Antonio Vivaldi (1678-1741) è uno dei massimi rappresentanti dell'epoca barocca. Nacque a Venezia, dove studiò dapprima con il padre, violinista presso la Cappella di S. Marco, poi migliorato sotto Giovanni Legrenzi. Ha tenuto numerosi concerti in diversi paesi europei ed era molto entusiasta nell'insegnare e mettere in scena le sue opere. Per lungo tempo è stato insegnante di violino in uno degli orfanotrofi veneziani per ragazze orfane.
Vivaldi era soprannominato “il prete rosso” (Prete rosso) per il colore dei suoi capelli. Unì infatti la professione di musicista con i doveri di sacerdote, ma fu poi licenziato per comportamento “illegale” durante una funzione religiosa. Il compositore trascorse i suoi ultimi anni a Vienna, dove morì in povertà.
Il patrimonio creativo di Vivaldi comprende più di 700 titoli: 465 concerti strumentali (di cui cinquanta grossi), 76 sonate (comprese quelle in trio), circa 40 opere (uno dei suoi librettisti fu il famoso C. Goldoni), opere di cantata-oratorio, tra cui testi spirituali. Il principale significato storico del suo lavoro risiede nella creazione di un concerto strumentale solista.
Uno degli artisti più sensibili del suo tempo, Vivaldi fu tra i primi compositori a portare in primo piano nell'arte l'emotività aperta, la passione (affetto) e il sentimento lirico individuale. Sotto la sua indubbia influenza, la tipologia estremamente tipica del concerto di musica barocca per più solisti (concerto grosso) passò in secondo piano nell'era classica, lasciando il posto ai concerti solistici. La sostituzione di un gruppo di solisti con un partito era espressione di tendenze omofoniche.
Fu Vivaldi a sviluppare la struttura e il tema tematico del recital tardo barocco. Sotto l'influenza dell'ouverture dell'opera italiana, stabilì un ciclo di concerti in tre parti (veloce - lento - veloce) e ordinò la successione di tutti e assolo sulla base della forma del concerto barocco.
La forma concertistica dell'epoca barocca si basava sull'alternanza del ritornello (tema principale), più volte ripreso e trasposto, con episodi basati su nuovi temi melodici, materiale figurativo o elaborazione motivica del tema principale. Questo principio gli ha dato una somiglianza con un rondò. La trama è caratterizzata da contrasti tra tutti orchestrali e assoli, corrispondenti all'aspetto del ritornello e degli episodi.
Le prime parti dei concerti di Vivaldi sono energiche, assertive, varie nella struttura e nei contrasti. Le seconde parti portano l'ascoltatore nel regno dei testi. Qui domina la cantabilità, dotata di caratteristiche improvvisative. La trama è prevalentemente omofonica. I finali sono brillanti, pieni di energia, e completano il ciclo con un movimento veloce e vivace.
La forma ciclica dinamica in 3 movimenti dei concerti di Vivaldi esprimeva gli ideali artistici dell'arte del "contrasto ben organizzato". La logica del loro sviluppo figurativo rivela l'influenza del concetto estetico generale dell'epoca barocca, che divideva il mondo umano in tre ipostasi: Azione - Contemplazione - Gioco.
Il concerto strumentale solista di Vivaldi è incentrato su una piccola composizione di strumenti a corda guidati da un solista. Può essere un violoncello, una viola damour, un flauto longitudinale o traverso, un oboe, un fagotto, una tromba e persino un mandolino o uno scialle. Eppure, molto spesso il violino svolge il ruolo di solista (circa 230 concerti). La tecnica violinistica dei concerti di Vivaldi è varia: passaggi rapidi, arpeggi, tremolo, pizzicato, note doppie (fino ai tratti di decima più difficili), scordatura, uso del registro più acuto (fino alla 12a posizione).
Vivaldi divenne famoso come uno straordinario esperto di orchestra, inventore di numerosi effetti coloristici. Possedendo un acuto senso del colore del suono, utilizzava liberamente molti strumenti e le loro combinazioni. Ha usato oboi, corni, fagotti, trombe e corno inglese non come voci di supporto, ma come strumenti melodici indipendenti.
La musica di Vivaldi ha assorbito elementi del colorato folklore musicale veneziano, ricco di canzonas melodiose, barcarolles e ritmi di danza infuocati. Il compositore si è affidato particolarmente alla Siciliana e ha fatto ampio uso del tempo in 6/8 tipico delle danze popolari italiane. Utilizzando spesso una struttura accordo-armonica, ha utilizzato magistralmente tecniche di sviluppo polifonico.
Pubblicando i suoi concerti in serie di 12 o 6 opere, Vivaldi ha anche dato denominazioni generali per ciascuna serie: "Ispirazione armonica" (op. 3), "Stravaganza" (op. 4), "Cetra" (op. 9).
Vivaldi può essere definito il fondatore della musica orchestrale a programma. La maggior parte dei suoi concerti hanno un programma specifico. Ad esempio: "Caccia", "Tempesta in mare", "Pastorella", "Riposo", "Notte", "Preferito", "Cardellino".
I concerti per violino di Vivaldi divennero ben presto ampiamente conosciuti nell'Europa occidentale e soprattutto in Germania. Il grande J. S. Bach, “per piacere e istruzione”, arrangiò personalmente nove concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. Grazie a questi musicisti, Vivaldi, che non era mai stato nelle terre della Germania settentrionale, si rivelò, nel vero senso della parola, il “padre” dello strumentalismo tedesco del XVIII secolo. Diffondendosi in tutta Europa, i concerti di Vivaldi servirono come esempi del genere concertistico per i suoi contemporanei. Pertanto, il concerto per clavicembalo si è sviluppato sotto l'indubbia influenza artistica del concerto per violino (un esempio convincente può essere fornito da).
"Le Stagioni" di Antonio Vivaldi
Alessandro Maikapar
Un ciclo di quattro concerti per violino solo e orchestra. Ciascuno dei concerti è diviso in tre parti e ogni concerto rappresenta una stagione. Fanno parte di una raccolta (Op. 8) intitolata “Il Cimento dell'Armonia e dell'Invenzione”.
Titolo completo: “Le quattro stagioni”.
Prete dai capelli rossi
“Prete rosso” (“Prete dai capelli rossi”) - questo era il soprannome dato ad Antonio Vivaldi nelle memorie di Carlo Goldoni. E in effetti aveva sia i capelli rossi (“Rosso” era il soprannome di suo padre) che un prete.
Antonio Vivaldi (4 marzo 1678, Venezia - 28 luglio 1741, Vienna) è nato nella famiglia di un violinista professionista, suo padre suonava nella Cattedrale di San Marco e prendeva parte anche a produzioni operistiche. Antonio ricevette un'educazione ecclesiastica e si preparò a diventare sacerdote: divenne successivamente exorcista (esorcista; 1695), acolythus (ricevente; 1696), subdiaconus (protodiacono; 1699), diaconus (diacono; 1700). Ma subito dopo essere stato ordinato sacerdos (sacerdote; 1703), che gli dava il diritto di celebrare lui stesso la messa, rifiutò, adducendo cattive condizioni di salute (soffriva di asma, conseguenza di una ferita al torace subita alla nascita). Nel 1703 fu indicato come maestro di violino presso l'Ospedale delle Pietà. Questo è uno degli orfanotrofi veneziani per ragazze orfane. Con una pausa di due anni, Vivaldi mantenne questo incarico fino al 1716, quando divenne maestro de "concerti". Successivamente, essendo già lontano da Venezia, mantenne i suoi legami con Pietà (un tempo vi mandava ogni mese due dei suoi nuovi concerti ).
La reputazione di Vivaldi cominciò a crescere rapidamente con le sue prime pubblicazioni: sonate per trio (probabilmente 1703-1705), sonate per violino (1709) e soprattutto i suoi 12 concerti "L" estro armonico ("Ispirazione armonica") Op. 3 (1711). contenenti alcuni dei suoi concerti più belli, furono pubblicati ad Amsterdam e ampiamente distribuiti nel nord Europa; ciò indusse i musicisti in visita a Venezia a cercarvi Vivaldi, e in alcuni casi a ordinargliene di nuovi, come fu, ad esempio, fatto per la corte di Dresda A Bach piacevano così tanto i concerti di Vivaldi che riorganizzò cinque concerti dell'Op. ), Op. 8 (ca. 1720, comprese "Le quattro stagioni") e "La cetra" ("La lira"), op. 9 (1727). È nel genere del concerto strumentale che risiedono i principali successi di Vivaldi e il suo significato nella storia della musica. Fu il primo compositore a utilizzare costantemente la forma del ritornello nei movimenti veloci, e questa divenne un modello per altri compositori. Lo stesso si può dire della forma vivaldiana del concerto nel suo insieme, composto da tre parti: veloce - lento - veloce. Dei suoi circa 550 concerti, circa 350 sono per strumento solista e orchestra (oltre 230 per violino); circa 40 doppi (cioè per due solisti), più di 30 per più solisti e quasi 60 per un'orchestra senza solisti. Vivaldi fu un liutaio originale e scrisse diversi concerti per combinazioni insolite di strumenti, come la viola d'amour e il liuto, o per una varietà di strumenti a fiato, tra cui lo scialle, il clarinetto, il corno e altri strumenti rari. ha scritto numerosi recital per fagotto, violoncello, oboe e flauto, alcuni dei suoi concerti sono concerti a programma, ad esempio “Tempesta in mare” (tre concerti hanno questo titolo), “Caccia”, “Ansia”, “Riposo”, “Notte”. , “Proteo o Pace” sottosopra." Vivaldi scrisse anche molta musica vocale, sacra e profana. È autore (secondo varie fonti) di 50 - 70 opere (di cui circa 20 sono sopravvissute).
Le stagioni come tema nell'arte e nella musica
Il tema delle stagioni è sempre stato popolare nell'arte. Ciò è spiegato da diversi fattori. In primo luogo, ha permesso di utilizzare i mezzi di questa particolare arte per catturare eventi e affari più caratteristici di un particolare periodo dell'anno. In secondo luogo, è sempre stato dotato di un certo significato filosofico: il cambio delle stagioni era considerato nell'aspetto dei periodi mutevoli della vita umana, e in questo aspetto la primavera, cioè il risveglio delle forze naturali, personificava l'inizio e simboleggiava giovinezza e inverno - la fine del percorso - vecchiaia. Inoltre, la vita, per analogia con un anno, potrebbe essere divisa in quattro periodi (in tutta onestà va detto che questa divisione della vita in popolarità tra gli artisti è inferiore alla più comune divisione in tre fasi: giovinezza - maturità - vecchiaia ), e anche - sempre per analogia con la divisione dell'anno in dodici mesi - in dodici periodi (ciascuno, come si credeva, di sei anni).
Per quanto riguarda le belle arti, le stagioni, o meglio le opere, cioè il lavoro caratteristico di un dato mese (prevalentemente agricolo), venivano raffigurate in diversi generi: dalla scultura (nei portali delle cattedrali gotiche, come Saint Denis, dove vediamo tutti i dodici mesi) da programmare. Tra le illustrazioni di libri su questo argomento, la più famosa è "Il lussuoso libro d'ore del duca di Berry" (1415-1416), dove dodici miniature raffigurano scene di affari agricoli caratteristiche di un particolare periodo dell'anno.
Un notevole ciclo delle stagioni è una serie di affreschi nel Salone dei Mesi nel Palazzo Schifanoia, nel castello dei Duchi d'Este a Ferrara, realizzati da Francesco del Cossa e Cosme (Cosimo) Tura (1456 -1470) . L'affresco di ogni mese è diviso in tre registri, corrispondenti a tre diversi sistemi figurativi. Pertanto, nel registro centrale dell'affresco di ogni mese c'è un segno zodiacale corrispondente. Ogni segno è adiacente a tre figure astrologiche. Ad esempio , in "Marzo" accanto al Capricorno c'è un paggio con un cerchio e una freccia tra le mani, una donna seduta in una veste rossa e un uomo in abiti strappati; in "Aprile" - Toro, una giovane donna con un bambino, un giovane nudo seduto con una chiave in mano e un vecchio accanto a un cavallo bianco.
Poiché è chiaro che tutte queste cifre significano qualcosa, si è tentato di interpretarle. È stato suggerito che siano simboli allegorici di una divisione ancora più frazionaria dell'anno: decine di mesi.
Spicca il famoso dipinto di Sandro Botticelli “La Primavera” (“La Primavera”) (o “Il Regno della Flora”; 1477 - 1478; Firenze, Galleria degli Uffizi). Venere si trova al centro di un prato fiorito. Qui viene presentata diversamente rispetto agli antichi maestri: è raffigurata come una ragazza elegante. I rami dell'albero piegati su di esso formano qualcosa come un arco di trionfo. Cupido si libra sopra di lei con arco e frecce. I suoi occhi sono bendati, a simboleggiare la cecità dell'amore. La figura più a sinistra nella foto è Mercurio (sul significato della sua presenza in questa scena si possono fare solo ipotesi; una di queste è che lui, alzando lo sguardo, disperde le nuvole con il suo caduceo). Tra Venere e Mercurio, un gruppo di tre grazie è un'immagine diventata un libro di testo. Sulla destra è raffigurata Flora, l'antica (ma sempre giovanile) dea italiana dei fiori, da cui il dipinto prende il secondo nome. Degna di nota è la pittoresca interpretazione che Botticelli dà della sua storia: la dea greca dei fiori era Clori, che sposò Zefiro, il vento primaverile occidentale, che diede alla luce i fiori. I romani la chiamavano Flora. La poesia di Lucrezio “Sulla natura delle cose” (5:756 - 739) racconta come Flora seguisse Zefiro in primavera, cospargendo il suo cammino di fiori. Botticelli, tuttavia, ha tratto idee per l'immagine di Flora da un'altra fonte: dal "Digiuno" di Ovidio (5: 193 - 214), che racconta la storia di Clori, che stava fuggendo da Zefiro, che la inseguiva. Quando tuttavia Zefiro raggiunse Clori e si impossessò di lei, i fiori caddero dalle sue labbra e lei si trasformò in Flora. Fu questo momento che Botticelli raffigurò, mostrando due dee insieme: Clori, dalle cui labbra cadono fiori, e Flora, che lei stessa li sparge.
La storia della musica conosce quattro celebri interpretazioni del tema delle stagioni. Queste opere si chiamano “Stagioni”. Si tratta di un ciclo di concerti di Vivaldi, un oratorio di Haydn (1801), un ciclo di brani per pianoforte di P. I. Tchaikovsky (1876) e un balletto di A. K. Glazunov (1899).
Le Quattro Stagioni di Antonio Vivaldi è una delle opere più apprezzate di tutti i tempi. Per molti il nome stesso “Vivaldi” è sinonimo di “Le Quattro Stagioni” e viceversa (sebbene abbia scritto moltissime altre opere). Anche rispetto ad altri concerti della stessa opera, questi concerti dimostrano la sorprendente innovazione di Vivaldi nel campo del concerto barocco. Diamo uno sguardo più da vicino a ciascuno dei quattro concerti. E fin dall'inizio noterò che il compositore ha preceduto ciascuno dei concerti con un sonetto, una sorta di programma letterario. Si presume che l'autore delle poesie sia lo stesso Vivaldi. COSÌ…
"Primavera" (La Primavera)
Viene insolitamente naturale parlare di “La Primavera” di Antonio Vivaldi dopo aver parlato di “La Primavera” di Sandro Botticelli. Il sonetto che precede questo concerto può essere attribuito quasi ugualmente a un dipinto di Botticelli. Ecco come suona (di seguito i sonetti sono tradotti da Vladimir Grigoriev):
La primavera sta arrivando! E una canzone gioiosa
La natura è piena. Sole e calore
I flussi mormorano. E notizie sulle vacanze
Zephyr si diffonde come per magia.
All'improvviso arrivano nuvole di velluto,
Il tuono celeste sembra una buona notizia.
Ma il potente turbine si asciuga rapidamente,
E il twitter fluttua di nuovo nello spazio azzurro.
Il respiro dei fiori, il fruscio dell'erba,
La natura è piena di sogni.
Il pastorello dorme, stanco per la giornata,
E il cane abbaia appena percettibilmente.
Suono della cornamusa del pastore
Il ronzio si diffonde sui prati,
E le ninfe danzano il cerchio magico
La primavera si colora di raggi meravigliosi.
I concerti di questo ciclo sono la cosiddetta musica a programma, cioè musica corrispondente a uno specifico programma, in questo caso letterario. In totale Vivaldi può contare più di quaranta opere di programma. Ma in essi il loro “programma” è formulato solo nel nome, e questo può essere chiamato programma in modo molto condizionale. Questi sono i concerti “Il Cardellino”, “Il Cuculo”, “L'Usignolo”, “La Caccia”, “La Notte” (Vivaldi ha scritto quattro concerti per questo “programma”). In “Le Stagioni” siamo davvero di fronte ad un vero e proprio programma: la musica ricalca esattamente le immagini delle poesie. I sonetti corrispondono così bene alla forma musicale dei concerti che viene involontariamente il dubbio se, al contrario, i sonetti siano stati composti su musica già scritta? La prima parte di questo concerto illustra le prime due quartine, la seconda parte illustra la terza quartina e il finale illustra l'ultima. (L'autore della traduzione russa, cercando di mantenere l'accuratezza del significato, che, ovviamente, è molto importante, soprattutto quando si tratta di programmazione, si è allontanato dalla forma del sonetto e lo ha tradotto, come gli altri, in quattro quartine .)
La prima parte del concerto si apre con un motivo insolitamente gioioso, che illustra la gioia causata dall'arrivo della primavera: “La primavera sta arrivando!”; tutta l'orchestra suona (tutti). Questo motivo (ogni volta eseguito dall'intera orchestra e dal solista), oltre a incorniciare questo movimento, suona più volte durante il movimento, essendo una sorta di ritornello, che conferisce all'intero movimento una forma simile a un rondò. Di seguito sono riportati gli episodi che illustrano le seguenti righe del sonetto. In questi casi suonano tre solisti: il principale (vi ricordo che tutti i concerti di questo ciclo sono scritti per violino solo e orchestra) e gli accompagnatori dei gruppi di primo e secondo violino; tutti gli altri partecipanti tacciono. Anche senza l'osservazione disponibile nella partitura - “Canto de gl" Ucelli" - è chiaro che la musica, che suona in un registro acuto, raffigura qui “il canto degli uccelli” (traduzione letterale del verso del sonetto: “accolgono con gioia it (primavera. - A.M.) uccelli con il loro canto”) Quanto meravigliosamente questo è trasmesso dal suono dei violini!
L’episodio successivo (dopo il ritornello) illustra le parole del sonetto sui ruscelli che scorrono (letteralmente: “i ruscelli scorrono con un dolce mormorio nel respiro di Zefiro”; confronta come Botticelli dipinse Zefiro!). E ancora il ritornello. L'episodio successivo è il tuono ("il cielo si copre di oscurità, la primavera si annuncia con fulmini e tuoni"). Vivaldi raffigura questo fenomeno naturale in modo molto creativo: i tuoni sono trasmessi dal suono minaccioso e rapido dell'intera orchestra che suona all'unisono. Lampi di fulmini vengono ascoltati per la prima volta da tutti e tre i violini solisti in passaggi ampi, simili a scale (ci vuole un'enorme abilità da parte di tutti i membri dell'ensemble per ottenere una precisione perfetta nei passaggi ampi eseguiti simultaneamente da tre solisti). I tempi successivi sono trasmessi in brani del solista principale, la cui grafica ricorda quella freccia spezzata che indica il pericolo dell'alta tensione nella rete elettrica. Il temporale è sostituito dalla musica del ritornello: la gioia senza nuvole dell'arrivo della primavera. E ancora - nell'episodio successivo - gli uccelli cantano ("Allora (il tuono. - A.M.) si spense e gli uccelli ricominciarono il loro bellissimo canto"). Questa non è affatto una ripetizione del primo episodio: qui c'è un canto degli uccelli diverso. Ho già detto come finisce la prima parte.
Seconda parte (“Il sogno di un contadino”). Un esempio dello straordinario spirito di Vivaldi. Sopra l'accompagnamento del primo e secondo violino e delle viole (i bassi, cioè violoncelli e contrabbassi, e, di conseguenza, il clavicembalo e l'organo che li duplicano non vengono qui suonati), aleggia la melodia del violino solista. È lei che illustra il dolce sogno del contadino. Pianissimo semper (italiano - "sempre molto piano") tutti i violini dell'orchestra suonano in un ritmo morbido e punteggiato, disegnando il fruscio delle foglie. Vivaldi ha incaricato le viole di rappresentare l’abbaiare (o l’abbaiare) di un cane che sorveglia il sonno del proprietario. Tutti questi dettagli del programma letterario devono essere conosciuti prima di tutto dagli artisti stessi e, in secondo luogo, dagli ascoltatori. Allora sarai in grado di trovare un colore e un carattere del suono interessanti, e nelle viole sentirai un duro "bau-bau", in contrasto divertente con la melodia del violino solista in stile belcantistico, e non con il mellifluo “ciao ciao”, che di per sé è bellissimo, ma per “un altro programma”.
Terza parte (“Danza pastorale”). L'atmosfera qui è piena di energia e allegria. Nella letteratura su Vivaldi si trova l’affermazione che “il ritmo principale in questo movimento è il passo di una siciliana veloce”. Non posso proprio essere d’accordo con questa affermazione. Si tratta, ovviamente, di un tipo di gigue, anch'essa una danza antica: in questo caso viene presentata nella sua variante francese e viene identificata con un canarino (un tipo particolare di gigue). È sorprendente come Vivaldi riesca a trasmettere così tante sfumature di gioia in un piccolo spazio sonoro, persino una sorta di gioia triste (in un episodio minore)!
"Estate" (L"Estate)
La mandria vaga pigramente nei campi.
Dal caldo pesante e soffocante
Tutto in natura soffre e inaridisce,
Ogni essere vivente ha sete.
Proveniente dalla foresta. Conversazione tenera
Il cardellino e la colomba conducono lentamente,
E lo spazio si riempie di un vento caldo.
All'improvviso un appassionato e potente
Borey, facendo esplodere il silenzio e la pace.
È buio tutt'intorno, ci sono nuvole di moscerini malvagi.
E il pastorello, colto da un temporale, piange.
La poveretta gela dalla paura:
I fulmini colpiscono, il tuono ruggisce,
E tira fuori le spighe mature
La tempesta è spietata ovunque.
Prima parte. La forma del concerto, che Vivaldi coltivò e portò alla perfezione, implica che il concerto, come ho già notato, si compone di tre parti: veloce - lento - veloce. Era necessario avere il talento e la fantasia di Vivaldi per riflettere nella prima parte, cioè veloce, l'umore e lo stato di pigrizia e languore, di cui si parla nelle prime due quartine, che sono il programma di questa parte . E Vivaldi ci riesce brillantemente.
"Esaurimento dal caldo" è la prima osservazione del compositore. La musica suona pianissimo (italiano - "molto tranquillo"). Vivaldi fa una piccola concessione all'umore: il tempo di questo movimento, sebbene Allegro (in questo caso significa “veloce”), non è molto (“non molto”). Ci sono molte pause, “sospiri” e fermate nel tessuto musicale. Successivamente sentiamo le voci degli uccelli: prima i cuculi. (La storia della musica sa quanti "cuculi"! Lo stesso Vivaldi, come notato sopra, ha scritto un concerto separato in cui questo uccello è imitato; ad esempio, il clavicembalo di Daken "Cuckoo" è famoso). Poi il cardellino (e ancora una volta si scopre che Vivaldi ha un altro concerto in cui è raffigurato questo uccello). Le voci degli uccelli nella musica: questo potrebbe essere un argomento di conversazione separato...
E ora, la prima folata di vento freddo del nord: Borea, il presagio di un temporale. È rappresentato da tutti i violini dell'orchestra (compreso il solista), mentre le viole e i bassi, secondo le didascalie della partitura, hanno “forti raffiche di vento” e semplicemente “venti diversi”.
Ma questo primo impulso passa e ritorna l'atmosfera di languore del caldo (il ritornello di questa parte, la musica con cui è iniziato il concerto). Ma anche questo passa: restano solo un violino e un basso solisti (la sua linea è eseguita dal violoncello e dall'organo accompagnatore, come indicato in partitura, anche se spesso e addirittura, di regola, l'accompagnamento ne “Le Stagioni” è affidato a il clavicembalo). Il violino ha intonazioni di denuncia. Non ti sbagli: questa è una “lamentela del pastore”, spiega Vivaldi la sua intenzione. E di nuovo irrompe una folata di vento.
La seconda parte è meravigliosamente costruita sul netto contrasto della melodia, personificando la pastorella, la sua paura degli elementi della natura e i minacciosi rombi del tuono del temporale in avvicinamento. Questo è forse l'esempio più impressionante di contrasto dinamico nella musica del periodo pre-Beethoven - un esempio che può essere tranquillamente definito sinfonico (confronta con un episodio simile di un temporale nella Sinfonia "Pastorale" di Beethoven). Le osservazioni di Vivaldi si alternano qui con la categoricità del comando dell'esercito: Adagio e piano (italiano - “lento e silenzioso”) e Presto e forte (italiano - “veloce e forte”). E niente malintesi! La seconda parte si conclude con la calma: la calma prima della tempesta...
La terza parte. E poi scoppia la tempesta. Sono quasi visibili i corsi d'acqua che cadono dal cielo. E proprio come i lampi di fulmini in "Primavera" sono trasmessi da una melodia con uno schema caratteristico (vedi sopra a questo proposito), così qui corsi d'acqua scorrono in direzioni diverse, rappresentati da passaggi simili a scale e arpeggi (accordi, suoni di che vengono suonati molto velocemente uno dopo l'altro, e non simultaneamente), correndo su e giù. L'integrità dell'intero concerto è data da alcuni tratti compositivi, che si rivelano solo attraverso un attento ascolto del tessuto musicale dell'intera opera: ad esempio, nella parte centrale, quando i passaggi veloci sono affidati alle viole e ai bassi, il i violini eseguono una figura ritmica e melodica, simile all'episodio con “fiati diversi” della prima parte. Questa parte (e questo concerto, ma non ancora l'intero ciclo!) si conclude con un minaccioso unisono dell'intera orchestra, lasciando l'ascoltatore in una certa confusione: cosa succederà dopo questo terribile temporale?..
"Autunno" (L'Autunno)
La festa del raccolto contadino è rumorosa.
Divertimento, risate, canzoni vivaci!
E il succo di Bacco, che accende il sangue,
Fa cadere a terra tutti i deboli, regalando loro un dolce sogno.
E gli altri sono ansiosi di continuare,
Ma non posso più cantare e ballare.
E, completando la gioia del piacere,
La notte immerge tutti nel sonno più profondo.
E la mattina all'alba galoppano verso la foresta
Cacciatori e con loro cacciatori.
E, trovata la pista, liberano una muta di segugi,
Guidano la bestia eccitatamente, suonando il clacson.
Spaventato dal terribile rumore,
Fuggitivo ferito e indebolito
Fugge ostinatamente dai cani tormentosi,
Ma più spesso alla fine muore.
Prima parte. Vivaldi è un maestro delle sorprese: dopo un temporale scoppiato in estate, ci ritroviamo ad un'allegra festa del raccolto autunnale. "La danza e il canto dei contadini", spiega l'osservazione dell'autore all'inizio della parte. L'atmosfera allegra è trasmessa dal ritmo, che, tra l'altro, ricorda il ritmo della prima parte di “Primavera”. La luminosità delle immagini è data dall'utilizzo dell'effetto eco, tanto amato non solo da Vivaldi, ma anche da tutti i compositori barocchi. Questo viene suonato da tutta l'orchestra e insieme ad essa il solista.
Qui è necessario fare una breve digressione e spiegare una caratteristica del concerto strumentale dell'era barocca. Quando presto attenzione agli episodi di Vivaldi in cui suona tutta l'orchestra, si capisce che il solista suona sempre con l'orchestra: è lo stesso partecipante a questa comunità musicale, solo con una parte ampliata e virtuosa. E oggi questa parte può essere eseguita da un orchestratore e domani da un altro. Questa è la particolarità del concerto strumentale barocco. La situazione cambia gradualmente nei concerti successivi. Nei concerti per pianoforte di Mozart, il solista non è più un membro dell'orchestra. È vero, ci sono ancora episodi nei concerti di Mozart in cui, secondo il piano del compositore, il pianista cessa di essere solista e si trasforma, in sostanza, in un accompagnatore dell'orchestra, eseguendo al pianoforte la struttura armonica di ciò che è l'orchestra. giocando. (I nostri moderni pianisti solisti non vogliono ricoprire questo ruolo, e semplicemente ignorano questi episodi, permettendo all'orchestra di suonare da sola). Va detto che Mozart ha scritto i suoi concerti per pianoforte per se stesso, cioè li ha eseguiti lui stesso sia come direttore che come solista; Per questo motivo, tra l'altro, molte cose non sono state nemmeno scritte sugli appunti e sono state improvvisate proprio durante lo spettacolo. Inoltre. Nei concerti dei romantici (Mendelssohn, Schumann, Schumann, Chopin, Liszt), il solista è una “star mondiale”, non è mai “fuori dall'orchestra”, la sua parte non duplica mai quella orchestrale, ma, al contrario , compete con esso. Ora il “conflitto” e la “lotta” del solista con l'orchestra contengono intrighi psicologici e, quindi, ulteriore interesse per l'ascoltatore. Questa è una delle direzioni nell'evoluzione della forma e del genere del concerto strumentale.
Ma torniamo a Vivaldi. La nuova sezione della prima parte è una divertente scena di genere: “Tipsick” (o “Intossicato”). Il solista “versa” il vino in passaggi che scaturiscono dal violino; le melodie nelle parti orchestrali, con la loro andatura instabile, raffigurano paesani ubriachi. Il loro “discorso” diventa intermittente e confuso. Alla fine tutti si addormentano (il violino si blocca su un suono che dura cinque battute!). E tutto questo è rappresentato da Vivaldi con umorismo costante e un sorriso gentile e ironico. La prima parte termina dove è iniziata: la musica giubilante di una festa allegra.
Seconda parte. Ma è ancora impossibile combattere il sonno e inoltre la notte scende a terra. Lo racconta la seconda quartina del sonetto. E una piccola parte, appena due pagine della partitura, raffigura con i suoni lo stato di sonno profondo e una tranquilla notte del sud. Il modo in cui le parti vengono eseguite con gli strumenti a corda conferisce un sapore speciale al suono: Vivaldi ordina ai musicisti di suonare con le sordine. Tutto sembra molto misterioso e spettrale. Nell'esecuzione di questa parte, una responsabilità particolare ricade sul clavicembalista (ai nostri tempi, ripeto, è al clavicembalista a cui è affidata la parte di accompagnamento; in Vivaldi è indicato l'organo): la sua parte non è completamente scritta dal compositore , e si presume che il clavicembalista lo improvvisi. Questa improvvisazione dovrebbe idealmente essere congeniale alla musica dello stesso Vivaldi. La terza parte (“Caccia”). Il genere musicale e poetico caccia (italiano - caccia, "caccia") fu coltivato in Italia nei secoli XIV-XV. Nei kachcha vocali, il testo descriveva scene di caccia e inseguimento, e la musica raffigurava corse di cavalli, inseguimenti e il suono dei corni da caccia. Questi elementi si ritrovano anche in questa parte del concerto. Nel mezzo della caccia, la musica raffigura “uno sparo e l’abbaiare dei cani”, come spiega lo stesso Vivaldi questo episodio.
"Inverno" (L"Inverno)
Stai tremando, congelando, nella neve fredda,
E arrivò un'ondata di vento da nord.
Il freddo ti fa battere i denti mentre corri,
Batti i piedi, non riesci a scaldarti
Quanto è dolce il conforto, il calore e il silenzio
Ripararsi dalle intemperie in inverno.
Fuoco del camino, miraggi mezzo addormentati.
E le anime congelate sono piene di pace.
Nella distesa invernale la gente si rallegra.
Cadde, scivolò e rotolò di nuovo.
Ed è una gioia sentire come viene tagliato il ghiaccio
Sotto un pattino affilato legato con ferro.
E nel cielo si incontrarono Scirocco e Borea,
La battaglia tra loro continua sul serio.
Anche se il freddo e la bufera di neve non si sono ancora arresi,
L'inverno ci regala i suoi piaceri.
I concetti che gli autori esprimono riferendosi all'allegoria delle stagioni possono essere diversi, e talvolta anche direttamente opposti. L'inverno, a quanto pare, è proprio quel periodo dell'anno e quel periodo - se parliamo allegoricamente - della vita umana, che consente le interpretazioni più divergenti. Se nel ciclo vocale di Schubert “Winterreise” questo è un grado estremo di pessimismo, allora in Vivaldi, nonostante il ciclo naturale annuale dei fenomeni sia completato, la fine dell'inverno è allo stesso tempo foriero di una nuova primavera. E se Schubert nell'ultima canzone del ciclo - "The Organ Grinder" - non ha speranza, allora Vivaldi, sia in musica che in versi, afferma qualcosa di completamente diverso: "l'inverno ci dà i suoi piaceri". Se è così, allora l'elemento drammatico, che, qualunque cosa si possa dire, è presente in inverno, viene allontanato da Vivaldi proprio alla fine del concerto, e l'intero ciclo si conclude in modo abbastanza ottimistico.
Prima parte. C'è davvero un'atmosfera molto rilassata (per gli italiani!) qui. Le didascalie spiegano che ciò che è raffigurato qui è come i denti battono per il freddo, i piedi battono i piedi, il vento feroce ulula e corre per scaldarsi. Per il violinista le maggiori difficoltà tecniche si concentrano in questa parte. Suonato magistralmente, vola come se fosse d'un fiato.
Seconda parte. Ecco che arrivano le gioie dell'inverno. Unità completa del solista e dell'orchestra che lo accompagna. Un'aria meravigliosa scorre nello stile del bel canto. Questo movimento è estremamente popolare come opera indipendente e completamente finita e viene spesso eseguito come tale.
La terza parte. Ancora una scena di genere: pattinaggio sul ghiaccio. E chi in Italia sa, o sapeva, pattinare ai tempi di Vivaldi, quando non c'era il ghiaccio artificiale? Ovviamente nessuno. Così Vivaldi descrive - in divertenti passaggi “rotolati” del violino - come si può “scivolare e cadere facilmente” o come “il ghiaccio si rompe” (se traduciamo letteralmente il contenuto del sonetto). Ma poi soffiò un vento caldo del sud (scirocco), un presagio di primavera. E tra lui e Borey si svolge uno scontro: una scena drammatica e tempestosa. Si tratta del completamento, quasi sinfonico, di “L'Inverno” e dell'intero ciclo de “Le Stagioni”.
Testo originale e prime edizioni delle Stagioni
Chiunque sia interessato alla storia della musica e, in particolare, all'opera di Vivaldi, è convinto che “Le Quattro Stagioni” siano state composte nel 1725, cioè lo stesso anno in cui furono pubblicate. Questa data è data da tutti i libri e dizionari di consultazione musicale autorevoli, incluso il più grande: New Grove Dictionary of Music and Musicians. All'inizio di questo articolo ho indicato un'altra data: 1720. Il fatto è che nuova luce sul problema della cronologia viene gettata dalla ricerca di Paul Everett, che ha preparato una nuova edizione di The Seasons per l'autorevole casa editrice italiana Ricordi (Paul Everett. Vivaldi: Le Quattro Stagioni e altri Concerti, Op. 8. Cambridge & New York (Cambridge University Press, 1996). E ora, quando si parla di questa brillante opera di Vivaldi, è necessario tenere conto dei risultati della ricerca di questo musicologo. E proprio questi risultati hanno reso necessaria una nuova edizione di questi concerti.
Sorge una domanda ragionevole: la prossima edizione di opere così famose, pubblicate più volte, può portare qualcosa di nuovo e costringerci a riconsiderare le nostre opinioni su quest'opera? La risposta a questa domanda deve essere sì.
Sorprendentemente, fino a poco tempo fa non esisteva un'edizione moderna di questi concerti più popolari che fornisse in modo affidabile agli artisti il testo dei concerti. Ciò significa che la maggior parte, e forse tutte, le interpretazioni e le registrazioni di questi concerti basate su edizioni esistenti sono, in misura maggiore o minore, difettose. Quando si tratta di classici popolari come Le quattro stagioni, le interpretazioni errate o le interpretazioni errate del testo diventano enormemente influenti. Dopo un po ', l'orecchio si abitua a questi errori, sia dell'esecutore che dell'ascoltatore. Di conseguenza, tale errata interpretazione viene legittimata e santificata dalla tradizione. Pertanto, Le stagioni hanno urgente bisogno di essere ricostruite, sia dal punto di vista del testo che dal punto di vista della sua interpretazione. L'analogia con il restauro di dipinti antichi risulta qui molto appropriata. È necessario rimuovere strati di sporco e vernice incolore dai dipinti affinché i loro veri colori risplendano di nuovo. L'aspetto opaco di un dipinto spesso non è dovuto alla mancanza di abilità dell'artista che lo ha realizzato, ma al risultato del tempo. Nel caso di "Le Quattro Stagioni", questo è il risultato del fatto che questa musica viene eseguita da musicisti che non conoscono le tradizioni esecutive dei tempi di Vivaldi, trasformandola in qualcosa di completamente diverso.
Lasciate che vi faccia un esempio per dimostrare cosa intendo. Nel movimento lento della “Primavera”, le parti di violino con ritmi puntati vengono ora suonate legate (collegate), cioè non tutti i movimenti dell'arco vengono suonati con più figure puntate. Questo è ciò che raccomandano gli editori di alcune pubblicazioni. Questo metodo di esecuzione è ormai diventato comune e ha acquisito lo status di legge. Lo stesso Vivaldi non ha scritto alcuna lega per questa figurazione che indichi una simile prestazione. Al contrario, secondo le regole per l'esecuzione del tempo vivaldiano, ogni figura puntata dovrebbe essere suonata con un movimento dell'arco separato. In questo caso, l'immagine sonora risulta essere completamente diversa: ora sentiamo chiaramente il fruscio delle foglie dalla dolce brezza.
Anche le migliori edizioni delle Quattro Stagioni presentano difetti che gli editori più autorevoli non potevano evitare, poiché affondano le loro radici in un'unica fonte comune su cui si basavano tutte le edizioni: la prima edizione dell'Op. 8, pubblicato da Michel Le Price ad Amsterdam nel 1725; "Le Stagioni" qui sono i numeri 1 - 4. Secondo gli standard della stampa del diciottesimo secolo, questo testo è abbastanza accurato e inciso con cura. Il problema è che i redattori e gli editori successivi non avevano altri testi da confrontare. Gli editori più responsabili consultarono l'Op. 8, pubblicata a Parigi dall'editore musicale Le Clerc nel 1739, ma poiché questa edizione era basata su quella di Amsterdam, il suo testo era sostanzialmente lo stesso, e questo confronto aveva poco valore. Si può perdonare agli editori del passato di non sapere nulla del fatto che quasi tutte le copie superstiti delle edizioni di Amsterdam e Parigi sono incomplete. Oggigiorno, se nel movimento lento del concerto invernale senti una deliziosa parte solista di violoncello registrata in note veloci (che non c'è, ad esempio, nell'edizione Peters), sappi che stai ascoltando un'esecuzione basata su un'altra fonte - scritta a mano copie conservate a Manchester - un importante documento scoperto di recente, di cui è necessario parlare più in dettaglio anche perché non se ne parla affatto nella nostra letteratura.
Ora non c'è dubbio che una parte speciale di violoncello fosse inclusa nell'op. 8: non era affatto presente solo nella versione di Manchester de “Le Quattro Stagioni”, come pensavano alcuni musicologi. Col tempo questa parte scomparve da molte copie delle prime edizioni, poiché per comodità del violoncellista venne stampata separatamente (in questo episodio la parte del violoncello non duplica, come in altri casi, la voce grave dell'organo). Alla fine, i singoli fogli andarono perduti. Quasi nessuno dei redattori del passato sapeva della sua esistenza, motivo per cui è assente da tutte le pubblicazioni moderne. Di conseguenza, questa parte viene eseguita senza assolo di violoncello. Alla luce delle nuove scoperte testuali, non è più possibile considerare l'edizione di Amsterdam, nella forma in cui è sopravvissuta fino ai giorni nostri, come l'unica fonte del testo delle Stagioni.
La conclusione che Vivaldi stesso, e non un copista, abbia preparato il testo delle “Quattro Stagioni” per la stampa è confermata dal confronto di questi concerti con altri inclusi in quest'opera e conservati sotto forma di autografi. Danno un'idea dello stile dell'opera di Vivaldi. Quando riscriveva le sue opere, non si limitava a svolgere il ruolo di copista, ma apportava quasi sempre modifiche e miglioramenti all'opera. Ciò spiega il motivo delle differenze testuali tra gli autografi e le versioni finali a stampa. Va tenuto presente che Vivaldi ha aggiunto in questa copia tutto ciò che di nuovo gli è venuto in mente al momento di realizzare la copia destinata ad essere inviata ad Amsterdam e non l'ha registrato in quella che gli è rimasta.
Un'altra cosa da notare, poiché si tratta di una conclusione completamente nuova, è che Vivaldi apparentemente preparò una copia dell'op. 8 e la mandò ad Amsterdam intorno al 1720! È sorprendente che la pubblicazione di quest'opera sia avvenuta solo cinque anni dopo. Sembra che il ritardo sia avvenuto per qualche motivo a noi sconosciuto ad Amsterdam.
Ora, finalmente, parliamo della copia di Manchester delle Quattro Stagioni. Questo manoscritto è stato scritto a Venezia. Tuttavia fino a poco tempo fa non era possibile verificare che il testo di Manchester sia quello autorizzato dallo stesso compositore e che possa essere considerato la fonte originale. Del resto si tratta di un manoscritto che non riportava in nessuna parte la grafia di Vivaldi e non forniva alcun indizio sulla sua datazione. Ma questa incertezza è stata ora messa a tacere grazie a una serie di prove musicologiche.
Una difficoltà era che non si credeva che i due scribi che produssero la copia di Manchester delle Stagioni fossero in contatto con il compositore. Ora possiamo essere abbastanza sicuri che avessero ancora una certa relazione. È ormai accertato che Vivaldi si rivolse a uno di loro chiedendogli di copiare il manoscritto (conservato a Parigi) di uno dei suoi concerti per violino. Questo copista è noto agli specialisti come “Copiatore n. 4”. Era l'assistente costante del compositore. Oggi si ritiene che si trattasse nientemeno che... Giovanni Battista Vivaldi, padre di Antonio. Poiché lo Scriba n. 4 lavorava esclusivamente per Antonio, il contatto dello Scriba di Manchester con lui sembra equivalere al suo contatto diretto con Antonio.
La seconda difficoltà era che la copia di Manchester delle Quattro Stagioni era scritta su due diversi tipi di carta da musica, con i quali in precedenza non si pensava che Vivaldi avesse maneggiato. Ma ora è stato dimostrato che proprio questo tipo di carta venne utilizzata da Vivaldi in molti altri casi. (È difficile entrare qui in questi dettagli adesso; Vivaldi usò diverse centinaia di tipi di carta per registrare le sue opere, e ulteriori ricerche sulla relazione tra i mezzi di scrittura potrebbero far luce sulla datazione di molte delle sue opere.) Pertanto, ciò non può essere considerata una mera coincidenza, e ciò dà motivo di affermare che la copiatura del manoscritto di Manchester fu effettuata per volontà del compositore e sotto la sua supervisione. L'ultima difficoltà è stata la mancanza di una data per la produzione della copia di Manchester di Le Quattro Stagioni. Questa copia appartiene ad un folto gruppo di manoscritti vivaldiani, compresi alcuni autografi, che fa parte della collezione romana del cardinale Pietro Ottoboni, ed era ragionevole supporre che Vivaldi stesso avesse ordinato di realizzare copie delle Quattro Stagioni e di consegnarle al musicisti del cardinale, famoso per la sua filantropia. Ma i contatti di Vivaldi con Ottoboni e la sua corte furono intermittenti e limitati agli anni Venti del Settecento. Sebbene la datazione della copia di Manchester delle Quattro Stagioni rimanesse incerta, non si poteva teoricamente escludere che fosse stata realizzata per uno scopo diverso e fosse entrata nella collezione di Ottoboni per qualche altra via, e che Vivaldi non avesse ordinato copie dei concerti a Tutto. E ora è recentemente emerso un aggiornamento della data tanto necessario. Un confronto tra la carta su cui è scritta la versione Manchester dei concerti e il manoscritto veneziano su cui è scritta l'anonima cantata "Andromeda liberata" dà il diritto di affermare che la copia Manchester è stata realizzata intorno al settembre 1726. Questa datazione è abbastanza coerente con altre prove. Quest'anno Pietro Ottoboni è stato a Venezia da luglio a dicembre; in agosto venne eseguita in suo onore una cantata di Vivaldi. Ad un certo punto di questo periodo, il compositore poté regalare al cardinale una copia delle Quattro Stagioni. E così, l'opinione ipotetica a lungo considerata secondo cui Vivaldi ordinò la produzione di una copia di Manchester delle Quattro Stagioni può ora essere considerata fermamente fondata, poiché questa affermazione si basa su una serie di fatti oggettivi. Ne consegue inoltre che questa copia è stata realizzata direttamente dalle versioni dell'autografo in possesso del compositore. In breve - e questa è la conclusione principale di tutto quanto detto - la copia di Manchester è stata realizzata in tempo dopo l'uscita di stampa dell'edizione di Amsterdam, ma trasmette una versione che precede tutte le versioni pubblicate.
Quindi, Le quattro stagioni sopravvive in due versioni principali: nell'edizione di Amsterdam di Le Price e nella copia di Manchester. È il loro testo che può essere considerato autentico. Ma queste versioni, tuttavia, sono diverse e non dovrebbero essere combinate o fuse. E questo crea un dilemma. Qualsiasi nuova edizione critica dovrà inevitabilmente favorire una versione. Ma ancora non si può trascurare completamente l’altro. È più logico basare l'edizione moderna sull'edizione classica di Amsterdam, ma allo stesso tempo, in un commento critico, fornire tutte le discrepanze rispetto alla copia di Manchester. In questo caso, chiunque utilizzi tale pubblicazione sarà in grado di ottenere un quadro completo del testo originale vivaldiviano de “Le Stagioni”. In molti episodi in cui le versioni sono chiaramente le stesse, il testo di Manchester è spesso più accurato. Ma anche in questo caso, permangono alcuni punti controversi in cui non è mai possibile stabilire le esatte intenzioni di Vivaldi...
Uno dei più grandi rappresentanti dell'era barocca, A. Vivaldi è passato alla storia della cultura musicale come il creatore del genere del concerto strumentale, il fondatore della musica a programma orchestrale. L'infanzia di Vivaldi è legata a Venezia, dove suo padre lavorava come violinista nella Cattedrale di San Marco. La famiglia aveva 6 figli, di cui Antonio era il maggiore. Quasi nessun dettaglio è stato conservato sull’infanzia del compositore. Si sa solo che studiò violino e clavicembalo.
Il 18 settembre 1693 Vivaldi fu tonsurato monaco e il 23 marzo 1703 fu ordinato sacerdote. Allo stesso tempo, il giovane ha continuato a vivere in casa (presumibilmente a causa di una grave malattia), cosa che gli ha dato l'opportunità di non abbandonare gli studi musicali. Vivaldi fu soprannominato il “monaco rosso” per il colore dei suoi capelli. Si ritiene che già in questi anni non fosse troppo zelante nei suoi doveri di sacerdote. Molte fonti raccontano una storia (forse apocrifa, ma rivelatrice) di come un giorno, durante una funzione, il "monaco dai capelli rossi" lasciò in fretta l'altare per scrivere un tema di fuga che gli venne in mente all'improvviso. In ogni caso, i rapporti di Vivaldi con gli ambienti clericali continuarono a essere tesi, e presto egli, adducendo la sua cattiva salute, si rifiutò pubblicamente di celebrare la messa.
Nel settembre 1703 Vivaldi iniziò a lavorare come insegnante (maestro di violino) presso l'orfanotrofio di beneficenza veneziano "Pio Ospedale delia Pieta". I suoi compiti includevano l'insegnamento del violino e della viola d'amore, nonché la supervisione della conservazione degli strumenti a corda e l'acquisto di nuovi violini. I “servizi” della “Pietà” (si possono a buon diritto chiamare concerti) furono al centro dell'attenzione del pubblico illuminato veneziano. Per ragioni di economia Vivaldi fu licenziato non nel 1709, ma nel 1711-16. reintegrato nello stesso incarico, e dal maggio 1716 era già primo violino dell'orchestra della Pietà.
Anche prima del suo nuovo incarico, Vivaldi si era affermato non solo come insegnante, ma anche come compositore (principalmente autore di musica sacra). Parallelamente al suo lavoro alla Pietà, Vivaldi cercava opportunità per pubblicare le sue opere secolari. 12 sonate in trio op. 1 furono pubblicati nel 1706; nel 1711 la più famosa raccolta di concerti per violino “Ispirazione armonica” op. 3; nel 1714 - un'altra raccolta intitolata “Stravaganze” op. 4. I concerti per violino di Vivaldi divennero ben presto ampiamente conosciuti nell’Europa occidentale e soprattutto in Germania. I. Quantz, I. Mattheson hanno mostrato grande interesse per loro, il grande J. S. Bach “per piacere e istruzione” ha arrangiato personalmente 9 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo e organo. In questi stessi anni Vivaldi scrive le sue prime opere “Ottone” (1713), “Orlando” (1714), “Nero” (1715). Nel 1718-20 vive a Mantova, dove scrive principalmente opere per il carnevale, oltre a opere strumentali per la corte ducale mantovana.
Nel 1725 fu pubblicata una delle opere più famose del compositore, con il sottotitolo “Un’esperienza di armonia e invenzione” (op. 8). Come le precedenti, la raccolta è composta da concerti per violino (ce ne sono 12). I primi 4 concerti di quest'opera portano i nomi del compositore rispettivamente “Primavera”, “Estate”, “Autunno” e “Inverno”. Nella pratica esecutiva moderna, sono spesso combinati nel ciclo "Stagioni" (nell'originale non esiste un titolo del genere). Apparentemente Vivaldi non era soddisfatto dei proventi derivanti dalla pubblicazione dei suoi concerti e nel 1733 annunciò a un certo viaggiatore inglese E. Holdsworth la sua intenzione di rifiutare ulteriori pubblicazioni, poiché, a differenza delle copie stampate, le copie scritte a mano erano più costose. Da allora, infatti, non sono apparse nuove opere originali di Vivaldi.
Fine anni '20 -'30. spesso chiamati “anni di viaggio” (in precedenza a Vienna e Praga). Nell'agosto 1735 Vivaldi tornò alla carica di direttore dell'orchestra della Pietà, ma al comitato direttivo non piacque la passione per i viaggi del suo subordinato e nel 1738 il compositore fu licenziato. Allo stesso tempo, Vivaldi continuò a lavorare duramente nel genere operistico (uno dei suoi librettisti era il famoso C. Goldoni), mentre preferiva partecipare personalmente alla produzione. Tuttavia, le rappresentazioni operistiche di Vivaldi non ebbero particolare successo, soprattutto dopo che il compositore fu privato della possibilità di dirigere le sue opere al teatro di Ferrara a causa del divieto cardinalizio di entrare in città (il compositore fu accusato di avere una relazione amorosa con Anna Giraud, sua ex allieva, e il rifiuto del "monaco rosso" di servire la messa). Di conseguenza, la prima dell'opera a Ferrara fu un fallimento.
Nel 1740, poco prima della sua morte, Vivaldi fece il suo ultimo viaggio a Vienna. Le ragioni della sua improvvisa partenza non sono chiare. Morì nella casa della vedova di un sellaio viennese di nome Waller e fu sepolto in povertà. Subito dopo la sua morte, il nome dell'eccezionale maestro fu dimenticato. Quasi 200 anni dopo, negli anni '20. XX secolo Il musicologo italiano A. Gentili ha scoperto una collezione unica di manoscritti del compositore (300 concerti, 19 opere, opere vocali sacre e profane). Da questo momento inizia una vera rinascita dell'antico splendore di Vivaldi. La casa editrice musicale Ricordi iniziò a pubblicare le opere complete del compositore nel 1947, e la società Philips ha recentemente iniziato ad attuare un piano altrettanto grandioso: pubblicare “tutto” Vivaldi in registrazioni. Nel nostro Paese Vivaldi è uno dei compositori più eseguiti e più amati. L'eredità creativa di Vivaldi è grandiosa. Secondo l'autorevole catalogo tematico-sistematico di Peter Riom (designazione internazionale - RV), copre più di 700 titoli. Il posto principale nell’opera di Vivaldi fu occupato dal concerto strumentale (ne sono conservati circa 500 in totale). Lo strumento preferito del compositore era il violino (circa 230 concerti). Inoltre, ha scritto concerti per due, tre e quattro violini con orchestra e basso continuo, concerti per viola d'amore, violoncello, mandolino, flauti longitudinali e traversi, oboe, fagotto. Sono previsti più di 60 concerti per orchestra d'archi e basso continuo, sonate per vari strumenti. Di oltre 40 opere (la paternità di Vivaldi è stata accertata con precisione), solo la metà di esse è sopravvissuta. Meno popolari (ma non per questo meno interessanti) sono le sue numerose opere vocali: cantate, oratori, opere su testi spirituali (salmi, litanie, "Gloria", ecc.).
Molte delle opere strumentali di Vivaldi hanno sottotitoli programmatici. Alcuni si riferiscono al primo esecutore (concerto di Carbonelli, RV 366), altri alla festa durante la quale questa o quella composizione fu eseguita per la prima volta (“Per la festa di San Lorenzo”, RV 286). Alcuni sottotitoli indicano alcuni dettagli inconsueti della tecnica esecutiva (nel concerto intitolato “L’ottavina”, RV 763, tutti i violini solisti devono essere suonati nell’ottava superiore). I titoli più tipici sono quelli che caratterizzano l'umore prevalente: "Riposo", "Ansia", "Sospetto" o "Ispirazione armonica", "Cetra" (gli ultimi due sono i nomi di raccolte di concerti per violino). Allo stesso tempo, anche in quelle opere i cui titoli sembrano indicare momenti pittorici esterni ("Tempesta in mare", "Cardellino", "Caccia", ecc.), La cosa principale per il compositore rimane sempre il trasferimento del carattere lirico generale Umore. La partitura di “The Seasons” è dotata di un programma relativamente ampio. Già durante la sua vita, Vivaldi divenne famoso come un eccezionale esperto di orchestra, inventore di numerosi effetti coloristici, e fece molto per sviluppare la tecnica di suonare il violino.
S. Lebedev
Le meravigliose opere di A. Vivaldi hanno un'enorme fama mondiale. Famosi ensemble contemporanei (Orchestra da Camera di Mosca diretta da R. Barshai, “Roman Virtuosi”, ecc.) dedicano le serate al suo lavoro e, forse, dopo Bach e Handel, Vivaldi è il compositore più popolare dell'era del barocco musicale. In questi giorni sembra aver ricevuto una seconda vita.
Godette di grande fama durante la sua vita e fu l'ideatore di un concerto strumentale solista. Lo sviluppo di questo genere in tutti i paesi durante il periodo preclassico è associato all'opera di Vivaldi. I concerti di Vivaldi servirono da modello per Bach, Locatelli, Tartini, Leclerc, Benda e altri. Bach arrangiò 6 concerti per violino di Vivaldi per clavicembalo, fece concerti per organo di 2 e rielaborò uno per 4 clavicembali.
“All’epoca in cui Bach era a Weimar, l’intero mondo musicale ammirava l’originalità dei concerti di quest’ultimo (ad esempio Vivaldi - L.R.). Bach riorganizzò i concerti di Vivaldi non per renderli accessibili a circoli più ampi, e non per imparare da essi, ma solo perché gli dava piacere. Indubbiamente ha tratto beneficio da Vivaldi. Da lui ha imparato la chiarezza e l'armonia della costruzione. tecnica violinistica perfetta basata sulla melodiosità..."
Tuttavia, essendo molto popolare nella prima metà del XVIII secolo, Vivaldi fu poi quasi dimenticato. “Mentre dopo la morte di Corelli”, scrive Pencherl, “il ricordo di lui si è sempre più rafforzato e abbellito nel corso degli anni, Vivaldi, quasi meno famoso in vita, è letteralmente scomparso dopo pochi cinque anni, sia materialmente che spiritualmente. Le sue creazioni vengono rimosse dai programmi, anche le caratteristiche del suo aspetto vengono cancellate dalla memoria. C'erano solo speculazioni sul luogo e sulla data della sua morte. Per molto tempo i dizionari ripetono su di lui solo poche informazioni, piene di luoghi comuni e piene di errori...”
Fino a poco tempo fa Vivaldi interessava solo gli storici. Nelle scuole di musica, nelle fasi iniziali della formazione, hanno studiato 1-2 dei suoi concerti. A metà del 20 ° secolo, l'attenzione al suo lavoro aumentò rapidamente e aumentò l'interesse per i fatti della sua biografia. Eppure sappiamo ancora molto poco di lui.
Le idee sulla sua eredità, la maggior parte delle quali rimasero nell'oscurità, erano completamente sbagliate. Solo nel 1927-1930 il compositore e ricercatore torinese Alberto Gentili riuscì a scoprire circa 300 (!) autografi di Vivaldi, che erano di proprietà della famiglia Durazzo e conservati nella loro villa genovese. Tra questi manoscritti ci sono 19 opere, un oratorio e diversi volumi di opere religiose e strumentali di Vivaldi. Questa collezione fu fondata dal principe Giacomo Durazzo, filantropo, dal 1764, inviato austriaco a Venezia, dove, oltre all'attività politica, fu impegnato nel collezionismo di campioni d'arte.
Secondo il testamento di Vivaldi non furono oggetto di pubblicazione, ma Gentili riuscì a trasferirli alla Biblioteca Nazionale e a renderli così pubblici. Lo scienziato austriaco Walter Collender iniziò a studiarli, sostenendo che Vivaldi era diversi decenni avanti rispetto allo sviluppo della musica europea nell'uso della dinamica e delle tecniche puramente tecniche del violino.
Secondo gli ultimi dati, è noto che Vivaldi scrisse 39 opere, 23 cantate, 23 sinfonie, molte opere sacre, 43 arie, 73 sonate (trio e solista), 40 concerti grossi; 447 concerti solistici per una varietà di strumenti: 221 per violino, 20 per violoncello, 6 per viola damour, 16 per flauto, 11 per oboe, 38 per fagotto, concerti per mandolino, corno, tromba e per composizioni miste: legno con violino, per 2 - x violini e liuto, 2 flauti, oboe, corno inglese, 2 trombe, violino, 2 viole, quartetto d'archi, 2 piatti, ecc.
La data di nascita esatta di Vivaldi è sconosciuta. Pencherl fornisce solo una data approssimativa, leggermente anteriore al 1678. Suo padre Giovanni Battista Vivaldi era violinista nella Cappella Ducale di S. Brand a Venezia e interprete di prim'ordine. Con ogni probabilità, il figlio ricevette l'educazione violinistica del padre e studiò composizione con Giovanni Legrenzi, che diresse la scuola violinistica veneziana nella seconda metà del XVII secolo e fu un compositore eccezionale, soprattutto nel campo della musica orchestrale. A quanto pare da lui Vivaldi ereditò la passione per la sperimentazione di composizioni strumentali.
In giovane età, Vivaldi entrò nella stessa cappella dove suo padre lavorava come dirigente, e in seguito lo sostituì in questa posizione.
Tuttavia, la sua carriera musicale professionale fu presto integrata da quella spirituale: Vivaldi divenne prete. Ciò accadde il 18 settembre 1693. Fino al 1696 appartenne al clero minore e ricevette i pieni diritti sacerdotali il 23 marzo 1703. "Prete dai capelli rossi" - Vivaldi veniva chiamato beffardamente a Venezia, e questo soprannome rimase con lui per tutta la vita.
Ricevuto il sacerdozio, Vivaldi non interruppe gli studi musicali. In generale, non è stato coinvolto nel servizio in chiesa per molto tempo: solo un anno, dopo di che gli è stato proibito di servire la messa. I biografi danno una divertente spiegazione a questo fatto: “Un giorno Vivaldi stava celebrando la messa, e all'improvviso gli venne in mente il tema della fuga; uscendo dall'altare, si reca in sacrestia per scrivere questo tema, e poi ritorna all'altare. Ne seguì una denuncia, ma l’Inquisizione, considerandolo un musicista, cioè come un pazzo, si limitò a proibirgli di servire la messa in futuro”.
Vivaldi ha negato tali casi e ha spiegato il divieto delle funzioni religiose a causa delle sue condizioni dolorose. Nel 1737, quando sarebbe dovuto arrivare a Ferrara per mettere in scena una delle sue opere, il nunzio apostolico Ruffo gli proibì l'ingresso in città, adducendo, tra le altre ragioni, che non stava servendo la messa. Vivaldi indirizzò poi una lettera (16 novembre 1737) al suo mecenate marchese Guido Bentivoglio: “Da 25 anni ormai non servo messa e mai più la servirò, ma non per divieto, come forse Vostra Signoria è stata informata , ma di conseguenza una mia decisione causata da una malattia che mi opprime dal giorno in cui sono nato. Quando sono stato ordinato sacerdote, ho celebrato la messa per un anno o poco più, poi ho smesso di farla, costretto a lasciare l'altare tre volte senza finirla a causa di una malattia. Per questo motivo vivo quasi sempre a casa e viaggio solo in carrozza o in gondola, perché non posso camminare a causa di una malattia al torace, o meglio di un senso di costrizione toracica. Nessun nobile mi invita a casa sua, nemmeno il nostro principe, poiché tutti sanno della mia malattia. Dopo il pasto di solito posso fare una passeggiata, ma mai a piedi. Questo è il motivo per cui non celebro la messa”. La lettera è curiosa in quanto contiene alcuni dettagli quotidiani della vita di Vivaldi, che apparentemente si svolgeva in isolamento entro i confini della propria casa.
Costretto ad abbandonare la carriera ecclesiastica, Vivaldi nel settembre 1703 entrò in uno dei conservatori veneziani, denominato “Seminario musicale dell'ospitale Casa di pietà”, alla carica di “maestro di violino”, con uno stipendio di 60 ducati annui. A quei tempi i conservatori erano ricoveri per bambini (ospedali) annessi alle chiese. A Venezia erano quattro per le ragazze, a Napoli quattro per i ragazzi.
Il famoso viaggiatore francese de Brosses lasciò la seguente descrizione dei conservatori veneziani: “La musica degli ospedali qui è eccellente. Ce ne sono quattro e sono pieni di ragazze illegittime, così come di orfani o di coloro i cui genitori non sono in grado di allevarle. Vengono allevati a spese dello Stato e viene loro insegnata principalmente la musica. Cantano come angeli, suonano il violino, il flauto, l'organo, l'oboe, il violoncello, il fagotto; insomma non esiste strumento così ingombrante che farebbe loro paura. Ad ogni concerto prendono parte 40 ragazze. Te lo giuro, non c'è niente di più attraente che vedere una suora giovane e bella, vestita di bianco, con mazzi di fiori di melograno sulle orecchie, battere il tempo con tutta grazia e precisione.
J.-J. scrisse con entusiasmo della musica dei conservatori (soprattutto di Mendicanti - la chiesa dei mendicanti). Russo: “La domenica nelle chiese di ciascuna di queste quattro Scuole, durante i Vespri, un coro e un'orchestra al completo eseguono, sotto la loro personale direzione, mottetti composti dai più grandi compositori d'Italia, eseguiti esclusivamente da giovani ragazze, la più anziana delle quali non è anche ventenne. Sono sugli spalti dietro le sbarre. Né Carrio né io mancavamo mai a queste serate al Mendicanti. Ma mi disperavano quelle maledette sbarre, che lasciavano passare solo i suoni e nascondevano i volti degli angeli di bellezza degni di questi suoni. Stavo proprio parlando di questo. Una volta ho detto la stessa cosa al signor de Blon.
De Blon, che faceva parte della direzione del conservatorio, presentò Rousseau ai cantanti. "Vieni qui, Sofia", era terribile. "Vieni qui, Kattina", aveva un occhio storto. "Vieni, Bettina", il suo viso era sfigurato dal vaiolo." Tuttavia “la bruttezza non esclude il fascino, e loro lo avevano”, aggiunge Rousseau.
Entrato al Conservatorio di Pietà, Vivaldi ebbe l'opportunità di lavorare lì con l'intera orchestra (con fiati e organo), considerata la migliore di Venezia.
Venezia, la sua vita musicale e teatrale e i conservatori possono essere giudicati dalle seguenti accorate parole di Romain Rolland: “Venezia era a quel tempo la capitale musicale d'Italia. Lì, durante il carnevale, ogni sera si tenevano spettacoli in sette teatri d'opera. Ogni sera si riuniva l'Accademia di Musica, cioè si svolgeva un incontro musicale, e talvolta c'erano due o tre incontri di questo tipo per sera. Ogni giorno nelle chiese si svolgevano celebrazioni musicali, concerti di diverse ore con la partecipazione di diverse orchestre, diversi organi e diversi cori sovrapposti. Il sabato e la domenica i famosi vespri venivano serviti negli ospedali, questi conservatori femminili, dove si insegnava musica agli orfani, alle trovatelle o semplicemente alle ragazze con belle voci; davano concerti orchestrali e vocali, per i quali tutta Venezia impazziva...”
Al termine del primo anno di servizio Vivaldi ricevette il titolo di “maestro del coro”; non si conosce la sua ulteriore promozione, quello che è certo è che prestò servizio come insegnante di violino e di canto, e anche, a intermittenza, come direttore d'orchestra e compositore.
Nel 1713 ottenne un permesso e, secondo alcuni biografi, si recò a Darmstadt, dove per tre anni lavorò nella cappella del duca di Darmstadt. Pencherl sostiene però che Vivaldi non si recò in Germania, ma lavorò a Mantova, nella cappella ducale, non nel 1713, ma dal 1720 al 1723. Pencherl lo dimostra facendo riferimento ad una lettera di Vivaldi, che scrive: “A Mantova fui al servizio del pio principe di Darmstadt per tre anni”, e determina la durata del suo soggiorno lì dal fatto che il titolo di maestro di la cappella del duca appare sui frontespizi delle opere stampate di Vivaldi solo dopo il 1720 dell'anno.
Dal 1713 al 1718 Vivaldi visse a Venezia quasi ininterrottamente. In questo periodo le sue opere venivano rappresentate quasi ogni anno, la prima nel 1713.
Nel 1717 la fama di Vivaldi era cresciuta enormemente. Il famoso violinista tedesco Johann Georg Pisendel viene a studiare con lui. In generale, Vivaldi formò principalmente esecutori per l'orchestra del conservatorio, e non solo strumentisti, ma anche cantanti.
Basti dire che fu tutore di importanti cantanti liriche come Anna Giraud e Faustina Bodoni. "Preparò una cantante di nome Faustina, che la costrinse a imitare con la sua voce tutto ciò che ai suoi tempi si poteva eseguire con il violino, il flauto e l'oboe."
Vivaldi divenne molto amico di Pisendel. Pencherl racconta la seguente storia di I. Giller. Un giorno Pisendel stava passeggiando lungo St. Francobollo con “Prete dai capelli rossi”. All'improvviso interruppe la conversazione e ordinò tranquillamente di tornare immediatamente a casa. Una volta a casa spiegò il motivo dell'improvviso ritorno: per molto tempo quattro gruppi seguirono e osservarono il giovane Pisendel. Vivaldi chiese se il suo studente avesse detto da qualche parte parole riprovevoli e pretese che non uscisse di casa finché non avesse chiarito lui stesso la questione. Vivaldi incontrò l'inquisitore e apprese che Pisendel era stato scambiato per una persona sospetta con la quale somigliava.
Dal 1718 al 1722 Vivaldi non risulta nei documenti del Conservatorio di Pietà, che confermano la possibilità di una sua partenza per Mantova. Allo stesso tempo, appariva periodicamente nella sua città natale, dove le sue opere continuavano ad essere messe in scena. Tornò al conservatorio nel 1723, ma come compositore famoso. Nelle nuove condizioni, era obbligato a scrivere 2 concerti al mese, con una remunerazione in zecchini per concerto, e condurre per loro 3-4 prove. Nell'adempiere a questi compiti, Vivaldi li combinò con viaggi lunghi e lontani. “Da 14 anni”, scrive Vivaldi nel 1737, “viaggio con Anna Giraud in numerose città d'Europa. Ho trascorso tre stagioni di carnevale a Roma a causa dell'opera. Sono stato invitato a Vienna." A Roma è il compositore più popolare, il suo stile operistico è imitato da tutti. A Venezia nel 1726 ricopre l'incarico di direttore d'orchestra al Teatro S. Angelo, pare nel 1728, si reca a Vienna. Poi seguono tre anni senza dati. E ancora, alcune introduzioni sulle produzioni delle sue opere a Venezia, Firenze, Verona, Ancona gettano scarsa luce sulle circostanze della sua vita. Parallelamente, dal 1735 al 1740, proseguì il suo servizio presso il Conservatorio di Pietà.
La data esatta della morte di Vivaldi è sconosciuta. La maggior parte delle fonti indica l'anno 1743.
Sono sopravvissuti cinque ritratti del grande compositore. Il più antico e attendibile, pare, appartiene a P. Ghezzi e risale al 1723. Il “prete rosso” è raffigurato di profilo fino al petto. La fronte è leggermente inclinata, i capelli lunghi sono arricciati, il mento è appuntito, lo sguardo vivace è pieno di volontà e curiosità.
Vivaldi era molto malato. In una lettera al marchese Guido Bentivolio (16 novembre 1737), scrive di essere costretto a compiere i suoi viaggi accompagnato da 4-5 persone - e tutto a causa di una condizione dolorosa. Tuttavia, la malattia non gli ha impedito di essere estremamente attivo. Viaggia all'infinito, dirige lui stesso produzioni operistiche, discute ruoli con cantanti, lotta con i loro capricci, conduce un'ampia corrispondenza, dirige orchestre e riesce a scrivere un numero incredibile di opere. È molto pratico e sa come organizzare i propri affari. De Brosse ironizza: “Vivaldi è diventato mio caro amico per vendermi i suoi concerti a un prezzo più alto”. Si inchina ai poteri costituiti, scegliendo prudentemente i mecenati, ed è ipocritamente religioso, sebbene non sia affatto incline a privarsi dei piaceri mondani. Essendo un prete cattolico e, secondo le leggi di questa religione, privato della possibilità di sposarsi, ha avuto una relazione amorosa con la sua allieva, la cantante Anna Giraud, per molti anni. La loro vicinanza causò grossi guai a Vivaldi. Così, nel 1737, il legato pontificio a Ferrara rifiutò l'ingresso di Vivaldi in città non solo perché gli era vietato svolgere le funzioni religiose, ma soprattutto a causa di questa riprovevole vicinanza. Il famoso drammaturgo italiano Carlo Goldoni scrisse che Giraud era brutta, ma attraente: aveva una vita sottile, occhi e capelli bellissimi, una bocca affascinante, aveva una voce debole e un indubbio talento scenico.
La migliore descrizione della personalità di Vivaldi è contenuta nelle Memorie di Goldoni.
Un giorno a Goldoni fu chiesto di apportare alcune modifiche al testo del libretto dell'opera “Griselda” con musiche di Vivaldi, la cui produzione si stava preparando a Venezia. A tal fine si recò nell’appartamento di Vivaldi. Il compositore lo ricevette con un libro di preghiere tra le mani, in una stanza disseminata di spartiti. Fu molto sorpreso che al posto del vecchio librettista Lalli fosse Goldoni ad apportare le modifiche.
“So bene, mio caro signore, che avete un talento poetico; Ho guardato il tuo “Belisarius”, che mi è piaciuto molto, ma questo è completamente diverso: puoi creare una tragedia, un poema epico, se vuoi, e tuttavia non essere in grado di affrontare le quartine da mettere in musica.
- Dammi il piacere di conoscere la tua opera.
- Per favore, per favore, con piacere. Dove ho messo “Griselda”? Lei era qui. Deus, in adjutorium meum intende, Domine, Domine, Domine. (Dio, vieni a me! Signore, Signore, Signore). Era proprio a portata di mano. Domine adjuvandum (Signore, aiuto). Ah, eccola, guardi signore, questa scena tra Gualtiere e Griselda, questa è una scena molto affascinante, toccante. L'autrice l'ha conclusa con un'aria patetica, ma alla signorina Giraud non piacciono le canzoni noiose, vorrebbe qualcosa di espressivo, emozionante, un'aria che esprima la passione in modi diversi, ad esempio parole interrotte da sospiri, con azione, movimento. Non so se mi capisci?
- Sì, signore, l'ho già capito, del resto ho già avuto l'onore di ascoltare la signorina Giraud, e so che la sua voce non è forte.
- Come insulti il mio studente, signore? Tutto le è accessibile, canta tutto.
- Sì, signore, ha ragione; dammi il libro e lasciami mettermi al lavoro.
- No, signore, non posso, ho bisogno di lei, sono molto preoccupato.
- Ebbene, se, signore, è così occupato, allora mi conceda un minuto e la soddisferò immediatamente.
- Subito?
- Sì, signore, immediatamente.
L'abate, ridacchiando, mi dà una commedia, carta e calamaio, riprende il suo libro di preghiere e, mentre cammina, legge i suoi salmi e inni. Ho letto la scena che già conoscevo, mi sono ricordato dei desideri del musicista e in meno di un quarto d'ora ho abbozzato su carta un'aria di 8 versi, divisa in due parti. Chiamo la mia persona spirituale e gli mostro il mio lavoro. Vivaldi legge, la sua fronte si spiana, rilegge, lancia esclamazioni di gioia, getta a terra il messale e chiama la signorina Giraud. Appare; Ebbene, dice, ecco una persona rara, ecco un ottimo poeta: leggi quest'aria; Il signor ce l'ha fatta senza alzarsi in un quarto d'ora; poi rivolgendosi a me: ah, signore, mi scusi. “E mi abbraccia giurando che d’ora in poi sarò il suo unico poeta”.
Pencherl conclude la sua opera dedicata a Vivaldi con le seguenti parole: “Così ci appare Vivaldi quando mettiamo insieme tutte le informazioni individuali che lo riguardano: creato da contrasti, debole, malato, eppure vivo come polvere da sparo, pronto a irritarsi e subito calmarsi, passare dalla vanità mondana alla pietà superstiziosa, testardo e allo stesso tempo accomodante quando necessario, mistico, ma pronto con i piedi per terra quando si tratta dei suoi interessi, e per niente sciocco nell'organizzazione dei suoi affari .”
E come tutto questo si adatta alla sua musica! In esso, il sublime pathos dello stile della chiesa si unisce all'irrefrenabile ardore della vita, il sublime si mescola al quotidiano, l'astratto al concreto. I suoi concerti sono caratterizzati da fughe austere, adagi dolorosi e maestosi e, insieme ad essi, canzoni di gente comune, testi che vengono dal cuore e danze allegre. Scrive opere programmatiche - il famoso ciclo “Le Stagioni” e fornisce ad ogni concerto strofe bucoliche, frivole per l'abate:
La primavera è arrivata, si annuncia solennemente.
La sua allegra danza rotonda e la canzone risuona tra le montagne.
E il ruscello mormora verso di lei in modo accogliente.
Il vento di Zefiro accarezza tutta la natura.
Ma all'improvviso si fece buio, i lampi brillarono,
Il presagio della primavera: il tuono ha spazzato le montagne
E presto tacque; e i canti dell'allodola,
Risuonando nel blu, corrono attraverso le valli.
Dove il tappeto di fiori ricopre la valle,
Dove l'albero e la foglia tremano nella brezza,
Con il cane ai suoi piedi, il pastorello sogna.
E ancora Pan può ascoltare il flauto magico
Le ninfe danzano ancora al suo suono,
Accogliendo la Maga-Primavera.
In “L'Estate” Vivaldi fa cantare il cuculo, tubare la tortora, frinire il cardellino; in “Autunno” inizia il concerto con un canto di paesani che tornano dai campi. Crea anche immagini poetiche della natura in altri concerti in programma, come "Storm at Sea", "Night", "Pastoral". Ha anche concerti che descrivono lo stato d'animo: “Sospetto”, “Rilassamento”, “Ansia”. I suoi due concerti sul tema “Notte” possono essere considerati i primi notturni sinfonici della world music.
Le sue opere stupiscono per la ricchezza della sua immaginazione. Con un'orchestra a sua disposizione, Vivaldi sperimenta costantemente. Gli strumenti solisti nelle sue composizioni sono severamente ascetici o frivoli virtuosistici. La motilità in alcuni concerti lascia il posto a una generosa cantabilità e melodia in altri. Gli effetti colorati e il gioco timbrico, come nel movimento centrale del Concerto per tre violini con il suo affascinante suono pizzicato, sono quasi “impressionistici”.
Vivaldi creò con una velocità fenomenale: "È pronto a scommettere che potrà comporre un concerto con tutte le sue parti più velocemente di quanto uno scriba possa riscriverlo", scrisse de Brosses. Forse è qui che nasce la spontaneità e la freschezza della musica di Vivaldi, che delizia gli ascoltatori da più di due secoli.
L. Raaben, 1967
L'eccezionale violinista e compositore Antonio Vivaldi (1678-1741) è uno dei più brillanti rappresentanti dell'arte violinistica italiana del XVIII secolo. Il suo significato, soprattutto nella creazione del concerto per violino solo, va ben oltre i confini dell'Italia.
A. Vivaldi è nato a Venezia, nella famiglia di un eccellente violinista e insegnante, membro della cappella della Cattedrale di San Marco Giovanni Battista Vivaldi. Fin dalla prima infanzia, suo padre gli insegnò a suonare il violino e lo portò alle prove. Dall'età di 10 anni, il ragazzo iniziò a sostituire suo padre, che lavorava anche in uno dei conservatori della città.
Il capo del coro, G. Legrenzi, si interessò al giovane violinista e con lui studiò organo e composizione. Vivaldi frequentava i concerti casalinghi di Legrenzi, dove venivano ascoltate nuove opere dello stesso proprietario, dei suoi studenti - Antonio Lotti, il violoncellista Antonio Caldara, l'organista Carlo Polarolli e altri. Purtroppo Legrenzi morì nel 1790 e gli studi cessarono.
A questo punto Vivaldi aveva già iniziato a comporre musica. La sua prima opera giunta fino a noi è un'opera spirituale risalente al 1791. Il padre ritenne opportuno impartire al figlio un'educazione spirituale, poiché il suo rango e il voto di celibato davano a Vivaldi il diritto di insegnare al conservatorio femminile. Iniziò così la formazione spirituale in seminario. Nel 1693 fu ordinato abate. Ciò gli fornì l'accesso al conservatorio più prestigioso, l'Ospedale della Pietà. Tuttavia, l’ordine sacro si rivelò in seguito un ostacolo allo sviluppo dell’enorme talento di Vivaldi. Dopo l'abate, Vivaldi salì ai ranghi del clero e infine, nel 1703, fu ordinato all'ultimo grado inferiore - sacerdote, che gli diede il diritto di servire un servizio indipendente - la messa.
Il padre di Vivaldi lo preparò pienamente all'insegnamento, avendo fatto lo stesso al Conservatorio “I Mendicanti”. La musica era la materia principale al conservatorio. Alle ragazze veniva insegnato a cantare, suonare vari strumenti e dirigere. Il conservatorio disponeva allora di una delle migliori orchestre d'Italia, con la partecipazione di 140 studenti. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf hanno parlato con entusiasmo di questa orchestra. Insieme a Vivaldi, allievo di Corelli e Lotti, qui insegnò Francesco Gasparini, un esperto violinista e compositore le cui opere furono messe in scena a Venezia.
Al Conservatorio Vivaldi insegnò violino e “viola inglese”. L'orchestra del conservatorio divenne per lui una sorta di laboratorio dove i suoi progetti potevano essere realizzati. Già nel 1705 fu pubblicata la sua prima opera di sonate a tre (sonate da camera), in cui si avverte ancora l'influenza di Corelli. È caratteristico, tuttavia, che in essi non si noti alcun segno di apprendistato. Queste sono composizioni artistiche mature, che attraggono con la freschezza e la fantasia della musica.
Quasi a sottolineare l'omaggio al genio di Corelli, conclude la Sonata n. 12 con le stesse variazioni sul tema Folia. Già l'anno prossimo uscirà la seconda opera: i concerti grossi "Harmonic Inspiration", apparsi tre anni prima dei concerti di Torelli. È tra questi concerti che si trova il famoso la minore.
Il servizio al conservatorio ha avuto successo. A Vivaldi viene affidata la guida dell'orchestra, poi del coro. Nel 1713, a causa della partenza di Gasparini, Vivaldi divenne il compositore principale con l'obbligo di comporre due concerti al mese. Ha lavorato al conservatorio quasi fino alla fine della sua vita. Ha portato l'orchestra del conservatorio alla massima perfezione.
La fama di Vivaldi compositore si sta rapidamente diffondendo non solo in Italia. Le sue opere sono pubblicate ad Amsterdam. A Venezia incontra Handel, A. Scarlatti, suo figlio Domenico, che studia con Gasparini. Vivaldi divenne famoso anche come violinista virtuoso, per il quale non esistevano difficoltà impossibili. La sua abilità era evidente nelle cadenze improvvisate.
In una di queste occasioni, qualcuno che era presente ad una produzione dell'opera di Vivaldi al Teatro San Angelo, ricordò la sua esibizione: “Quasi alla fine, accompagnando un superbo cantante solista, Vivaldi finalmente eseguì una fantasia che mi spaventò davvero, perché era qualcosa incredibile, come nessuno ha suonato e non sa suonare, perché con le sue dita salì tanto in alto che non c'era più spazio per l'arco, e con tutte e quattro le corde eseguì una fuga con incredibile velocità. Nei manoscritti rimangono registrazioni di molte di queste cadenze.
Vivaldi componeva rapidamente. Vengono pubblicate le sue sonate solistiche e i suoi concerti. Per il conservatorio creò il suo primo oratorio, “Mosè, Dio del Faraone”, e preparò la sua prima opera, “Ottone in Villa”, che fu rappresentata con successo nel 1713 a Vicenza. Nei tre anni successivi crea altre tre opere. Poi arriva una pausa. Vivaldi scriveva così facilmente che anche lui stesso a volte lo notava, come nel manoscritto dell'opera "Tito Manlio" (1719) - "lavorò in cinque giorni".
Nel 1716 Vivaldi creò uno dei suoi migliori oratori per il conservatorio: “Giuditta trionfante, che sconfigge Oloferne dei barbari”. La musica attrae con la sua energia e portata e allo stesso tempo sorprendente vivacità e poesia. Nello stesso anno, durante i festeggiamenti musicali in onore dell'arrivo a Venezia del Duca di Sassonia, furono invitati ad esibirsi due giovani violinisti: Giuseppe Tartini e Francesco Veracini. L'incontro con Vivaldi ebbe un profondo impatto sul loro lavoro, soprattutto sui concerti e sulle sonate di Tartini. Tartini diceva che Vivaldi era un compositore di concerti, ma pensava che fosse un operista per vocazione. Tartini aveva ragione. Le opere di Vivaldi sono ormai dimenticate.
L'attività didattica di Vivaldi al conservatorio portò gradualmente al successo. Con lui studiarono anche altri violinisti: J.B. Somis, Luigi Madonis e Giovanni Verocai, che prestarono servizio a San Pietroburgo, Carlo Tessarini, Daniel Gottlob Troy - direttore d'orchestra a Praga. Allievo del conservatorio, Santa Tasca divenne violinista concertista, poi musicista di corte a Vienna; Si è esibito anche Hiaretta, con il quale ha studiato l'importante violinista italiano G. Fedeli.
Inoltre, Vivaldi si è rivelato un buon insegnante di canto. La sua allieva Faustina Bordoni ricevette il soprannome di “Nuova Sirena” per la bellezza della sua voce (contralto). Lo studente più famoso di Vivaldi fu Johann Georg Pisendel, primo violino della Cappella di Dresda.
Nel 1718 Vivaldi accettò inaspettatamente l'invito a lavorare come capo della cappella del Langravio a Mantova. Qui mise in scena le sue opere, creò numerosi concerti per la cappella e dedicò una cantata al Conte. A Mantova incontra la sua ex allieva, la cantante Anna Giraud. Si è impegnato a sviluppare le sue capacità vocali, ci è riuscito, ma si è interessato seriamente a lei. Giraud divenne un cantante famoso e cantò in tutte le opere di Vivaldi.
Nel 1722 Vivaldi tornò a Venezia. Al conservatorio ora deve comporre due concerti strumentali al mese e condurre 3-4 prove con gli studenti per impararli. In caso di partenza doveva inviare i concerti tramite corriere.
Nello stesso anno creò i Dodici Concerti, che comprendevano l'op. 8 - “Un'esperienza di armonia e fantasia”, che comprende le famose “Stagioni” e alcuni altri concerti in programma. Fu pubblicato ad Amsterdam nel 1725. I concerti si diffusero rapidamente in tutta Europa e le Quattro Stagioni ottennero un'enorme popolarità.
In questi anni l'intensità della creatività di Vivaldi fu eccezionale. Solo per la stagione 1726/27 creò otto nuove opere, dozzine di concerti e sonate. Dal 1735 iniziò la fruttuosa collaborazione di Vivaldi con Carlo Goldoni, sul cui libretto creò le opere “Griselda”, “Aristide” e molte altre. Ciò ha influenzato anche la musica del compositore, nella cui opera le caratteristiche dell'opera buffa e degli elementi popolari si manifestano più chiaramente.
Poco si sa di Vivaldi interprete. Si esibiva come violinista molto raramente - solo al Conservatorio, dove a volte suonava i suoi concerti, e talvolta all'opera, dove c'erano assoli di violino o cadenze. A giudicare dalle registrazioni sopravvissute di alcune delle sue cadenze, delle sue composizioni, nonché dalle frammentarie testimonianze dei suoi contemporanei sul suo modo di suonare arrivate fino a noi, era un violinista eccezionale che controllava magistralmente il suo strumento.
Come compositore, pensava come un violinista. Lo stile strumentale traspare anche nelle sue opere operistiche e nelle composizioni oratoriali. Il fatto che fosse un violinista eccezionale è testimoniato anche dal fatto che molti violinisti in Europa cercarono di studiare con lui. Le caratteristiche del suo stile esecutivo si riflettono certamente nelle sue composizioni.
L'eredità creativa di Vivaldi è enorme. Sono già state pubblicate oltre 530 delle sue opere. Ha scritto circa 450 concerti diversi, 80 sonate, circa 100 sinfonie, più di 50 opere e oltre 60 opere spirituali. Molti di loro rimangono ancora manoscritti. La casa editrice Ricordi ha pubblicato 221 concerti per violino solo, 26 concerti per 2-4 violini, 6 concerti per viol d'amour, 11 concerti per violoncello, 30 sonate per violino, 19 sonate per trio, 9 sonate per violoncello e altre opere, tra cui anche per strumenti a fiato.
In ogni genere toccato dal genio di Vivaldi, si aprivano possibilità nuove e inesplorate. Ciò era già evidente nella sua prima opera.
Le dodici sonate in trio di Vivaldi furono pubblicate per la prima volta come op. 1, a Venezia nel 1705, ma furono composti molto prima; Quest'opera probabilmente includeva opere selezionate di questo genere. Nello stile si avvicinano a Corelli, anche se rivelano anche alcuni tratti individuali. È interessante che, proprio come accade nell'op. 5 Corelli, la raccolta di Vivaldi si conclude con diciannove variazioni sul tema allora popolare dei folia spagnoli. Degna di nota è la diversa presentazione (melodica e ritmica) del tema in Corelli e Vivaldi (quest'ultimo è più rigoroso). A differenza di Corelli, che solitamente distingueva tra stili da camera e da chiesa, Vivaldi già nella sua prima opera fornisce esempi del loro intreccio e compenetrazione.
In termini di genere, queste sono ancora piuttosto sonate da camera. In ognuno di essi, la prima parte del violino viene evidenziata e le viene conferito un carattere virtuosistico e più libero. Le sonate si aprono con lussureggianti preludi di carattere lento e solenne, ad eccezione della Decima Sonata, che inizia con una danza veloce. Le restanti parti sono quasi tutte di genere. Ecco otto allemande, cinque jig, sei carillon, che vengono reinterpretati strumentalmente. La solenne gavotta di corte, ad esempio, la usa cinque volte come finale veloce in Allegro e Presto tempo.
La forma delle sonate è abbastanza libera. La prima parte conferisce un'atmosfera psicologica all'insieme, proprio come fece Corelli. Tuttavia, Vivaldi rifiuta ulteriormente la parte della fuga, la polifonia e l'elaborazione, e si impegna per un movimento di danza dinamico. A volte tutte le altre parti corrono quasi allo stesso tempo, violando così l'antico principio dei tempi contrastanti.
Già in queste sonate si avverte la più ricca immaginazione di Vivaldi: nessuna ripetizione di formule tradizionali, melodia inesauribile, desiderio di risalto, intonazioni caratteristiche, che sarebbero poi state sviluppate dallo stesso Vivaldi e da altri autori. Così l'inizio della Tomba della seconda sonata apparirà poi nelle “Stagioni”. La melodia del preludio dell'undicesima sonata si rifletterà nel tema principale del Concerto per due violini di Bach. Le caratteristiche caratteristiche includono ampi movimenti figurativi, ripetizione di intonazioni, come se fissassero il materiale principale nella mente dell'ascoltatore e un'attuazione coerente del principio dello sviluppo sequenziale.
La forza e l'inventiva dello spirito creativo di Vivaldi sono state particolarmente chiaramente dimostrate nel genere del concerto. È in questo genere che sono state scritte la maggior parte delle sue opere. Allo stesso tempo, il patrimonio concertistico del maestro italiano combina liberamente opere scritte in forma di concerto grosso e in forma di concerto solista. Ma anche in quei suoi concerti che gravitano verso il genere del concerto grosso, si avverte chiaramente l'individualizzazione delle parti del concerto: spesso acquisiscono un carattere concertistico, e quindi non è facile tracciare il confine tra concerto grosso e concerto solista .
compositore di violino Vivaldi
Abbiamo risposto alle domande più popolari: controlla, forse abbiamo risposto anche alle tue?
- Siamo un'istituzione culturale e vogliamo trasmettere sul portale Kultura.RF. Dove dovremmo rivolgerci?
- Come proporre un evento alla “Poster” del portale?
- Ho trovato un errore in una pubblicazione sul portale. Come dirlo alla redazione?
Mi sono iscritto alle notifiche push, ma l'offerta appare ogni giorno
Utilizziamo i cookie sul portale per ricordare le tue visite. Se i cookie vengono eliminati, verrà nuovamente visualizzata l'offerta di abbonamento. Apri le impostazioni del browser e assicurati che l'opzione "Elimina cookie" non sia contrassegnata da "Elimina ogni volta che esci dal browser".
Voglio essere il primo a conoscere nuovi materiali e progetti del portale “Culture.RF”
Se hai un'idea da trasmettere, ma non hai le capacità tecniche per realizzarla, ti suggeriamo di compilare un modulo di domanda elettronico nell'ambito del progetto nazionale “Cultura”: . Se l'evento è programmato tra il 1 settembre e il 31 dicembre 2019, la domanda potrà essere presentata dal 16 marzo al 1 giugno 2019 (compresi). La selezione degli eventi che riceveranno il sostegno viene effettuata da una commissione di esperti del Ministero della Cultura della Federazione Russa.
Il nostro museo (istituzione) non è sul portale. Come aggiungerlo?
Puoi aggiungere un'istituzione al portale utilizzando il sistema “Spazio informativo unificato nel campo della cultura”: . Unisciti ad esso e aggiungi i tuoi luoghi ed eventi in conformità con. Dopo la verifica da parte del moderatore, le informazioni sull'istituzione appariranno sul portale Kultura.RF.