conformità con la natura e le condizioni della imminente rappresentazione pubblica. Qui dobbiamo definire il nostro compito pedagogico. Questa è una ricerca di modi e mezzi per garantire la prontezza psicologica dello studente per un concerto mentre lavora sul pezzo studiato.
Questo lavoro può essere suddiviso in 3 fasi:
1) fase di familiarizzazione con un brano musicale, ad es. fase di formazione del progetto esecutivo;
2) la fase di attuazione del concetto di performance, creando un'interpretazione dell'opera;
3) la fase di preparazione pre-concerto vera e propria. È importante determinare la data dello spettacolo. In questo momento, lo studente inizia a formare un orientamento di coscienza ed è incluso nel programma di lavoro mirato. La formazione di uno stato di prontezza psicologica all'esecuzione si basa su diversi fattoripunti positivi:
1) motivo associato all'atteggiamento dell'esecutore nei confronti delle opere musicali, ad es. motivi associati all'autoattivazione;
2) motivi legati all'atteggiamento dell'esecutore nei confronti del pubblico;
3) motivi legati al fatto dell'attività pubblica e dell'orgoglio.
Nel processo di formazione di un atteggiamento psicologico durante un concerto, il repertorio gioca un ruolo decisivo. Nella classe di accompagnamento, questo è il desiderio di esibirsi in una composizione o nell'altra. Nella sua fase iniziale, un ensemble è innanzitutto un gioco di interazione; successivamente, è un percorso verso la co-creazione d’insieme. Con l'aiuto del repertorio e degli illustratori, l'insegnante li crea qualità importanti personalità dello studente, come la fiducia nella realizzazione delle aspirazioni creative e una sobria autostima. Obiettivo lontano processo educativo nella classe d’insieme – per formare una reazione positiva stabile alla presentazione del proprio lavoro, per superare il sovraccarico di stress che oggettivamente esiste in ogni persona durante il parlare in pubblico. L'obiettivo professionale di un insegnante di classe d'insieme è formulare chiaramente il compito educativo e l'assegnazione dei compiti per lo studente e farlo in modo categorico. Un aspetto importante Il sistema di preparazione è l'adattamento alle condizioni della performance imminente. Un esperimento “mentale” aiuta qui, quando lo studente può immaginare in un ambiente scenico, vedere, sentire e controllare la sua performance in condizioni immaginarie. Esistono alcuni modelli generali, fasi di preparazione situazionale per l'esibizione sul palco:
1) Caratterizzato da una concentrazione generale dell'attenzione, mobilitando la coscienza in connessione con l'orientamento verso l'attività imminente;
2) Quando la coscienza è finalizzata a determinare il momento della disponibilità finale per iniziare l'esecuzione, ad es. disponibilità a passare dal regno dell'immaginazione sonora al regno del suono reale (nell'esecuzione d'insieme questo è il momento del cenno del capo del solista).
La cosa più importante nell'attività di un accompagnatore è arrendersi in tempo e condurre in tempo. La questione dell'introduzione del pianoforte è importante: brillante ed espressiva, ma proporzionata. È necessario enfatizzare in particolare la trama e il tema tematico dell'introduzione con il suono? NO. Devi suonare in modo brillante, espressivo, ma commisurato al tuo modo di suonare con le capacità sonore ed emotive dello studente. Lo stesso vale per gli episodi solisti all'interno delle rappresentazioni teatrali. L'accompagnatore dovrebbe prepararsi a suonare prima del suo partner junior se iniziano contemporaneamente. Per fare ciò, subito dopo aver accordato lo strumento, è necessario mettere le mani sulla tastiera e monitorare attentamente lo studente. Nelle prime classi, gli studenti a volte iniziano a giocare subito. A volte è l'accompagnatore stesso a dover mostrare allo studente l'inizio del brano. Tuttavia, è dannoso rafforzare questa tecnica, è necessario che il solista risolva autonomamente questi problemi. L'accompagnatore non dovrebbe fissare o insistere su un tempo o un ritmo rigido durante l'esecuzione. L'iniziativa dovrebbe essere trasferita allo studente in ogni modo possibile. L'essenza dell'accompagnamento di un giovane solista è aiutarlo a rivelare le sue modeste intenzioni, a mostrare il suo modo di suonare così com'è oggi. L'accompagnatore deve seguire incessantemente lo studente anche se questi confonde il testo, non riesce a mantenere le pause o le allunga. Se lo studente perde l'intonazione per un breve periodo, è possibile evidenziare nettamente l'accompagnamento per riportarlo alla posizione acuta. Se si osserva una perdita di intonazione per un lungo periodo, l'intera struttura tranne il basso dovrebbe essere rimossa dal suono fino al nuovo episodio. Se l'esecuzione viene interrotta e il suggerimento musicale non aiuta, è opportuno concordare con calma con lo studente da quale episodio riprendere il gioco.
La lettura a prima vista è un aspetto molto importante dell'abilità di un accompagnatore. Durante la lettura testi musicali Con quattro mani, il compito della stabilità ritmica e dell'esecuzione ritmica continua e molto uniforme diventa particolarmente acuto. La base di metodi collaudati per insegnare la lettura a prima vista e la trasposizione è il processo di assimilazione fin dai primi passi nell'apprendimento di una serie di formule (scale, accordi, arpeggi). Si chiamano formule di texture generalizzate. Prima di leggere il testo, chiedere allo studente di cercare in esso formule familiari: formazioni di scale, arpeggi, spezzate o brevi, sequenze di accordi o cromatiche. Il primo esercizio è meglio basato sul movimento per quarti, come velocità ritmica corrispondente al nostro camminare, il ritmo abituale della vita. Per creare una sensazione muscolare di complessi di accordi e intervalli, è necessario sviluppare le abilità: a) rapido riconoscimento visivo-uditivo di un intervallo o accordo secondo il suo schema specifico su qualsiasi parte del testo musicale, comprese le linee aggiuntive; b) reazioni istantanee delle dita a un segnale visivo-uditivo basato su formule elementari di diteggiatura “standard” (seconda, terza). È meglio cominciare dalle terze, poi dalle quinte, perché... questo intervallo si trova spesso negli accompagnamenti danze antiche E canzoni folk. È di fondamentale importanza sviluppare nello studente la capacità di leggere gli intervalli, gli accordi e poi l'intera trama pianistica utilizzando la tecnica “bottom-up”. Questo è strategicamente importante affinché in seguito, durante la lettura di testi nuovi e complessi, ricorrendo ad abbreviazioni, l'occhio dello studente possa trattenere la voce del basso, e quindi fissarci nel tono e nel ritmo. La lettura a prima vista in un insieme incoraggia i lenti ad agire in modo più energico e i pignoli ad agire con più prudenza e calma. Questo effetto è valido in tutte le fasi della formazione di un pianista. Quando si legge la trama di un accordo, un punto importante è la precisa fissazione visiva di quelle note che, quando l'armonia cambia, rimangono nell'accordo successivo, perché fissano le dita del pianista in una certa area della tastiera e attorno ad esse varia il testo principale. La condizione decisiva per l'esecuzione continua ed espressiva delle note è la capacità di prevederne i cambiamenti varianti. Quando leggi di vista non dovresti attenzione speciale passare alla tastiera. Se si verifica una situazione in cui “le mani non funzionano”, è meglio semplificare la trama in una voce di basso o in un eco armonico. Allo stesso tempo, in nessun caso dovresti rimproverare lo studente, perché l'importante è non fermarsi e non perdere il solista.
Abbiamo deciso di realizzare un “Memo per gli accompagnatori” come primo materiale per la nuova sezione “Umorismo e Curiosità”. Non puoi dire di cosa si tratta nuovo testo- Probabilmente lo conoscono tutti.
Tuttavia, vorrei iniziare da lì. In primo luogo, è davvero divertente e, in secondo luogo... In generale, la fiaba è una bugia, ma contiene un accenno. Rispetta i tuoi accompagnatori!
Promemoria per gli accompagnatori
1. Dimentica tutto ciò che ti è stato insegnato prima nella tua lezione di specialità. Non avrai bisogno di questa conoscenza; inoltre, sarà d’intralcio.
2. Prima di suonare, chiudi tutti i coperchi possibili sullo strumento: questo ti farà guadagnare il rispetto da parte dei membri di qualsiasi dipartimento.
3. Non iniziare a suonare, controlla se il solista è a posto.
4. Se il solista è lì, assicurati di aspettare un leggero sorriso, uno sguardo tormentato, un cupo cenno del capo: qualsiasi prova che sei stato notato.
5. Se il solista è in uno stato squilibrato, aiutalo ricordandogli con tatto te stesso giocherellando leggermente con il pianoforte; in casi particolarmente gravi, puoi abbassare discretamente il supporto o il coperchio del pianoforte.
6. Fai attenzione, il solista può iniziare all'improvviso, quindi devi essere in grado di iniziare da qualsiasi posto e da qualsiasi posizione.
7. Attenzione, il solista potrebbe anche interrompere improvvisamente la performance. Per dare una naturale completezza al lavoro, sii pronto a spifferare con disinvoltura la tonica in qualsiasi momento.
8. Dimentica f, non hai bisogno di questa sfumatura. Nessun solista che si rispetti ti permetterà di suonare il fa, soprattutto il suo insegnante. Abituati all'idea che la principale sfumatura operativa di mp è che rende tutti più calmi.
9. Abbandona immediatamente e decisamente la ricerca della diversità sonora - ricorda ricchezza naturale tavolozza sonora degli strumenti del conservatorio.
10. Sii attento alle perdite: a volte le persone qui ci ascoltano. Pertanto, è meglio imparare il testo. In nessun caso dovresti suonare molto bene i bridge; questo non è etico per la maggior parte dei solisti.
11. In nessun caso suonare ritmicamente, altrimenti non sarà insieme.
12. Non prendere a cuore le designazioni del tempo e le istruzioni dell'autore: tale ingenuità non è incoraggiata dai solisti.
13. Quando lavori con i cantanti, impara a respirare superficialmente e frequentemente. Questo ti aiuterà a padroneggiare il rubato vocale (trascrizione russa) di una frase musicale.
14. Assicurati di imparare a cantare, dirigere e suonare almeno uno strumento a corda, folk, ottone e fiato.
Se dopo aver letto le istruzioni ti sembra che ci sia ancora molto che non puoi fare, non arrabbiarti. Ti verrà insegnato a suonare il pianoforte da cantanti, suonatori di fiati, direttori d'orchestra, populisti - tutti coloro che sanno farlo meglio di te.
Il mondo musicale offre tante professioni diverse, una di queste è quella di pianista accompagnatore. Questo è, in effetti, un accompagnatore, ma la gamma delle sue responsabilità è ampia, così come la gamma di competenze e abilità. Ottimo il ruolo dell'accompagnatore attività pedagogica, nel lavoro degli ensemble, responsabilità speciali ricadono sulle sue spalle arte dell'opera. Parliamo di in cosa consiste il lavoro di un accompagnatore e quali qualità dovrebbe avere.
Il concetto di "accompagnatore"
C'è un'opinione secondo cui quello dell'accompagnatore è una professione semplice, alla quale si dedicano persone che non sono in grado di diventare solisti. Ma in realtà, questi musicisti devono avere un arsenale di capacità e abilità molto più ampio, poiché non è sufficiente che siano semplicemente buoni interpreti, ma è necessario anche avere il senso dell'insieme, essere in grado di presentare il solista in modo efficace, ecc. L'accompagnatore accompagna altri musicisti, studenti, spettacoli musicali. Il nome stesso della professione suggerisce che questa persona è un maestro nella direzione di concerti, è il principio unificante dell'azione concertistica.
Storia della professione
La formazione della professione di accompagnatore avviene nel XVII secolo, quando compaiono pianisti speciali che accompagnano le esibizioni dei cantanti. Questa specializzazione è nata dalla pratica dei concerti casalinghi, quando i concerti da camera dei musicisti si tenevano nei salotti ed erano accompagnati da pianisti appositamente formati per questo. A poco a poco, la professione si cristallizza e acquisisce nuove sfumature e responsabilità. Gli accompagnatori stanno diventando richiesti nella pedagogia musicale, nell'opera, orchestre sinfoniche. Oggi l'accompagnatore è assistente del direttore d'orchestra e direttore del concerto. A poco a poco si stanno formando diverse varietà di questa professione: l'accompagnatore, il pianista accompagnatore, l'insegnante e l'accompagnatore d'opera. Consideriamo le specifiche di ciascun tipo.
Accompagnatore
L'accompagnatore che accompagna il cantante gli fornisce un sottofondo musicale. Tuttavia, questa è una professione semplice solo a prima vista. La responsabilità dell'accompagnatore è quella di trovare la coesistenza armoniosa della parte di accompagnamento alla tastiera e della voce o strumento solista. L'accompagnatore di questo tipo risolve il problema della creazione di un ensemble acustico, per questo ha bisogno di avere la stessa mentalità del solista, il suo partner. Ma se necessario, l'accompagnatore deve diventare un leader, il direttore del concerto, dirige il cantante, lo guida e allo stesso tempo enfatizza la bellezza del suono del solista. L'accompagnatore non deve essere inferiore in talento e abilità al solista che deve avere un respiro. Spesso l'accompagnatore aiuta il cantante e lo aiuta in situazioni impreviste e difficili. Non è per niente che molti cantanti cercano il “loro” accompagnatore e lavorano da anni con gli stessi partner.
Pianista accompagnatore
Un accompagnatore è sempre un musicista virtuoso, perché deve risolvere più problemi contemporaneamente. Gli accompagnatori spesso lavorano come pianisti, ma non tutti gli artisti, anche quelli di grande talento, possono diventare accompagnatori.
Dalla seconda metà del 19° secolo, quando il professionista arti dello spettacolo, viene identificata una specialità separata: il pianista, e quindi iniziano a formarsi criteri specifici per valutare l'abilità di un accompagnatore. E non tutti sono riusciti a coniugare queste due professioni. È opinione comune che chiunque padroneggi la tecnica pianistica possa facilmente diventare un accompagnatore. Naturalmente non corrispondono alla realtà. Un pianista accompagnatore, che spesso lavora in un'orchestra o in un ensemble, deve avere un acuto senso della creatività di gruppo, essere in grado di dirigere le parti di altri musicisti e controllare il flusso della melodia.
Compositori eccezionali hanno contribuito notevolmente alla formazione della scuola russa di accompagnatori: M. Glinka, S. Rachmaninov, M. Mussorgsky, introducendo nella cultura degli accompagnatori caratteristiche come la produzione di suoni fluidi, immagini e tecnica ideale. Grazie alla loro attività si rivaluta l'importanza della figura dell'accompagnatore e della sua bravura. Da personaggio minore, si trasforma in un vero e proprio partner dell'ensemble.
Maestro-accompagnatore
Storicamente l'attività di accompagnatore era associata anche alla pedagogia. Accompagnare nelle lezioni di canto e coreografia è un'abilità e un'arte speciale. L'accompagnatore è una figura importante processo pedagogico. L'orecchio attento dell'accompagnatore gli permette di cogliere gli errori dello studente. Il pianista aiuta lo studente a dimostrare meglio le capacità della sua voce, a rivelare la profondità del lavoro e a trovare l'interpretazione corretta. L'insegnante-accompagnatore non deve solo possedere tecnica ed estro musicale, ma deve anche saper penetrare la psicologia dell'allievo e trovare un contatto con lui.
Accompagnatore d'opera
Un altro ruolo importante dell'accompagnatore è lavorare nell'opera. In questo stato, diversi ruoli si fondono contemporaneamente. In primo luogo, l'accompagnatore è un tutor per il cantante, lo aiuta a trovare il suono giusto e controlla l'accuratezza dell'esecuzione. Dovrà quindi possedere un orecchio acuto e una grande erudizione musicale. In secondo luogo, è il leader gruppo di stringhe in orchestra, assistente e supporto del direttore. Conduttore idea creativa Il direttore dell'orchestra è anche il primo violino. Le note sono solo una trama che deve ancora essere suonata con un certo ritmo, stato d'animo, anima. È questo contenuto profondo che l'accompagnatore trasmette e ne controlla chiaramente il mantenimento durante l'esecuzione.
Qualità di un accompagnatore
Compiti così diversi come accompagnatore richiedono da lui qualità speciali. Oltre a padroneggiare lo strumento, deve avere un buon orecchio, padroneggiare la tecnica dell'insieme e comprendere l'arte del canto. Un buon accompagnatore non dovrebbe solo suonare facilmente le note a vista, ma anche seguire la melodia ed essere in grado di guidare il solista lungo la retta via. L'accompagnatore ha bisogno anche di pazienza e della capacità di non anteporre le proprie ambizioni all'interesse generale.
Un buon accompagnatore deve avere intuito, reazione rapida e capacità di adattamento immediato. Dopotutto, se un solista commette un errore durante un concerto, deve adattarsi rapidamente all'artista senza interrompere il ritmo dell'esecuzione. L'accompagnatore deve essere una persona di riferimento. Quando si lavora con un ensemble o un solista, l'interazione tra i partecipanti è estremamente importante. Durante un concerto, i musicisti sono guidati non solo dai movimenti del direttore, ma anche dagli sguardi e dalle espressioni facciali dell'accompagnatore.
La richiesta di accompagnatori
La professione di accompagnatori rimane prestigiosa e richiesta sul mercato. Ciò è dovuto al fatto che un buon accompagnatore è una merce, una combinazione unica di talento e scuola. Oggi esiste un posto di accompagnatore in ogni istituzione musicale educativa, nei teatri, nelle orchestre, organizzazioni di concerti. Numerosi artisti desiderano lavorare con accompagnatori personali che conoscano bene il loro stile e le loro capacità. Pertanto per bravi specialisti C'è spesso caccia e combattimento.
Descrizione del lavoro di un accompagnatore
Diverse organizzazioni hanno responsabilità diverse per l'accompagnatore. Tuttavia, in generale descrizione del lavoro L'accompagnatore comprende requisiti quali la capacità di leggere a prima vista, trasporre opere musicali e capacità di insegnamento. L'accompagnatore deve conoscere le parti alle quali partecipa, mantenere la disciplina ed essere responsabile dell'adempimento delle sue funzioni. All'accompagnatore vengono assegnate responsabilità organizzative, pedagogiche e psicologiche.
Accompagnatori famosi
Come abbiamo scoperto, il lavoro di un accompagnatore è creativo, complesso e multitasking. Non tutti gli artisti possono diventare buoni accompagnatori, quindi gli specialisti valgono oro. Molti cantanti lavorano con gli stessi accompagnatori per anni e tra loro si sviluppano rapporti amichevoli, quasi familiari. I rappresentanti più famosi di questa professione sono M. Bikhter, B. Mandrus, D. Ashkenazi, M. Nemenova-Lunts.